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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘Hostile’

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Sinopsis

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La Tierra ha sido asolada por una epidemia y, en ella, solo quedan unos pocos miles de personas luchando por la supervivencia. Julie es una de ellas. A pesar de haberse curtido en esta situación, nada la había preparado para el encuentro con unas letales bestias noctámbulas.

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Crítica

Una mezcla de géneros con un final realmente original.

El francés Matheiu Turi nos trae mundo post apocalíptico, en la que vemos referencias a ‘Mad Max’ y a Tom Raider.

En ‘Hostile’ tenemos una historia de supervivencia sencilla, donde una mujer se queda atrapada en su coche en un desierto y tiene que intentar sobrevivir a los misterios que llegan de noche. Durante su encierro comienza a recordar la historia de amor con su pareja mediante flashbacks.

La ambientación de la cinta es muy buena, como he dicho, el mundo desértico que vemos en la cinta recuerda mucho a ‘Mad Max’, e incluso lo hace la ropa que ella lleva. En este mundo hay unas extrañas criaturas, y poco a poco se irá desvelando de donde aparecieron.

En general todo está muy cuidado, se denota un interés del director para que el espectador realmente se adentre en la historia.

Una cosa muy lograda, es la tensión, el estrés de vivir el encierro de la protagonista dentro del coche. Esto, aparte de la dirección, también es debido gracias a la dirección de fotografía de Vincent Vieillard-Baron, muy trabajada ya que juega mucho con la oscuridad y la luz, además por supuesto del gran trabajo de la actriz de la que hablamos a continuación.

La protagonista, Brittany Ashworth, a la que veremos en ‘The Crucifixion’ de Xavier Gens (productor ejecutivo de ‘Hostile’), está fantástica. Físicamente bien podría haber hecho de Lara Croft, pues su personaje en su lucha por sobrevivir recuerda mucho a la protagonista del videojuego.

Y otro de los protagonistas en la sombra es nuestro Javier Botet, como siempre estupendo. Un monstruo diferente que hace que se te pongan los pelos de punta con los movimientos de su cuerpo.

En general la cinta convence, el único fallo que si que le veo es que debería de haberse centrado mucho más en la chica, en su desesperación por lograr sobrevivir en la noche, que en meter tantos flashback de su vida, pues realmente te sacan de la película y la tensión que tan bien logra crear en el presente

Pero admito que para ser el debut como director de Mathieu Turi, el cual ya ha trabajado como segundo director para Tarantino, es bastante loable y nos muestra sin tapujos el mundo hostil en el que vivimos a diario. 

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de octubre 2017 (Festival Nocturna Madrid) . Título original: Hostile. Duración: 83 min. País: Francia. Dirección: Mathieu Turi. Guión: Mathieu Turi. Música: Frédéric Poririer. Fotografía: Vincent Vieillard-Baron. Reparto principal: Brittany Ashworth, Grégory Fitoussi, Javier Botet, Jay Benedict. Producción: Full Time Films, Title Media. Género: Terror. Web oficial: https://www.facebook.com/Hostilethemovie/

Crítica: ‘Errementari. El herrero y el diablo’

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Sinopsis

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Han pasado 10 años desde de la primera Guerra Carlista de 1833. En un pequeño pueblo de Álava, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos. Hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.

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Crítica

Pocos herreros controlan el arte de forjar maneras de perpetuar las historias populares tan bien como Urkijo.

Hacer que los niños entren al trapo, caigan en la dinámica de una película y se adentren en el cuento que les proponen puede ser una tarea relativamente fácil. Pero procurar que los adultos experimenten esas sensaciones, retornen a su infancia y disfruten con una fábula es una proeza mucho más difícil de lograr. Ese es uno de los méritos de ‘Errementari’. La película de Paul Urkijo empalma las historias clásicas con el modo de narrar moderno, rodando muy al estilo de su productor Álex de la Iglesia. Rescata no solo el espíritu de los cuentos tradicionales, sino una historia en sí misma.

El inicio animado de la película ya nos pone las expectativas por las nubes y de ahí no nos baja. Es inevitable no quedarse prendado de su narrativa. Es palpable el amor de Urkijo hacia el folclore vasco o las historias que relacionan el plano mortal con el divino. Sabe transmitirlo, y lo que es más, lo rodea de ese humor inocentón que siempre han tenido los cuentos y que nos dejan un recuerdo entrañable. Cosas tan sencillas como unos garbanzos, unas collejas, una campana… pueden servir para que nos riamos a carcajadas.

Por supuesto que la película tiene su mensaje, si no, no estaríamos hablando de un cuento. Los prejuicios, el hacer ver que donde otros ven un ogro una niña puede ver a un amigo puede ser su moraleja. Pero la obra da pie a más lecturas. Los diablos tienen sus propias preocupaciones, existen seres más astutos que las criaturas del infierno… cada uno extraerá diferentes enseñanzas de la película y ese es otro argumento que inclina la balanza hacia el lado de las fábulas.

El diseño de producción de la película junto a su rodaje en euskera alavés del siglo XIX nos transporta a otra época. Recomiendo verla en versión original pues ayuda bastante a meterse en toda esta aventura. Sin embargo, su ambientación y puesta en escena son lo suficientemente potentes como para depender del idioma. La atmósfera es de cuento, sobre todo la de la herrería que, además de poder utilizarse para un videoclip de una banda de heavy metal, evoca a los habitáculos de personajes tan entrañables como los aparecidos en obras como las de Esopo o los Hermanos Grimm.

Errementari significa herrero y por supuesto la figura de ese personaje es objeto de todas las miradas. Kandido Uranga interpreta a ese personaje de un modo atormentado pero a la vez intimidatorio. Pero no es el actor que más me ha llamado la atención. Eneko Sagardoy es quien logra tras la máscara arrancar más sonrisas e incluso que empaticemos con su personaje a pesar de encarnar al villano. Construye a un diablo cargado de una vis cómica infantil a la par que madura, un meritorio trabajo.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de marzo de 2018. Título original: Errementari. Duración: 96 min. País: España. Dirección: Paul Urkijo Alijo. Guión: Asier Guerricaechevarría, Paul Urkijo Alijo. Música: Xabat Lertxundi. Fotografía: Gorka Gómez Andreu. Reparto principal: Kandido Uranga, Uma Bracaglia, Eneko Sagardoy, Jose Ramón Argoitia, Josean Bengoetxea, Gorka Aguinagalde, Iñigo de la Iglesia, Zigor Bilbao, Ortzi Acosta, Jon Ander Alonso, Itziar Ituño, Gotzon Sanchez, Maite Bastos. Producción: Pokeepsie Films, Gariza Produkzioak, Ikusgarri Films, Kinoskopik s.l. Distribución: Filmax. Género: fantástico. Web oficial: http://www.errementari.com

Crítica: ‘Feliz día de tu muerte’

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Sinopsis

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La película cuenta la historia de la joven Tree en el peor día de su vida. Una mañana de resaca despierta en la residencia de un compañero de Universidad, corriendo se viste y se dirige a su dormitorio para hablar con sus compañeras y comenzar a celebrar su cumpleaños. En la fiesta de esa misma noche es atacada y aparentemente asesinada, pero ese momento es interrumpido por el comienzo de un nuevo día.

