Remo Manfredini es una leyenda del turf, pero su conducta excéntrica y autodestructiva comienza a eclipsar su talento. Abril, jocketa y pareja de Remo, espera un hijo suyo y debe decidir entre continuar con su embarazo o seguir corriendo. Ambos corren caballos para Sirena, un empresario obsesionado con el jockey.
Un día Remo sufre un accidente, desaparece del hospital y deambula sin identidad por las calles de la ciudad. Sirena lo quiere vivo o muerto mientras Abril intenta encontrarlo antes de que sea demasiado tarde.
Crítica
Un paseo existencial por la memoria, el éxito y el declive
Luis Ortega, reconocido por su enfoque audaz y su inclinación hacia lo marginal y lo corrupto con películas como ‘El ángel’, presenta en ‘El jockey’ una obra que desafía las convenciones narrativas tradicionales. Es una cinta que ha sido reconocida internacionalmente, habiendo sido parte de la sección Oficial del Festival de Venecia y galardonada en el Festival de Cine de San Sebastián. Además, fue seleccionada para representar a Argentina en los premios Óscar y Goya.
La película, protagonizada por Nahuel Pérez Biscayart y Úrsula Corberó, se adentra en la vida de Remo Manfredini, un jockey legendario cuya conducta autodestructiva amenaza con fulmimar su carrera y su relación con Abril, su pareja y también jinete. La narrativa de ‘El jockey’ se aleja de los cánones del drama deportivo, el thriller psicológico o el melodrama romántico, construyendo visualmente una atmósfera que fusiona lo grotesco y lo poético. A través de contrastes y una saturación visual deliberada, Ortega convierte la historia en un viaje existencial más que en una redención tradicional. Con estos ingredientes el filme transita desde lo lynchiano a una película de Almodóvar o Eduardo Casanova.
La dirección de fotografía, a cargo de Timo Salminen, habitual colaborador de Aki Kaurismäki, envuelve los ambientes decadentes en los que se desarrolla la historia con una iluminación que los hace parecer sucios y deprimentes, tal y como deben ser según marca el estado mental del protagonista.
La banda sonora es otro de los pilares fundamentales de la película. Ortega otorga a la música un espacio medular en la trama, siendo un elemento clave para la narración. Destacan las canciones ‘Sabor a nada’ o ‘A mí me pasa lo mismo que a usted’, compuestas por Palito Ortega y Dino Ramos, e interpretadas por Palito Ortega, padre del director. A ello hay que sumarle varias escenas extrañas de baile y un cierre al son de Nino Bravo. Estas piezas aportan una capa adicional de melancolía y conexión personal a la obra.
Nahuel Pérez Biscayart ofrece una interpretación contenida pero profunda de Remo, transmitiendo las contradicciones internas de un hombre que ha alcanzado el éxito pero que se encuentra al borde del abismo. Su actuación revela la vulnerabilidad de alguien que se enfrenta a su pasado y a sus propios límites, no a través de diálogos elaborados, sino mediante gestos, silencios que resultan más elocuentes y un curioso deambular. También a través de detalles humorísticos tan negros como absurdos, que retratan la ironía y lo cíclico de la vida.
El elenco secundario, que incluye a Úrsula Corberó, Daniel Giménez Cacho, Osmar Núñez, o Mariana Di Girolamo, entre otros, aporta matices que enriquecen el mundo que Ortega crea, desde lo excéntrico hasta lo íntimo. Sus personajes sirven de contrapunto a Remo, agregando capas de complejidad en una trama que casi evita la linealidad e incluso la realidad.
‘El jockey’ es una obra que combina lo surrealista con lo profundamente humano ofreciéndonos también algunas dosis de suspense. Aunque las maneras de mostrarnos la trama pueden resultar enigmáticas, es una propuesta que invita a la reflexión sobre la identidad, el éxito y la autodestrucción, consolidando a Luis Ortega como una voz abiertamente singular en el cine contemporáneo y más allá de sus fronteras.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de mayo de 2025. Título original: Kill the jockey. Duración: 96 min. País: Argentina, España. Dirección: Luis Ortega. Guion: Luis Ortega, Fabián Casas, Rodolfo Palacios. Música: Sune Wagner. Fotografía: Timo Salminen. Reparto principal: Nahuel Pérez Biscayart, Úrsula Corberó, Daniel Giménez Cacho, Daniel Fanego, Osmar Núñez, Roberto Carnaghi, Luis Ziembrowski, Jorge Prado, Adriana Aguirre, Roly Serrano, Mariana Di Giarolamo. Producción: Rei Pictures, El Despacho, Infinity Hill, Warner Music, Exile Content Studio. Piano, Snowglobe Films, Naya Films, Barraca Productions, Vix, El Estudio. Distribución: Caramel Films. Género: suspense. Web oficial:https://reipictures.com/es/projects/el-jockey/
En los años 70, el director Kim está obsesionado por el deseo de volver a rodar el final de su película recién terminada ‘Cobweb’, pero el caos y la confusión se apoderan del plató con la interferencia de los censores y las quejas de los actores y productores que no pueden entender la reescritura del final. ¿Será Kim capaz de encontrar un camino a través de este caos para cumplir sus ambiciones artísticas y completar su obra maestra?
Crítica
Kim Jee-woon teje su ejercicio de metacine acercándose a ‘Birdman’ o a ‘The Studio’
Con ‘Cobweb (Tela de araña)’, el surcoreano Kim Jee-woon demuestra una vez más su virtuosismo para reinventar géneros y rendir homenaje a la historia del cine sin caer en la nostalgia vacía. El director de títulos tan dispares como ‘El bueno, el malo y el raro’, ‘Encontré al diablo’ o ‘2 hermanas’, se adentra esta vez en el terreno del metacine, entregando una obra tan autoconsciente como lúdica, tan sofisticada en su artificio como entrañable en su fondo humano.
La premisa es sencilla, aunque vertiginosa: Un director veterano, interpretado por el siempre brillante Song Kang-ho (‘Parásitos’, ‘Memories of Murder’), está obsesionado con rehacer el final de su última película, convencido de que una nueva conclusión la convertirá en una obra maestra. Sin embargo, los obstáculos son muchos: la censura surcoreana de los años 70, un equipo que no comparte su entusiasmo, y un sistema de producción que bordea el caos. Así, ‘Tela de araña’ se convierte en una sátira sobre los límites del autor, una reflexión sobre la creación cinematográfica y una comedia negra sobre la frustración artística.
Como en ‘Birdman’ de Iñárritu o ‘¡Ave, César!’ de los hermanos Coen, el relato navega entre el drama de quien desea trascender y el absurdo del sistema que lo contiene. Jee-woon monta una función de múltiples capas: vemos la película dentro de la película, el rodaje de esa película, y los entresijos emocionales de los actores y técnicos que participan en ella. La doble narración —la historia del film ficticio y la del rodaje— genera una tensión dramática bien dosificada, donde el caos del plató se entrelaza con las emociones contenidas del guion que se está filmando. La resolución de ambos relatos, como cabría esperar, ocurre de forma paralela y culmina con una brillante fusión entre realidad y ficción, mostrando la maestría de Kim para estructurar el relato sin perder el control ni ceder al artificio gratuito.
Visualmente, ‘Tela de araña’ es una delicia: su ambientación de los años 70, con decorados que remiten tanto al cine noir como al melodrama clásico coreano, está cuidada al milímetro. La paleta de colores, las texturas del celuloide recreado, y la iluminación tenue que contrasta con los estallidos emocionales de los personajes, construyen un ambiente que es a la vez homenaje y pastiche, celebración y crítica.
Lo más interesante de ‘Tela de araña’ es cómo, sin necesidad de discursos explícitos, lanza dardos sobre la censura institucional, la rigidez de los estudios y la dificultad de innovar cuando se está atrapado en los moldes del pasado. El cine coreano, que lleva años demostrando una madurez imponente, parece haber alcanzado ese punto en que puede mirarse a sí mismo con ironía, afecto y lucidez. Otra prueba de ello es ‘Smugglers’. Y al igual como éxitos recientes, como la serie ‘The Studio’, ‘Tela de araña’ no es solo cine sobre cine: es también una revisión identitaria, un ajuste de cuentas con el legado artístico de un país que hoy domina festivales y taquillas internacionales.
Song Kang-ho brilla como un Quijote del séptimo arte, encarnando con ternura y desesperación a un hombre que lucha contra molinos de celuloide. Su interpretación trasciende el guion, elevando un personaje que podría haber sido caricaturesco a un nivel trágico y conmovedor.
