Los pulgares hacia arriba. Regresan los galos de una manera muy divertida
AlainChabat, actor y director francés, es el encargado de devolvernos a estos terribles galos a las pantallas de nuestras televisiones. Junto a él encontramos a FabriceJoubert, animador de películas como ‘El príncipe de Egipto’ o las películas de ‘Gru. Mi villano favorito’. La nueva serie de Netflix llega el 30 de abril y vuelve con esa frescura e ingenuidad que desbordan las historias de estos personajes tan queridos.
Soy un público poco objetivo con Astérix, me encanta, soy lectora de estos cómics desde que tengo uso de razón y me he visto todas las películas de animación de estos estupendos personajes. No puedo decir lo mismo de las cintas de acción real, pero es que no me podía imaginar otro Astérix que no fuese ChristianClavier. Así que solo he visto las dos primeras que se hicieron.
En esta ocasión, esta miniserie nos trae el cómic de El combate de los jefes. Pero como en las películas de animación, siempre unen algún que otro tebeo. En esta ocasión tenemos también Astérix – Cómo Obélix se cayó en la marmita del druida cuando era pequeño. Un cómic en el que por fin nos cuentan como consiguió toda su fuerza.
Roma está desesperada por conquistar la última aldea independiente en toda la Galia, hogar de Astérix y Obélix. El secreto de la superioridad de los galos en la batalla es una poción mágica, pero cuando el druida encargado de prepararla pierde la memoria, los aldeanos quedan a su suerte frente al poder de Roma.
La serie es muy divertida, los episodios son amenos y nos muestran el día a día de estos irreductibles galos y por supuesto, de sus enemigos, los temibles romanos, siempre inventando alguna artimaña para poder acabar con ellos.
AlainChabat, no es la primera vez que se adentra en estas historias, pues ya apareció como Julio César en ‘Astérix y Obélix: Misión Cleopatra’, además de que la dirigió. También puso voz en la cinta de animación ‘Astérix y Obélix: La residencia de los dioses’, como un senador.
La animación corre de la mano de StudioTAT, que realizan un trabajo estupendo. Dando volumen y movimiento sin deformar el dibujo y logrando que reconozcamos perfectamente a todos y cada uno de nuestros queridos personajes.
Como siempre, tendremos un poquito de nuestra actualidad, haciendo pequeñas críticas de nuestra sociedad, pero como siempre de manera sutil. Este mundo creado por RenéGoscinny y AlbertUderzo sigue vivo y espero que se animen a traernos más historias de estos galos, pues aun quedan un montón de tebeos que poder animar.
Un comienzo con nuevas intrigas y grandes momentos
Ya está confirmada la tercera temporada de ‘The last of us’ y aún no ha llegado a nuestras pantallas el primer episodio de la segunda temporada. Esto hace que veamos la gran fe que tienen en este gran producto. Y no es en vano, hemos tenido la oportunidad de ver el primer episodio antes de su estreno y podemos asegurar que siguen manteniendo el alto nivel que nos dieron con su comienzo.
Viajamos cinco años después de los acontecimientos de la primera temporada, Joel y Ellie se ven arrastrados a un conflicto entre ellos y a un mundo aún más peligroso e impredecible que el que dejaron atrás.
En este primer episodio, podemos ver las tiranteces que existen entre los dos protagonistas principales. Ellie, ya ha crecido y sin duda tiene ganas de librar batalla contra los infectados. Guardando su secreto, conviven en una paz ayudándose unos a otros como una gran comunidad. Pero como en todas las comunidades, siempre hay riñas.
En este primer episodio veremos nuevos personajes, sacados del videojuego, como son Abby, interpretada por Kaitlyn Dever o Dina, a la que da vida Isabela Merced. Ambos personajes son muy importantes en la trama de esta segunda temporada que se ve bastante intensa y de la que esperamos mucho más drama.
En el reparto de este primer episodio encontramos también a la gran Catherine O’Hara, Finn McCager, Grabriel Luna, Spencer Lord, Noah Lamanna, Tati Grabrielle, Robert John Burke, Ariela Barer, Ben Ahlers y Ezra Benedict Agbonkhese entre otros.
Por supuesto, Pedro Pascal y Bella Ramsey regresan para ponerse en la piel de Joel y Ellie. Un Joel muy machacado psicológicamente, el cual no ha sido capaz de perdonarse y una Ellie adulta bastante rebelde.
La verdad que este primer episodio, es bastante introductorio para conocer a estos nuevos personajes y nuevas situaciones. Además de que veremos un nuevo tipo de infectado que va a ponerles las cosas difíciles a nuestros protagonistas. Además de darle mucha más emoción a toda la trama. La escena en la que sale este nuevo ser, está muy bien rodada. Mas de uno ha pegado un buen salto en la sala de cine mientras lo veíamos. Os recomiendo ver el episodio a oscuras para adentraros bien en todo el ambiente que nos recrean, merece la pena.
Los últimos días, es el primer episodio de esta nueva temporada, la dirige Craig Mazin, showrunner de la serie. Tuvimos la suerte de poder asistir a una masterclass y la verdad que nos contó cosas muy interesantes de sus trabajos (aquí os dejamos el enlace).
Cada lunes tendremos la ocasión de ver un nuevo episodio en MAX. Desde el 14 de abril hasta el próximo 26 de mayo, donde podremos ver el desenlace de la temporada en el séptimo episodio. Por supuesto este último episodio termina dejándonos ganas de más y viendo que lo que se nos viene encima va a ser muy bueno.
Después de años redefiniendo los límites de la ciencia ficción televisiva, ‘Black Mirror’ regresa con su esperada temporada 7, dispuesta a volver a incomodarnos, fascinarnos y hacernos reflexionar sobre nuestro presente a través de futuros (o presentes alternativos) inquietantemente posibles. Bajo la mirada afilada de Charlie Brooker, esta nueva tanda de episodios continúa explorando la relación tóxica y fascinante entre la humanidad y la tecnología, con una mezcla de géneros que va desde el thriller psicológico hasta el drama existencial, con otro regalo para los amantes de la ciencia ficción clásica.