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Crítica

Versión moderna que se queda a una buena distancia de un gran clásico.

Qué poca gente puede decir que no le guste ‘Atrapado en el tiempo’ o ‘El día de la marmota’ como la conocen muchos al traducir literalmente su título original. El emblemático largometraje protagonizado por Bill Murray es historia del cine de comedia y viajes en el tiempo y es inevitable que surjan revisiones como la que hoy nos ocupa. ‘Feliz día de tu muerte’ se une a esas películas que homenajean abiertamente el filme dirigido por otro cazafantasmas, el fallecido Harold Ramis, pues finalmente se rinde a lo evidente e incluso cita en una de sus escenas a la película de los noventa.

Este nuevo estreno sigue en líneas generales las mismas pautas. Una persona a la que muchos no tacharíamos de Madre Teresa de Calcuta se despierta y se ve obligada a vivir día sí y día también la misma jornada. Se ha convertido al protagonista en una estudiante de universidad y se ha introducido un componente slasher. Curioso, más que original, resulta que se le añada una nueva variable a la ecuación como lo es la del asesino y el hecho de que el día se reinicie cada vez que la protagonista muera, aunque esto lo hemos visto muy bien explotado, literalmente, en películas recientes, como ‘Al filo del mañana’. Le aporta una nueva dimensión al tormento que sufre el protagonista que a su vez no deja de hacerle gracia al espectador. Sin embargo no esperéis que os expliquen la razón, el origen o la causa de tal calvario.

Ahí se acaba la aportación de Christopher Landon (escritor de ‘Paranormal activity 3’) al género. Lo que nos ofrece es una simple comedia universitaria que en cada crepúsculo tiene algo de muerte. Posee por lo tanto los clásicos chistes fáciles de su género basados en el alcohol, el sexo y las novatadas. Y tiene por supuesto los manidos sustos y escenas reutilizadas de las películas de asesinos enmascarados. Además cada día que vive el personaje interpretado por Jessica Rothe es interminablemente largo y repetitivo. Esto se hace pesado sobre todo porque casi nada más empezar nos dan los suficientes indicios como para saber quién es el villano/a de la cinta.

Pese a que Landon ya había trabajado en títulos de la Blumhouse como ‘Paranormal activity’ o ‘Viral’ no ha sido capaz de realizar un título a la altura. Y mucho más lejos se ha quedado del listón del clásico que intenta renovar pues su protagonista no tiene el carisma Bill Murray y su desarrollo no es tan hilarante. Habría cabido esperar más comicidad, menos insistencia en momentos triviales y algo más de razonamiento en lo que se refiere al bucle en el que se encierra a la protagonista.

 Ficha de la película

Estreno en España: 10 de noviembre de 2017. Título original: Happy Death Day. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Landon. Guión: Christopher Landon, Scott Lobdell. Música: Bear McCreary. Fotografía: Toby Oliver. Reparto principal: Jessica Rothe, Israel Broussard, Ruby Modine, Charles Aitken, Laura Clifton. Producción: Blumhouse Productions, Digital Riot Media. Distribución: Universal Pictures. Género: slasher, comedia, terror. Web oficial: http://www.universalpictures.es/es/peliculas/feliz-dia-de-tu-muerte-80/

Crítica: ‘The disaster artist’

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Sinopsis

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Con ‘The Disaster Artist’, el director James Franco transforma la tragicómica historia real del aspirante a cineasta y el infame artista de Hollywood Tommy Wiseau -un artista cuya pasión era tan sincera como cuestionables sus métodos- en una celebración de amistad, expresión artística y sueños perseguidos contra probabilidades insuperables. Basado en la historia más vendida de Greg Sestero sobre la creación de la «obra de teatro» The Room (‘The Greatest Bad Movie Ever Made’), ‘The disaster artist’ es un recordatorio hilarante y bienvenido de que hay más de una forma para convertirse en una leyenda, y no hay límite para lo que puedes lograr cuando no tienes absolutamente ninguna idea de lo que estás haciendo.

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Crítica

No hay desastre que no pueda aprovecharse.

Hace años que surgió el fenómeno de ‘The Room’ y hace menos que algunos pudimos experimentarlo, gracias a iniciativas como las de cinecutre.com. Y cutre es la película pues un drama romántico que costó entorno a seis millones de dólares no puede tener la cantidad de despropósitos que tiene este. Malabarismos del destino, efectos virales o mentirijillas de última hora hicieron que verla como comedia hiciesen de ‘The Room’ una película de culto, una nueva experiencia cinematográfica. Pero yendo más allá del fenómeno que ha generado la película está la figura de su creador, el artista del desastre y el desastre de artista. Tommy Wiseau es un peculiar personaje rodeado de misterios que él mismo ha querido generar. Ahora gracias a la más que acertada película de James Franco, basada en el libro de Greg Sestero, actor en ‘The Room’, aquí interpretado por Dave Franco, todos podréis conocer en detalle tanto el origen de esta calamidad de largometraje como la personalidad de su artífice.

Es tan excéntricamente chistosa la manera de ser de Wiseau y tan particular el transcurso del rodaje de su filme que a James Franco no le tiene que haber costado nada buscarle el humor a su película. Esta es una comedia que hace gracia por sí misma, para la que no hace falta pensar gags. Y eso que no nos cuentan muchas más cosas que seguro que podría haber incorporado a su película, pero tal vez haya sido mejor así, sin correr el riesgo de cargar al espectador ni caer en la extrema burla. Si ‘The Room’ es un filme soporífero y desastroso que puede matar si uno lo ve a solas, ‘The disaster artist’ es todo lo contrario. Esta nueva película resulta muy cómica, mucho más si has visto ‘The Room’ y aún más si has indagado en la historia de Wiseau. Pero todo dentro del respeto y la discreción pues también es patente la intención de complacer a Wiseau. Es por eso que esta película no tendría para mí un diez, ya que erróneamente informa mal en sus créditos finales, aunque si lanza más de una indirecta sobre los orígenes del «artista» y la financiación de su largo. Sin duda de ese modo se ha conseguido que aparezca en ella el director, el que fue su protagonista y algunas imágenes comparativas que nos demuestran que todo está clavado.

Pero lo que mejor ha sido calcado son los andares, la forma de mirar, de hablar, de pensar… de Tommy Wiseau. Por mucho que se piense que James Franco sea una estrella menor, centrado en el cine más irreverente, yo le admiro por alcanzar tales cotas de veracidad con su personaje.

