El 22 de mayo llega a nuestras pantallas ‘Sirenas’. Miniserie de 5 episodios con Julianne Moore y Kevin Bacon como dos de sus grandes protagonistas.
Devon necesita a su hermana, una joven que desapareció de sus vidas hace años y que lo único que hace al pedirles ayuda es mandarles una gran cesta de frutas. Con esto, Devon se marcha a pedirla explicaciones y descubre que es una especie de secretaria de una millonaria que vive en una isla y se dedica a un gran vivero con grandes especies voladoras.
Me ha encantado, me ha entretenido muchísimo y la verdad que engancha desde el principio. La serie viene de un libro y una obra de teatro llamada ‘Elemeno Pea’, de Molly SmithMetzler, creadora y guionista de la serie. Junto a ella, han adaptado el guion Colin McKenna y Bekah Brunstetter.
‘Sirenas’ nos presenta un montón de personajes, secundarios y principales. Todos ellos con algo que esconder. Cada uno con sus pequeñas vergüenzas o incluso con grandes miedos. Personas que intentan sobrevivir a un pasado que no aceptan y del que no pueden escapar.
Además, nos muestran lo fácil que es manipular a la gente y que hagan lo que uno quiere. El título de echo va por ahí, de como estas tres mujeres, con sus problemas y sus miedos, logran manipular, queriendo y sin querer a todo el mundo a su alrededor. Como cual sirenas hechizan a sus anchas para conseguir todo lo que quieren.
La serie tiene una banda sonora muy calmada y con melodías tarareadas por mujeres algo que le da más misticismo a la historia. Eso y la fotografía, tan perfecta, tan limpia y brillante logran que veamos todo muy idílico.
Un gran trabajo en equipo en general, pues el vestuario y maquillaje es perfecto. Perfecto si vives todo el día con un peluquero en casa, pero es exactamente lo que nos pide la serie, que todo sea perfecto, que estas mujeres se vean perfectas casi todo el rato.
Meghann Fahy (‘Your Monster’ o ‘The White Lotus’), Milly Alcock (‘La Casa del Dragón’, ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’) son las encargadas de dar vida a estas dos hermanas que se van a tener que aguantar durante un largo fin de semana, una intentando sacar a su hermana de aquella isla y la otra intentando hacerla desaparecer de nuevo. Ambas están estupendas. El papel de Milly Alcock, tan frágil y a la vez fuerte sin duda ha sido mi favorito.
Junto a ellas la gran Julianne Moore, que nos trae un personaje muy misterioso, lleno de candor y a la que todo el mundo sigue sin pestañear.
Kevin Bacon, Glenn Howerton, Bill Camp, Britne Oldford, Trevor Salter, Josh Segarra, Lauren Weedman, Patrick Voss Davis, Jenn Lyon, Erin Neufer y Felix Solis son parte de este gran reparto. Éste último, Felix Solis, hace uno de los mejores personajes de la serie. José, alguien secundario pero que se conoce todos los entresijos de esa gran isla.
‘Sirenas’ es un buen producto y que os aseguro os quedaréis con ganas de más. Si comenzáis a verla no vais a parar, la verdad que se hace muy cortita y ese humor tan ácido que tiene sin duda es un gran acierto.
Nuestras vidas son la suma de nuestras decisiones. Tom Cruise es Ethan Hunt en ‘Misión: Imposible- Sentencia Final’.
Crítica
Una proeza del cine de acción contemporáneo
En su octava entrega, ‘Misión: Imposible – Sentencia Final’ se erige como una proeza del cine de acción contemporáneo. Bajo la dirección de Christopher McQuarrie y con la siempre inquebrantable dedicación de Tom Cruise, la película ofrece una experiencia cinematográfica que desafía las expectativas y lleva la adrenalina al límite. Vuelven las clásicas máscaras, los saltos de fe y los artilugios tecnológicos que como siempre se sacan de la manga de la manera más forzada. Pero esta nueva es capaz de seguir sorprendiendo y de ir más allá.
La narrativa arranca con un montaje rapidísimo, ágil que repasa momentos clave de la franquicia, llevando al espectador por una montaña rusa de escenarios y personajes. Para algunos puede ser un arranque alborotado y precipitado, pero no se me ocurre mejor manera de plantear el entuerto que deben resolver. Durante casi la primera hora y media, la película salta de un lugar a otro con una energía frenética, estableciendo las bases para una segunda mitad repleta de acción ininterrumpida. Este ritmo vertiginoso mantiene al público al borde de su asiento, sin dar tregua al aburrimiento.
Sin John Connor hubiese conocido a Ethan Hunt la saga ‘Terminator’ habría terminado pronto. Se nos plantea una carrera a contrarreloj por acabar con la IA malvada conocida como La Entidad. La franquicia siempre ha respondido a ciertas inquietudes actuales que actualizaban los episodios creados por Bruce Geller. Pero este argumento resuena más que nunca con preocupaciones contemporáneas sobre la tecnología y su impacto en nuestros destinos. La inteligencia artificial irrumpe como un dictador que unilateralmente y de manera fría y calculadora va a imponer su criterio. Esta alcanza el estatus de problema mundial y lo que nos propone ‘Misión: Imposible – sentencia final’ es un cometido a escala global con una sincronización que como siempre se percibe como imposible. Todo para culminar en un clímax que son realmente cuatro a la vez. Casi tres horas de filme para que suceda todo en un parpadeo (cuatro parpadeos en realidad) y consiguen que funcione. Y como un parpadeo se pasa la película, no da tiempo a aburrirse, ya sea porque requiere nuestra atención a la hora de establecer las conexiones con las anteriores películas, ya sea por seguir el hilo de la enrevesada trama tecnológica que se han inventado o ya sea por mantenernos con la adrenalina al máximo. Y con todo y con esto, para mí, la escena más original ha sido la que transcurre más lenta y bajo el agua con un submarino haciendo la croqueta.
