Kamehameha múltiple que terminó épicamente esta edición
Finalizó la ecimocuarta edición de CutreCon con una maratón de películas sobre Dragon Ball, algo que los fans llevaban pidiendo tiempo dados los diversos live actions que existen y fragmentos vistos en ocasiones anteriores. Seguidamente tenéis comentarios de los cuatro títulos vistos pero antes toca dar buenas y esperadas noticias.
Un año más ha sido una semana con múltiples proyecciones llenas hasta la bandera incluso cuando se ha doblado el número de salas. 2025 ha supuesto un año de récord en el que se han proyectado más películas que nunca y los asistentes han elevado el medidor de decibelios con sus cánticos, risas y running gags festivaleros. Es por eso que los responsables de CutreCon, entre los que se encontraban Carlos “Oso” Palencia, Pedro J. Mérida o Juan Pérez de la Torre han anunciado algo que tenía que pasar antes o después. CutreCon tendrá ediciones en Canarias y Barcelona. En la capital condal se está trabajando para hacer una edición en colaboración con el Festival B-Retina y Cotxeres de Sants. En el archipiélago canario CutreCon tendrá presencia tanto en Tenerife como en Las Palmas de Gran Canaria con una edición que será este mismísimo 2025.
Y no podía faltar el anuncio que cierra cada edición. Cada convocatoria de esta fiesta del cine cutre tiene su leitmotiv. Si este año ha sido el cine de épica medieval y el anterior fueron los vampiros, para 2026 será el cine de acción el que protagonizará la programación. Quien sabe, quizá veamos “comedias” como ‘Ekipo JA’, versiones a lo ‘El cuervo’ como ‘Adam Chaplin’, el ‘Far Cry’ de Uwe Boll, la bizarrada de ‘Eliminators’, la adaptación del manga ‘Riki-Oh: the story of Ricky’ o ‘Steel, un héroe de acero’ aquella película de acción protagonizada por Shaquille O’Neal. Lo que está claro es que fijo que tendremos mercenarios, ninjas y muchas explosiones. Ya sabemos que CutreCon intenta siempre ofrecernos títulos nuevos, pero siendo el quince aniversario no nos importaría volver a ver niñas bonitas del festival como ‘Action Jackson’ o ‘Samurai Cop’.
‘Dragonball evolution’
Una de las grandes muestras de porqué no hay que intentar cambiar la esencia de un producto tan longevo como Dragon Ball. Ya sea por soberbia al intentar hacerlo mejor que el original o ya sea por falta de conocimiento y occidentalización de una producción asiática lo que se hizo con este flime es flagrante. Un desastre a la altura de la última versión de ‘Street Fighter’ que modifica el canon desde el minuto cero y a pesar de tener ritmo resulta aburrida. Un sinfín de tópicos que deslucen la gran herencia de una historia que ha hecho escuela. Inmerecida completamente, incluso el nombre está mal escogido ya que ni siquiera vemos una evolución de saiyan. Con razón su protagonista cayó en el olvido de los secundarios televisivos
Con menos presupuesto, con menos talento, con menos efectos especiales que la versión norteamericana, con menos derechos de autor y casi veinte años antes esta película taiwanesa consigue ser más fiel al espíritu de Toriyama. El espíritu burlón y aventurero de Dragon Ball está presente. Otra cosa es que los actores actúen de manera exagerada e incluso excesivamente infantiloide, como si estuviesen en un teatro de títeres. Las maneras orientales de hacer cine o su obsesión con el mundo de los espíritus/zombies no le hacen mucho favor pues los efectos de sonido o la música pueden resultar cargantes. Hay personajes inventados y la trama dista de ser fiel al canon pero al menos personajes como el Duende Tortuga nos divierte. Su fuente de inspiración es ‘Dragon Ball: La leyenda del dragón Xeron’.
Un año antes que en Taiwán se estrenó esta película que supuso el primer live action sobre Dragon Ball. Una película en la que Goku está interpretado por Heo Sung-tae, uno de los actores de la primera temporada de ‘El juego del calamar’. Es quizá la película que tiene más elementos canónicos de las cuatro proyectadas en la CutreCon. Pero por desgracia es la que se va perdiendo más según avanza y termina cansando hasta el público más resistente. Un Mutenroshi que parece Santiago Segura, un Goku peinado a lametón de vaca, cabezudos y peluches parlanchines y fumadores, peleas más interminables que en la serie… Un vía crucis que solo es recomendable ver sin expectativas y acompañado.
Secuela realizada solo un año después y contando con el mismo protagonista. Presentada como ‘Son Goku Súper Detective’ pero en su versión original sería algo así como ‘Gundaman Fight’. Los fans de la cultura japonesa sabrán porqué solo con ver el cartel. Goku con 13 años, de traje, con robots (cosa que también tenían las dos anteriores) que parecen sacados de una convención fan y cuatro enemigos a batir, a cada cual más bizarro. ¿Lo más flagrante es que Goku convierte sus manos en armas o se transforma en mecha? Que va, hay más, como la torpeza de sus enfrentamientos o el pegajoso peinado de Goku que seguro que hace las veces de buen atrapamoscas.
La mejor peor épica fantasiosa muy lejos de ser fantástica
Penúltimo día de CutreCon 2025. Los amantes el cine chusco se han mudado al mk2 Palacio de Hielo para maratonear hasta el punto en que su cerebro no pueda más. La jornada ha arrancado con la denominada “Espadas y bigotones”, seguida de la bizarrada de ‘Robot holocaust’ y culminar con dos “anti-clásicos” del cine de capa y espada: ‘Dragones y mazmorras’ y ‘Red Sonja’.
Tenía que llegar antes o después. Este ha sido el día en el que Moviementarios ha animado una de las sesiones, como llevamos haciendo desde hace casi diez años. Para esta ocasión hemos teñido las bocas de los participantes de azul y animado la proyección con mensajes que han hecho más llevadero el visionado de ‘Dragones y mazmorras’. Y como no podría ser de otra manera hemos celebrado un sorteo cuyo ganador anunciaremos en una próxima actualización de esta entrada. El ganador es: Román Núñez Soria @roman.nsoria. Gracias por tus respuestas tan graciosas.
‘La venganza de sansón’
Conocida en su versión original como ‘Samson dan Delilah’ es una producción bíblica indonesa que reinterpreta el mito. Película de bajo presupuesto de los 80 que no es precisamente divina. Lo único mínimamente valorable son las localizaciones, aunque estas a veces están un poco mal disimuladas. Las peleas están coreografiadas con el entusiasmo de una clase de yoga para principiantes. Por si fuese poco el actor que interpreta a Sansón que parece más interesado en posar que en interpretar. Los diálogos son tan épicos como una lista del supermercado y la escena del platano… mejor verla que describirla. Sansón mezclado con soldados franceses vestidos como en el siglo XIX, no hay que decir más.
Desde Turquía y retrocediendo a 1971. Basada en un cómic se aleja mucho de cualquier superproducción marvelita aunque tras verla estamos seguros que había mucho más entusiasmo. El presupuesto evidentemente era escaso y es por eso que las armas o los vehículos distan de parecer reales. Pero cuando vemos el pulpo de plasticorro flotando y sin ningún ánimo de ser animado está claro que más que presupuesto lo que faltaba era criterio. Es una historia de venganza cuya sinopsis podría parecerse a ‘El hombre del norte’ o ‘John Wick’, siento haberos dados esas grandes referencias, este filme está diametralmente en una posición contraria.
Sesión de castigo proyectada en hora de siesta. Si no fuese por el ruido del filme más de un ronquido se habría oído. Si alguna vez te has preguntado cómo sería una película postapocalíptica filmada en el patio trasero de alguien, ‘Robot Holocaust’ tiene la respuesta. Imagina un mundo devastado donde los héroes visten atuendos que parecen salidos de una fiesta de disfraces improvisada, y los villanos hablan con acentos tan exagerados que ni los propios actores pueden tomárselos en serio. La trama, si es que se le puede llamar así, sigue a un grupo de héroes improbables que atraviesan un páramo para enfrentarse al temible «Oscuro» y su ejército de robots, que parecen más cajas de cartón con luces parpadeantes. El tema de las máscaras parece que han cogido latas de conservas y las han entremezclado en una trituradora.
Fiasco de la misma productora de ‘El Señor de los Anillos’, con casi el mismo presupuesto y estrenada solo un año antes. El sueño de un fan que poseía los derechos convertido en una pesadilla para cualquier fan del cine de épica fantástica. Poco respeto al canon original, tópicos a cascoporro, inicio de la época woke y la peor elección de casting posible, incluyendo a un Jeremy Irons sobreactuado. Quizá lo más llamativo sean los efectos especiales. El presupuesto se les fue en algún que otro caché y en empeñarse en hacer digitalmente elementos que por entonces no estaban del todo bien controlados, ni de lejos quedaban creíbles. La secuencia final, que no puede llegar y concluir de manera más atropellada, puede derretirte los ojos por su calidad. Recomendamos verla en pequeñas dosis.
Si ‘Conan el Bárbaro’ era un filete jugoso, Red Sonja es una hamburguesa recalentada con queso plástico. Brigitte Nielsen, con su permanente ochentera y su espada más grande que su rango de expresión facial, interpreta a Sonja, una guerrera en busca de venganza. Arnold Schwarzenegger, al que claramente engañaros para aparecer en una secuela encubierta de Conan, se pasea por la película con la energía de alguien que olvidó por qué aceptó el papel.
Los villanos parecen sacados de una obra de teatro escolar con presupuesto para brillantina, y la acción es tan coreografiada que hasta los extras dudan antes de caer al suelo. El niño emperador roba escenas, pero solo porque grita tanto que es imposible ignorarlo.
