‘Objetivo: Washington D.C.’ de nuevo con Gerard Butler y Morgan Freeman
La «saga objetivo» sigue su curso. Sus dos predecesoras tuvieron más éxito del esperado por lo que tras ‘Objetivo: La Casa Blanca’ y ‘Objetivo: Londres’ podremos ver ‘Objetivo: Washington D.C.’. Volvemos a la capital de Estados Unidos para continuar con la acción protagonizada por Gerard Butler y Morgan Freeman. En esta ocasión la sinopsis introductoria es la siguiente:
«El presidente de los Estados Unidos, Allan Trumbull (Morgan Freeman) queda en coma tras un intento de asesinato. Su siempre confidente, el agente secreto Mike Banning (Gerard Butler), es injustamente acusado de perpetrarlo. Retenido por los suyos, Banning logra escapar de la custodia policial convirtiéndose en un fugitivo. Al margen de la ley y de su propia agencia, Banning tendrá que encontrar a los verdaderos culpables, aliándose esta vez con la persona más inesperada… Ahora su objetivo es limpiar su nombre, proteger a su familia y salvar, sin el apoyo del FBI, al país de un peligro inminente».
Vértice Cine ha programado el estreno de la película para el próximo 30 de agosto.
Como ya sabemos, sin el beneplácito y colaboración de Don Mancini, llegará a las salas de cine una nueva versión del clásico de terror ‘Muñeco diabólico’. La saga se reinicia de la mano de una de las productoras que posee sus derechos y cambian un poco las reglas del juego. Ahora no entra en juego el vudú si no un fallo técnico en una inteligencia artificial o en una app móvil.
El 28 de junio‘Childs Play’ estará en carteleras de la mano de Vértigo Films el título que ha dirigido Lars Klevberg (‘Polaroid’) y en el que oiremos la voz de Mark Hamill para dar vida a Chucky. También han trabajado en la película Aubrey Plaza o Gabriel Bateman además de Tim Matheson, Brian Tyree Henry o David Lewis entre otros.
Alain es un hombre de negocios respetado y un orador brillante. En su vida, no hay lugar para el ocio o la familia. Un día, sufre un derrame cerebral que da al traste con su brillante carrera profesional y le causa problemas profundos de habla y memoria. En su rehabilitación recibe el apoyo de Jeanne, una joven logopeda. Gracias al arduo trabajo y la paciencia, Jeanne y Alain llegarán a conocerse y cada uno, a su manera, tratará de reconstruirse y empezar una nueva vida.
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Crítica
Una comedia luminosa y de manual
Hombre de negocios, diseñador de éxito, conferenciante resuelto… Alain (Fabrice Luchini) es una persona engreída y petulante, entregada a su empleo, de esas que dicen «descansaré cuando me muera». Tras ese respetado empresario del mundo de la automovilística hay un mal padre y un mal jefe. Un día este reputado hombre sufre un ictus y sus facultades se ven disminuidas. Aunque esta película no pretende ser muy realista el daño llega hasta tal punto que es incapaz de hablar con coherencia aunque las ideas estén ordenadas en su cabeza, por lo que todos sus planes, su carrera y su prestigio comienzan a peligrar.
Es obvio pensar que con esta premisa lo que nos espera es una clásica historia de trasformación. El antaño altivo directivo de repente se ve con los pies en la tierra y con la obligación de fijarse mejor en aquello que le rodea. Además tiene que aguantar las risas contenidas de aquellos que le oyen hablar. Lo que antes era respeto se torna en burla o lástima.
Resumiendo. En ‘Háblame de ti’ tenemos comedia y moraleja. Comedia que nos viene sobre todo de los disparates que dice el protagonista al ser incapaz de relacionar o pronunciar bien las palabras. Moraleja al transmitirse el mensaje de humildad, de tomarse la vida con calma y de dedicar tiempo a aquello que de verdad importa. También tiene algo de autocrítica pues viene de una novela autobiográfica de Christian Streiff que literalmente se llama «Un hombre de prisas».
Con todo lo que nos cuenta el filme podría habernos transportado a un drama lacrimógeno pero en ningún momento se nos sugiere que debamos sufrir por los personajes y eso se agradece. A eso me refiero con que es un título luminoso, se centra más en la luz de la situación del protagonista, es de las que ven el vaso medio lleno. Agradezco también que, al contrario de como es costumbre en el cine francés, no se haya introducido la clásica historia de amor metida con calzador. Hay que reconocer que cuesta mantener el tono cómico solo a partir de la nueva manera de expresarse del protagonista, pero al menos la historia se propaga por los personajes secundarios amenizando la trama central.
‘Háblame de ti’ podría ser una película del montón, que ni sorprende ni decepciona. En algunos aspectos me ha recordado a la reciente ‘Mi familia del norte’. Es decir, tenemos también a un reverenciado personaje del mundo de los negocios convertido en hazmerreír por su manera de hablar. Pero consigue ser menos cargante y sus maneras son más elegantes o comedidas y no es solo por sus continuas referencias a ‘Casablanca’, a ‘Cowboy de medianoche’ o a Bob Dylan.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de marzo de 2019. Título original: Un homme pressé. Duración: 100 min. País: Francia. Dirección: Hervé Mimran. Guion: Hervé Mimran. Música: Balmorhea. Fotografía: Jérôme Alméras. Reparto principal: Fabrice Luchini, Leïla Bekhti, Rebecca Marder, Igor Gotesman, Clémence Massart, Frédérique Tirmont, Yves Jacques, Micha Lescot. Producción: Canal+, Gaumont, Albertine Productions, France 2 Cinema. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia, adaptación. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/hablame-de-ti/
Basada en la historia real de Forrest Tucker, un apuesto ladrón de bancos que en sus 80 años de vida logró escaparse 18 veces de prisión. Retirado del oficio, Tucker (Robert Redford) vive en un hogar de jubilados y ha encontrado en Jewel (Sissy Spacek) al amor de su vida.
Cuando un día ve al detective John Hunt (Casey Affleck) por televisión, el ex atracador siente la necesidad de dar un último golpe y demostrar que aún puede traer en jaque a los policías más competentes.
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Crítica
Lowery ha elaborado una elegante despedida para Redford
David Lowery, el director de ‘A ghost story’, cambia totalmente de género cinematográfico y del terror más íntimo se pasa a una comedia ligera con alguna que otra pincelada de drama. Esta nueva película más que tener visos de convertirse en un título de culto, como su anterior largometraje, está destinada a rendir culto, en concreto a Robert Redford. Y lo hace convirtiéndole en un atracador de bancos que lejos de querer jubilarse bate récords de robos. En varios sentidos marca el fin de una carrera dedicada a robar corazones de un modo fino.
Aunque aún nos queda por oír su voz como narrador en ‘Buttons’ de Tim Janis, ‘The old man and the gun’ sabe a despedida. Es un adiós que además hace repaso a la carrera de Redford muy elegantemente y si uno ha seguido sus pasos también se puede decir que muy emotivamente. Mucha presión puede sentir un director a la hora de firmar el cierre de una filmografía de en torno a seis décadas. Muchos de los títulos de Redford han estado ligados al mundo de las cárceles y las fugas, eso nos lo recuerda Lowery en una secuencia magistral en los compases finales de la película. También se encuentran sutiles guiños a películas como ‘El golpe’, ‘La jauría humana’ o ‘Dos hombres y un destino’.
