Crítica: ‘Polígono X’

Sinopsis

Unas canchas de fútbol de barrio. Rana y su equipo se sienten humillados por los brasileños del barrio de al lado, que les ganan desde hace tiempo. Pero hoy no van a permitirse perder y menos delante de Alba, la ex de Rana, saliendo a jugar contra ellos en una partida de cinco contra cinco en donde todos tienen algo contra todos. Esta es la oportunidad perfecta para los chicos del barrio Polígono X de hacer algo que llevan esperando mucho tiempo: expulsar a los brasileños de su barrio.

Crítica

Un retrato sin concesiones de la tensión del cemento

Hay que decirlo desde el inicio: pocos cortos logran condensar con tanta precisión y tensión narrativa un universo tan reconocible como el que plantea Néstor López en ‘Polígono X’. Un director que ya sabe lo que es levantar un Goya, vaticinamos hace poco el éxito de ‘Semillas de Kivu’ y aprovechamos esta ocasión para dar nuestra sincera enhorabuena. Esta vez nos golpea con una pieza compacta y brutal que se mueve con la precisión de una coreografía… pero sin artificios, sin alardes vacíos. Aquí, el plano secuencia no es un capricho técnico, es una necesidad narrativa que sirve para subrayar la tensión psicológica, el asedio de gallitos y la sensación de que algo puede explotar en cualquier momento.

Uno de los méritos y aciertos de ‘Polígono X’ reside en cómo consigue que la cámara se convierta en un personaje más, un testigo que respira el mismo aire cargado que los protagonistas. No hay cortes y tampoco hay pausas. Todo fluye con una naturalidad inquietante, como si de manera arriesgada la cámara se hubiese sumergido en un barrio real y a modo de documental. Esa cámara nerviosa pero precisa no solo capta la acción sino también el contexto: esas fachadas desconchadas, ese lenguaje corporal endurecido por los años, esa jerga que es tan música como amenaza.

‘Polígono X’ no habla solo de un conflicto puntual: habla de una cultura enquistada, de una masculinidad tóxica que sobrevive inexplicablemente al paso del tiempo. Viviendo actualmente con bombardeo de discursos progresistas y de un audiovisual que enarbola discursos en aras de la igualdad, sorprende que aun parece lejos el ganar pulso a “los trogloditas” que necesitan el refuerzo físico para sentirse alguien. En pleno siglo XXI, cuando las pantallas han educado a generaciones enteras y deberían habernos enseñado otras formas de ser, López nos recuerda que hay realidades donde la evolución no ha llegado, o ha llegado a medias. Y no lo hace desde la superioridad moral ni el panfleto: lo hace desde una mirada que parece fruto de la observación, desde una mirada que entiende el barrio, tanto como los que hemos crecido en él y lo hemos mamado casi como firma de vida.

En este sentido, quienes hemos transitado esas calles, esas pistas de fútbol sala donde se juega más que el marcador, encontramos en ‘Polígono X’ una fidelidad completa, vibrante. Porque no es solo el decorado, es el código gestual, la violencia sorda que se esconde tras mirada, el orgullo ridículo que se convierte en detonante de una tragedia. López clava estos matices con precisión y lo hace apoyado en un reparto que parece no actuar, sino simplemente estar. Ahí está el otro gran acierto del corto. Juan José Ballesta suma una nueva interpretación que clava los patrones de aquellos que son endémicos de las calles de la España de los 2000. Pero no solo él, sino que todo un reparto encabezado realmente por Guillermo Hego, que compone una pandilla veraz que podríamos cruzarnos si salimos ahora mismo a barrios madrileños de zonas como Carabanchel, Vallecas, El Pilar o Villaverde.

El corto se ve rápido, sí, pero deja una sensación amarga que permanece. Como una bronca mal cerrada o una conversación pendiente. ‘Polígono X’ es cine social, quizá la versión actual del cine quinqui de los 70 u 80. Sin florituras, sin condescendencias. Una ventana para quienes no quieren mirar y un recordatorio para los que vivimos o hemos vivido momentos como este.

Ficha de la película

Estreno en España: 2025. Título original: Polígono X. Duración: 15 min. País: España, Francia. Dirección: Néstor López. Guion: Néstor López. Fotografía: Juanjo Sánchez. Reparto principal: Guillermo Hego, Juan José Ballesta, Deivis de Jesús, Carlos Cábalas, Antonio Belvis, Anjel Collado, Alba Tissera. Producción: Filmakers Monkeys, Cvpvla Studio, La Última Sensación, The Other Films, La Luna Productions. Distribución: La Luna Productions. Género: drama. Web oficial: https://laultimasensacion.com/project/poligono-x/

Crítica: ‘Guillermo Tell’

En qué plataforma ver Guillermo Tell

Sinopsis

En 1307, las fuerzas austriacas oprimen al pueblo suizo. Guillermo Tell juró no volver a usar la violencia tras su paso por las Cruzadas, pero se ve obligado a unirse a la rebelión para detener el derramamiento de sangre.

Como castigo, el gobernador Gessler obliga a Tell a disparar una manzana sobre la cabeza de su hijo Walter, de lo que saldrá ileso por sus habilidades con la ballesta. Gessler hace cautivos a Tell y a la princesa Bertha de Habsburgo, que rápidamente escapan.

Tell regresa para liderar una rebelión contra los invasores austriacos, buscando venganza tras el saqueo de su ciudad y la muerte de su esposa.

Crítica

Una clara heredera del cine de aventuras de los 90

Quizás si se hubiese estrenado allá en los 90, ‘Guillermo Tell’ hubiese sido un gran bombazo. La cinta puede recordar a ‘Braveheart’ o a ‘Rob Roy’. Una película que nos cuenta una gran revuelta contra la monarquía del momento. Ganas de independencia y terribles mandatarios que no hacen más que destruir a un pueblo que lo único que quiere es libertad.

Estamos en 1307, donde las fuerzas austriacas oprimen al pueblo suizo. Guillermo Tell se juró no volver a usar la violencia tras su paso por las Cruzadas. Pero después de que el gobernador Gessler le obligue a disparar una manzana sobre la cabeza de su hijo decide liderar una rebelión contra los austriacos

Nick Hamm es el encargado de dirigir esta cinta, llena de preciosas imágenes de los Alpes Suizos, donde vemos caminar a este héroe. Con muy buenas imágenes a la hora de mostrarnos las grandes luchas. Como he comentado, muy a lo cine de finales de los 90 y principios de los 2000. Con grandes escenarios, muchos extras y excelentes vestuarios. Todo muy cuidado, pero a la vez ‘Guillermo Tell’ tiene la falla de ser muy larga. Tiene un ritmo que en la actualidad puede parecer un tanto lento, sobre todo, porque tampoco cuenta tanto, como para alargar más la película.

Claes Bang, es el encargado de dar vida a este héroe. Le da una templanza enorme a este personaje que apenas tiene carisma. Pero aun así logra crear un hombre bastante real. Después de verle en la serie de ‘Drácula’ de Netflix, he de decir que su actuación cambia totalmente.

Su némesis, Gessler, está interpretado por Connor Swindells, de ‘Sex Education’. Gessler es un personaje déspota y odioso. Y el joven actor lo borda.

En el reparto tenemos caras muy conocidas, como Golshifteh Farahani, Jonah HauerKing, Rafe Spall, Emily Beecham, Ellie Bamber, Amar ChadhaPatel, Solly McLeod, Billy Postlethwaite o Sam Keeley. Además, hay dos apariciones estelares como son Jonathan Pryce y Ben Kingsley.

Por último, como curiosidad, comentar que no hay ninguna prueba histórica acerca de la existencia de Guillermo Tell, aparece un relato en una antigua crónica. Muchos historiadores creen que realmente es una figura legendaria. Pero aun así su historia es totalmente una gran leyenda para los suizos.

‘Guillermo Tell’ es un buen entretenimiento, realizado como las películas de antaño y que nos da una buena sesión de aventuras, pese a su duración. 