‘Tela de araña’ no es perfecta: su metraje puede sentirse excesivo, su ritmo, por momentos, errático. Pero como los grandes experimentos cinematográficos, su valor reside en el riesgo, en la ambición desmedida y en esa voluntad de hacer arte incluso cuando todo parece en contra. Jee-woon no ha hecho solo una película sobre el cine: ha tejido una compleja red de amor, frustración, obsesión y humor que merece ser explorada con atención.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de mayo de 2025. Título original: Geomijip. Duración: 135 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kim Jee-woon. Guion: Shin Yeon-shick. Música: Mowg. Fotografía: Kim Ji-yong. Reparto principal: Song Kang-ho, Lim Soo-jung, Oh Jung-se, Jeon Yeo-been, Krystal Jung, Park Jeong-su. Producción: Barunson Studio, Anthology Studios, Luz y Sonidos. Distribución: Filmin. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.anthology.kr/projects-6
Germán (Jaime Lorente) no es un conductor normal y corriente: es el encargado del traslado de mujeres que trabajan como esclavas en clubes de alterne en la Costa del Sol. Arruinado y completamente perdido, trata de salir adelante trabajando para Cacho (Roger Casamajor), un viejo amigo de la juventud que administra varios de estos locales para una mafia local, hasta que una noche, se encuentra con la oportunidad de dejar todo eso atrás y decide arriesgarse. Lo que parece una ocasión para cambiar de vida le pondrá más en peligro que nunca. Solo le quedará una opción, la misma en la que piensan las chicas que, como Alina (Ioana Bugarin), cada noche lleva de un lado para otro: conseguir escapar.
Crítica
Brillante y sucia en forma, fallida y reiterativa en fondo
El espectador de ‘Hamburgo’ no tarda en ser empujado a una zona incómoda. No hay concesiones. La película arranca con una escena de sexo que, más que excitar o conmover, repugna: cuerpos entrelazados sin afecto, un hombre que paga, una mujer que obedece. Es una transacción desnuda, vacía, que marca el tono de una historia sin consuelo. Desde ese primer plano queda claro que Lino Escalera no pretende envolver al público con una historia amable, sino hundirlo en una atmósfera espesa, pegajosa, donde la prostitución no es solo un contexto, sino el propio lenguaje con el que se articula la narración.
‘Hamburgo’ se mueve entre habitaciones mugrientas, luces de neón sucias y silencios que pesan. La prostitución es aquí algo más que un telón de fondo: es un pantano emocional del que sus personajes no logran salir. Están los habituales: el cliente que llega tarde al remordimiento, la joven atrapada entre el miedo y la esperanza, el proxeneta agazapado y disfrutando en las sombras y el nuevo que encuentra aquí una oportunidad que no acaba de convencerle pero que consiente. También están las redes que todo lo pudren: las mafias, la avaricia, el chantaje emocional. Sin embargo, lo que ‘Hamburgo’ deja entrever es que, en el fondo, todo se reduce a una simple (y trágica) verdad: dos personas que quieren huir de una vida que no eligieron, pero que no encuentran cómo hacerlo.
Ahí está el drama. Y también la gran carencia. Porque pese a su envoltorio impecable, ‘Hamburgo’ se queda corta en lo narrativo. A la película le falta ritmo, le faltan puntos de fuga. Se obstina en una reiteración excesiva, de escenas, de diálogos y de emociones, que termina desgastando el impacto inicial. Cada paso de los personajes es una variación mínima de lo anterior, y aunque esa elección puede responder a una voluntad de subrayar el estancamiento vital, acaba asfixiando la historia más que potenciándola.
La película avanza con lentitud, como si Escalera no quisiera que nada se resolviera. Y aunque esa parsimonia puede encontrar eco en el estado emocional del protagonista, lo cierto es que acaba restando fuerza a la trama. Hay demasiado detenimiento en la inanición del personaje principal, demasiado deleite en lo no dicho, en lo implícito. El guion desgrana con cuentagotas el contexto, pero sin llegar nunca a una revelación contundente.
Eso sí, no todo es fallo. Uno de los grandes aciertos de ‘Hamburgo’ es su textura visual: el uso del Súper 16mm añade una capa de suciedad visual que casa a la perfección con el universo que retrata. No es una estética impostada, sino una pátina que amplifica la mugre emocional de la historia. Y el casting está a la altura del tono exigente del film: Jaime Lorente construye un personaje interiorizado y roto; Ioana Bugarin transmite con la mirada más de lo que muchos diálogos logran decir; Roger Casamajor, pese a una variación de voz en la primera escena dentro de la casa, resulta creíble en su oscuridad.
‘Hamburgo’ es incomoda, remueve y retrata sin pudor la degradación humana. Pero tras su envoltorio denso, áspero y correctamente interpretado, queda la sensación de que el relato se disuelve entre sus propias repeticiones. Quiere decir mucho, pero termina hablando en círculo. Y en ese silencio repetido, se pierde la oportunidad de dejar una huella más profunda.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de mayo de 2025. Título original: Hamburgo. Duración: 113 min. País: España. Dirección: Lino Escalera. Guion: Lino Escalera, Daniel Remón, Roberto Martín Maiztegui. Música: Marius Leftarache. Fotografía: Juana Jiménez. Reparto principal: Jaime Lorente, Roger Casamajor, Ioana Bugarin, Asia Ortega, Mona Martínez, Tamara Casellas, Manolo Caro, Antonio Buil. Producción: Canal Sur Radio y Televisión, Cinelabs Romania, Comunidad de Madrid, Hamburgo la Película, Icónica Producciones, ICAA, Junta de Andalucía, Lolita Producciones Cinematográficas, Netflix, Pecado Films, Tandem Films, Vodafone, Zeta Cinema. Distribución: Filmax. Género: suspense. Web oficial:https://www.filmax.com/distribucion/hamburgo/294
Un grupo de amigos multimillonarios se reúne mientras se desata una crisis internacional.
Crítica
¿Quién necesita gobiernos cuando tienes CEOs?
¿Y si los CEO multimillonarios que dominan el mundo se reunieran en un lujoso refugio de montaña y de ellos dependiese resolver la situación del planeta… o al menos decidir quién se queda con los restos? Esa es la premisa de ‘Mountainhead’, la nueva película dirigida por JesseArmstrong, creador de la aclamada serie ‘Succession’, que nos invita a espiar tras las cortinas de terciopelo de la élite global mientras discuten, compiten y, a veces, incluso intentan parecer humanos.
Una reunión de titanes y de ego. Lo de titanes también se puede referir a alguno de sus protagonistas. Lo del ego hinchado creo que no se aplica a ninguno de estos actores. SteveCarell lidera el reparto con una interpretación tan carismática como incómoda. Su personaje, identificado con esos empresarios que mantienen un perfil medido-bajo, encabeza una mesa redonda donde cada comensal representa una industria clave: tecnología, defensa, medios online… El elenco lo completan Jason Schwartzman, Cory Michael Smith y Ramy Youssef, quienes aportan distintos matices a este desfile de excentricidades millonarias.
Como podréis imaginar la acción transcurre en la montaña, en una lujosa cabaña que más que un refugio de invierno es una mini ciudad en sí misma. El lugar, llamado ‘Mountainhead’ es tan exclusivo que hasta los cimientos podrían tener acciones en bolsa. Y es el reflejo narcisista cuatro personajes que se ven como un Prometeo moderno que, en lugar de robar el fuego a los dioses, cree haberlo inventado él mismo. Seguro que todo esto ya va trayendo referencias reales a vuestras cabezas.
Aunque el tono general es dramático, ‘Mountainhead’ no es ajena al humor. Su guion afilado, con diálogos repletos de ironía, recuerda al estilo de Adam McKay en películas como ‘No mires arriba (Don’t Look Up)’ o ‘El vicio del poder (Vice)’. Aunque la hilaridad es menos desatada y menos abierta, aquí también hay una crítica feroz, casi quirúrgica, al discurso populista y mesiánico que adoptan muchos líderes tecnológicos. Mientras se alzan como personajes influyentes para todos los estratos sociales y tienen patrimonios mayores que el de muchos países, eluden responsabilidades que afectan a las grandes potencias mostrando una sonrisa corporativa. Los momentos más hilarantes y escalofriantes son aquellos en los que con indiferencia y en busca de aumentar sus arcas, los protagonistas realizan diferentes brainstormings, no diré con qué fin por no arruinaros algunos de los giros de guión.
Visualmente, la película adopta un estilo muy particular: plano contraplano sobre el hombro, cámara en movimiento constante y zooms temblorosos que nos hacen sentir dentro de un reality show o un episodio de alguna serie documental. Lejos de ser una elección errónea, la jugada consigue su efecto, que parece ser el de crear nerviosismo en el espectador, transmitir urgencia y aumentar esa sensación que nos hace creer que estamos entrometiéndonos en la intimidad de los grandes.