La historia de ‘The old man and the gun’ tiene algo más de interés aparte de ser la última en la que parece que veremos al actor de Santa Monica. Trata sobre Forrest Tucker, alguien que realmente existió y que llegó a acumular entorno a cuatro millones de dólares en atracos. Se pasó la vida entrando y saliendo de la cárcel pero lo más memorable fueron sus robos siendo ya un anciano. Él y su banda fueron perseguidos durante bastante tiempo. La película juega con esa realidad y la recrea a su manera, creando una comedia bastante entrañable.
Curiosamente esta película reúne a Sissy Spacek con Robert Redford. Y digo que les reúne porque ambos compartieron escenario al subir a recoger su Oscar el mismo año, por ‘Quiero ser libre y ‘Gente corriente’ respectivamente. El trío de protagonistas se completa con otro reencuentro, esta vez más reciente. Casey Affleck ya trabajó con el director y guionista en ‘A ghost story’ y se convierte en el tercer actor principal de la cinta. También hay que contar con nombres como Danny Glover y Tom Waits para comprender porque digo que el reparto tiene mucho peso y se rodea de un casting bien elaborado.
La película está hecha para Robert Redford y el rol que ha tenido que desempeñar es muy cómodo para él. Nada que no haya hecho antes: guaperas con clase, granuja irremediable pero buena persona en el fondo, con métodos de la vieja escuela… Su interpretación no nos aporta nada nuevo, pero creo que en un título de estas características, con lo que representa, podemos permitírselo e incluso agradecérselo.
Para remontarnos a la época dorada de Redford nos han llevado a principios de los ochenta. Años en los que recibió su Oscar y en los que era más que cotizado por haber realizado películas como ‘El golpe’, ‘El gran Gatsby’, ‘Los intocables’, ‘Dos hombres y un destino’ o ‘Todos los hombres del presidente’. Para retraernos a esos tiempos emplea títulos de crédito y cartelones propios de los años sesenta y setenta. También la calidad de su imagen y los tonos que vemos en la pantalla sumergen al espectador en un film que parece ser de hace varias décadas. El encanto de este filme es que nos devuelve a esos tiempos pasados, obligándonos a re-visionar títulos ya antológicos.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de enero de 2019. Título original: The old man and the gun. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: David Lowery. Guion: David Lowery. Música: Daniel Hart. Fotografía: Joe Anderson. Reparto principal: Robert Redford, Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, Tom Waits, Tika Sumpter, John David Washington. Producción: Identity Films, Wildwood Enterprises, Endgame Entertainment, Conde Nast Entertainment, Sailor Bear. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/old-man-and-the-gun/
Sam (Andrew Garfield) es un tipo desencantado de 33 años que descubre a una misteriosa mujer, Sarah (Riley Keough), bañándose en la piscina de su apartamento.
Cuando esta desaparece, Sam se embarca en una búsqueda surrealista a través de Los Ángeles para descifrar el secreto que hay detrás de su desaparición, llevándolo a las profundidades más oscuras del misterio, el escándalo y la conspiración de la ciudad.
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Crítica
¡Vaya pulp-ería hay bajo Silver Lake!
Al igual que en un pulpo varias ramificaciones como si fuesen tentáculos se extienden por toda la película de David Robert Mitchell y nos van agarrando como si tuviesen ventosas. Esa extrañeza, esa fluidez de los pulpos, esa enigmática forma de nadar la tiene ‘Lo que esconde Silver Lake’. Su fantasía, su lascividad, su insolencia, su sarcasmo y su misterio se asemeja a las publicaciones pulp y eso a mí me engancha siempre. En ciertos aspectos nos puede recordar a ‘El Gran Lebowski’ y en otros a una absurda aventura gráfica. Este título que sucede a ‘It follows’ en la filmografía del director es una obra rara, atrevida y personal que demuestra que Robert Mitchell tiene talento.
‘Lo que esconde Silver Lake’ da juego para un montón de cavilaciones, algunas trascendentes otras más superficiales. Silver Lake tiene varias profundidades. Según vamos escudriñando el largometraje descubrimos estas ideas en primer plano o en el fondo de las escenas. Dependiendo de cómo estéis de receptivos os puede parecer que esta es una película que no tiene por donde cogerse o que la puedes enfocar de muchas maneras. Dentro de sus disparates y yo creo que analiza nuestra escala de valores, nuestra sociedad, los cánones establecidos, la vacuidad en la opulencia. Pero me gustará ver lo que se va comentando tras su estreno.
Tiene un muchos guiños y críticas a la cultura popular y a aquellas cosas con las que nos sentimos alineados día a día. La referencias cinéfilas están por todas partes, hay apuntes a Hitchcock así como a películas antiguas o modernas todo relacionado por supuesto con lo que decía antes de la cultura popular. Incluso hay guiños a Spider-Man, personaje que Garfield interpretó hace años. Llevaos una libreta a la película por si no queréis dejaros detalle que debatir tras su visionado pues son muchos. Lo que nos viene sugerir es que nos planteemos si elegimos nosotros el camino que recorremos y qué nos hace sentir bien durante nuestro trayecto.
Andrew Garfield está magnífico. Es el protagonista y la narración está siempre centrada en él. No siempre hace falta que un personaje nos haga llorar a chorretones o reír con la mandíbula desencajada. Su interpretación como un joven decaído, voyeur y vago funciona muy bien.
‘Lo que esconde Silver Lake’ es una locura, una ida de olla. Su trama desconcierta al personaje y desconcierta al espectador pero aún así engancha. Continuamente te preguntas ¿y por qué no? En su extravagancia y en sus rarezas encontramos multitud de componentes que nos mantienen a la expectativa y su resolución final me parece factible pese a ser una golosina para los amantes de las conspiraciones. Porque otra cosa no, pero paranoia no le falta al filme.
No es una obra maestra pero si es una película en la que se plasman buenas ideas y alusiones. Le sobran algunos tramos y tanto sexo gratuito. Tiene más erotismo que ‘It follows’ y eso que esa película parecía tratar sobre un cobrador del frac salidorro. Al igual que las publicaciones pulp, como el fanzine que lee el protagonista, lo más seguro es que este título quede para un público de culto, que seguro que con el tiempo irá sorprendiendo a todos aquellos a los que se lo recomienden.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de diciembre de 2018. Título original: Under the Silver Lake. Duración: 140 min. País: EE.UU. Dirección: David Robert Mitchell. Guion: David Robert Mitchell. Música: Disasterpiece. Fotografía: Mike Gioulakis. Reparto principal: Andrew Garfield, Riley Keough, Topher Grace, Jimmi Simpson, Grace Van Patten, Rex Linn, Sky Elobar, Stephanie Moore, Sibongile Mlambo, Laura-Leigh Claire, Patrick Fischer. Producción: Stay Gold Features, Michael De Luca Productions, Vendian Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: thriller. Web oficial:https://a24films.com/films/under-the-silver-lake
Basada en hechos reales, ‘Kings’ se centra en los terribles disturbios raciales sucedidos en Los Angeles en 1992, a raíz de la absolución de varios policías implicados en la paliza al taxista Rodney King. En medio del caos, Olli (Daniel Craig), uno de los pocos residentes blancos que vive en South Central, ayudará a su vecina y madre divorciada (Halle Berry) a encontrar y proteger a sus hijos en una ciudad que clama venganza.
