‘Los domingos’, ‘Poquita fe’ y ‘Yakarta’ se alzan victoriosas
‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa, fue la gran triunfadora de los Premios Feroz 2026 celebrados en Pontevedra, al conseguir cinco galardones, entre ellos mejor película dramática, mejor dirección y mejor guion, además de premios interpretativos para Patricia López Arnaiz y Nagore Aranburu. En cine, ‘La cena’ ganó como mejor comedia, mientras que ‘Sirât’ destacó por su música original y mejor tráiler, con mención especial a su doble nominación a los Oscar. Los premios Arrebato fueron para ‘Ciudad sin sueño’ (ficción) y ‘Tardes de soledad’ (no ficción), que también obtuvo el premio al mejor cartel.
En televisión, ‘Yakarta’ y ‘Poquita fe’dominaron el palmarés con tres premios cada una, alzándose como mejor serie dramática y de comedia respectivamente. Javier Cámara, Esperanza Pedreño, Julia de Castro y Secun de la Rosa fueron reconocidos por sus interpretaciones. La gala también rindió homenaje a Marta Fernández-Muro con el Premio Feroz de Honor y cerró el ciclo bianual de los premios en Pontevedra, destacando la implicación de la ciudad y el éxito de las actividades paralelas.
Listado completo de ganadores de los Feroz 2026 (cine)
Mejor película drama
‘Los domingos’
‘Maspalomas’
‘Romería’
‘Sirat’
‘Sorda’
Mejor película comedia
‘La cena’
‘Decorado’
‘Mi amiga Eva’
‘Rondallas’
‘Wolfgang’
Mejor dirección
Jose Mari Goenaga & Aitor Garaño por ‘Maspalomas’
Oliver Laxe por ‘Sirat’
Eva Libertad por ‘Sorda’
Alauda Ruiz de Azúa por ‘Los domingos’
Carla Simón por ‘Romería’
Mejor actriz protagonista
Ángela Cervantes por ‘La furia’
Miriam Garlo por ‘Sorda’
Patricia López Arnaiz por ‘Los domingos’
Nora Navas por ‘Mi amiga Eva’
Blanca Soroa por ‘Los domingos’
Mejor actor protagonista
Mario Casas por ‘Muy lejos’
Álvaro Cervantes por ‘Sorda’
Sergi López por ‘Sirat’
Jose Ramon Soroiz por ‘Maspalomas’
Alberto San Juan por ‘La cena’
Mejor actriz de reparto
Nagore Aranburu por ‘Los domingos’
Iraia Elias por ‘Una fantasma en la batalla’
Elena Irureta por ‘Sorda’
Maria de Medeiros por ‘Una quinta portuguesa’
Elvira Mínguez por ‘La cena’
Mejor actor de reparto
Asier Etxeandia por ‘La cena’
Miguel Garcés por ‘Los domingos’
Joaquín Núñez por ‘Los Tigres’
Miguel Rellán por ‘El cautivo’
Kandido Uranga por ‘Maspalomas’
Mejor guion
Alauda Ruiz de Azúa por ‘Los domingos’
Jose Mari Goenaga por ‘Maspalomas’
Carla Simón por ‘Romería’
Oliver Laxe & Santiago Fillo por ‘Sirat’
Eva Libertad por ‘Sorda’
Mejor música original
Alejandro Amenábar por ‘El cautivo’
Hidrogenesse (Carlos Ballesteros & Genís Segarra) por ‘Daniela Forever’
Aránzazu Calleja por ‘Maspalomas’
Ernest Pipó por ‘Romería’
Kangding Ray por ‘Sirat’
Mejor cartel
‘Los domingos
‘Muy lejos’
‘Romería’
‘Sirat’
‘Tardes de soledad’
Mejor tráiler
‘La cena’
‘Maspalomas’
Los domingos’
‘Romería’
‘Sirat’
Listado completo de ganadores de los Feroz 2026 (televisión)
Mejor serie drama
‘Anatomía de un instante’
‘La canción’
‘Pubertat’
‘La Ruta Vol. 2: Ibiza’
‘Yakarta’
Mejor serie comedia
‘Animal’
‘Furia’
‘Poquita fe’
‘La suerte’
‘Superestar’
‘La vida breve’
Mejor actriz protagonista
Anna Castillo por ‘Su majestad’
Ingrid García-Jonsson por ‘Superestar’
Esperanza Pedreño por ‘Poquita fe’
Candela Peña por ‘Furia’
Carla Quílez por ‘Yakarta’
Carolina Yuste por ‘La canción’
Mejor actor protagonista
Javier Cámara por ‘Yakarta’
Raúl Cimas por ‘Poquita fe’
Ricardo Gómez por ‘La suerte’
Álvaro Morte por ‘Anatomía de un instante’
Luis Zahera por ‘Animal’
Mejor actriz de reparto
Julia de Castro por ‘Poquita fe’
María Jesús Hoyos por ‘Poquita fe’
Rocío Ibáñez por ‘Superestar’
Natalia de Molina por ‘Superestar’
Betsy Túrnez por ‘Pubertat’
Leonor Watling por ‘La vida breve’
Mejor actor de reparto
Carlos Bernardino por ‘La suerte’
Eduard Fernández por ‘Anatomía de un instante’
David Lorente por ‘Yakarta’
Secun de la Rosa por ‘Superestar’
Manolo Solo por ‘Anatomía de un instante’
Mejor guion
Rafael Cobos, Fran Araújo & Alberto Rodríguez por ‘Anatomía de un instante’
Félix Sabroso & Juan Flahn por ‘Furia’
Juan Maidagán & Pepón Montero por ‘Poquita fe’
Nacho Vigalondo, María Bastarós, Paco Bezerra & Claudia Costafreda por ‘Superestar’
Diego San José, Daniel Castro & Fernando Delgado-Hierro por ‘Yakarta’
Tres años después, ‘Primal’ regresa desde y a través de los canales habituales: Adult Swim y HBO, con una tercera temporada que se estrena el 11 de enero (12 de enero en España) y que constará de 10 episodios semanales de unos 20 minutos. La espera no ha sido corta, y eso se nota tanto en la ambición formal como en la voluntad clara de ofrecer un regreso que sea, en sentido literal, un acontecimiento. Genndy Tartakovsky sigue al frente del proyecto, y su impronta es tan reconocible que basta un plano, un movimiento de cámara o una elipsis salvaje para saber que estamos, de nuevo, en su terreno.
La gran sorpresa y el mayor golpe de efecto de la temporada es la recuperación de Spear, el cavernícola, en una forma que, sinceramente, no recuerdo haber visto jamás asociada a la prehistoria en ningún otro relato audiovisual. Es una decisión radical, arriesgada y, sobre todo, profundamente coherente con la lógica interna de la serie: en ‘Primal’ nada está sujeto a la historia, a la ciencia ni a la ortodoxia narrativa. Aquí manda la emoción primaria y la iconografía extrema. Ese regreso redefine la dinámica del relato y sirve como motor para una temporada que se siente más autoconsciente que nunca.
Porque si algo deja claro esta tercera tanda de episodios es que ‘Primal’ sabe perfectamente qué esperan de ella sus seguidores. La violencia sigue siendo bruta, excesiva y omnipresente. No importa cuán tierno o aparentemente inocente sea un personaje, ni cuán animalista o contemplativa quiera ponerse la puesta en escena: la naturaleza primitiva siempre se impone. La sangre corre sin pudor, y las carnicerías, cada vez más imaginativas, convierten cada episodio en un catálogo de brutalidad creativa que roza lo operístico.
Psicodelia, monstruos y heavy metal animado
La tercera temporada también redobla su apuesta por la psicodelia, la magia y las criaturas fantásticas. Hay episodios que parecen construidos como un mal viaje ilustrado, y uno de los capítulos finales es, sin exagerar, un desfile de monstruosidades que compite consigo mismo por ver cuál deja una imagen más perturbadora en la retina. Tartakovsky vuelve a demostrar que la animación es el medio ideal para cruzar géneros sin pedir permiso: fantasía oscura, terror corporal, aventura pulp y épica trágica conviven sin fricción.
Los títulos de casi todos los episodios (‘El reino del dolor’, ‘Caverna de horrores’, ‘La venganza de la muerte’) suenan más a canciones de heavy metal que a capítulos de una serie de animación, y esa estética no es casual. Hay una escena concreta que evoca de forma muy clara el imaginario de ‘Heavy Metal’, tanto en composición como en actitud: exceso, sensualidad violenta y un desprecio absoluto por la contención. En otros momentos, la serie parece guiñar el ojo a ‘Planet Hulk’, con sociedades primitivas organizadas alrededor de la fuerza bruta, o a los Morlocks subterráneos de ‘La máquina del tiempo’, cuando desciende a entornos opresivos dominados por criaturas que viven al margen de la luz.
Sin embargo, en medio de todo este ruido visual y conceptual, sigue estando el corazón de ‘Primal’: el vínculo de cariño, dependencia y supervivencia entre Spear y la dinosaurio. Esa relación, casi muda, sigue siendo el ancla emocional de la serie y lo que evita que el conjunto se convierta en un simple ejercicio de estilo. Cuando ‘Primal’ recuerda que la violencia no es solo espectáculo sino consecuencia, es cuando alcanza sus mejores momentos.