En esta crítica desgranaremos capítulo por capítulo cada una de las historias que componen esta temporada, analizando sus temáticas, giros narrativos, referencias culturales y lo que nos dice (o advierte) sobre el mundo que habitamos. Porque si algo nos ha enseñado ‘Black Mirror’, es que el horror no siempre está en la pantalla… a veces está justo al otro lado del reflejo. Y para ello hace algo inusitado, continuar dos de sus historias. A continuación os contamos en qué consiste cada nueva propuesta sin spoilers.
‘COMMON PEOPLE (Gente corriente)’ (56 min)
Se enmarca en un futuro cercano en el que se cumplen las peores previsiones de Einstein y vivimos en un mundo que se habría acabado sin abejas. Por suerte la tecnología permite crear mini drones que hacen su trabajo.
Así nos posicionan en una sociedad con altas capacidades tecnológicas. Y una pareja (formada por Chris O’Dowd y Rashida Jones) necesita de los progresos para mantenerse con vida y mantener su relación. Este es un capítulo lleno de amor que, además de tener un guiño a San Junipero, generará debate entre parejas. Y es que ¿está justificado mantener el amor a toda costa?
Parecía que plantearía una crisis de identidad similar a las desarrolladas en ‘Mickey 17’ o ‘Altered Carbon’. Pero el eje es la frialdad y ambigüedad con la que las corporaciones generan necesidad en las vidas de la gente de a pie y luego juguetean con nuestras ilusiones y poder adquisitivo. ¿Os molesta pensar que el móvil os escucha? ¿Os gusta ver Netflix con anuncios? ¿Pagáis más solo por no ver un par de cortes publicitarios por algo que es más barato que el cine? Esa es la situación de estos personajes que además han de enfrentarse al dilema de si su integridad física está por encima o debajo del amor hacia su pareja.
‘BÊTE NOIRE’ (49 min)
Una empresa alimenticia se encuentra en un momento clave de desarrollo de nuevos sabores y ya ofrece muestras a grupos de control para hacer su estudio de mercado. En ese marco dos ex-compañeras de clase (Siena Kelly y Rosy McEwen) se encuentran tras más de diez años. Normalmente las historias se ponen en el punto de vista de aquellos que han sido marginados por ser diferentes. Este episodio se posiciona desde el punto de vista de quien ha fomentado esa brecha, sobre todo para camuflar sus complejos de inferioridad. Hasta aquí es una historia social como otra cualquiera y no aparece el componente tecnológico.
El desconcierto que sentimos cuando nuestra percepción de la realidad se altera, como sucede con los efectos Mandela, es lo que maneja este episodio. Durante todo el episodio lo único que nos lo mantiene dentro de la temática de ‘Black Mirror’ es el hecho de que una de las protagonistas tiene alto coeficiente y capacidades tecnológicas. El capítulo puede que os haga rebobinar al principio, pero más allá de eso no supone ninguna revolución en la historia de la serie..
‘HOTEL REVERIE’ (1h 16 min)
Aunque la propuesta de este capítulo de ‘Black Mirror’ emplea dimensiones paralelas el dilema es casi el mismo que el que actualmente traen consigo las inteligencias artificiales. Respeto al trabajo de los artistas, respeto a la propiedad intelectual, respeto al patrimonio cultural… Incluso pone al límite el ser actor del método.
También se va toca el tema woke. Para la protagonista (Issa Rae) cuesta creer que su directora (Awkwafina) la haya metido en una realidad alternativa tanto como cuesta a veces creer los castings forzados de Netflix. Y hablando de Netflix, también se retrata la creación del cine como un producto medido al milímetro con gráficas y valores, como si nuestra interacción con la plataforma fuesen los medidores de Los Sims.
No deja de haber un poco de hipocresía que en la era de los remakes, los deepfakes y las estrellas metidas con calzador surja este episodio que, si bien está interesante, peca de pretender mejorar lo que hemos visto y vivido en el pasado como clásicos en aras de crear nuevos productos. Evidentemente esto es ‘Black Mirror’ y no es un plan que salga rentable, de hecho, muchos se quedarán con que este es un episodio sobre la consciencia con un monento similar a uno de los fragmentos del ‘Treehouse of Horror XIV’ de ‘Los Simpson’.
‘PLAYTHING (Juguetes)’ (45 min)
Peter Capaldi interpreta a un hombre excéntrico que se entrega voluntariamente y es interrogado por la policía, algo que creo que va muy relacionado con el etalonaje pues parece sacado de un episodio de CSI.
El director es David Slade (‘Hard candy’) y su película interactiva ‘Black Mirror: Bandersnatch’ tiene relación directa con este episodio. Pero más que esa conexión los espectadores verán una relación con los famosos tamagochis y los gamers verán una relación con el mítico juego ‘Populous’, tal vez con el ‘Sim city’, ‘Travian’ o ‘FarmVille’ para los más jóvenes. Es una manera de interpretar la concepción de Dios y un caldo de cultivo para los conspiranoicos que dicen que vivimos en una simulación a lo ‘Matrix’.
La naturaleza del individuo, nuestra concepción del bien y el mal… Es una curiosa reflexión sobre el hombre y su civilización que probablemente para muchos será el mejor episodio de esta temporada. Lástima que el protagonista esté plasmado como alguien excéntrico e inadaptado porque le resta fuerza al discurso.
‘EULOGY’ (46 min)
Pensaba que esta temporada iba a tener mucho más que ver con las inteligencias artificiales y no estaba siendo así hasta ver ‘Bête Noire’ y este episodio. A muchos les parece espeluznante, retorcido e incluso morboso el que mucha gente anime antiguas fotografías con familiares fallecidos con IA. Este es un caso similar. Un hombre (Paul Giamatti) recibe la invitación de una empresa llamada Eulogy para aportar sus recuerdos, los cuales servirán para rendir tributo a alguien a quien quiso mucho en su juventud.