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Crítica
Una crítica con mucha realidad pero sin explorar nuevos canales de concienciación
La directora Deniz Gamze Ergüven obtuvo mucho éxito traducido también en nominaciones con su anterior película llamada ‘Mustang’. Con ella luchaba contra tradiciones y prejuicios al narrar la historia de cinco jóvenes que eran empujadas a matrimonios concertados y otros convencionalismos religiosos. ‘Kings’, su segunda película, vuelve a optar por el cine protesta dando voz a acontecimientos que sucedieron en EE.UU. El racismo y la brutalidad policial son el hilo central de esta producción franco belga.
La película protesta contra la discriminación racial y todos los problemas sistémicos y sociales relacionados. Para ello emplea la injusticia que se sufrió tras el veredicto del caso de Rodney King. Este es un filme muy necesario ya que sigue siendo extrapolable hasta nuestros días pues nos continúan llegando vídeos y noticias muy similares la del 91 y 92. Pero Deniz Gamze Ergüven no le ha dado a su película un giro tan sorprendente u opuesto a lo convencional como fue el caso de ‘Detroit’. De haber buscado un enfoque distinto al habitual su película calaría más hondo y se alejaría de la repetitividad de las películas del mismo corte.
Es obvio que cuando narras un atropello legal que tanto afecta a toda una comunidad tienes que ubicar a los malos de la película con facilidad. En este caso la directora y guionista no lo ha tenido difícil. Con introducir injertos reales en su largometraje basta. Muy bien intercalados con la historia ficticia vemos imágenes de archivo de disturbios o crímenes de aquellos días y por supuesto partes del calamitoso juicio. Pero es muy de agradecer, aunque esta sea la única nota discordante con otras películas, que también se haya tenido en cuenta la sinrazón y locura que puede poseer a muchos de los indignados habitantes de Los Angeles. Ante los ojos de los protagonistas, tanto desconocidos como amigos ceden a la vorágine de los disturbios y la ira acumulada por la espera del deseado veredicto que no llegó, causando a su vez otras tropelías contra inocentes.
La película se va cargando poco a poco mientras avanza y según nos aproximamos al día en que el jurado declaró como no culpables a los policías que propinaron la paliza que además estaba grabada en vídeo. Para que vayamos viendo como los ánimos se van crispando se disponen de varios protagonistas entre los que destaca Lamar Johnson, incluso por encima de Halle Berry y Daniel Craig, el cual solo interviene de verdad en la última media hora de película. A pesar de que no está mal interpretada los lances de la mayoría de los protagonistas resultan episódicos, no emiten un mensaje lo suficientemente potente como para que esta obra marque la diferencia. Tan solo en algunos compases de Lamar Johnson nos sentimos espectadores transportados a momentos de vorágine, enajenación o desconcierto.
Aunque se narren acontecimientos dramáticos o indignantes, aunque le dediques la película a Ryan De’Juan Dunbar, fallecido también en un tiroteo en Los Angeles, considero que hay que intentar salirse de la norma en varios aspectos para conseguir calar en la mente de los espectadores. ‘Kings’, a pesar de que no es ningún descalabro de película, no consigue dejar un poso de originalidad que remueva a más personas de las ya concienciadas o que vaya a marcar la diferencia.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de agosto. Título original: Kings. Duración: 92 min. País: Francia, Bélgica. Dirección: Deniz Gamze Ergüven. Guion: Deniz Gamze Ergüven. Música: Nick Cave, Warren Ellis. Fotografía: David Chizallet. Reparto principal: Daniel Craig, Halle Berry, Lamar Johnson, Isaac Ryan Brown, Rick Ravanello, Kirk Baltz, Reece Cody, Douglas Spain, Richie Stephens, Charlotte Ubben, Rachel Hilson, Quartay Denaya, Heidi Levitt, Lorenz Arnell, Eric Watson. Producción: Bliss Media, CG Cinéma, Maven Pictures. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/kings/
Packs especiales y películas de toda la vida en la mejor calidad de imagen.
Estad al loro a las fechas de lanzamiento porque si en abril tenemos novedades jugosas y películas taquilleras Sony Pictures Home Entertainment en mayo nos ha preparado varias ganadoras del Oscar, clásicos remasterizados en 4k UHD y series de lo más mainstream. A continuación tenéis el listado de todo aquello que va a salir al mercado en formato físico con sus carátulas.
Año 2003. El ex médico de la Marina Larry “Doc” Shepherd (Steve Carell) reúne a sus dos mejores amigos para llevar a cabo una última misión: enterrar al hijo de Doc, fallecido en la Guerra de Irak, cerca de su hogar. Doc se niega a que el cuerpo de su hijo sea llevado al cementerio de Arlington, y con la ayuda de Sal (Bryan Cranston) y Mueller (Laurence Fishburne) trasladará el féretro en un viaje donde los tres recordarán, 30 años después de haber servido juntos en Vietnam, cómo la participación en la guerra ha afectado a sus vidas.
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Crítica
Linklaternos lleva de guerra en guerra y tiro porque me toca.
Richard Linklater ha sido siempre un director capaz de imprimir su sello en las películas que ha rodado. De no ser así no habríamos tenido cintas tan peculiares como ‘A Scanner Darkly’, ‘Bernie’ o ‘Fast Food Nation’. Quizás muchos le conoceréis más por ‘Boyhood’ o la terriblemente doblada en España ‘Escuela de rock’. Pero lo importante es que siempre tenéis que buscar en sus largometrajes la inconformidad que casi siempre denuncia, el retrato que hace del país que habita y los temas que explora con una casi inamovible mirada.
En ‘La última bandera’, a pesar de basarse en una novela de Darryl Ponicsan sigue en su línea. El director hace inciso varias veces en el asunto de las mentiras y las guerras. El estado norteamericano sigue intentando legitimar guerras para que sus ciudadanos sigan creyendo que cada generación tiene que tener su conflicto armado en el que participar. Lo dice muy claro uno de los personajes «El hombre hace la guerra y la guerra hace al hombre. Pero en algún momento tendremos que hacer algo distinto». El filme trata de eso. De no enterrar una mentira, sino a un hijo, a una persona que ha sido usada para intereses del gobierno en otra guerra para nada justificada.
Tres veteranos de guerra tienen que lidiar con los problemas acarreados por otra que afecta a sus hijos. Precisamente sus descendientes son los que les presentan una última batalla que afrontar unidos, llena de obstáculos que salvar. Esto es debido a que uno de ellos les reúne tiempo después de su último encuentro juntos para pedirles que le ayuden a enterrar a su hijo, muerto en acto de servicio, en la guerra de Irak.
