De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.
Con Carlos Librado “Nene”, Marc Parejo y Felipe García Vélez
Seguimos el suma y sigue con los biopics de cantantes o bandas musicales españolas. Raphael, Bosé, Locomía, Hombres G, Los planetas… De un modo u otro el cine o la televisión se ha encargado de recordar a estos mitos de nuestra historia musical. Ahora el grupo Mägo de Oz tendrá su espacio en la pantalla grande con ‘Mägo de Oz: la película’.
El grupo, del que actualmente quedan pocos miembros originales y que se encuentra dividido con la banda Kabrönes!!!, fue un referente dentro del rock y el heavy en España y en LATAM. Su mezcla de folk y metal sorprendió a propios y extraños con una serie de discos temáticos que hilaban una historia. Esa marca diferencial seguro que estará muy presente en esta película que ha comenzado a rodar el hispano-uruguayo Álvaro Brechner.
En la fotografía podéis ver al reparto escogido entre el que destacan Carlos Librado “Nene” como Carlitos, uno de los pilares guitarrísticos de la banda, Marc Parejo como Fernando, flautista del grupo y Felipe García Vélez interpretará a Claudio, el padre de Moha, violinista.
Sinopsis oficial:
‘Mägo de Oz: la película’ narra la historia jamás contada de la banda que revolucionó el rock español al fusionar el heavy metal con el folk celta. Desde sus humildes inicios en los años 80 hasta su consagración internacional, el filme explorará las tensiones creativas, las victorias, las polémicas y las derrotas que forjaron su esencia. Además, se adentrará en las dinámicas internas del grupo y en la devoción inquebrantable de sus fans, mostrando cómo su música ha impactado a generaciones enteras.
¿Quién escribe las letras de Mägo de Oz? ¿Qué ocurrió entre Txus y José Andrëa? ¿Por qué Patricia Tapia dejó la banda? ¿Quién será el nuevo vocalista? Estas y otras preguntas hallarán respuesta en esta película.
Cuando ‘M’, un joven holgazán y quejica, descubre que su abuela sufre una enfermedad terminal, decide dejar a un lado su precaria carrera como streamer para cuidar de ella. Eso sí… Con la mirada puesta en su patrimonio multimillonario. Pero ganarse a la abuela no es fácil. Resulta ser una mujer de armas tomar, exigente, rigurosa y muy difícil de complacer. Y, por si fuera poco, ‘M’ no parece ser el único sucesor bienintencionado. ¡Tendrá que sacar a relucir sus mejores virtudes si quiere proclamarse el beneficiario de la herencia!
No obstante, a medida que pasen los días, ‘M’ comenzará a ver más allá de su propio interés y empezará a valorar la oportunidad de reconectar con su abuela en sus últimos momentos.
Crítica
De esas obras que a poco que seas humano vas a recordar con cariño
Personalmente me parece forzado y vago cuando las comedias dramáticas se inclinan hacia el cinismo o el sentimentalismo excesivo, siempre he pensado que destrozan todo lo construido y buscan la lágrima fácil. En el caso de ‘Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela’ podemos decir que emerge como una obra refrescante y auténtica, sincera y a la cara. Y eso que su título original viene a significar algo así como «déjame ir». Representando a Tailandia como su candidata a los premios Oscar, esta película logra equilibrar un humor entrañable con una exploración profunda de las dinámicas familiares y los conflictos generacionales, es de esas obras que a poco que seas humano vas a recordar con cariño.
La trama gira en torno a “M”, un joven ambicioso atrapado entre las expectativas de su familia y sus propias aspiraciones. Este streamer, un nini casi hikikomori, idea un plan disparatado para alcanzar la riqueza antes de que su abuela, el pilar emocional y financiero de la familia, fallezca. Desde esta premisa aparentemente ligera, la película se expande hacia una narración que no solo invita a sonreír tiernamente, sino que también plantea preguntas serias sobre el legado, la unidad familiar y los sacrificios intergeneracionales.
El director, Pat Boonnitipat, cuya sensibilidad queda patente en cada encuadre, utiliza el humor amable como herramienta para revelar verdades profundas. Las situaciones cómicas generadas a través del enfrentamiento entre la picardía de ambos protagonistas no son meros gags aislados, sino el resultado natural de las interacciones entre los personajes. La abuela, interpretada con una mezcla de calidez y autoridad inquebrantable, se convierte en el corazón de la historia. A través de sus gestos y frases cargadas de sabiduría popular, transmite una visión del mundo que contrasta con la obsesión de “M” por los atajos hacia el éxito. Esta tensión genera momentos únicos, como cuando los planes de “M” se desmoronan por ambiciones de sus otros familiares o el choque de tradiciones con la modernidad. Sin embargo, el verdadero logro de la película radica en su capacidad para encontrar el drama en los pequeños detalles. Las conversaciones aparentemente banales entre generaciones revelan un abismo de expectativas no expresadas, frustraciones acumuladas y amor genuino.
Visualmente, la película captura con destreza la vida en una comunidad tailandesa, desde los mercados bulliciosos hasta los momentos de calma en el hogar familiar. La fotografía evita exotizar los paisajes y, en su lugar, los utiliza como reflejo de los trasuntos de los personajes. La música, un delicado balance entre instrumentos tradicionales y arreglos contemporáneos, refuerza esta conexión entre pasado y presente.
En su totalidad, ‘Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela’ es mucho más que una comedia dramática; es una celebración de la familia, con sus imperfecciones y fortalezas. Es ante todo un ultimátum para que disfrutemos sinceramente de los nuestros. Su capacidad para tejer risas y lágrimas con tanta naturalidad la convierte en una digna representante de Tailandia en los Oscar, y un recordatorio de que el cine puede ser a la vez divertido y profundamente humano.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: Lahn mah. Duración: 126 min. País: Tailandia. Dirección: Pat Boonnitipat. Guion: Thodsapon Thiptinnakorn, Pat Boonnitipat. Música: Jaithep Raroengjai. Fotografía: Boonyanuch Kraithong. Reparto principal:Producción: GDH 559, Jor Kwang Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.gdh559.com/post/lahnmahMoive/
El gato es un animal solitario, pero cuando su hogar es devastado por una gran inundación, encuentra refugio en un barco poblado por varias especies, y tendrá que formar equipo con ellas a pesar de sus diferencias.
Crítica
Un milagro de la animación indie
‘Flow’, la película de Gints Zilbalodis presente en la shor-list de los Oscars 2025, es una obra maestra de la animación que destaca por su enfoque sensible hacia el mundo animal y su capacidad para evocar una amplia gama de emociones sin recurrir a diálogos. La narrativa sigue a un gato (o gata) negro que, tras una devastadora inundación, se embarca en un viaje a bordo de un barco habitado por diversas especies animales. A lo largo de esta travesía, el felino aprende a colaborar y confiar en sus compañeros de viaje, resaltando temas universales de comunidad y protección mutua. A los que ya peinan canas esta trama podría recordar a ‘En busca del valle encantado’, ‘Dinosaurio’ o ‘El viaje de Arlo’, pero este filme va por otros derroteros, sobre todo por su final.
La ausencia de diálogos en ‘Flow’ permite que las acciones y comportamientos naturales de los animales sean el principal vehículo de comunicación, otorgando autenticidad y profundidad emocional a la historia, reclamando la máxima atención por parte del espectador que ha de fijarse en la expresividad de los protagonistas. Esta elección artística invita al espectador a sumergirse en las sutilezas del lenguaje corporal y las interacciones entre las diferentes especies, creando una conexión más íntima con los personajes y sus experiencias.