Recuerdo una frase del documental ‘Room full of spoons’ en la que el supervisor de guión, director en la sombra, Sandy Schklair (que aquí encarna Seth Rogen) cuestionaba la concepción de ‘The Room’ como una de las peores películas de la historia. Decía algo así: «¿cómo va a ser la peor película de la historia si tiene millones de seguidores?». No es de extrañar que los tenga porque ver el filme de Wiseau en plan cachondeo y arrojando cucharas contra la pantalla es de lo más divertido que se puede hacer en un cine hoy en día. Tanto esas experiencias como ‘The disaster artist’ nos devuelven el amor por el cine, lo que es perseguir el sueño de contar historias. Es por eso, que tiene mérito la gente que ha sabido darle la vuelta a la tortilla, desde el propio Wiseau vendiendo su película, pasando por el espectador que sabe divertirse con ella hasta Franco que nos ha brindado una excelsa comedia.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de diciembre de 2017. Título original: The disaster artist. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: James Franco. Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber. Música: Dave Porter. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: James Franco, Dave Franco, Alison Brie, Josh Hutcherson, Seth Rogen, Zac Efron, Sharon Stone, Bryan Cranston, Kate Upton, Ari Grayner, Hannibal Buress, Jacki Weaver, Nathan Fielder, Jerrod Carmichael. Producción: New Line Cinema, Good Universe, A24. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: comedia, hechos reales. Web oficial: https://www.facebook.com/DisasterArtistMovie/

Crítica: ‘Nuestra vida en la Borgoña’

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Sinopsis

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Hace diez años, Jean dejó atrás a su familia y su Borgoña natal para dar la vuelta al mundo. Al enterarse de la inminente muerte de su padre, regresa a la tierra de su infancia. Allí se reencuentra con sus hermanos, Juliette y Jérémie.

Desde la muerte de su padre al comienzo de la vendimia, y en el espacio de un año al compás de las estaciones, estos tres jóvenes adultos recuperarán su fraternidad, evolucionando y madurando al mismo tiempo que el vino que producen.

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Crítica

Una larga reflexión sobre la maduración y los lazos fraternales.

El título original, la traducción literal de ‘Ce qui nous lie’ nos da una visión más concreta de lo que nos ofrece esta película. Nos viene a decir ‘Lo que nos une’. En el caso de los protagonistas es una vida en la Borgoña francesa. Ellos son tres hermanos criados y adoctrinados para la elaboración de vinos. Y dentro de lo compleja que puede ser la confección de un buen caldo pueden caber muchas maneras de interpretar ese trabajo. Pero al fin y al cabo, en la raíz, los fundamentos y los orígenes son los mismos. Esos cimientos van ligados a periodos dictados por la naturaleza de igual modo que la vida se rige por ciertas etapas. Lo que ha intentado el director Cédric Klapisch es mostrar un paralelismo entre el cultivo de la uva y los diferentes ciclos de la vida.

Pero aparte de ilustrar muy visualmente esa correspondencia que conservamos entre nuestra naturaleza y nuestra vida, pretende hacer valer la importancia de mantener la esencia de la familia. Durante todo el filme se contempla un tira y afloja entre diferentes familias y sus correspondientes miembros. Algunos de estos conflictos resultan irrelevantes para la trama y otros si tienen el peso adecuado para el trasfondo de sus personajes. Lo importante es que se capta de sobra y de manera tal vez excesivamente reiterativa que el mensaje que Klapisch nos quiere transmitir es que es importante el buen entendimiento entre hermanos, el mantener vivo el lazo que une a aquellos que son hijos de los mismos padres, ya sean vivencias, propiedades…

Los tres protagonistas principales, los tres hermanos que se ocupan de vendimiar y producir los tradicionales vinos franceses son Pio Marmaï, Ana Giradot y François Civil. La película les brinda importancia en ese orden, volcando casi todo el protagonismo en Marmaï, lo cual considero un error pues el papel de Giradot podría haber estado mucho mejor explorado. No obstante el trío de actores pasa como familia, son creíbles como hermanos que además tienen un conflicto fruto de la distancia entre ellos y los problemas tanto familiares como económicos. Pero cabría mencionar a una cuarta persona, germen también de enfrentamientos y giros en la película, que está interpretada por la española María Valverde. Su papel tiene aquí más peso que en la reciente ‘The Limehouse Golem’, pero aún así ocurre como con el personaje de Giradot, te deja la sensación de que habría dado más juego.

Decir que hay personajes desaprovechados en un filme de casi dos horas no suele ser buena señal. La gran traba de ‘Nuestra vida en la Borgoña’ es que se toma con demasiada calma su propia historia, se entretiene excesivamente contemplando un paisaje que sabe captar con melancólica mirada. Esa remembranza la hace el personaje de Marmaï, cuya voz es empleada como narrador y es retomada esporádicamente, por lo que se nos olvida que estaba ahí, con lo cual, se descuida el punto de vista a ofrecer.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de octubre de 2017. Título original: Ce qui nous lie. Duración: 113 min. País: Francia. Dirección: Cédric Klapisch. Guión: Cédric Klapisch, Santiago Amigorena. Música: Loïc Dury, Christophe Minck. Fotografía: Alexis Kavyrchine. Reparto principal: Pio Marmaï, Ana Girardot, François Civil, Jean-Marc Roulot, María Valverde, Karidja Toure, Yamée Couture, Florence Pernel, Eric Caravaca, Jean-Marie Winling. Producción: Ce Qui Me Meut Motion Pictures. Distribución: Wanda Visión. Género: drama. Web oficial: https://www.wanda.es/site/sinopsis/nuestra_vida_en_la_borgona

Crítica: ‘Un golpe a la inglesa’

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Sinopsis

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Basada en hechos reales, ‘Un golpe a la inglesa’ traslada a la gran pantalla la historia de cuatro delincuentes del East End londinense, liderados por Brian Reader (de 76 años) y un hombre misterioso cuya identidad nunca se desvela, que aprovecharon las festividades de Semana Santa para llevar a cabo el mayor atraco de la historia inglesa. Perseguidos por la mafia húngara y Scotland Yard, estos ladrones de pelo blanco lograron lo imposible: taladrar un depósito de seguridad de acero y hormigón en Hatton Garden, el barrio de las joyerías de Londres. Pero, ¿será el golpe del siglo o tanta osadía les saldrá cara?

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Crítica

Thomson salva los muebles por los pelos.

Roonie Thomson estrena una nueva película que narra el intento de unos ancianos por robar en pleno Londres lo que para muchos sería el motín de su vida. Un robo que había que hacerlo con confianza ciega en quien les había dado el soplo o la información y no solo eso, dedicándole mucho tiempo y maquinaria ruidosa. He descubierto posteriormente que esta historia estaba basada en hechos reales y mi asombro ha sido mayúsculo. ¿Cómo unos ladrones tan entrados en años pudieron tener una idea tan osada y descabellada? Nunca sabes cuándo será la última vez que dirás que la realidad supera a la ficción. En ese sentido tiene cierto aliciente la película pero no basta con ello. La concepción de los personajes es en exceso convencional y el tono tampoco es nuevo.