A la película ya iba con ánimo de encontrarme algo actoralmente grande, por lo menos al ver los tráilers y leer quienes eran los cabezas de cartel. El reparto protagónico es excepcional. Que actores de la categoría de Bryan Cranston, Laurence Fishburne y Steve Carell estén juntos no es algo fácil de conseguir. Solo faltaba ver si el guión estaba a la altura de unos intérpretes que nos han dado personajes ya míticos para la cultura popular moderna. Y aunque no ha sido del todo así por lo menos la película nos sigue derroteros convencionales. Combinando drama y comedia de un modo casi ácido y tragicómico Richard Linklater ha manejado a estos tres ases sacando de ellos su lado más triste pero también su parte chistosa. Inteligente elección de reparto, quien no acudirá a la película por uno acudirá por otro. Son tres personas que tienen seguidores fieles, capaces de abordar sus personajes de manera veraz y que vais a comprobar que pueden conseguir un equilibrio los unos con los otros.
A cada uno de ellos se les ha dado una salvaguardia para sus personajes: la religión, el alcohol, la penitencia. En esos clavos ardiendo se agarran para no volver a ser los que eran cuando estaban en Vietnam. Pero cuando se juntan de nuevo… Lo más curioso es ver como Cranston y Lawrence ejercen de conciencia de Carrell, como si fuesen el ángel o el demonio le que susurran en los oídos. Ver a dos actores como Steve Carell o Bryan Cranston, que han pasado por la comedia y ahora nos ofrecen dramas muy penetrantes, nos ofrece momentos muy graciosos y a la vez sentimentales, diría que incluso sabios. Pero esos instantes no hacen que ‘La última bandera’ esté llamada a ser la película más renombrada de Linklater.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de marzo de 2018. Título original: Last flag flying. Duración: 124 min. País: EE.UU. Dirección: Richard Linklater. Guión: Richard Linklater, Darryl Ponicsan. Música: Graham Reynolds. Fotografía: Shane Kelly. Reparto principal: Steve Carell, Bryan Cranston, Laurence Fishburne, J. Quinton Johnson, Richard Robichaux. Producción: Amazon Studios, Big Indie Pictures, Detour Filmproduction. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, comedia, adaptación. Web oficial:http://www.lastflagflying.com/
Nueva York, s. XXI. Leo, un inmigrante judío polaco, vive con el recuerdo del gran amor de su vida. Pese a su dolorosa historia, vive alegremente gracias su díscola relación con su mejor amigo, Bruno. Al otro lado de la ciudad, Alma, una adolescente llena de vitalidad, encuentra el amor por primera vez y está decidida a encontrar al hombre ideal para que su madre vuelva a casarse.
Nada parece vincular al viejo Leo y a la joven Alma. Sin embargo, desde la Polonia de los años 30 hasta el Central Park de la actualidad, el manuscrito de un libro llamado ‘La Historia Del Amor’ viajará a través del tiempo para unir sus destinos.
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Crítica
Menos grandilocuente y mucho más melosa de lo esperado.
Radu Mihaileanu y Marcia Romano han escrito una película en la que plasman distintos tipos y etapas del amor. Pero no es lo único en lo que quieren abarcar más de lo que pueden, pues han procurado crear una película universal, un filme que abarca excesivos clichés y que nos pide mucha más atención de la que en realidad necesita. Desconozco si la novela homónima de Nicole Krauss tiene las pretensiones y la envergadura de la película pero con un libro te marcas tu los ritmos, tal vez tanto director como guionista tendrían que haber intentando ser menos fieles a la obra, aunque tampoco es tan extensa, posee tan solo 288 páginas.
Cautiva mucho a priori el largometraje: su premisa, su fotografía, su reparto… incluso sus primeras palabras parecen sacadas de un cuento moderno, como si las hubiese escrito Patrick Rothfuss para su famosa trilogía del Asesino de Reyes. Pero lo que nos engatusa es su historia en líneas generales, no el modo de tratarla. Se puede dividir la película en tres partes, mezcladas entre sí y montadas alborotadamente a modo de puzle. Una de ellas está descolgada en el tiempo y nos la van desgranando a modo de flashbacks narraciones que nos van llegando según se desvelan párrafos de ‘La historia del amor’. Son esos fragmentos del pasado los más plomizos debidos a su sensiblería y espeso romanticismo. Las otras dos fracciones suceden en la actualidad y se reparten entre el protagonista encarnado en su ancianidad por Derek Jacobi y por la poco carismática Sophie Nélisse (‘La ladrona de libros’), quien vuelve a tener oportunidad de actuar relacionándose con obras escritas pero con un trabajo mucho más desatinado. Las escenas de Jacobi nos dan la vida pues resultan ser las más vivarachas y con personalidad, las que nos aportan algo de frescura. Sin embargo el guión que le ha correspondido a Nélisse no se sale de los tópicos del cine romántico adolescente.
Si resumimos ‘La historia del amor’ se queda en una narración de casualidades, no de situaciones, ya que esta no es una sitcom romántica. Posee algo de comedia pero es para aligerar el drama. Se construye a base de cierto cúmulo de azares o eventualidades que van acercando a los protagonistas. El caso es que Radu Mihaileanu nos sobrecarga demasiado por el camino con desmesurado romance, dotado de inverosimilitud, con tintes excesivamente telenovelescos. La duración de la película además es exorbitante para su tono y digerir algo tan dulce durante tanto tiempo puede hacerse muy pesado para estómagos poco preparados.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de septiembre de 2017. Título original: The history of love. Duración: 134 min. País: Francia. Dirección: Radu Mihaileanu. Guión: Radu Mihaileanu, Marcia Romano. Música: Armand Amar. Fotografía: Laurent Dailand. Reparto principal: Derek Jacobi, Sophie Nelisse, Gemma Arterton, Elliott Gould. Producción: 2.4.7. Films, Oï Oï Oï Productions, Caramel Film. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, fantástico, romance, adaptación. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/la-historia-del-amor/
Los ganadores de los mayores premios del mundo del cómic son…
La colección ‘Saga’ ha sido la ganadora más destacada en una edición que podemos guardar en nuestra memoria por la victoria del español Gabriel H. Walta por su trabajo en ‘The Vision’. Esta obra ya había sido premiada en el Salón del Cómic de Barcelona y opta a ganar un Premio Hugo. ¡Enhorabuena a Walta!
Estos son los otros triunfadores de este año, dados a conocer esta noche durante la Comic-Con de San Diego, de la cual os estamos manteniendo al día.
Mejor historia corta
‘The Comics Wedding of the Century’ de Simon Hanselmann, en ‘We Told You So: Comics as Art’ (Fantagraphics)
‘The Dark Nothing’ de Jordan Crane, en ‘Uptight’ #5 (Fantagraphics)
‘Good Boy’ de Tom King y David Finch, en ‘Batman Annual’ #1 (DC)
‘Monday’ de W. Maxwell Prince y John Amor, en ‘One Week in the Library’ (Image)
‘Mostly Saturn’ de Michael DeForge, en ‘Island Magazine’ #8 (Image)
‘Shrine of the Monkey God!’ de Kim Deitch, en ‘Kramers Ergot’ 9 (Fantagraphics)
Mejor número único o one-shot
‘Babybel Wax Bodysuit’ de Eric Kostiuk Williams (Retrofit/Big Planet)
‘Beasts of Burden: What the Cat Dragged In’ de Evan Dorkin, Sarah Dyer, y Jill Thompson (Dark Horse)
‘Blammo’ #9 de Noah Van Sciver (Kilgore Books)
‘Criminal 10th Anniversary Special’ de Ed Brubaker y Sean Phillips (Image)
‘Sir Alfred’ #3 de Tim Hensley (Pigeon Press)
‘Your Black Friend’ de Ben Passmore (Silver Sprocket)
Mejor serie abierta
‘Astro City’, de Kurt Busiek y Brent Anderson (Vertigo/DC)
‘Kill or Be Killed’, de Ed Brubaker y Sean Phillips (Image)
‘Thor, Diosa del trueno’, de Jason Aaron y Russell Dauterman (Marvel)
‘Paper Girls’, de Brian K. Vaughan y Cliff Chiang (Image)
‘Saga’, de Brian K. Vaughan y Fiona Staples (Image)
Mejor serie limitada.