La animación de ‘Flow’ es notable por su realismo y estilo distintivo, que recuerda a producciones de videojuegos indie como ‘Sky’, ‘Samorost’ o ‘Gris’. La estética visual, creada íntegramente con el software de código abierto Blender, ofrece paisajes oníricos y detallados que complementan la atmósfera fantástica del relato. Cada escena está meticulosamente diseñada para sumergir al espectador en un mundo de carácter casi post-apocalíptico donde la naturaleza y los animales son los protagonistas indiscutibles.
La trama de ‘Flow’ es extrapolable a cualquier relato sobre desamparados y desharrapados, ya que presenta a animales que, despojados de su hogar por un desastre natural, deben unirse para sobrevivir. Esta narrativa resuena profundamente en un mundo donde los desastres naturales, como inundaciones e incendios (véase recientemente Valencia o California), afectan no solo a los humanos sino también a innumerables animales. La película invita a reflexionar sobre el impacto de la mano del hombre en el medio ambiente y cómo nuestras acciones pueden desencadenar consecuencias devastadoras para todas las formas de vida, como sucede durante la construcción de presas y carreteras.
Para los amantes de los animales, ‘Flow’ ofrece una perspectiva sensible y conmovedora de la vida animal, con momentos que van desde la tristeza profunda hasta la ternura, evidenciando el sentido de comunidad e instinto protector que emerge en situaciones de adversidad. La película destaca la importancia de la cohabitación y la comprensión mutua entre diferentes especies, presentando un homenaje poético a la naturaleza y sus habitantes. Si hay que ponerle algún “pero” a este filme es que en diversas ocasiones la trama avanza gracias a atribuir ciertos comportamientos humanos a estos animales.
Para una comprensión completa del filme, se recomienda prestar atención a la escena post-créditos, que ofrece una perspectiva adicional sobre la narrativa y los destinos de los personajes. Esta escena finaliza la experiencia cinematográfica con una nota reflexiva, invitando al espectador a contemplar las implicaciones más profundas de la historia presentada.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: Flow. Duración: 83 min. País: Francia, Letonia, Bélgica. Dirección: Gints Zilbalodis. Guion: Matiss Kaza, Gints Zilbalodis. Música: Rihards Zalupe, Gints Zilbalodis. Producción: Arte France Cinéma, Dream Well Studio, Sacrebleu Productions, Take Five. Distribución: Adso Films, Filmin. Género: aventura, drama. Web oficial:https://www.dreamwell.lv/
Emily y Matt renunciaron hace años a ser espías de la CIA para formar una familia. Pero, cuando se descubre su tapadera, se ven arrastrados de nuevo al mundo del espionaje.
Crítica
Reciclaje de acción y actores
Tenemos entre manos otra película de espías factoría Netflix, como ‘Alerta roja’, ‘El agente invisible’ o ‘Agente Stone’, pero en esta ocasión sin batir récords de presupuesto y reduciendo costes a base de contar con dos actores en horas bajas como Jamie Foxx y Cameron Diaz. En un género tan abarrotado como el de las comedias de acción, ‘De vuelta a la acción’ de SethGordon se presenta como un esfuerzo competente pero genérico que, aunque entrega momentos divertidos, rara vez se eleva más allá de lo predecible. Con un reparto conocido y un ritmo ágil, la película cumple con los requisitos básicos del género, pero carece de la chispa necesaria para dejar una impresión duradera.
Nos plantean a una pareja de espías pero no vayáis a pensar que esto es como ‘Sr. y Sra. Smith’. En lugar de ello os recomiendo tener en mente películas de espías o agentes como ‘Plan en familia’, ‘El súper canguro’ o ‘Un canguro superduro’. El patrón es más que evidente: padres carcas y obsoletos que de repente molan a ojos de sus hijos con los que no acaban de encajar. Se produce un evidente regreso al mundo del espionaje debido a que su país les reclama de nuevo y ellos echan de menos el subidón de adrenalina. Nos combinan los elementos habituales: tiroteos, persecuciones automovilísticas y una ligera dosis de diálogos cómicos. Sin embargo, en lugar de aportar algo fresco o inesperado, la película parece contentarse con transitar por caminos ya recorridos. Esto se hace evidente desde el primer acto, donde los clichés se despliegan con toda su fuerza y sin camuflajes. Aunque estas fórmulas no necesariamente condenan una película, ‘De vuelta a la acción’ se resiste a salir de su zona de confort. En el mejor de los casos, esto resulta en escenas bien ejecutadas, en el peor, en un desfile de momentos predecibles que dejan al espectador adivinando con frecuencia qué sucederá a continuación.
Uno de los puntos fuertes en la carrera del director Seth Gordon ha sido su capacidad para dirigir secuencias dinámicas y cómicas. En ‘De vuelta a la acción’ las escenas de acción están bien coreografiadas y mantienen un ritmo adecuado, pero no hay ninguna que realmente sorprenda. En una era donde las comedias de acción intentan escalar la espectacularidad, ‘De vuelta a la acción’ se siente modesta en comparación. Las persecuciones son funcionales, los enfrentamientos están rodados con claridad, pero ninguna escena logra capturar esa sensación de asombro que define a las mejores películas del género en nuestros días. Ni tampoco nos brindan momentos cómicos recordables, destacando en ese sentido el secundario interpretado por Jamie Demetriou.
‘De vuelta a la acción’ no es una mala película, pero tampoco es algo estratosférico. Se sitúa cómodamente en el terreno del entretenimiento desechable, esa clase de película que resulta agradable mientras la ves, pero que desaparece de la memoria tan rápido como los créditos finales comienzan a aparecer. Seth Gordon demuestra que puede manejar los elementos básicos de una comedia de acción y que este perfil bajo le favorece, por eso quizá parece más interesado en cumplir con las expectativas que en desafiarlas. Es un título para aquellos que busquen algo ligero y sin pretensiones, pero no para quienes esperan innovación o reivindicación de dos actores otrora entre los más cotizados.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Back in Action. Duración: 112 min. País: EE.UU. Dirección: Seth Gordon. Guion: Seth Gordon, Brendan O’Brien. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Ken Seng. Reparto principal: Jamie Foxx, Cameron Diaz, Kyle Chandler, Glenn Close, Andrew Scott, Jamie Demetriou, McKenna Roberts, Rylan Jackson. Producción: Good One Productions, Chernin Entertainment, Exhibit A, Marzano Films. Distribución: Netflix. Género: acción, comedia. Web oficial:https://www.netflix.com/us-es/title/81307099
‘Cónclave’ y ‘Emilia Pérez’ principales candidatos
Inmersos ya en temporada de premios llegan los ganadores del año. Y en el caso de la Academia Británica los BAFTA son aquellos premios que nos orientan sobre cuáles son las producciones que más pueden agradar al público general. De momento la noticia es que tenemos lista de nominados y el próximo 16 de febrero en el Royal Festival Hall de Londres saldrán al escenario los ganadores definitivos.
En estos BAFTA 2025 destacan títulos como ‘Cónclave’ presente en 12 categorías, seguido casi en empate por ‘Emilia Pérez’ con 11. Otros grandes nominados son ‘The Brutalist’ con 9 y ‘Anora’ ‘DUNE: Parte Dos’, ‘Wicked’, ‘A Complete Unknown’ y ‘Kneecap’ con 7.