‘Mountainhead’ también pone el foco en temas de máxima actualidad: la desinformación, las fake news y el uso irresponsable de las redes sociales como armas de manipulación masiva. Sin olvidarnos del elefante digital en la sala: la inteligencia artificial, que aquí aparece como una herramienta ambigua, capaz de generar soluciones… o de profundizar la catástrofe si cae en las manos equivocadas (spoiler: ya lo ha hecho). Los negacionismos, el oportunismo… también están presentes y Armstrong ataca de una manera más afilada y afinada que con ‘Succession’. Lo que quizá notarán los espectadores es el poco desarrollo de los personajes, más acelerado y precipitado sin el espacio que permite una serie televisiva.
La gran tesis de la película es tan clara como incómoda: las empresas más poderosas del mundo tienen más influencia que muchos políticos o países enteros, y están tan por encima de la ley como por debajo del sentido común. Armstrong logra meterse en la mente de estos magnates para mostrarnos algo peor que la maldad: la indiferencia disfrazada de altruismo. ‘Mountainhead’ es una película que duele… pero de esa forma en que duele reírte cuando sabes que te están diciendo la verdad. Es un título ideal para fans de ‘Succession’, ‘Don’t Look Up’, y para cualquiera que alguna vez haya sospechado que el botón rojo no está en la Casa Blanca… sino en algún despacho de Silicon Valley.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de mayo de 2025. Título original: Mountainhead. Duración: 109 min. País:Dirección: Jesse Armstrong. Guion: Jesse Armstrong. Música: Nicholas Britell. Fotografía: Marcel Zyskind. Reparto principal: Steve Carell, Jason Schwartzman, Cory Michael Smith, Ramy Youssef, Hadley Robinson, Ali Kinkade, Daniel Oreskes, David Thompson, Amie MacKenzie, Ava Kostia. Producción: HBO Films. Distribución: HBO Max. Género: drama. Web oficial: https://www.max.com/us/es/movies/mountainhead/c5520c63-eb6b-4e1b-a72c-00a0c8207723
El 22 de mayo llega a nuestras pantallas ‘Sirenas’. Miniserie de 5 episodios con Julianne Moore y Kevin Bacon como dos de sus grandes protagonistas.
Devon necesita a su hermana, una joven que desapareció de sus vidas hace años y que lo único que hace al pedirles ayuda es mandarles una gran cesta de frutas. Con esto, Devon se marcha a pedirla explicaciones y descubre que es una especie de secretaria de una millonaria que vive en una isla y se dedica a un gran vivero con grandes especies voladoras.
Me ha encantado, me ha entretenido muchísimo y la verdad que engancha desde el principio. La serie viene de un libro y una obra de teatro llamada ‘Elemeno Pea’, de Molly SmithMetzler, creadora y guionista de la serie. Junto a ella, han adaptado el guion Colin McKenna y Bekah Brunstetter.
‘Sirenas’ nos presenta un montón de personajes, secundarios y principales. Todos ellos con algo que esconder. Cada uno con sus pequeñas vergüenzas o incluso con grandes miedos. Personas que intentan sobrevivir a un pasado que no aceptan y del que no pueden escapar.
Además, nos muestran lo fácil que es manipular a la gente y que hagan lo que uno quiere. El título de echo va por ahí, de como estas tres mujeres, con sus problemas y sus miedos, logran manipular, queriendo y sin querer a todo el mundo a su alrededor. Como cual sirenas hechizan a sus anchas para conseguir todo lo que quieren.
La serie tiene una banda sonora muy calmada y con melodías tarareadas por mujeres algo que le da más misticismo a la historia. Eso y la fotografía, tan perfecta, tan limpia y brillante logran que veamos todo muy idílico.
Un gran trabajo en equipo en general, pues el vestuario y maquillaje es perfecto. Perfecto si vives todo el día con un peluquero en casa, pero es exactamente lo que nos pide la serie, que todo sea perfecto, que estas mujeres se vean perfectas casi todo el rato.
Meghann Fahy (‘Your Monster’ o ‘The White Lotus’), Milly Alcock (‘La Casa del Dragón’, ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’) son las encargadas de dar vida a estas dos hermanas que se van a tener que aguantar durante un largo fin de semana, una intentando sacar a su hermana de aquella isla y la otra intentando hacerla desaparecer de nuevo. Ambas están estupendas. El papel de Milly Alcock, tan frágil y a la vez fuerte sin duda ha sido mi favorito.
Junto a ellas la gran Julianne Moore, que nos trae un personaje muy misterioso, lleno de candor y a la que todo el mundo sigue sin pestañear.
Kevin Bacon, Glenn Howerton, Bill Camp, Britne Oldford, Trevor Salter, Josh Segarra, Lauren Weedman, Patrick Voss Davis, Jenn Lyon, Erin Neufer y Felix Solis son parte de este gran reparto. Éste último, Felix Solis, hace uno de los mejores personajes de la serie. José, alguien secundario pero que se conoce todos los entresijos de esa gran isla.
‘Sirenas’ es un buen producto y que os aseguro os quedaréis con ganas de más. Si comenzáis a verla no vais a parar, la verdad que se hace muy cortita y ese humor tan ácido que tiene sin duda es un gran acierto.
Nuestras vidas son la suma de nuestras decisiones. Tom Cruise es Ethan Hunt en ‘Misión: Imposible- Sentencia Final’.
Crítica
Una proeza del cine de acción contemporáneo
En su octava entrega, ‘Misión: Imposible – Sentencia Final’ se erige como una proeza del cine de acción contemporáneo. Bajo la dirección de Christopher McQuarrie y con la siempre inquebrantable dedicación de Tom Cruise, la película ofrece una experiencia cinematográfica que desafía las expectativas y lleva la adrenalina al límite. Vuelven las clásicas máscaras, los saltos de fe y los artilugios tecnológicos que como siempre se sacan de la manga de la manera más forzada. Pero esta nueva es capaz de seguir sorprendiendo y de ir más allá.
La narrativa arranca con un montaje rapidísimo, ágil que repasa momentos clave de la franquicia, llevando al espectador por una montaña rusa de escenarios y personajes. Para algunos puede ser un arranque alborotado y precipitado, pero no se me ocurre mejor manera de plantear el entuerto que deben resolver. Durante casi la primera hora y media, la película salta de un lugar a otro con una energía frenética, estableciendo las bases para una segunda mitad repleta de acción ininterrumpida. Este ritmo vertiginoso mantiene al público al borde de su asiento, sin dar tregua al aburrimiento.
Sin John Connor hubiese conocido a Ethan Hunt la saga ‘Terminator’ habría terminado pronto. Se nos plantea una carrera a contrarreloj por acabar con la IA malvada conocida como La Entidad. La franquicia siempre ha respondido a ciertas inquietudes actuales que actualizaban los episodios creados por Bruce Geller. Pero este argumento resuena más que nunca con preocupaciones contemporáneas sobre la tecnología y su impacto en nuestros destinos. La inteligencia artificial irrumpe como un dictador que unilateralmente y de manera fría y calculadora va a imponer su criterio. Esta alcanza el estatus de problema mundial y lo que nos propone ‘Misión: Imposible – sentencia final’ es un cometido a escala global con una sincronización que como siempre se percibe como imposible. Todo para culminar en un clímax que son realmente cuatro a la vez. Casi tres horas de filme para que suceda todo en un parpadeo (cuatro parpadeos en realidad) y consiguen que funcione. Y como un parpadeo se pasa la película, no da tiempo a aburrirse, ya sea porque requiere nuestra atención a la hora de establecer las conexiones con las anteriores películas, ya sea por seguir el hilo de la enrevesada trama tecnológica que se han inventado o ya sea por mantenernos con la adrenalina al máximo. Y con todo y con esto, para mí, la escena más original ha sido la que transcurre más lenta y bajo el agua con un submarino haciendo la croqueta.
Uno de los aspectos más destacados y que a estas alturas es algo consabido por el espectador, es el compromiso de Cruise con las escenas de riesgo. El actor a sus 62 años es conocido por realizar sus propias acrobacias, lleva su cuerpo al límite en secuencias que desafían la lógica y la física. Desde colgarse de aviones en pleno vuelo hasta sumergirse en profundidades peligrosas. Cruise demuestra una vez más su dedicación al realismo y la autenticidad en cada escena. Su entrega es tal que, durante el rodaje de una escena aérea, llegó a desmayarse debido a la falta de oxígeno, evidenciando el nivel de exigencia física al que se sometió. Es evidente que trucos generados por ordenador hay. Pero se notan mucho las escenas que se han hecho de manera práctica y llega el momento en el que hay que plantearse quién está más loco, si Tom Cruise por jugarse el tipo para hacer estas proezas del entretenimiento o si el personaje que interpreta al arriesgar su vida en lances que son prácticamente un suicidio.