Como dijo hace muy poco Frank Miller en Tenerife Noir, “la nostalgia es una trampa”. Curiosa advertencia la de este capítulo que utiliza los recuerdos como cajas fuertes de secretos, herramienta para cerrar heridas y jaulas en las que nos podemos ver encerrados bajo el cerrojo de la tristeza. Un precioso episodio, de los pocos que deja buenas sensaciones tras su final.
‘USS CALLISTER: INTO INFINITY’ (1h 28min)
Enlazando y continuando con el primer episodio de la cuarta temporada, el cual, era un clarísimo tributo a la franquicia ‘Star Trek’. Este episodio es una película en sí mismo que mezcla tópicos de otros clásicos de la ciencia ficción como ‘Mass effect’, ‘Ready player one’ o ‘Borderlands’. Todo son referentes relacionados con los videojuegos pues este episodio vuelve a tratar sobre personas atrapadas en un juego mientras millones de jugadores participan matando y muriendo con skins horteras sin miedo a una muerte real.
En esta ocasión vamos tras las bambalinas de Infinity, la compañía que ha creado el MMORPG al que juegan desesperadamente los protagonistas clonados interpretados por Cristin Milioti, Osy Ikhile, Billy Magnussen, Milanka Brooks y Paul G. Raymond. Toby Haynes dirige de nuevo el episodio asegurando la continuidad y tratando temas como el abuso de autoridad, los peligros de la realidad virtual y el aislamiento social. Yendo más allá aborda el respeto a la imagen e identidad de las personas y una parte corporativa muy propia del ADN de las empresas de Silicon Valley.
Este pasado 8 de abril llegaron a nuestra pantalla los tres primeros episodios de la sexta y última temporada de ‘El cuento de la criada’. A partir de aquí, cada martes tendremos un nuevo episodio hasta el 27 de mayo que por fin podremos ver el desenlace de la serie.
Nosotros hemos tenido la oportunidad de ver los 8 primeros episodios, a falta de los dos finales y a continuación os contamos nuestra opinión de esta temporada final. Después del final de la quinta temporada, en la que vemos a Serena y June en el mismo tren huyendo hacia Canadá.
He de decir, que aunque las dos primeras temporadas de ‘El cuento de la criada’ me gustaron muchísimo, es una serie que terminó cansándome. La he seguido viendo, pero con poco interés. No por nada, si no porque al final, creo que es una serie que han alargado demasiado contando lo mismo.
Pues esto es lo que me ha ocurrido con esta temporada. Supongo que los dos últimos episodios serán tremendos y le darán el final digno que se merece. Pero de momento, seguimos con igual, tramas que se repiten, intrigas nada originales y con ganas realmente de que todo explote y por fin acaben con ese régimen que las tiene oprimidas.
Pero no todo está mal, al final esta es mi opinión. ‘El cuento de la criada’ no es una mala serie, sino que lo que digo, la han alargado innecesariamente, a mi parecer. Eso sí, en esta temporada, los momentos en los que tenemos a Serena y a Tía Lydia, la serie brilla, la trama cambia y nos da una perspectiva muy diferente. Personas que han creído en este régimen, están cambiando su parecer y aunque les cuesta, comienzan a tener otro modo de ver la vida. Y sin duda son personajes que no son heroínas y no creo que las quieran plasmar así, si no que, es la parte más humana de esta historia. Y me gusta mucho como se han construido sus personajes.
Elisabeth Moss regresa como gran protagonista en esta última temporada, pero también como directora, ya que los dos primeros y los dos últimos episodios, están dirigidos por ella. Y la verdad que hace un gran trabajo.
Como he comentado, Yvonne Strahovski y Ann Dowd, han sido los dos personajes que a lo largo de toda la serie más me han gustado. Todo su recorrido y su evolución es magnífico y ellas están perfectas. También Madeline Brewer, con uno de los personajes más complicados de esta serie y ella logra que nos lo creamos siempre.
El trabajo técnico sigue siendo muy bonito. La fotografía, los colores, tan bien utilizados. Además de la banda sonora y por supuesto la dirección. Los primeros planos, tan centrados y todo ordenado, sobre todo cuando estamos en Gilead.
Ya os he dicho, que es una serie que me terminó cansando, pero admito que quiero que llegue el 27 de mayo y poder ver el desenlace de esta serie que al final lleva seis temporadas con nosotros. Aunque ya nos han dicho que no terminan las series de este universo, pues están ya con el proyecto de ‘Los testamentos’ la secuela de ‘El cuento de la criada’.
Hemos tenido la gran oportunidad de asistir a la Masterclass Internacional de Guion que ha ofrecido Craig Mazin en la Fundación Giner de los Ríos (Institución Libre de Enseñanza).
Craig Mazin, guionista de ‘Chernobyl’, ‘Scary Movie 3’ y ‘Scary Movie 4’ y también, es guionista de las dos temporadas de ‘The last of us’. Cuya segunda temporada ha venido a presentar a Madrid. La serie regresa a Max el próximo 14 de abril, estrenándose un episodio cada lunes.
El guionista nos ha contado un poquito de como poco a poco se fue formando como escritor. Comenzó en el mundo del marketing y pasando por Disney, donde uno de sus trabajos fue hacer tráilers. Algo que le dio mucha base para comenzar a contar historias y sobre todo, para contar lo suficiente y lograr atraer a la gente a ver el resultado final.
Poco a poco fueron llegándole diferentes proyectos, entre ellos grandes secuelas como las mencionadas anteriormente, ‘Scary Movie 3’ y Sary Movie 4’ o ‘Resacón en las Vegas 2’ y R3sacon’. Películas en las que se ha sentido muy cómodo ya que le gusta mucho hacer reír. Y la comedia se le da bastante bien.