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de abril de 2025. Título original: William Tell. Duración: 133 min. País: Reino Unido. Dirección: Nick Hamm. Guion: Nick Hamm. Música: Steven Price. Fotografía: Jamie Ramsay. Reparto principal: Claes Bang, Connor Swindells, Ben Kingsley, Golshifteh Farahani, Jonah Hauer-King,  Emily Beecham, Jonathan Pryce, Rafe Spall, Ellie Bamber, Amer Chadha-Patel. Producción: Free Turn, Tempo Productions, Beta Cinema, Prime Focus Studios, Groenlandia, Cineroma SRL. Distribución: Beta Fiction Spain. Género: aventura, drama. Web oficial: https://www.tempoproductions.net/film/william-tell

Crítica: ‘Devil May Cry’

En qué plataforma ver Devil May Cry

Amplía el lore a través de un Dante menos maduro y en una etapa menos sombría

Cuando Netflix anunció su adaptación animada de ‘Devil May Cry’, las expectativas quedaron marcadas por dos factores clave en extremos opuestos: el historial de fracasos en adaptaciones de videojuegos de la industria norteamericana y el éxito de ‘Castlevania’, una serie con la que comparte estudio de animación y showrunner, Adi Shankar. La saga de Capcom ya había tenido otros intentos previos en televisión, como la serie de 2007 y otra en 2013, ambas con ligera aceptación por los fans. Ahora, con un equipo más experimentado y un público más receptivo a este tipo de proyectos, ¿logra ‘Devil May Cry’ redimirse en el formato animado?

Netflix estrena esta serie el 3 de abril con 8 episodios de media hora cada uno. Desde los primeros segundos, la serie deja clara su intención de jugar con el factor nostalgia. Nada más empezar, nos regala un guiño a ‘Masters del Universo’ y otros clásicos Capcom de los 90, como ‘Captain Commando’ o ‘Resident Evil’. El opening, con la versión censurada de Rollin’ de Limp Bizkit, es una declaración de intenciones: nos sitúa en ese ambiente de finales de los 90 y principios de los 2000, justo antes del nacimiento de la saga. A lo largo de los episodios la banda sonora sigue esta línea con temas remezclados de Rage Against the Machine, Papa Roach, Evanescence y otros contemporáneos, lo que refuerza el carácter caótico y desenfadado de la serie.

En cuanto a la historia, la serie se ambienta alrededor de los eventos de ‘Devil May Cry 3’, uno de los juegos más queridos de la franquicia. Introduce nuevos demonios y recupera otros conocidos, ofreciendo contexto y, en algunos casos, relleno en las bios de ciertos personajes, especial y evidentemente sobre Dante. Se introducen elementos de física cuántica como parte del lore demoníaco, algo que, hasta donde sé, no había sido mencionado en la saga, pero que aquí se usa como una interpretación más de la naturaleza del inframundo. No es un problema grave, pero puede desconcertar a los fans más puristas.

Uno de los aspectos más discutibles de la serie es su tono visual. Studio Mir apuesta por un estilo más colorido que choca con la estética lúgubre y oscura de los juegos, especialmente si recordamos los gráficos de PlayStation. Esto le resta parte de la sensación de terror y opresión que caracterizaba a los primeros ‘Devil May Cry,’ a cambio de reforzar el componente cómico de la serie, algo que en los juegos solía recaer exclusivamente en la actitud descarada de Dante. El episodio 6 es un claro ejemplo de esta dualidad: su uso de diversos estilos de animación es visualmente impresionante y emotivo, pero se aleja bastante del tono de la saga. Aún así, si reducimos la serie a mínimos, es un chorreo de acción sangrienta repleta de bosses.

En el apartado del doblaje, la gran sorpresa es Johnny Yong Bosch como la voz de Dante. Bosch, conocido por ser el Power Ranger negro, Kaneda en ‘Akira’, Ichigo Kurosaki en ‘Bleach’ y Ken en ‘Street Fighter’ (para el cual hay guiño nostálgico en la serie), ya tenía relación con la franquicia al haber sido la voz de Nero en los videojuegos. Su fichaje como Dante resulta curioso y viene tras la salida de Reuben Langdon, quien había interpretado al personaje durante 19 años. Langdon, actor, luchador en artes marciales y especialista en captura de movimiento, se distanció de Capcom por cuestiones políticas, lo que llevó al estudio a optar por un cambio de voz. También es notable el homenaje en el primer episodio a Kevin Conroy, legendario actor de voz de Batman, quien aquí interpretaba a VP Baines.

A nivel de referencias, la serie cumple con creces. Elementos icónicos como la Force Edge de Sparda, las pistolas Ebony e Ivory y la espada Rebellion… están presentes, y la acción mantiene el espíritu frenético de los videojuegos. Aunque algunos cambios pueden generar debate entre los seguidores más veteranos, sobre todo los que humanizan a los demonios y les ponen en un contexto que parece responder a inquietudes actuales con las crisis migratorias. A este ‘Devil May Cry’ le falta la madurez, el dramatismo y la tragedia de la saga y le sobra algo de socarronería, pero no olvidemos que surge a partir de la que fue una gran precuela y el protagonista aún no tiene ese punto de madurez. Si obviamos eso, hay que reconocer que consigue capturar la esencia de ‘Devil May Cry’.

Crítica: ‘Karma’

En qué plataforma ver Karma

¿Casualidad o merecido? La serie en la que el karma juega con la tercera ley de Newton

Netflix continúa con uno de sus idilios más lucrativos y nos trae una nueva serie surcoreana. ‘Karma’ es una próxima serie y la tendréis en la parrilla de la plataforma el 4 de abril de 2025. Dirigida y escrita por Lee Il-hyung, la serie está basada en un webtoon homónimo y cuenta con un elenco destacado, incluyendo a Park Hae-soo, conocido por su papel en ‘El juego del calamar’, Shin Min-a, Lee Hee-joon, Kim Sung-kyun, Lee Kwang-soo y Gong Seung-yeon. ​

La trama se centra en seis personajes cuyas vidas se entrelazan de manera inesperada y desafortunada debido a decisiones impulsadas por la codicia y el deseo. Catástrofes personales, accidentes, malas decisiones, filosofía de vida cuestionable, ética reprochable… los protagonistas son unos malnacidos y unos cabroncetes. Todo ello, según la serie, les trae mal karma. La deriva de sus vidas les lleva a interrelacionarse con otras personas que también acumulan nubes negras sobre ellos. Dicho así suena como ‘Bronca’, el gran éxito de Netflix. Con un carácter menos cómico y más negro nos expone una cadena de sucesos entrelazados con misterio entremedias, con conexiones por resolver. Todo son casualidades o merecidos, según se quiera entender.

Entre los protagonistas de ‘Karma’ encontramos a un hombre que, tras presenciar un accidente misterioso, realiza un trato irreversible, una médica que enfrenta traumas de su infancia al reencontrarse con alguien de su pasado; o un individuo endeudado por inversiones fallidas en criptomonedas. Estos relatos se combinan para explorar temas de destino, venganza y las consecuencias de las acciones humanas, como si el destino hubiese tomado nota de la ley de acción y reacción de Newton. Desde luego que la serie te empuja a ser mejor ciudadano o por el contrario, un canalla más calculador. Desde luego es mucho más efectiva que ‘No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas’. Si lo miramos desde ciertas perspectivas algunos personajes son simpáticos buscavidas que se creen unos sabelotodo y realmente son unos pringados. Pero bajo otra perspectiva la serie muestra que nos pasa lo que nos pasa por que somos y estamos rodeados de calaña.

‘Karma’ ofrece una narrativa intensa y reflexiva sobre las interconexiones humanas y las repercusiones de nuestras elecciones. Es un thriller completamente negro con mucho drama psicológico.​ Te deja con mucha intriga tras cada uno de sus episodios y aporta grandes giros de guión, algunos pocos predecibles y otros sorprendentes, como el que nos reserva en su final. Quizá la solución de cada uno de los eventos que vemos esté tan medida y sea a veces tan fruto de lo premeditado que le reste ese sabor a “merecido”, pero este es un enredo la mar de interesante.