Aun así, Red Sonja es gloriosa en su cutrez: espadas, magia, y diálogos que suenan como si los escribiera alguien con fiebre. Perfecta para una noche de risas y nostalgia ochentera. Esperemos que el nuevo filme que se prepara con Matilda Lutz sea más afín a los cómics.
‘Sukeban Boy’ es lo que pasa cuando alguien mezcla acción, comedia y un delirio febril en una batidora y lo sirve sin filtro. La trama, si es que importa, sigue a un chico con cara de chica que se disfraza de colegiala para infiltrarse en una escuela de pandilleras. Sí, es tan absurdo como suena.
Las peleas son ridículas, la ropa dura menos que un castillo de arena en un tsunami, y la lógica se fue de vacaciones. Las actuaciones oscilan entre el exceso teatral y el «no sé qué estoy haciendo aquí». Pero, sinceramente, ¿quién ve esto esperando Shakespeare?
Entre explosiones de ropa, violencia exagerada y diálogos que desafían la cordura, ‘Sukeban Boy’ es un festín de locura. Ideal para los que disfrutan del cine «qué diablos acabo de ver», como siempre tras salir de CutreCon.
Ha sido otro día pasándolo como enanos en el Festival internacional de Cinecutre de Madrid o Cutrecon para los amigos y aunque es la recta final de la sección oficial a concurso aún queda mucho festival. El tercer día de CutreCon da carpetazo a sus sesiones en la Facultad de Ciencia de la Información de la Universidad Complutense y con ello también a la Sección Oficial. Finalizado el visionado de los cinco títulos que han entrado a concurso el público ha votado y tal cual pronosticaba su tráiler, la película que ha cautivado a más espectadores es ‘The old man and the demon sword’. Ha sido una votación muy reñida por centésimas (que nos la enseñó el mismísimo Paco Fox) entre los Centollos cocainómanos del espacio y esta película. Su autor, el portugués Fabio Powers, ha estado presente y recogido el premio en persona. Un premio que como otros años rinde culto a los Premios Goya pero sustituyendo el rostro por Cacamán, la mascota del festival.
Semanas antes de arrancar esta CutreCon 2025 hubo que ampliar a una segunda sala la proyección de ‘The Emu Wars’. Y efectivamente, la jornada se cerró con dos salas a rebosar de fans del cine hecho mal aposta. Una película basada en hechos reales, una efeméride graciosa que tenía que tener una película como esta. No es de extrañar que se convierta en un fenómeno en las redes.
‘Sakura tournament’
Empezamos fuerte la mañana de viernes con ‘Sakura tournament’ (también conocida como ‘Lady Kumite’) dirigida por Vick Campbell , un homenaje/plagio descarado a una película que también se las trae. Hablamos de la adaptación de imagen real del videojuego ‘Dead or Alive’ surgido en plena ‘KillBill-explotation’. Una definición que parece que me acabo de inventar pero que engloba muy bien todas las imitaciones estéticas, visuales y narrativas en el cine de acción después de ‘Kill Bill’ de Quentin Tarantino.
Esta versión de mercadillo de Las Ramblas, porque se ambienta en Barcelona (una constante en esta edición) ‘Sakura Tournament’ es una producción underground nacional que tiene el valor de apostar por una historia epicodecadente de artes marciales de las de toda la vida. Desde las películas de Bruce Lee, pasando por las horteradas de Van Damme de los años 80 hasta las producciones directas al streaming del infravalorado Scott Adkins.
Un torneo internacional de artes marciales al más puro estilo ‘Street Fighter’, en el que se citan las luchadoras más aguerridas que provienen de todos los rincones del planeta: Estados Unidos, Australia, República Dominicana, Nigeria, Alemania, España,Ucrania…Es un torneo misterioso, con una organización de oscuras intenciones pero las luchadoras tampoco van a tener piedad entre ellas.
Para el poco presupuesto que se puede apreciar en pantalla , como los efectos de acción o los decorados, al menos hay que reconocerle al director y al equipo de producción que se han currado el casting, ya que hay muchísimas luchadoras, y la película es un no parar de peleas cutres con música chunda-chunda y un árbitro encapuchado en un gimnasio de MMA ruinoso. Preguntamos al director sobre esta cuestión, ya que acudió con su esposa que interpreta a uno de los personajes y le ayudó en la producción. Nos respondieron que reunieron a casi 80 luchadoras (raro es el juego de lucha de playstation 5 que llegue a esa cantidad de personajes sin tener que pagar un DLC) .
No sabemos si es a propósito porque a veces las nacionalidades no se corresponden con las luchadoras, y la verdad, los momentos más patéticamente divertidos son precisamente esos. Parecen chistes salidos de la mente de un Arévalo resacoso. Uno de los mejores ejemplos es el combate entre la representante de Andorra y la representante de Cataluña. Paran el combate antes de empezar porque Cataluña no es un país. Pero al final si le permiten luchar porque se juegan un montón de pasta en las apuestas. Ojito que la representante de Cataluña es la que más bullying recibe en la película de las demás luchadoras (y eso que la organización ya las maltrata psicológicamente desde el minuto 1) con una bronca entre la representante de España, Ucrania e ISRAEL. Si amigos, si Israel no puede faltar en Eurovisión, tiene que estar en un torneo internacional de artes marciales, si no, ¿como van a demostrar que son el pueblo elegido?
Pero tranquilos que la representante del Tibet trae la paz todo lo que puede al resto de luchadoras. Una luchadora que atrajo bastante nuestra atención porque básicamente era la que mejor luchaba y la más extravagante. Aprovechamos para preguntar al director por esa actriz y nos reveló que es una artista callejera y de ahí su flexibilidad gimnástica shaolin.
Las otras protagonistas son la representante de España, llamada Cayetana Vargas, bailadora flamenca, sabe artes marciales y tiene acento de Europa del este. La representante de Rusia directamente la presentan como una luchadora de la URSS (aquí sutilezas las justas) la luchadora de Ucrania se viste con los colores de su país pero el traje es de Lobezno versión bazar oriental, aunque cuando decide investigar se disfraza de ‘Assassin’s creed’ (con un parkour a ras de suelo)
No faltan tiroteos a lo John Wick de PS2 (‘L.J Detective’ que se proyectó hace un par de ediciones, es John Woo en comparación), Yakuzas de todo a un euro intentando hablar en español antes de que le dé una apoplejía, cuerpos inclusivos y un videoclip a modo de ending de capitulo de anime japonés con la luchadora ucraniana.
Pensamos que no podíamos romper los récords de epicodecadencia de aquella mañana pero…nos equivocamos otra vez. La película portuguesa ‘O velho e a espada’ conocida también como ‘The old man and the demon sword’ de Fabio Powers nos dejó con muy buen sabor de boca y además ganó la Sección Oficial de CUTRECON 14.
El director Fabio Powers presentó su película y la definió como sí ‘Devil May Cry’ fuera protagonizado por Cañita Brava. Y nos hablaron de sus referentes: la fantasía heroica , el anime (la voz de la espada de la película es la voz de Vegeta de Dragon Ball en su versión portuguesa) y empieza de una manera que no tiene que envidiar a las grandes franquicias cinematográficas: Un neo-templario encargado de fundir a todos los demonios que encuentre en su camino ayudado por una espada demoniaca que tiene un espíritu atrapado.
El trato es simple, el demonio ayuda al protagonista a cargarse a los demonios y este le ayuda a liberarse de su prisión. No faltan los combates con espadas llameantes y seres del inframundo llenos de CGI semidecente y de repente…al protagonista le matan. Bueno, matizando, es en ese momento en el que el verdadero protagonista entra en acción y recoge la espada.
Un señor mayor, un señor que podría ser lo que llamamos aquí ‘tu tío del pueblo’. Un hombre normal, llamado Antonio, enganchado a una botella de vino debido a su traumático pasado. Un señor muy campechano haciendo equipo con un demonio atrapado en el interior de la espada maldita y se convierte en el improbable antihéroe crepuscular en una cruzada en el que se mezcla lo extraordinario con lo cotidiano.
Sus divertidas conversaciones os recordarán animes como ‘Naruto’ (donde el protagonista discute muchas veces con el zorro de nueve colas atrapado en su interior) o a la trilogía cinematográfica del personaje de ‘Venom’. Porque si, hay bromance.
‘The old man and the demon sword’ tiene algunos momentos en los que no tiene que envidiar nada ni al motorista fantasma de Marvel ni al ‘Resident Evil’ protagonizado por Milla Jovovich.
Quizás lo único negativo que se puede hablar de la película es su parte final en el que parece como si la historia se traicionara a si misma mediante un mecanismo narrativo que no vamos a desvelar y que dividió a la audiencia.
‘The Emu War’ es la épica que nadie pidió sobre la legendaria guerra entre Australia y… un montón de avestruces rebeldes (sí, sé que son emúes, pero el chiste funciona mejor así). La película nos muestra soldados con ametralladoras enfrentándose a un ejército de aves con más estrategia que Napoleón. Y, como en la vida real, los humanos pierden. Repetidamente.
La dirección es impecable, logrando que las aves parezcan los verdaderos héroes de la historia. Si alguna vez quisiste ver una película donde los villanos sean granjeros o soldados incompetentes y los protagonistas sean pájaros con cara de pocos amigos, ‘The Emu War’ es para ti y por supuesto para el público habitual de CutreCon.
Cangrejos cocainómanos, bárbaros y ladrones lo mejor del día
La segunda jornada de CutreCon 2025 empieza dando paso al inicio de la Sección Oficial. Los asistentes hemos podido ver las tres primeras películas rodadas por participantes y que el público ha votado. En el caso de hoy hemos contado con dos repetidores como Juan Carlos Gallardo y Martanuelle. Y entremedias hemos tenido sorpresa pues Arturo de Bobadilla ha presentado 15 minutos de ‘Los resucitados 2: el altar de la luz’.