¿Cierre satisfactorio o exceso de fan service?
Si el final de la temporada dos podía interpretarse como un cierre, triste, sí, pero coherente, la conclusión de esta tercera temporada apunta claramente a dejar satisfechos a los fans más entregados. Especialmente a aquellos que disfrutan de la capacidad anacrónica de la serie para mezclar épocas, géneros y referencias sin ningún tipo de complejo. En ese sentido, el final funciona: es grandilocuente, emocional y visualmente memorable.
Ahora bien, desde una perspectiva crítica, es difícil ignorar que ‘Primal’ cae aquí en un fan service excesivo. La temporada parece diseñada para ofrecer, episodio tras episodio, exactamente lo que se espera de ella, sin apenas espacio para la sorpresa conceptual o la evolución temática profunda. Todo es más grande, más violento, más explícito… pero no necesariamente más significativo. Tartakovsky juega sobre seguro, y aunque el resultado es indudablemente poderoso, deja la sensación de que la serie se mira demasiado al espejo.
Aun así, ‘Primal’ temporada 3 sigue siendo una anomalía maravillosa dentro del panorama televisivo actual. Una serie que entiende la animación como un lenguaje adulto, libre y salvaje, y que se atreve a ser extrema sin pedir disculpas. Puede que no sea su entrega más arriesgada, pero sí una de las más contundentes y coherentes con su propio mito.
Mientras el yermo de Fallout se expande, la moral de los protagonistas se agrieta
La segunda temporada de ‘Fallout’ arranca con una decisión clara y, en términos dramáticos, acertada: mirar atrás para entender por qué el presente es tan cruel. El primer episodio dedica buena parte de su metraje a profundizar en el pasado del Ghoul (Walton Goggins), un personaje que ya en la anterior entrega funcionaba como conciencia torcida de la serie. Lejos de convertirlo en un simple icono violento, la temporada opta por humanizarlo aún más, explorando su origen y el proceso que lo llevó a convertirse en esa figura cínica, pragmática y letal que deambula por el yermo. Este viaje al pasado por parte de la serie de Prime Video no es un simple ejercicio de “lore” para fans del videojuego, sino una herramienta narrativa que refuerza el tono trágico de la serie y la aleja de la fantasía ligera.
En paralelo, la persecución junto a Lucy (Ella Purnell) del padre interpretado por Kyle MacLachlan se erige como motor narrativo central. La serie entiende que no hay nada más poderoso que un objetivo emocionalmente cargado, y aquí lo explota con eficacia: no se trata solo de encontrar a alguien, sino de ajustar cuentas con un pasado que nunca terminó de cerrarse. Esta línea argumental aporta gravedad y estructura a una temporada que, de otro modo, podría perderse en episodios autoconclusivos sin verdadero peso dramático.
Humor negro y violencia: el ADN intacto del yermo
Uno de los mayores aciertos de la primera temporada fue su capacidad para equilibrar drama y humor negro, y la segunda entrega no traiciona esa identidad. La violencia sigue siendo explícita, incómoda y, en muchos casos, grotescamente cómica. ‘Fallout’ continúa jugando con la idea de que el horror y la risa pueden convivir en un mismo plano, y lo hace con una puesta en escena que no teme recrearse en lo absurdo ni en lo cruel.
En este contexto, el personaje de Ella Purcell se consolida como uno de los contrapuntos más interesantes. Su inocencia, casi infantil, choca frontalmente con un mundo donde la supervivencia exige cinismo y brutalidad. La serie utiliza este contraste para lanzar preguntas incómodas: ¿es posible mantener una ética en un entorno diseñado para destruirla? ¿O la inocencia es solo una fase previa a la corrupción inevitable? Lejos de ser un simple recurso humorístico, Ella se convierte en un espejo que refleja la degradación moral del resto de personajes, reforzando ese tono retorcido que define a ‘Fallout’.
Personajes en pausa y un mundo que respira
No todo avanza al mismo ritmo, y la temporada es consciente de ello. El personaje de Maximus (Aaron Moten), por ejemplo, queda en un segundo plano durante este arranque, casi en estado de “stand by”, al contrario que el de Moises Arias que tiene más protagonismo. Esta decisión puede generar cierta frustración, pero también demuestra una voluntad clara de no saturar la narrativa. La serie prefiere dosificar sus piezas, dejando que el mundo respire y que cada arco tenga su momento.
A nivel de producción, la segunda temporada amplía el yermo con nuevas localizaciones y facciones, reforzando la sensación de un universo vivo, hostil y contradictorio. ‘Fallout’ no se limita a reproducir iconografía del videojuego, lo cual ya nos adelantaban los tráilers de esta segunda temporada, sino que la integra en un discurso propio sobre el poder, la memoria y la degradación. En este sentido, la serie confirma que su mayor fortaleza no está en la acción, sino en su mirada irónica y desesperanzada sobre lo que queda cuando la civilización se derrumba.
Destacan ‘Los domingos’ (cine) y ‘Poquita fe’ y ‘Superestar’ (TV)
La gran cita del cine y la televisión españoles nos cita en Pontevedra con la 13.ª edición de los Premios Feroz, cuya gala de entrega se celebrará el próximo 24 de enero y volverá a reunir a algunas de las figuras más destacadas del panorama nacional. Los Premios Feroz, considerados uno de los termómetros imprescindibles de la temporada junto a los Goya, los Oscar o los Globos de Oro, cumplen trece años reconociendo lo más sobresaliente de la producción audiovisual para la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE).
El Pazo da Cultura será el escenario de la ceremonia, que contará con un cuarteto de presentadores formado por Petra Martínez, Arturo Durán ‘Morris’, Samantha Hudson y Elisabet Casanovas. La lectura de nominaciones, realizada en la casa consistorial de Pontevedra por los actores Manu Ríos y Milena Smit, se celebró junto a la presidenta de la AICE, María Guerra, y el alcalde de la ciudad, Miguel Anxo Fernández Lores.
En esta edición de los Feroz, ‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa, lidera con autoridad la lista de candidaturas al convertirse en la película más nominada, con un total de nueve menciones. Justo detrás se sitúan ‘Sirat’, de Oliver Laxe, y ‘Maspalomas’, dirigida por Jose Mari Goenaga y Aitor Garaño, ambas con siete nominaciones. En el ámbito televisivo, las comedias han vuelto a conquistar al jurado: las segundas temporadas de ‘Poquita fe’ y el estreno ‘Superestar’ se posicionan como favoritas al obtener seis candidaturas cada una.
La AICE, compuesta por alrededor de 250 periodistas y críticos de todo el país especializados en información cinematográfica y televisiva, elige cada año a los premiados entre las producciones más destacadas de la temporada. Su veredicto vuelve a marcar el pulso de un año especialmente diverso y competitivo en el audiovisual español.