Nominados a los BAFTA 2025
Mejor Debut Británico de Dirección, Guion o Producción
Hoard
Kneecap
Monkey Man
Santosh
Sister Midnight
Mejor Guion Original
Anora
The Brutalist
Kneecap
A Real Pain
La Sustancia
Mejor Guion Adaptado
A Complete Unknown
Cónclave
Emilia Pérez
Nickel Boys
Las vidas de Sing Sing
Mejor Película de habla no inglesa
All We Imagine as Light
Emilia Pérez
I’m Still Here (Ainda Estou Aqui)
Kneecap
The Seed of the Sacred Fig
Mejor Filme Animado
Flow
Ensure’s Kingdom
Wallace and Gromit: La venganza se sirve con plumas
The Wild Robot
Mejor Dirección
Sean Baker por Anora
Brady Corbet por The Brutalist
Edward Berger por Cónclave
Denis Villeneuve por DUNE: Parte Dos
Jacques Audiard por Emilia Pérez
Coralie Fargeat por La Sustancia
Mejor Actriz de Reparto
Ariana Grande por Wicked
Felicity Jones por The Brutalist
Isabella Rossellini por Cónclave
Jamie Lee Curtis por The Last Showgirl
Selena Gomez por Emilia Pérez
Zoe Saldaña por Emilia Pérez
Mejor Actor de Reparto
Clarence Maclin por Las vidas de Sing Sing
Edward Norton por A Complete Unknown
Guy Pearce por The Brutalist
Jeremy Strong por The Apprentice
Kieran Culkin por A Real Pain
Yura Borisov por Anora
Mejor Actriz
Cynthia Erivo por Wicked
Demi Moore por La Sustancia
Karla Sofía Gascón por Emilia Pérez
Marianne Jean-Baptiste por Hard Truths
Mikey Madison por Anora
Saoirse Ronan por The Outrun
Mejor Actor
Adrien Brody por The Brutalist
Colman Domingo por Las vidas de Sing Sing
Hugh Grant por Heretic
Ralph Fiennes por Cónclave
Sebastian Stan por The Apprentice
Timothée Chalamet por A Complete Unknown
Mejor Película Británica
Bird
Blitz
Cónclave
Gladiator II
Hard Truths
Kneecap
Lee
Love Lies Bleeding
The Outrun
Wallace and Gromit: La venganza se sirve con plumas
El nominado a los Globos de Oro Christopher Abbott protagoniza esta historia en el papel de Blake, un hombre casado y padre de familia residente en San Francisco que hereda la remota casa donde creció en una zona rural de Oregón tras la desaparición de su propio padre, dado por muerto. En plena crisis de pareja con su enérgica esposa Charlotte, Blake la convence para tomarse un descanso de la gran ciudad y visitar la propiedad con su hija Ginger.
Todo se tuerce cuando, de camino a la granja y en plena noche, la familia sufre el brutal ataque de un animal al que no consiguen ver y, en un intento desesperado por huir, se atrincheran dentro de la casa mientras la criatura merodea por la zona. Pero, con el paso de las horas, Blake comienza a comportarse de un modo extraño y a convertirse en algo irreconocible, y Charlotte se verá obligada a decidir si esa monstruosidad es más letal que el peligro que acecha en el exterior.
Crítica
Aprovecha su técnica pero no su significado subyacente
Leigh Whannell, quien sorprendió al público y a la crítica con su renovada interpretación de ‘El hombre invisible’ (2020), regresa al cine de terror con ‘Hombre lobo’, una película que, si bien prometía ser otro ejercicio de reinterpretación moderna de los monstruos clásicos, se queda a medio camino entre el homenaje y la reinvención. Whannell demuestra que sigue siendo un narrador técnicamente competente, pero en esta ocasión parece haber perdido la ocasión de plantear un subtexto como hizo con su película anterior, consiguiendo así un ejercicio fascinante. Sin duda estamos ya lejos del Dark Universe que quería crear Universal y nos encontramos de lleno con una nueva colaboración con Bluhouse.
En ‘El hombre invisible’, Whannell exploraba temas como el gaslighting, la violencia de género y el control psicológico, creando una capa adicional de terror que resonaba profundamente con la realidad contemporánea. ‘Hombre lobo’ siembra lo suficiente como parecer tener la oportunidad de ahondar en un discurso igualmente rico: la lucha entre el instinto protector y los impulsos más oscuros del ser humano heredados entre generaciones. Sin embargo, esta posibilidad queda prácticamente desaprovechada, relegada a menciones superficiales que nunca se desarrollan por completo. El protagonista, cuyo vínculo familiar debería ser el corazón emocional de la historia, no logra transmitir una tensión emocional suficiente como para convertir ese conflicto en el motor de la trama. Por supuesto ni el giro final ni el desenlace responden a avatares tan complejos, al contrario, se alzan como algo escrito en piloto automático.
Donde sí destaca Whannell es en su capacidad para construir secuencias de alta tensión, y el prólogo de ‘Hombre lobo’ es un ejemplo brillante de ello. Desde el primer minuto, el director crea un ambiente opresivo y cargado de suspense, dejando entrever una amenaza física pero jugando mucho con los planos. Es una lástima que el resto de la película no mantenga este nivel de intensidad, pero este inicio es un recordatorio del talento de Whannell para crear la atmósfera.
Uno de los aspectos más discutibles de la película es la representación del licántropo. Había una palpable expectativa por ver cómo Whannell reinterpretaría la transformación del hombre en bestia, un momento emblemático en cualquier obra de licantropía (seguro que todos tenéis en mente películas como ‘Dog Soldiers’, ‘Hombre lobo americano en Londres’, ‘Wolf’, ‘Underworld’ o cualquiera de Paul Naschy). Sin embargo, en lugar de optar por una visión antropomórfica que honrara el legado del monstruo clásico, Whannell toma un camino más visceral y grotesco, recordando a ‘La mosca’ de David Cronenberg. La transformación es dolorosa y deshumanizante, lo que resulta impactante pero al mismo tiempo alienante para quienes esperaban una criatura más icónica y menos perteneciente al body horror. Aunque esta elección tiene su mérito en términos de originalidad, la ejecución deja una sensación de desconexión, como si la película se alejase demasiado de las raíces míticas del hombre lobo, a pesar de que en su inicio intenta vincularse con leyendas de la américa profunda. Para muchos aparecerá en mente el aspecto de los klingon de ‘Star Trek’ o de los protagonistas convirtiéndose en cerdo en ‘Willow’, lo cual, es muestra de que no se ha escogido el mejor aspecto, quizá el más científico, pero no el más mítico.
Un punto a favor es la manera en que Whannell experimenta con la perspectiva de la bestia. Las escenas que nos muestran la visión del hombre lobo –un caleidoscopio de colores distorsionados y movimientos casi psicotrópicos– ofrecen una inmersión única en su experiencia sensorial. Es un recurso interesante y técnicamente bien logrado, aunque su impacto narrativo es limitado, ya que no llega a integrarse de manera orgánica con la historia.