Pese a que es la película más pulida y mejor concebida de Roonie Thomson, que nunca pierde sus raíces inglesas, lo que parece que ha hecho es coger el estilo de Guy Ritchie y lo ha limpiado. El ritmo, los planos, los diálogos, el color… todo se asemeja a la obra del director de éxitos como ‘Snatch’ o ‘RocknRolla’, pero con una estética algo más estilosa y aseada. Y aunque cuente con el apoyo de otros dos escritores, Ray Bogdanovich y Dean Lines, para la creación del guión no logran salirse de los esquemas y protagonistas arquetípicos de las películas de robos.

Posee actores cuyos rostros os van a sonar. Su protagonista es harto conocido, Mathew Goode (‘Watchmen’) y los compinches de los que se rodea han aparecido en producciones como ‘Juego de Tronos’, ‘Thor’ o ‘Sherlock Holmes’, como es el caso de Clive Russell. En segundo plano quedan Stephen Moyer (‘True Blood’) y Joely Richardson (‘Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres’). Como veis la película no tiene superestrellas pero no se queda corta en el reparto. Pese a ello no nos otorga grandes interpretaciones y eso va acorde a lo anodino de su historia. Es una más del montón, que puede pasar sin pena ni gloria. ‘Un golpe a la inglesa’ podría decirse que tiene el carácter típicamente conservador inglés, que sin aportar nada nuevo, ni arriesga y ni comete grandes errores.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de octubre de 2017. Título original: The Hatton Garden Job. Duración: 100 min. País: Reino Unido. Dirección: Roonie Thomson. Guión: Ray Bogdanovich, Dean Lines, Ronnie Thompson. Música: Paul Arnold, Andrew Barnabas. Fotografía: Arthur Mulhern. Reparto principal: Mathew Goode, Larry Lamb, Phil Daniels, David Calder, Clive Russell, Jack Doolan, Mark Harris, Joely Richardson, Stephen Moter. Producción: Fiction Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: thriller, comedia. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/un_golpe_a_la_inglesa

Crítica: ‘The maus’

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Sinopsis

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Alex y Selma viajan al corazón de Bosnia-Herzegovina. Sin embargo, su coche se para en medio del bosque. Mientras buscan ayuda, Selma, que sobrevivió a la Guerra de los Balcanes, empieza a sospechar que no andan solos, sino que una fuerza misteriosa les acompaña. Ella se aferra a su amuleto, pero lo que debería protegerla no hará más que invitar a la extraña presencia a que emerja del bosque.

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Crítica

Menos fantástica de lo que cabría esperar.

Una pareja (Alex y Selma) se queda tirada en un bosque que no conocen. Además dicho bosque no se presenta nada amigable para ambos y Selma, para más inri, se muestra nerviosa y enrarecida. Así es como comienza el primer filme de Yayo Herrero que poco a poco va incluyendo elementos más peligrosos acompañados de un constante misterio en torno a una letanía que finalmente se resuelve y desencadena la locura en la película. Según como se enfoque esta película puede resultar un tremendo chasco o un sencillo thriller con tintes histórico políticos. En mi caso acudí a verla esperando una película fantástica, inducido a ello por su sinopsis, su cartel y por el marco en el que me encontraba, el Festival de Sitges. Pero ubicar este filme dentro del cine fantástico es una decepción para el espectador ya que lo más que puede esperar de esta película es suspense con algunas escenas tiznadas de terror.

Parece que la película va a tener algo sobrenatural y cuando esto llega, o parece llegar, se queda en algo a la libre interpretación. ¿Es realmente algo místico? ¿Son solo supersticiones? ¿Quizá un efecto motivador? Lo que sucede en la película no está bien definido, quizá a propósito por el director para que cada espectador elija qué es lo que acaba de ver. Entra en juego el simbolismo y el folclore, elementos que siempre han estado en tela de juicio y nunca han tenido una frontera bien delimitada. Lo que sí que está claro es que no está bien definido el protagonismo de la cinta. No parece un juego de despiste, sino más bien un despiste de rodaje que el foco de la narración cambie a capricho, sorprendentemente sobre todo en su final.

El conflicto entre bosnios y serbios le ha servido a Yayo Herrero como herramienta para introducir no solo un elemento más de conflicto, intentando crear algo de debate, si no para generar tensión y desarrollar una historia que trate el odio y los prejuicios. También para enmarcarlo dentro de esas tradiciones que tan poco conocemos por España, causando así que el espectador se enfrente ante algo desconocido, como hacen los protagonistas. Esto como decía es suficiente si entras en el juego del suspense, no de lo paranormal o fantástico. Cabría esperar algo más ya que se crea una expectación mayor en torno a esas palabras que tanto repite su protagonista. Incluso su título se queda en trivial ya que únicamente es el apelativo cariñoso que emplea August Wittgenstein (Alex) para referirse a su pareja en la ficción.

Ficha de la película

Estreno en España: 2018. Título original: The maus. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Yayo Herrero. Guión: Yayo Herrero. Música: The Youth. Fotografía: Rafael Reparaz. Reparto principal: August Wittgenstein, Alma Terzic, Ella Jazz, Aleksandar Seksan,Diana Fernández Pérez, Sanin Milavic. Producción: Apaches Entertainment, Cine365 Film, Dynamite Films. Distribución: Netflix. Género: thriller, terror.

Crítica: ‘The bad batch (Amor carnal)’

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Sinopsis

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Desterrada a un páramo de indeseables, una joven mujer lucha por encontrar sus pies entre una sociedad desierta empapada de drogas y un enclave de caníbales.

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Crítica

Premisa llamativa pero tedioso tratamiento.

Ubicada en un lugar y enclave postapocaliptico la propuesta de Ana Lily Amirpour nos emplaza a una aventura de supervivencia. En segundo plano, muy ligeramente, trata la manera en que se margina a todos aquellos fuera de los cánones aceptados como «normales» o funcionales para la sociedad. Esta obra se encuentra dentro de esas que pintan el mundo como un lugar hostil, totalmente desprovisto de esperanza y plagado de mala gente. Si además añadimos el estilo hortera que se gastan sus personajes da la impresión de que su protagonista se pueda desanimar y cortar las venas a la primera de cambio. Pero el personaje principal ideado por Amirpour es luchador, una de esas mujeres que, pese al revés que sufre nada más comenzar la cinta, consigue tirar para delante.

El problema de la cinta no radica en la raíz de sus personajes, ni siquiera en su estética. Las interpretaciones y el desarrollo son lo que desmerecen un argumento y una concepción de protagonistas que a priori podrían haber resultado explosivos. A Suki Waterhouse se le queda grande su papel y no controla de manera adecuada las emociones de su heroína. Ni siquiera las apariciones de Jason Momoa, Jim Carrey, Giovanni Ribisi, Keanu Reeves y la minúscula de Diego Luna ganan puntos para un filme desaprovechado. La falta de capacidad de estos actores o el poco margen que les deja el guión a la hora de intentar llegar al corazón del espectador resulta un gran problema. No se consigue establecer un vínculo con las personas que vemos en pantalla y por eso su historia resulta irrelevante y por momentos aburrida.