Crítica: ‘Sorda’

En qué plataforma ver Sorda

Sinopsis

Ángela, una mujer sorda, va a tener un bebé con Héctor, su pareja oyente. La llegada de la niña altera la relación de pareja, y lleva a Ángela a afrontar la crianza de su hija en un mundo que no está hecho para ella.

Crítica

Un relato poderoso sobre la comunicación en todas sus formas

La ópera prima de Eva Libertad, ‘Sorda’, se alza como una de las propuestas más conmovedoras y casi obligatorias del cine español reciente. Ganadora de dos premios en Berlín y de la Biznaga de Oro a la mejor película española en el Festival de Málaga, así como del premio del público y de los galardones ex aequo a mejor interpretación para Miriam Garlo y Álvaro Cervantes, la película aborda con sensibilidad las barreras comunicativas y emocionales que enfrenta una pareja en la que uno de sus miembros es sordo y el otro oyente, especialmente en el reto de la paternidad.

A través de la historia de los personajes de Ángela y Héctor, Sorda explora los desafíos que surgen cuando una pareja compuesta por una persona sorda y oyente deciden traer alguien a este mundo. La llegada del bebé intensifica las dificultades de comunicación, la incertidumbre sobre cómo enfrentar la crianza y la necesidad de encontrar un equilibrio en una sociedad que sigue sin estar completamente adaptada a la diversidad funcional. La película no solo denuncia las barreras externas que se encuentran aquellos que no son oyentes, sino también las internas, aquellas que nacen de los miedos, las inseguridades y las múltiples o posibles faltas de entendimiento dentro de la pareja.

‘Sorda’ construye con sutileza un relato entrañable y cotidiano que, en su tercer acto, despliega con mayor claridad las inquietudes y dilemas que atraviesa la pareja protagonista. Es especialmente valioso que el filme evite caer en el melodrama fácil, alejándose de los conflictos basados en discusiones o tragedias. En cambio, abre un debate que muchos jamás se habrán planteado. Para aquellos menos familiarizados con la comunidad sorda, o incluso para quienes desconocen la relevancia de la lengua de signos en la vida de tantas personas, la película supone una auténtica inmersión en una realidad distinta, especialmente en sus últimos diez minutos. La controversia radica en la diferencia entre aceptar y desear tener un hijo sordo. Mientras algunos padres no oyentes rechazan la idea de criar hijos CODA (oyentes con padres sordos), lo que algunos consideran una postura contraria a la evolución, los abuelos, por otro lado, temen transmitir una herencia que implique el reto adicional. Además, la película aborda con sensibilidad la compleja transición de quienes deben salir de la comunidad en la que se sienten comprendidos para integrarse en entornos ajenos que la paternidad les impone.

El trabajo de Miriam Garlo es sobresaliente, aportando una autenticidad única a su personaje. Su expresividad y dominio del lenguaje corporal logran transmitir la complejidad emocional de Ángela sin necesidad de artificios. Por su parte, Álvaro Cervantes ofrece una interpretación matizada, encarnando con sensibilidad el papel de un hombre que, pese a su amor y voluntad de apoyo, se enfrenta a dificultades que no siempre sabe cómo manejar.

Con una puesta en escena sobria pero efectiva y un guion que equilibra lo íntimo con lo universal, Sorda no solo es un drama sobre la discapacidad auditiva, sino también un reflejo de los retos que enfrentan muchas parejas al convertirse en padres. Es, en última instancia, una llamada a la empatía y la comprensión, recordándonos que la comunicación va mucho más allá de las palabras.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de abril de 2025. Título original: Sorda. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Eva Libertad. Guion: Eva Libertad. Música: Aránzazu Calleja. Fotografía: Gina Ferrer. Reparto principal: Miriam Garlo, Álvaro Cervantes, Elena Irureta, Joaquín Notario. Producción: Distinto Films, Nexus CreaFilms. Adolfo Blanco, RTVE, Movistar Plus+, La7, ICAA, ICEC, Región de Murcia, Ayuntamiento de Molina de Segura. Distribución: A Contracorriente Films, Latido Films. Género: drama. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/deaf-2

Crítica: ‘A Working Man’

En qué plataforma ver A Working Man

Sinopsis

Levon Cade (Statham) ha dejado atrás una laureada carrera militar en operaciones encubiertas para llevar una vida sencilla trabajando en la construcción. Pero el día que unos traficantes de personas secuestran a la hija de su jefe, a la que considera como de la familia, su búsqueda para rescatarla le descubre un mundo de corrupción mucho mayor de lo que jamás hubiera podido imaginar.

Crítica

Lo de Statham ya es más monótono que un trabajo de oficina

Si Jason Statham entregara su currículum en el SEPE, lo devolverían con una sola anotación: “Muy trabajador, especialista en venganza, puñetazos y cara de pocos amigos”. No hay nada nuevo en ‘A Working Man’, el enésimo vehículo de acción hecho a su medida, que bien podría titularse El ‘Transporter retirado.

‘A Working Man’ llega con la fórmula probada y reciclada de ‘Beekeeper’: mismo director (David Ayer), mismo protagonista (Statham) y misma productora (Cedar Park Entertainment). La sensación de déjà vu es tan fuerte que parece que en lugar de estrenar películas nuevas, Ayer simplemente reenvía la misma con un título diferente. Y si el año que viene nos sorprenden con ‘El carpintero’, ‘El fontanero’ o ‘El jardinero’ tampoco me sorprendería, aunque este último título se lo acaba de agenciar Van Damme. Statham se repite tanto como Gerard Butler, Liam Neeson, Aaron Eckhart y similares, no nos sorprende, pero cabía esperar más dado quien estaba implicado en este proyecto.

A pesar de que esta historia surge de la primera novela de la serie de libros Levon Cade de Chuck Dixon, el guión está firmado por Sylvester Stallone. Stallone quería hacer una serie sobre estos doce libros pero su intención se ha quedado, de momento en esta película que nos propone el clásico enfrentamiento de un hombre contra una amenaza imposible. Stallone y Statham ya habían coincidió en ‘Homefron (El protector)’ con una trama no muy diferente y un mundo de narcotraficantes. El mal a erradicar esta vez es el tráfico de personas, un tema recurrente en las ficciones conspiranoicas que obsesionan a la ultraderecha estadounidense. No es casualidad que Stallone, últimamente muy halagador hacia Donald Trump, escriba esta historia con el entusiasmo de quien cree que la solución a todos los problemas del mundo es un puñetazo bien dado.

El arranque de la película promete: una secuencia de créditos que parece sacada de un Call of Duty, con música épica y planos de armamento que harían salivar a la clientela de una tienda de armas de Texas en Black Friday. Pero una vez pasamos de la “intro”, la historia avanza con una parsimonia inesperada para un filme de acción. Se supone que Statham está en una misión de rescate contrarreloj… pero lo suyo es más bien una persecución sin prisa, como si en cualquier momento pudiera detenerse a hacer trámites administrativos. Eso sí, nos hace una guía de bares de los Estados Unidos que ni un free tour.

Los villanos son un espectáculo variado pero no precisamente memorable. Algunos parecen haber salido de una película de Guy Ritchie, con chándales de mercadillo y acentos de Europa del Este, pero sin la gracia ni el carisma que Ritchie sabe imprimir en sus maleantes. Otros parecen versiones de El Pingüino de Batman, pero menos sofisticados y tenemos también a una especie de Joker happy flower y encocado, con una interpretación que haría sonrojar hasta al Jared Leto de ‘Suicide Squad’. Premio para el villano encubierto, el abuelo de la niña con un sinfín de horteradas y sus tácticas fabianas.

Las escenas de acción cumplen con lo esperado: disparos con precisión imposible, explosiones aleatorias y coreografías de combate donde cada puñetazo suena como si alguien estuviera aporreando un bombo de la Orquesta Filarmonica de Viena. Todo ello muchas veces acompañado de una luna que aparece en el cielo con un tamaño tan descomunal que parece sacada de ‘Moonfall’ de Roland Emmerich. No sabemos si la luna está ahí para ambientar o para recordarnos que incluso los satélites naturales tienen más expresividad que algunos de los secundarios.