Listado completo de nominados a los Feroz 2026
Mejor película drama
‘Los domingos’
‘Maspalomas’
‘Romería’
‘Sirat’
‘Sorda’
Mejor película comedia
‘La cena
‘Decorado’
‘Mi amiga Eva’
‘Rondallas’
‘Wolfgang’
Mejor dirección
Jose Mari Goenaga & Aitor Garaño por ‘Maspalomas’
Oliver Laxe por ‘Sirat’
Eva Libertad por ‘Sorda’
Alauda Ruiz de Azúa por ‘Los domingos’
Carla Simón por ‘Romería’
Mejor actriz protagonista [película]
Ángela Cervantes por ‘La furia’
Miriam Garlo por ‘Sorda’
Patricia López Arnaiz por ‘Los domingos’
Nora Navas por ‘Mi amiga Eva’
Blanca Soroa por ‘Los domingos’
Mejor actor protagonista [película]
Mario Casas por ‘Muy lejos’
Álvaro Cervantes por ‘Sorda’
Sergi López por ‘Sirat’
Jose Ramon Soroiz por ‘Maspalomas’
Alberto San Juan por ‘La cena’
Mejor actriz de reparto [película]
Nagore Aranburu por ‘Los domingos’
Iraia Elias por ‘Una fantasma en la batalla’
Elena Irureta por ‘Sorda’
Maria de Medeiros por ‘Una quinta portuguesa’
Elvira Mínguez por ‘La cena’
Mejor actor de reparto [película]
Asier Etxeandia por ‘La cena’
Miguel Garcés por ‘Los domingos’
Joaquín Núñez por ‘Los Tigres’
Miguel Rellán por ‘El cautivo’
Kandido Uranga por ‘Maspalomas’
Mejor guion [película]
Alauda Ruiz de Azúa por ‘Los domingos’
Jose Mari Goenaga por ‘Maspalomas’
Carla Simón por ‘Romería’
Oliver Laxe & Santiago Fillo por ‘Sirat’
Eva Libertad por ‘Sorda’
Mejor música original
Alejandro Amenábar por ‘El cautivo’
Hidrogenesse (Carlos Ballesteros & Genís Segarra) por ‘Daniela Forever’
Aránzazu Calleja por ‘Maspalomas’
Ernest Pipó por ‘Romería’
Kangding Ray por ‘Sirat’
Mejor cartel
‘Los domingos
‘Muy lejos’
‘Romería’
‘Sirat’
‘Tardes de soledad’
Mejor tráiler
‘La cena’
‘Maspalomas’
Los domingos’
‘Romería’
‘Sirat’
Mejor serie drama
‘Anatomía de un instante’
‘La canción’
‘Pubertat’
‘La Ruta Vol. 2: Ibiza’
‘Yakarta’
Mejor serie comedia
‘Animal’
‘Furia’
‘Poquita fe’
‘La suerte’
‘Superestar’
‘La vida breve’
Mejor actriz protagonista [serie ]
Anna Castillo por ‘Su majestad’
Ingrid García-Jonsson por ‘Superestar’
Esperanza Pedreño por ‘Poquita fe’
Candela Peña por ‘Furia’
Carla Quílez por ‘Yakarta’
Carolina Yuste por ‘La canción’
Mejor actor protagonista [serie]
Javier Cámara por ‘Yakarta’
Raúl Cimas por ‘Poquita fe’
Ricardo Gómez por ‘La suerte’
Álvaro Morte por ‘Anatomía de un instante’
Luis Zahera por ‘Animal’
Mejor actriz de reparto [serie]
Julia de Castro por ‘Poquita fe’
María Jesús Hoyos por ‘Poquita fe’
Rocío Ibáñez por ‘Superestar’
Natalia de Molina por ‘Superestar’
Betsy Túrnez por ‘Pubertat’
Leonor Watling por ‘La vida breve’
Mejor actor de reparto [serie]
Carlos Bernardino por ‘La suerte’
Eduard Fernández por ‘Anatomía de un instante’
David Lorente por ‘Yakarta’
Secun de la Rosa por ‘Superestar’
Manolo Solo por ‘Anatomía de un instante’
Mejor guion [serie]
Rafael Cobos, Fran Araújo & Alberto Rodríguez por ‘Anatomía de un instante’
Félix Sabroso & Juan Flahn por ‘Furia’
Juan Maidagán & Pepón Montero por ‘Poquita fe’
Nacho Vigalondo, María Bastarós, Paco Bezerra & Claudia Costafreda por ‘Superestar’
Diego San José, Daniel Castro & Fernando Delgado-Hierro por ‘Yakarta’
Diego San José sorprende con ‘Yakarta’, una serie turbia, honesta y magistralmente interpretada
Diego San José apuesta de nuevo por el formato televisivo y nos presenta ‘Yakarta’. Esta serie de seis episodios que se estrena en Movistar Plus+ el 6 de noviembre, es una pieza compleja y profundamente moral que, arriesgando y en gran medida consiguiendo, traza el retrato de personajes al borde del abismo. En el centro está un hombre en horas bajas, un exjugador olímpico de bádminton convertido en profesor de educación física en un instituto de Vallecas (Javier Cámara), que ve su última oportunidad de vengarse de la vida en una muchacha adolescente con talento (Carla Quílez). Esa propuesta de “cumplir un sueño frustrado” a través de una joven promesa es tan genuina como inquietante, porque, desde el arranque, la reputación ética del protagonista queda comprometida: un sujeto denostado, con prácticas poco limpias, que prácticamente acosa a la joven y a su madre para obtener el permiso de entrenarla y llevarla hasta un torneo en Yakarta.
La fuerza de ‘Yakarta’ reside en su capacidad para situar la historia en un deporte poco o nada popular como el bádminton y, al mismo tiempo, abrir una ventana hacia lo turbio de la ambición, la manipulación y la fragilidad humana. Los personajes no son héroes: son grises, desplazados, víctimas de sus propias miserias y la serie no rehúye ese tono sombrío. La relación entre el entrenador y la joven promesa funciona como espejo de sus vidas rotas, de su necesidad de sentirse algo más que fagocitados por el sistema o el olvido. Y esa empatía que se forja entre ellos tiene tanto de salvación mutua como de coartada moral.
Bajo la dirección de Elena Trapé (acompañada de Fernando Delgado-Hierro e incluso de Javier Cámara al mando de algún episodio) la serie aprovecha el espacio de las ciudades de provincias, los polideportivos a medio gas, las pensiones desvencijadas, para narrar “esa España sin carisma” a la que, según el propio San José, le gustan las historias de gente que “pierde incluso cuando gana”.
La interpretación de Javier Cámara vuelve a demostrar su dominio y matiz: un hombre que quiere servir de ejemplo aunque sus métodos chirrían, al que vemos caer, arrastrarse y ofrecerse como salvador cuando en realidad él está más perdido que su alumna. Y Carla Quílez como la joven promesa da voz al conflicto y a la vulnerabilidad, abriendo la posibilidad de esa “otra revelación” que viene de la mano del descubrimiento mutuo. La relación entre Cámara y Quílez podría dar a luz a otro descubrimiento como el que en su día vivimos con ‘Vivir es fácil con los ojos cerrados’ y Natalia de Molina, aunque a Quílez ya se la haya reconocido por ‘La maternal’.
Como obra televisiva, ‘Yakarta’ es quizá la más seria de San José hasta la fecha, que nos tiene más acostumbrados a comedias como ‘Ocho apellidos vascos’, ‘Fe de etarras’ o ‘Superlópez’ e incluso la recientemente renovada ‘Su majestad’ o la saga ‘Vota/Vamos/Venga Juan’. Aquí abandona el registro ligero para internarse en la radiografía honda, casi áspera, de un deporte marginal, de vidas mediocres y como siempre de un pequeño fragmento de nuestro país. Y en ese margen encuentra libertad para contar algo que pocas veces se ve: lo que ocurre detrás de los focos, antes del aplauso, en la periferia de la gloria. Y lo hace sin concesiones, con personajes condenados a entenderse a través de la complicidad de su desdicha y planteando muchos detalles que acaban cobrando sentido. En sus secretos y revelaciones nos topamos con una historia a la altura del ‘Gracias a Dios’ de François Ozon, para el buen entendedor.
El ritmo podría haber sido más ligero pues en algún tramo acusa cierta dilatación del viaje emocional, pero quizá ese tempo comedido es justo el que favorece que los detalles que parecen inconexos al inicio cobren significado al final. Con todo y con esto ‘Yakarta’ no es complaciente: incomoda, cuestiona, interpela. Y lo hace con una estética sobria, sin grandilocuencia, lo que agradece en este tipo de drama íntimo. Recomendable para quienes buscan ficciones que planteen más preguntas que respuestas y que no rehúyen el costo moral de sus personajes.
Mantiene la esencia del payaso y abre nuevas puertas al multiverso King
Cada 27 años It, Eso o Pennywise vuelve a acechar a los niños de Derry. Tras la TV movie de 1990 tuvimos que esperar ese mismo ciclo para tener dos partes (iniciadas en 2017) que nos devolviesen al mítico payaso de Stephen King. Por suerte, el monstruo interpretado por BillSkarsgård no se ha hecho derogar tanto. ‘It: bienvenidos a Derry’ nos hace volver a la visión de Andy y Bárbara Muschietti estrenándose el 26 de octubre. Aunque HBO Max no muestra el primer capítulo en España hasta el día 27 nosotros hemos podido ver los cinco primeros y pese a que esto es una precuela os contamos sin spoilers.
Respondamos antes que nada a una simple pregunta. Sí, si te gustaron las películas de los Muschietti te gustará ‘It: bienvenidos a Derry’. Y sí, vas a ver mismo escenario, mismo payaso y mismo tipo de horrores. Pero también has de estar abierto a un par de libertades creativas que como lector de Stephen King quizás no te gusten. Todos asumimos que la cronología de las películas es diferente, sin duda en un intento de congratularse con los jóvenes del siglo XXI. Las películas transcurrían en 1989 y 2016 y esta nueva serie ha de retroceder a 1962. Y eso no altera ni un milímetro la esencia de la historia, es más, el primer episodio arranca fuerte enganchando instantáneamente. Más adelante comentaremos qué tipo de libertad se han tomado, como he dicho, sin destripar nada.
HBO nos permite, tal y como aparece en el perfil de IMDB de la serie, contaros que como protagonista tenemos al soldado Hanlon interpretado por Jovan Adepo. Hace las veces del abuelo de Mike Hanlon, uno de los niños de ‘It’ que acabaron con el alien interdimensional Pennywise a través del Ritual de Chüd. Sin embargo, el patrón narrativo se mantiene fiel a la novela original: los protagonistas son un grupo de niños que emprenden la búsqueda de otros menores desaparecidos mientras enfrentan las atrocidades del payaso y la indiferencia de los adultos.