‘Archangel’, de William Gibson, Michael St. John Smith, Butch Guice y Tom Palmer (IDW)
‘Briggs Land’ de Brian Wood y Mack Chater (Dark Horse)
‘Han Solo’ de Marjorie Liu y Mark Brooks (Marvel)
‘Kim and Kim’ de Magdalene Visaggio y Eva Cabrera (Black Mask)
‘La Vision’ de Tom King y Gabriel Walta (Marvel)
‘We Stand on Guard’ de Brian K. Vaughan y Steve Skroce (Image)
Mejor serie nueva.
‘Black Hammer’ de Jeff Lemire y Dean Ormston (Dark Horse)
‘Clean Room’ de Gail Simone y Jon Davis-Hunt (Vertigo/DC)
‘Deathstroke: Rebirth’ de Christopher Priest, Carlo Pagulayan y al. (DC)
‘Faith’ de Jody Houser, Pere Pérez y Marguerite Sauvage (Valiant)
‘Mockingbird’ de Chelsea Cain y Kate Niemczyk (Marvel)
Mejor cómic para lectores jóvenes (hasta 8 años)
‘Ape and Armadillo Take Over the World’ de James Sturm (Toon)
‘Burt’s Way Home’ de John Martz (Koyama)
‘The Creeps, Book 2: The Trolls Will Feast!’ de Chris Schweizer (Abrams)
‘I’m Grumpy (My First Comics)’ de Jennifer L. Holm y Matthew Holm (Random House Books for Young Readers)
‘Narwhal: Unicorn of the Sea’ de Ben Clanton (Tundra)
Mejor cómic infantil (Para jóvenes entre los 9-12 años)
‘The Drawing Lesson’ de Mark Crilley (Ten Speed Press)
‘Ghosts’ de Raina Telgemeier (Scholastic)
‘Hilda and the Stone Forest’ de Luke Pearson (Flying Eye Books)
‘Rikki’ adaptado por Norm Harper y Matthew Foltz-Gray (Karate Petshop)
‘Science Comics: Dinosaurs’ de MK Reed y Joe Flood (First Second)
Mejor cómic para adolescentes (jóvenes entre 13-17 años)
‘Bad Machinery, vol. 5: The Case of the Fire Inside’ de John Allison (Oni)
‘Batgirl’ de Hope Larson and Rafael Albuquerque (DC)
‘Jughead’ de Chip Zdarsky, Ryan North, Erica Henderson y Derek Charm (Archie)
‘Monstress’ de Marjorie Liu y Sana Takeda (Image)
‘Trish Trash: Roller Girl of Mars’ de Jessica Abel (Papercutz/Super Genius)
‘La imbatible Chica Ardilla’ de Ryan North y Erica Henderson (Marvel)
Mejor publicación cómica
‘The Further Fattening Adventures of Pudge Girl Blimp’ de Lee Marrs (Marrs Books)
‘Hot Dog Taste Test’ de Lisa Hanawalt (Drawn & Quarterly)
‘Jughead’ de Chip Zdarsky, Ryan North, Erica Henderson y Derek Charm (Archie)
‘Man, I Hate Cursive’ de Jim Benton (Andrews McMeel)
‘Yuge! 30 Years of Doonesbury on Trump’ de G. B. Trudeau (Andrews McMeel)
Mejor antología.
‘Baltic Comics Anthology š! #26: dADa’ editado por David Schilter y Sanita Muizniece (kuš!)
‘Island Magazine’ editado por Brandon Graham y Emma Rios (Image)
‘Kramers Ergot 9’ editado por Sammy Harkham (Fantagraphics)
‘Love Is Love’, Sarah Gaydos Jamie S. Rich (IDW/DC)
‘Spanish Fever: Stories by the New Spanish Cartoonists’ editado por Santiago Garcia (Fantagraphics)
Mejor obra basada en hechos reales
‘Dark Night: A True Batman Story’ de Paul Dini y Eduardo Risso (Vertigo/DC)
‘Glenn Gould: A Life Off Tempo’ de Sandrine Revel (NBM)
‘March (Book Three)’ de John Lewis, Andrew Aydin y Nate Powell (Top Shelf)
‘Rosalie Lightning: A Graphic Memoir’ de Tom Hart (St. Martin’s)
‘Tetris: The Games People Play’ deBox Brown (First Second)
Mejor nueva novela gráfica
‘The Art of Charlie Chan Hock Chye’ de Sonny Liew (Pantheon)
‘Black Dog: The Dreams of Paul Nash’ de Dave McKean (Dark Horse)
‘Exits’ de Daryl Seitchik (Koyama)
‘Mooncop’ de Tom Gauld (Drawn & Quarterly)
‘Patience’ de Daniel Clowes (Fantagraphics)
‘Wonder Woman: The True Amazon’ de Jill Thompson (DC Comics)
Mejor reimpresión de una novela gráfica
‘Demon, by Jason Shiga (First Second)
‘Incomplete Works’ de Dylan Horrocks (Alternative)
‘Last Look’ de Charles Burns (Pantheon)
‘Meat Cake Bible’ de Dame Darcy (Fantagraphics)
‘Megg and Mog in Amsterdam and Other Stories’ de Simon Hanselmann (Fantagraphics)
‘She’s Not into Poetry’ de Tom Hart (Alternative)
Mejor edición de material internacional.