Tras las delirantes propuestas de los participantes hemos conocido el que fue el germen de las películas de animales drogados, como ‘Cocaine Bear’ o ‘Methgator’. También nos hemos trasladado a aquellas películas que seguían la senda de Conan y demás con nuevas propuestas tan bárbaras como delirantes.
La afluencia durante el día ha sido alta, pero se ha disparado en la noche. Es por eso que al igual que otros años el festival ha tenido que contar con una segunda sala de los Cines Paz para poder acoger a tanto público que se acerca a la CutreCon. Sesiones de los próximos días como ‘The emu wars’ han llenado ya dos salas. La fama precede al festival por el jolgorio que ofrece y este recompensa a sus asistentes con detalles como el regalo en forma de vídeo que ha supuesto ver a Chuck Cirino anunciando su participación en el reboot de ‘Deathstalker’ que se prepara junto a Slash de GunsN’Roses. y dirigido por Steven Kostanski.
Las horas centrales del día han estado protagonizadas por Jaume Balagueró. Quien nos ha traído excelentes películas de terror como ‘[REC]’ o ‘Venus’ ha formado parte de una nueva sección en el festival. A partir de ahora un reputado cineasta propondrá un título para el festival. Para arrancar con la sección “Mis delirios favoritos”, hemos podido ver ‘Mad Foxes’. Pronto podréis ver sus testimonios junto a los de José Gras en nuestro canal de Youtube.
‘Mundo mutante’
Juan Carlos Gallardo, un mítico en el Festival de CutreCon, regresa a la Sección Oficial del festival con ‘Mundo Mutante’ una delirante historia sobre lo diferente, lo friki y mutantes. Algo así he podido entender de la primera película del día, que realmente es bastante complicado sacar algo en claro.
Quien no conozca a Juan Carlos Gallardo, se puede decir que nunca vais a ver nada igual. No es un director perfecto, el rodaje es a mano alzada, efectos especiales a mano, todo a mano y con amigos. Sin duda se nota que se lo han pasado bien.
Ya solo verles disfrutar han hecho que las risas en la sala fuesen enormes. Y además la ilusión del director merece la pena unas palabras. Vais a verles jugar al Simon, al la comba y a repetir e improvisar mil veces el guion.
La ganadora de la sección oficial de CutreCon 2024 repite. Pero en esta ocasión la propuesta es más episódica que tradicionalmente prosaica, más erótica que fantástica y por supuesto fiel al espíritu del festival.
Cine de batalla rodado en algunos capítulos en plena calle (probablemente sin permisos, no esperamos otra cosa), otras veces en el campo y otras en la tienda de Arturo de Bobadilla.
Una historia que se siente tan personal como enigmática. Quizá por eso está hilada por un presentador tipo David Lynch.
Una delicia para la Sección Oficial. Dos cangrejos espaciales terminan en la Tierra después de un pequeño accidente. Aquí descubren la cocaína y su gran estimulación. Por supuesto también descubren la adicción y que esta droga les causa ganas de asesinar, todo se complica cuando se convierten en padres de miles de cangrejitos cocainómanos.
Sin duda la película destaca por sus inmensos efectos especiales, cangrejos de plástico movidos con hilos de pescar. O ni eso, cangrejos tirados contra los actores sin necesidad que nos creamos que se mueven de verdad. Sangre a base de salsa de tomate y gente camuflada de cangrejo para atraerlos.
La verdad que nos hemos divertido mucho, con dos protagonistas absurdos, un policía al que hacen mobbing y una dependienta de una tienda de mascotas especialista en cangrejos. Para terminar de mejorar la película, tiene canción cuqui al finalizar el visionado.
Película que en España se titulaba ‘Los violadores’ y en Reino Unido estuvo relacionada con las listas Video Nasty del thatcherismo. Con esos datos os podéis imaginar el nivel de caspa, agresividad sexual y violencia tiene este filme. Es una historia de violación y venganza con detalles tan crudos o escabrosos que solo un público bien curtido y contextualizado puede verla. No se trata de un filme tan hardcore como el snuff pero si supone una explotación extrema del cine de bandas y de moteros.
El protagonista (GRASS) tiene una moral difusa altamente cuestionable, es la prueba de que el cine de explotación tiene su propio ecosistema salvaje e indomable. Imaginen que alguien metió en una licuadora motociclistas nazis, kung fu improvisado y desnudos gratuitos, y luego se olvidó de poner la tapa. El resultado es un cóctel caótico de violencia absurda y diálogos que parecen escritos por alguien con resaca de viagra. Aunque para cóctel en el que se rebozan en la escena de sexo en la bañera. La película no se detiene a preguntarse en su escalada de violencia si «¿tiene sentido? ¿es moral?», porque está demasiado ocupada atropellando lógica y buen gusto con la misma saña que su protagonista pierde amigos, churris y familiares.
Película de aventuras de los años 80, llena de buen ritmo, buena música y con protagonistas muy carismáticos. No he visto la primera parte, no se si tiene algo que ver o no. Pero en esta, nos encontramos una comedia voluntaria que cuenta muy bien la historia que nos plantea y que nos ha hecho disfrutar mucho.
La historia es simple, el príncipe de los ladrones tiene que salvar a una princesa de su clon y de un hechicero malvado. Zombies, soldados cerdo, clones, magia, amazonas… Podemos ver todo tipo de cosas y personajes dispares que como os comento, nos han hecho disfrutar este visionado.
Con ganas de que se estrene el reboot de la primera película que traerá este año de mano de Steven Kostanski.
Si ‘Conan el Bárbaro’ tuvo un hijo no reconocido, seguro fueron ‘Los Bárbaros’, pero con el doble de músculos y la mitad de neuronas. Protagonizada por los gemelos Paul y Peter, dos armarios empotrados con carisma de muebles de IKEA, esta joya del cine de espada y brujería nos regala peleas torpes, rebuznos como único recurso actoral y un guion que parece escrito por alguien que solo vio el tráiler de ‘Conan’.
Ni con dos moles pueden imitar al Conan de Schwarzenegger. Y mucho menos si su mayor recurso es rebuznar y marcar deltoides. Más que una película de espada y brujería, habría que decir que es de espalda y brutería. Los villanos son ridículos, los diálogos parecen improvisados y hay más aceite en los cuerpos de los protagonistas que en una freidora. En resumen: es un desastre… pero de esos que no puedes dejar de ver. Curioso que esté realizado por el director de ‘Holocausto Caníbal’.
Arranca una nueva edición de CutreCon. Esta XIV convocatoria nos emplaza en sus diferentes sedes para vivir las mejores peores películas del género de fantasía medieval. La capa y espada, la espada y brujería, las historias de caballería… Llamémoslo como queramos, pero lo que está claro que no son películas aptas para fans estrictos del género ya que están plagadas de errores y eso es lo que aprovecha CutreCon para hacer comunidad, «sufriendo» y disfrutando a la vez.
La primera jornada de CutreCon 2025 ha transcurrido casi por completo en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid. Allí han tenido sus tradicionales proyecciones gratuitas en las que tanto estudiantes, como espectadores (nuevos y neófitos) han soltado carcajadas por doquier. Pero ha sido también un día repleto de enseñanzas ya que hemos podido recuperar la sección de documentales en las que se analiza siempre con comedia y mucha información alguna faceta o historia del cine B o Z. Y por si fuese poco ‘El caballero del dragón’ ha estado presente con una gran exposición y las siempre nutritivas palabras de su director, el experto en comedias, por una vez aventurado en la épica medieval, Fernando Colomo. A él se le sumó el reputado director de fotografía José Luis Alcaine.
Tanto Colomo como para Alcaine, han reconocido que para ellos fue una clase exprés en efectos especiales. Pero también han coincidido en que no se meterían en una igual y menos si Klaus Kinski si siguiese vivo, pues hizo del rodaje un infierno. Ambos han comentado que están orgullosos del elenco que reunieron y de la calidad del traje que lucio Bosé. Así mismo han remarcado que fue el filme que logró la séptima mejor recaudación en España en su año de estreno, pero internacionalmente fue la ruina para Colomo. Podréis ver la entrevista que hemos mantenido con él en nuestro canal de Youtube, no tiene desperdicio.
La noche de CutreCon ha culminado con una proyección en los céntricos Cines Paz realizada en colaboración con el ciclo de cine fantástico Aeterna. ‘Frankie Freako’ ha sido la película escogida. Una celebración del cine de serie B realizada por otro conocido, tanto por los fans de CutreCon como por aquellos que siguen de cerca el género fantástico, Steven Kostanski (‘Psycho Goreman’, ‘El vacío’).
‘Suzzana: the queen of black magic’
Si las telenovelas de tu abuela y una sesión espiritista se fusionaran en un torbellino de risas involuntarias y efectos especiales con más humo que un asador, obtendrías ‘Suzzanna: The Queen of Black Magic’. Este documental nos sumerge en la vida de Suzzanna, la diva del terror indonesio, cuyo talento para mirar intensamente mientras ríe y parece que mastica vidrios, la convirtió en leyenda.
A través de entrevistas a personalidades relacionadas, como el reconocido cineasta de terror Joko Amwar y gloriosos clips de archivo, descubrimos que Suzzanna no solo dominaba el arte de lanzar maldiciones con la mirada, sino que también elevó el cine serie B a una forma de arte. Con anécdotas que van de lo escalofriante a lo absurdamente divertido, este documental es un tributo perfecto: a veces terrorífico, a veces ridículo, pero siempre entretenido y dramático.
Si amas el cine de terror desvergonzado y el drama más grueso que un guiso de brujería, esta es tu pócima perfecta. Por otro lado puede servir como retrato de uno de los orígenes del folk horror.