Es más, se convierte poco a poco en una película de idas y venidas, de casualidades y de desventuras. Resulta extenuante ver a los principales personajes ir de un lado a otro sin una motivación convincente o sin una razón de ser clara o interesante. Se desaprovechan la puesta en escena y las posibilidades del filme al plantear semejante distopía y haber podido contar con tal elenco de actores.

Sin duda con ‘Una chica vuelve a casa sola de noche’ Amirpour consiguió una cinta mucho mejor definida, con un mensaje más claro que esta e irónicamente con más tonalidades para sus personajes. A veces con menos medios se logran más cosas.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de septiembre de 2017. Título original: The bad batch. Duración: 119 min. País: EE.UU. Dirección: Ana Lily Amirpour. Guión: Ana Lily Amirpour. Música: varios. Fotografía: Lyle Vincent. Reparto principal: Suki Waterhouse, Keanu Reeves, Jason Momoa, Jim Carrey, Diego Luna,Giovanni Ribisi, Emily O’Brien, Jayda Fink, Alina Aliluykina, Cory Roberts,Rae Sunshine Lee, Yolonda Ross, Dakota Black, Ashleigh Biller, Almayvonne,Irene Guindal, Stephanie Nauli, Allison Gordon, Jayne Trcka, E.R. Ruiz. Producción: Human Stew Factory, Annapurna Pictures, Vice Films. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción. Web oficial: http://badbatchfilm.com/

Crítica: ‘La piel fría’

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 Sinopsis

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En una isla perdida en medio del océano, dos hombres se defienden, noche tras noche, resguardados en un faro, del asedio de unas extrañas criaturas marinas. Sometidos a la extrema tensión, sin entender las razones del ataque, tendrán que replantearse cómo enfrentarse a lo desconocido. La cautividad y la continua lucha los llevan a un viaje al centro de sus entrañas, donde se entremezcla lucidez y enajenación, rechazo y deseo, crueldad y amor, hacia lo desconocido.

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Crítica

Una gran adaptación del libro de Sánchez Piñol.

Xavier Gens nos lleva a una isla donde el mito y la realidad se juntan en una terrible lucha que se organiza todas las noches en un faro.

No puedo sino admitir que ‘La piel fría’ me ha gustado, cuando salimos de la sala la mayoría de la gente estaba bastante disgustada, supongo que ha sido por haberme leído el libro hace ya un tiempo y saber exactamente lo que iba a ver.

Una historia donde la soledad y el miedo juega un papel muy importante y es crucial en el comportamiento de nuestros personajes en la película. Pero que en realidad no nos trae una historia, sino más bien, el día a día de dos hombres intentando sobrevivir a unas misteriosas criaturas que les atacan todas las noches.

Este sin duda ha sido el gran error de la cinta, no cuenta nada, sí, les vemos sufrir y convivir con la extraña y curiosa Aneris, la cual está cautiva y no se atreve a escapar. Pero no nos dice mucho más.

Aura Garrido, representa magistralmente a Aneris, está perfecta. No, no habla, no tiene expresión apenas en la cara, pero Aura hace tan buen trabajo que realmente pierdes de vista a la actriz para dar paso a una criatura que parece sacada del mundo de Lovecraft. Todos los movimientos son de ella y perfectamente ves su miedo y su curiosidad.

David Oakes y Ray Stevenson también están fabulosos en esta trágica historia.

En el tema técnico ‘La piel fría’ es perfecta, el diseño de producción es impecable, todos los detalles están cuidados y se agradece mucho a la hora de introducirte bien en la historia.

El maquillaje y CGI es espectacular, según sabemos, Aura Garrido tenía unas ocho horas de maquillaje todos los días de rodaje y el resto de criaturas que aparecían en grandes hordas, están perfectamente recreadas.

La fotografía es muy bonita, se vienen a mi mente autores del romanticismo como William Turner o Caspar David Friedrich, pues los grandes temas de esta época están plasmados en la película, la soledad, la fuerza incontrolable del mar, el miedo y el misterio.

En mi humilde opinión, ‘La piel fría’ es una buena adaptación del libro de Albert Sánchez Piñol, pues Xavier Gens suprime partes del libro que realmente me parecieron excesivas e innecesarias, pero aun así le falta un algo para crear una historia atrayente.

La cinta está dedicada al gran Gil Parrondo, que fue el Diseñador de Producción de la cinta antes de morir, un bonito detalle por parte del equipo.

 Ficha de la película

Estreno en España:  20 de octubre de 2017. Título original: Cold Skin. Duración: 101 min. País: España. Dirección: Xavier Gens. Guión: Eron Sheean, Jesus Olmo, de la novela de Albert Sánchez Piñol. Fotografía: Daniel Aranyo. Reparto principal: David Oakes, Ray Stevenson, Aura Garrido, John Benfield, Iván González, Ben Temple. Producción: Kanzaman, Gran Babieka, Pontas Film, Literary Agency. Distribución: Diamond Films. Género: Fantástico. Web oficial: http://www.lapielfria.com/

Crítica: ‘¡Lumière! Comienza la aventura’

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Sinopsis

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En 1895, Louis y Auguste Lumière inventaron el Cinématographe y rodaron algunas de primeras películas de la historia de la imagen en movimiento: La salida de la fábrica, El jardinero (o El regador regado)… Con su descubrimiento de la puesta en escena, de los travellings de seguimiento e incluso de los efectos especiales y los remakes, también inventaron el séptimo arte.

Entre sus más de 1.400 películas, Thierry Frémaux, director del Festival de Cine de Cannes y del Institut Lumière, ha seleccionado 114: obras maestras conocidas en el mundo entero o auténticas perlas ignoradas, todas restauradas en 4K y reunidas para conmemorar el legado de los Lumière.

Un viaje al universo de los fundadores del cine, narrado por Frémauxcon pasión y humor, LUMIÈRE! ofrece imágenes inolvidables y una visión única de Francia y del mundo en los albores de la era moderna. Son películas fundamentales para comprender el mundo del cine contemporáneo.

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Crítica

Un documental sobre el origen del mundo en el que vivimos.

A finales del siglo XIX había muchos artefactos capaces de reproducir imágenes en movimiento. Uno de ellos era el cinematógrafo de los hermanos Lumiére que era capaz de captar y proyectar imágenes de tal manera que un grupo de personas las podían visualizar a la vez. El invento de los hermanos paso de ser un juguete de circo o feria, como el quinetoscopio patentado por el ya popular Edison, a ser un espectáculo en sí mismo.

Los Lumière fueron los primeros que apagaron la luz en una sala de proyección y ahora Thierry Frémaux ilumina el camino de la primera década del cine con su documental. Los hermanos y el equipo de realizadores asociados a los propios Lumière filmaron en esos 10 años más de 1000 películas por todo el mundo. Grabaciones que en su mayoría han desaparecido o ha sido imposible su restauración. Más de 100 años después el director del Festival de Cannes y del Instituto Lumière de Lyonha recopilado 108 piezas de 50 segundos que nos transportan al origen del cine.