Aunque ‘It’ y con ello incluyo también a ‘It: bienvenidos a Derry’, tiene personajes magníficamente bien trabajados reconozcamos que el verdadero atractivo es Pennywise. El payaso sigue como constante obvia, aunque bastante menos visible que en los filmes, manifestándose con toda una batería de nuevos horrores y burlas macabras que os inquietarán y pondrán la adrenalina al máximo. Y como auguraba el meteorito del tráiler se cuenta su llegada a la Tierra y con ello toca hablar de su antagonista. Desde luego Maturin la Tortuga está en la mente de los Muschietti, aunque quizá no en el modo en que querrían los lectores. Lo que no se puede negar es que su presencia es la habitual, sutil y protectora. Aparece fugazmente como mascota del instituto, como amuleto en una pulsera, como garabato en la pizarra, en una caseta de feria, en unos dibujos animados…
Quizá lo más destacado de ‘It: bienvenidos a Derry’, sea otro de los pocos papeles ya hechos públicos. Chris Chalk interpreta a Dick Hallorann, el personaje de ‘El Resplandor’ que ayuda al niño protagonista. Se enlaza así con ese universo siempre conectado de Stephen King aferrándose a unas líneas de ‘It’ que colocan al personaje en Derry cuando se habla del incendio del club de noche para afroamericanos llamado Black Spot. Y es que este ‘It’ tiene momentos tan terroríficos como misteriosos, pero ya no es solo una simple historia de terror, es una celebración en forma de crossover tal y como quiso hacer en su día Mike Flanagan. Es una historia de horrores y género fantástico, que se disfruta a más niveles si has leído las novelas. Cuando Stephen King escribió ‘It’ puede que no pero ahora en su obra hay un sentido de universo compartido. Lo que ha de tener cuidado la serie en ese sentido es en no caer en incoherencias o en perder su espíritu. Ahí es cuando podemos pasar de un disfrute fan a una pesadilla para puristas. Es a mitad de la temporada cuando aparece un elemento que parece que se han sacado de la manga y que desentona bastante con lo que ha sido hasta ahora la historia, de tal modo que ya habrían querido los miembros del Club de los Perdedores disponer de esta nueva inclusión.
Quién sabe si lo que tienen en mente es dirigirse hacia la ‘La torre oscura’, desde luego Andy Muschietti disfruta de los crossovers como ya demostró con ‘Flash’, cómic al que dedica aquí un guiño. Ha introducido elementos como el Juniper Hill Asylum que está cerca de Castle Rock, se habla de la prisión de Shawshank que es donde transcurre ‘Rita Hayworth and Shawshank Redemption’, conocida en España como ‘Cadena perpetua’, vemos un cartel de un Hotel que se llama “punta de flecha”, que es el mismo nombre del proyecto que da luz a todo lo que pasa en ‘La niebla’… Incluso parece que por casualidad cuenta con el actor Joshua Odjick quien aparece en otra reciente historia basada en el universo King pues actúa en ‘La larga marcha’. El propio director hace un cameo y ha dejado caer por ahí un mate con el escudo del River Plate. Es un sin fin de alusiones. Y ahí reside la gran diferencia con las películas de ‘It’, que todo tiene un mayor sentido de conjunto pero arriesgando a perder la esencia.
‘It: Bienvenidos a Derry’ no reinventa el terror, pero sí lo enmarca dentro de una visión más amplia del universo de Stephen King y no se convierte en otra serie fallida tipo ‘Territorio Lovecraft’. Se respetan las pautas de la obra original y la atmósfera de las películas, al tiempo que introduce conexiones y referencias que harán las delicias de los fans más atentos. Pese a las libertades creativas que pueden distraer de la trama infantil, el resultado es un relato sólido, visualmente potente y con un tono de terror que demuestra que Pennywise sigue siendo una de las criaturas más fascinantes del género. Esperemos que el cosmos literario de King sigua expandiéndose de esta manera y los lectores lleguen a profundizar en el Macrocosmos.
En un futuro distópico, cien adolescentes participan en una brutal competición donde deben caminar sin descanso. Si se detienen o reducen la velocidad de la marcha, mueren. Solo uno sobrevivirá.
Crítica
Una de las grandes sorpresas del año
Llega a nuestras pantallas ‘La larga marcha’, basada en la novela de Stephen King. El escritor ha declarado hace poco que realmente estamos ante su primera novela escrita, qué no publicada, la escribió en su primer año en la universidad de Maine, entre 1966 y 1967. La publicó en su día bajo el pseudónimo de Richard Bachman, en 1979.
La historia es sencilla, estamos ante un futuro distópico, donde 100 adolescentes participan en una brutal competición, deben caminar sin descanso. Si se detienen o reducen la velocidad de la marcha morirá. Solo uno podrá sobrevivir.
Después de ‘Los juegos del hambre’ Francis Lawrence, se vuelve a meter en una historia “similar” donde un programa televisivo graba a estos jóvenes mientras van muriendo y superándose a si mismos.
La película podría tirar hacia el lado oscuro del ser humano, que evidentemente también está ahí, pero asimismo vemos la bondad de éste. Se acerca un poco a las historias de camaradería que tanto le gustan a Stephen King. Esas amistades que crecen en momentos de tensión y en donde saben que cualquiera puede morir. La amistad está por encima de todo, los pequeños dramas de estos chavales, que solo quieren el premio final para salir de la pobreza en la que se encuentran o simplemente ayudar a otros, y que vamos conociendo poco a poco durante el metraje.
Cooper Hoffman (‘Licorice Pizza’), David Jonsson (‘Alien: Romulus’), Garrett Wareing (‘Manifest’) Tut Nyuot (‘Steve’), CharliePlummer (‘El regreso de Ulises’), Ben Wan (‘Karate Kid: Legends’), Joshua Odjick (It: bienvenidos a Derry’), Roman Griffin Davis (‘Jojo Rabbit’), entre muchos otros. Son parte de este reparto joven pero con muchas tablas a sus espaldas. Y que decir de Mark Hamill que repite este año en una cinta basada de Stephen King, que está fabuloso en un papel muy tedioso. Un villano que realmente cree en lo que hace y que piensa que todo está bien.
‘La larga marcha’ está muy bien dirigida, Francis Lawrence, logra mantener la tensión, logra que no perdamos el interés, que suframos con estos jóvenes y les entendamos. Me gusta mucho, que pese que algún que otro personaje tiene ideas bastante diferentes, les terminamos entendiendo. El ir viendo como poco a poco van muriendo personas que van a tu lado y que el siguiente puedes ser tú, es algo que hace mella en la cabeza y puedes tirar para adelante o, al contrario, ser autodestructivo.
‘La larga marcha’ me ha parecido buena película, con elementos fantásticos, como personas que duermen mientras andan, pero lo compro totalmente, al final, hay cosas que hay que permitir sobre todo cuando nos están contando una buena historia.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de noviembre de 2025. Título original: The long Walk. Duración: 108 min. País: Estados Unidos. Dirección: Francis Lawrence. Guion: JT Mollner. Música: Jeremiah Fraites. Fotografía: Jo Williems. Reparto principal: Cooper Hoffman, David Jonsson, Mark Hamill, Judy Greer, Charlie Plumer, Roman Griffin Davis, Garrett Wareing, Ben Wang, Joshua Odjick. Producción: Lionsgate, Vertigo Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: Thriller. Web oficial: https://diamondfilms.es/pelicula/la-larga-marcha
‘Marvel Zombies’ llega a Disney+ con una misión clara: recuperar la esencia macabra y gamberra que tanto fascinó en los cómics, y al mismo tiempo encajar dentro del cada vez más complejo engranaje del MCU. La serie se convierte en un paso adelante hacia contenidos más oscuros y adultos, alejados del tono familiar que suele caracterizar las producciones de la Casa de las Ideas. Evidentemente todo dentro de los esquemas de un what if.
El recorrido de Marvel Zombies en las viñetas arranca a mediados de los 2000 con guionistas como Robert Kirkman, padre de ‘The Walking Dead’, al frente de una saga que pronto se convirtió en objeto de culto. Entre las historias más celebradas destaca ‘Hambre insaciable’, donde héroes y villanos convertidos en muertos vivientes devoran todo a su paso en un festival de horror y referencias al universo marvelita. La primera aparición animada de esta idea llegó años después con el capítulo dedicado a los zombies en ‘What if…?’, que fue recibido con entusiasmo y abrió la puerta a esta nueva serie.
Disney+ mantiene el mismo estilo visual que ‘What if…?’, un cel-shading elegante, dinámico y capaz de combinar la acción superheroica con la crudeza del gore. Y es ahí donde se produce la primera gran sorpresa: Marvel se atreve a mostrar muertes sangrientas, brutales y sin censura, recordándonos que, como en cualquier historia de zombies que se precie, nadie está a salvo.
La gran diferencia respecto a otros relatos de muertos vivientes está en que los héroes infectados mantienen sus poderes. Ver a personajes que conocemos desde hace más de una década en el MCU devorando carne humana con la misma facilidad con la que antes salvaban el mundo, es un espectáculo grotesco pero fascinante. Es un recordatorio de que Marvel, cuando quiere, sabe dar un giro radical a sus fórmulas.