Si alguna vez te preguntaste qué pasaría si ‘La Llorona’ tuviera una pitón como mejor amiga y menos presupuesto para efectos especiales, ‘The Hungry Snake Woman’ tiene la respuesta. Esta joya del cine de terror indonesio de los 80 nos entrega brujería, bailes bochornosos subidos de tono, Drácula metido a proxeneta, un protagonista con el pelo de Georgie Dan…
La trama sigue a una mujer que tiene la mala suerte de parecerse a una diosa y a un avaro que hace un trato con ella. Pero tiene tantos secundarios y elipsis que te pierdes. Entre maldiciones, apariciones y gente actuando como si acabara de recibir el guion cinco minutos antes, la película es un festín de momentos gloriosamente absurdos. Destacan las escenas donde la protagonista lanza miradas venenosas y el uso magistral de serpientes auténticas que son toda una pesadilla para PETA.
Si te gusta el cine donde el horror y la comedia se entrelazan como una boa enredada en su víctima, ‘The Hungry Snake Woman’ es un bocado irresistible. CutreCon siempre ofreciéndonos algunas lecciones sobre qué es lo que hay que hacer o no a la hora de rodar cine.
En 1985 Fernando Colomo se lanzó de cabeza a rodar una película medieval con un extraño ser venido del espacio. Una película en la que vemos como un alquimista, un caballero y un rey confunden un platillo volante con un enorme dragón al que dar caza. Y una princesa prendada del extraño “caballero” que “cabalga” el dragón.
Admito que no me esperaba nada de la película y me ha entretenido mucho. Con muy buenos efectos especiales para la época, un diseño de vestuario bastante curioso, sobre todo un aplauso para el traje que lleva Miguel Bosé. También el diseño de la nave es bastante bueno.
Como curiosidad comentar que fue en la primera película española en la que aparece un efecto digital, de la mano de FélixBergés de EL Ranchito. ‘El caballero del dragón’ cuenta con un reparto muy dispar, el ya mencionado Miguel Bosé, Fernando Rey, Harvey Keitel, María Lamor y un odioso (palabras del propio director) Klaus Kinski.
Sin duda un buen entretenimiento que al menos merece una oportunidad
Si alguna vez te preguntaste qué pasaría si Gremlins tuviera un hijo ilegítimo con Roger Rabbit tras una borrachera en Las Vegas, Frankie Freako es la respuesta. Un derroche de marionetas y prótesis que haría llorar de emoción a Jim Henson y temblar a cualquier contable de efectos prácticos. La película parece un capítulo perdido de ‘Pesadillas’ de R.L. Stine, pero con más resaca y menos supervisión parental.
La moraleja es clara: si eres un workaholic estirado, te mereces que un gremlin de mercadillo te arruine la vida. Y es que ‘Frankie Freako’ es básicamente la versión sobrenatural de una despedida de soltero descontrolada, con la energía caótica de ‘Resacón en Las Vegas’ y diálogos que harían que Lisa Simpson dejase de llamar a la ‘Líbea de Corey”.
En resumen, un festín de nostalgia ochentera que mezcla terror, comedia y una cantidad absurda de efectos prácticos. No cambiará tu vida, pero es el tipo de locura que merece existir. Por cierto, ¿la aceptamos como película navideña?
The FRIENDS™ Experience llega por primera vez a España. Inspirada en una de las series de televisión más populares de la historia, The FRIENDS™ Experience abrirá sus puertas el próximo 17 de marzo en el Pabellón 14.1 del recinto ferial IFEMA MADRID, por tiempo limitado en 2025.
Creada por Warner Bros. Discovery Global Themed Entertainment, Original X Productions y Warner Bros. Television Group, y operada por la empresa londinense The Luna Entertainment Group, The FRIENDS™ Experience: The One in Madrid desembarcará en la capital española de la mano del promotor local Proactiv Entertainment y acercará a los fans un paso más a su serie y personajes favoritos con decorados recreados a escala real, fondos icónicos, trajes y una gran variedad de accesorios y objetos de recuerdo.
Con una gran variedad de recreaciones interactivas llenas de nostalgia, The FRIENDS™ Experience: The One in Madrid ofrecerá a los invitados un montón de oportunidades para explorar la historia de la serie y recrear algunas de sus escenas favoritas, como posar detrás de la famosa puerta morada de Rachel y Mónica, relajarse en los sillones reclinables de Chandler y Joey y, por supuesto, descansar en el legendario sofá naranja. También habrá divertidos aspectos entre bastidores que los invitados podrán explorar, como la visión de los creadores de la serie y la narración de historias por parte de la diseñadora de vestuario.
Y, por supuesto, ninguna visita a The FRIENDS™ Experience estaría completa sin hacer una parada en la famosa cafetería de la serie, Central Perk. Además de la recreación de cada uno de los icónicos decorados y la oportunidad de hacerse fotos, los visitantes también tendrán la oportunidad de visitar una tienda de regalos temática con productos exclusivos que solo se pueden encontrar en The FRIENDS™ Experience: The One in Madrid.
Stacy Moscatelli, Directora Ejecutiva de Original X Productions, ha comentado: “The FRIENDS™ Experience: The One in Madrid marca nuestra primera vez en España para la renombrada experiencia. Estamos encantados de ofrecer a todo el mundo la oportunidad de adentrarse en el mundo de la exitosa serie de televisión y revivir sus momentos favoritos de todos los tiempos”.
La lista de espera para The FRIENDS™ Experience: The One in Madrid se abrirá el 4 de febrero a partir de las 12:00h en FriendsTheExperience.com/Madrid. Las entradas en preventa estarán disponibles a partir del 10 de febrero de 2025, y la venta general comenzará el 11 de febrero de 2025.
Para ir preparándose para The FRIENDS™ Experience: The One en Madrid, los fans pueden ver el especial FRIENDS: The Reunion y los 236 episodios de la serie original en Max.
¡Permaneced atentos para conocer más lugares emocionantes de The FRIENDS™ Experience que se anunciarán en 2025!
El juego multijugador cooperativo exclusivo de PlayStation, ‘Ghost of Tsushima’, goza de gran prestigio entre los jugadores de videoconsolas. Es una experiencia online que nos transporta al Japón feudal más mágico y fantasmagórico con imágenes tan violentas como terroríficas. En concreto ‘Ghost of Tsushima: legends’ es una expansión que funciona completamente como un juego a parte.
La situación actual ha permitido que llegue una auténtica noticia para los jugadores. La unión de Crunchyroll, Aniplex, Sony y PlayStation ha hecho posible que ‘Ghost of Tsushima: legends’ nazca una serie anime que seguro nos dejará boquiabiertos.
El juego de Sucker Punch Productions dará el paso al formato televisivo a través del trabajo de Aniplex, autores de obras como ‘Guardianes de la Noche: Kimetsu no Yaiba’, ‘Solo Leveling’ o ‘Sword Art Online’. TakanobuMizuno y GenUrobuchi han sido escogidos como director y guionista respectivamente mientras que la animación la realizará KamikaziDouga.
“Ya hemos demostrado la inmensa calidad y versatilidad de nuestros videojuegos a través de múltiples proyectos exitosos para cine y televisión, nos emociona anunciar nuestra primera adaptación al anime”, declara Asad Qizilbash, Director de PlayStation Productions. “El rico e inmersivo mundo de Ghost of Tsushima y Legends, su modo fantástico basado en la mitología japonesa, suponen el lienzo perfecto para este proyecto, y Aniplex es el socio ideal para convertir el exitoso videojuego de Sucker Punch Productions en una increíble nueva serie de anime”.
‘Ghost of Tsushima: legends’ se estrenará en exclusiva en Crunchyroll en 2027.
Por fin llega la segunda temporada de ‘El juego del calamar’. La exitosa serie coreana, regresa para seguir las andanzas de Gi-hun, jugador número 456. Tres años después de conseguir pasar el juego y volverse millonario, decide abandonar sus planes de irse a Estados Unidos y planea su venganza contra los creadores del terrible juego en el que se vio metido. Pero para lograr su cometido, tiene que volver adentro. Gi-hun, se obsesiona con acabar con esa locura y tiene el dinero suficiente para pagar a quien haga falta para conseguir su plan.
Admito que cuando vi la primera temporada de ‘El juego del calamar’ tuve sentimientos encontrados. Uno de ellos, es que todo el mundo comentaba lo innovadora que era, pero supongo que he visto tanto cine y tanta televisión que me parecía un refrito de muchas cosas. Pero si que he de decir, que pese a que no me pareció nada original si que tenía bastantes puntos a su favor para que me gustase.
El tema de que se jueguen la vida con simples juegos de niños es bastante retorcido. Otro punto bueno es que a los personajes principales no se les coge especial cariño y esto hace que muchas veces estás deseando que pierdan el juego para verlos sufrir. Y luego está la crítica a la sociedad, que hemos visto en muchas otras películas y series. Y es el tema de la lucha de clases, donde los que siempre sufren son la gente pobre. En este caso, pagan con sus vidas con tal de conseguir dinero en efectivo.
Todo esto sigue en esta temporada, lo que pasa, que ya lo sabemos y aunque es una temporada algo más corta, si que puede llegar a pesar un poco algunos episodios en los que nos vuelven a contar lo mismo otra vez. Eso sí, los dos primeros episodios me han gustado bastante, son los suficientemente diferentes y logran adentrarnos en otra trama en donde encontramos más acción. En cuanto regresamos a la isla vemos nuevos juegos, nuevas maneras de hacer que se crispen los nervios de los participantes y veremos como se intentan sabotear los unos a los otros.