Este proyecto personal, quizás más apropiado para un museo que para una gran sala de cine, nos enseña que los hermanos Lumière además de inventar el cinematógrafo crearon un lenguaje audiovisual que se mantiene hoy (travelling, planos, campo…). A pesar de que muchos elementos del cine actual se atribuyen a D.W. Griffith, entre otros, este documental es ejemplo de que los “cortometrajes” de los Lumière ya establecen distinciones de género, interpretación ante la cámara y otros conceptos que quizás los hermanos emplearon por casualidad o por teatralidad.

Más allá de lo cinematográfico este documental muestra un mundo en movimiento muy diferente al actual. Vemos imágenes de Francia, por supuesto, de España, Estados Unidos, México, Vietnam y otros lugares que en 100 años están prácticamente irreconocibles.

Una metapelícula avalada por el mayor restaurador de cine clásico del mundo, Martín Scorsese y muy recomendable para todos los estudiantes del séptimo arte.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de octubre de 2017. Título original: Lumière! L’aventure commence. Duración: 90 min. País: Francia. Dirección: Thierry Frémaux. Guión: Thierry Frémaux. Reparto principal: Thierry Frémaux, Auguste Lumière, Louis Lumière, Martin Scorsese. Producción: CNC. Distribución: Caramel Films. Género: documental.

Crítica: ‘Solo se vive una vez’

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Sinopsis

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Leo es un estafador que por error entra en conflicto con un poderoso jefe de la mafia. Para escapar del peligroso clan tendrá que hacerse pasar por un miembro de una comunidad judía ortodoxa.

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Crítica

Gérard Depardieu es el capo que muchas películas de gangsters necesitan.

A pesar de ser una producción argentina con colaboración española lo más destacable de la cinta es la aportación de Gérard Depardieu. El actor francés interpreta a un empresario y jefe de una organización criminal y, aunque su objetivo final no queda muy claro, convierte a un personaje secundario en el pilar más sólido de la película. Un capo excéntrico, pero medido cuando es necesario, que emplea su propio idioma como un rasgo distinguido y peculiar.

Por lo demás, la ópera prima de Federico Cueva pasa sin pena ni gloria. A pesar de estar bien realizada, una pobre historia y unas mediocres interpretaciones echan por tierra una película que quería convertirse en una versión latina y moderna de Único Testigo. El director cuenta en su haber con más de 40 películas como responsable de efectos especiales, una especialidad que se nota en Sólo Se Vive Una Vez donde la cantidad de explosiones y coches volando es equiparable a cualquier película de acción americana tipo ‘Soldado Universal’ (por decir un clásico de Van Damme).

Las actuaciones de destacados actores españoles, que colaboran como secundarios, son de una calidad bastante inferior a lo que nos tienen acostumbrados. Hugo Silva es un matón llamado El Rumano que habla como un vendedor de Badulaque. Y Santiago Segura da la sensación de no creerse lo que dice o incluso leerlo.

El protagonista, Peter Lanzani, se desenvuelve con soltura en esta comedia de acción.

En un país donde Maradona es considerado un ídolo religioso y de donde procede el actual Papa quizás encuentren más matices a este intento de parodia de las costumbres de los judíos ortodoxos. O quizás no sea más que una película de acción vacía de contenido y predecible, en cuyo caso ofrece buenas dosis de golpes, disparos y música de Kiss ¿qué más se puede pedir?

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de octubre de 2017. Título original: Sólo se vive una vez. Duración: 90 min. País: Argentina, España. Dirección: Federico Cueva. Guión: Sergio Esquenazi, Nicolás Allegro. Música: Alfonso González Aguilar. Fotografía: Guillermo Nieto. Reparto principal: Peter Lanzani, Gérard Depardieu, Santiago Segura, Hugo Silva, Carlos Areces. Producción: Bowfinger International Pictures, MyS Producción, Quexito Films, TELEFE. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, acción. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/760/solo-se-vive-una-vez/

Crítica: ‘Annabelle: Creation’

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Sinopsis

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Años después del trágico fallecimiento de su hijita, un fabricante de muñecas y su mujer acogen en su hogar a una monja y varias niñas procedentes de un orfanato clausurado, quienes pronto se convierten en el objetivo de la poseída creación del fabricante de muñecas.

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Crítica

El regreso de Annabelle, asusta, pero no termina de convencer.

Antes de comenzar con ‘Annabelle: Creation’ decir que me encanta el mundo que ha imaginado James Wan, gracias a él hemos podido ver películas tan estupendas como las de los Warren, de donde sale este spin-off. Su estilo, con muchos sobresaltos gracias a los golpes de sonido, recuerda a las películas antiguas, en las que aunque supieras que venía un susto, te asustabas igual.

Como he dicho, de ‘Expediente Warren: The Conjuring’ surgió el spinoff de ‘Annabelle’ esa muñeca tan tétrica que aunque no estuviese endemoniada daría igual de miedo.

‘Annabelle’ no cumplió las expectativas de sus fans, fue bastante mala en general, la cinta pasó sin gloria por las salas. Pero se decidió dar una segunda oportunidad a este personaje y sin duda esta segunda parte es mucho más superior que su antecesora, pero no quita que aun así sea más floja que las cintas sobre los Warren.

El director que se ha puesto detrás de las cámaras ha sido David F. Sandberg, director de ‘Nunca apagues la luz’ y ya con esto, en mi opinión, hacia que me apeteciera un poco menos ver esta nueva cinta. En ‘Annable: Creation’ nos cuenta los orígenes de la muñeca, cuando unas huérfanas junto a una monja, deciden hospedarse en la casa de un fabricante de muñecas, la pesadilla comienza y los fenómenos paranormales comienzan a salir por todos los rincones de la casa.

Como he dicho sigue siendo muy floja, para mí lo que más me ha dolido son algunos fallos de guión, por llamarlo de algún modo, porque más que otra cosa son fallos de lógica.

Las niñas, las cuales se nota que han ido a una escuela de arte dramático, actúan como si fuesen demasiado mayores, en vez de chillar o pedir ayuda, como cualquier niño haría, deciden callar y enfrentarse a ello ellas solas. O como el dueño de la casa conoce a Annabelle y tampoco es que le importe demasiado, o más bien no le quita el sueño.

Estos matices hacen que le quiten la realidad al asunto y no empatices con nadie, y al final los sustos son eso, solo sustos. Eso sí, muy bien hechos, muy al estilo de Wan. Momentos en los que sabes de sobra que va a aparecer algo y aunque lo sepas te asustas. Además otra cosa buena que tiene la película es la ambientación, en una América profunda.

Supongo que todos sabemos lo que vamos a ver, aunque sí que es cierto que aunque la historia de su origen es sencilla, podrían haber realizado una buena película si no hubiesen metido tanto la pata con los fallos que digo. Y realmente no todo es malo, si que tiene escenas muy buenas como una en un pozo o alguna que otra bastante gore en el interior de la casa.