Con esto, nos ha contado la controversia que tuvo sobre todo entre la prensa, al pasar de la comedia a escribir una serie como ‘Chernobyl’.
Aquí nos cuenta el gran trabajo que realizó durante mucho tiempo de documentación. Leyendo, entrevistando a físicos nucleares, para poder contar todo de la manera más sencilla posible para que el espectador entienda lo que está ocurriendo. Además, también nos contó lo importante que fue para él, el poder visitar la ciudad. En el siguiente video lo podéis escuchar.
Y por supuesto, también nos ha hablado de la primera temporada de ‘The last of us’. De como decidió introducir el DLC del videojuego para profundizar más en el pasado de los personajes. O como quisieron introducir situaciones que no ocurrían en el videojuego. Además de contarnos que no le gusta dejar los episodios con grandes incógnitas para el siguiente episodio, sino que le gusta dejar historias más o menos cerradas.
También nos contó lo divertido que fue trabajar junto al creador del videojuego siendo el un gran fan de la saga. Y poder así dar también su granito de arena en diferentes episodios.
Nos llegan noticias de nuevos rodajes independientes, de esos que muchas veces ganan en originalidad, pasión y entrega a las grandes producciones. De la mano de Jaxsa, director vizcaíno del municipio de Leioa experimentado en cortometrajes, mediometrajes y documentales, está desarrollando la serie ‘Producto Local’ y ha confiado en nosotros para hacérosla conocer.
‘Producto Local’ cuenta con un presupuesto de menos de 1000€. Para llevarse a cabo la serie se ha trasladado a más de 250 localizaciones exteriores de Bizkaia, especialmente en la margen izquierda de Bilbao. “Nosotros no contamos con medios. Esto ha sido posible gracias a los voluntarios y al trabajo y esfuerzo volcados en la obra por más de 3 años”, reflexiona Jaxsa después de las últimas jornadas de postproducción.
‘Producto Local’ retrata a personajes anclados en la cultura de los años 80. Hombres y mujeres fruto (o producto) de una sociedad que aún no estaba preparada para acepar un contexto de homosexualidad. Los protagonistas representan a una familia compuesta por dos hombres y un joven.
“Antes se mataba. Se vendía droga, se extorsionaba. Antes se hacían cosas”, esa es la frase con la que arrancará ‘Producto Local’. Esa es la reflexión de uno de sus protagonistas. cuyas decisiones tomadas en el pasado tienen eco en el presente de él y su pareja, augurando tragedia. “Son gente marginal. […] Para ellos, el dinero es algo importante: […] cuando tienen mucho creen que eso les va a durar eternamente, y cuando no tienen salen a buscarlo”, reflexionaba Felipe Cuétara (Daddy, en ‘Producto Local’). Además de sus actores habituales, como FélixMarín, el director ha contado con nuevas apuestas locales para dar rostro a los protagonistas, con Fernando López y Felipe Cuétara, veterano director de teatro.
Maternidad y paternidad en un entorno de pobreza y precariedad son el eje de la serie. Los efectos de unos padres “defectuosos” en los hijos forman parte de un retrato que aparece con frecuencia en el Bizkaia industrial del pasado, específicamente en la margen izquierda y los barrios altos. La crisis de empleo da paso a trapicheos y esta serie quiere reflejar esa vida cotidiana.
Nos ha parecido digna de mención la cartelería de esta serie. Es por ello que a continuación os ofrecemos una galería y seguidamente la sinopsis de esta serie.
Sinopsis oficial:
La serie ‘Producto Local’ explora el resultado (producto) de las vidas de hombres y mujeres que vivieron la realidad de los años 80 y que, en la actualidad, no han logrado adaptarse a los nuevos tiempos. Los protagonistas conforman una familia atípica compuesta por dos hombres y un joven, en un contexto de homosexualidad no aceptada ni socialmente ni por ellos mismos. La realidad de los dos personajes principales, las decisiones tomadas en el pasado y sus consecuencias en la actualidad son el eje central de la historia. Todos ellos buscan escapar de la difícil vida que han arrastrado durante años, con la esperanza de ofrecer un futuro mejor a su “hijo” no biológico.
En la serie se reflejan algunos temas muy presentes en la sociedad actual. Uno de los temas vertebrales de ‘Producto Local’ es el maltrato estructural hacia la mujer, presente tanto en las protagonistas como en personajes secundarios que también son víctimas de esta lacra. Una joven, madre de una niña de 10 años, se ve obligada a prostituirse para mantener a su familia. En este entorno dramático, los derechos de los niños se ven vulnerados por la falta de cuidados y acompañamiento.
Los personajes de ‘Producto Local’ viven bajo el umbral de la pobreza debido a la precariedad laboral que sufren. Tanto la paternidad como la maternidad son un foco central de la narrativa, ejercidos de forma torpe y con efectos perniciosos para los hijos. La serie presenta el abandono de los menores a cargo de unas familias que, debido a sus circunstancias, son incapaces de ofrecer apoyo y un entorno seguro para la crianza. Asimismo, se muestran con frecuencia escenarios del pasado industrial de Bizkaia, la margen izquierda y los barrios altos. Donde antes hubo empleo, ahora se desarrollan los trapicheos y la vida cotidiana de los personajes.
Amplía el lore a través de un Dante menos maduro y en una etapa menos sombría
Cuando Netflix anunció su adaptación animada de ‘Devil May Cry’, las expectativas quedaron marcadas por dos factores clave en extremos opuestos: el historial de fracasos en adaptaciones de videojuegos de la industria norteamericana y el éxito de ‘Castlevania’, una serie con la que comparte estudio de animación y showrunner, Adi Shankar. La saga de Capcom ya había tenido otros intentos previos en televisión, como la serie de 2007 y otra en 2013, ambas con ligera aceptación por los fans. Ahora, con un equipo más experimentado y un público más receptivo a este tipo de proyectos, ¿logra ‘Devil May Cry’ redimirse en el formato animado?