Otra de las cosas que continúan es la estética tan bonita, llena de colores infantiles dentro de ese complejo tan parecido a la Muralla Roja de Ricardo Bofill. Qué consigue que todo ese lugar parezca un gran laberinto infantil, que en este caso, no es nada divertido, sino más bien siniestro.
Volvemos a tener en la serie a Lee Jung-jae (‘The Acolyte’), a Wi Ha-joon (‘Midnight’) y a Lee Byung-hun (‘Concrete Utopia’). Se unen al reparto Kang Ae-shim, Lee Da-wit, Yang Dong-geun, Park Gyuyoung, Kang Ha-neul, Roh Jae-won, Lee Jin-wook o Choi Seung-hyun, entre otros.
En general la temporada me ha parecido bastante entretenida, pese a que se repiten situaciones y quizás los juegos duren demasiado en pantalla. Pero, aun así, me ha gustado mucho y al final da un giro muy bueno. Por cierto, esperar un poquito, no mucho, esto no es Marvel, porque al final tendremos una pequeña escena post créditos. En esta escena descubriremos un nuevo “personaje” que hará que nuestros protagonistas no lo pasen nada bien en la tercera temporada.
HwangDong–Huk, anunció que ‘El juego del calamar’ tendrá una temporada más. La serie llegará a su fin en 2025 (aquí podéis leer el comunicado). Así que no esperéis una temporada conclusa, porque no la vais a tener. Pero sin duda, disfrutaréis mucho, sobre todo, si la primera temporada ya os gustó. Esta os va a dar mucha más acción.
Grandísimo repaso a una temporada que superó a la anterior
La segunda temporada de ‘La Casa del Dragón’, la impresionante precuela de ‘Juego de Tronos’, ha llegado en un formato Blu-ray que promete elevar nuestra experiencia como espectadores. Si eres fanático de Westeros y estás listo para sumergirte nuevamente en la lucha por el Trono de Hierro, esta edición podría ser la edición que tu colección necesita.
Para los no iniciados, ‘La Casa del Dragón’ se adentra en la turbulenta historia de la dinastía Targaryen, con sus conflictos internos y sus imponentes dragones como piezas clave en el tablero de poder. La segunda temporada continúa el drama con más intensidad, explorando la llamada Danza de los Dragones, una guerra civil que definió el destino de los Siete Reinos. Pero no estamos aquí solo para hablar de la trama: este Blu-ray viene cargado con lo que los verdaderos fanáticos esperan.
En este análisis, abordaremos en detalle la calidad de la imagen y el sonido, crucial para capturar cada detalle de los imponentes dragones y las fastuosas localizaciones que hacen de esta serie un espectáculo visual. También exploraremos el contenido adicional: ¿qué tal están esos detrás de cámaras que prometen revelar los secretos de producción? ¿Incluye escenas eliminadas o entrevistas exclusivas con el elenco? Por supuesto, no olvidaremos el diseño del empaque: ¿es digno de un Targaryen?
Esta edición incluye la serie en castellano, italiano, alemán, francés, español de LATAM, checo y por supuesto en inglés Dolby Atmos TrueHD. En cuanto a los subtítulos están disponibles en castellano, francés, sueco, noruego, checo, polaco, chino complejo, danés, finés, holandés, coreano y español latinoamericano. En el caso de lengua para sordos está disponible en inglés, alemán e italiano.
El contenido se divide en cuatro discos. Todos ellos con los dragones de la familia Targaryen. Están pintados a pares de color negro y verde, representando los bandos de la contienda fraticida de ‘La casa del dragón’. Por supuesto el menú también muestra enfrentadas a Olivia Cooke (Alicent Hightower) y a Emma D’Arcy (Rhaenyra Targaryen).
Extras (más de cuatro horas)
Disco 1
The House that ragons Bulit Ep. #1 Extended versión (34:09 min.)
Es una serie en si misma sobre cómo se ha rodado ‘La casa el dragón’. Todo el reparto, actoral y técnico habla sobre este reto.
Defend your council (1:53 min.)
Los actores defienden el bando (verde o negro) al que pertenecen sus personajes.
Character spots (2:39 min.)
Es evidente que además de bandos esta es una serie sobre tener un personaje favorito, aunque no sea nada recomendable. Aquí los recorremos uno a uno comenzando por Rhaenyra Targaryen.
Fire hot takes: team green vs. team black (2:03 min.)
Las motivaciones, rencillas y rencores de cada bando puestas sobre la mesa.
The House that ragons Bulit Ep. #2 (30:26 min.)
Return to Winterfell (1:14 min.)
Al estar centrada en los Targaryen aún no habíamos vuelto debidamente a Invernalia. Así fue recrear de nuevo el norte.
House who? (House Stark) ( min.)
Por supuesto el volver al norte ha supuesto retomar a la casa Stark y a la Guardia de la Noche.
Return to the real (2:01 min.)
El equipo ha vuelto a las localizaciones de rodaje, algunas en España. Un breve repaso sin detalles sobre este regreso.
Disco 2
The House that ragons Bulit Ep. #3 (34:19 min.)
House who? (Bracken & Blackwood) (1:41 min.)
Salvo por el hecho de que aparecen en libros y en la primera temporada son casas menos conocidas. Este pequeño clip nos acerca a estos clanes rivales.
Fire hot takes (3:40 min.)
La reina en el exilio es el objeto de las críticas y análisis de los actores.
The House that ragons Bulit Ep. #4 (29:49 min.)
Eve Tribute Piece (1:13 min.)
En esta temporada sufrimos una muerte trágica en la que se recrean. Desde luego para los anales de ‘Juego de Tronos’. Habría merecido un reportaje más amplio.
House who? (House Tully & House Frey) ( min.)
Todos sabemos qué pasa en el futuro con estas casas “menores”. Pero no está demás dedicarles unos minutos pues influyen en el destino de Westeros.
Guess that line. Eve & Steve (4:05 min.)
Steve Toussaint (Corlys) y Eve Best (Rhaenys) se ponen a prueba frente a frente.
Character spots (2:40 min.)
Reportaje breve centrado en Daemon Targaryen.
Disco 3
The House that ragons Bulit Ep. #5 Extended versión (21:07 min.)
The House that ragons Bulit Ep. #6 Extended versión (35:14 min.)
Character spots (1:22 min.)
Reportaje breve centrado en Alicent Higtower.
Character spots (1:55 min.)
Reportaje breve centrado en Aemond Targaryen.
Disco 4
The House that ragons Bulit Ep. #7 Extended versión (37:01 min.)
The House that ragons Bulit Ep. #8 Extended versión (25:40 min.)
Family Tree (5:22 min.)
Nos muestran la historia el linaje e los Targaryen. Para muchos es un galimatías de nombres, siempre asociados al de sus dragones. Aquí se establece una genealogía plagada de… “anécdotas famliares”.
Divided Kingoms (9:10 min.)
La guerra por el trono de hierro parte en dos todo Westeros. En este documental vemos a todos los bandos y sus alineamientos.
The curse of Harrenhal – extended (7:53 min.)
Una de las partes más interesantes de esta segunda temporada es la etapa de Daemon en Harrengal, la fortaleza que conocimos en ruinas durante ‘Juego de Tronos’. Para muchos puede ser el reportaje más jugoso.
La última temporada de ‘The head’, la tercera parte, llega a Max el próximo 19 de diciembre. Su estreno coincidirá por poco en el tiempo con su lanzamiento en Estados Unidos ya que por franjas horarias no puede ser simultáneo. Pero el día 20 ya la podrán haber visto en toda América Latina, España y Portugal.
La serie de THE MEDIAPRO STUDIO y con Hulu Japón, es hoy por hoy una de las principales franquicias internacionales de estas productoras, destacada por la revista Variety como una de las mejores series de 2022. La tercera y última temporada fue de las pocas series presentes en el último Festival de Sitges, teniendo allí su presentación mundial y contando con su equipo, entre el que se hallaba el actor John Lynch.
Creada por Ran Tellem, director de Contenido Internacional de THE MEDIAPRO STUDIO, prosigue con la investigación de Rachel (Olivia Morris) que cree haber dado con la toxina que contaminaba las algas. Una vez modificadas éstas genéticamente, y tras testarlas en animales, es el momento de probar con humanos. Para ello ha seleccionado a cinco voluntarios de distinta condición dispuestos a ejercer de cobayas a cambio de una sustanciosa cantidad de dinero. Todo parece ir bien hasta que una nueva muerte y la desaparición de nuevo de una cabeza conviertan una vez más el remoto escenario en una pesadilla.
En el reparto hay nombres tanto nacionales como internacionales. Repiten John Lynch (Blue Lights, La Caza) y Katharine O’Donnelly (María, reina de Escocia) y otros nombres incorporados en anteriores temporadas como OIivia Morris (‘Hotel Portofino’), Ben Cura (‘La Reina Carlota: Una historia de los Bridgerton’) y Olwen Fouéré (‘El hombre del norte’, ‘The Crown’). Se unen Clara Galle (‘El Internado Las Cumbres’), Stanley Weber (‘Borgia’), Nine D’Urso (‘Balenciaga’) Ned Dennehy (‘Outlander’), Godehard Giese (‘Babylon Berlín’), Sara-Marie Maltha (‘The Killing’), John Kavanagh (‘Los Tudor’) y Atsuro Watabe (‘Las Flores de la Guerra’), entre otros.
El rodaje se llevó a cabo entre los meses de noviembre de 2023 y enero de 2024 en distintas localizaciones de Madrid, Almería, Tenerife y Segovia.