Durante el filme, incorporan elementos de las anteriores entregas, ya sea para darle coherencia a la cinta o para incluir sorpresas, algunas de ellas francamente inesperadas. Es importante en este sentido la interacción de Cruise con el resto del reparto, que tiene más que nunca presencia y peso en la trama, hasta llegar a una conclusión tan elegante como emotiva. Destaca el desarrollo del personaje de Hayley Atwell, cuyo devenir aporta frescura a la dinámica del equipo y rompe con las clásicas relaciones que suele tener Etan Hunt. Sin embargo, el villano interpretado por Esai Morales resulta menos convincente. Su actuación, aunque intensa, cae en la caricatura, recordando a los antagonistas más exagerados de la saga de James Bond.
A pesar de que el título sugiere un cierre definitivo, ni Cruise ni McQuarrie han confirmado que esta sea la última entrega de la franquicia. Ambos han dejado abierta la posibilidad de futuras películas, dependiendo de la recepción del público y el desempeño en taquilla. Y supongo que ahora o próximamente llegará el momento en que den carpetazo, dependerá también de los achaques de la edad. Lo que si que está claro es que no hay en el horizonte un sucesor, como han sugerido recientemente franquicias como ‘007’ o ‘John Wick’.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de mayo de 2025. Título original: Mission: Impossible – The Final Reckoning. Duración: 169 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher McQuarrie. Guion: Christopher McQuarrie, Bruce Geller, Erik Jendresen. Música: Lorne Balfe, Max Aruj, Alfie Godfrey. Fotografía: Fraser Taggart. Reparto principal: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Esai Morales, Pom Klementieff, Henry Czerny, Holt McCallany, Janet McTeer, Nick Offerman, Hannah Waddingham, Tramell Tillman and Angela Bassett, Shea Whigham, Greg Tarzan Davis, Charles Parnell, Mark Gatiss con Rolf Saxon, Lucy Tulugarjuk. Producción: Paramount Pictures, Skydance Media, TC Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, suspense, ciencia ficción. Web oficial:https://www.missionimpossible.com/
Apocalipsis, aliens, demonios, los Red Hot Chili Peppers y por supuesto… muchos gatos
En el mundo de las antologías animadas para adultos, ‘Love, Death & Robots’ ha conseguido un lugar destacado gracias a su combinación de narrativas provocadoras, animación de vanguardia y exploraciones temáticas que oscilan entre lo filosófico, lo distópico y lo cómico. Creada por Tim Miller y producida ejecutivamente junto a David Fincher, esta serie antológica ha sido aclamada por su capacidad de sorprender constantemente y desafiar las expectativas.
La cuarta temporada, bajo la supervisión de la directora Jennifer Yuh Nelson (‘Kung Fu Panda 2’, ‘Kill Team Kill’), vuelve a ofrecernos diez cortos innovadores. Con títulos que incluyen gladiadores, dinosaurios, gatos, mesías y a los Red Hot Chili Peppers, la temporada no decepciona en su despliegue de imaginación ni en su crítica social y tecnológica.
Como con las temporadas 1, 2 y 3 detallamos a cada uno de los diez episodios que componen la temporada sin spoilers.
CAN’T STOP (6 min.)
Los Red Hot Chili Peppers recreados con marionetas que a la vez están animadas en 3D. Con las voces de Anthony Kiedis, Flea, John Frusciante y Chad Smith y dirigida por el propio DavidFincher que rememora sus orígenes como director de videoclips. Es una recreación del concierto celebrado en 2003 en Slane Castle, Irlanda.
Del título ‘Love, death and robots’ coge tan solo la palabra amor. Amor por los que gusten de la animación y de los funkos cabezones o las marionetas. Y por supuesto porque este es un gustazo que se ha dado Fincher que también puede ser un placer para los fans que no hayan ido nunca a uno de sus conciertos. Pero sin duda debe haber sido una pesadilla logística para los trabajadores de Blur Studio, no por tener que hacer tantas masas de gentes, sino también por tener que recrear los cuatro hilos de cada marioneta.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: buena
Género: musical
CLOSE ENCOUNTERS OF THE MINI KIND (7 min.)
Llega el apocalipsis a ‘Love, death & robots’. Los debutantes Robert Bisi y Andy Lyon crean una invasión alienígena recreada a base de efectos tilt-shift que nos hacen aún más pequeños de lo que somos comparados con el universo. Si además nos regodeamos en nuestra propia estupidez, si demostramos que nuestro cerebro es pequeño o que lo empequeñecemos con el uso que hacemos de él, más insignificantes parecemos.
Por supuesto que recuerda a ‘Mars Attacks’ nada más que arrancar y hay también ecos de ‘Independence Day’ o ‘Guerra de los mundos’. Pero el hecho de parecer todo una maqueta animada hace de este cortometraje de Estudio Buck todo un divertimento diferente. Abducciones, sondas anales, discursos presidenciales… tópicos clásicos en las guerras conta OVNIS con un final… No se puede resumir más rápido y sencillo.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: muy buena
Género: comedia, acción, ciencia ficción
SPIDER ROSE (17 min.)
Jennifer Yuh Nelson, responsable del arte de películas como ‘Kung Fu Panda’, ‘Cómo entrenar a tu dragón 3’ o ‘El gigante de hierro’ nos trae una secuela de ‘Swarm’ el episodio estrenado en temporadas anteriores. Cyberpunk, acción y venganza son los ingredientes de este cortometraje que supone una nueva colaboración de la artista en la serie.
Una historia escrita por el querido y siempre imaginario Joe Abercrombie, el cual, se ha inspirado a su vez en una obra del autor de ciencia ficción Bruce Sterling. Muy mono el “Stich” que han creado, brutal el enfrentamiento y alucinante el universo visual que desplieta.
¿Tiene mensaje o reflexión?:
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: excelente
Género: ciencia ficción, drama, acción
400 BOYS (15 min.)
Muchos nombres en el título y muchas voces conocidas en el reparto de doblaje: JohnBoyega, Ed Skrein, Sienna King, Dwane Walcott, Rahul Kohli, Pamela Nomvete y AmarChadha-Patel. Tim Miller ha adaptado una historia de Marc Laidlaw que mezcla los códigos del bushido que usaban las mismísimas Tortugas Ninja con el salvajismo de un mundo post-apocalíptico. Una historia urbanita y underground repleta de bandas callejeras. Es como si ‘The Warriors’ se mezclase con ‘Los mundos de Gulliver’ o ‘Ataque a los titanes’, para los más jóvenes.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 2D y 3D
Calidad de animación: muy buena
Género: acción ciencia ficción
THE OTHER LARGE THING (9 min.)
Patrick Osborne (con guión de John Scalzi), cuyas animaciones nos ayudaron a entender el documental, ‘Q: Into the Storm’, se alía con el estudio AGBO en esta pequeña historieta en la que ese cumple lo que muchos pensamos: que somos esclavos de nuestros gatos. Una historia en la que cual ‘Pinky y Cerebro’, un gato y un robot planean conquistar el mundo a través de un pirateo a Internet. Como sucede con el capítulo ‘Close encounters of the mini kind’, nuestra estupidez aparece como el arma o vehículo para nuestra propia perdición.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: excelente
Género: comedia
GOLGOTHA (10 min.)
Uno de los varios episodios dirigidos por Tim Miller. Como productor de la serie se ha permitido salirse a la acción real y contar con Rhys Darby (el Anton de la película ‘Lo que hacemos en las sombras’). La trama es tan loca como podríais suponer con esta combinación pues un alienígena cree que su “Jesucristo” particular se ha reencarnado en la Tierra, pero no en un humano, sino en un delfín.
Luma Pictures mezcla imágenes reales con animadas de igual modo que se entremezcla el debate religioso y ético con lo cómico. Humor absurdo y menos carga intelectual de la esperada. El ‘Treehouse of Horror XI’ de ‘Los Simpson’ sacaba algo más de jugo a su invasión de mamíferos acuáticos. Únicamente extrae jugo a su título al emplear la palabra Gólgota como símbolo de la violencia religiosa desatada por la existencia de un mesías y el choque de culturas.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: acción real con 3D
Calidad de animación: excelente
Género: comedia, ciencia ficción
THE SCREAMING OF THE TYRANNOSAUR (14 min.)
Blur Studio, como tantas otras veces en ‘Love, death & robots’ anima otro corto de Tim Miller. La deshumanización es la protagonista ene la que unos snobs ricachones juegan con la genética para crear el gladiador perfecto y de ese modo salir victoriosos en unos combates que se celebran en un satélite en torno a Júpiter.
Sanguinolento, brutal y en un escenario similar al de ‘Elysium’. Podría ser un fragmento de la serie ‘Primal’. Lo que fue en el pasado, el pan y circo, el desprecio por la vida a coste del divertimento de otros puede seguir en un futuro lejano, por el simple hecho de que está en nuestra naturaleza. Puede recordaros a ‘The Maze Runner’, a ‘John Carter de Marte’ o a las flipaduras de Legolas sobre los mumakil.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: muy buena.