‘Equinoxes’ de Cyril Pedrosa, traducido por Joe Johnson (NBM)
‘Irmina, by Barbara Yelin’, traducido por Michael Waaler (SelfMadeHero)
‘Love: The Lion’ de Frédéric Brémaud y Federico Bertolucci (Magnetic)
‘Moebius Library: The World of Edena’ de Jean “Moebius” Giraud et al. (Dark Horse)
‘Arrugas’ de Paco Roca,traducción de Erica Mena (Fantagraphics)
Mejor edición de material internacional—Asia
‘The Art of Charlie Chan Hock Chye, by Sonny Liew (Pantheon)
‘Goodnight Punpun, vols. 1–4, by Inio Asano’, traducido por JN PRoductions (VIZ Media)
‘Orange: The Complete Collection, vols. 1–2’ de Ichigo Takano, traducido por Amber Tamosaitis y adaptado por Shannon Fay (Seven Seas)
‘The Osamu Tezuka Story: A Life in Manga and Anime’ de Toshio Ban y Tezuka Productions, traducido por Frederik L. Schodt (Stone Bridge Press)
‘Princess Jellyfish, vols. 1–3’ de Akiko Higashimura, traducido por Sarah Alys Lindholm (Kodansha)
‘Wandering Island, vol. 1’ de Kenji Tsuruta, traducido por Dana Lewis (Dark Horse)
Mejor recopilación de material de archivo (mínimo 20 años de antigüedad)
‘Almost Completely Baxter: New and Selected Blurtings’ de Glen Baxter (NYR Comics)
‘Barnaby, vol. 3’ de Crockett Johnson, editado por Philip Nel y Eric Reynolds (Fantagraphics)
‘Chester Gould’s Dick Tracy, Colorful Cases of the 1930s’ editado por Peter Maresca (Sunday Press)
‘The Realist Cartoons’ editado por Paul Krassner y Ethan Persoff (Fantagraphics)
‘Walt & Skeezix 1931–1932’ de Frank King, editado por Jeet Heer y Chris Ware (Drawn & Quarterly)
Mejor recopilación de Comic Books (mínimo 20 años)
‘The Complete Neat Stuff, by Peter Bagge’, editado por Eric Reynolds (Fantagraphics)
‘The Complete Wimmen’s Comix’ editado por Trina Robbins (Fantagraphics)
‘Fables and Funnies’ deWalt Kelly, recopilado por David W. Tosh (Dark Horse)
‘Trump: The Complete Collection’ de Harvey Kurtzman et al., editado por Denis Kitchen y John Lind (Dark Horse)
‘U.S.S. Stevens: The Collected Stories’ de Sam Glanzman, editado por Drew Ford (Dover)
Mejor escritor.
Ed Brubaker, ‘Criminal 10th Anniversary Special’, ‘Kill or Be Killed’, ‘Velvet’ (Image)
Kurt Busiek, ‘Astro City’ (Vertigo/DC)
Chelsea Cain, ‘Mockingbird’ (Marvel)
Max Landis, ‘Green Valley’ (Image/Skybound), ‘Superman: American Alien’ (DC)
Li Xuelian organiza un falso divorcio con el fin de conseguir un segundo apartamento, pero su marido se vuelve a casar de forma inesperada. Tras recurrir al juzgado sin éxito y ser acusada por su marido, Li se embarca en un absurdo viaje de diez años para restaurar su reputación.
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Crítica
Una visión de china a través de una mirilla.
Xiaogang Feng me ha sorprendido con un experimento, principalmente en dos planteamientos que se distinguen muy claramente. Uno de ellos es la fotografía. El director chino nos presenta una película vista como a través de la mirilla de una puerta, de un catalejo o un de ojo de buey. La inmensa mayoría del filme transcurre dentro de un círculo y esto hace que centremos más nuestra atención en los detalles. La sensación es la de ver un posavasos en movimiento, pero de esos que están adornados con bellas estampas del país asiático. El formato cambia a uno cuadrado cuando la historia transcurre en Pekín, cuando entramos en los entramados burocráticos chinos. La composición de las escenas tiene un cuidado extremo y existen multitud de fotogramas que se quedan grabados en la retina. Aquellos que tienen verdadera manía por la simetría, como pudo tenerla Kubrick, encontrarán aquí muchas imágenes en las que deleitarse.
El otro aspecto que me ha impactado y que me extraña es el tono del filme. Sorprende que siendo una película china sea tremendamente irónica, crítica y sarcástica con el gobierno chino o al menos con el comportamiento de sus funcionarios. En este largometraje se muestra como una campesina le pone un ojo a la virulé a un sistema chino que la ignora e incluso castiga injustamente. Aunque también puede haber sido utilizada como intento de mostrar la capacidad de autocrítica, corrección y mejora de los chinos.
‘Yo no soy Madame Bovary’ es sinceramente larga y de lento progreso. El hecho de que la imagen esté constantemente estática y que haya muy pocos y sutiles movimientos de cámara hace acrecentar la sensación de estanqueamiento. El director y el guionista (Liu Zhenyun, el propio autor de la novela en la que se basa la película y que lleva como nombre ‘I did not kill my husband’) se ceban con algunas escenas a las que le sobran planos y palabras.
Fan Bingbing se llevó la concha en San Sebastián, al igual que esta película. No realiza un mal trabajo en este filme, pero para ser una actriz tan remunerada como ella tal vez cabía esperar un poco más de implicación. La desesperación de su personaje por desmarcarse de una etiqueta digna de la dama creada por Gustave Flaubert quizá habría necesitado un grado mayor de entusiasmo.
Como experimento cinematográfico y apuesta atrevida esta película es digna de admiración. Pero como narración de una historia necesitaría algunos arreglos.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: I am not Madame Bovary. Duración: 128 min. País: China. Director: Xiaogang Feng. Guión: Liu Zhenyun. Música: Wei Du. Fotografía: Lou Pan. Reparto principal: Chengpeng Dong, Bingbing Fan, Wei Fan. Producción: Sparkle Media, Huayi Brothers. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia, drama. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/yo-no-soy-madame-bovary/
Drama centrado en la figura de la señora Kennedy durante los cuatro días siguientes al famoso asesinato de su marido, el presidente de EEUU. En él se mostrará el impacto que causó el trágico suceso en su mujer, Jaqueline Kennedy, así como las repercusiones públicas y privadas que ésta tuvo en su vida. El resultado será un retrato de la que fuera Primera Dama, sin dejar de lado ninguna de sus facetas, haciendo especial hincapié en su faceta más humana.
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Crítica
Da gusto ver películas con enfoques tan diferentes como esta.
Me consta que hay quien puede considerar ‘Jackie’ aburrida pero si nos estamos fijando constantemente en los detalles y las referencias históricas es de lo más entretenida. Además ver como Portman cambia su interpretación tan radicalmente en función de los días que se han filmado es algo totalmente provechoso. Larraín consigue recrearnos el cerebro y la vista sin entrar en polémicas, chismorreos y teorías de la conspiración, que suele ser lo más recurrente a la hora de hablar de los Kennedy.
El director chileno nos relata la historia de una primera dama que tuvo que cambiar su rol de manera radical. Que buscó modelos pasados en los que apoyarse para tratar de reinventarse y de ese modo desarrolló una conducta ejemplar para sus sucesoras. Además lo ha hecho desde un punto de vista diferente al habitual, conste que digo diferente, no novedoso. A decir más no peca de reflejar a una heroína, pero tampoco a una persona mundana. Nos presenta a una mujer vulnerable pero también soberbia, dependiente pero valiente, soñadora pero realista.
Se encauza la cinta gracias a dos maneras diferentes de narrarla. Una es la entrevista que mantuvo con un periodista y la otra una charla con un párroco. A este segundo le interpreta el tristemente desaparecido John Hurt, en la que fue una de sus últimas películas. Ambas maneras de guiar la historia están acompañadas de flashbacks e imágenes de archivo. La una cede el paso a la otra conforme va acercándose el final del filme pero es la entrevista la que domina toda la narración. En relación a esto decir que el diseño de producción está muy acertado pues colores, luces, dinamismo… cambian en función de la época y situación vivida. Siendo más alegre y colorista en los días más felices de los Kennedy y más apagada y sosegada en las horas y días posteriores al magnicidio.