Michael Peña intenta aportar algo de drama a la historia, pero su personaje parece atrapado entre la seriedad y el deseo de hacer algún chiste para romper la tensión. Viéndolo aquí, uno no puede evitar imaginar que en cualquier momento se girará a la cámara y empezará a contar una de sus historias rápidas de ‘Ant-Man’, lo que, sinceramente, habría sido un gran añadido. En conclusión, ‘A Working Man’ es exactamente lo que parece: otra entrega en la saga infinita de “Jason Statham hace de Jason Statham”. Creo que va a rebufo de Homer Simpson e intenta haber trabajado en todas las profesiones posibles.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de marzo de 2028. Título original: A Working Man. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: David Ayer. Guion: Sylvester Stallone. Música: Jared Michael Fry. Fotografía: Shawn White. Reparto principal: Jason Statham, Jason Flemyng, Merab Ninidze, Maximilian Osinski, Cokey Falkow, Michael Peña, David Harbour. Producción: Black Bear, Block Films, Balboa Productions, CAT5, Cedar Park Entertainment, Punch Palace Productions, Balboa Productions. Distribución: Warner Bros. Género: acción. Web oficial: https://www.instagram.com/aworkingmanmovie/

Crítica: ‘Tierra de nadie’

 

 

 

Sinopsis

Esta es la historia de tres amigos. Mateo el Gallego, un heróico -a su pesar- guardia civil, Juan El Antxale, un pescador convertido en narco por la mala suerte y en el paro, y Benito el Yeye, un resignado e inteligente depositario judicial siempre a medio camino entre la ley y la delincuencia. Tres amigos separados por un lugar, Cádiz y un momento, el presente. Atrapados los tres entre el abandono de las instituciones, el violento e imparable ascenso del narco en la provincia y el peligroso aumento del descontento social. Tres amigos atrapados en un polvorín que pondrá a prueba su amistad.

Crítica

Un thriller de drogas con ecos de ‘El bueno, el feo y el malo’

Tras una buena carrera en el terror y el humor negro Albert Pintó se pasó a lo policial y el suspense, sobre todo en la televisión o plataformas. Ahora reaparece en las carteleras con ‘Tierra de nadie’ y nos sumerge en las entrañas del narcotráfico gaditano. Con este filme, sin reinventar el género, construye una historia más que solvente, sobre todo gracias a su trío protagonista y una puesta en escena que sabe sacar partido a sus momentos de tensión.

La película parte de una premisa conocida: el tráfico de drogas en el sur de España aunque también tiene ciertas conexiones con el norte. Como telón de fondo, una historia de lealtades, traiciones y supervivencia. En ese sentido, no evita algunos de los tópicos habituales del subgénero, desde la corrupción policial hasta el tema de los narcos latinos. Sin embargo, lo que la distingue es la dinámica entre sus tres personajes principales, interpretados con gran carisma por Luis Zahera, Karra Elejalde y Jesús Carroza. Los tres previamente ya han trabajado en historias relacionadas con las drogas y ahora interpretan a un guardia civil rígido pero que sabe cuando mirar hacia otro lado, un experimentado pero fiel traficante y el dueño de un depósito de coches que quiere optar a mejor vida, respectivamente. Su relación recuerda a la estructura de ‘El bueno, el feo y el malo’, donde cada uno encarna un arquetipo clásico dentro de este microcosmos de violencia y peligro: el veterano desencantado, el oportunista sin escrúpulos y el soñador superviviente atrapado en el fuego cruzado.

El guion destaca por unos diálogos tan coherentes como ágiles que, sin perder realismo, dotan de personalidad a los personajes y elevan la tensión en varias escenas clave. Pintó, además, demuestra su habilidad para la acción con una secuencia en el Puente de la Constitución de 1812 que se convierte en uno de los momentos más memorables del filme por constituirse como un enfrentamiento rodado con buen pulso.

En definitiva, ‘Tierra de nadie’ no rompe moldes, pero ejecuta con precisión los códigos del thriller. Se apoya en un trío actoral impecable y en una narración que, aunque predecible en algunos tramos, sabe mantener el interés. Además de eso se suma a la ya gruesa colección de películas sobre la droga en España que siempre tiene algún tipo de trasfondo real, en este caso además embadurnado de más de un buen plano que saca provecho a las costas gaditanas.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de marzo de 2025. Título original: Tierra de nadie. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Albert Pintó. Guion: Fernando Navarro. Música: Sara Cáceres Huerta. Fotografía: David Acereto. Reparto principal: Luis Zahera, Karra Elejalde, Jesús Carroza, Emilio Palacios, Vicente Romero, Paco Mora, Antonio Gil, Antonio Gómiz, Paula Díaz, Tamara Casellas, Mona Martínez, Jero Medina, Damián Alcázar. Producción: Amazon Prime Video, Canal Sur, Crea SGR, Esto también pasará, Film Factory Entertainment, Mogambo, SDB Films, RTVE. Distribución: Sony Pictures. Género: suspense. Web oficial: https://www.sonypictures.es/pelicula/tierra-de-nadie

Crítica: ‘Modigliani, tres días en Montparnasse’

En qué plataforma ver Modigliani, tres días en Montparnasse

Sinopsis

París, 1916. En un ambiente de vanguardia y bohemia, el artista Amadeo Modigliani vive días turbulentos recorriendo las calles, galerías y bares de la ciudad. Cuando su musa Beatrice Hastings y algunos fieles colegas le hacen replantearse su tentación de poner fin a su carrera y abandonar la ciudad, el enfrentamiento con un famoso coleccionista pondrá en jaque su destino.

Crítica

Un relato deambulante que bien podría estar inspirado por Valle Inclán o por James Joyce

‘Modigliani, tres días en Montparnasse’, dirigida por Johnny Depp (su segundo largo como director), nos sumerge en un período breve pero crucial en la vida de Amedeo Modigliani, el pintor y escultor italiano que encontró en el París de principios del siglo XX el escenario ideal para su atormentado genio. Ambientada en 1916, la película se desarrolla en un contexto de guerra, bohemia y luchas personales, donde el protagonista intenta consolidar su arte mientras enfrenta sus propios demonios y la indiferencia del mundo del “arte oficial”.

La bohemia parisina, que floreció en los barrios de Montmartre y Montparnasse, representaba un estilo de vida marcado por la libertad creativa, el rechazo a las normas burguesas y una existencia llena de privaciones materiales, pero rica en experiencias artísticas. Modigliani es una de sus figuras más icónicas, con su vida de excesos, amores trágicos y una lucha constante por el reconocimiento. La película intenta recrear ese desafío a lo normativo y capturar esa atmósfera de euforia y decadencia, mostrando la intensidad del mundo interior del artista y el choque con una sociedad que no supo valorar su talento en vida. Este es un relato deambulante por calles urbanitas del siglo XX que bien podría estar inspirado por Valle Inclán o por James Joyce.

Johnny Depp, en su faceta como director, parece haber encontrado en este personaje un reflejo de su propia sensibilidad artística y de su relación con la industria del entretenimiento. A lo largo de su carrera, ha estado vinculado a personajes excéntricos y fuera de la norma, lo que hace que su aproximación a Modigliani tenga un matiz personal. Su mirada cinematográfica busca transmitir la angustia del artista y la energía de la escena parisina de la época, algo que encaja bien con su estilo visual y narrativo. Todo ello contado con muchas pinceladas de su humor aventurero y picaresca, que en destellos fugaces funciona, pero en exceso roza lo ridículo.

Desde el inicio, la película presenta un retrato abierto de la bohemia, en ocasiones recurre a exageraciones estilísticas que pueden desentonar con el tono general de la historia y otras acierta a recurrir al cine mudo que daba sus primeros pasos. Hay momentos en los que la puesta en escena recuerda a personajes más extravagantes que Depp ha interpretado en el pasado, lo que puede generar un contraste inesperado con la imagen de Modigliani. A medida que avanza la trama, la cinta alterna entre momentos de introspección, discusiones sobre el arte y escenas que intentan reflejar la desesperación y genialidad del pintor, así como su amor por los desnudos femeninos.