Género: acción
HOW ZEKE GOT RELIGION (15 min.)
Ya había animado en la segunda temporada, pero ahora el español Diego Porral, animador en el multiverso de Miles Morales o en ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, entre otros muchos trabajos que os dejarían sorprendidos, dirige este episodio animado por Titmouse. ¿Os acordáis de la historia de origen de Hellboy cuando es sacado del infierno por los nazis? Pues esta podría haber sido la misión que acabase con ese Proyecto Ragnarok pues unos pilotos de caza tienen que bombardear una iglesia en la que los alemanes preparan un rito.
Animación que recuerda al cómic europeo y a las películas de finales de los 90 e inicios de los 2000, aunque también hay algo más de Mignola en el aspecto visual. La Segunda Guerra Mundial nos rememora a series como ‘Los héroes del aire’
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 2D
Calidad de animación: excelente
Género: terror, acción
SMART APPLIANCES, STUPID OWNERS (8 min.)
En la edad media eran los sirvientes los que se quejaban de los nobles al encargarles las tareas más básicas en lo que siempre era un ejercicio de pereza y cero autosuficiencia. En el futuro que nos pinta ‘Love, death & robots’ son nuestros propios dispositivos y nuestro mobiliario inteligente el que sufre nuestra dejadez (cotidiana e intelectual). Una idea muy cachonda que va a hacer que miréis vuestros aparatos electrónicos de otra manera. ¿Alguno os ha calado?
Con las voces de Melissa Villaseñor, Ronny Chieng, Amy Sedaris, Kevin Hart, Josh Brener, Nat Faxon, Niecy Nash-Betts y Brett Goldstein.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: stop motion
Calidad de animación: buena
Género: comedia
FOR HE CAN CREEP (14 min.)
Con las voces de Dan Stevens y un mítico del doblaje en animación y videojuegos como JBBlanc, entre otros, nos sumergen en la historia más espiritual e infernal de esta temporada 4 de ‘Love, death & robots’. De las tres palabras del título muerte es la más presente pues se trata de un relato muy al estilo de E.A. Poe en el que el diablo insta a un poeta a escribir unas líneas que podrían acabar con el mundo. A este ritmo van a tener que agregar la palabra “cats” al título de la serie pues de nuevo nuestros felinos amigos tienen mucho peso en la historia.
Dirigido por Emily Dean, animadora en las LEGO películas o la película 3D de Scooby-Doo. 1757 no es una época muy habitual en ‘Love, death & robots’ a si es que solo por eso ya supone un punto distinto al resto, pero una manera algo floja de cerrar la temporada.
Atormentada por una violenta pesadilla recurrente, la estudiante universitaria Stefanie regresa a casa para buscar a la única persona que podría romper el infausto ciclo. Así podría salvar a su familia de la macabra desaparición que les aguarda a todos de manera inexorable.
Crítica
La muerte vuelve a ponerse imaginativa para hacérnoslo pasar bien
Veinticinco años han pasado desde que la muerte nos mostrase como trabaja. Que si no logra su cometido crea mil inventivas para poder conseguir que sus víctimas terminen muertas. Y es que ‘Destino Final’ fue un éxito en todos los sentidos allá en los 2000. Y después de tantos años llegamos a la sexta película con ‘Destino final: Lazos de sangre’.
¿Qué os puedo contar? Me ha encantado, me he divertido muchísimo viendo como se han inventado mil y una maneras de morir nuevas. La nueva película de la saga es bastante gore, no se corta con nada, niños, adolescentes, familias completas… Y es que ‘Destino final: Lazos de Sangre’ nos trae como La Muerte va detrás de la familia de Stefanie, una joven que no para de tener una pesadilla recurrente y debe ir en búsqueda de la única persona que podría romper ese ciclo y salvar a su familia.
No quiero contar mucho más porque la verdad que aunque la trama es fácil y tampoco es que sea tremendamente complicada, es gracioso ir descubriéndola mientras ves morir a diferentes personas de esta familia.
Tiene bastante humor, bastante ácido, pero que sin duda en una película de estas características es necesario y el público que asistimos a este visionado, lo entendemos y disfrutamos.
Zach Lipovsky y Adam B. Stein (‘Freaks’ aquí nuestra crítica), son los directores de esta estupenda sexta parte. Y es que lograron llamar la atención de los productores después de una videollamada por zoom con éstos y recreando una de las muertes que aparecen en la cinta. Sin duda se nota que disfrutan con esta dirección, pues ‘Destino Final: Lazos de Sangre’ es muy canalla y muy visceral.
En el reparto encontramos a Brec Bassinger, April Telek,Rya Kihlstedt, Anna Lore, Gabrielle Rose,Teo Briones, Owen Patrick Joyner, Alex Zahara, Richard Harmon y TinpoLee.
Como gran protagonista encontramos a Kaitlyn Santa Juana, esta joven que comienza con pesadillas y se da cuenta que algo no está bien y decide actuar.
Y por supuesto volvemos a ver a Tony Todd, en su última película. Se nota que ya estaba enfermo pues aparece muy desmejorado. Pero admito que el gran homenaje que le hacen y se hace a si mismo en la película es muy bonito. Un final para su personaje muy digno y lleno de buenos consejos. Por supuesto la película está dedicada a él.
Poco más que deciros, id a verla al cine y disfrutadla, la verdad que películas así son un gustazo verlas con unas buenas palomitas y con amigos con los que divertirnos. Antes de terminar, comentaros, que tuve la oportunidad de verla en una sala 4DX y es una verdadera gozada.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Final Destination: Bloodlines. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Zach Lipovsky, Adam B. Stein. Guion: Guy Busick, Lori Evans Taylor. Música: Tim Wynn. Fotografía: Christian Sebaldt. Reparto principal: Kaitlyn Santa Juana, Teo Briones, Richard Harmon, Owen Patrick Joyner, Rya Kihlstedt, Anna Lore, Brec Bassinger. Producción: Inzide Media, New Line Cinema, Practical Pictures, Québec Production Services Tax Credit, The Fusion Media. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: terror, remake. Web oficial:https://www.destinofinallazosdesangre.com/
Ernest Cole, fotógrafo sudafricano, fue el primero en exponer al mundo los horrores del Apartheid. La publicación de su libro ‘House of Bondage’ le llevó a exiliarse en Nueva York y Europa durante el resto de su vida. Raoul Peck relata su agitación como artista y su rabia ante el silencio o la complicidad del mundo occidental, además de cómo se descubrieron 60.000 negativos de su obra en la caja fuerte de un banco sueco.
Crítica
Una vida vista a través de sus fotografías
En 2017 reapareció la figura del fotógrafo Ernest Cole. Y es que, en una entidad bancaria de Estocolmo, se encontraron más de 60000 negativos de este gran fotógrafo que se pensaban desaparecidos. Un hombre que vivió exiliado en Nueva York y que tuvo el valor de exponer al mundo los horrores del Apartheid en Sudáfrica.
¿Pero, quién era Ernest Cole?
Nacido en Sudáfrica, de joven le regalaron una cámara de fotos y no la soltó. Con una cámara y mucha valentía, retrató la situación que vivían por culpa de Apartheid. Ernest utilizó teleobjetivos e incluso se escondía la cámara en bolsos o debajo de chaquetas, para poder realizar las instantáneas sin que le pillasen. Con ello, consiguió una gran cantidad de material con el que llevó al mundo la realidad del Apartheid gracias a la publicación de ‘House of Bondage’. Un libro que hizo que a sus 27 años tuviese que huir hacia Nueva York donde vivió hasta su muerte.
Nueva York fue una ciudad de la que se enamoró en un principio, veía libertad para los sudáfricanos, pero poco a poco fue viendo la realidad y que al final todo era igual.
Raoul Peck, director de ‘I Am Not Your Negro’, dirige este estupendo documental, con testimonios del fotógrafo y por supuesto, contado, la mayoría de las veces, con las fotografías del propio autor. Es una maravilla la manera que tenía de captar los rostros de la gente. Las situaciones del día a día y colocarnos en una época tan convulsa para la población afroamericana.
Me gusta mucho la manera de contar esta historia, la manera en la que además de aprender, nos están contando una historia y presentando a un personaje tan desconocido. Ernest Cole estaba roto, y eso lo ves mientras avanza el documental, su sufrimiento, sus ganas de volver a su país y deseando que todo fuese bien. El mundo le olvidó y murió en 1990 de un cáncer. Y como he comentado, hasta 2017 no se volvió a saber nada hasta que se encontraron los negativos que salieron de Sudafrica gracias a un amigo blanco, el cual al final en el aeropuerto ni llamaba la atención.