No estamos ante una obra maestra pero desde luego es inmensamente mejor que otros largometrajes centrados en desvelar entresijos de la Casa Blanca como ‘El mayordomo’. En una cinta tan carente de acción, aunque puede llegar a ser tremendamente explícita, necesitamos un apoyo rítmico que nos la haga llevadera. La música es esa herramienta a la que ha recurrido Larraín. Refleja a la perfección la desorientación, la consternación, el dolor y la ira que sufrió en esos días Jackie Kennedy. Su autora ha sido Mica Levi, compositora a la que ya habíamos escuchado en otras películas como ‘Under the skin’. No es de extrañar la nominación al Oscar que ha logrado.
Es casi obligatorio hablar también de otra de las nominaciones conseguidas. En este caso la de Mejor Vestuario. La pugna entre este filme y otros candidatos como ‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos’, ‘La La Land’ o ‘Aliados’ va a ser discutidísima. También cabe señalar que transcurre en los sesenta y trata sobre una figura más que fotografiada y grabada. El material documentado es grande y no habrá sido difícil discernir en cómo vestir a los protagonistas. Además Natalie Portman tiene la percha necesaria para lucir los modelos que han puesto a su alcance.
Pero no solo la ropa estaba a merced de Portman, toda la película gira en torno a ella, como era de esperar. Se ha ganado a pulso estar en la lucha por la estatuilla, sumando así tres nominaciones para el filme de Larraín. Como mencioné antes ha llevado muy bien el cambio del estado de ánimo de su personaje. Aunque no sea precisamente la actriz que más semejanza facial presente con la ex-primera dama nos hace ver a esa mujer que habitó durante varios años la Casa Blanca.
Resulta confuso averiguar la intención del director. Nos desvela las entretelas de aquellos que sufrieron más la muerte de Kennedy, nos acerca a la primera dama que marcó un punto de inflexión entre aquellas que han ostentado ese cargo, nos remarca la paranoia de todo un país, diferencia entre el orgullo de una mujer que se queda sola y el homenaje hacia el hombre que la mantenía ensombrecida… Tal vez todos estos matices se encontrasen en el checklist de Larraín, lo cierto es que componen un conjunto muy rico.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de febrero de 2017. Título original: Jackie. Duración: 95 min. País: EE.UU. Director: Pablo Larraín. Guión: Noah Oppenheim. Música: Mica Levi. Fotografía: Stéphane Fontaine. Reparto principal: Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Billy Crudup, John Hurt, Greta Gerwig, John Carroll Lynch, Richard E. Grant, Max Casella, Beth Grant, Caspar Phillipson, Julie Judd, Sara Verhagen, Sunnie Pelant, Hélène Kuhn, Deborah Findlay, Corey Johnson. Producción: Coproducción USA-Chile; LD Entertainment, Fabula, Protozoa Pictures. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial:http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/jackie.html
Tras la muerte de su madre, dos hermanos organizan una serie de atracos, eligiendo solo distintas sucursales del mismo banco. Solo les quedan algunos días para evitar el desahucio de su propiedad familiar y pagar al banco con su propio dinero. Tras ellos, un Ranger cerca de retirarse y su segundo, están decididos a atrapar a los ladrones.
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Crítica
El western sigue vivo.
‘Comanchería’ nos llega bajo ese título sustituyendo al original, ‘Hell or High Water’. ‘Contra viento y marea’ habría sido más literal y fiel pero ‘Comanchería’ también nos aproxima al género al que pertenece esta película. Además en este título va implícita la razón del devenir del filme. La película de David Mackenzie (‘Convicto’) resulta aceptable como thriller, fuerte como drama y potente como western moderno y fronterizo.
El lejano oeste es el marco de esta historia de bancos, atracadores y rangers. Mackenzie se ha unido a Taylor Sheridan (‘Sicario’) para ofrecernos una película que si bien no ofrece grandes dosis de intriga está acompañada de un ambiente peligroso y turbio. Está cargada de la idiosincrasia y de la más arraigada de las tradiciones texanas. Si no fuese por elementos modernos como los coches, el asfalto, las armas de repetición, los teléfonos móviles… pensaríamos que estamos ante un clásico del far west.
Junto a un guión plagado de chistes vejatorios y conversaciones dignas de enmarcar tenemos una suerte de buddy movie. Experimentamos el destino de dos parejas de personajes, radicalmente diferentes los unos de los otros y que conservan estrechos lazos. La situación de los dos hermanos y el panorama que se muestra en su recorrido de banco a banco le sirve a ‘Comanchería’ para hacer una dura crítica a la situación económica del país. De hecho es como si dos cowboys viniesen a resolver el problema de las preferentes en España.
Chris Pine está de moda y aquí podemos ver una facción distinta de las que generalmente muestra. Pero Ben Foster ha realizado una interpretación mucho más constructiva desde el temperamento destructivo de su personaje. Y por supuesto Jeff Bridges destaca por hacer uso de unos matices que tiene controladísimos, los de bromista cargante que está de vuelta de todo y al cual no hay quien le sople. Ellos tres son grandes actores que anteriormente ya nos han dado mayúsculas actuaciones, pero se nota que la mano de Mackenzie está presente para llevarles a un confín diferente.
Renovar géneros es uno de los grandes retos del cine actual, Mackenzie y Sheridan lo logran con solvencia y soltura.
Por cierto, algunos aficionados al western reconocerán a un actor que aparece en la primera escena. Buck Taylor un experto en figurar en películas o series de semejante género, como ‘Bonanza’, ‘Los Monroe’, ‘La ley del revólver’, ‘Wild wild west’ o ‘Cowboys y aliens’.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de diciembre de 2016. Título original: Hell or High Water. Duración: 102 min. País: EE.UU. Director: David Mackenzie. Guión: Taylor Sheridan. Música: Nick Cave, Warren Ellis. Fotografía: Giles Nuttgens. Reparto principal: Ben Foster, Chris Pine, Jeff Bridges, Gil Birmingham, Dale Dickey, Joe Berryman, Taylor Sheridan, Buck Taylor, Kristin Berg, William Sterchi, Debrianna Mansini, Alma Sisneros. Producción: CBS Films, Sidney Kimmel Entertainment, Oddlot Entertainment, Film 44, LBI Entertainment, Oddlot Entertainment production. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, western, thriller. Web oficial:http://www.hellorhighwater.movie/
Paterson es un conductor de autobús en la ciudad de Paterson, Nueva Jersey -ambos comparten nombre.
Cada día, Paterson sigue una simple rutina: Hace su ruta diaria, observando la ciudad a través de su parabrisas y oyendo fragmentos de conversaciones fugaces a su alrededor; escribe poemas en un cuaderno; saca a pasear al perro; va al mismo bar a tomarse siempre esa misma cerveza; y se va a casa con su esposa, Laura.
Por el contrario, el mundo de Laura es siempre cambiante. Cada día le surge un nuevo sueño, un proyecto diferente e inspirador. Paterson ama a Laura y ella le ama a él. Él apoya sus nuevas ambiciones; ella ensalza su don para la poesía.
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Crítica
La poesía que nos enseña a vivir.