En definitiva, ‘Hombre lobo’ es una película que combina destellos de genialidad técnica con decisiones narrativas que no terminan de cuajar. Aunque el prólogo y la perspectiva sensorial del licántropo destacan como virtudes, el filme carece de un subtexto que la haga justificable. La oportunidad de explorar un discurso profundo sobre el instinto protector y los conflictos internos del protagonista se pierde en una historia que parece más interesada en sus momentos de impacto visual que en sus implicaciones temáticas.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Wolf Man. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Leigh Whannell. Guion: Leigh Whannell, Corbett Tuck, Rebecca Angelo, Lauren Schuker Blum. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Stefan Duscio. Reparto principal: Christopher Abbott, Julia Garner, Sam Jaeger, Matilda Firth, Ben Prendergast. Producción: Blumhouse Productions, Motel Movies, Universal Pictures, Waypoint Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: terror. Web oficial:https://www.instagram.com/wolfmanmovie/
Un cineasta arriesga su vida acompañando a los talibanes que toman una base militar estadounidense abandonada en Afganistán. Una visión escalofriante e inolvidable del poder armamentístico.
Inmediatamente después de que Estados Unidos se retirara de Afganistán, los talibanes ocuparon el complejo ‘Hollywood Gate’, supuesta antigua base de la CIA en Kabul. Los talibanes encuentran innumerables aviones, armas y piezas de equipo militar.
Crítica
El documental más arriesgado que he visto en los últimos años
Aún recuerdo la última temporada de la serie ‘La Unidad’ (Movistar Plus+, 2023). En ella vivíamos una nueva aventura junto a los agentes antiterroristas, pero la trama se trasladó al mismísimo Kabul. Y acompañando a esta trama policíaca se nos enviaba un mensaje que rogaba por no olvidar a todos aquellos que habían quedado abandonados en Afganistán. El documental ‘Hollywoodgate’, que nos trae Filmin esta misma semana, está dirigido por Ibrahim Nash’at y representa un esfuerzo audaz y osado por capturar las consecuencias de aquel momento histórico crucial en el país tomado por los talibanes: la retirada de las tropas estadounidenses. A través de un acceso sin precedentes, la película se desarrolla principalmente en la base militar abandonada por la CIA, conocida como «Hollywood Gate», en las afueras de Kabul. Este enclave militar, cargado de simbolismo, se convierte en el escenario donde el director documenta la transformación de los talibanes de una insurgencia armada a un gobierno en formación.
Nash’at se adentra en las vidas de los nuevos líderes talibanes, presentando figuras como Mawlawi Mansour, el comandante de la fuerza aérea, y MJ Mukhtar, un piloto en formación. Ambos personajes representan distintas caras del nuevo régimen: Mansour encarna la estrategia militar, mientras Mukhtar refleja las aspiraciones bélicas de una generación nacida en medio de la guerra. Nash’at captura la apropiación de sofisticados equipos militares estadounidenses, incluidas aeronaves y helicópteros, como un testimonio del vacío dejado por la retirada occidental. Estas imágenes no solo subrayan el fracaso desinteresado de la intervención militar estadounidense, sino también el inmenso desafío logístico y político que enfrenta el régimen talibán en su intento por gobernar un país devastado. Sobre todo nos muestra cómo a Afganistán se le ha regalado una enorme maquinaria de guerra. El final de la película da escalofríos por el alarde de belicosidad que ha registrado el director y por cómo se habla de ejecuciones y declarar guerras con total naturalidad.
Uno de los aspectos más destacados del documental es su capacidad para mostrar momentos que humanizan a los talibanes, revelando sus contradicciones y los desafíos que enfrentan al asumir el control del país. Por ejemplo, escenas en las que discuten la formación de pilotos o intentan organizar su infraestructura aérea ilustran un nivel de pragmatismo que rara vez se asocia con el grupo en el discurso occidental. El documental correría el peligro de parecer propaganda talibán, pero hace bien en arrancar con un repaso de la historia y con avisar que lo que vemos está continuamente sujeto a la censura de la organización militar islamista deobandi.
La ausencia de voces de ciudadanos afganos, especialmente mujeres y grupos marginados, deja un vacío significativo en la narrativa, lo cual lamenta el propio director. Al no abordar directamente las implicaciones sociales y culturales del regreso al poder talibán, Nash’at corre el riesgo de presentar una visión unilateral que puede interpretarse como una validación indirecta de su autoridad. Este sesgo, aunque no es intencionado, limita la profundidad del análisis político y social que el documental podría haber ofrecido. Personalmente, aunque es algo que deja coja a la película, para mi no es sino una muestra más de cuan arriesgado ha sido acompañar a Mansour y su séquito grabando alarmantes testimonios del fanatismo.
En términos visuales, la fotografía realizada por el propio Nash’at al recorrer el Hollywood Gate cámara en mano, es cruda y directa, lo que refuerza la autenticidad del proyecto. La cámara parece convertirse en un testigo silencioso de una transformación histórica, logrando capturar tanto la euforia del triunfo como la incertidumbre y soberbia del futuro afgano.
‘Hollywoodgate’ es un retrato poderoso y único del nuevo régimen talibán, pero su falta de pluralidad en las perspectivas lo convierte en una obra incompleta. Aun así, su valentía al ofrecer un acceso tan cercano a figuras clave del grupo y su enfoque en un momento de cambio histórico hacen de este documental una pieza esencial para quienes buscan entender las complejidades de la política en Oriente Medio y las consecuencias de las intervenciones extranjeras. Aunque imperfecto, ‘Hollywoodgate’ es un testimonio valioso de un capítulo decisivo en la historia de Afganistán y por desgracia se extiende como reflejo de uno de los fracasos de occidente.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Hollywoodgate. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Ibrahim Nash’at. Guion: I. Nash’at, Shane Boris, Talal Derki. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Ibrahim Nash’at. Reparto principal: Ibrahim Nash’at. Producción: Cottage M., Jouzour Productions, RaeFilm Studios, Rolling Narratives. Distribución: Filmin. Género: documental. Web oficial:https://www.cottagem.com/films/hollywoodgate
Ramiro hace un viaje express a Madrid para decidir sobre la vida de su padre, que se encuentra en coma y con quien nunca ha tenido mayor relación.
Crítica
Sincero relato que explora la virtud de perdonar a través de desconocidos
‘Adiós Madrid’, dirigida por Diego Corsini, presenta un drama íntimo y reflexivo que aborda temas como el abandono, las ausencias y la redención. La trama sigue a Ramiro, un hombre que, tras una vida marcada por resentimientos hacia su padre, viaja a Madrid para enfrentarse a su pasado y tomar decisiones sobre él, quien está en coma. Durante su estancia, Ramiro descubre nuevas facetas de su progenitor a través de personas que lo conocieron y que lo consideran una figura fundamental en sus vidas, en contraste con la percepción que él tiene de él.
El director logra un balance entre lo emotivo y lo narrativo, evitando caer en golpes bajos emocionales, de hecho dispone de más de un momento cómico. Esto permite que el filme se enfoque en la complejidad de las relaciones interpersonales y en cómo diferentes contextos revelan múltiples facetas de las personas. Madrid no solo sirve como escenario, sino que se convierte en un elemento transformador en sí mismo, con planos que contrastan entre los espacios abiertos de la ciudad y los momentos introspectivos de Ramiro. A través de estos elementos visuales, Corsini profundiza en la psicología del protagonista y su viaje emocional. Desarrolla un relato que a priori es sencillo, pero que ensalza las virtudes de conocer a través de desconocidos y de conseguir perdonar a otros para sanarse a sí mismo.