Los protagonistas cambian respecto a los cómics más emblemáticos, y esa decisión funciona bien: permite explorar una aventura fresca dentro de la misma realidad alternativa. Se respira el mismo espíritu de crossover que en cualquier gran evento editorial: cada capítulo está plagado de guiños, cameos y detalles que los lectores veteranos sabrán apreciar. Desde referencias a los skrulls y las vacas hasta alusiones a títulos recientes del MCU como ‘Thunderbolts’, ‘The Marvels’, ‘Doctor Strange en el multiverso de la locura’, ‘Wakanda Forever’ o ‘Thor: Love and Thunder’ en última instancia. Incluso hay espacio para un guiño inesperado a ‘Star Trek’ con el vehículo que los héroes usan en uno de los primeros episodios a pesar de que no es una franquicia de Disney/Marvel.
La estrategia de Marvel Studios parece clara: evitar abusar de los personajes más icónicos y dar aire a nuevas figuras, preparando el terreno para una nueva fase. Una de las curiosidades más llamativas es la aparición de un Blade fusionado con el Caballero Luna, interpretado por la voz de Todd Williams. El actor, que tiene cierto parecido físico con el cazador de vampiros, se rumorea como posible plan B en caso de que Mahershala Ali no continúe en el proyecto de ‘Blade’ en acción real. En la animación, la cara sigue siendo la de Ali, pero su voz no. Este detalle muestra cómo Marvel juega sus cartas con cautela, manteniendo el misterio y abriendo posibles caminos para el futuro.
‘Marvel Zombies’ podría ser un simple spin-off o un producto secundario. Pero no deja de ser una apuesta arriesgada que recuerda a los fans que Marvel puede ser mucho más que un desfile de efectos digitales y chistes recurrentes. Aquí hay horror, sangre y riesgo narrativo. Para los comiqueros es un banquete de referencias, y para los fans del MCU, una invitación a aceptar que el futuro de la saga puede ser tan oscuro como imprevisible.
Rumbo a ‘The Boys’ con más casquería y un adiós sincero a Perdomo
Superpoderes que salen mal, experimentos con personas y cabras, todo tipo de cosas entrando y saliendo por diferentes anos… ‘Gen V’ temporada 2 llega este 17 de septiembre a Prime Video para confirmar que el universo televisivo nacido de los cómics de Garth Ennis y Darick Robertson todavía tiene mucho que ofrecer. Tras el éxito de la primera entrega, este spin-off se lanza de lleno en una propuesta que lleva más allá los límites del género, combinando sátira, violencia explícita, humor escatológico y un trasfondo social que sigue incomodando al espectador. La serie, respaldada por la visión de Eric Kripke, Seth Rogen y Evan Goldberg, ‘Gen V’ no se guarda nada: quiere chocar, provocar, y al mismo tiempo, reflejar un mundo demasiado parecido al nuestro.
La nueva temporada comienza con un repaso a los orígenes del Instituto Godolkin, la ficticia universidad para superhéroes que ya cuenta con su propia página oficial promocional. Este arranque marca el tono desde el principio: habrá desmadre, pero también un interés por profundizar en los cimientos de este lugar, convertido en una lanzadera para los héroes (y villanos) que terminan integrándose en el mundo de ‘The Boys’. La conexión con la primera temporada es directa, ya que tanto sus consecuencias como los secretos del centro educativo alimentan la trama. El espíritu recuerda inevitablemente a ‘The Faculty’, aquella película de estudiantes enfrentados a una conspiración sobrenatural, pero aquí el resultado es mucho más gore, político y ácido.
Uno de los elementos más delicados de esta temporada es la ausencia de Chance Perdomo, fallecido en la vida real entre temporadas. Lejos de ignorarlo, la serie decide afrontar su pérdida de manera frontal. Se muestran imágenes del actor, se le menciona con frecuencia, y algunos personajes encuentran en su ausencia la motivación de sus acciones. Este gesto convierte a la serie en un homenaje sincero y, al mismo tiempo, doloroso, reforzando el vínculo emocional con el público.
Aunque en la primera temporada de ‘Gen V’ contamos con el magnífico Clancy Brown, la mejor adición al reparto es, sin duda, Hamish Linklater como el nuevo decano del Instituto Godolkin. Tal y como lo hizo en ‘Misa de medianoche’, vuelve a brillar con largos discursos cargados de ambigüedad moral y un halo mesiánico que lo convierte en un personaje fascinante. Su figura retorcida y maquiavélica da un nuevo aire a la trama, funcionando como catalizador de los dilemas entre la juventud superpoderosa.
Mientras tanto, los protagonistas siguen moviéndose en un terreno que marca la diferencia con ‘The Boys’: todavía conservan cierta moral, aún no están corruptos del todo y no han llegado a asesinar a sangre fría como los ídolos que observan desde lejos. Esa inocencia relativa cargada de salvajismo juvenil le da la vida a la serie pero es inevitable sentir que ambas series han de confluir ya.
Por supuesto continúa siendo, no solo una burla del mundo de los superhéroes, también de la actualidad estadounidense. Vought sigue siendo un espejo oxidado y deforme del corporativismo, el patriotismo estadounidense permanece con su visión desquiciada, las redes sociales son campo sembrado de mentiras, Godolkin es una de tantas parodias exageradas de los campus de USA, se pone en tela de juicio todo lo woke… Hay más de una alusión paródica al MAGA de Trump, por ejemplo.
En definitiva, ‘Gen V’ temporada 2 mantiene intacta su irreverencia, multiplica las dosis de violencia y sátira, y al mismo tiempo se atreve a profundizar en los personajes y en su propio mundo. Un spin-off que no es accesorio, sino imprescindible para los seguidores de ‘The Boys’.
Llega a nuestras pantallas, gracias a SYFY, el spinoff de la serie ‘The Librarians’ y hemos tenido la oportunidad de ver el primer episodio. Este 11 de septiembre llega ‘The Librarians: el próximo capítulo’, el esperado regreso de una de las grandes franquicias de la televisión.
Con este nuevo spinoff nos vamos a la actualidad. La historia se centra en Vikram Chamberlain, un Bibliotecario del pasado que viaja en el tiempo hasta el presente, donde se va a quedar atrapado en un mundo totalmente desconocido para él. La magia se libera por todo el mundo haciendo que criaturas revivan y tengan que ir intentando acabar con cada una de las amenazas.
En este primer episodio conocemos a los principales protagonistas de esta nueva aventura, el ya mencionado Vikram, este Bibliotecario al que le gusta infringir un poco las reglas, Lysa Pascal, una física que intenta sacar provecho de todo esto para investigar e intentar dar una explicación real a la “supuesta” magia, a Connor Green, un historiador que se dedica hacer directos y Charlie Cornwall, la Guardiana del Bibliotecario, que es la que dará toda la acción a la serie.
En este episodio ya vemos un monstruo bastante bien hecho. El diseño es bastante chulo, distinto a lo que estamos acostumbrados a ver y aunque se nota el toque de serie de televisión, la serie tiene un CGI bastante bueno.
Me ha recordado mucho a series como ‘Hércules’, ‘Cazatesoros’, ‘Embrujadas’, con aventuras en todos los episodios, mientras poco a poco te cuentan una historia central. En este caso, es ver como Vikram intenta volver a su tiempo.
Callum McGowan, Olivia Morris, Bluey Robinsonn, Jessica Green son los cuatro protagonistas principales. Los cuales hacen un gran tándem, algo que hace que se vea bastante camaradería y te creas bien esa amistad repentina y gran trabajo en equipo que realizan entre todos. Caroline Loncq, Adnan Haskivic, Aleksa Samardzic, Harun Cehovic, Christian Kane, Hannah Devlin o Sam Bell, son algunas de las caras que iremos viendo en los siguientes episodios.
Lo importante, que los creadores de la serie original Dean Devlin y John Rogers, siguen dentro del proyecto, como productores, guionistas y directores en algún que otro episodio. Y eso también hace que la serie mantenga el espíritu de la original y que no se convierta en algo ajeno.
Así que ya sabéis a partir del 11 de septiembre tendréis en SYFY esta nueva serie que contará con 12 episodios. Espero vuestros comentarios. Y ojalá os guste tanto como a mí.
Conspiraciones, tiroteos y Tocino: ‘FUBAR’ abraza su caos y mejora
Con un título que ya de por sí te prepara para el caos (‘FUBAR’, acrónimo militar de Fucked By Assholes in the Rear), esta serie de Netflix regresa con una segunda temporada que, para sorpresa de muchos, mejora considerablemente respecto a la primera. Aquella debutaba como una comedia de acción más, con Schwarzenegger en plan autoparódico persiguiendo a un cliché andante de narcotraficante. Pero esta nueva tanda de episodios decide abrazar el absurdo, el disparate y la conspiranoia, regalándonos un entretenimiento que, aunque empieza con el pie izquierdo, termina corriendo como un loco sin frenos cuesta abajo… y vaya si nos arrastra con él.
‘FUBAR’ sigue fiel a su nombre: en cada episodio, los personajes se ven envueltos en situaciones comprometidas por su propia torpeza, ego, o directamente, por estupidez monumental. Es como si los guionistas hubieran apostado a ver cuántas veces podían poner en peligro la seguridad nacional con un desliz romántico o un ataque de celos. Y ojo, lo logran. Esta vez, la amenaza es más actual que nunca: un apagón nacional provocado por una red de conspiraciones que casi parece inspirada en el último debate político español. No sabemos si la CIA tiene algo que ver con el precio de la luz, pero después de ver esto, uno duda.