Netflix estrena esta serie el 3 de abril con 8 episodios de media hora cada uno. Desde los primeros segundos, la serie deja clara su intención de jugar con el factor nostalgia. Nada más empezar, nos regala un guiño a ‘Masters del Universo’ y otros clásicos Capcom de los 90, como ‘Captain Commando’ o ‘Resident Evil’. El opening, con la versión censurada de Rollin’ de Limp Bizkit, es una declaración de intenciones: nos sitúa en ese ambiente de finales de los 90 y principios de los 2000, justo antes del nacimiento de la saga. A lo largo de los episodios la banda sonora sigue esta línea con temas remezclados de Rage Against the Machine, Papa Roach, Evanescence y otros contemporáneos, lo que refuerza el carácter caótico y desenfadado de la serie.
En cuanto a la historia, la serie se ambienta alrededor de los eventos de ‘Devil May Cry 3’, uno de los juegos más queridos de la franquicia. Introduce nuevos demonios y recupera otros conocidos, ofreciendo contexto y, en algunos casos, relleno en las bios de ciertos personajes, especial y evidentemente sobre Dante. Se introducen elementos de física cuántica como parte del lore demoníaco, algo que, hasta donde sé, no había sido mencionado en la saga, pero que aquí se usa como una interpretación más de la naturaleza del inframundo. No es un problema grave, pero puede desconcertar a los fans más puristas.
Uno de los aspectos más discutibles de la serie es su tono visual. Studio Mir apuesta por un estilo más colorido que choca con la estética lúgubre y oscura de los juegos, especialmente si recordamos los gráficos de PlayStation. Esto le resta parte de la sensación de terror y opresión que caracterizaba a los primeros ‘Devil May Cry,’ a cambio de reforzar el componente cómico de la serie, algo que en los juegos solía recaer exclusivamente en la actitud descarada de Dante. El episodio 6 es un claro ejemplo de esta dualidad: su uso de diversos estilos de animación es visualmente impresionante y emotivo, pero se aleja bastante del tono de la saga. Aún así, si reducimos la serie a mínimos, es un chorreo de acción sangrienta repleta de bosses.
En el apartado del doblaje, la gran sorpresa es Johnny Yong Bosch como la voz de Dante. Bosch, conocido por ser el Power Ranger negro, Kaneda en ‘Akira’, Ichigo Kurosaki en ‘Bleach’ y Ken en ‘Street Fighter’ (para el cual hay guiño nostálgico en la serie), ya tenía relación con la franquicia al haber sido la voz de Nero en los videojuegos. Su fichaje como Dante resulta curioso y viene tras la salida de Reuben Langdon, quien había interpretado al personaje durante 19 años. Langdon, actor, luchador en artes marciales y especialista en captura de movimiento, se distanció de Capcom por cuestiones políticas, lo que llevó al estudio a optar por un cambio de voz. También es notable el homenaje en el primer episodio a Kevin Conroy, legendario actor de voz de Batman, quien aquí interpretaba a VP Baines.
A nivel de referencias, la serie cumple con creces. Elementos icónicos como la Force Edge de Sparda, las pistolas Ebony e Ivory y la espada Rebellion… están presentes, y la acción mantiene el espíritu frenético de los videojuegos. Aunque algunos cambios pueden generar debate entre los seguidores más veteranos, sobre todo los que humanizan a los demonios y les ponen en un contexto que parece responder a inquietudes actuales con las crisis migratorias. A este ‘Devil May Cry’ le falta la madurez, el dramatismo y la tragedia de la saga y le sobra algo de socarronería, pero no olvidemos que surge a partir de la que fue una gran precuela y el protagonista aún no tiene ese punto de madurez. Si obviamos eso, hay que reconocer que consigue capturar la esencia de ‘Devil May Cry’.
¿Casualidad o merecido? La serie en la que el karma juega con la tercera ley de Newton
Netflix continúa con uno de sus idilios más lucrativos y nos trae una nueva serie surcoreana. ‘Karma’ es una próxima serie y la tendréis en la parrilla de la plataforma el 4 de abril de 2025. Dirigida y escrita por Lee Il-hyung, la serie está basada en un webtoon homónimo y cuenta con un elenco destacado, incluyendo a Park Hae-soo, conocido por su papel en ‘El juego del calamar’, Shin Min-a, Lee Hee-joon, Kim Sung-kyun, Lee Kwang-soo y Gong Seung-yeon.
La trama se centra en seis personajes cuyas vidas se entrelazan de manera inesperada y desafortunada debido a decisiones impulsadas por la codicia y el deseo. Catástrofes personales, accidentes, malas decisiones, filosofía de vida cuestionable, ética reprochable… los protagonistas son unos malnacidos y unos cabroncetes. Todo ello, según la serie, les trae mal karma. La deriva de sus vidas les lleva a interrelacionarse con otras personas que también acumulan nubes negras sobre ellos. Dicho así suena como ‘Bronca’, el gran éxito de Netflix. Con un carácter menos cómico y más negro nos expone una cadena de sucesos entrelazados con misterio entremedias, con conexiones por resolver. Todo son casualidades o merecidos, según se quiera entender.
Entre los protagonistas de ‘Karma’ encontramos a un hombre que, tras presenciar un accidente misterioso, realiza un trato irreversible, una médica que enfrenta traumas de su infancia al reencontrarse con alguien de su pasado; o un individuo endeudado por inversiones fallidas en criptomonedas. Estos relatos se combinan para explorar temas de destino, venganza y las consecuencias de las acciones humanas, como si el destino hubiese tomado nota de la ley de acción y reacción de Newton. Desde luego que la serie te empuja a ser mejor ciudadano o por el contrario, un canalla más calculador. Desde luego es mucho más efectiva que ‘No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas’. Si lo miramos desde ciertas perspectivas algunos personajes son simpáticos buscavidas que se creen unos sabelotodo y realmente son unos pringados. Pero bajo otra perspectiva la serie muestra que nos pasa lo que nos pasa por que somos y estamos rodeados de calaña.