La España de los trapicheos y los secretos retratada sin sorpresas en ‘1992’
Tras el fantástico demoníaco de ‘30 monedas’ que HBO Max dejó en un coitus interruptus, Álex de la Iglesia estrena el 13 de diciembre una serie de seis capítulos de 45 minutos con Netflix. ‘1992’ es el sencillo título para esta serie con tintes policíacos y de cine negro ambientada a caballo entre Madrid y Sevilla, entre nuestra actualidad y el año de la expo universal. No es la primera vez que el director viaja al pasado (‘Muertos de risa’ o ‘Balada triste de trompeta’ retrataban etapas clave en la historia de España) y ahora ha escogido uno de los años más brillantes de nuestra historia reciente.
El año de las Olimpiadas de Barcelona, la primera Copa de Europa del Barça, el tratado de Maastricht, la II Cumbre Iberoamericana en Madrid, los 500 años del descubrimiento de América y por supuesto la Expo de Sevilla, sirve como continuo referente para una historia policial que podría sumarse a otras producciones recientes que mezclan el drama, los temas oscuros o los crímenes escabrosos como ‘La novia gitana’ o ‘Reina Roja’, dirigidas por Paco Cabezas y Koldo Serra, respectivamente. Directores que tienen denominadores comunes con Álex de la Iglesia, como es la locura en sus historias o los personajes trastocados, rondando lo extravagante e incluso deformes. Está claro que el neo-noir (si se me permite enmarcar ‘1992’ en ese género) nos sale bien en España, pero ¿cómo de recalcable es esta nueva serie?
En 1992 se aprobó la Ley Orgánica sobre protección de la seguridad ciudadana (la que el PP sustituyó por la Ley Mordaza). Irónicamente en esta serie nadie está a salvo y está claro que alguien guarda un secreto como si su boca tuviese puesto un candado. A causa de ello un asesino quema a sus víctimas y deja como firma un muñeco de Curro, la mascota de la Expo Sevilla ‘92, para los lectores de la generación alpha que me puedan estar leyendo. Recordemos también que un incendio devastó el Pabellón de los Descubrimientos de la Expo ‘92 antes de su inauguración. Por desgracia, conociendo esta negra efeméride, sabemos desde el principio buena parte del detonante que ha activado a este pirómano serial killer. No hay mucha sorpresa en su giro de guión, la verdad.
La serie arranca en nuestros días, en Cobo Calleja, con una brutal explosión y marcándonos desde el comienzo que vamos a estar rodeados de oscuridad. Los escenarios interiores, las noches investigaciones y las inclemencias del tiempo están representados por un etalonaje casi desaturado del todo, roto solo por el rojo anaranjado del fuego y los arcoíris de Curro. Unido a esto hay que reconocer que si en algo acierta ‘1992’ es en su puesta en escena, ofreciéndonos una buena colección de churruscados que van desde una especie de Deadpool hasta poses propias de la Pompeya más tremebunda.
Netflix tiene una cadencia de estrenos tremenda y casi siempre que hablamos de una decepción en su plataforma se debe a que sus producciones están hechas con prisas. No se si será el caso de ‘1992’ pero la sensación que tenemos durante sus pesquisas y persecuciones es que estamos viendo un caso más de una serie tipo ‘CSI’, ‘FBI’ y similares franquicias que sacan capítulos como churros. Se nota la mano y el estilo de ‘Álex de la Iglesia’ pero la trama tiene mucho relleno, momentos injustificados o erráticos y como acompañamiento una de las peores bandas sonoras que le he oído a Roque Baños.
Me gusta más lo que nos ofrecen Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría cuando introducen temas fantásticos. La serie cae en una monotonía tan estándar que no hay espacio para la sorpresa, salvo la que trae consigo el personaje de Gorka Lasaosa, cuyo tratamiento o progresión sí que sale de la norma. Como siempre nos traen un retrato esperpéntico de nuestro país y en ‘1992’ se intuye una crítica a la España de los tinglados y los chanchullos, lo cual quizá es algo que tenía que estar sí o sí al estar impregnado en nuestro ADN institucional. Pero más allá de eso no hay mucha diferencia con un episodio de ‘Mentes criminales’, por citar una de las que se emiten en los canales lineales. Ojalá poder estar diciendo que les ha salido una buddy movie tipo ‘True detective’ o ‘Los casos del departamento Q’, pero en esta ocasión, para mí, no hay acierto.
Del destape al streaming. La cosificación como herramienta y/o como lacra
La miniserie ‘¿Yo fui mujer florero?’, disponible enHBO Max el 12 de diciembre, es mucho más que un nostálgico viaje a la televisión española de los años ochenta y noventa. Esta producción de Jordi Évole y Ramón Lara es una incisiva crítica que desmenuza cómo la pequeña pantalla convirtió a la mujer en un objeto decorativo, un adorno visual para engatusar audiencias y perpetuar una dinámica de poder basada en la cosificación femenina. Bajo la dirección de Rafa de los Arcos, esta producción logra un balance entre el análisis histórico y la introspección social, ofreciendo un espejo incómodo para quienes crecieron viendo o siendo parte de este fenómeno como algo natural o incluso divertido.
La normalización de la cosificación. La televisión de aquellos años no fue inocente. Con la llegada de las cadenas privadas en 1990 y el estilo que impuso Telecinco bajo la dirección de Valerio Lazarov, las «mujeres florero» se convirtieron en la fórmula mágica para competir en el mercado televisivo. Curiosamente la serie nos hace ver que se han invertido las tornas. Mientras que una cadena privada hace su propaganda y muestra una imagen rancia, en la pública otros aciertan a acercarse a los verdaderos jóvenes. Por entonces la lucha por el prime time se convirtió en programar hasta saturar a bailarinas como las Mama Chicho o las Cacao Maravillao, concursos cargados de sexualización, azafatas como las del ‘1,2,3… responda otra vez’ convertidas en iconos de belleza… Representaron un modelo donde el físico femenino era el eje principal de la narrativa. Este enfoque, heredado de la televisión italiana y del destape de los años setenta, consolidó un sistema que trivializaba la figura de la mujer, relegándola a un papel superficial e instrumental. Me sorprende que no se hable de los programas de José Luis Moreno.
El documental cuestiona si esta cosificación era plenamente consciente o simplemente un reflejo de una sociedad que aún digería los cambios sociopolíticos tras la Transición. Lo que resulta evidente es que estas dinámicas reforzaron el machismo mediático, justificándolo bajo el manto del entretenimiento. La inclusión de imágenes históricas y entrevistas con las protagonistas de la época no solo da voz a las mujeres que vivieron esa realidad, sino que también destapa las contradicciones de un modelo que, aunque criticado, aún persiste en formas más sutiles o asumidas. Alguna pocas reconocen doloridas haber sido mujer objeto, para otras no hay polémica, solo un mal de época.
Una reflexión necesaria. Uno de los aciertos de ‘¿Yo fui mujer florero?’ es dar espacio a múltiples opiniones. La serie incorpora voces externas que con la perspectiva del tiempo aportan un análisis crítico que contextualiza el fenómeno dentro de la evolución social y mediática de España. Por otro lado, los testimonios de mujeres como Ivonne Reyes, LoretoValverde o Miriam Díaz-Aroca desnudan las emociones y los dilemas de quienes encontraron en ese sistema tanto una oportunidad como una limitación. Deambulando entre esas dos orillas ‘¿Yo fui mujer florero?’ corre el riesgo de perder el norte cuando de repente pone a todos los cargos, productores, directores y presentadores casi a la altura de Harvey Weinstein. Irónicamente oímos posturas y palabras que sostienen aquellas que hoy en día no tienen mucha diferencia con las que se ganan la vida en OnlyFans o los que dan audiencia a A3 por ver el modelito de Cristina Pedroche en nochevieja.
El documental no se limita a denunciar; también examina cómo muchas de estas mujeres revalorizaron su papel, destacando su trabajo y profesionalismo pese a las circunstancias. Sin embargo, no oculta las sombras: la exposición a actitudes sexistas, la presión por cumplir estándares de belleza inalcanzables y el ninguneo de su capacidad intelectual fueron parte del precio a pagar en una industria que las veía como piezas intercambiables de un engranaje comercial. También atina a remarcar que de entonces a ahora no hay tanta diferencia, cuando tenemos azafatas en ‘La ruleta de la suerte’ que hacen poco más que pasearse delante de un panel. El segundo episodio plantea una pregunta crucial: ¿hemos cambiado realmente como sociedad? Aunque los tiempos de las Mama Chicho parecen lejanos, las prácticas de cosificación y el uso del físico femenino como reclamo no han desaparecido. Siguen presentes, aunque en formas más sistémicas y rentables, en la publicidad, la moda y las redes sociales. Este cuestionamiento convierte a ‘¿Yo fui mujer florero?’ en una pieza a difundir, un recordatorio de que las estructuras que se crearon entonces aún tienen ecos hoy.
Una serie con ritmo clásico en la que Eddie Redmayne luce con luz propia
Skyshowtime nos trae sin duda una de las series del año y es que ‘The day of The Jackal (Chacal)’ nos devuelve esas historias de espías que tanto nos gustan y sin duda, ese aire a cine clásico muy bien contado gracias a la gran interpretación de EddieRedmayne.
El juego del gato y el ratón que nos traen los dos grandes protagonistas de la serie, se consigue con el guion realizado por RonanBennett.
Basada libremente en la novela de FrederickForshyth, la serie sigue a un despiadado asesino británico conocido como el Chacal y la oficial de inteligencia encargada de capturarlo. Por distintos lugares del mundo, iremos conociendo más a este personaje que nos encandilará a todos.
Hemos tenido la oportunidad de ver los tres primeros episodios de esta primera temporada de 10 y ya se ha confirmado una nueva temporada. A España llega el día 6 de diciembre y la podremos ver gracias a Skyshowtime.
La elegancia de este personaje sin duda le viene como anillo al dedo a EddieRedmayne, que logra que empaticemos con este hombre al que le da igual todo, solo le importan sus negocios y su propia vida. En el fondo le divierte todo este juego que tiene con el personaje de LashanaLynch, la encargada de capturarle.