Un acierto innegable de ‘Modigliani, tres días en Montparnasse’ es su dirección artística, que logra recrear con precisión el ambiente de París en aquella época. Las calles empedradas, los estudios de los artistas o los diferentes tipos de cafés  y tabernas ayudan a sumergir al espectador en ese mundo donde la creatividad y la miseria convivían estrechamente. Sin embargo, la estructura narrativa a veces se percibe fragmentada, con escenas que funcionan más como postales visuales que como parte de un relato fluido.

Riccardo Scamarcio encarna a Modigliani con intensidad, transmitiendo tanto su carisma como su carácter autodestructivo. Sin embargo, en algunos momentos su interpretación parece más exagerada de lo necesario, lo que puede restarle matices al personaje. La escena con Al Pacino, en un papel breve pero significativo, tiene las frases más definitorias en este largometraje que al fin y al cabo pretende definir la visión de Depp sobre el arte y el fin de la romantización del mismo por culpa de su comercialización. Ahí queda por otro lado la dedicatoria a Jeff Beck.

La banda sonora es otro elemento llamativo, combinando sonidos contemporáneos con la ambientación clásica, lo que añade una dimensión interesante pero que podría resultar anacrónica para algunos espectadores. La intención parece ser conectar la esencia rebelde de Modigliani con otras figuras artísticas de distintas épocas, pero la mezcla de estilos musicales no siempre encaja de manera orgánica con la puesta en escena.

‘Modigliani, tres días en Montparnasse’ es una exploración ambiciosa y personal de la figura de Modigliani, con una mirada apasionada sobre su vida y su entorno. Johnny Depp demuestra afinidad por el tema y por el protagonista, aunque algunas decisiones estilísticas y narrativas pueden no ser del gusto de todos. Para quienes buscan una aproximación visualmente impactante al París bohemio y a la lucha de un artista por dejar su huella, este filme ofrece una experiencia evocadora, aunque con altibajos en su ejecución.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de marzo de 2025. Título original: Modi, Three Days on the Wing of Madness. Duración: 114 min. País: Reino Unido. Dirección: Johnny Depp. Guion: Jerzy Kromolowski, Mary Olson-Kromolowski. Música: Sacha Puttnam, Stephen McLaughlin. Fotografía: Dariusz Wolski, Nicola Pecorini. Reparto principal: Riccardo Scamarcio, Stephen Graham, Al Pacino, Antonia Desplat, Bruno Gouery. Producción: IN.2 Film, Modi Productions II, Barry Navidi Productions, Ilbe, Westman Films, Red Sea Film Festival Foundation, Wold Vision, The World We Want Studios. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, biográfico. Web oficial: https://www.in2.film/filmography/

Crítica: ‘Sting. Araña asesina’

En qué plataforma ver Sting. Araña asesina

Sinopsis

Charlotte, una rebelde niña de 12 años, adopta una pequeña araña que encuentra en su ruinoso edificio como mascota. Esta empieza a adquirir un tamaño gigantesco y su apetito es cada vez más insaciable. Es entonces cuando Charlotte y su familia se ven atrapados y obligados a luchar por su supervivencia.

Crítica

Divertida y terrorífica 

El director y guionista de ‘Nekrotronic’ (aquí la crítica) nos trae a su peor pesadilla a la gran pantalla. Australiano tenía que ser, y es que según se cuenta, hay mil maneras de morir diferentes en Australia y sin duda, una de ellas es por culpa de arañas venenosas.

Kiah Roache-Turner, nos cuenta en ‘Sting. Araña asesina’ como la tranquila vida de un bloque de edificios en Nueva York se ve truncada con la aparición de una nueva inquilina que viene de fuera. Charlotte una adolescente decide acogerla en su ser y alimentarla para que crezca y crezca. Sting, esta terrorífica araña, caminará a sus anchas por todo el edificio causando el caos por donde pasa.

Sin duda me he divertido un montón con la película. El director sabe perfectamente aunar el terror con la comedia. Y no es que sea una comedia al uso, no, es una película de terror, pero con bastante humor, lo suficiente para poder respirar entre tanta tensión por culpa de la araña. Esto lo logra también con los protagonistas, que son un tanto ridículos.

Admito que al igual que al director, me dan un poquito de repelús estos bichitos de ocho patas, pero las películas que se hacen sobre ellas me encantan. Esa sensación que te dejan de estar recorriendo tus piernas, es terrorífica. Me pasó en su día con ‘Vernim’ y como digo con ‘Sting. Araña asesina’ me ha encantado.

Kiah Roache-Turner dirige de una manera muy ágil, haciendo que el edificio en el que estamos sea un protagonista más. Conoceremos todos sus recovecos, desde los conductos de ventilación al sótano hasta llegar a las distintas viviendas por las que va paseando esta horrible araña.

Como he comentado, Sting fue creada a partir del miedo que le dan las arañas de Kiah. Él, tenía muy claro como debía de ser la araña. Con esta información, fue hasta el taller de Weta Workshop, dirigido por el director creativo Richard Taylor (‘El Señor de los Anillos’). Juntos crearon un diseño único y muy realista. Y es que en Weta utilizaron su enorme impresora 3D para dar cuerpo y vida a este arácnido de color negro con una gran franja roja en su parte trasera, una araña típica de Australia y que es, para sopresa de nadie, muy venenosa. Este animatrónico es movido por varias personas gracias a todo el sistema de engranajes que lleva en su interior, que por cierto, también han sido en su mayoría impresos en 3D. Cuando hay un animatrónico, tan bien realizado hace que la película gane realidad, pese a que lo que te están contando es que una araña gigante está causando el caos en este edificio.

Noni Hazlehurst, Jermaine Fowler, Alyla Browne, Robyn Nevin, Ryan Corr, Penélope Mitchell, Danny Kim o Silvia Colloca son parte del festín de Sting. Personajes un tanto histriónicos que hacen de este edificio un poquito más real.

‘Sting. Araña asesina’ no es la película de terror del año, pero si que es una película que merece la pena verla en cines y pasar un buen rato. Una película simpática a la par que espeluznante.

 Ficha de la película

Estreno en España: 28 de marzo de 2025. Título original: Sting. Duración: 92 min. País: Australia. Dirección: Kiah Roache-Turner. Guion: Kiah Roache-Turner. Música: Ann Drubich. Fotografía: Brad Shield. Reparto principal: Noni Hazlehurst, Jermaine Fowler, Alyla Browne, Robyn Nevin, Ryan Corr, Kate Walsh, Penelope Mitchell, Jett Berry, Silvia Colloca, Lee Perry, Danny Kim, Tony Black, Alcira Caprio. Producción: Pictures in Paradise, See Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: Terror. Web oficial: https://diamondfilms.es/pelicula/sting-arana-asesina

Crítica: ‘Novocaine’

En qué plataforma ver Novocaine

Sinopsis

Cuando la chica de sus sueños (Amber Midthunder) es secuestrada, Nate (Jack Quaid), un chico corriente, convierte su incapacidad para sentir dolor en una fuerza inesperada en su lucha por recuperarla.

Crítica

Un chute de dolor y risas a partes iguales

Dan Berk y Robert Olsen nos lanzan ‘Novocaine’, una comedia de acción que juega con la paradoja de su protagonista: un hombre que no siente dolor en un mundo donde la violencia y la insensibilidad parecen la norma. Con Jack Quaid en el papel principal, la película ofrece una mezcla de humor, acción y una ligera carga emocional que la distingue dentro del género.

Lo habitual en el cine de acción es que el héroe (sea un curtido veterano o el más comedido vecino del barrio) consiga su objetivo a pesar de sufrir cortes, balazos, quemaduras y contusiones de todo tipo. Aguantan de tal manera las vicisitudes de la acción que esas películas hay que enmarcarlas dentro del género fantástico. Pero… ¿y si nuestro héroe se juega la vida de manera inconsciente y temeraria debido a una enfermedad que le impide sufrir dolor? ¿Y si la adrenalina y las hormonas del amor le impulsan a hacer lo imposible? Nathan Caine (Quaid) es un gerente de banco con CIPA, una rara condición que lo hace incapaz de sentir dolor físico, pero si sentimental, como demuestra cuando narra sus historias de acoso escolar o se compadece de sus clientes deudores. Su vida está calculada a todo riesgo y evita cualquier tipo de sobresaltos hasta que su interés romántico, Sherry (Amber Midthunder), es secuestrada durante un asalto perpetrado por criminales disfrazados de Santa Claus. Obligado a actuar, Nathan se lanza a una misión de rescate que afronta de un modo un tanto peculiar.