‘Karma’ ofrece una narrativa intensa y reflexiva sobre las interconexiones humanas y las repercusiones de nuestras elecciones. Es un thriller completamente negro con mucho drama psicológico. Te deja con mucha intriga tras cada uno de sus episodios y aporta grandes giros de guión, algunos pocos predecibles y otros sorprendentes, como el que nos reserva en su final. Quizá la solución de cada uno de los eventos que vemos esté tan medida y sea a veces tan fruto de lo premeditado que le reste ese sabor a “merecido”, pero este es un enredo la mar de interesante.
Una buena serie de ciencia ficción llega a nuestras pantallas
Punto Nemo, es el lugar del océano más alejado de cualquier tierra firme y se encuentra al sur del océano Pacífico. Muy cerca de aquí, es donde Lovecraft, sitúo R’lyeh. También y más importante para la trama de esta serie, es donde se halla el cementerio de naves espaciales, entre ellas se encuentra la Estación Espacial Mir.
Nos metemos en el buque Pentonkontors, allí conocemos a los miembros de una expedición oceonográfica formada por científicos y la Armada Española que van a investigar y concienciar al mundo de los problemas de la isla de plástico localizada en el Pacífico Sur. Una fuerte tormenta arrastra a los miembros de la expedición hasta una isla situada en los confines del planeta. Una antigua base rusa que hará que nuestros protagonistas se pongan al límite. Una isla situada en el Punto Nemo donde los misterios no pararán de aparecer.
Ha sido una grata sorpresa, pensé que me iba a encontrar algo más estilo thriller, con piratas y cosas así, que lo tiene. Pero también una historia de ciencia ficción que engancha y que es mucho más interesante que la historia de piratas. Y también hay un monstruo y por ello merece la pena esperar y ver que es lo que terminará ocurriendo en esta base rusa.
Como hemos visto en la sinopsis, la serie nos trae un mensaje bastante ecologista, comienzan explicando que van a por la terrible isla de plástico que está en medio del océano, para terminar con un mensaje, no solo ecologista si no también animalista. Esto es gracias a los personajes de Leander LeyVey y Alba Flores.
Felipe Pirazán, Leander LeyVey, Sara Matos, Oleg Kricunova,María Isabel, Null García, Michelle Calvo, Eric Masip, Nawja Nimri, Maxi Iglesias, Margarida Corceiro, Oscar Jaenada y Alba Flores, son los encargados de dar vida a esta tripulación que lo va a pasar fatal en esta isla de locos.
‘Punto Nemo’ es la primera serie española en grabar dentro de las instalaciones militares de San Vicente do Mar. Veremos también diferentes lugares de Madeira y Galicia de una manera totalmente diferente a lo que solemos ver. La verdad que no parece para nada que estemos en la Península y eso es porque el trabajo de localizaciones es muy bueno.
El maquillaje de la serie también es un punto fuerte, si que lo vamos a ver mucho más en los dos últimos episodios, pero merece la pena esperar, ya que el trabajo que han realizado es bastante bueno.
Dirigida por Denis Rovira, la serie está muy bien rodada y contada. Si que hay ciertos momentos en los que el montaje de la misma deja un poquito que desear. Se nota que tienen mucho metraje rodado y que a la hora de montar todo, no han tenido muy en cuenta el tema de racord. Pero es como la pega más grande que puedo tener y realmente no influye en la narración que es lo que más importa.
El 28 de marzo tendréis en Prime Video ‘Punto Nemo’, con 6 episodios de unos 45 minutos cada uno. En general me ha gustado mucho y me apetecía ver algo así en la industria española, que falta mucha ciencia ficción.
The Friends Experience nos hace formar parte de la mítica serie
Madrid se convierte en el epicentro de la nostalgia televisiva con la llegada de The FRIENDS Experience: The One in Madrid. A partir del 17 de marzo, los seguidores de la icónica serie podrán sumergirse en una recreación detallada de los escenarios que marcaron a toda una generación. Nosotros ya hemos podido hacerlo en el día en que la exposición ha abierto sus puertas a la prensa y no podemos más que recomendárosla.
Un recorrido por los escenarios más emblemáticos
Ubicada en el Pabellón 14.1 de IFEMA MADRID, esta experiencia ofrece a los visitantes la oportunidad de adentrarse en espacios meticulosamente recreados. Desde la famosa puerta morada del apartamento de Rachel y Mónica hasta el acogedor sofá del Central Perk, cada rincón ha sido diseñado para transportar a los fans al universo de ‘Friends’ hasta el punto de que se podrían rodar nuevos episodios en ellos. Además, los asistentes pueden relajarse en los sillones reclinables de Chandler y Joey, o intentar girar el sofá de Ross en la icónica escena del «Pivot».
Detalles que enamoran a los fans
The Friends Experience no se limita a los escenarios. Los visitantes pueden explorar una selección de accesorios y disfraces originales de la serie, incluyendo el disfraz de Armadillo Navideño y una réplica de Hugsy (Abracín), el entrañable pingüino de Joey. Estos elementos permiten a los asistentes conectar aún más con los momentos memorables de la serie. Se puede desde posar en la fuente de la cabecera hasta explorar los detalles detrás de las cámaras. Además los paneles informativos desvelan secretos que seguro que hasta el más fan de la serie tendrá que reconocer que le coge de nuevas.
Planificación de la visita
Fechas: Del 17 de marzo al 29 de junio de 2025.
Horarios:
Lunes a jueves: de 16:00 a 20:30 horas (cierre a las 21:30).
Viernes a domingo: de 10:00 a 20:30 horas (cierre a las 21:30).