El humor sigue siendo una mezcla de chistes físicos, bromas de instituto y violencia ridícula. Los primeros episodios tambalean como Arnold bajando unas escaleras sin rodilleras, pero a medida que avanza la trama, la serie se estabiliza y encuentra un ritmo propio, disparando gags, tiroteos y giros absurdos con notable precisión.
Carrie-Anne Moss entra en escena con una energía algo desconcertante: la vemos arrancar con coreografías de baile que harían sonrojar a Trinity, pero pronto revela su verdadera cara como la gran villana de la temporada. Su personaje es el único que parece habitar una serie seria, lo que la convierte en un contrapunto efectivo… e irónicamente cómico, a su manera.
En cuanto al elenco, Chips (Guy Burnet) es el fichaje estrella. Si Hans Gruber hubiese sobrevivido a su caída en Jungla de Cristal y hubiese pasado una temporada en un psiquiátrico con wifi, habría salido algo parecido a este personaje. Es irreverente, delirante y, sobre todo, divertidísimo. Solo el personaje de Tocino puede rivalizar con él en monería y capacidad de hacerse con nuestros corazones.
Schwarzenegger, por su parte, sigue siendo el alma (y los bíceps) de la serie. No puede moverse como antes, pero lo compensa con su inconfundible mezcla de humor seco y frases lapidarias. A su lado, Monica Barbaro se consolida como una co-protagonista de peso. Está más cómoda, más física y más divertida, dando una réplica creíble a su padre ficticio y al caos que les rodea.
En resumen, la segunda temporada de ‘FUBAR’ es como una hamburguesa triple con bacon: grasienta, exagerada, un poco estúpida… pero imposible de dejar a medio comer. Si la primera te dejó indiferente, dale una segunda oportunidad: ahora el menú viene con salsa conspirativa y un extra de risas.
Chespirito regresa, no con risas enlatadas, sino con emoción auténtica
En la era de los biopics televisivos que buscan humanizar a leyendas y escarbar bajo la superficie del mito, ‘Chespirito: Sin querer queriendo’ se suma con una propuesta que, si bien se alinea con títulos recientes como ‘¿Es el enemigo? La película de Gila’, encuentra su fuerza no tanto en la revelación sino en el homenaje. Es un regalo nostálgico, hecho con la clara intención de reconectar con una figura que marcó a generaciones enteras: Roberto Gómez Bolaños a.k.a. “Chespirito”. Y todo ello desde una perspectiva prácticamente blanca pues se basa en su autobiografía con un guión escrito por Paulina Gómez Fernández, la tercera de sus seis hijos e intérprete en la serie ‘Chespirito’.
La miniserie, estrenada ya en HBO Max, no pretende reinventar la fórmula del biopic, pero sí la matiza con un tono profundamente emotivo, nostálgico, cercano, casi familiar. Desde los primeros compases, queda claro que el objetivo no es deconstruir a Chespirito como se haría con figuras más polémicas, sino recordarlo en su humanidad, en sus inseguridades, en sus silencios y procesos creativos fuera del set. En ese sentido, se siente menos como una investigación y más como un abrazo a la memoria colectiva.
Uno de los grandes aciertos es la elección de Pablo Cruz como Roberto Gómez Bolaños. Es algo que va más allá del parecido físico y la caracterización, lo cual, ya de por sí puede despertar simpatía inmediata. Cruz logra capturar los matices del creador: su voz pausada, sus picardías, esa mirada entre tímida y brillante que definió al autor detrás de ‘El Chavo del 8’, ‘El Chapulín Colorado’ y una infinidad de personajes inolvidables. Cruz no imita; interpreta. Y eso marca la diferencia pues a la mayoría de espectadores les será ajena la etapa más joven del comediante.
El resto del elenco también merece reconocimiento. La recreación del universo de ‘El Chavo del 8’ es, por momentos, tan fiel que provoca una punzada en el pecho a quienes crecieron con esos episodios repetidos, los cuales estaban llenos de una repetitividad que hacen que hablar de redundancia se quede corto. La actriz que encarna a Florinda Meza (Margarita Ruíz) ofrece una visión que, al menos en el primer capítulo, augura tanto la complicidad como la tensión que definió su relación con Bolaños su impacto en el resto del reparto. Y por supuesto es importante la labor de Juan Lecanda como Carlos Villagrán/Quico, quien se ganó a los espectadores superando al protagonista de igual modo que en su día Bart Simpson cedió su trono a Homer Simpson. Los actores que interpretan al elenco original, Ramón Valdés (Don Ramón) o María Antonieta de las Nieves (La Chilindrina), también están presentes y ganarán protagonismo según avance la serie.
La producción navega con habilidad entre diferentes épocas, elaborando el humor blanco que definió a Chespirito y los momentos de introspección que lo muestran como un hombre obsesionado con su oficio, perfeccionista y, a ratos, atrapado en la contradicción entre su imagen pública y su vida personal. Es en esos momentos donde la serie es más interesante: cuando deja de lado la mitología y muestra al hombre que dudaba de sí mismo mientras hacía reír a la audiencia hispanohablante de todo el mundo.
‘Chespirito: Sin querer queriendo’ no pretende ser una obra crítica ni subversiva. Es, ante todo, un acto de cariño. Al igual que sucede en España con Martes y Trece o con Esteso y Pajares, esto iconos imborrables de la comedia tuvieron sus más y sus menos. Aunque no entra de momento en las disputas legales o salidas del show, es una serie que no esquivará del todo las sombras, las tensiones internas del elenco, las acusaciones de repetición, el agotamiento del formato. Lo que es evidente es que regresa constantemente al centro: el legado indeleble de un hombre que, sin proponérselo, cambió para siempre la comedia en español.
‘El Chavo del 8’ no solo fue un fenómeno cultural, sino también un ejemplo de cómo el éxito puede fracturar incluso los lazos más cercanos. Puede que los más cínicos consideren a ‘Chespirito: sin querer queriendo’ una obra indulgente. Pero para quienes alguna vez jugaron a ser El Chavo, merendaron junto a sus abuelos en el Vecindad del Señor Barriga, dijeron aquello de “es que no me tienen paciencia” o hacen aún hoy en día cosplays del Chapulín Colorado, esta serie no es solo televisión. Es una cápsula del tiempo. Una que, sin grandes pretensiones, logra emocionar, así, sin querer queriendo.
5 proyectos de largometraje y 5 proyectos de series han sido seleccionados entre los más de 100 candidatos
FIRE!! LAB, el laboratorio de desarrollo de proyectos de la Mostra de Cinema LGTBI de Barcelona, anuncia los 10 proyectos seleccionados para su 5ª edición. De entre más de 100 postulaciones, se han seleccionado 5 proyectos de largometrajes y 5 de series que serán parte del FIRE!! LAB 5, el laboratorio audiovisual de la Mostra FIRE!!, pionera del cine LGBTI+ en España.
En la categoría largometrajes se han seleccionado realizadores y productores con sus primeras y segundas películas de ficción y documental, que ofrecen una mirada amplia y diversa, que va desde el drama íntimo hasta lo fantástico, pasando por historias cargadas de actualidad; nuevas identidades, migración, acoso, vínculos familiares y experiencias intergeneracionales.
Los proyectos seleccionados son:
‘Tetio’, dirigido por Sergio Avellaneda Belmonte y producido por Debut Films
‘Protuberancia’, dirigido por Mire Ibars y producido por Opening Nights
‘Las manos quietas’, dirigido por Víctor Diago y producido por Boogaloo Films
‘El participio del verbo oír’, dirigido por Miguel Machetti y producido por Ángeles L. Guerrero
‘Sin pecado concebidas’, dirigido por Raquel Colera, Claudia Barthelemy y Jennifer de la Rosa y producido por Mayéutica Producciones.
En cuanto a los proyectos de series que participarán en el FIRELAB5, sus guionistas son originarios de Castilla y León, Aragón, Navarra, Andalucía, Madrid, y Cataluña, y se abarcan diversos géneros como el drama, la comida y la ciencia ficción.
Los proyectos seleccionados son:
‘El año de la envidia’, con guión de Kevin Rodrigo Pérez y Lucía Pérez Oroz
‘A solas en todas partes’, con guión de Isabel Luque Garramiola, Camila Pineda Virgen
‘Cercanías’, con guión de Manu Roma y Clàudia Manero
‘El último hetero’, con guión de Marta Lario Ruiz
‘Por tu propia culpa’, con guión de Enrique Huelva Jiménez
“Diez historias que, desde la ficción y el documental, ofrecen una representación amplia y diversa de identidades y realidades del colectivo”, señaló Jorge Vañó, coordinador del FIRELAB, quien además destacó la alta calidad de los proyectos recibidos y el potente momento creativo que atraviesa la temática.