Un documental que os recomiendo mucho, y que llega a nuestras grandes salas el próximo 15 de mayo de 2025 gracias a Avalon Films.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de mayo de 2025. Título original: Ernest Cole: Lost and Found. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Raoul Peck. Guion: Raoul Peck. Música: Alexei Aigui. Fotografía: Wolfgang Held, Moses Tau. Reparto principal: LaKeith Stanfield. Producción: arte Francia Cinéma, Velvet Films. Distribución: Avalon films. Género: documental. Web oficial:https://avalon.me/peliculas/ernest-cole-lost-and-found/
Paula, Raúl y Dani podrían ser una familia más. Podrían serlo, de no ser porque Dani no es hijo de Paula, y ésta se enfrenta con el reto diario de encajar en una familia reconstituida. Este conflicto, unido a una crisis de pareja, hace que Paula pueda dejar de ver para siempre a Dani. Una historia que nos habla de afectos, poniendo los derechos del menor en el centro del debate y una gran pregunta: ¿qué es más importante, los sentimientos o el ADN?
Crítica
Luminosa pese a su tristeza
Yolanda Centeno se estrena con un largometraje de estos que nos da que pensar. De estas historias tan reales como la vida y que sin duda nos dejan con un buen debate después del visionado.
‘Tras el verano’ trata una ruptura, de lo difícil que es separarse, ya no solo de una pareja, sino del hijo de éste. Y es que Paula no es la madre de Dani, pero ambos tienen un vínculo increíble y ella no quiere perderlo. Pero legalmente no tiene nada que hacer, solo intentar seguir en su vida de cualquier manera.
Yolanda Centeno nos cuenta de manera sencilla lo complicado de estas situaciones y de cómo pueden ser más normales de lo que parecen. Los nuevos estilos de familias en los que los sentimientos no se miden por el ADN, sino por los vínculos que se crean entre las personas. Aunque Daniel, el niño protagonista, tenga madre y padre, Paula ha sido tan importante para él durante 5 años, que ambos no quieren perder el contacto. Los vínculos no tienen por qué ser sanguíneos, podemos sentir el mismo amor por alguien que no tenga nuestro ADN y con ello sufrir tanto una separación como cualquier madre o padre.
En sólo 90 minutos, los guionistas Yolanda Centeno y Jesús Luque, logran contarnos tantas cosas. Que no solo cuentan con el diálogo, sino también con los silencios. Esos que son los que más cuentan, los que más dolor dejan ver. Esta película está llena de esos silencios, de esas miradas al vacío llenas de palabras.
Me encanta el uso de la iluminación en la película. Tiene un gran trabajo y un gran significado. A Paula siempre la vemos en sombras, con una luz tenue que la invade siempre, menos cuando ve a Dani. Dani le devuelve la luz y eso nos lo muestran de la manera más sencilla y es fantástico. Pequeños detalles consiguen mostrarnos grandes sentimientos.
Sin duda, AlexandraJiménez nos regala un papel precioso. Lleva toda la película sobre sus hombros y no decae ni un momento. Al final, tiene un papel complicado lleno de matices. Junto a ella se encuentra JuanDiegoBotto, al que vemos destrozado e intentando volver a encauzar su vida.
Recomiendo mucho el visionado de ‘Tras el verano’ una situación que sin duda se da en el mundo real y del que no se habla. Y por supuesto, como he comentado, legalmente ni se piensa. Es una cinta de la que poder debatir al salir del cine y compartir diferentes ideas.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Tras el verano. Duración: 94 min. País: España. Dirección: Yolanda Centeno. Guion: Yolanda Centeno, Jesús Luque. Música: Pablo Cervantes. Fotografía: José Luis Bernal Ibañez. Reparto principal: Juan Diego Botto, Alexandra Jiménez, Ruth Gabriel, Stéphanie Magnin, Fran Cantos, Tamara Arias de Saavedra, Alicia Moruno, Edu Rejón, Alejandro López, Ana del Arco. Producción: Áralan Films, Harry Kane. Distribución: Alfa Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://alfapictures.com/sp/amy_movie/tras-el-verano/
“Quiero ver a mi madre”. A partir de este deseo, un gato fantasma y una niña que ha perdido a su madre se embarcan en un viaje que les lleva al mismo Infierno.
En medio de un fuerte aguacero, un monje encuentra a un gatito al que bautiza como Anzu y cría con esmero. Sin embargo, 30 años después, el gatito no solo no ha muerto, sino que se ha convertido en un “gato fantasma” que habla y vive como un ser humano. A sus 37 años, viaja en ciclomotor y trabaja a tiempo parcial como masajista. Un día, el anciano monje le pide a Anzu que cuide de Karin, su nieta de 11 años que ha sido abandonada por su padre, y este acepta a regañadientes. Al principio, sus personalidades enérgicas chocan y saltan chispas, pero poco a poco empiezan a entenderse. Entonces, Karin le pide un favor a Anzu, quiere volver a ver a su madre fallecida. Ese es el punto de partida para un dramático viaje que les llevará hasta el mismísimo Infierno.
Crítica
Comunión con la naturaleza y retos de la infancia en un filme con identidad propia y mucha simpatía
‘Anzu, gato fantasma’, dirigida por la directora novel Yôko Kuno (animadora habitual de Shin-chan) y Nobuhiro Yamashita, es una obra visualmente encantadora que ofrece una mezcla equilibrada de humor y ternura, con una historia que invita a la reflexión sobre la naturaleza y la vida. La película parte de una obra del mangaka Takashi Imashiro, tiene un marcado carácter rural y puede recordar en algunos aspectos a títulos como ‘El verano de Kikujiro’.
Viendo este anime Ghibli se pasa a menudo por nuestra cabeza. Al igual que en las obras de Miyazaki, ‘Anzu, gato fantasma’ presenta una conexión profunda con los personajes desvalidos, la espiritualidad y la infancia. El personaje de Anzu, un gato fantasma, recuerda a los espíritus protectores que aparecen en títulos como ‘Mi vecino Totoro’, ya que no sólo encarna lo sobrenatural, sino también una fuerza benévola y despreocupada que guía a los personajes. Pero este filme se alía más con el público actual evitando la mojigatería o ponerse intensito. Y es que Anzu cocina, conduce en moto sin carnet, se tira pedos comiendo y mea por los rincones del templo en que vive. Y todo esto sin parar de reírse “¡miaujajaja!”. Además Kuno y Yamashita optan por un tono más contemporáneo. La sutileza y simpatía con la que abordan los temas emocionales es su fortaleza, haciendo de ‘Anzu, gato fantasma’ una experiencia que consigue ser más íntima de lo que parece. Es imposible no hacerse amigo de este gato antropomórfico que rompe con lo tradicional.
‘Anzu, gato fantasma’ destaca no solo por cómo nos conmueve y divierte a partes iguales, también por su inaudito estilo de animación para tratarse de un filme nipón. Fusiona técnicas tradicionales con enfoques contemporáneos. Aunque como he dicho, el Japón rural y espiritual animado nos puede recordar siempre a Ghibli, la obra mantiene una identidad propia. La película fue filmada inicialmente en acción real, sobre la cual se aplicó la técnica de rotoscopia, pintando directamente sobre las imágenes filmadas. Esta metodología aporta una autenticidad y calidez únicas a la narrativa, enriqueciendo la experiencia visual. La colaboración entre los estudios Shin-Ei Animation y Miyu Productions resultó en una obra que combina lo mejor de ambas tradiciones animadas. El uso de la rotoscopia no solo añade una dimensión artística distintiva, sino que también refuerza la conexión emocional con los personajes y su entorno, ofreciendo al espectador una experiencia inmersiva y memorable.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Bakeneko Anzu-chan. Duración: 97 min. País: Japón. Dirección: Nobuhiro Yamashita, Yôko Kuno. Guion: Shinji Imaoka. Música: Keiichi Suzuki. Fotografía: Masato Makino. Reparto principal (doblaje original): Mirai Moriyama, Noa Gotô, Munetaka Aoki, Miwako Ichikawa, Keiichi Suzuki. Producción: Miyu Productions, Shin Ei Animation. Distribución: SelectaVisión. Género: aventura, fantástico. Web oficial:https://ghostcat-anzu.jp/
En 1520, el infame rey danés Cristián II (Claes Bang), sediento de poder, está decidido a arrebatar la corona sueca a Sten Sture (Adam Pålsson), cueste lo que cueste. Entre tanto, las hermanas Freja (Alba August) y Anne (Sophie Cookson) prometen solemnemente vengarse de los hombres que asesinaron brutalmente a su familia. Todo llega a su punto álgido en el corazón de Estocolmo, donde las hermanas se ven arrastradas a una despiadada lucha política entre Suecia y Dinamarca que culmina en una ejecución masiva, presidida por el rey loco «Cristián el Tirano», conocida como el Baño de Sangre de Estocolmo.