Aquí es donde ‘Novocaine’ brilla: su protagonista no es un héroe de acción clásico, sino un don nadie que debe usar la improvisación y los impulsos fuera de su zona de confort para sobrevivir, en una línea similar a lo que vimos en ‘Nadie’ (2021) con Bob Odenkirk. Pero lo más similar a la hora de pensar en el protagonista a puede ser ‘Kick-Ass’ e incluso el filme indio ‘El hombre que no siente dolor’. Como en esos casos, Nathan no es un superhéroe en el sentido tradicional y su incapacidad de sentir dolor se usa como un recurso cómico y extremo e incluso para introducir algunos guiños a clásicos del cine de acción. Para aquellos más cortos cinematográficamente hablando o afines únicamente a lo mainstream, lo que van a encontrar aquí es un héroe que cual Deadpool o Lobezno no tiene reparo en recibir heridas casi mortales o incluso en autolesionarse. Es decir, es un banquero al que le podemos devolver las puñaladas y no se va a quejar.

Un reto de este filme es el de conseguir mostrar a Quaid como protagonista absoluto, sobre todo tras su estrellato consolidado con su personaje en ‘The Boys’ y su reciente co-protagonismo en ‘La acompañante’. En ‘Novocaine’ se muestra como un protagonista simpaticón, equilibrando vulnerabilidad y torpeza con momentos de ingenio sorprendente. Su química con Amber Midthunder añade una capa emocional y también divertida. Si a Jack Quaid en la realidad las novias le salen igual que en sus interpretaciones me le veo pasando la vida solo. Pero sin duda el actor explota sobre todo esos momentos violentos e incluso grimosos que tan buen resultado le han dado en ‘The Boys’. Como extra tenemos a Ray Nicholson y su habilidad para pasar de lo “normal” a lo psicótico como en ‘Smile 2’. De nuevo le tenemos aprovechando el parecido con su padre cuya escalofriante sonrisa ha calado en el imaginario colectivo.

El ritmo frenético de ‘Novocaine’ es una de sus mayores fortalezas. Las escenas de acción mantienen un nivel de tensión alto y un humor efectivo. Cuenta con coordinadores de acción de películas como ‘Kill boy’, ‘Tyler Rake’ o ‘Chappie’ a si es que os podéis imaginar la violencia y el tono que despliega. El montaje nos ofrece un chorreo de momentos hilarantes, sanguinolentos y propios de un fatality de ‘Mortal Kombat’. ‘Novocaine’ no revoluciona el género, pero ofrece una propuesta fresca dentro de la comedia de acción. Su héroe improbable, su premisa original y su equilibrio entre violencia y humor la convierten en una película altamente disfrutable, incluso si no es perfecta. Es un filme sobre atracos de bancos, digno heredero del germen de la acción, que no es otro que el mismísimo western, adecuado a las tragaderas que tiene la audiencia actual con los litros de sangre y el humor negro.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de marzo de 2025. Título original: Novocaine. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Dan Berk, Robert Olsen. Guion: Lars Jacobson. Música: Lorne Balfe, Andrew Kawczynski. Fotografía: Jacques Jouffret. Reparto principal: Jack Quaid, Amber Midthunder, Ray Nicholson, Betty Gabriel, Matt Walsh, Lou Beatty Jr., Evan Hengst, Conrad Kemp y Jacob Batalon. Producción: Infrared, Safehouse Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: comedia, acción. Web oficial: https://www.novocainemovie.com/home/

Vamos con nuestros amigos a The Friends Experience

The Friends Experience nos hace formar parte de la mítica serie

Madrid se convierte en el epicentro de la nostalgia televisiva con la llegada de The FRIENDS Experience: The One in Madrid. A partir del 17 de marzo, los seguidores de la icónica serie podrán sumergirse en una recreación detallada de los escenarios que marcaron a toda una generación. Nosotros ya hemos podido hacerlo en el día en que la exposición ha abierto sus puertas a la prensa y no podemos más que recomendárosla.

Un recorrido por los escenarios más emblemáticos

Ubicada en el Pabellón 14.1 de IFEMA MADRID, esta experiencia ofrece a los visitantes la oportunidad de adentrarse en espacios meticulosamente recreados. Desde la famosa puerta morada del apartamento de Rachel y Mónica hasta el acogedor sofá del Central Perk, cada rincón ha sido diseñado para transportar a los fans al universo de ‘Friends’ hasta el punto de que se podrían rodar nuevos episodios en ellos. Además, los asistentes pueden relajarse en los sillones reclinables de Chandler y Joey, o intentar girar el sofá de Ross en la icónica escena del «Pivot».

Detalles que enamoran a los fans

The Friends Experience no se limita a los escenarios. Los visitantes pueden explorar una selección de accesorios y disfraces originales de la serie, incluyendo el disfraz de Armadillo Navideño y una réplica de Hugsy (Abracín), el entrañable pingüino de Joey. Estos elementos permiten a los asistentes conectar aún más con los momentos memorables de la serie. Se puede desde posar en la fuente de la cabecera hasta explorar los detalles detrás de las cámaras. Además los paneles informativos desvelan secretos que seguro que hasta el más fan de la serie tendrá que reconocer que le coge de nuevas.

Planificación de la visita

  • Fechas: Del 17 de marzo al 29 de junio de 2025.
  • Horarios:
    • Lunes a jueves: de 16:00 a 20:30 horas (cierre a las 21:30).
    • Viernes a domingo: de 10:00 a 20:30 horas (cierre a las 21:30).
  • Ubicación: Recinto Ferial de IFEMA MADRID, Pabellón 14.1.
  • Duración de la visita: Aproximadamente una hora por sesión.
  • Accesibilidad: La experiencia es accesible para personas con movilidad reducida.

Entradas y reservas

Las entradas están disponibles desde el 11 de febrero y pueden adquirirse a través de la página oficial. Los precios rondan los 16 euros, ofreciendo una oportunidad de entradas reducidas para que todos los fans puedan disfrutar de esta inmersión en el mundo de ‘Friends’.

Cómo llegar a The Friends Experience

  • Metro: Línea 8 hasta la estación Feria de Madrid, con una caminata de aproximadamente 5 minutos hasta el pabellón.
  • Autobús: Líneas 73, 112, 122 y 828 con parada en IFEMA – Feria de Madrid.
  • Coche: Acceso directo desde la M-11, salidas 5 o 7, con opciones de aparcamiento en el recinto.

Crítica: ‘Los aitas’

En qué plataforma ver Los aitas

Sinopsis

En la periferia obrera del Bilbao de finales de los 80, un equipo infantil de gimnasia rítmica se prepara para participar en un campeonato que se celebrará en Berlín. Ante la imposibilidad de que las madres acompañen a sus hijas, la tarea recaerá en los padres, que no parecen muy interesados en el viaje, ni en ese deporte, ni incluso en sus propias hijas. Será un largo viaje donde descubrirán, mientras cae el muro de Berlín, una nueva manera de ser padres.

Crítica

Cobeaga cambia la sátira por la emoción

Borja Cobeaga regresa a las carteleras con ‘Los aitas’, una comedia con tintes de road movie ambientada en el Bilbao de finales de los 80. La premisa es sencilla pero efectiva: un grupo de padres, inicialmente desinteresados en la gimnasia rítmica de sus hijas y por el cuidado de estas en general, deben acompañarlas a un campeonato en Berlín justo cuando el Muro está a punto de caer.

