Pasa el test del polígrafo y adapta manteniendo la verdad del original
‘Los casos del Departamento Q’ ya son conocidos en España tras sus seis películas estrenadas que surgen de las 10 novelas escritas por Jussi Adler-Olsen. El reparto cambió tras la cuarta, también el director y guionistas pero más o menos la sintonía se mantuvo aunque se perdió el toque neo noir. Ahora tenemos una nueva interpretación bajo la mirada del director Scott Frank (guionista de ‘Logan’ y autor de ‘Gámbito de dama’) y la guionista Chandni Lakhani (escritora de las nada desdeñables ‘Vigil’ y ‘Dublin Murders’) que retoma la oscuridad inicial.
El detective Carl Mørck y su asistente Assad son los protagonistas habituales en este thriller de suspense policíaco. La serie que estrena Netlix el 29 de mayo y cuenta con la cara más conocida de todas las adaptaciones hasta la fecha, Matthew Goode (‘Watchmen’, ‘The imitation game’) como Carl Mørck. Y en esta ocasión quien interpreta a su ayudante es Alexej Manvelov, a quien puede que hayáis visto en otra adaptación televisiva de novelas como ‘Jack Ryan’. Nota para los lectores de las novelas, este es el personaje de Assad pero le han cambiado el nombre a Akram Salim. Este cambio se produce en el ámbito de una nueva versión ambientada en Edimburgo, Escocia, en lugar de Dinamarca. Modificación en el contexto como parte de la adaptación cultural y geográfica, lo cual, es una estrategia para acercar la historia a una audiencia angloparlante. Y esto se consigue sin desdibujar la esencia y los personajes de Adler-Olsen. El toque escocés mantiene la oscuridad, el frío, los colores apagados y los cielos grises, aportando solo ciertos matices culturales.
La serie rebobina las películas y vuelve al punto de partida, adaptando de nuevo la primera novela, ‘La mujer que arañaba las paredes’ y con ello nos cuenta el origen de la relación de Mørck con el Departamento Q, una sección la policía destinada a un sótano que se encarga de casos irresolutos y que a menudo se utiliza como cortina de humo en un sistema policial bastante exiguo y que el protagonista se toma como una manera de mandarle a la nevera. Retornamos a las mismas temáticas por lo que ‘Dept. Q’ acierta en su planteamiento. La ineficiencia y la burocracia policial, la redención personal, la resistencia psicológica en condiciones extremas, las relaciones interpersonales entre opuestos y la siempre delgada línea que separa venganza de justicia son las temáticas recurrentes.
‘Dept. Q’ mantiene fielmente el espíritu del primer libro, combinando una narración en dos tiempos: por un lado, la investigación oficial, por otro, los angustiosos pasos de la mujer desaparecida, lo que aporta tensión constante. Desde la primera escena, impactante y directa, se nota una apuesta por elementos visuales modernos, como ciertos usos del found footage, que actualizan el tono sin traicionar el suspense escandinavo original. Matthew Goode, acostumbrado a papeles de galán, sorprende gratamente con un cambio de registro: interpreta a Carl Mørck como un profesional brillante pero emocionalmente destrozado, al estilo del House más misántropo o del Sherlock de Cumberbatch, con ese encanto malhumorado que lo lleva a ser sarcástico, destructivo y, sin embargo, entrañable, del tipo que aparca en la plaza de discapacitados sin remordimiento, pero que igual se hace querer.
La clave del éxito radica en el carisma de los protagonistas y la relación tipo Holmes-Watson entre Carl y su compañero que aporta calidez, ingenio y un pasado misterioso que los fans de los libros reconocerán. Su relación empieza con frialdad: Carl se muestra cínico y desconfiado, pero Assad —o Akram, en esta versión— se gana su respeto poco a poco, a base de intuición, trabajo y sentido del humor. Esa tensión entre personalidades opuestas, sumada al ácido sarcasmo con el que enfrentan los casos, es lo que hace tan única esta pareja. Ojalá Netflix no cancele la serie y podamos ver cómo se desarrollan más historias del Departamento Q, porque lo que han sembrado aquí promete mucho.
En resumen. Se mantiene el carácter de los personajes principales, se respeta el tono sombrío y emocional, se traslada el conflicto personal y psicológico del caso central y se conserva la crítica al sistema y la narrativa dual. ‘Dept. Q’ pasa el test del polígrafo.
Por gustarme me ha gustado hasta el opening, conciso, corto y toda una declaración de intenciones. Si te gusta tanto como a mí, aquí tienes una guía enumerando las películas sobre ‘Los casos del Departamento Q’:
Después de meses de especulación y un meticuloso proceso de preproducción, HBO Max ha revelado a los actores que encarnarán al icónico trío protagonista en su nueva serie basada en los libros de ‘Harry Potter’. Los debutantes Dominic McLaughlin, Arabella Stanton y Alastair Stout asumirán los papeles de Harry Potter, Hermione Granger y Ron Weasley, respectivamente. Tal y como dicta la tradición en las producciones que adaptan estos libros, los tres intérpretes son británicos.
Ya conocimos en 2024 quiénes dirigirían y escribirían la serie, por lo que este anuncio llega tras más de un año de preparación por parte del equipo creativo, que ha trabajado intensamente en el desarrollo de guiones, diseño de producción, y planificación de casting. La serie, concebida como una adaptación fiel y extensa de las novelas escritas por J.K. Rowling, ha estado en gestación desde que HBO Max anunció el proyecto en 2023 como una de sus apuestas más ambiciosas de contenido original. La serie cuenta con la escritora pero solo como productora ejecutiva, tal y como declaró el director ejecutivo de HBO y Max Content, Casey Bloys.
La showrunner Francesca Gardiner y el director MarkMylod, ambos también productores ejecutivos, han compartido su entusiasmo por el talento descubierto durante las pruebas de casting. “Después de una extraordinaria búsqueda encabezada por nuestras directoras de casting Lucy Bevan y Emily Brockmann, estamos emocionados de haber encontrado a nuestros Harry, Hermione y Ron. Estos tres actores tienen una energía especial que traspasa la pantalla, y estamos convencidos de que emocionarán a los fans de todo el mundo. Queremos agradecer a los miles de niños que participaron en el proceso, ha sido increíble ver cuánta pasión y talento existe entre las nuevas generaciones”, han declarado.
La producción, realizada en asociación con Brontë Film and TV y Warner Bros. Television, tiene previsto comenzar el rodaje a finales de 2025. Cada temporada cubrirá uno de los libros originales, lo que permitirá un nivel de detalle narrativo que no fue posible en las películas. El objetivo de la serie es no solo cautivar a los fanáticos de toda la vida, sino también atraer a nuevas audiencias de todo el mundo. La plataforma HBO Max, que se expandirá próximamente a territorios como Alemania, Italia y el Reino Unido, será el hogar exclusivo de esta nueva versión del Mundo Mágico.
Mientras tanto, las películas clásicas seguirán disponibles globalmente en HBO Max, ofreciendo a los espectadores la oportunidad de revivir la historia cinematográfica mientras se preparan para una nueva era de magia en la pequeña pantalla.
El 22 de mayo llega a nuestras pantallas ‘Sirenas’. Miniserie de 5 episodios con Julianne Moore y Kevin Bacon como dos de sus grandes protagonistas.
Devon necesita a su hermana, una joven que desapareció de sus vidas hace años y que lo único que hace al pedirles ayuda es mandarles una gran cesta de frutas. Con esto, Devon se marcha a pedirla explicaciones y descubre que es una especie de secretaria de una millonaria que vive en una isla y se dedica a un gran vivero con grandes especies voladoras.
Me ha encantado, me ha entretenido muchísimo y la verdad que engancha desde el principio. La serie viene de un libro y una obra de teatro llamada ‘Elemeno Pea’, de Molly SmithMetzler, creadora y guionista de la serie. Junto a ella, han adaptado el guion Colin McKenna y Bekah Brunstetter.