Pero no olvidemos al resto de reparto, entre ellos los españoles ÚrsulaCorberó y JonArias, que han conseguido un acento gaditano con mucho trabajo y que sin duda hacen un trabajo increíble en la serie.
También nos encontraremos con caras bien conocidas, como CharlesDance, NickBlood, BenHall, ChukwudiIwuji, EleanorMatsuura, LiaWilliams, SuleRimi, FlorisaKanara o CoreyJohnson, son algunos de los nombres de este gran reparto.
La acción de la serie está muy bien rodada, pero ya no solo eso, sino que las escenas de calma también. Y es que muchas veces estas escenas en las que los personajes viven su vida normal pueden ser tediosas y en este caso mantiene muy bien el equilibrio dando estas pausas cuando son necesarias. Al final nos interesa mucho la vida de los protagonistas y queremos saber lo máximo posible acerca de ellos para entenderlos.
Como he comentado, ese aire a cine clásico se palpa por todos lados, pero sobre todo gracias a una banda sonora bastante comedida y a la par que presenta, que nos imbuye en las aventuras de este asesino. El encargado de esta banda sonora es VolkerBertelmann, creador de la banda sonora de ‘Dune: Prophecy’ o ‘Sin novedad en el frente’ por la que ganó un Oscar.
Y no solo la banda sonora está muy cuidada, sino que también el vestuario, esos trajes realizados a medida que utiliza nuestro protagonista, su elegancia se deja ver hasta en los relojes que vamos viendo, tan necesarios como su arma, para calcular sus distintas huidas. Además, por supuesto del trabajo de prótesis que se han llevado a cabo durante la serie. Y es que nuestro personaje es un as del disfraz y vamos viendo como no solo es bueno en su trabajo, sino que también se podría haber dedicado a realizar maquillaje en cine. Y es que es bastante impresionante las diferentes caracterizaciones que le vemos al menos en los primeros episodios.
No he visto la serie antigua, ni me he leído la novela, pero sin duda puedo decir, que ‘Chacal’ es muy buena serie, tiene una historia muy interesante, un maquillaje muy cuidado y unas actuaciones potentes. Sin duda va a ser una de las series de las que más se hable a lo largo de este año y del próximo.
Impresionante, en su animación y en su llamada a coger el mando
15 episodios, ni más ni menos, son los que componen ‘Secret level’. Prime Video publicará en dos tandas desde el 10 de diciembre esta antología que se podría decir que hace un fanservice en cada una de sus entregas. Capítulos cortos, que van de los 7 a los 18 minutos, que hacen las delicias para todo tipo de jugadores y amantes de la animación. Detrás de esta ambiciosa y suculenta serie están los creadores de otra exitosa antología como es ‘Love, Death and Robots’, Tim Miller y Dave Wilson. En esta ocasión el material no es tan fresco ni original, puesto que cada historia parte de un conocido videojuego, pero eso no le resta ni potencia ni sustancia ya que cada una de las aventuras supone un bonus track a los juegos que tanto nos gustan. Sobre todo resulta apabullante la calidad de sus imágenes generadas por ordenador, a veces cuesta distinguir entre realidad y artificio. La única pega es que la animación varía poco entre capítulos, no hay mucho cambio de técnicas aunque si de tono.
Además, como regalo si la veis en versión original, escuchamos las voces de famosos como Arnold Schwarzenegger, Kevin Hart, Keanu Reeves, Temuera Morrison, Emily Swallow, Gabriel Luna, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Claudia Doumit y muchos más. Todos ellos prestan sus cuerdas vocales e incluso sus rostros para dar vida a personajes muy conocidos dentro del mundo gamer. Quizá los más puristas habrían querido la presencia de los dobladores que escuchábamos cuando cogíamos el mando, pero hay que reconocer que muchos de ellos provienen de juegos en los que no tenían diálogos.
¿Qué juegos aparecen en ‘Secret level’? Quizá sería más bonito dejarlo todo a la sorpresa, aunque tanto con el tráiler como con la imagen promocional ya vemos que hay historias basadas en ‘Mega Man’, ‘Unreal Tournament’, ‘Warhammer 40,000’ o ‘Armored Core’. Todo el mundo coincidirá en que es una pasada el capítulo que hace honor a los personajes de PlayStation aunque se echan de menos más protagonistas. Entre nuestros favoritos son obras tan apabullantes como la que se ambienta en ‘Dungeons & Dragons’, la que cuenta con Keanu Reeves o la que nos traslada a una auténtica película de acción como la que proviene del videojuego ‘Crossfire’. Sea como fuere, cada capítulo merece un apartado propio y al igual que hicimos en su día con las tres temporadas de ‘Love, death & robots’ os detallamos uno a uno sin spoilers. Podéis leer nuestras impresiones tras el tráiler.
‘Dungeons & Dragons: the queen’s cradle’ (estreno el 10 de diciembre)
Apabullante. Solo así puede describirse la calidad de este capítulo. Los personajes están recreados a un nivel increíble, pero sobretodo su gran ser mitológico nos quita el hipo pues su textura y sus movimientos traspasan la pantalla. De una belleza monstruosa pasará a ser una de las mejores recreaciones dentro del universo de D&D.
Clérigos, paladines, magos, liches… y por supuesto dragones. Es una aventura con mucha acción, magia y criaturas que a muchos va a recordar a los buenos momentos vividos leyendo historias como las de la Dragonlance.
¿Juego en que se basa? Dragones y Mazmorras
Técnica: 3D
Género: fantasía
Duración: 14 min. 47 seg.
‘Sifu: it takes a life’ (estreno el 10 de diciembre)
Blur studio, aquellos que nos dejaron boquiabiertos con el episodio ‘Jíbaro’ del volumen 3 de ‘Love, Death & Robots’, vuelven a trabajar con Tim Miller. En esta ocasión nos llevan a un oriente urbanita, en el que la tradición se mezcla con una jungla de asfalto repleta de neones. Consiste en una especie de John Wick sobrenatural. Su acción es vibrante e incluso tiene un poco de poesía, pero sobre todo destaca por su animación, ya que es uno de los pocos que no es puro 3D utilizando un estilo similar al de las películas del Spiderverse.
¿Juego en que se basa? Sifu
Técnica: tradicional más digital
Género: acción
Duración: 8 min. 41 seg.
‘New World: the once and future king’ (estreno el 10 de diciembre)
No es el único MMORPG que se adapta en ‘Secret level’, pero quizá si el único de Amazon Games. Gracias a esta aventura en la que un rey tiene que empezar desde cero cual ‘Age of empires’, Arnold Schwarzenegger vuelve a empuñar un espadón. Comedia y mucho respawn, una combinación que puede recordar a ‘Al filo del mañana’ pero en clave medieval y a tope de dismorfia muscular. Muy divertido, incluído el guiño a ‘Predator’.
¿Juego en que se basa? New World
Técnica: 3D
Género: aventura, fantasía
Duración: 13 min. 36 seg.
‘Unreal Tournament: Xan’ (estreno el 10 de diciembre)
Para muchos, incluído yo, ‘Unreal’ es uno de los shooter básicos y de cabecera. No era un juego especialmente seguido por su historia, pero si por su mezcla de acción con ciencia ficción, lo cual le brindaba la oportunidad de proporcionar a los jugadores arma casi tan locas como las del Half-Life.
Vivimos una rebelión de las máquinas en un mundo intergaláctico en el que la minería es de crucial importancia. Esta es una historia que cuenta con Elodie Yung y que a muchos puede recordar a ‘The running man’ o a cualquier otra historia de gladiadores. A mi en concreto me ha recordado también a Chappie.
¿Juego en que se basa? Unreal Tournament
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, acción
Duración: 17 min. 48 seg.
‘Warhammer 40.000: and they shall know no fear’ (estreno el 10 de diciembre)
Seguro que muchos meten este capítulo entre sus favoritos. Podría ser la antesala de lo que prepara Henry Cavil porque más que su calidad técnica hay que alabar cómo explota el imaginario y la iconografía del juego de figuras y estrategia. Nos hace viajar a ese futuro planetario de guerra y religión en el que se mueven los ultramarines.
Aparece un nombre tan conocido por los fans como Titus, pero el protagonista es otro, aquel al que pone voz Adewale Akinnuoye-Agbaje. Aún así hay que señalar que este es un capítulo sin apenas diálogos, una misión sin retorno de violencia aplastante y horrores espaciales.
¿Juego en que se basa? Warhammer 40.000
Técnica: 3D
Género: acción, terror, ciencia ficción
Duración: 18 min.
‘Pac-Man: circle’ (estreno el 10 de diciembre)
El Pac-Man es uno de los juegos más sencillos y adictivos de la historia. Ha tenido muchas reinvenciones y cameos en distintos medios hasta el punto de convertirse en icono de la cultura popular. ‘Secret level’ lo ha re-imaginado este laberinto como un extraño planeta hostil lleno de criaturas en las que el lema es “come o serás comido”. El clásico hombre gris, arquetipo de los extraterrestres, es el protagonista que se enfrenta a unos fantasmas diferentes. Presta su voz Aleks Le (‘Dorohedoro’, ‘Dandadan’).
¿Juego en que se basa? Pac-Man
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, terror
Duración: 10 min. 28 seg.
‘Crossfire: good conflict’ (estreno el 10 de diciembre)
El popular shooter de 2007 que enfrenta dos facciones mercenarias tiene un pedacito más de historia gracias a este corto. En este caso hay una misión de extracción que cumplir y ambos bandos se pelean por el contenido de un maletín, mientras que como en muchas películas, un temporal azota a los contendientes y desvía con la fuerza de su viento las balas. Es un corto repleto de momentos fotorrealistas y acción de esa que le encanta protagonizar a actores como Frank Grillo, Gerard Butler o Jason Statham.