País Vasco en plena época de crisis en el sector metalúrgico y con las calles repletas de obreros ávidos de trabajar o de manifestarse. Mientras unos intentan introducir los videoclubs y el VHS en su barrio otros solo piensan en regresar a un trabajo más tradicional en los altos hornos. La película tiene un claro gancho nostálgico, especialmente para quienes crecieron en esa era, y sabe retratar con acierto las dinámicas familiares y los prejuicios de aquellos años. Sin embargo, aunque la historia es entrañable y tiene momentos de ternura, a veces se echa en falta una mayor chispa en su humor. Cobeaga, experto en la comedia costumbrista y absurda a partes iguales, ha entregado trabajos con diálogos más afilados en el pasado (como ‘Fe de etarras’), y aquí el ritmo humorístico es más irregular de lo esperado. Hay que tener en cuenta que acaba de estrenar una serie mordaz y punzante como ‘Su majestad’. Tampoco cabía esperar una película con crítica social o sarcasmo hacia lo político dado su argumento, pero si algo más de espacio para el humor y menos para el sentimentalismo.

Otro aspecto que podría haberse aprovechado mejor es el elenco infantil. Aunque las niñas son fundamentales para el desarrollo de la trama, la película pone el foco casi exclusivamente en los padres, perdiendo la oportunidad de generar más situaciones cómicas desde la perspectiva de las hijas.

A pesar de estas carencias, ‘Los aitas’ brilla en su subtexto o por lo menos en la lectura que un servidor ha extraído. El viaje de los protagonistas no es solo físico, sino también emocional. Al igual que la caída del Muro de Berlín simbolizó la superación de divisiones históricas y familiares, estos padres deben derribar sus propias barreras emocionales para conectar con sus hijas. Esta metáfora da a la película un peso simbólico interesante, redondeando una historia que, yo me la esperaba más graciosa pero al menos consigue emocionar. A parte de eso, la mirada honesta a la paternidad de la época, al cómo han cambiado los roles en el matrimonio y con ello las mecánicas educativas también es una visión que se agradece que se represente.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de marzo de 2025. Título original: Los aitas. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Borja Cobeaga. Guion: Borja Cobeaga, Valentina Viso. Música: Arantzazu Calleja. Fotografía: Bet Rourich. Reparto principal: Quim Gutiérrez, Juan Diego Botto, Laura Weissmahr, Ramón Barea. Producción: Inicia Films, BTeam Prods, Sayaka Producciones, Despadres AIE, UMEDIA, ICEC, Movistar Plus+, RTVE, EITB, TV3, ICAA, Gobierno Vasco. Distribución: BTeam Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://bteampictures.es/los-aitas/

Crítica: ‘Mickey 17’

En qué plataforma ver Mickey 17

Sinopsis

Mickey Barnes (Robert Pattinson) es un insólito héroe que se encuentra en la extraordinaria circunstancia de trabajar para un empresario que exige el máximo compromiso con el trabajo: morir para ganarse la vida.

Crítica

Un Bong Joon-ho más excéntrico que incisivo

Nueva película de Bong Joon-ho nueva adaptación de un texto que ya existía. De nuevo dentro de la ciencia ficción y a partir de una novela de Edward Ashton regresamos al discurso humanista de este director que tantas mentes ha suscitado. ‘Mickey 17’ deslumbra con su carisma, ingenio y mordacidad en su primera mitad. La premisa es intrigante: dispone a un hombre destinado voluntariamente a morir y ser clonado repetidamente en una misión espacial, que bien podría ser parte del universo ‘Altered Carbon’. Es una metáfora perfecta para explorar la deshumanización del capitalismo y la explotación laboral. La película combina desde el principio humor negro con una sátira incisiva, recordando lo mejor del director en trabajos anteriores. Luego… la cosa cae.

Robert Pattinson brilla en su interpretación(es), aportando matices a un personaje atrapado en un ciclo de muerte y resurrección. Su actuación es el eje central de la historia, logrando transmitir tanto la comicidad como la demencia y desesperación de un individuo que se enfrenta a su propia multiplicidad. La dinámica entre sus distintas versiones introduce un juego narrativo interesante que aporta frescura y originalidad a la trama. Es innegable que el actor hace un tremendo trabajo de voz.

Tras analizar la novela uno veía porqué este director en concreto se había decantado a adaptarla. Al margen de todos los detalles científicos sobre las calorías o la conciencia, los cuales, apenas aparecen en el filme, se podía pronosticar que la llevaría a su terreno y la elevaría más allá en lo que se refiere al tema de la lucha de clases. Sin embargo, a medida que ‘Mickey 17’ avanza, la crítica social que en un principio parecía afilada se va diluyendo en un espectáculo más preocupado por la excentricidad que por la profundidad. Bong Joon-ho, quien en películas como ‘Parásitos’ y ‘Snowpiercer’ construía comentarios sociales sólidos a través de personajes y situaciones bien definidas, aquí parece ceder demasiado al absurdo. Lo que comienza como una sátira ingeniosa termina repitiendo las mismas ideas sin darles un desarrollo significativo. No obstante, como en ‘Okja’, consigue tocar los palos del animalismo y la soberbia humana.

Uno de los aspectos más problemáticos es el tono, que oscila entre la farsa y la denuncia social sin encontrar un equilibrio claro. Algunos personajes, en particular el líder de la misión (Mark Ruffalo), son caricaturas exageradas de líderes y presidentes corporativos actuales que funcionan como bromas recurrentes, pero que nunca evolucionan hacia algo más sustancial. En lugar de servir como una representación matizada del poder y la corrupción, estas figuras quedan atrapadas en la repetición de los mismos chistes y excentricidades.

A nivel visual, ‘Mickey 17’ es capaz de transportarnos a otro mundo. El diseño del planeta donde se desarrolla la historia es envolvente y hostil, y los efectos especiales contribuyen a la sensación de un mundo alienígena creíble. La dirección de Bong Joon-ho sigue siendo magistral en la construcción de secuencias impactantes, pero el guion no logra mantener el mismo nivel de precisión que en sus mejores trabajos.

El principal problema radica en el ritmo: la segunda mitad de la película se siente alargada, con situaciones que reiteran lo que ya se ha establecido en la primera parte. En lugar de profundizar en sus temas, la historia se entrega demasiado a su extravagancia, perdiendo la oportunidad de dejar una huella más contundente y sacándose demasiados elementos de la chistera. ‘Mickey 17’ es una película ambiciosa y entretenida, con una premisa provocadora y momentos de gran ingenio. Sin embargo, a diferencia de las obras más logradas de Bong Joon-ho, aquí la sátira se dispersa en un relato que no termina de afinar su mensaje.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Título original: Mickey 17. Duración: 137 min. País: EE.UU. Dirección: Bong Joon Ho, Corea del Sur. Guion: Bong Joon Ho. Música: Jung Jae-il. Fotografía: Darius Khondji. Reparto principal: Robert Pattinson, Naomi Ackie, Steven Yeun, Toni Collette, Mark Ruffalo. Producción: Warner Bros., Plan B Entertainment, Offscreen, Kate Street Pictures Company. Distribución: Warner Bros. Género: drama, ciencia ficción, comedia. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/mickey-17

Crítica: ‘The Monkey’

En qué plataforma ver The Monkey

Sinopsis

Cuando los gemelos Hal y Bill descubren el antiguo mono de juguete de su padre en el ático, una serie de truculentas muertes comienzan a ocurrir a su alrededor. Los hermanos deciden tirar el mono y continuar con sus vidas, distanciándose con el paso de los años. Pero cuando las misteriosas muertes vuelven a sucederse, los hermanos deberán reunirse para destruir el mono antes de que acabe con las vidas de todos a su alrededor.

Crítica

Si ‘Destino Final’ y ‘Annabelle’ tuvieran un hijo diabólico, sería ‘The Monkey’

De vez en cuando, el cine nos regala un alineamiento estelar de talentos que dan como resultado una experiencia que se siente clásica y fresca a la vez. En el caso de ‘The Monkey’, cual alineamiento de planetas, la alineación nos deja eclipsados. Se han juntado aquí Osgood Perkins, con su estilo hipnótico y su ya característica paleta de colores apagados (casi calcada a la de ‘Longlegs’), con los traumas infantiles más truculentos de Stephen King y con la vena más gamberra de James Wan, la que vimos desatada en ‘Maligno’.