Aunque la película se enmarca en un género que podría parecer familiar, evita clichés excesivos al optar por un desarrollo pausado y reflexivo, sin que eso evite el tono coloquial. Los diálogos son un pilar fundamental en el avance de la trama, especialmente en la noche en que Ramiro conoce a quienes compartieron una conexión especial con su padre. Estas conversaciones no solo permiten que Ramiro entienda mejor a su progenitor, sino que también le brindan la posibilidad de redescubrirse a sí mismo. Pese a que recurre a ciertos lugares comunes dentro de las historias sobre el perdón y las segundas oportunidades, dispone de un enfoque sensible y humano que compensa toda previsibilidad, apelando a un público dispuesto a explorar emociones profundas y debates conflictivos. Las actuaciones, especialmente la de Luciano Cáceres como Ramiro, destacan al transmitir la carga emocional y el conflicto interno del personaje, añadiendo autenticidad a la narrativa. De los pocos elementos que nos sacan del relato o que parecen insertados sin explicación, es la figura de una sintecho demente.
En resumen, ‘Adiós Madrid’ es una película que, aunque no rompe con los moldes del género, sobresale por su honestidad y su capacidad para conectar con el espectador a nivel emocional. Su exploración de los traumas no resueltos y de las segundas oportunidades la convierten en una obra significativa que invita a reflexionar sobre las complejidades de las relaciones familiares y los reencuentros necesarios para sanar.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Adiós Madrid. Duración: 102 min. País: España, Argentina. Dirección: Diego Corsini. Guion: Mariana Cangas, Diego Corsini. Música: Alan Senderowitsch, Andy Colombo. Fotografía: Santiago Squadroni, Pedro Calamar. Reparto principal: Luciano Cáceres, Javier Godino, Ramón Esquinas, Fariba Sheikhan, Mónica Solaun, Sara Vega, Ingrid Rubio. Producción: Cinescalas SL, Cineworld, Madco Broadcast Services. Distribución: 39 Escalones. Género: drama. Web oficial:https://www.instagram.com/cinescalasfilms/
Donnie (O’Shea Jackson Jr.) se alía con la mafia Pantera para cometer el mayor robo de diamantes jamás visto. Mientras, Nick (Gerard Butler), el policía que ya le persiguió en el pasado, se ve arruinado y cansado de ser el cazador, así que le propone unirse a su banda y dar juntos este golpe. Si este desafío tiene éxito, habrán conseguido ejecutar el atraco más importante de la historia.
Crítica
Repetir el truco suele ser una solución demasiado vaga
‘Juego de Ladrones: Pantera’ llega como la continuación de la primera entrega que sorprendió a más de uno en su estreno en 2018. Aquel filme, con Gerard Butler liderando un elenco en el que también estaban O’Shea Jackson Jr., Pablo Schreiber y 50 Cent, logró combinar una ruda acción con una trama lo suficientemente astuta como para engañar al espectador, culminando en un giro final inesperado. Sin embargo, esta segunda intenta jugar las mismas cartas y la predictibilidad nos somete a un bucle de giros que alargan el final.
Mientras que el primer ‘Juego de Ladrones’ apostaba por una estructura de atraco más o menos meticulosa y un desarrollo que construía tensión, ‘Pantera’ cae en el error de intentar cambiar las tornas. Consejo, no leáis el tagline del poster. El guion no solo abusa de los giros de trama sino que sacrifica el ritmo al eliminar las dosis de acción eliminando bandos y creando alianzas inesperadas. La anterior película ya iba por esos derroteros, pero esta intenta ser una especie de ‘Italian Job’ u ‘Ocean’s eleven’, pero sin la elegancia de esos títulos y recordando a películas como ‘Way Down’, partido de fútbol incluído.
En ‘Pantera’, la acción se reduce considerablemente, y cuando aparece, no logra alcanzar los niveles de adrenalina que recordamos. Las escenas de persecuciones y tiroteos, aunque bien filmadas, carecen del dinamismo y la chispa que hicieron a su predecesora una ligera sorpresa. Al menos, cuando se ejecuta el atraco en cuestión, si se logra una serie de escenas muy cargadas de tensión.
En el apartado técnico, es digno de elogio cómo el equipo de producción consigue transformar los paisajes de Tenerife en un convincente escenario italiano. La fotografía aprovecha al máximo la belleza natural de las Islas Canarias, brindando un marco visual atractivo que es, sin duda, uno de los puntos más fuertes de la película.
El regreso de Gerard Butler no sorprende, haciendo honor a la verdad hay que informar que él es el productor de su propia película. Su compromiso con el proyecto es evidente, pero incluso su carisma habitual no basta para rescatar a esta secuela de su exceso de ambición narrativa. Butler cumple como líder, pero el guion no le permite brillar más allá que como una estrella en producciones menores.
‘Juego de Ladrones: Pantera’ tenía la difícil tarea de superar a una primera parte que entretuvo por encima de las expectativas. En su intento de sorprender continuamente al público usando la misma fórmula, olvida lo esencial en este género: contar una historia capaz de hacernos segregar adrenalina y clímax bien fundamentado. Aunque su ambientación y el esfuerzo técnico son destacables, la película no logra repetir la magia anterior. A veces, menos es más, y ‘Juego de Ladrones: Pantera’ es un recordatorio de que demasiados giros pueden arruinar la experiencia de un buen thriller de acción.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de enero de 2024. Título original: Den of Thieves 2: Pantera. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Christian Gudegast. Guion: Christian Gudegast. Música: Kevin Matley. Fotografía: Terry Stacey. Reparto principal: Gerard Butler, Jordan Bridges, Evin Ahmad, O’Shea Jackson Jr., Salvatore Esposito, Rico Verhoeven. Producción: Atmosphere Entertainment MM, Diamond Film Productions, Eone Entertainment, G-Base, Palma Pictures, Shaken Not Stirred, Sierra/Affinity, Tucket Tooley Entertainment. Distribución: Diamond Film. Género: acción, suspense. Web oficial:https://diamondfilms.es/pelicula/juego-de-ladrones-pantera
El juego multijugador cooperativo exclusivo de PlayStation, ‘Ghost of Tsushima’, goza de gran prestigio entre los jugadores de videoconsolas. Es una experiencia online que nos transporta al Japón feudal más mágico y fantasmagórico con imágenes tan violentas como terroríficas. En concreto ‘Ghost of Tsushima: legends’ es una expansión que funciona completamente como un juego a parte.
La situación actual ha permitido que llegue una auténtica noticia para los jugadores. La unión de Crunchyroll, Aniplex, Sony y PlayStation ha hecho posible que ‘Ghost of Tsushima: legends’ nazca una serie anime que seguro nos dejará boquiabiertos.
El juego de Sucker Punch Productions dará el paso al formato televisivo a través del trabajo de Aniplex, autores de obras como ‘Guardianes de la Noche: Kimetsu no Yaiba’, ‘Solo Leveling’ o ‘Sword Art Online’. TakanobuMizuno y GenUrobuchi han sido escogidos como director y guionista respectivamente mientras que la animación la realizará KamikaziDouga.
“Ya hemos demostrado la inmensa calidad y versatilidad de nuestros videojuegos a través de múltiples proyectos exitosos para cine y televisión, nos emociona anunciar nuestra primera adaptación al anime”, declara Asad Qizilbash, Director de PlayStation Productions. “El rico e inmersivo mundo de Ghost of Tsushima y Legends, su modo fantástico basado en la mitología japonesa, suponen el lienzo perfecto para este proyecto, y Aniplex es el socio ideal para convertir el exitoso videojuego de Sucker Punch Productions en una increíble nueva serie de anime”.