¿Qué o quién es Paterson? A parte de ser una localidad de New Jersey, cuna de celebridades como Lou Costello, Rubin (Huracán) Carter, Frederick Reines, John Pizzarelli o Mindy Sterling; es el personaje de la nueva película de Jim Jarmusch (‘Dead man’). Quien le da rostro, cuerpo y alma es Adam Driver. Su trabajo ha consistido en interpretar a un exmilitar y conductor de autobús que lleva dentro a un talentoso poeta. Un artista que deja pasar el mundo delante de él sin intervenir de manera significativa, pasando casi inadvertido para los que le rodean, como si fuese una pieza más de su viejo autobús. De este modo observa su realidad y la plasma en los versos que escribe en su libreta. Versos que nos lee como una voz en off que sin llegar a ser Pablo Neruda nos deleita los oídos.
Al igual que la poesía ‘Paterson’ puede sentirse de diferentes modos y pude tener varias lecturas. Esto es debido a que pese a parecer que se narra de un modo manido, como es el mostrar un día a día, Jarmusch nos desvela una nueva manera de contar historias. En cada secuencia diaria descubrimos junto con el protagonista nuevos aspectos y detalles de la vida. Es decir, con la monotonía y la rutina descubrimos a Paterson. La poesía puede tener esquemas fijos, como los hábitos de Paterson, pero si todo se sale de lo establecido se pueden tener pequeñas revelaciones sobre uno mismo.
De nuevo Jim Jarmusch se recrea con el interior de sus personajes pero sin exponerlo abiertamente. Cada individuo tiene algo a lo que agarrarse para soportar el peso del mundo real. Paterson la poesía, el camarero de su garito habitual el ajedrez y las curiosidades locales, su mujer los cupcakes, su supervisor del trabajo se desahoga quejándose de banalidades… incluso su perro tiene sus manías. En algunos casos nos demuestran que cualquiera, sin ser ningún genio, puede hacer arte de un tipo o del otro.
A parte de la sucesión rigurosa de los días de la semana encontramos pautas que ponen de manifiesto un ritmo metódico y estudiado. Paterson siempre empieza el día con el poema del día anterior y luego escribe otro nuevo, siempre escucha alguna conversación de sus pasajeros, siempre ve algunos gemelos… La cadencia y la métrica están cuidadas como en los mejores poemas de la historia universal, para que nos sintamos dentro de una pieza literaria.
Con este largometraje tenemos reflexión e inspiración envueltos en un lenguaje coloquial. Tal vez haría falta más pausa y tiempo para analizar cada una de las composiciones del poeta. ‘Paterson’ nos ofrece una realidad sin asonancia ni consonancia, al fin y al cabo, el mundo no rima.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de diciembre de 2016. Título original: Paterson. Duración: 115 min. País: EE.UU. Director: Jim Jarmusch. Guión: Jim Jarmusch. Música: Sqürl. Fotografía: Frederick Elmes. Reparto principal: Adam Driver, Golshifteh Farahani, Kara Hayward, Sterling Jerins, Luis Da Silva Jr.,Frank Harts, William Jackson Harper, Jorge Vega, Trevor Parham, Masatoshi Nagase, Owen Asztalos, Jaden Michael, Chasten Harmon, Brian McCarthy. Producción: Amazon Studios, Animal Kingdom, K5 Film. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial:http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/paterson.html
Romeo Aldea (49), un médico que vive en un pequeño pueblo de montaña en Transilvania, ha educado a su hija Eliza con la idea de que, cuando cumpla 18 años, se vaya a estudiar al extranjero.
Su plan está cerca de tener éxito: Eliza ha conseguido una beca para estudiar Psicología en Reino Unido. Solo tiene que pasar sus exámenes finales, un trámite para una buena estudiante como ella. El día previo a su primer examen escrito, un incidente pone en peligro los resultados de Eliza.
Ahora Romeo tiene que tomar una decisión. Hay varias maneras de resolver el problema, pero ninguna de ellas respetando los principios que él, como padre, ha intentado trasmitir a su hija.
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Crítica
Una larga cotidianidad desesperada y corrupta.
El director rumano Cristian Mungiu nos trae una historia cotidiana y acusatoria. El modo de proceder de las gentes de Rumanía no debe ser del agrado de Mungiu. Ha filmado una película que bien podría ser un episodio largo de ‘Los Soprano’, hasta se oye eso de “estar en deuda con alguien” más de una vez. Lo que nos viene a decir es que a base de favores y protecciones se puede conseguir casi cualquier objetivo. Incluso el ritmo de la película puede evocar a tan afamada serie. Creo recordar que el personaje protagonista, el padre en esta cinta que está interpretado por Adrian Titieni, dice en algún momento “aún queda esperanza” refiriéndose a la honradez y dedicación de dos agentes de la ley. Esa es una de las mayores señales de que esta cinta pretende lanzar una crítica contra las malas costumbres de Rumanía.
Tenemos la historia de un padre que quiere hacer lo que sea para sacar a su hija de la localidad en la que viven. Este personaje lleva con tanta contención el contratiempo que sufre su hija que se hace imposible empatizar con ninguno de ellos dos. Se le presenta la oportunidad de una beca de estudios en el extranjero, pero para ello debe obtener una alta nota en un examen. Por desgracia antes de examinarse le sucede algo a la muchacha que impide que vaya en plenas condiciones a realizar la prueba. Es ahí cuando se presentan los temas que dominan la cinta.
Las preocupaciones y los favores, la honradez y las decisiones de la vida, el respeto por los principios y por transmitir valores correctos a los hijos. Con todo esto se nos plantea que la vida es un continuo examen en el que algunos deciden hacer trampas para pagar al sistema con su propia moneda y otros directamente deciden hacer lo correcto sean cuales sean las consecuencias. Las metáforas están muy presentes en el largometraje y no es que precisamente se emplee un lenguaje de sutilezas pero si se mantiene un tono muy conservador.
Con todo esto la película resulta ser muy extensa. Pese a ello está bien dirigida, de hecho, se ha llevado premio en ese aspecto en el Festival de Cannes. Personalmente Mungiu me ha descubierto al talentoso (u acertado en ‘Los exámenes’) Adrian Titieni. Sonoramente también ha conseguido que resulte realista pues curiosamente ‘Los exámenes’ carece de banda sonora, tal como ocurre con nuestra vida diaria. Las únicas canciones que se escuchan salen de la radio o de los móviles.
Lo que los norteamericanos habrían solucionado con Liam Neeson a base de mamporros y tiros, los rumanos lo han desarrollado con el ajetreo y el parlamento de un preocupado padre. Pese a ello nos deja varias cuestiones en el aire o a leer entre líneas. Quizá por querer reflejar con tanto ahínco las incógnitas de la vida resulte en muchos aspectos inconclusa, interminable, eterna.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de noviembre de 2016. Título original: Bacalaureat. Duración: 128 min. País: Rumanía. Director: Cristian Mungiu. Guión: Cristian Mungiu. Fotografía: Tudor Vladimir Panduru. Reparto principal: Vlad Ivanov, Maria-Victoria Dragus, Ioachim Ciobanu, Adrian Titieni, Gheorghe Ifrim, Emanuel Parvu, Valeriu Andriuta, Claudia Susanu, Adrian Vancica, Liliana Mocanu, Lia Bugnar, Tudor Smoleanu, Andrei Morariu, Rares Andrici, Constantin Cojocaru, Robert Emanuel. Producción: Les Films du Fleuve, Mobra Films, Romanian Film Board (C.N.C.), Why Not Productions. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial:http://www.losexamenes-lapelicula.es/
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