El laboratorio, que tendrá lugar en el Centro LGBTI de Barcelona del 9 al 11 de junio, se realiza en el marco de la Mostra FIRE, primer festival de cine LGBTI de España, que llega a sus 30 ediciones este 2025. En ese contexto, los seleccionados recibirán tutorías, mentorías y clases magistrales de profesionales en temas de guión, dirección, producción, marketing y comercialización, entre los confirmados los charlistas y asesores están confirmados Bob Pop, Javier Ferreiro, Jùlia de Paz, Ana Joven, Paola Boltrán, Pilar Toro y David Moragas.
La 5ª edición de FIRE!! LAB está organizado por el Casal Lambda, con el apoyo del ICEC, la Generalitat de Catalunya, el Ayuntamiento de Barcelona y la colaboración del Centro LGBTI de Barcelona y el Instituto Francés.
TALENTS FIRE!!
El quinto aniversario del laboratorio también se celebra con el lanzamiento de TALENTS FIRE!!, un catálogo poblado por todos los talentos que han pasado por FIRE!! LAB y que servirá como una ventana para conocer a los profesionales que han pasado por el laboratorio y como herramienta de conexión y networking para conocer su trabajo.
“Además, como parte de la celebración del 5.º aniversario del laboratorio, se lanza el nuevo directorio profesional TALENTS FIRE!!, una herramienta de visibilización del talento emergente que ha pasado por el laboratorio desde su primera edición. Con casi 100 jóvenes profesionales y más de 40 proyectos documentados, el directorio busca facilitar conexiones con la industria y abrir nuevas oportunidades para creadores que trabajan desde miradas comprometidas y diversas” comentó José Gil Coordinador del FIRELAB.
FIRE!! LAB: un laboratorio que materializa proyectos
FIRE!! LAB no solo es un laboratorio para desarrollo de proyectos, también forma parte de su misión la mentoría profesional, dotar de herramientas y recursos a los creadores para poder mejorar sus proyectos y defenderlos ante los diferentes agentes que forman la cadena de valor de la industria audiovisual española.
En pasadas ediciones, han participado destacados proyectos como el documental «Alteritats (Otredades)», de Alba Cros Pellisé y Nora Haddad Casadevall, que participó este año en el 28 Festival de Cine de Málaga. «Un otro hombre», de David Moraga, que se encuentra en proceso de post-producción y que participó recientemente en el WIP del D´A Festival 2025. «Tal vez», de la canaria Arima León, e «Imágenes a la deriva», de Nicolás Tabilo, terminaron rodajes recientemente. «La pastora», de Cande Lázaro Cienfuegos, participó en la prestigiosa Residencia del Festival de San Sebastián Ikusbirra Berriak 2023. Por su parte, la FIRE!! Talents Bárbara Fernández, fue seleccionada en la Academia de Cine de España.
«En estos 5 años, hemos podido constatar el gran talento que existe en el colectivo y las ganas de tener en las pantallas referentes más acordes con la realidad y lejos del estigma. Seguiremos buscando alianzas que a través de nuestras actividades les permitan avanzar en sus proyectos y fortalecerlos en una industria cada vez más competitiva», señala José Gil, Coordinador de la sección FIRE!! PRO.
FIRE!! LAB: un laboratorio colaborativo
Una de las señas de identidad de FIRE!! LAB es su espíritu colaborativo. FIRE!! LAB forma junto a ZG PRO LAB (el laboratorio del Zinegoak) y QUEER CINE LAB (el laboratorio de LESGAICINEMAD) la red de laboratorios LGTBI en España. Una triple entente que encuentra su verdadera fortaleza en la sinergia de tres de los festivales de cine de temática LGTBI más importantes a nivel nacional.
Gracias a esta alianza, uno de los proyectos seleccionados en FIRE!! LAB siempre opta a su participación en la sección de Industria del Festival de Cine internacional de San Sebastián, el más importante de España y el único clase A de nuestro país, con traslados y estancias cubiertas, acreditación, permitiendo el acceso directo a los agentes de la industria nacional e internacional.
“Con la colaboración con Donostia Zinemaldia, a través de la red, conseguimos en la pasado la repercusión nacional en un espacio clave de la industria audiovisual española, lo que no solo impulsa a productores/as que participen del laboratorio sino a que el industria española sea cada vez más diversa” destaca Jorge Vañó, Coordinador de FIRE!! LAB.
Pasa el test del polígrafo y adapta manteniendo la verdad del original
‘Los casos del Departamento Q’ ya son conocidos en España tras sus seis películas estrenadas que surgen de las 10 novelas escritas por Jussi Adler-Olsen. El reparto cambió tras la cuarta, también el director y guionistas pero más o menos la sintonía se mantuvo aunque se perdió el toque neo noir. Ahora tenemos una nueva interpretación bajo la mirada del director Scott Frank (guionista de ‘Logan’ y autor de ‘Gámbito de dama’) y la guionista Chandni Lakhani (escritora de las nada desdeñables ‘Vigil’ y ‘Dublin Murders’) que retoma la oscuridad inicial.
El detective Carl Mørck y su asistente Assad son los protagonistas habituales en este thriller de suspense policíaco. La serie que estrena Netlix el 29 de mayo y cuenta con la cara más conocida de todas las adaptaciones hasta la fecha, Matthew Goode (‘Watchmen’, ‘The imitation game’) como Carl Mørck. Y en esta ocasión quien interpreta a su ayudante es Alexej Manvelov, a quien puede que hayáis visto en otra adaptación televisiva de novelas como ‘Jack Ryan’. Nota para los lectores de las novelas, este es el personaje de Assad pero le han cambiado el nombre a Akram Salim. Este cambio se produce en el ámbito de una nueva versión ambientada en Edimburgo, Escocia, en lugar de Dinamarca. Modificación en el contexto como parte de la adaptación cultural y geográfica, lo cual, es una estrategia para acercar la historia a una audiencia angloparlante. Y esto se consigue sin desdibujar la esencia y los personajes de Adler-Olsen. El toque escocés mantiene la oscuridad, el frío, los colores apagados y los cielos grises, aportando solo ciertos matices culturales.
La serie rebobina las películas y vuelve al punto de partida, adaptando de nuevo la primera novela, ‘La mujer que arañaba las paredes’ y con ello nos cuenta el origen de la relación de Mørck con el Departamento Q, una sección la policía destinada a un sótano que se encarga de casos irresolutos y que a menudo se utiliza como cortina de humo en un sistema policial bastante exiguo y que el protagonista se toma como una manera de mandarle a la nevera. Retornamos a las mismas temáticas por lo que ‘Dept. Q’ acierta en su planteamiento. La ineficiencia y la burocracia policial, la redención personal, la resistencia psicológica en condiciones extremas, las relaciones interpersonales entre opuestos y la siempre delgada línea que separa venganza de justicia son las temáticas recurrentes.
‘Dept. Q’ mantiene fielmente el espíritu del primer libro, combinando una narración en dos tiempos: por un lado, la investigación oficial, por otro, los angustiosos pasos de la mujer desaparecida, lo que aporta tensión constante. Desde la primera escena, impactante y directa, se nota una apuesta por elementos visuales modernos, como ciertos usos del found footage, que actualizan el tono sin traicionar el suspense escandinavo original. Matthew Goode, acostumbrado a papeles de galán, sorprende gratamente con un cambio de registro: interpreta a Carl Mørck como un profesional brillante pero emocionalmente destrozado, al estilo del House más misántropo o del Sherlock de Cumberbatch, con ese encanto malhumorado que lo lleva a ser sarcástico, destructivo y, sin embargo, entrañable, del tipo que aparca en la plaza de discapacitados sin remordimiento, pero que igual se hace querer.
La clave del éxito radica en el carisma de los protagonistas y la relación tipo Holmes-Watson entre Carl y su compañero que aporta calidez, ingenio y un pasado misterioso que los fans de los libros reconocerán. Su relación empieza con frialdad: Carl se muestra cínico y desconfiado, pero Assad —o Akram, en esta versión— se gana su respeto poco a poco, a base de intuición, trabajo y sentido del humor. Esa tensión entre personalidades opuestas, sumada al ácido sarcasmo con el que enfrentan los casos, es lo que hace tan única esta pareja. Ojalá Netflix no cancele la serie y podamos ver cómo se desarrollan más historias del Departamento Q, porque lo que han sembrado aquí promete mucho.
En resumen. Se mantiene el carácter de los personajes principales, se respeta el tono sombrío y emocional, se traslada el conflicto personal y psicológico del caso central y se conserva la crítica al sistema y la narrativa dual. ‘Dept. Q’ pasa el test del polígrafo.
Por gustarme me ha gustado hasta el opening, conciso, corto y toda una declaración de intenciones. Si te gusta tanto como a mí, aquí tienes una guía enumerando las películas sobre ‘Los casos del Departamento Q’:
Apocalipsis, aliens, demonios, los Red Hot Chili Peppers y por supuesto… muchos gatos
En el mundo de las antologías animadas para adultos, ‘Love, Death & Robots’ ha conseguido un lugar destacado gracias a su combinación de narrativas provocadoras, animación de vanguardia y exploraciones temáticas que oscilan entre lo filosófico, lo distópico y lo cómico. Creada por Tim Miller y producida ejecutivamente junto a David Fincher, esta serie antológica ha sido aclamada por su capacidad de sorprender constantemente y desafiar las expectativas.