‘Sirenas’ nos presenta un montón de personajes, secundarios y principales. Todos ellos con algo que esconder. Cada uno con sus pequeñas vergüenzas o incluso con grandes miedos. Personas que intentan sobrevivir a un pasado que no aceptan y del que no pueden escapar.
Además, nos muestran lo fácil que es manipular a la gente y que hagan lo que uno quiere. El título de echo va por ahí, de como estas tres mujeres, con sus problemas y sus miedos, logran manipular, queriendo y sin querer a todo el mundo a su alrededor. Como cual sirenas hechizan a sus anchas para conseguir todo lo que quieren.
La serie tiene una banda sonora muy calmada y con melodías tarareadas por mujeres algo que le da más misticismo a la historia. Eso y la fotografía, tan perfecta, tan limpia y brillante logran que veamos todo muy idílico.
Un gran trabajo en equipo en general, pues el vestuario y maquillaje es perfecto. Perfecto si vives todo el día con un peluquero en casa, pero es exactamente lo que nos pide la serie, que todo sea perfecto, que estas mujeres se vean perfectas casi todo el rato.
Meghann Fahy (‘Your Monster’ o ‘The White Lotus’), Milly Alcock (‘La Casa del Dragón’, ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’) son las encargadas de dar vida a estas dos hermanas que se van a tener que aguantar durante un largo fin de semana, una intentando sacar a su hermana de aquella isla y la otra intentando hacerla desaparecer de nuevo. Ambas están estupendas. El papel de Milly Alcock, tan frágil y a la vez fuerte sin duda ha sido mi favorito.
Junto a ellas la gran Julianne Moore, que nos trae un personaje muy misterioso, lleno de candor y a la que todo el mundo sigue sin pestañear.
Kevin Bacon, Glenn Howerton, Bill Camp, Britne Oldford, Trevor Salter, Josh Segarra, Lauren Weedman, Patrick Voss Davis, Jenn Lyon, Erin Neufer y Felix Solis son parte de este gran reparto. Éste último, Felix Solis, hace uno de los mejores personajes de la serie. José, alguien secundario pero que se conoce todos los entresijos de esa gran isla.
‘Sirenas’ es un buen producto y que os aseguro os quedaréis con ganas de más. Si comenzáis a verla no vais a parar, la verdad que se hace muy cortita y ese humor tan ácido que tiene sin duda es un gran acierto.
La esperada segunda temporada de ‘Nine Perfect Strangers’ llega mañana a Prime Video con un lanzamiento doble (excepto en EE. UU.), seguido de un episodio semanal. Esta nueva entrega traslada su misteriosa historia a los impresionantes paisajes alpinos de Zauberwald, donde nueve desconocidos se reúnen para participar en un retiro de bienestar muy poco convencional.
Bajo la dirección de la enigmática gurú Masha Dmitrichenko (Nicole Kidman), los nuevos participantes se someten a una terapia psicodélica que promete transformar sus vidas. Durante una intensa semana, Masha los empuja al límite con el objetivo de sanarlos… incluso si eso significa enfrentarse a sus propios demonios. ¿Podrán superar la experiencia? ¿Logrará ella también sanar?
El reparto de esta segunda temporada de ‘Nine perfect strangers’ incluye a Nicole Kidman (‘Holland’), Henry Golding (‘Daniela Forever’), Lena Olin (‘Upgrade: Primera clase’), Annie Murphy (‘Black Mirror’), Christine Baranski (‘The Good Fight’), Lucas Englander (‘Parlamento’), King Princess (‘V Wanna Know’), Murray Bartlett (‘The White Lotus’), Dollyde Leon (‘Ghostlight’), Maisie Richardson-Sellers (‘Wolf Hall’), Mark Strong (‘Dune: La profecía’) y Aras Aydin (‘La fuga’).
La serie está creada por David E. Kelley y cuenta con la producción de Made Up Stories (Bruna Papandrea), Blossom Films (Nicole Kidman) y FIFTH SEASON, que además se encarga de su distribución global. Entre los productores ejecutivos figuran David E. Kelley, Nicole Kidman, Per Saari, Bruna Papandrea, Steve Hutensky, Molly Allen, Jonathan Levine, Rachel Shukert, Liane Moriarty, Matthew Tinker, Anthony Byrne y JH Butterworth.
Apocalipsis, aliens, demonios, los Red Hot Chili Peppers y por supuesto… muchos gatos
En el mundo de las antologías animadas para adultos, ‘Love, Death & Robots’ ha conseguido un lugar destacado gracias a su combinación de narrativas provocadoras, animación de vanguardia y exploraciones temáticas que oscilan entre lo filosófico, lo distópico y lo cómico. Creada por Tim Miller y producida ejecutivamente junto a David Fincher, esta serie antológica ha sido aclamada por su capacidad de sorprender constantemente y desafiar las expectativas.
La cuarta temporada, bajo la supervisión de la directora Jennifer Yuh Nelson (‘Kung Fu Panda 2’, ‘Kill Team Kill’), vuelve a ofrecernos diez cortos innovadores. Con títulos que incluyen gladiadores, dinosaurios, gatos, mesías y a los Red Hot Chili Peppers, la temporada no decepciona en su despliegue de imaginación ni en su crítica social y tecnológica.
Como con las temporadas 1, 2 y 3 detallamos a cada uno de los diez episodios que componen la temporada sin spoilers.
CAN’T STOP (6 min.)
Los Red Hot Chili Peppers recreados con marionetas que a la vez están animadas en 3D. Con las voces de Anthony Kiedis, Flea, John Frusciante y Chad Smith y dirigida por el propio DavidFincher que rememora sus orígenes como director de videoclips. Es una recreación del concierto celebrado en 2003 en Slane Castle, Irlanda.
Del título ‘Love, death and robots’ coge tan solo la palabra amor. Amor por los que gusten de la animación y de los funkos cabezones o las marionetas. Y por supuesto porque este es un gustazo que se ha dado Fincher que también puede ser un placer para los fans que no hayan ido nunca a uno de sus conciertos. Pero sin duda debe haber sido una pesadilla logística para los trabajadores de Blur Studio, no por tener que hacer tantas masas de gentes, sino también por tener que recrear los cuatro hilos de cada marioneta.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: buena
Género: musical
CLOSE ENCOUNTERS OF THE MINI KIND (7 min.)
Llega el apocalipsis a ‘Love, death & robots’. Los debutantes Robert Bisi y Andy Lyon crean una invasión alienígena recreada a base de efectos tilt-shift que nos hacen aún más pequeños de lo que somos comparados con el universo. Si además nos regodeamos en nuestra propia estupidez, si demostramos que nuestro cerebro es pequeño o que lo empequeñecemos con el uso que hacemos de él, más insignificantes parecemos.
Por supuesto que recuerda a ‘Mars Attacks’ nada más que arrancar y hay también ecos de ‘Independence Day’ o ‘Guerra de los mundos’. Pero el hecho de parecer todo una maqueta animada hace de este cortometraje de Estudio Buck todo un divertimento diferente. Abducciones, sondas anales, discursos presidenciales… tópicos clásicos en las guerras conta OVNIS con un final… No se puede resumir más rápido y sencillo.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: muy buena
Género: comedia, acción, ciencia ficción
SPIDER ROSE (17 min.)
Jennifer Yuh Nelson, responsable del arte de películas como ‘Kung Fu Panda’, ‘Cómo entrenar a tu dragón 3’ o ‘El gigante de hierro’ nos trae una secuela de ‘Swarm’ el episodio estrenado en temporadas anteriores. Cyberpunk, acción y venganza son los ingredientes de este cortometraje que supone una nueva colaboración de la artista en la serie.