Crítica
¿Quién dijo que las películas nórdicas eran lentas y aburridas?
La película ‘Estocolmo 1520. El rey tirano’ nos traslada a uno de los capítulos más sangrientos de la historia sueca, pero lo hace con una visión fresca, osada y en ocasiones disparatada. Dirigida por Mikael Håfström a través de muchos estilismos, esta producción internacional sorprende al transformar un evento histórico como la Masacre de Estocolmo en un relato que combina drama, acción violenta y un humor negro que rompe con las convenciones del género.
¿De qué trata ‘Estocolmo 1520’? Ambientada en plena lucha por el trono de Suecia, ‘Estocolmo 1520’ sigue la historia de Anne y Freja, dos mujeres nobles marcadas por la brutalidad de un régimen impuesto. Tras presenciar la masacre de su familia ordenada por el rey Christian II, apodado “el rey tirano”, y ejecutada por unos pintorescos mercenarios, ambas emprenden un camino de venganza lista en mano a lo ‘Kill Bill’. Todo esto sucede en el marco de un país fracturado entre la nobleza local y el nuevo dominio danés. Lo que empieza como una historia de opresión, pronto se convierte en un thriller político con tintes épicos y sangrientos. Para desgracia de las dos protagonistas hay otra lista, la que dio con la ejecución pública de más de cien personas y llevó a este acontecimiento a los libros de historia.
Este es un un drama histórico con estilo moderno. Una de las mayores decisiones de ‘Estocolmo 1520’ es diferenciarse a través del humor y la acción procurando mantener cierto equilibrio entre el rigor histórico y una narrativa estilizada o contemporánea. La película no teme incorporar elementos visuales modernos, una banda sonora efectiva y diálogos que, sin perder seriedad, incluyen momentos de disparate y sátira. Este enfoque hace que la historia resulte accesible y atractiva incluso para quienes no conocen el contexto del siglo XVI en Escandinavia o para los que toleran poco las películas largas. Sobretodo este filme logrará romper estereotipos de esos que hacen pensar que el cine de Europa del norte siempre es lento y aburrido (aunque ahí hay ejemplos como ‘Sisu’). Y aunque Håfström se toma su tiempo (la película supera las dos horas de duración), lo hace para construir una atmósfera donde cada traición y cada decisión cuentan y suman al kill count.
Sophie Cookson y Alba August brillan como protagonistas, aportando fuerza y emoción a sus personajes, además de servir bien a la acción. Pero también acapara mucha atención ClaesBang como Christian II, un villano de lengua bífida que encarna el poder sin escrúpulos, con un carisma tontorrón e inquietante. Tras la peculiar interpretación de Drácula y su versión de Guillermo Tell queda claro que al actor danés no se le caen los anillos a la hora de retratar a personajes populares al borde de la parodia.
La ambición de esta película no está solo en la mezcla de géneros, también en lo visual. ‘Estocolmo 1520’ destaca por su cuidada ambientación, su fotografía sombría y sus escenas de acción dotadas de cierta coreografía. Consigue tomas de belleza medieval y de gran espectacularidad bélica. Para ser una película que trata una sangrienta efeméride y cuyo título original es Stockholm Bloodbath (el baño de sangre de Estocolmo) consigue obtener preciosos fotogramas, sobre todo en tomas aéreas.
Una película distinta que merece la oportunidad de ser vista. Si buscas una película histórica tradicional, ‘Estocolmo 1520’ probablemente te descoloque. Pero si estás dispuesto a ver una reinterpretación atrevida, que combina cierto rigor, violencia y hasta momentos de humor inesperado que en ocasiones no funciona (principalmente por la interpretación de Mikkel Boe Følsgaard), esta película te sorprenderá gratamente. Es una propuesta valiente que re-imagina la manera de narrar la historia siguiendo la estela de ‘La favorita’ o ‘The great’ pero con ciertos toques de ‘Juego de Tronos’, es decir, irreverencia y violencia a partes iguales.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Stockholm Bloodbath. Duración: 145 min. País: Suecia, Dinamarca. Dirección: Mikael Håfström. Guion: Erlend Loe, Nora Landsrød. Música: Steffen Thum. Fotografía: Pär M. Ekberg. Reparto principal: Sophie Coockson, Claes Bang, Alba August, Emily Beecham, Wilf Scolding. Producción: Nordisk Film, Viaplay Studios. Distribución: Divisa Films, Filmax. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.filmax.com/distribucion/estocolmo-1520-el-rey-tirano/312
Hellboy (Jack Kesy) y una agente novata del AIDP (Agencia para la investigación y defensa paranormal) se quedan varados en los Apalaches rurales de los años 50 y descubren una pequeña comunidad embrujada, liderada por el Hombre Retorcido.
Crítica
La versión de Hellboy más folk horror y fanmade hasta la fecha
La presencia del autor original en una adaptación cinematográfica puede parecer, a priori, una garantía de fidelidad o incluso, de calidad. Pero la historia del cine basado en cómics está llena de ejemplos que desmontan esa suposición. Frank Miller estuvo detrás de las exitosas ‘300’ y ‘Sin City’, mientras que Todd McFarlane presenció el descalabro de su ‘Spawn’ en 1997, con un nuevo intento aún más fallido junto a Jamie Foxx que nunca vio la luz. Mark Millar (‘Kick-Ass’), Bryan Lee O’Malley (‘Scott Pilgrim’) o John Ostrander (‘El Escuadrón Suicida’) también han estado involucrados en mayor o menor medida en las versiones fílmicas de sus creaciones, con resultados dispares. Marvel es otro universo, con sus propios códigos, cameos y fórmulas.
Todo esto sirve como contexto para entender ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’, una película donde Mike Mignola, por primera vez, ha tenido un peso real en la adaptación. Y eso se nota, al menos en un aspecto: esta es, sin duda, la película más cercana al espíritu del cómic original en cuanto a tono. Aquí se respira folk horror por los cuatro costados, un ambiente rural, oscuro, y cargado de misticismo que por fin hace justicia a un fragmento tan particular del universo Hellboy.
Si con Guillermo del Toro se exploraba la vertiente más romántica y melancólica del personaje, ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ decide sumergirse en la mitología pura de Mignola. Con el director Brian Taylor por fin se respeta el horror de raíz, el folklore profundo, el cuento de advertencia en clave sobrenatural. Y eso, sin duda, es lo mejor que ofrece esta adaptación. Pero lamentablemente, la fidelidad al tono no basta y esta vez ni una versión salvaje y sin censura, como fue el caso de Neil Marshall, salvaría los muebles. El resto de la película es un despropósito técnico. El CGI es pobre, más digno de una producción de The Asylum que de un estreno con aspiraciones serias. Las escenas de acción parecen sacadas de un proyecto universitario sin presupuesto o de un fanmade y la dirección no logra aprovechar los pocos momentos de tensión que propone el guion. Todo parece deslavazado, maquillado en exceso para camuflar carencias, lo cual perjudica a la atmósfera.
El casting tampoco ayuda. El nuevo Hellboy (Jack Kesy) carece de fuerza, de carisma, y sobre todo de presencia. No transmite la mezcla de cansancio existencial, ironía seca y brutalidad contenida que definía al personaje. Lo que queda es una figura desinflada, incapaz de sostener la película sobre sus hombros. Que sus lances suenen al son de soul y a música lounge no siempre le sienta bien pues redunda en el tópico de las campiñas de la Virginia de los sesenta.
‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ es una paradoja: cuando por fin se consigue capturar la esencia más oscura y particular del universo de Mignola, todo lo demás —producción, actuación, dirección— se desmorona. Es fiel, sí. Pero también es floja, torpe y olvidable. Una oportunidad perdida… Quizá la tercera entrega del Del Toro habría llegado a este nivel de oscuridad y suciedad, quizá al Hellboy David Harbour le faltaba este nivel de aventura local y episódica… Quizá debamos montarnos en nuestras mentes la mezcla perfecta para tener la película que este pilar del cómic contemporáneo se merece.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de febrero de 2026. Título original: Hellboy: The Crooked Man. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Brian Taylor. Guion: Mike Mignola, Christopher Golden, Brian Taylor. Música: Sven Faulconer. Fotografía: Ivan Vatsov. Reparto principal: Jack Kesy, Jefferson White Adeline Rudolph, Leah McNamara, Suzanne Bertish, Joseph Marcell, Martin Bassindale. Producción: Bulgarian National Film Center, Campbell Grobman Films, Dark Horse Comics, Millennium Media, Nu Boyana, Telepool. Distribución: Vértice Cine. Género: adaptación, terror, aventura. Web oficial:https://millennium-media.net/mf-films/hellboy-crooked-man/
Tras perder a su madre, un hombre decide arriesgarlo todo para honrar su memoria y abre un restaurante italiano en el que contrata como cocineras a un grupo de abuelas.