Ubicación: Recinto Ferial de IFEMA MADRID, Pabellón 14.1.
Duración de la visita: Aproximadamente una hora por sesión.
Accesibilidad: La experiencia es accesible para personas con movilidad reducida.
Entradas y reservas
Las entradas están disponibles desde el 11 de febrero y pueden adquirirse a través de la página oficial. Los precios rondan los 16 euros, ofreciendo una oportunidad de entradas reducidas para que todos los fans puedan disfrutar de esta inmersión en el mundo de ‘Friends’.
Cómo llegar a The Friends Experience
Metro: Línea 8 hasta la estación Feria de Madrid, con una caminata de aproximadamente 5 minutos hasta el pabellón.
Autobús: Líneas 73, 112, 122 y 828 con parada en IFEMA – Feria de Madrid.
Coche: Acceso directo desde la M-11, salidas 5 o 7, con opciones de aparcamiento en el recinto.
Crunchyroll ha anunciado hoy que ‘Gachiakuta’, el siguiente gran éxito de anime shonen basado en el manga actualmente serializado en el Weekly Shonen Magazine de Kodansha, se emitirá en exclusiva en la plataforma en verano de 2025. Producida por el aclamado estudio Bones Film (‘My Hero Academia’, ‘Fullmetal Alchemist: Brotherhood’), ‘Gachiakuta’ está lista para cautivar al público con su electrizante acción, su estilo artístico único inspirado en el graffiti y su intensa historia de venganza situada en una ciudad flotante de un mundo distópico en la que tanto la basura como los criminales son arrojados a un abismo sin fin.
‘Gachiakuta’ sigue la historia de Rudo, un joven marginado acusado de asesinato y enviado al exilio a un erial conocido como el Abismo. Tras sobrevivir al descenso hasta este nuevo mundo, deberá luchar contra monstruosas bestias para sobrevivir mientras se abre camino por un mundo brutal con la esperanza de regresar a su hogar y obtener la venganza.
Los derechos de exclusividad de Crunchyroll incluyen su emisión mundial en streaming (excluyendo Bielorrusia, Rusia y Asia, pero incluyendo India), asegurándose así de que fans de todo el mundo podrán vivir la experiencia de ‘Gachiakuta’.
El anime estará dirigido por Fumihiko Suganuma (director jefe de episodio y artista storyboard en ‘Train to the End of the World’) en lo que supone su primera serie como director. La composición de la serie corre a cargo de Hiroshi Seko (‘DAN DA DAN’, ‘Chainsaw Man’, ‘JUJUTSU KAISEN’, ‘Ataque a los Titanes Temporada Final’). Satoshi Ishino (‘Date A Live’, ‘Tokyo Mew Mew New’) se encargará del diseño de personajes de la serie y también será el director jefe de animación. La música de la serie será creada por el reconocido compositor Taku Iwasaki (‘Bungo Stray Dogs’, ‘Shin Kamen Rider’).
‘Gachiakuta’ es un manga de acción escrito e ilustrado por el artista manga Kei Urana y el artista del graffiti Hideyoshi Andou. Comenzó su serialización en el Weekly Shonen Magazine de Kodansha en febrero de 2022 y ganó el Global Special Prize en la categoría de cómic de los Next Manga Awards 2022. Mientras desarrollaba el concepto de la serie, Urana pensó que incorporar el arte del graffiti la haría más interesante y reclutó al artista de graffiti Hideyoshi Andou.
En España el manga de ‘Gachiakuta’ se ha publicado desde 2023 por Norma Editorial.
Sinopsis oficial:
¡Regresa desde el mismo Abismo para transformar esta porquería de mundo!
Rudo vive en los barrios marginales de una ciudad flotante donde los pobres sobreviven a la sombra de los ricos, quienes simplemente tiran su basura al Abismo. Un día es acusado de un asesinado que no ha cometido y lo condenan al exilio, arrojándolo al Abismo con el resto de la basura. En la superficie, los desechos de la humanidad han creado monstruos feroces, y si Rudo quiere tener alguna esperanza de descubrir la verdad y vengarse de aquellos que lo lanzaron a ese infierno, tendrá que dominar un nuevo poder y unirse a un grupo conocido como los Limpiadores, quienes luchan contra las enormes bestias del Abismo.
El próximo 28 de marzo, llega ‘Manual para señoritas’, una comedia romántica de época creada por Gema R. Neira y María José Rustarazo. Esta nueva serie de ficción, cuenta con 8 episodios y está producida por Bambú Producciones y cuenta con Gema R. Neira como productora ejecutiva y Ramón Campos como productor.
‘Manual para señoritas’ está dirigida por Carlos Sedes y Claudia Pinto y escrita por Gema R. Neira, María José Rustarazo, Salvador S. Serrano, Sara Alquezar y Ricardo Jornet.
En el reparto encontramos a Nadia de Santiago, Álvaro Mel, Isa Montalbán, Zoe Bonafonte, Iratxe Emparán, Tristán Ulloa, Carloto Cotta, Paula Usero, Candela Pradas, María Barranco, Itziar Manero, María Caballero y Gracia Olayo, entre otros.
Os dejamos el tráiler de la serie junto con su cartel y la sinopsis.
Sinopsis.
Madrid, 1880. Elena Bianda es la dama de compañía más solicitada de toda la ciudad. A pesar de su juventud, ya son más de 20 las damas que bajo su tutela han tenido un noviazgo y cortejo decentes. Su éxito radica en ser rígida en moralidad con sus familias y sensible a las preocupaciones de las damas. Un complicado equilibrio que Elena maneja a la perfección. Ha nacido para ello: verlas pasar con éxito por el altar es, sencillamente, toda su vida. Todo esto cambia cuando llega a casa de los Mencía y tiene que hacerse cargo de 3 hermanas.