Una historia escrita por el querido y siempre imaginario Joe Abercrombie, el cual, se ha inspirado a su vez en una obra del autor de ciencia ficción Bruce Sterling. Muy mono el “Stich” que han creado, brutal el enfrentamiento y alucinante el universo visual que desplieta.
¿Tiene mensaje o reflexión?:
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: excelente
Género: ciencia ficción, drama, acción
400 BOYS (15 min.)
Muchos nombres en el título y muchas voces conocidas en el reparto de doblaje: JohnBoyega, Ed Skrein, Sienna King, Dwane Walcott, Rahul Kohli, Pamela Nomvete y AmarChadha-Patel. Tim Miller ha adaptado una historia de Marc Laidlaw que mezcla los códigos del bushido que usaban las mismísimas Tortugas Ninja con el salvajismo de un mundo post-apocalíptico. Una historia urbanita y underground repleta de bandas callejeras. Es como si ‘The Warriors’ se mezclase con ‘Los mundos de Gulliver’ o ‘Ataque a los titanes’, para los más jóvenes.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 2D y 3D
Calidad de animación: muy buena
Género: acción ciencia ficción
THE OTHER LARGE THING (9 min.)
Patrick Osborne (con guión de John Scalzi), cuyas animaciones nos ayudaron a entender el documental, ‘Q: Into the Storm’, se alía con el estudio AGBO en esta pequeña historieta en la que ese cumple lo que muchos pensamos: que somos esclavos de nuestros gatos. Una historia en la que cual ‘Pinky y Cerebro’, un gato y un robot planean conquistar el mundo a través de un pirateo a Internet. Como sucede con el capítulo ‘Close encounters of the mini kind’, nuestra estupidez aparece como el arma o vehículo para nuestra propia perdición.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: excelente
Género: comedia
GOLGOTHA (10 min.)
Uno de los varios episodios dirigidos por Tim Miller. Como productor de la serie se ha permitido salirse a la acción real y contar con Rhys Darby (el Anton de la película ‘Lo que hacemos en las sombras’). La trama es tan loca como podríais suponer con esta combinación pues un alienígena cree que su “Jesucristo” particular se ha reencarnado en la Tierra, pero no en un humano, sino en un delfín.
Luma Pictures mezcla imágenes reales con animadas de igual modo que se entremezcla el debate religioso y ético con lo cómico. Humor absurdo y menos carga intelectual de la esperada. El ‘Treehouse of Horror XI’ de ‘Los Simpson’ sacaba algo más de jugo a su invasión de mamíferos acuáticos. Únicamente extrae jugo a su título al emplear la palabra Gólgota como símbolo de la violencia religiosa desatada por la existencia de un mesías y el choque de culturas.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: acción real con 3D
Calidad de animación: excelente
Género: comedia, ciencia ficción
THE SCREAMING OF THE TYRANNOSAUR (14 min.)
Blur Studio, como tantas otras veces en ‘Love, death & robots’ anima otro corto de Tim Miller. La deshumanización es la protagonista ene la que unos snobs ricachones juegan con la genética para crear el gladiador perfecto y de ese modo salir victoriosos en unos combates que se celebran en un satélite en torno a Júpiter.
Sanguinolento, brutal y en un escenario similar al de ‘Elysium’. Podría ser un fragmento de la serie ‘Primal’. Lo que fue en el pasado, el pan y circo, el desprecio por la vida a coste del divertimento de otros puede seguir en un futuro lejano, por el simple hecho de que está en nuestra naturaleza. Puede recordaros a ‘The Maze Runner’, a ‘John Carter de Marte’ o a las flipaduras de Legolas sobre los mumakil.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: muy buena.
Género: acción
HOW ZEKE GOT RELIGION (15 min.)
Ya había animado en la segunda temporada, pero ahora el español Diego Porral, animador en el multiverso de Miles Morales o en ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, entre otros muchos trabajos que os dejarían sorprendidos, dirige este episodio animado por Titmouse. ¿Os acordáis de la historia de origen de Hellboy cuando es sacado del infierno por los nazis? Pues esta podría haber sido la misión que acabase con ese Proyecto Ragnarok pues unos pilotos de caza tienen que bombardear una iglesia en la que los alemanes preparan un rito.
Animación que recuerda al cómic europeo y a las películas de finales de los 90 e inicios de los 2000, aunque también hay algo más de Mignola en el aspecto visual. La Segunda Guerra Mundial nos rememora a series como ‘Los héroes del aire’
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 2D
Calidad de animación: excelente
Género: terror, acción
SMART APPLIANCES, STUPID OWNERS (8 min.)
En la edad media eran los sirvientes los que se quejaban de los nobles al encargarles las tareas más básicas en lo que siempre era un ejercicio de pereza y cero autosuficiencia. En el futuro que nos pinta ‘Love, death & robots’ son nuestros propios dispositivos y nuestro mobiliario inteligente el que sufre nuestra dejadez (cotidiana e intelectual). Una idea muy cachonda que va a hacer que miréis vuestros aparatos electrónicos de otra manera. ¿Alguno os ha calado?
Con las voces de Melissa Villaseñor, Ronny Chieng, Amy Sedaris, Kevin Hart, Josh Brener, Nat Faxon, Niecy Nash-Betts y Brett Goldstein.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: stop motion
Calidad de animación: buena
Género: comedia
FOR HE CAN CREEP (14 min.)
Con las voces de Dan Stevens y un mítico del doblaje en animación y videojuegos como JBBlanc, entre otros, nos sumergen en la historia más espiritual e infernal de esta temporada 4 de ‘Love, death & robots’. De las tres palabras del título muerte es la más presente pues se trata de un relato muy al estilo de E.A. Poe en el que el diablo insta a un poeta a escribir unas líneas que podrían acabar con el mundo. A este ritmo van a tener que agregar la palabra “cats” al título de la serie pues de nuevo nuestros felinos amigos tienen mucho peso en la historia.
Dirigido por Emily Dean, animadora en las LEGO películas o la película 3D de Scooby-Doo. 1757 no es una época muy habitual en ‘Love, death & robots’ a si es que solo por eso ya supone un punto distinto al resto, pero una manera algo floja de cerrar la temporada.
El 5 de junio volveremos a enfrentarnos a Don Ramón
Pocos nombres en la historia del entretenimiento latinoamericano han dejado una huella tan profunda como el de Roberto Gómez Bolaños, conocido mundialmente como Chespirito. Creador, escritor y actor, dio vida a personajes entrañables como ‘El Chavo del 8’ y ‘El Chapulín Colorado’, que trascendieron fronteras, idiomas y generaciones. Con su humor blanco, sencillo y cargado de ingenio y bobaliconería, Chespirito logró construir un universo televisivo que no solo hizo reír a millones, sino que también abordó, con ternura y humanidad, temas universales como la amistad, la pobreza, el valor y la solidaridad.
El 5 de junio Max estrena la serie biográfica sobre este icono de la cultura iberoamericana que llenó de risas muchas casas y nos acompañó durante nuestras meriendas. En ella veremos como cómo nace un legado y cómo el talento de un comediante consigue materializar el deseo de provocar sonrisas. El viaje nos llevará desde los 50 y los 80. Descubriremos qué sacrificios y a qué retos tuvo que enfrentarse Chespirito para abrirse paso en la incipiente industria televisiva.