La cuarta temporada, bajo la supervisión de la directora Jennifer Yuh Nelson (‘Kung Fu Panda 2’, ‘Kill Team Kill’), vuelve a ofrecernos diez cortos innovadores. Con títulos que incluyen gladiadores, dinosaurios, gatos, mesías y a los Red Hot Chili Peppers, la temporada no decepciona en su despliegue de imaginación ni en su crítica social y tecnológica.
Como con las temporadas 1, 2 y 3 detallamos a cada uno de los diez episodios que componen la temporada sin spoilers.
CAN’T STOP (6 min.)
Los Red Hot Chili Peppers recreados con marionetas que a la vez están animadas en 3D. Con las voces de Anthony Kiedis, Flea, John Frusciante y Chad Smith y dirigida por el propio DavidFincher que rememora sus orígenes como director de videoclips. Es una recreación del concierto celebrado en 2003 en Slane Castle, Irlanda.
Del título ‘Love, death and robots’ coge tan solo la palabra amor. Amor por los que gusten de la animación y de los funkos cabezones o las marionetas. Y por supuesto porque este es un gustazo que se ha dado Fincher que también puede ser un placer para los fans que no hayan ido nunca a uno de sus conciertos. Pero sin duda debe haber sido una pesadilla logística para los trabajadores de Blur Studio, no por tener que hacer tantas masas de gentes, sino también por tener que recrear los cuatro hilos de cada marioneta.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: buena
Género: musical
CLOSE ENCOUNTERS OF THE MINI KIND (7 min.)
Llega el apocalipsis a ‘Love, death & robots’. Los debutantes Robert Bisi y Andy Lyon crean una invasión alienígena recreada a base de efectos tilt-shift que nos hacen aún más pequeños de lo que somos comparados con el universo. Si además nos regodeamos en nuestra propia estupidez, si demostramos que nuestro cerebro es pequeño o que lo empequeñecemos con el uso que hacemos de él, más insignificantes parecemos.
Por supuesto que recuerda a ‘Mars Attacks’ nada más que arrancar y hay también ecos de ‘Independence Day’ o ‘Guerra de los mundos’. Pero el hecho de parecer todo una maqueta animada hace de este cortometraje de Estudio Buck todo un divertimento diferente. Abducciones, sondas anales, discursos presidenciales… tópicos clásicos en las guerras conta OVNIS con un final… No se puede resumir más rápido y sencillo.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: muy buena
Género: comedia, acción, ciencia ficción
SPIDER ROSE (17 min.)
Jennifer Yuh Nelson, responsable del arte de películas como ‘Kung Fu Panda’, ‘Cómo entrenar a tu dragón 3’ o ‘El gigante de hierro’ nos trae una secuela de ‘Swarm’ el episodio estrenado en temporadas anteriores. Cyberpunk, acción y venganza son los ingredientes de este cortometraje que supone una nueva colaboración de la artista en la serie.
Una historia escrita por el querido y siempre imaginario Joe Abercrombie, el cual, se ha inspirado a su vez en una obra del autor de ciencia ficción Bruce Sterling. Muy mono el “Stich” que han creado, brutal el enfrentamiento y alucinante el universo visual que desplieta.
¿Tiene mensaje o reflexión?:
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: excelente
Género: ciencia ficción, drama, acción
400 BOYS (15 min.)
Muchos nombres en el título y muchas voces conocidas en el reparto de doblaje: JohnBoyega, Ed Skrein, Sienna King, Dwane Walcott, Rahul Kohli, Pamela Nomvete y AmarChadha-Patel. Tim Miller ha adaptado una historia de Marc Laidlaw que mezcla los códigos del bushido que usaban las mismísimas Tortugas Ninja con el salvajismo de un mundo post-apocalíptico. Una historia urbanita y underground repleta de bandas callejeras. Es como si ‘The Warriors’ se mezclase con ‘Los mundos de Gulliver’ o ‘Ataque a los titanes’, para los más jóvenes.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 2D y 3D
Calidad de animación: muy buena
Género: acción ciencia ficción
THE OTHER LARGE THING (9 min.)
Patrick Osborne (con guión de John Scalzi), cuyas animaciones nos ayudaron a entender el documental, ‘Q: Into the Storm’, se alía con el estudio AGBO en esta pequeña historieta en la que ese cumple lo que muchos pensamos: que somos esclavos de nuestros gatos. Una historia en la que cual ‘Pinky y Cerebro’, un gato y un robot planean conquistar el mundo a través de un pirateo a Internet. Como sucede con el capítulo ‘Close encounters of the mini kind’, nuestra estupidez aparece como el arma o vehículo para nuestra propia perdición.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: excelente
Género: comedia
GOLGOTHA (10 min.)
Uno de los varios episodios dirigidos por Tim Miller. Como productor de la serie se ha permitido salirse a la acción real y contar con Rhys Darby (el Anton de la película ‘Lo que hacemos en las sombras’). La trama es tan loca como podríais suponer con esta combinación pues un alienígena cree que su “Jesucristo” particular se ha reencarnado en la Tierra, pero no en un humano, sino en un delfín.
Luma Pictures mezcla imágenes reales con animadas de igual modo que se entremezcla el debate religioso y ético con lo cómico. Humor absurdo y menos carga intelectual de la esperada. El ‘Treehouse of Horror XI’ de ‘Los Simpson’ sacaba algo más de jugo a su invasión de mamíferos acuáticos. Únicamente extrae jugo a su título al emplear la palabra Gólgota como símbolo de la violencia religiosa desatada por la existencia de un mesías y el choque de culturas.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: acción real con 3D
Calidad de animación: excelente
Género: comedia, ciencia ficción
THE SCREAMING OF THE TYRANNOSAUR (14 min.)
Blur Studio, como tantas otras veces en ‘Love, death & robots’ anima otro corto de Tim Miller. La deshumanización es la protagonista ene la que unos snobs ricachones juegan con la genética para crear el gladiador perfecto y de ese modo salir victoriosos en unos combates que se celebran en un satélite en torno a Júpiter.
Sanguinolento, brutal y en un escenario similar al de ‘Elysium’. Podría ser un fragmento de la serie ‘Primal’. Lo que fue en el pasado, el pan y circo, el desprecio por la vida a coste del divertimento de otros puede seguir en un futuro lejano, por el simple hecho de que está en nuestra naturaleza. Puede recordaros a ‘The Maze Runner’, a ‘John Carter de Marte’ o a las flipaduras de Legolas sobre los mumakil.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: muy buena.
Género: acción
HOW ZEKE GOT RELIGION (15 min.)
Ya había animado en la segunda temporada, pero ahora el español Diego Porral, animador en el multiverso de Miles Morales o en ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, entre otros muchos trabajos que os dejarían sorprendidos, dirige este episodio animado por Titmouse. ¿Os acordáis de la historia de origen de Hellboy cuando es sacado del infierno por los nazis? Pues esta podría haber sido la misión que acabase con ese Proyecto Ragnarok pues unos pilotos de caza tienen que bombardear una iglesia en la que los alemanes preparan un rito.
Animación que recuerda al cómic europeo y a las películas de finales de los 90 e inicios de los 2000, aunque también hay algo más de Mignola en el aspecto visual. La Segunda Guerra Mundial nos rememora a series como ‘Los héroes del aire’
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 2D
Calidad de animación: excelente
Género: terror, acción
SMART APPLIANCES, STUPID OWNERS (8 min.)
En la edad media eran los sirvientes los que se quejaban de los nobles al encargarles las tareas más básicas en lo que siempre era un ejercicio de pereza y cero autosuficiencia. En el futuro que nos pinta ‘Love, death & robots’ son nuestros propios dispositivos y nuestro mobiliario inteligente el que sufre nuestra dejadez (cotidiana e intelectual). Una idea muy cachonda que va a hacer que miréis vuestros aparatos electrónicos de otra manera. ¿Alguno os ha calado?
Con las voces de Melissa Villaseñor, Ronny Chieng, Amy Sedaris, Kevin Hart, Josh Brener, Nat Faxon, Niecy Nash-Betts y Brett Goldstein.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: stop motion
Calidad de animación: buena
Género: comedia
FOR HE CAN CREEP (14 min.)
Con las voces de Dan Stevens y un mítico del doblaje en animación y videojuegos como JBBlanc, entre otros, nos sumergen en la historia más espiritual e infernal de esta temporada 4 de ‘Love, death & robots’. De las tres palabras del título muerte es la más presente pues se trata de un relato muy al estilo de E.A. Poe en el que el diablo insta a un poeta a escribir unas líneas que podrían acabar con el mundo. A este ritmo van a tener que agregar la palabra “cats” al título de la serie pues de nuevo nuestros felinos amigos tienen mucho peso en la historia.
Dirigido por Emily Dean, animadora en las LEGO películas o la película 3D de Scooby-Doo. 1757 no es una época muy habitual en ‘Love, death & robots’ a si es que solo por eso ya supone un punto distinto al resto, pero una manera algo floja de cerrar la temporada.
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