‘Ghost of Tsushima: legends’ se estrenará en exclusiva en Crunchyroll en 2027.
‘The Brutalist’, ‘Emilia Pérez’ y ‘Shogun’ se llevan el gato al agua
Probablemente tendréis un criterio diferente al nuestro, es lo que tiene el arte, pero en esta edición de los Globos de Oro han resultado premiados títulos y artistas que durante el año nos han tenido tan entusiasmados que os hemos estado hablando de ellos como si fuesen obras nuestras. Tal es el entusiasmo y lo alineados que estamos con el palmarés de los Globos de Oro 2025 que no podíamos tardar en comunicároslo cual regalo de Reyes Magos.
Estamos muy felices por el reconocimiento a ‘Pingüino’, ‘Emilia Pérez’, ‘Wicked’ o ‘La sustancia’. Si Demi Moore (‘La sustancia’), Sebastian Stan (‘A different man’) y Jodie Foster (‘True Detective: noche polar’) no se hubiesen llevado un premio nos habría parecido una desfachatez. Aunque hay que reconocer que el nivel, sobre todo en el ámbito televisivo es muy grande, hay algunos damnificados como ‘Better man’, ‘Anora’, ‘Dune: parte 2’ o ‘Solo asesinatos en el edificio’ que se han ido de vacío.
En cuanto a títulos con más premios destacan ‘Emilia Pérez’ (4), ‘The Brutalist’ (3), ‘Shogun’ (4), ‘Hacks’ (2) y ‘Mi reno de peluche’ (2). A continuación, detallamos todo el palmarés de estos últimos Globos de Oro.
Películas Globos de Oro 2025
Mejor Película – Drama
The Brutalist
A Complete Unknown
Cónclave
Dune: Parte Dos
Nickel Boys
Septiembre 5
Mejor Película – Musical o Comedia
Anora
Rivales
Emilia Pérez
A Real Pain
La sustancia
Wicked
Mejor Película – Animación
Flow, un mundo que salvar
Del revés 2
Memorias de un caracol
Vaiana 2
Wallace y Gromit: La venganza se sirve con plumas
Robot salvaje
Mejor logro cinematográfico y de taquilla
Alien: Romulus
Bitelchús Bitelchús
Deadpool y Lobezno
Gladiador II
Del revés 2
Twisters
Wicked
Robot salvaje
Mejor película de habla no inglesa
La luz que imaginamos
Emilia Pérez
The girl with the needle
Aún estoy aquí
La semilla de la higuera sagrada
Vermiglio
Mejor Actriz Principal de Cine – Drama
Pamela Anderson (The Last Showgirl)
Angelina Jolie (María Callas)
Nicole Kidman (Babygirl)
Tilda Swinton (La habitación de al lado)
Fernanda Torres (Aún estoy aquí)
Kate Winslet (Lee)
Mejor Actor Principal de Cine – Drama
Adrien Brody (The Brutalist)
Timothée Chalamet (A Complete Unknown)
Daniel Craig (Queer)
Colman Domingo (Las vidas de Sing Sing)
Ralph Fiennes (Cónclave)
Sebastian Stan (The Apprentice. La historia de Trump)
Mejor Actriz Principal de Cine – Comedia o Musical
Amy Adams (Canina)
Cynthia Erivo (Wicked)
Karla Sofía Gascón (Emilia Pérez)
Mikey Madison (Anora)
Demi Moore (La sustancia)
Zendaya (Rivales)
Mejor Actor Principal de Cine – Comedia o Musical
Jesse Eisenberg (A Real Pain)
Hugh Grant (Heretic)
Gabriel Labelle (Saturday Night)
Jesse Plemons (Kinds of Kindness)
Glen Powell (Hit Man: Asesino por casualidad)
Sebastian Stan (A Different Man)
Mejor Actriz de Reparto de Cine
Selena Gomez (Emilia Pérez)
Ariana Grande (Wicked)
Felicity Jones (The Brutalist)
Margaret Qualley (La sustancia)
Isabella Rossellini (Cónclave)
Zoe Saldaña (Emilia Pérez)
Mejor Actor de Reparto de Cine
Yura Borisov (Anora)
Kieran Culkin (A Real Pain)
Edward Norton (A Complete Unknown)
Guy Pearce (The Brutalist)
Jeremy Strong (The Apprentice. La historia de Trump)
Denzel Washington (Gladiador II)
Mejor Dirección de Cine
Jacques Audiard (Emilia Pérez)
Sean Baker (Anora)
Edward Berger (Cónclave)
Brady Corbet (The Brutalist)
Coralie Fargeat (La sustancia)
Payal Kapadia (La luz que imaginamos)
Mejor Guion de Cine
Jacques Audiard (Emilia Pérez)
Sean Baker (Anora)
Brady Corbet, Mona Fastvold (The Brutalist)
Jesse Eisenberg (A Real Pain)
Coralie Fargeat (La sustancia)
Peter Straughan (Cónclave)
Mejor Banda Sonora Original de Cine
Volker Bertelmann (Cónclave)
Daniel Blumberg (The Brutalist)
Kris Bowers (Robot salvaje)
Clément Ducol, Camille (Emilia Pérez)
Trent Reznor, Atticus Ross (Rivales)
Hans Zimmer (Dune: Parte Dos)
Mejor Canción Original de Cine
‘Beautiful That Way’ (The Last Showgirl)
‘Compress / Repress’ (Rivales)
‘El Mal’ (Emilia Pérez)
‘Forbidden Road’ (Better Man)
‘Kiss The Sky’ (Robot salvaje)
‘Mi Camino’ (Emilia Pérez)
Televisión Globos de Oro 2025
Mejor Serie de Televisión – Drama
Chacal
La diplomática
& Mrs. Smith
Shogun
Slow Horses
El juego del calamar
Mejor Serie de Televisión – Comedia o Musical
Colegio Abbott
The Bear
Hacks
The Gentlemen
Nadie quiere esto
Solo asesinatos en el edificio
Mejor Miniserie o Película para Televisión
Mi reno de peluche
Disclaimer
Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez
El pingüino
Ripley
True Detective: Noche polar
Mejor Actriz Principal de Serie de Televisión – Drama
Kathy Bates (Matlock)
Emma D’arcy (La Casa del Dragón)
Maya Erskine (Mr. & Mrs. Smith)
Keira Knightley (Palomas Negras)
Keri Russell (La diplomática)
Anna Sawai (Shogun)
Mejor Actor Principal de Serie de Televisión – Drama
Donald Glover (Mr. & Mrs. Smith )
Jake Gyllenhaal (Presunto inocente)
Gary Oldman (Slow Horses)
Eddie Redmayne (Chacal)
Hiroyuki Sanada (Shogun)
Billy Bob Thornton (Landman: Un negocio crudo)
Mejor Actriz Principal de Serie de Televisión – Comedia o Musical
Kristen Bell (Nadie quiere esto)
Quinta Brunson (Colegio Abbott)
Ayo Edebiri (The Bear)
Selena Gomez (Solo asesinatos en el edificio)
Kathryn Hahn (Agatha, ¿quién si no?)