Pero bueno, llega Halloween, la fiesta del cine y si que por la calidad de imagen y si os queréis llevar buenos sustos ‘Annabelle: Creation’ puede ser una de las opciones para ir a las salas. 

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de octubre de 2017. Título original: ‘Annabelle: Creation’ Duración: País: Estados Unidos. Dirección: David F. Sandberg. Guión: Gary Dauberman. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Mexime Alexandre. Reparto principal: Staphanie Sigman, Talitha Bateman, Lulu Wilson, Philipa Anne Coulthard, Grace Fulton, Miranda Otto, Lou Lou Safran, Samara Lee, Teyler Buck, Anthony LaPaglia. Producción: Warner Bros. Pictures, Evergreen Media Group.  Distribución: Warner Bros Pictures. Género: Terror. Web oficial: http://annabellemovie.com/

Crítica: ‘El castillo de cristal’

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Sinopsis

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Crónica de las aventuras de una excéntrica, tenaz y muy unida familia, “EL CASTILLO DE CRISTAL” es una potente historia de amor incondicional. La ganadora del Oscar, Brie Larson, da vida a Jeannette Walls, una joven que, influenciada por la naturaleza salvaje y atrevida de su disfuncional padre (Woody Harrelson),logró,gracias a su profunda determinación, labrarse una vida de éxito según sus propios términos.

Basada en libro de memorias, éxito de ventas, de Jeanette Walls.

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Crítica

La luz que pasa a través de su cristal necesita un tratamiento diferente.

Brie Larson regresa tras la apoteósica ‘Kong: la isla calavera’ (y no es la única relacionada con Kong en esta película pues cuenta también con Naomi Watts) y antes de inundarnos con su Capitana Marvel, entre otros trabajos que tiene pendientes. En este caso interpreta a la escritora Jeannete Walls en una película casi biográfica, basada en hechos reales, en la cual descubrimos a la familia Walls. Está basada en un best seller, un éxito de ventas que logró estar en la lista del New York Times 261 semanas. La autora de dicha obra es la propia Jeannete Walls, la misma cuyo personaje protagoniza el filme. No tengo el gusto de saber si el libro posee el mismo tono que la película pero de ser así peca mucho de ególatra y de mostrar su único punto de vista. Es decir, esta una obra de, por y para ella. Pese a ello tiene otros errores más reprochables y aún así es capaz de arrojar algo de luz, al menos se pueden extraer conclusiones positivas de la película.

En muchos aspectos nos puede recordar a ‘Captain Fantastic’ (dos de sus niños también aparecen en esta película, Shree Crooks y Charlie Shotwell) pero en el caso de la cinta dirigida por Destin Cretton en sus escenas hay más degradación y el resultado es más fallido a la hora de hacer que empaticemos con los protagonistas. Esto es debido a que no encontramos una razón para aferrarnos a un personaje u a otro, sobre todo cuando el padre y cabeza de familia más que Captain Fantastic es Capitán Morgan.

Tenemos por lo tanto a una familia nómada, alejada de lo convencional, con hijos prácticamente autodidactas, que vive de lo que encuentra… Pero las situaciones vividas son menos intensas de lo que cabría esperar ante tal panorama. Por muy reflexiva que pueda parecer la cinta se deja detalles bastante importantes y puede escandalizar por como no hace más énfasis en el peligro de la irresponsabilidad paternal. Es muy positivo que con películas como esta, o la que he mencionado antes de Matt Ross, se cuestione nuestro sistema de valores y nuestro tinglado educativo. Es muy viable plantearse una educación libre, no formal, permitiendo un desarrollo fuera de las acotaciones del sistema. Pero también hay que remarcar las garantías y protecciones de la estructura que se ha construido a lo largo de nuestra historia, muy necesarias en casos como este en el cual el padre es alcohólico y ambos progenitores eluden casi de manera inconsciente y pueril la responsabilidad de velar por el porvenir de sus hijos. Por eso es un poco alarmante que se adorne una historia tan trágica y tremenda pretendiendo darle aires de aventura familiar o parábola urbana.  Pese a ello me sigue pareciendo correcto como en ciertas escenas se ensalzan las virtudes que puede tener el vivir fuera de lo establecido. Las experiencias vitales y el lazo familiar que se consigue es marcadamente diferente y esa es la moralina que mínimamente consigue dejar ‘El castillo de cristal’. Eso, algunas frases dignas de remarcar y los múltiples momentos de comedia son lo más memorable del filme.

Harrelson se bebe todo el protagonismo que podía reclamar en el cartel Larson y solo deja paso en contadas ocasiones a Watts para que aparezca en primer plano. Probablemente esto se deba a que él está presente en todas las etapas del largometraje y el personaje de Jeannete sea interpretado por hasta tres actrices. No obstante él es el que mejor parece haber comprendido esta historia que trata sobre la locura, la miseria, el sentido de la aventura y el amor familiar.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de octubre de 2017. Título original: The glass castle. Duración: 127 min. País: EE.UU. Dirección: Destin Cretton. Guión: Mari Noxon. Música: Joel P. West. Fotografía: Brett Pawlak. Reparto principal: Brie Larson, Woody Harrelson, Naomi Watts, Max Geenfield, Sarah Snook,Iain Armitage, Ella Anderson, Shree Crooks, Charlie Shotwell, Sadie Sink,Eden Grace Redfield, Dominic Bogart, Alanna Bale, Andrew Shaver,Brigette Lundy-Paine, Kyra Harper, Joe Pingue, Nathaly Thibault, Darrin Baker. Producción: Lionsgate, Netter Productions. Distribución: eOne Films. Género: drama, hechos reales, adaptación. Web oficial: http://www.theglasscastle.movie/

Crítica: ‘Operación Cacahuete 2. Misión: salvar el parque’

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Sinopsis

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¡Vuelven Surly y su banda! Una vez más, desde Oakton, donde el malvado alcalde ha decidido demoler Liberty Park para construir un peligroso parque de atracciones. Surly y sus pintorescos amigos se unen para defender su hogar, derrotar al alcalde y salvar el parque.

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Crítica

Mejora visual y cómicamente, pero dispone el mismo bosquejo.

Tres años después de su primera parte vuele la familia de roedores del parque Liberty Park. Tras una modesta primera aparición vuelven con más fuerza y con más ganas de hacérselo pasar bien a nuestros pequeños. Pero algo ha cambiado en este clan pues se nota que pese ha haber los mismos elementos y contar con un esquema casi calcado el resultado es mejor. Y si miramos tras bambalinas encontramos parte de la solución. En la película original la dirección corrió a cargo de Peter Lepeniotis (efectos visuales en ‘Casper’) y el guión de él mismo y Lorne Cameron (‘Hermano oso’). Ellos consiguieron generar un conjunto de personajes heterogéneo pero sin la suficiente vis cómica como para que se entablase un vínculo emocional y entrañable con el público. Sin embargo en esta segunda parte, con el terreno más preparado, el director Cal Brunker (‘Operación escape’) y los guionistas Bob Barlen (‘The son of Bigfoot’) y Scott Bindley (‘Madison’) si consiguen que nos enganchemos a esa comunidad animalillos urbanitas y nos animemos a experimentar algunas de las ocurrencias infantiles que nos plantean.