Basada en el relato corto de King, ‘The Monkey’ encaja dentro del subgénero de objetos inanimados malditos, con reminiscencias de ‘Annabelle’ o ‘La zarpa del mono. Pero el hijo de quien empuñó el cuchillo en ‘Psicosis’ lo lleva un paso más allá con una estructura que recuerda a ‘Destino Final’: una vez que el macaco de juguete empieza a chocar sus platillos, la muerte se desata en una serie de carambolas macabras, persiguiendo a sus víctimas con una precisión aterradora e ineludible. Los protagonistas, desesperados, intentan burlar este mecanismo como si tuviesen en sus manos una death note, pero la película deja claro que el destino siempre encuentra la manera y cual mafioso consigue hacer que parezca un accidente.

Lo que distingue a ‘The Monkey’ sobre otras películas estándar del mismo género es su tono: Perkins juega de nuevo magistralmente con la tensión y un humor negro que podría estar directamente influenciado por unos ZAZ pasados de rosca. Este tono forma parte intrínseca de esta comunión de artistas pues el relato originalmente no lo tenía. Así consigue llevarnos de lo inquietante a lo grotescamente sangriento en cuestión de segundos. Aquí no solo hay sustos bien orquestados, sino una celebración del terror con estallidos de violencia absurda que recuerdan por momentos al ‘Evil Dead’ de Sam Raimi.

En ‘The Monkey’, Perkins transforma la historia de Stephen King en una reflexión sobre la inevitabilidad de la muerte. La película nos muestra cómo el destino, representado en el siniestro juguete de cuerda, es ineludible. No importa cuántas veces los personajes intenten huir, deshacerse del mono o ignorar su influencia, la muerte sigue su curso. Esta visión podría parecer deprimente a primera vista: una resignación ante lo inevitable, un recordatorio de nuestra impotencia frente al tiempo. Pero hay algo profundamente liberador en aceptar esta verdad. Si todo es efímero y la muerte es una certeza, entonces la vida cobra un nuevo sentido. No hay nada que perder aferrándonos a miedos innecesarios o a preocupaciones vanas. Al final, The Monkey nos empuja a bailar en medio de la tormenta. Nos dice: “Si la muerte es segura, entonces esperémosla sin perder el tiempo”. En lugar de ver la fatalidad como algo paralizante, la película nos invita a abrazar el presente con pasión, con movimiento, con entrega total. Así, lo que parecía una historia oscura se convierte en un llamado a la vida, a la danza de lo inevitable.

En el apartado actoral, destaca el doble trabajo de Theo James, quien logra diferenciar de manera clarísima a los dos personajes gemelos. Quizá lo ha tenido algo más fácil que Christian Convery pues representa a dos personalidades bastante opuestas, pero ambos lo han logrado de manera efectiva. Junto ellos también hay que señalar, los jóvenes y Colin O’Brien quien aporta un matiz inesperado al filme a través de la inocencia, la frustración y la angustia de su personaje. Su interpretación aquí, ejerciendo el papel más fácil de empatizar para el espectador por el desconcierto que vive, demuestra que es un talento emergente. Para mi este actor es quien debería hacer de villano en una hipotética versión live action de ‘Toy Story’.

El microcosmos de Oz Perkins crece. Quizá algún día se marque un Shyamalan y se marque un crossover uniendo todos los demonios y maldades de sus películas. Desde luego sería interesante volver a ver al jinete pálido que cierra ‘The Monkey’. De momento, solo unos agraciados, han podido ver un avance de su próximo trabajo, ‘Keeper’, en forma de teaser y escena post-créditos.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: The Monkey. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Osgood Perkins. Guion: Osgood Perkins. Música: Edo Van Breemen. Fotografía: Nico Aguilar. Reparto principal: Theo James, Tatiana Maslany, Elijah Wood, Adam Scott, Rohan Campbell. Producción: Atomic Monster, Black Bear International, British Columbia Film Comission, C2 Motion Picture Group, Range Media Partners, Stars Collective Films Entertainment Group, The Safran Company. Distribución: Beta Fiction Spain, YouPlanet Pictures. Género: terror, comedia. Web oficial: https://www.themonkeyfilm.com/

Crítica: ‘The parenting’

En qué plataforma ver The parenting

Sinopsis

The Parenting sigue a la joven pareja formada por Rohan (Dodani) y Josh (Flynn) mientras planean una perfecta escapada de fin de semana al campo para presentar a sus padres. Pero a medida que las tensiones comienzan a estallar entre los más tradicionales Sharon (Falco) y Frank (Cox) y los despreocupados Liddy (Kudrow) y Cliff (Norris), las familias pronto se dan cuenta de que su piso de alquiler -gestionado por la excéntrica local Brenda (Posey)- está embrujado por la presencia de un poltergeist de 400 años de antigüedad. Cuando uno de los padres queda completamente poseído, depende de la joven pareja y de su entrometida mejor amiga Sara (Bang) unir a las familias y detener al ente maligno de una vez por todas.

Crítica

Una comedia de terror con miedo a arriesgar

‘The parenting’, la más reciente propuesta del director Craig Johnson, se estrena el 13 de marzo de 2025 en la plataforma Max. Esta comedia de terror busca fusionar el humor familiar con elementos sobrenaturales, situándose en un punto intermedio entre el desparpajo de ‘Evil Dead’ y la comedia de enredos del tipo ‘Los padres de ella’. Sin embargo, su tono se asemeja más a producciones moderadas como ‘Werewolves Within’ o a un episodio de ‘Agatha, ¿quién sino?’.

La trama sigue a Rohan (Nik Dodani) y Josh (Brandon Flynn), una joven pareja que organiza un fin de semana en el campo para presentarse a sus padres y que ya de paso estos se conozcan entre sí. La comedia parte no solo de una pintoresca guardesa de la casa, sino sobre todo de las grandes diferencias entre las tres parejas. Mientras que los progenitores de Rohan son altamente tradicionales (interpretados por Edie Falco y Brian Cox) y los padres de Josh (Lisa Kudrow y Dean Norris) son mucho más abiertos y distendidos al respecto, no solo del matrimonio gay de su hijo sino sobre cómo afrontar la vida sin hacer una montaña de todo. Las situaciones incómodas y ridículas dominan el guión que de vez en cuando mete algún que otro susto ligero.

El elenco principal está compuesto por actores relativamente desconocidos, como Dodani y Flynn, quienes aportan frescura y el toque moderno a la narrativa. Sin embargo, es inevitable que la atención se centre en los veteranos que interpretan a los padres: Brian Cox, Edie Falco, Lisa Kudrow y Dean Norris. Estos actores aportan solidez a sus roles, aunque en ocasiones parecen estar en piloto automático, recurriendo a tics interpretativos ya conocidos. Es imposible no ver a Phoebe Buffay con el personaje de Lisa Kudrow. Por otro lado Brian Cox está imponente y espeluznante.

La dirección de Johnson mantiene un ritmo adecuado, equilibrando momentos de tensión y comedia. No obstante, el guion de Kent Sublette recurre a clichés del género y a situaciones predecibles, lo que limitan el impacto de la historia. La cinta se percibe carente de ingenio, no aporta ideas nuevas y su único aliciente son algunos giros macabros y un par de gags que nos pillan más desprevenidos que los propios jump scares. Parece que tiene miedo de arriesgar o de no ser capaz de llegar a un público general.

El panorama cinematográfico, dentro del género de terror, nos está brindando muy buenas obras que mezclan comedia y terror. ‘Feliz día de tu muerte’ o ‘The monkey’ son buenos ejemplos. ‘The parenting’ no está a esa altura y se perfila como un filme de fondo de catálogo que por otro lado, al margen de introducir a cuatro figuras paternas no desarrolla nada reseñable sobre la crianza, como podía hacer creer su título.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de marzo de 2025. Título original: The Parenting. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Craig Johnson. Guion: Kent Sublette. Música: Nathan Larson. Fotografía: Hillary Spera. Reparto principal: Nik Dodani, Brandon Flynn, Brian Cox, Edie Falco, Lisa Kudrow, Dean Norris, Parker Posey, Vivian Bang. Producción: Good Fear Content, New Line Productions. Distribución: Max. Género: comedia, terror. Web oficial: https://www.instagram.com/goodfearcontent/