Jean Smart (Hacks)
Mejor Actor Principal de Serie de Televisión – Comedia o Musical
Adam Brody (Nadie quiere esto)
Ted Danson (Un hombre infiltrado)
Steve Martin (Solo asesinatos en el edificio)
Jason Segel (Terapia sin filtro)
Martin Short (Solo asesinatos en el edificio)
Jeremy Allen White (The Bear)
Mejor Actriz Principal de Miniserie o Película para Televisión
Cate Blanchett (Disclaimer)
Jodie Foster (True Detective: Noche polar)
Cristin Milioti (El Pingüino)
Sofía Vergara (Griselda)
Naomi Watts (Feud: Capote Vs. The Swans)
Kate Winslet (El régimen)
Mejor Actor Principal de Miniserie o Película para Televisión
Colin Farrell (El pingüino)
Richard Gadd (Mi reno de peluche)
Kevin Kline (Disclaimer)
Cooper Koch (Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez)
Ewan McGregor (Un caballero en Moscú)
Andrew Scott (Ripley)
Mejor Actriz de Reparto de Serie, Miniserie o Película para Televisión
Liza Colón-Zayas (The Bear)
Hannah Einbinder (Hacks)
Dakota Fanning (Ripley)
Jessica Gunning (Mi reno de peluche)
Allison Janney (La diplomática)
Kali Reis (True Detective: Noche polar)
Mejor Actor de Reparto de Serie, Miniserie o Película para Televisión
Tadanobu Asano (Shogun)
Javier Bardem (Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez)
Harrison Ford (Terapia sin filtro)
Jack Lowden (Slow Horses)
Diego Luna (La Máquina)
Ebon Moss-Bachrach (The Bear)
Mejor Cómico/a de Stan-Up
Jamie Foxx (Jamie Foxx: What Had Happened Was…)
Nikki Glaser (Nikki Glaser: Todos moriremos algún día)
Ana compagina su trabajo de vigilante de sala en un museo con el cuidado de Son, su hija de ocho años. Separada desde hace tiempo, su rutina se rompe al comienzo del curso escolar cuando Son inicia una exploración de identidad.
Desorientada, Ana empezará a ver las cosas de otra manera y poco a poco tendrá que reencontrarse con la mujer que fue antes de ser madre. Para poder acompañar a su hija, Ana tendrá que volver a ser Ana.
Crítica
Carta abierta a los nuevos retos de la maternidad y la identidad
Con ‘La mitad de Ana’ vivimos el nacimiento de una nueva etapa para la hasta ahora actriz Marta Nieto, la cual, da un paso adelante, colocándose tanto delante como detrás de las cámaras. Todo parte del cortometraje ‘Son’, escrito y dirigido también por ella hace unos pocos años. La introspección es el camino que ha escogido para esta opera prima extendida en la que abraza el riesgo y la sutileza. Largometraje cuya sinopsis recuerda muchísimo a ‘20.000 especies de abejas’, pero que por suerte no cae en la copia, pues, aunque trata el tema de la transexualidad se acaba manifestando más como una obra sobre el cumplimiento de metas y el compartir la misma visión del mundo.
De entrada el discurso de ‘La mitad de Ana’ se centra más en la madre que en la hija, a diferencia de la película de Estibaliz Urresola Solaguren. Eso sí, la maternidad sirve también como disparador de una crisis de identidad y constantemente se abordan temas sobre los nuevos retos de la educación. Todas las facetas de la vida de la protagonista se ven cuestionadas y el guión es capaz de transmitir correctamente este tipo de inquietudes. Para ello ofrece soluciones tan ingeniosas como emotivas, pasando por animar cuadros de Ángeles Santos hasta la figura de la bañista, presente a través de escenas veraniegas o de la escultura del bejarano Mateo Hernández. Sin duda en esta obra hay una invitación a la autorreflexión y a enfrentarse a nuevos retos que apuesto a que parte de experiencias personales. Lo que para Ana es ver cómo su hija se desarrolla, para Marta Nieto es ver como fluye el discurso del filme.
Uno de los mayores aciertos de ‘La mitad de Ana’ es su fotografía, obra de Julián Elizalde, que utiliza encuadres muy estudiados, jugando con reflejos y contrapicados además de una paleta de colores apagada para reflejar la confusión interna de la protagonista, como si esta fuese un otoño esperando acabar de desprenderse de sus viejas hojas y de la corteza ya seca, que serían los conceptos ya caducos. Cada plano está cargado de intención, desde los espacios vacíos que enfatizan la incertidumbre de Ana hasta las tomas íntimas que desnudan la fragilidad emocional que viven ella y su hijo.
El guion, coescrito por Nieto y Beatriz Herzog, es otro de los pilares del filme. Si bien puede resultar demasiado críptico en algunos momentos, es evidente que busca dejar espacio para la interpretación del espectador. La película no teme plantear preguntas sin respuestas claras, algo poco habitual en un cine español más acostumbrado a narrativas explícitas. Sin embargo, el debut de Nieto no está exento de ciertas resoluciones. La obsesión por el minimalismo emocional puede distanciar a algunos espectadores.
Dicho esto, ‘La mitad de Ana’ es, sin duda, un debut ambicioso y prometedor. Marta Nieto demuestra un buen control sobre el medio y valentía al optar por una propuesta tan íntima, aunque le han allanado el terreno películas como ’20.000 especies de abejas’, ‘Cinco lobitos’, ‘Los días que vendrán’ o ‘Ane’ protagonizada por Patricia López Arnaiz, quien ejercía el papel de Marta Nieto en el cortometraje original. Puede que no sea una película para todos, pero aquellos dispuestos a sumergirse en su universo encontrarán una obra que, aunque imperfecta, está cargada de sinceridad y realidad.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de enero de 2024. Título original: La mitad de Ana. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Marta Nieto. Guion: Marta Nieto, Beatriz Herzog. Música: Adrian Foulkes. Fotografía: Julián Elizalde. Reparto principal: Marta Nieto, Noa Álvarez, Nahuel Pérez Biscayart. Producción: Avalon, Crea SGR, Elástica Films, Comunidad de Madrid, IVAC, Movistar Plus+, Mr. Fields and Friends, RTVE, Triodos Bank, ICAA. Distribución: Avalon, Elástica Films. Género: drama. Web oficial:https://elasticafilms.com/catalogofilms/la-mitad-de-ana-prod/
‘The Emu War’, un vergonzoso episodio militar contado sin vergüenza alguna
El festival CutreCon siempre nos ha volado la cabeza con películas desastrosas, giros inesperados e incluso documentales de lo más interesantes. Para esta edición, cuyo leitmotiv es la fantasía medieval, nos tienen reservado algún que otro título fuera de la temática. En concreto tendremos una película que se generó a partir de un hecho real.
Será el 7 de febrero a las 21:30 horas en el mk2 Cine Paz de Madrid cuando podremos ver ‘The Emu War’. Por supuesto se trata de una comedia. Se ambienta en Australia, hace casi cien años. Fue entonces cuando a la desesperada el gobierno decidió iniciar una campaña de control de emús. Y no se les ocurrió otra que en plan cazador, con hombres armados, soldados para ser más exactos. Esta película de Jay Morrissey, Lisa Fineberg y John Campbell no es la única que se hace eco de esta efeméride pues es un hecho histórico que ha dado a luz a memes, videojuegos… Nos esperan 75 minutos de comedia disparatada.