Al estar los personajes más trabajados, pues ya tienen un trasfondo detrás, solo queda lanzarnos a la aventura y la socarronería de sus personajes. El conjunto de los animales interactúa entre ellos de un modo más intrincado, sin grandes complejidades pues esta es una película infantil, pero si tiene un armazón más sólido, soportado por personajes que han ganado más carisma, como los de Surly, Andie, Preciosa… Quizá en los villanos vuelve a fallar cayendo de nuevo en los tópicos, realizando un malvado excesivamente extremo, poniendo demasiado fácil extraer el mensaje, impidiendo la vital tarea de la cavilación, un trabajo importante para las mentes de los niños cuando ven estas películas.

Tiene varios homenajes a películas de adultos, para que los mayores también tengan en qué distraerse. Desde su cartel teaser que homenajea al de ‘Los caballeros de la mesa cuadrada’ de los Monty Python, pasando por el humor slapstick de mediados del siglo pasado, hasta algunas escenas que rememoran incluso a la reciente Mad Max.

Por supuesto, siempre que se crea una secuela de esta índole, se ha generado una mejora de la animación. Se hace notar en el pelaje de las criaturas, en las luces de la ciudad, en las texturas de los materiales, en el volumen de personajes… Solo hay que fijarse en la riqueza de las localizaciones de una y otra película para ver el trabajo que hay detrás de esta película. Supongo que la primera entrega puede haber servido de base y avanzadilla para muchas escenas de esta pero sin duda hay una subida de calidad.

‘Operación cacahuete 2. Misión: Salvar el parque’ retoma lo mejor y peor de su primera parte, tanto sus tópicos como sus mejores gags, incluida su acertada ambientación en los años cincuenta que le aporta un aire de sencillez e inocencia que le falta a muchas películas de animación con mayor envergadura. Además está dividida en fases mucho más dinámicas y reconocibles. Se ha cobrado un aumento de ritmo y chistes, ahora solo falta que a estos animales les saquen del mismo esquema e incluso del parque.

En la versión original Jackie Chan dobla un personaje, no por primera vez en su carrera, y como es costumbre en sus películas durante los créditos podemos ver una serie de sus tomas falsas, como bonus track. Esta no es más que otra muestra de la frescura y la simpatía que pretende derrochar esta natural película infantil.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de octubre de 2017. Título original: The Nut Job 2: Nutty by Nature. Duración: 95 min. País: Canadá. Dirección: Cal Brunker. Guión: Scott Bindley, Bob Barlen, Cal Brunker. Música: Heitor Pereira. Reparto principal (doblaje original): Will Arnet, Katherine Heigl, Maya Rudolph, Bobby Cannavale, Jackie Chan, Isabela Moner, Peter Stormare, Bobby Moynihan, Gabriel Iglesias, Jeff Dunham, Sebastian Maniscalco. Producción: Gulfstream Pictures, Red Rover International, ToonBox Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: animación, aventuras, comedia. Web oficial: http://thenutjob.com/

Crítica: ‘La suerte de los Logan’

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Sinopsis

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Jimmy Logan (Channing Tatum), un minero desempleado de Virginia, está divorciado y no tiene un duro. En un momento de desesperación, se le ocurre un plan muy rebuscado para atracar el circuito del Charlotte Motor Speedway durante una carrera de la NASCAR. Le acompañarán en la peligrosa hazaña su hermano manco Clyde (Adam Driver), un veterano de la guerra de Irak que ahora trabaja de camarero en un antro, y su hermana Mellie (Riley Keough), una peluquera obsesionada con los coches. Como los Logan no tienen la pericia necesaria para llevar a cabo la operación, tendrán que buscar ayuda externa para dar este golpe tan complejo y ahí entra en juego el excéntrico experto en demoliciones Joe Bang (Daniel Craig). No será tarea fácil ya que una implacable agente del FBI llamada Sarah Grayson (Hilary Swank)empieza husmear en la escena del crimen, sospechando de todo y de todos los que se cruzan en su camino.

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Crítica

La familia Logan: los primos rurales de los Ocean’s de George Clooney.

Cambiamos Las Vegas por Carolina del Norte, los casinos por el Nascar y la música de salones de juego por canciones con profundas raíces americanas.

En ‘La Suerte de los Logan’ nos encontramos ante una comedia absurda y una radiografía loca de la América rural.

Aunque se trata de una producción más modesta que la saga ‘Ocean’s’ (cambiamos Warner por un sello independiente) Steven Soderbergh vuelve a contar con gran parte del equipo técnico que le lanzó a la fama en 2001. No es lo único que repite, estructura prácticamente idéntica, con una división por actos claramente marcada y una resolución final que ata todos los cabos sueltos.

Entre la familia Logan descubrimos personajes ridículos a la altura de cualquier comedia de los hermanos Coen, donde destacan los interpretados por Adam Driver (joven veterano de guerra) y Daniel Craig (presidiario experto en explosivos). Pero si algo rompe con la estructura de película de “robos de bancos” es la historia secundaria de Farrah Mackenzie, la niña de la película, una ‘Pequeña Miss Sunshine’, que es el motor inicial y el toque moral de la cinta.

Esta extraña familia, que no envidia nada a ‘Los Tenenbaums’, busca cambiar su suerte y al igual que en ‘Me Llamo Earl’, los nudos se ordenan mediante una lista elaborada por el protagonista (un Channing Tatumque no deja de ser un G.I. Joe, pero con gracia), una enumeración que desde el principio nos da las pautas de lo que sucederá más adelante.

Lamentablemente se abren gran cantidad de subtramas que pasan con gran ligereza convirtiendo a algunos secundarios en meros figurantes.

La música es el otro gran hilo conductor de la película, una historia que se viste con botas tejanas y que suena a Country. El punto de partida y sobre los créditos iniciales: Somedays are diamonds, (somedays are stones) de John Denver, una clara declaración de intenciones y una importante pista de lo que nos espera. Para cerrar el círculo volverá otra canción de John Denver, lo que impregna toda esta comedia de un aire sureño del que no se desprenderá hasta la resolución final.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de octubre de 2017. Título original: Logan Lucky. Duración: 119 min. País: EE.UU. Dirección: Steven Soderbergh. Guión: Rebecca Blunt. Música: David Holmes. Fotografía: Steven Soderbergh. Reparto principal: Adam Driver, Katie Holmes, Channing Tatum, Daniel Craig, Riley Keough, Seth MacFarlane, Katherine Waterson, Hilary Swank. Producción: Trans-Radial Pictures, Free Association. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia. Web oficial: http://loganluckymovie.com/