Basada en la serie de libros superventas de fantasía épica de Robert Jordan y coproducida por Sony Pictures Television y Amazon MGM Studios, llegará a Prime Vídeo con los tres primeros episodios. Tras la primera semana habrá un nuevo capítulo disponible en Prime Vídeo como parte de la suscripción Prime.
‘La rueda del tiempo’ se ha consolidado como un éxito monumental para el servicio. La serie teje una historia de magia, destino y aventuras que ha capturado la imaginación de los fans de todo el mundo. En 2021, la primera temporada se convirtió en el mayor estreno de una serie original en la historia de Prime Vídeo, destacando tanto en alcance como en suscripciones. Aún se mantiene entre los tres mejores estrenos de serie de todos los tiempos en Prime Vídeo por detrás de ‘El Señor de los Anillos: Los Anillos del Poder’ y ‘Fallout’.
La serie, está protagonizada por Rosamund Pike, Daniel Henney, Josha Stradowski, Zoë Robins, Madeleine Madden, Marcus Rutherford, Dónal Finn, Ceara Coveney, Kate Fleetwood, Natasha O’Keeffe, Ayoola Smart, Kae Alexander, Sophie Okenedo y Shohreh Aghdashloo.
A continuación os dejamos el tráiler de la nueva temporada junto con su cartel.
La temporada continuará la historia en donde quedó el final de la segunda temporada tras derrotar a Ishamael, uno de los Renegados más poderosos, Rand se reúne con sus amigos en la ciudad de Falme y es declarado El Dragón Renacido. Pero en la tercera temporada las amenazas contra la Luz se están multiplicando: la Torre Oscura está dividida, el Ajah Negro está libre, antiguos enemigos regresan a Dos ríos y los Renegados que quedan persiguen al Dragón… incluido Lanfear, cuya relación con Rand implicará una elección crucial entre la Luz y la Oscuridad para ambos. Mientras los lazos con su pasado empiezan a desarrollarse y sus poderes corruptos se hacen más fuertes, Rand se vuelve cada vez más irreconocible ante sus aliados más cercanos, Moiraine y Egwene. Estas poderosas mujeres, que empezaron la serie como maestra y estudiante, deben ahora trabajar juntas para prevenir que el Dragón se vuelva hacia la Oscuridad… cueste lo que cueste.
La nueva serie de Guy Ritchie llega a SkyShowtime. ‘MobLand’ se centra en el jefe de una familia del crimen organizado que lucha por el poder dentro de un sindicato del crimen global.
Tom Hardy, Pierce Brosnan, Paddy Considine, Joanne Froggatt, Lara Pulver, Anson Boon, Mandeep Dhillon, Jasmine Jobson, Geoff Bell, Daniel Betts, Lisa Dwan, Emily Barber y es parte del elenco que veremos en esta serie que llega a nuestras pantallas el próximo 9 de junio.
Producida en asociación con MTV Entertainment Studios y 101 Studios, la serie está distribuida por Paramount Global Content Distribution.
‘MobLand’ cuenta con Keith Cox, Nina L. Díaz, David C. Glasser, Guy Ritchie, Jez Butterworth, Ronan Bennett, Kris Thykier, Ivan Atkinson, Tom Hardy, Dean Baker, Ron Burkle, David Hutkin y Bob Yari como productores ejecutivos.
Imposible no engancharse con sus protagonistas y sus nazarenos volando
Enrique Urbizu (‘Gigantes’, ‘No habrá paz para los malvados’) regresa con ‘Cuando nadie nos ve’, una serie que llega este 7 de marzo a HBO Max combinando el thriller policíaco con un sutil toque de lo fantástico. Basada en la novela de Sergio Sarria, la historia se despliega en Morón de la Frontera durante la Semana Santa, un entorno donde el fervor religioso y la presencia militar estadounidense crean un trasfondo tan peculiar como tenso. A lo largo de ocho episodios—uno por cada día de la Pasión—, la serie construye un misterio en el que se entrelazan un suicidio insólito, la desaparición de un militar y un nazareno que parece haber vivido una experiencia mística.
Desde el inicio, la serie maneja con solvencia su suspense, apoyándose en una atmósfera inquietante y una narrativa pausada pero inmersiva. La clave está en la pareja protagonista: Maribel Verdú, en el papel de una guardia civil con instinto y determinación, y Mariela Garriga, como una militar estadounidense que aporta una perspectiva foránea y racionalista. Juntas conforman un dúo con ecos de ‘True Detective’ o siguiendo la estela del neo noir nórdico, es decir, cogiendo elementos clásicos de las historias detectivescos adaptándose al folclore y las hechuras locales. Aunque no a menudo comparten escena, la química entre los personajes y su manera de abordar el caso es tan importante como el propio misterio.
A diferencia de otras producciones que despachan una trama similar en un solo episodio—como ‘NCIS’ o cualquier procedimental norteamericano—, ‘Cuando nadie nos ve’ se toma su tiempo para desarrollar capas más profundas. La serie no solo investiga un crimen, sino que también reflexiona sobre la fe, el destino y los límites entre la razón y lo inexplicable. Urbizu introduce elementos fantásticos a través de visiones y alucinaciones que, sin ser abiertamente sobrenaturales, añaden una dimensión inquietante al relato.
El escenario es un acierto: la Semana Santa en Andalucía, con sus procesiones, su imaginería y su intensidad emocional, se convierte en un personaje más. La convivencia entre la tradición española y la presencia militar estadounidense en Morón de la Frontera añade un subtexto de choque cultural que enriquece la historia.
Austin Amelio, Ben Temple y Dani Rovira, entre otros, completan un reparto sólido, con Rovira alejándose de su faceta más cómica para abordar un papel circunspecto que maneja con recursos. En definitiva, ‘Cuando nadie nos ve’ no es un thriller al uso. Es una historia que retrata nuestra España y que se cuece a fuego lento, con una intención que va más allá del mero entretenimiento.
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