Pablo Cruz es quien ha aceptado el nada trivial encargo de interpretar a Roberto Gómez Bolaños a.k.a. “Chespirito”y por supuesto a sus personajes el Chavo del 8, el Chapulín Colorado y el Dr. Chapatín. Le acompaña un casting que busca el parecido con la que fue su mítica compañía actoral: Paulina Dávila como Graciela Fernández, Bárbara López como Margarita Ruíz (Doña Florinda), Arturo Barba como Rubén Aguirre (Profesor Jirafales), Andrea Noli como Angelines Fernández (La Bruja del 71), Miguel Islas como Ramón Valdés (Don Ramón), Juan Lecanda como Marcos Barragán (Quico), Eugenio Bartilotti como Edgar Vivar (Señor Barriga y Ñoño), Paola Montesde Oca como María Antonieta de las Nieves (La Chilindrina), Karina Gidi da vida a Elsa Bolaños, Rolando Breme en el papel de Mariano Casasola y Jorge Luis Moreno interpreta a Horacio Gómez. El elenco se completa con Sebastián Moncayo como Ernesto Figueras, Iván Aragón encarna a Roberto Gómez Bolaños en su juventud, mientras que Macarena García interpreta a la joven Graciela Fernández y Dante Aguiar encarna al pequeño Roberto en su niñez, entre otros.
Respondiendo a al interrogante de si habrá apariciones del elenco original o de amigos de Chespirito, la respuesta es sí. Estarán presentes María Antonieta de las Nieves, Edgar Vivar, Roberto Gómez Fernández y Esteban Valdés (hijo de Ramón Valdés).
Ya sabemos que el próximo 27 de junio de 2025 llega por fin la temporada final de ‘El juego del Calamar’. En esta tercera temporada seguiremos a los supervivientes de todos los juegos anteriores y también los supervivientes de la pequeña rebelión que se llevó a cabo gracias a Seong Gi-hun.
El final como comentamos, ya está a la vuelta de la esquina y con ello hoy nos han deleitado con el tráiler de esta última temporada. Conoceremos también si Hwang Jun-Ho encontrará la isla o que va hacer la guardiana 11. Además veremos por fin en que consistirá la prueba con el nuevo muñeco Chul-su y si habrá algún tipo de juego junto a la muñeca Young-hee.
Aunque en mi opinión, la segunda temporada perdió un poco de fuerza (aquí mí crítica) admito que estoy deseando que llegue este final, pues al final es una serie que me entretiene mucho y que he logrado bastante cariño por varios de los personajes y eso es bastante difícil de conseguir.
Sin más que deciros, os dejamos el tráiler de esta nueva temporada, que nos muestra un final de temporada super interesante.
En un Japón repleto de Kaiju, Kafka Hibino trabaja como limpiador de monstruos. Tras reencontrarse con su amiga de la infancia, Mina Ashiro, una joven promesa de las Fuerzas de Defensa que luchan contra los Kaiju, decide intentar cumplir su antiguo sueño de unirse a las Fuerzas… cuando de repente se transforma en el poderoso Kaiju nº 8. Con la ayuda de un colega más joven, Reno Ichikawa, Kafka oculta su identidad mientras lucha por cumplir el sueño de su vida: aprobar el examen de las Fuerzas de Defensa y así poder estar al lado de Mina. Pero cuando un misterioso Kaiju inteligente ataca una base de las Fuerzas de Defensa, Kafka se enfrenta a una decisión crucial en una situación desesperada…
Crítica
Un pack básico pero sin profundidad
Realizada por Production I.G. y Toho, ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’ adapta al formato cinematográfico la exitosa serie que surgió del manga de Naoya Matsumoto que hoy en día está en curso y que comenzó su andadura en 2020. La propuesta no puede evitar recordar a referentes del género como ‘Pacific Rim’ o, evidentemente, a algunas versiones de ‘Godzilla’. En este mundo, la humanidad ya está curtida frente a ataques de kaijus y se entrena de forma específica para hacerles frente. Esta premisa remite, inevitablemente, a ‘Ataque a los titanes’, aunque el diseño de los trajes recuerda sospechosamente al de ‘Gantz’. El resultado es un batiburrillo de ideas prestadas que, aunque puede seducir al público más joven, no ofrece realmente nada nuevo.
Quizá lo más llamativo sea el protagonista, que tiene la peculiar capacidad de convertirse en uno de esos monstruos versión reducida, como si de una versión moderna de ‘Guyver’ se tratase. Esta transformación, además, parece estar lejos de ser casual, como sugiere el hecho de que su nombre sea Kafka, toda una referencia velada a la metamorfosis literaria.
La película, en sí misma, no es más que una condensación de la primera temporada del anime en apenas 90 minutos. 12 episodios de unos 25 minutos resumidos con cierta torpeza y coronados con un capítulo extra que, francamente, aporta poco: un simple gag durante un día de descanso en la rutina de Hoshina. Como suele ocurrir con este tipo de productos recopilatorios, el ritmo sufre. Los esquemas narrativos se repiten hasta el agotamiento y, además, hay saltos temporales y carencias de elipsis que descolocan más que guían. La progresión de los personajes se diluye y el espectador pierde la conexión emocional que probablemente si se encontrará en la serie.
En ese sentido, el filme parece pensado para los ya iniciados que buscan revivir la historia o para quienes quieren un resumen rápido antes de engancharse al manga o a las próximas temporadas del anime. ¿Es suficiente gancho el incluir un capítulo post-créditos? Probablemente no.
Visualmente, no se le puede reprochar demasiado. La acción está bien llevada, con explosiones de sangre a borbotones brotando de criaturas que podrían haber salido del catálogo de los Gormiti, con ese aire colorido y de formas híbridas. Como en tantos otros animes, el humor es simple, casi tontorrón, y entra por los ojos más que por la cabeza.
En última instancia, ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’ funciona porque bebe del videojuego en su estructura: desafíos crecientes, nivel de combate a trabajar, enemigos finales. También porque su historia conecta con esos sentimientos universales de sueños truncados, anhelos pasados y supervivencia a toda costa. Pero eso no lo hace una obra original ni especialmente destacada. Solo entretenida. Y, para algunos, eso puede ser suficiente.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: Kaiju No. 8: Mission Recon. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Shigeyuki Miya, Tomomi Kamiya. Guion: Ichirō Ōkōchi. Música: Yuta Bando, OneRepublic. Fotografía: Eiji Arai. Reparto principal (doblaje original): Ai Fairouz, Masaya Fukunishi, Tesshô Genda, Wataru Kato, Kengo Kawanishi, Keisuke Kômoto, Kenta Miyake, Sayaka Senbongi, Hiroyuki Yoshino. Producción: Production I.G. Distribución: Crunchyroll. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial:https://www.crunchyroll.com/es-es/series/GG5H5XQ7D/kaiju-no-8?
Una vez más El Eternauta trasciende generaciones y contextos
Por fin, uno de los grandes hitos del cómic llega a nuestras pantallas: ‘El Eternauta’. Su camino hacia la adaptación no ha sido sencillo, y al igual que ‘Dune’, durante años pareció una obra «maldita». Hubo intentos fallidos de llevarla al cine, versiones en animación rotoscópica avaladas por el propio autor que nunca se concretaron, y proyectos frustrados por conflictos de derechos, agendas o enfoques creativos. En 2018, incluso Álex de la Iglesia manifestó su intención de adaptar esta obra emblemática, con Ricardo Darín como posible protagonista. Aunque ese proyecto no prosperó, el deseo se ha hecho realidad de otra forma: Darín finalmente encabeza el elenco de la esperada serie dirigida por Bruno Stagnaro, una producción de seis episodios para Netflix en colaboración con K&S Films.
Una nevada letal y un pulso electromagnético bastan para que importe poco si la historia transcurre en 2025 o en los años cincuenta: la humanidad se ve empujada de nuevo a una especie de Edad Media. Confinamiento, caos y una desorientación generalizada tiñen la trama de una inquietante familiaridad, especialmente tras sucesos recientes como el apagón en España. Más que ver esta serie, da la sensación de que la hemos vivido. El cómic original ha influido tanto en el imaginario colectivo que, en muchos aspectos, parece haber anticipado nuestro presente. Como apuntamos en El Simbionte, quienes piensen que esta historia resulta predecible deberían recordar que fue escrita en 1957, con una fuerza política tal que llegó a ser censurada en algunas versiones. Y mencionar esto es apenas rascar la superficie de todo lo que esconden sus viñetas.