Crítica
La comida siempre da amor
Uno de los estrenos de la semana es ‘Nonnas’, una cinta entrañable, de esas que puedes ver una de estas tardes de lluvia, en el sofá y con un buen café en las manos. ‘Nonnas’ es una historia de amor, de amor a la familia, a las raíces y a la comida. Si, a esa comida que con solo tomarla te lleva a un pasado mejor, un pasado en el que tu familia se reunía y estaba unida.
Joe Scaravella, acaba de perder a su madre, una mujer muy importante para él. Su manera de llevar el luto es abrir un restaurante para poder llevar sus recetas a todo el mundo. Además, un viaje al mercado al que solía ir con ella, le hace ver que si contrata nonnas (abuelas) logrará su objetivo, y es comida realizada como en casa.
Creo que me esperaba una película más sensiblera, ‘Nonnas’ es bonita, una película sencilla que ya solo con su historia llama mucho la atención, además de por el pedazo de reparto. Encabezado por Vince Vaughn, un actor que nos tiene acostumbrados a saltar de la comedia a la acción sin mutarse. En ‘Nonnas’ nos deja su lado más tierno, intentando rescatar la memoria de su madre a través de la comida y de este negocio loco al que se ha lanzado.
Junto a él encontramos a Joe Manganiello, Drea de Matteo, Susan Sarandon, Lorraine Bracco, Ali Lopez-Sohaili, Brenda Vaccaro o Richie Moriarty, entre muchos otros.
La dirección es de Stephen Chbosky, director de ‘Wonder’ y que vuelve con una historia real. Con guion de Liz Maccie. Esta dirección es sencilla, sin complicaciones, eso sí, dándonos una buena dosis de imágenes de comida italiana que hace que salgas con un hambre impresionante de ver la película.
¿Qué mas nos da Nonnas?
Pues una historia real, Joe Scaravella es un personaje real que abrió su restaurante Enoteca María en Staten Island y básicamente todo lo que nos cuentan en la cinta es real. Joe Scaravella y su gran amigo, tienen un pequeño cameo en la cinta. Y en este restaurante se come comida de la abuela. Y cada semana está tematizada con abuelas de diferentes países.
Un concepto muy bueno que por lo que he podido ver tiene mucho éxito pues en todos lados te recomiendan hacer reserva o no podrás cenar.
Otra curiosidad de la cinta, es que no está rodada en ese restaurante, si no que se fueron a New Jersey y rodaron en un famoso restaurante ya cerrado ‘Spiritos’, al cual también homenajean dentro de la película. Y es que al final, ‘Nonnas’ es un gran homenaje también a la restauración, a esas personas que han dado sus vidas para servirnos buenos platos de comida y que han arriesgado todo lo que tienen para poder hacer sus sueños realidad.
A partir del día 9 de mayo podéis ver ‘Nonnas’ en Netflix. Dadle una oportunidad, no es una gran película, pero no siempre tienen que ser obras maestras para lograr contarnos una buena historia.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: Nonnas. Duración: 111 min. País: Estados Unidos. Dirección: Stephen Chbosky. Guion: Liz Maccie. Jody Scaravella. Música: Marcelo Zarvos. Fotografía: Florian Ballhaus. Reparto principal: Vince Vaughn, Susan Sarandon, Lorraine Bracco, Talia Shire, Brenda Vaccaro, Linda Cardellini, Drea de Mateo, Joe Manganiello, Campbell Scott, Richie Moriarty, Quincy Dunn-Baker. Producción: Fifth Season, Odd Lot Entertainment, Matador Content, One Community. Distribución: Netflix. Género: Comedia. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81936724
Basada en el relato de George R. R. Martin. Una reina (Amara Okereke), desesperada por encontrar la felicidad en el amor, envía a la poderosa bruja Gray Alys (Milla Jovovich) a las Tierras Perdidas, en busca de un poder mágico que permite a una persona transformarse en un hombre lobo. Con el misterioso cazador Boyce (Dave Bautista), que la apoya en la lucha contra criaturas oscuras y despiadadas, Gray deambula por un mundo inquietante y peligroso. Pero solo ella sabe que cada deseo que concede tiene consecuencias inimaginables.
Crítica
Con la dupla Anderson/Jovovich sabes a lo que vas, pero no lo que se te viene
Paul W.S. Anderson y Milla Jovovich llevan años jugando a lo mismo. Desde que el director encontró su musa en la saga ‘Resident Evil’, ha explotado una y otra vez la misma fórmula: mundos postapocalípticos, héroes hipermusculados, criaturas generadas por ordenador y una puesta en escena que parece salida de un videojuego. ‘Tierras perdidas’, su nueva colaboración, no es la excepción. Se podría decir que el director y su esposa han desarrollado su propio subgénero dentro del cine de acción y fantástico, pero el problema es que ya han exprimido hasta la última gota de originalidad que pudiera haberles quedado.
Para este nuevo delirio visual, Anderson adapta un relato de George R.R. Martin, un autor que cuando se aleja de la fantasía medieval y se adentra en la ciencia ficción suele acabar en desastre (como lo demuestra la malograda Nightflyers). A la ecuación se suma Dave Bautista, quien parece haberse convertido en el secundario predilecto para producciones de este tipo. La historia nos sitúa en un futuro postnuclear donde la humanidad sobrevive bajo el dominio de una monarquía que combate a herejes y tanto a monstruos como a brujas, en un entorno que recuerda por momentos a ‘Mad Max’ y por otros a una partida de ‘Diablo’.
El problema de ‘Tierras perdidas’ es que se siente como un refrito de ideas ya vistas en decenas de películas previas. Juega en la misma liga que ‘Legion’ o ‘Priest. El sicario de Dios’, aquellas cintas protagonizadas por Paul Bettany que mezclaban religión y ciencia ficción con estética apocalíptica. Hay inquisidores, magia oscura y combates cuerpo a cuerpo y con pistolas, pero en ningún momento el filme logra dotar de identidad propia a su mundo. A esto se le suma un guion que intenta sonar trascendental con frases lapidarias que no funcionan y un desarrollo de personajes que se siente tan mecánico como las escenas de acción.
En el apartado visual, Anderson vuelve a apostar por su estilo de siempre: una mezcla de gótico industrial con escenarios generados por ordenador. El diseño de producción es bizarro, rozando lo grotesco, y en más de un momento parece que estamos viendo un videoclip de Rammstein en lugar de una película de aventuras. La fotografía apuesta por tonos metálicos y azulados que acentúan la artificialidad del conjunto, algo que no ayuda cuando prácticamente todas las escenas han sido rodadas sobre un croma. Es evidente que el presupuesto no es descomunal, pero las herramientas digitales actuales permiten simular espacios de gran escala… aunque en este caso todo resulta demasiado sintético y carente de vida.
Si hablamos de la acción, encontramos otro de los grandes problemas de ‘Tierras perdidas’: su sobredependencia de la cámara lenta. Anderson lleva un tiempo acercándose peligrosamente al estilo de Zack Snyder, y aquí lo demuestra en exceso. Cada combate está repleto de ralentizaciones que, en lugar de añadir épica, acaban restando fluidez a la narrativa. El montaje y la puesta en escena parecen diseñados más para lucir bien en tráileres que para aportar ritmo a la historia.
En cuanto a las interpretaciones, Milla Jovovich hace exactamente lo que se espera de ella: miradas intensas, coreografías marciales y una actuación que nunca abandona la sobriedad monolítica que la ha caracterizado en sus últimos proyectos. Dave Bautista, por su parte, cumple con su rol de guerrero imponente, pero el guion no le da muchas oportunidades y eso que suyo es uno de los giros importantes que hay que admitir que pillan desprevenidos. Por cierto que… su personaje lleva tatuados en el cuello un origami como el de ‘Blade Runner’ y una corona como las que pintaba Jean-Michel Basquiat.
‘Tierras perdidas’ es, en definitiva, un ejercicio de estilo que confirma que Anderson y Jovovich llevan tiempo estancados en su zona de confort. La película no arriesga, no innova y, aunque pueda resultar entretenida para los más incondicionales del género, se siente como un reciclaje de ideas que hemos visto demasiadas veces. Si buscas una cinta con personajes carismáticos, un mundo con personalidad propia o una historia que deje huella, aquí no lo vas a encontrar.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: In the Lost Lands. Duración: 101 min. País: Alemania. Dirección: Paul W.S. Anderson. Guion: Constantin Werner, Paul W.S. Anderson. Música: Paul Haslinger. Fotografía: Glen MacPherson. Reparto principal: Milla Jovovich, Dave Bautista. Producción: Constantin Films, Dream Bros. Entertainment, Rusalka Film. Distribución: Diamond Films. Género: Paul W.S. Anderson. Web oficial:https://diamondfilms.es/site/detalle/tierras-perdidas
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