¿Juego en que se basa? Crossfire
Técnica: 3D
Género: acción
Duración: 18 min. 2 seg.
‘Armored Core: asset magement’ (estreno el 10 de diciembre)
Los mechas de Armored Core alcanzaron hace tiempo el carácter de saga. FromSoftware hizo escuela con estos juegos antes incluso de la franquicia Souls. Desde el 97 hasta su sexta entrega lanzada en 2023 han brindado momentos de acción bestiales. Lo mismo podemos decir de su protagonista. Este corto cuenta con voz y rostro de un Keanu Reeves con cresta. El actor se conecta de nuevo a una máquina y está genialmente recreado. Un corto con mucha acción y algo un toque de mente perturbada.
¿Juego en que se basa? Armored Core
Técnica: 3D
Género: acción, ciencia ficción
Duración: 13 min. 12 seg.
‘The outer worlds: the company we keep’ (estreno el 17 de diciembre)
A pesar de transcurrir en un ambiente de ciencia ficción y haber criaturas fantasiosas es de los más realistas en cuanto a piel, pelo, ropa… Dispone de un pequeño toque victoriano o retro que puede recordar al ‘Bioshock’, algo que ya se diría en 2019 cuando salió a la venta. Es una historia de huérfanos con el mismo complejo de soledad de Luke Skywalker que podría haber escrito Charles Dickens de haber vivido en nuestros días. Sin duda de las entregas más graciosas y sensibles a la vez.
¿Juego en que se basa? The outer worlds
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, humor, drama
Duración: 17 min. 30 seg.
‘Mega Man: start’ (estreno el 17 de diciembre)
Probablemente será uno de los juegos de plataformas más comprados y/o jugados de la historia por detrás de gigantes como Sonic y Super Mario Bros. Para quien no lo conozca, básicamente es un niño con cañones en las manos que va eliminando robots malvados. Su mecánica es sencilla y el cortometraje que ha tenido en ‘Secret level’ también. Básicamente han recreado una historia de orígenes.
¿Juego en que se basa? Mega Man
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción
Duración: 7 min. 8 seg.
‘Exodus: odyssey’ (estreno el 17 de enero)
Relativismo e historia familiar. Es la aventura de un padre por encontrar a su hija a través del cosmos con todo el tiempo y la distancia en su contra. Una space opera en miniatura inspirada en el juego del que se dice que con el tiempo será el sucesor del ‘Mass Effect’, el mismo que en las consolas cuenta con Matthew McConaughey y aquí dispone de las voces de Nikko Austen Smith y Michael Beach.
¿Juego en que se basa? Exodus
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, drama
Duración: 14 min. 12 seg.
‘Spelunky: Tally’ (estreno el 17 de diciembre)
Probablemente sea uno de los más cortos e insustanciales de la serie. Una suerte de ‘Indiana Jones’ o ‘Tomb Raider’ infantil en el que una niña intenta superar las pruebas de un lugar repleto de trampas y tesoros. Lleva a otro nivel el laberinto de plataformas que es el juego pero poco más. Si acaso sirve como homenaje a esas horas que hemos empleado en pasar juegos basados en el concepto de quemar vidas a base de repetir escenarios.
¿Juego en que se basa? Spelunky
Técnica: 3D
Género: aventura
Duración
‘Concord: tale of the implacable’ (estreno el 17 de diciembre)
Probablemente el más humorístico de toda la antología. Se nota que es gamberro y moderno, que es un lanzamiento reciente de PS5. Básicamente un equipo de mercenarios o de oportunistas espaciales quiere rescatar a uno de los suyos. Alienígenas, naves, persecuciones y momento de torpeza cómica. Es evidente decir que a muchos recordará a ‘Guardianes de la Galaxia’. Viendo este corto, con su acción y su comedia, uno se hace a la idea de cuál es la dinámica del videojuego y dan ganas de hacerse con él.
¿Juego en que se basa? Concord
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, comedia
Duración: 17 min. 2 seg.
‘Honor Kings: the way of all things’ (estreno el 17 de diciembre)
Para estar inspirado en un juego tipo arena de batalla, como el LOL para los no familiarizados con la terminología, es de los más tranquilos de todo ‘Secret level’. Un duelo intelectual y filosófico entre un hombre y una máquina, una especie de desafío impuesto por una suerte de Mago de Oz mecánico, ocupa la trama. El episodio básicamente retrata el espíritu del juego más allá de sus personaje o mecánicas de juego. Comparado con el resto de cortos sale perdiendo ya que sus personajes parecen demasiado a figuras anime HQS.
¿Juego en que se basa? Honor Kings
Técnica: 3D
Género: fantasía ciencia ficción
Duración: 17 min. 14 seg.
‘Playime’ (estreno el 17 de diciembre)
Kevin Hart e hija ponen voz a los protagonistas del único corto de ‘Secret level’ que se basa más de un juego de PlayStation. Muchos cogerán la referencia del ‘Radikal bikers’ cuando vean que se trata de un delivery que tiene que cumplir la misión de hacer una entrega a domicilio. La protagonista se ve inmersa en una trama de persecución y ciencia ficción disparada en la que aparecen muchos personajes de la videoconsola de Sony. Es un homenaje a PlayStation que podría haber tenido muchas caras conocidas, que como crossover no está del todo bien justificado, pero que quizá busca evitar convertirse en otro Ready Player One. Un capítulo que tenía que estar ahora que PlayStation cumple 30 años.
Un Frankenstein de esos con los que James Gunn se siente cómodo
Volvemos a Belle Reve, ese paraíso tropical de delincuentes con implantes explosivos. Esta vez, bajo el nombre de ‘Creature Commandos’ y no de ‘Escuadrón Suicida’ nos sumergimos en un mundo donde los supervillanos tienen colmillos, branquias y un contrato tácito con lo inmoral. Si creías que el ‘El Escuadrón Suicida’ ya era un circo, prepárate para ver cómo los payasos se convierten en monstruos, literalmente. James Gunn ha optado por el camino de la violencia, la mofa y lo estrafalario para iniciar su andadura en DC Studios. Tras el remake que pulverizó la película de David Ayer, la tremenda serie ‘El Pacificador’ que está cerca de una segunda temporada y la versión animada ‘Escuadrón Suicida Isekai’, llega a Max una nueva serie de dibujos de 7 episodios de emisión semanal que se estrena el 5 de diciembre.
‘Creature Commandos’ es como si James Gunn hubiera desempolvado su colección de la Hammer y hubiera decidido usar todo lo posible sin importar cuán bizarra queda la mezcla. No me cabe duda de que el director y guionista aprovecha para saciar su nostalgia con estos nuevos personajes, homenajear a títulos como ‘Tiburón’, ‘Salvar al soldado Ryan’ e incluso ‘La quimera del oro’ y sacar a relucir todo aquello con lo que se regodeaba en sus primeros pasos cuando aprendía en la escuela de la Troma.
La serie avanza con capítulos que combinan acción frenética, humor negro y un trasfondo emocional inesperado. Cada episodio no solo empuja la narrativa principal (que mantiene la conexión con lo sucedido en Corto Maltese), sino que profundiza en los personajes. Desde una mujer anfibio que tiene más traumas de los que un psicólogo puede manejar, hasta un robot soldado que parece un primo lejano del Robot Man de ‘Doom Patrol’ o un esqueleto fluorescente que puede recordar al Doctor Manhattan, cada miembro del escuadrón tiene su momento para brillar… o morir salvajemente. Y hablando de muertes, aquí la creatividad es el único límite: explosiones, decapitaciones, gente derretida por doquier… Nadie está a salvo, ni siquiera tus expectativas.
La animación, aunque dinámica y llena de acción, tiene un aire de artificialidad digital que puede desconectar a los más puristas. Parece más una pieza promocional de un videojuego que una serie animada con alma, pero su ritmo endiablado lo compensa. Eso sí, el opening pone el tono perfecto entre lo absurdo y lo épico, como pasaba con ‘El Pacificador’, como si estuvieras a punto de ver a un grupo de monstruos bailar salsa en plena misión. De hecho esto sucede pues lo único que se recupera del filme de David Ayer son los momentos musicales, pero elevados a un tono mucho más disparatado y juerguista, como si se tratase de un videoclip del grupo de gypsy-folk-rock, The Hatters.
Comparar ‘Creature Commandos’ con otras historias es difícil. Si acaso por cercanía cabe cuestionar si es mejor que ‘Suicide Squad Isekai’. Realmente es como debatir cuál es el mejor sabor de helado raro: anchoas o wasabi. Esta nueva serie es más “coherente”, sí, pero sigue siendo un desfile de locura que se ríe en la cara de la lógica. Y eso lo hace terriblemente entretenido, con mejores gags que su predecesora.
Rick Flag regresa como líder mientras Amanda Waller, aunque mucho menos presente, sigue moviendo los hilos como si fuera el Dios de un retorcido juego de Sims. Ellos dos ponen el único factor cabal dentro de una locura difícil de gobernar al disponer de unos protagonistas tan variopintos, tanto en la ficción como cuando nos planteamos el producto de entretenimiento. No podemos ignorar el desfile de voces de estrellas y amigos de Gunn, que dan vida a estos personajes. Funcionan porque todos aquí parecen estar pasándolo bomba mientras improvisan una línea más loca que la anterior, poniéndose al servicio de lo grotesco e irreverente. En el reparto encontraréis nombres que ya habían entrado en este universo o se incorporan como Indira Varma, Frank Grillo, Zoë Chao, AnyaChalotra, DavidHarbour, AlanTudyk, ViolaDavis o SeanGunn.
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