¿Merecía la pena adaptarlo con el riesgo que supone exponerlo ante una audiencia que ha visto de todo? A parte de que parece que Darín estaba destinado a hacer homenaje a estas viñetas, se ha aprovechado para enlazar con la actualidad. Igual que hay diversas versiones y secuelas de ‘El Eternauta’ en las viñetas, las cuales modificaron o ampliaron la obra de Héctor Germán Oesterheld y Solano López y se convirtieron en parte de la lucha a raíz de la desaparición del autor y el asesinato de sus hijas por parte de la dictadura, esta adaptación de Netflix retrata la Argentina actual con algunos detalles nuevos y una empatía automática para el espectador que ha vivido eventos similares en 2020. Y es que ‘El Eternauta’ es ciencia ficción, es aventura bélica pero sobre todo trata de las gentes del país americano en el que se creó con capítulos escritos incluso desde la clandestinidad. Funciona a nivel universal pero por supuesto también como retrato de los argentinos. Quizá el estadio del River y toda la parte militar por venir sean los que más entronquen con el país sudamericano pero la serie funciona magníficamente como veneración a este clásico. Es más, traspasando sus fronteras la serie no podía llegar en un momento más oportuno, pues si el cómic original era una consecuencia de los miedos de la Guerra Fría, ahora nos encontramos en una situación política y social, muy similar, en la que la lucha de bloques, la ultraderecha y las guerras comerciales nos tienen en vilo. En cualquiera de sus lecturas sigue funcionando como un relato sobre la resistencia y la amistad.
Hay que tener en cuenta y reconocer que ‘El Eternauta’ es grande en muchos sentidos. Aunque esta producción sea una serie no da para contar la historia original, la cual dispone mucha reflexión sobre la condición humana, estampas propias de hazañas bélicas y muchos saltos en el tiempo. Es por ello que incluso el inicio ha cambiado, eliminando el auténtico impacto misterioso del Eternauta, no rodando la enigmática conversación original. Bien es cierto que el personaje de Ricardo Darín va sufriendo algunos detalles que dan sentido al título y se va retratando muy bien su personalidad y relación con el resto del elenco, pero la magia del arranque del cómic está desaparecida. También es verdad que podría haber sido osado grabar las primeras páginas en la que el propio Oesterheld se retrató en lo que probablemente fue uno de los primeros ejercicios de metalenguaje del noveno arte. Pero ese respeto hacia la figura del autor se respira también en la historia pues aunque los acontecimientos estén cambiados para responder a códigos, ritmos y tiempos televisivos, el mensaje y la intencionalidad original se mantiene.
Como comentaba es imposible condensar todo en una película o serie y al final nos confirman que habrá segunda temporada. Se ha filmado menos de un tercio del cómic, unas 100 páginas de 350. Hay detalles que se quedan en el tintero y sorpresas por aparecer pero esta versión de ‘El Eternauta’ es realmente un enganche. Lo que muchos percibirán, si han ido coleccionando las diferentes versiones del cómic, es que no hay un tono politizado. No al menos hasta que llegamos hasta el final, cuando corresponde con el tema militar. Quizá así se evita caer en populismos o aprovechar gratuitamente la tesitura actual. Es mucho lo que está en juego pues ‘El Eternauta’ es para muchos un clásico argentino que llega incluso a conformar una seña de identidad. Creo que por eso quizá se ha usado un matiz más blanco al respecto.
Ya decía que la presencia de Darín es crucial pues es un estandarte argentino en vida. Pero el director Bruno Stagnaro es clave pues ha demostrado con su filmografía conocer bien a las gentes de su país. ‘El Eternauta’ tiene ritmo, muy buena foto y un respetable desarrollo de personajes. La audiencia actual también se fija mucho en la calidad de los efectos (pues de tanto mirar el móvil no se valora correctamente el ritmo o el guión) y puedo adelantaros también que tanto los efectos prácticos como el CGI que nos muestra a una Argentina cubierta de una mortífera nieve están más que logrados, convirtiendo el trazo de los años cincuenta en lo que será fijo un clásico contemporáneo.
Watanabe se alía con Mappa, Adult Swim, Max y Chad Stahelski para un regreso colosal
No hay más que ver la creatividad y publicidad de ‘Lazarus’ para saber que está relacionada con ‘Cowboy Bebop’. Su estilo visual, su ritmo musical y su atmósfera estilizada recuerdan inmediatamente al clásico de culto, y no es casualidad. Efectivamente, el también creador de ‘Animatrix’, ‘Samurai Champloo’ y ‘Space Dandy’, Shin’ichirô Watanabe, está detrás de esta nueva producción que nos llega de la mano de Adult Swim y la plataforma Max. Watanabe es un nombre que ya por sí solo genera altas expectativas, tanto por su enfoque narrativo rupturista como por su sensibilidad a la hora de construir mundos que combinan lo retro, lo futurista y lo existencial. Aunque repite ciertos esquemas, en ‘Lazarus’ vuelve a demostrar que su creatividad no se ha agotado con el paso del tiempo, sino que sigue reinventando la forma de contar historias de ciencia ficción, en este caso con un enfoque más dramático, político y filosófico. La serie entra por los ojos, seduce por los oídos y se queda en la mente gracias a su carga temática. Desde los primeros compases, uno percibe que hay algo más que una historia de acción: hay una reflexión profunda sobre la condición humana, el control biotecnológico y el precio de la inmortalidad. El sello Watanabe está presente no solo en el tono, sino también en los dilemas morales y en el tipo de personajes, siempre marcados por traumas, pasados rotos y una sed de redención.
Recientemente hemos visto ‘Efectos secundarios’ en la misma plataforma. Una serie crítica, mordaz y psicotrópica también producida por Adult Swim, que mezclaba humor ácido con una fuerte carga conceptual sobre el uso de medicamentos. El punto de partida de ‘Lazarus’ es similar. Aquí nos encontramos ante una distopía bien planteada, que sitúa al espectador en un futuro cercano donde la medicina ha conseguido erradicar el sufrimiento físico mediante una droga comercializada llamada Hapuna. Este supuesto milagro de la ciencia se convierte pronto en una trampa mortal, ya que su creador, el doctor Skinner, introduce deliberadamente una mutación genética que mata a todo aquel que haya consumido el fármaco, exactamente tres años después de su primera dosis. De este modo, lo que comienza como un avance médico revolucionario se transforma en una cuenta atrás apocalíptica. Este giro recuerda a novelas como ‘Inferno’ de Dan Brown, donde la humanidad se enfrenta a un desastre programado por un científico con ideales extremos. Pero ‘Lazarus’ da un paso más allá al dotar al equipo protagonista de un perfil que mezcla lo militar, lo ético y lo filosófico, como si fueran una mezcla entre los agentes de ‘Ghost in the Shell’ y los personajes de ‘Blade Runner’. Mientras intentan detener la catástrofe, también cuestionan su rol en un sistema corrupto, el poder de la tecnología y el valor de la vida. Todo ello se desarrolla con una cadencia que equilibra la acción y la introspección, dando espacio a escenas espectaculares sin perder nunca el foco narrativo.