¿En la vida real? Según aparece en algunos medios una plaga de emús amenazó la integridad de las plantaciones australianas. Los campos de trigo del oeste del país ya sufrían la Gran Depresión y este nuevo inconveniente amenazaba su existencia. Fue cuando los veteranos e la Primera Guerra Mundial aceptaron la llamada del gobierno que les rescataba de las zonas marginales a las que habían sido apartados. El Mayor G.P.W. Meredith y su pelotón armados con ametralladoras fueron la respuesta. Por suerte, al contrario que sucedió en España con el lobo ibérico, la misión fracasó. Ello es debido a sucesivas decisiones erróneas que no tenían en cuenta la gran velocidad de estos parientes de los avestruces.
ENTRADAS YA A LA VENTA PARA THE EMU WAR
Las entradas para la proyección de ‘The Emu War’ el 7 de febrero a las 21:30 en el mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral 125) de Madrid ya están a la venta en taquilla y en los enlaces habilitados en la web oficial del festival, www.cutrecon.com.
Kitchen 154 – CutreCon está patrocinado por la franquicia de restaurantes de comida especiada y picante Kitchen 154 y organizado por los responsables de la web de cine y humor Cinecutre.com, la cadena de cines mk2, la Universidad Complutense de Madrid, la productora ADJ Proyectos Audiovisuales, la distribuidora Trash-O-Rama y la asociación Pop Culture España.
Una edición de coleccionista que despierta envidias
Pulp Fiction, la obra maestra de Quentin Tarantino, ha dejado una marca indeleble en la historia del cine con su narrativa no lineal, diálogos memorables y personajes icónicos. Considerada un referente del cine de culto, esta película sigue fascinando a nuevas generaciones de cinéfilos y coleccionistas. Con el lanzamiento de su edición de coleccionista en Blu-ray y UHD 4k, los fans tienen la oportunidad de redescubrir este clásico en su máxima calidad audiovisual, acompañada de materiales exclusivos que celebran su legado cinematográfico. Una edición que tenemos en nuestras manos gracias a Divisa Films. En este análisis, exploraremos en detalle todo lo que ofrece esta edición especial: desde la calidad de imagen y sonido hasta los contenidos adicionales y la presentación física. Porque tanto en lo digital como en lo físico es todo un tesoro.
En esta ocasión os extras a destacar están fuera de los discos de la película, los cuales son dos pues viene grabada en UHD-4k y en Blu-ray. Los extras que hacen de esta edición de coleccionista un tesoro se pueden tocar con las manos. La caja metálica viene encabezada por una portada con desaturación selectiva con la mítica pose de Uma Thurman fumando. Además tenemos una serie de pegatinas con detalles que todo amante de Tarantino reconocerá. Así mismo Divisa Films ha incluído postales con los momentos más icónicos de la película. Y por último, cuando abrimos la caja nos saltan Thurman y Travolta bailando gracias a un cartón pop-up que recrea la icónica escena de baile, todo un detallazo.
Realmente merece la pena pasearse en coche con Vincent y Jules, bailar con Mia o liberar a Butch en la calidad que ofrece esta remasterización fruto del 30 aniversario del filme. El Blu-ray nos ofrece una experiencia a 1080p HD pero el UHD 4k lleva el filme al nivel visual actual pero con las icónicas escenas que rodó Tarantino y que tanto redefinieron el panorama cinematográfico.
El audio llega a estar disponible en 5.1 DTS HD MA Surround. Los idiomas a escoger son inglés, checo y polaco. Los subtítulos están en castellano, inglés, checo, chino mandarín, danés, finés, polaco, noruego, tailandés y sueco. Tenéis toda la información en el cartón trasero que acompaña al estuche de esta edición y que podéis ver ya en tiendas o en la galería de a continuación.
Extras
Ninguno de los discos dispone de contenido audiovisual adicional.
La película de animación ‘Transformers One’, una precuela que explora los orígenes de Optimus Prime y Megatron, recibe un lanzamiento espectacular en esta edición metálica en Blu-ray que ha distribuido por tiendas Divisa desde el 10 de diciembre de 2024. Este lanzamiento combina una presentación física de lujo con una calidad audiovisual de vanguardia y contenido adicional que complacerá tanto a fanáticos de la franquicia como a coleccionistas.
Esta edición metálica es un tesoro para los seguidores de la franquicia y coleccionistas de cine animado. La combinación de un empaque de primera clase y una selección robusta de extras asegura que esta versión de ‘Transformers One’ sea una pieza indispensable en cualquier colección. Sumergirse en esta exploración de la mitología de los muñecos de Hasbro con esta edición en casa es todo un placer.
El steelbook destaca por un diseño futurista y elegante que refleja la estética tecnológica de Cybertron. La portada muestra a Optimus Prime en su juventud, con un arte conceptual exclusivo que resalta su relación con los futuros autobots. El acabado metálico tiene un brillo casi holográfico que cambia dependiendo del ángulo de la luz, evocando el carácter metálico y espacial de estos personajes. En la contraportada encontramos a los protagonistas con sus primeras transformaciones en vehículos. Además esta edición viene acompañada de un cartón con la clásica ficha repleta de detalles técnicos (fotos al final del artículo).
La edición ofrece una transferencia en 4K Ultra HD y otra para Blu-ray. De este modo se puede gozar de la espectacular animación por ordenador. Los detalles de los modelos de los personajes, desde las texturas metálicas hasta los complejos movimientos de transformación, y los paisajes de Cybertron se ven con una nitidez impresionante. La paleta de colores, que abarca tonos neon y paisajes cósmicos, se reproduce de manera vibrante gracias a un rango dinámico ampliado.
El audio está disponible en Dolby Surround 5.1 coloando al espectador en el centro de las intensas batallas. La mezcla de sonidos mecánicos, explosiones y una banda sonora orquestal electrizante se complementa perfectamente con los diálogos cargados de emoción y dramatismo. Diálogos que pueden escucharse en castellano, catalán, inglés, alemán, chino, coreano, checo, español latino o polaco. Si necesitas subtítulos puedes seleccionar castellano, catalán, inglés, alemán, checo, chino tradicional o mandarín, eslovaco, polaco o tailandés.
Extras (45 min. aprox.)
In the beginning (10:14 min.)
El director Josh Cooley y los productores nos cuentan qué tono querían para esta película y porqué ha sido de animación y no en acción real como las anteriores también producidas por Michael Bay.
World building on Cybertron (9:37 min.)
El planeta de los Transformers ha aprecio en otras películas de animación o en las series, pero nunca como hasta ahora. Aquí nos hablan del reto de crear este mundo completamente metálico.
Toguether as one (11 min.)
Chris Hemsworth, Brian Tyree Henry, Scarlett Johansson, Keegan-Michael Key, Steve Buscemi, Laurence Fishburne… Este es el reparto de voces escogido y este extra justifica su elección.
The IACON 5000 (6:26 min.)
En la cotidianidad de los Transformers también hay espacio para la dirección. La montadora del filme, el director y Chris Hemsworth nos hablan de esta convención que sirve para una primera escena de acción en el filme.
The battle fot Cybertron (8:59 min.)
Exiliados en la Tierra los Transformers siempre hablan de la batalla perdida por su planeta natal. Es el punto que los fans de la franquicia esperaban ver y es el clímax de la película. En este vídeo se analiza como se enfocó este punto crucial con imágenes de producción work in progress.
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