Uno de los aspectos más llamativos de ‘Lazarus’ es su protagonista, un personaje que parece salido de un videojuego como ‘Mirror’s Edge’, combinando habilidades acrobáticas de parkour con un dominio absoluto del combate cuerpo a cuerpo. Este protagonista, cuya identidad se va desvelando poco a poco, se mueve como un fantasma por entornos urbanos densamente digitalizados, con estética cyberpunk en su máxima expresión: neones, hologramas, decadencia industrial y vigilancia constante. Lo más interesante es que su estilo de lucha no es simplemente espectacular, sino que tiene un ritmo musical, casi coreográfico, que lo vincula con el jazz, en clara referencia a la impronta musical de ‘Cowboy Bebop’. De hecho, la música vuelve a tener aquí un papel clave, no solo como acompañamiento, sino como vehículo emocional que intensifica cada escena. Los instrumentos de viento y percusión acompañan las secuencias de combate con una sincronía que roza lo poético. Este personaje es más que un guerrero: es una figura trágica, regodeado en sus errores y con una fuerte carga simbólica, lo que le otorga una dimensión humana que rara vez se ve en series de acción. Su viaje personal se entrelaza con la misión global, y cada decisión que toma está marcada por un pasado complejo y una lucha interna constante entre deber, culpa y esperanza. Además, su diseño visual es un ejemplo de cómo en animación se puede construir un héroe memorable sin necesidad de diálogos extensos, solo con gestos, movimientos y una mirada bien dibujada.
En cuanto al apartado visual. La animación está a cargo del estudio Mappa, reconocido por su impresionante trabajo en títulos como ‘Dorohedoro’ o ‘Jujutsu Kaisen’. En ‘Lazarus’, Mappa se supera una vez más al combinar un estilo fluido con una dirección artística arriesgada, que mezcla técnicas de animación tradicional con CGI de forma armónica. Cada escena está pensada hasta el último detalle: la iluminación, la paleta de colores, los efectos de partículas y la física de los movimientos dotan al conjunto de una sensación de vida orgánica. No hay frame que no tenga algo que decir. Los fondos urbanos están cargados de detalles que enriquecen la narrativa visual, mientras que las escenas de acción se benefician de una planificación exquisita, con encuadres cinematográficos que recuerdan al mejor cine de ciencia ficción. Lo que más destaca es la capacidad de transmitir velocidad, vértigo y tensión sin caer en la confusión visual. Todo está coreografiado con precisión milimétrica, lo que demuestra que la animación japonesa sigue marcando el ritmo a nivel mundial en cuanto a calidad y ambición técnica. Además, Mappa ha sabido incorporar texturas y efectos sonoros que realzan cada impacto y cada transición, haciendo que el espectador sienta no solo lo que ve, sino también lo que escucha. El resultado es un producto audiovisual que no tiene nada que envidiar a las grandes producciones de Hollywood, y que se permite incluso innovar en cuanto a lenguaje visual y ritmo narrativo.
Otro nombre importante en esta serie es Chad Stahelski, conocido por haber sido doble de acción y por su salto a la dirección con la franquicia ‘John Wick’, que revitalizó el cine de acción con su estilo crudo, elegante y estilizado. Stahelski se encarga aquí de supervisar y diseñar la acción, y lo hace con la libertad que solo permite el formato animado. En lugar de verse limitado por las leyes físicas del cine real, Stahelski lleva sus ideas al extremo, permitiendo coreografías imposibles, cámaras imposibles y violencia estilizada sin concesiones. El resultado es una serie que se mueve constantemente, que nunca se detiene y que mantiene al espectador pegado a la pantalla. Pero lo mejor es que, pese a este despliegue de energía, la acción nunca se siente vacía ni gratuita. Cada enfrentamiento tiene un peso dramático, cada persecución tiene un motivo, y cada escena de combate revela algo más sobre los personajes o la situación. Esto es mérito tanto del guion como del diseño de Stahelski, que entiende que la acción no es solo espectáculo, sino también narrativa en movimiento. Sus aportes son palpables en cada episodio, sobre todo en la forma en que se combinan violencia, tensión emocional y estética visual. Así, Lazarus se convierte no solo en una serie de animación destacada, sino en una experiencia multisensorial que mezcla lo mejor del anime, el cine de acción moderno y la ciencia ficción más filosófica.
La asociación cine/cómic analizada junto a Cómic Para Todos
Nos alegra anunciar el lanzamiento de El Simbionte, un nuevo programa en YouTube fruto de la colaboración entre Moviementarios y Cómic Para Todos. Esta propuesta nace con el objetivo de analizar y comentar los últimos estrenos de cine y series, así como profundizar con respeto y de manera coloquial en el vínculo entre el séptimo arte (cine) y el noveno arte (cómic).
Con una mirada cercana, amena y crítica, El Simbionte pretende convertirse en un punto de encuentro para amantes del cine, las series y el cómic. En cada episodio, exploraremos las adaptaciones más recientes, comentaremos noticias relevantes del mundo audiovisual y editorial, y abriremos espacio al debate y la reflexión sobre cómo estas dos artes se alimentan mutuamente. Por supuesto, os acercaremos a los autores que hay tras todas estas obras.
El Simbionte no es solo un programa, es un nuevo canal de diálogo entre dos mundos que cada vez están más unidos e influenciados mutuamente. Si te interesa descubrir qué cómic hay detrás de tu serie favorita o cómo una película adapta visualmente una viñeta clásica, este espacio es para ti.
Arrancando con un clásico inmortal en formato actual
El primer episodio ya está disponible en nuestro canal de YouTube y viene cargado de contenido: inauguramos con la nueva serie basada en un clásico, Astérix y Obélix. Además reaccionamos a tráilers sobre los estrenos más esperados. También compartimos recomendaciones personales y algún que otro dato curioso para los más fanáticos. Por supuesto, siempre con respeto y sin spoilers.
Suscríbete, comenta y acompáñanos en esta aventura audiovisual y gráfica. Puedes seguirnos a través de nuestras redes sociales y activar la campanita para no perderte ningún episodio.
👉 Visita nuestro canal de YouTube y mira el primer episodio de El Simbionte
Los pulgares hacia arriba. Regresan los galos de una manera muy divertida
AlainChabat, actor y director francés, es el encargado de devolvernos a estos terribles galos a las pantallas de nuestras televisiones. Junto a él encontramos a FabriceJoubert, animador de películas como ‘El príncipe de Egipto’ o las películas de ‘Gru. Mi villano favorito’. La nueva serie de Netflix llega el 30 de abril y vuelve con esa frescura e ingenuidad que desbordan las historias de estos personajes tan queridos.
Soy un público poco objetivo con Astérix, me encanta, soy lectora de estos cómics desde que tengo uso de razón y me he visto todas las películas de animación de estos estupendos personajes. No puedo decir lo mismo de las cintas de acción real, pero es que no me podía imaginar otro Astérix que no fuese ChristianClavier. Así que solo he visto las dos primeras que se hicieron.
En esta ocasión, esta miniserie nos trae el cómic de El combate de los jefes. Pero como en las películas de animación, siempre unen algún que otro tebeo. En esta ocasión tenemos también Astérix – Cómo Obélix se cayó en la marmita del druida cuando era pequeño. Un cómic en el que por fin nos cuentan como consiguió toda su fuerza.
Roma está desesperada por conquistar la última aldea independiente en toda la Galia, hogar de Astérix y Obélix. El secreto de la superioridad de los galos en la batalla es una poción mágica, pero cuando el druida encargado de prepararla pierde la memoria, los aldeanos quedan a su suerte frente al poder de Roma.
La serie es muy divertida, los episodios son amenos y nos muestran el día a día de estos irreductibles galos y por supuesto, de sus enemigos, los temibles romanos, siempre inventando alguna artimaña para poder acabar con ellos.
AlainChabat, no es la primera vez que se adentra en estas historias, pues ya apareció como Julio César en ‘Astérix y Obélix: Misión Cleopatra’, además de que la dirigió. También puso voz en la cinta de animación ‘Astérix y Obélix: La residencia de los dioses’, como un senador.
La animación corre de la mano de StudioTAT, que realizan un trabajo estupendo. Dando volumen y movimiento sin deformar el dibujo y logrando que reconozcamos perfectamente a todos y cada uno de nuestros queridos personajes.
Como siempre, tendremos un poquito de nuestra actualidad, haciendo pequeñas críticas de nuestra sociedad, pero como siempre de manera sutil. Este mundo creado por RenéGoscinny y AlbertUderzo sigue vivo y espero que se animen a traernos más historias de estos galos, pues aun quedan un montón de tebeos que poder animar.
Un comienzo con nuevas intrigas y grandes momentos
Ya está confirmada la tercera temporada de ‘The last of us’ y aún no ha llegado a nuestras pantallas el primer episodio de la segunda temporada. Esto hace que veamos la gran fe que tienen en este gran producto. Y no es en vano, hemos tenido la oportunidad de ver el primer episodio antes de su estreno y podemos asegurar que siguen manteniendo el alto nivel que nos dieron con su comienzo.
Viajamos cinco años después de los acontecimientos de la primera temporada, Joel y Ellie se ven arrastrados a un conflicto entre ellos y a un mundo aún más peligroso e impredecible que el que dejaron atrás.
En este primer episodio, podemos ver las tiranteces que existen entre los dos protagonistas principales. Ellie, ya ha crecido y sin duda tiene ganas de librar batalla contra los infectados. Guardando su secreto, conviven en una paz ayudándose unos a otros como una gran comunidad. Pero como en todas las comunidades, siempre hay riñas.
En este primer episodio veremos nuevos personajes, sacados del videojuego, como son Abby, interpretada por Kaitlyn Dever o Dina, a la que da vida Isabela Merced. Ambos personajes son muy importantes en la trama de esta segunda temporada que se ve bastante intensa y de la que esperamos mucho más drama.
En el reparto de este primer episodio encontramos también a la gran Catherine O’Hara, Finn McCager, Grabriel Luna, Spencer Lord, Noah Lamanna, Tati Grabrielle, Robert John Burke, Ariela Barer, Ben Ahlers y Ezra Benedict Agbonkhese entre otros.
Por supuesto, Pedro Pascal y Bella Ramsey regresan para ponerse en la piel de Joel y Ellie. Un Joel muy machacado psicológicamente, el cual no ha sido capaz de perdonarse y una Ellie adulta bastante rebelde.
La verdad que este primer episodio, es bastante introductorio para conocer a estos nuevos personajes y nuevas situaciones. Además de que veremos un nuevo tipo de infectado que va a ponerles las cosas difíciles a nuestros protagonistas. Además de darle mucha más emoción a toda la trama. La escena en la que sale este nuevo ser, está muy bien rodada. Mas de uno ha pegado un buen salto en la sala de cine mientras lo veíamos. Os recomiendo ver el episodio a oscuras para adentraros bien en todo el ambiente que nos recrean, merece la pena.
Los últimos días, es el primer episodio de esta nueva temporada, la dirige Craig Mazin, showrunner de la serie. Tuvimos la suerte de poder asistir a una masterclass y la verdad que nos contó cosas muy interesantes de sus trabajos (aquí os dejamos el enlace).
Cada lunes tendremos la ocasión de ver un nuevo episodio en MAX. Desde el 14 de abril hasta el próximo 26 de mayo, donde podremos ver el desenlace de la temporada en el séptimo episodio. Por supuesto este último episodio termina dejándonos ganas de más y viendo que lo que se nos viene encima va a ser muy bueno.
Después de años redefiniendo los límites de la ciencia ficción televisiva, ‘Black Mirror’ regresa con su esperada temporada 7, dispuesta a volver a incomodarnos, fascinarnos y hacernos reflexionar sobre nuestro presente a través de futuros (o presentes alternativos) inquietantemente posibles. Bajo la mirada afilada de Charlie Brooker, esta nueva tanda de episodios continúa explorando la relación tóxica y fascinante entre la humanidad y la tecnología, con una mezcla de géneros que va desde el thriller psicológico hasta el drama existencial, con otro regalo para los amantes de la ciencia ficción clásica.
En esta crítica desgranaremos capítulo por capítulo cada una de las historias que componen esta temporada, analizando sus temáticas, giros narrativos, referencias culturales y lo que nos dice (o advierte) sobre el mundo que habitamos. Porque si algo nos ha enseñado ‘Black Mirror’, es que el horror no siempre está en la pantalla… a veces está justo al otro lado del reflejo. Y para ello hace algo inusitado, continuar dos de sus historias. A continuación os contamos en qué consiste cada nueva propuesta sin spoilers.
‘COMMON PEOPLE (Gente corriente)’ (56 min)
Se enmarca en un futuro cercano en el que se cumplen las peores previsiones de Einstein y vivimos en un mundo que se habría acabado sin abejas. Por suerte la tecnología permite crear mini drones que hacen su trabajo.
Así nos posicionan en una sociedad con altas capacidades tecnológicas. Y una pareja (formada por Chris O’Dowd y Rashida Jones) necesita de los progresos para mantenerse con vida y mantener su relación. Este es un capítulo lleno de amor que, además de tener un guiño a San Junipero, generará debate entre parejas. Y es que ¿está justificado mantener el amor a toda costa?
Parecía que plantearía una crisis de identidad similar a las desarrolladas en ‘Mickey 17’ o ‘Altered Carbon’. Pero el eje es la frialdad y ambigüedad con la que las corporaciones generan necesidad en las vidas de la gente de a pie y luego juguetean con nuestras ilusiones y poder adquisitivo. ¿Os molesta pensar que el móvil os escucha? ¿Os gusta ver Netflix con anuncios? ¿Pagáis más solo por no ver un par de cortes publicitarios por algo que es más barato que el cine? Esa es la situación de estos personajes que además han de enfrentarse al dilema de si su integridad física está por encima o debajo del amor hacia su pareja.
‘BÊTE NOIRE’ (49 min)
Una empresa alimenticia se encuentra en un momento clave de desarrollo de nuevos sabores y ya ofrece muestras a grupos de control para hacer su estudio de mercado. En ese marco dos ex-compañeras de clase (Siena Kelly y Rosy McEwen) se encuentran tras más de diez años. Normalmente las historias se ponen en el punto de vista de aquellos que han sido marginados por ser diferentes. Este episodio se posiciona desde el punto de vista de quien ha fomentado esa brecha, sobre todo para camuflar sus complejos de inferioridad. Hasta aquí es una historia social como otra cualquiera y no aparece el componente tecnológico.
El desconcierto que sentimos cuando nuestra percepción de la realidad se altera, como sucede con los efectos Mandela, es lo que maneja este episodio. Durante todo el episodio lo único que nos lo mantiene dentro de la temática de ‘Black Mirror’ es el hecho de que una de las protagonistas tiene alto coeficiente y capacidades tecnológicas. El capítulo puede que os haga rebobinar al principio, pero más allá de eso no supone ninguna revolución en la historia de la serie..
‘HOTEL REVERIE’ (1h 16 min)
Aunque la propuesta de este capítulo de ‘Black Mirror’ emplea dimensiones paralelas el dilema es casi el mismo que el que actualmente traen consigo las inteligencias artificiales. Respeto al trabajo de los artistas, respeto a la propiedad intelectual, respeto al patrimonio cultural… Incluso pone al límite el ser actor del método.
También se va toca el tema woke. Para la protagonista (Issa Rae) cuesta creer que su directora (Awkwafina) la haya metido en una realidad alternativa tanto como cuesta a veces creer los castings forzados de Netflix. Y hablando de Netflix, también se retrata la creación del cine como un producto medido al milímetro con gráficas y valores, como si nuestra interacción con la plataforma fuesen los medidores de Los Sims.
No deja de haber un poco de hipocresía que en la era de los remakes, los deepfakes y las estrellas metidas con calzador surja este episodio que, si bien está interesante, peca de pretender mejorar lo que hemos visto y vivido en el pasado como clásicos en aras de crear nuevos productos. Evidentemente esto es ‘Black Mirror’ y no es un plan que salga rentable, de hecho, muchos se quedarán con que este es un episodio sobre la consciencia con un monento similar a uno de los fragmentos del ‘Treehouse of Horror XIV’ de ‘Los Simpson’.
‘PLAYTHING (Juguetes)’ (45 min)
Peter Capaldi interpreta a un hombre excéntrico que se entrega voluntariamente y es interrogado por la policía, algo que creo que va muy relacionado con el etalonaje pues parece sacado de un episodio de CSI.
El director es David Slade (‘Hard candy’) y su película interactiva ‘Black Mirror: Bandersnatch’ tiene relación directa con este episodio. Pero más que esa conexión los espectadores verán una relación con los famosos tamagochis y los gamers verán una relación con el mítico juego ‘Populous’, tal vez con el ‘Sim city’, ‘Travian’ o ‘FarmVille’ para los más jóvenes. Es una manera de interpretar la concepción de Dios y un caldo de cultivo para los conspiranoicos que dicen que vivimos en una simulación a lo ‘Matrix’.
La naturaleza del individuo, nuestra concepción del bien y el mal… Es una curiosa reflexión sobre el hombre y su civilización que probablemente para muchos será el mejor episodio de esta temporada. Lástima que el protagonista esté plasmado como alguien excéntrico e inadaptado porque le resta fuerza al discurso.
‘EULOGY’ (46 min)
Pensaba que esta temporada iba a tener mucho más que ver con las inteligencias artificiales y no estaba siendo así hasta ver ‘Bête Noire’ y este episodio. A muchos les parece espeluznante, retorcido e incluso morboso el que mucha gente anime antiguas fotografías con familiares fallecidos con IA. Este es un caso similar. Un hombre (Paul Giamatti) recibe la invitación de una empresa llamada Eulogy para aportar sus recuerdos, los cuales servirán para rendir tributo a alguien a quien quiso mucho en su juventud.
Como dijo hace muy poco Frank Miller en Tenerife Noir, “la nostalgia es una trampa”. Curiosa advertencia la de este capítulo que utiliza los recuerdos como cajas fuertes de secretos, herramienta para cerrar heridas y jaulas en las que nos podemos ver encerrados bajo el cerrojo de la tristeza. Un precioso episodio, de los pocos que deja buenas sensaciones tras su final.
‘USS CALLISTER: INTO INFINITY’ (1h 28min)
Enlazando y continuando con el primer episodio de la cuarta temporada, el cual, era un clarísimo tributo a la franquicia ‘Star Trek’. Este episodio es una película en sí mismo que mezcla tópicos de otros clásicos de la ciencia ficción como ‘Mass effect’, ‘Ready player one’ o ‘Borderlands’. Todo son referentes relacionados con los videojuegos pues este episodio vuelve a tratar sobre personas atrapadas en un juego mientras millones de jugadores participan matando y muriendo con skins horteras sin miedo a una muerte real.
En esta ocasión vamos tras las bambalinas de Infinity, la compañía que ha creado el MMORPG al que juegan desesperadamente los protagonistas clonados interpretados por Cristin Milioti, Osy Ikhile, Billy Magnussen, Milanka Brooks y Paul G. Raymond. Toby Haynes dirige de nuevo el episodio asegurando la continuidad y tratando temas como el abuso de autoridad, los peligros de la realidad virtual y el aislamiento social. Yendo más allá aborda el respeto a la imagen e identidad de las personas y una parte corporativa muy propia del ADN de las empresas de Silicon Valley.
Este pasado 8 de abril llegaron a nuestra pantalla los tres primeros episodios de la sexta y última temporada de ‘El cuento de la criada’. A partir de aquí, cada martes tendremos un nuevo episodio hasta el 27 de mayo que por fin podremos ver el desenlace de la serie.
Nosotros hemos tenido la oportunidad de ver los 8 primeros episodios, a falta de los dos finales y a continuación os contamos nuestra opinión de esta temporada final. Después del final de la quinta temporada, en la que vemos a Serena y June en el mismo tren huyendo hacia Canadá.
He de decir, que aunque las dos primeras temporadas de ‘El cuento de la criada’ me gustaron muchísimo, es una serie que terminó cansándome. La he seguido viendo, pero con poco interés. No por nada, si no porque al final, creo que es una serie que han alargado demasiado contando lo mismo.
Pues esto es lo que me ha ocurrido con esta temporada. Supongo que los dos últimos episodios serán tremendos y le darán el final digno que se merece. Pero de momento, seguimos con igual, tramas que se repiten, intrigas nada originales y con ganas realmente de que todo explote y por fin acaben con ese régimen que las tiene oprimidas.
Pero no todo está mal, al final esta es mi opinión. ‘El cuento de la criada’ no es una mala serie, sino que lo que digo, la han alargado innecesariamente, a mi parecer. Eso sí, en esta temporada, los momentos en los que tenemos a Serena y a Tía Lydia, la serie brilla, la trama cambia y nos da una perspectiva muy diferente. Personas que han creído en este régimen, están cambiando su parecer y aunque les cuesta, comienzan a tener otro modo de ver la vida. Y sin duda son personajes que no son heroínas y no creo que las quieran plasmar así, si no que, es la parte más humana de esta historia. Y me gusta mucho como se han construido sus personajes.
Elisabeth Moss regresa como gran protagonista en esta última temporada, pero también como directora, ya que los dos primeros y los dos últimos episodios, están dirigidos por ella. Y la verdad que hace un gran trabajo.
Como he comentado, Yvonne Strahovski y Ann Dowd, han sido los dos personajes que a lo largo de toda la serie más me han gustado. Todo su recorrido y su evolución es magnífico y ellas están perfectas. También Madeline Brewer, con uno de los personajes más complicados de esta serie y ella logra que nos lo creamos siempre.
El trabajo técnico sigue siendo muy bonito. La fotografía, los colores, tan bien utilizados. Además de la banda sonora y por supuesto la dirección. Los primeros planos, tan centrados y todo ordenado, sobre todo cuando estamos en Gilead.
Ya os he dicho, que es una serie que me terminó cansando, pero admito que quiero que llegue el 27 de mayo y poder ver el desenlace de esta serie que al final lleva seis temporadas con nosotros. Aunque ya nos han dicho que no terminan las series de este universo, pues están ya con el proyecto de ‘Los testamentos’ la secuela de ‘El cuento de la criada’.
Para ofrecer las mejores experiencias, utilizamos tecnologías como las cookies para almacenar y/o acceder a la información del dispositivo. El consentimiento de estas tecnologías nos permitirá procesar datos como el comportamiento de navegación o las identificaciones únicas en este sitio. No consentir o retirar el consentimiento, puede afectar negativamente a ciertas características y funciones.
Funcional
Siempre activo
El almacenamiento o acceso técnico es estrictamente necesario para el propósito legítimo de permitir el uso de un servicio específico explícitamente solicitado por el abonado o usuario, o con el único propósito de llevar a cabo la transmisión de una comunicación a través de una red de comunicaciones electrónicas.
Preferencias
El almacenamiento o acceso técnico es necesario para la finalidad legítima de almacenar preferencias no solicitadas por el abonado o usuario.
Estadísticas
El almacenamiento o acceso técnico que es utilizado exclusivamente con fines estadísticos.El almacenamiento o acceso técnico que se utiliza exclusivamente con fines estadísticos anónimos. Sin un requerimiento, el cumplimiento voluntario por parte de tu proveedor de servicios de Internet, o los registros adicionales de un tercero, la información almacenada o recuperada sólo para este propósito no se puede utilizar para identificarte.
Marketing
El almacenamiento o acceso técnico es necesario para crear perfiles de usuario para enviar publicidad, o para rastrear al usuario en una web o en varias web con fines de marketing similares.
Para ofrecer las mejores experiencias, utilizamos tecnologías como las cookies para almacenar y/o acceder a la información del dispositivo. El consentimiento de estas tecnologías nos permitirá procesar datos como el comportamiento de navegación o las identificaciones únicas en este sitio. No consentir o retirar el consentimiento, puede afectar negativamente a ciertas características y funciones.