Uno de los aspectos más destacados y que a estas alturas es algo consabido por el espectador, es el compromiso de Cruise con las escenas de riesgo. El actor a sus 62 años es conocido por realizar sus propias acrobacias, lleva su cuerpo al límite en secuencias que desafían la lógica y la física. Desde colgarse de aviones en pleno vuelo hasta sumergirse en profundidades peligrosas. Cruise demuestra una vez más su dedicación al realismo y la autenticidad en cada escena. Su entrega es tal que, durante el rodaje de una escena aérea, llegó a desmayarse debido a la falta de oxígeno, evidenciando el nivel de exigencia física al que se sometió. Es evidente que trucos generados por ordenador hay. Pero se notan mucho las escenas que se han hecho de manera práctica y llega el momento en el que hay que plantearse quién está más loco, si Tom Cruise por jugarse el tipo para hacer estas proezas del entretenimiento o si el personaje que interpreta al arriesgar su vida en lances que son prácticamente un suicidio.
Durante el filme, incorporan elementos de las anteriores entregas, ya sea para darle coherencia a la cinta o para incluir sorpresas, algunas de ellas francamente inesperadas. Es importante en este sentido la interacción de Cruise con el resto del reparto, que tiene más que nunca presencia y peso en la trama, hasta llegar a una conclusión tan elegante como emotiva. Destaca el desarrollo del personaje de Hayley Atwell, cuyo devenir aporta frescura a la dinámica del equipo y rompe con las clásicas relaciones que suele tener Etan Hunt. Sin embargo, el villano interpretado por Esai Morales resulta menos convincente. Su actuación, aunque intensa, cae en la caricatura, recordando a los antagonistas más exagerados de la saga de James Bond.
A pesar de que el título sugiere un cierre definitivo, ni Cruise ni McQuarrie han confirmado que esta sea la última entrega de la franquicia. Ambos han dejado abierta la posibilidad de futuras películas, dependiendo de la recepción del público y el desempeño en taquilla. Y supongo que ahora o próximamente llegará el momento en que den carpetazo, dependerá también de los achaques de la edad. Lo que si que está claro es que no hay en el horizonte un sucesor, como han sugerido recientemente franquicias como ‘007’ o ‘John Wick’.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de mayo de 2025. Título original: Mission: Impossible – The Final Reckoning. Duración: 169 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher McQuarrie. Guion: Christopher McQuarrie, Bruce Geller, Erik Jendresen. Música: Lorne Balfe, Max Aruj, Alfie Godfrey. Fotografía: Fraser Taggart. Reparto principal: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Esai Morales, Pom Klementieff, Henry Czerny, Holt McCallany, Janet McTeer, Nick Offerman, Hannah Waddingham, Tramell Tillman and Angela Bassett, Shea Whigham, Greg Tarzan Davis, Charles Parnell, Mark Gatiss con Rolf Saxon, Lucy Tulugarjuk. Producción: Paramount Pictures, Skydance Media, TC Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, suspense, ciencia ficción. Web oficial:https://www.missionimpossible.com/
Apocalipsis, aliens, demonios, los Red Hot Chili Peppers y por supuesto… muchos gatos
En el mundo de las antologías animadas para adultos, ‘Love, Death & Robots’ ha conseguido un lugar destacado gracias a su combinación de narrativas provocadoras, animación de vanguardia y exploraciones temáticas que oscilan entre lo filosófico, lo distópico y lo cómico. Creada por Tim Miller y producida ejecutivamente junto a David Fincher, esta serie antológica ha sido aclamada por su capacidad de sorprender constantemente y desafiar las expectativas.
La cuarta temporada, bajo la supervisión de la directora Jennifer Yuh Nelson (‘Kung Fu Panda 2’, ‘Kill Team Kill’), vuelve a ofrecernos diez cortos innovadores. Con títulos que incluyen gladiadores, dinosaurios, gatos, mesías y a los Red Hot Chili Peppers, la temporada no decepciona en su despliegue de imaginación ni en su crítica social y tecnológica.
Como con las temporadas 1, 2 y 3 detallamos a cada uno de los diez episodios que componen la temporada sin spoilers.
CAN’T STOP (6 min.)
Los Red Hot Chili Peppers recreados con marionetas que a la vez están animadas en 3D. Con las voces de Anthony Kiedis, Flea, John Frusciante y Chad Smith y dirigida por el propio DavidFincher que rememora sus orígenes como director de videoclips. Es una recreación del concierto celebrado en 2003 en Slane Castle, Irlanda.
Del título ‘Love, death and robots’ coge tan solo la palabra amor. Amor por los que gusten de la animación y de los funkos cabezones o las marionetas. Y por supuesto porque este es un gustazo que se ha dado Fincher que también puede ser un placer para los fans que no hayan ido nunca a uno de sus conciertos. Pero sin duda debe haber sido una pesadilla logística para los trabajadores de Blur Studio, no por tener que hacer tantas masas de gentes, sino también por tener que recrear los cuatro hilos de cada marioneta.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: buena
Género: musical
CLOSE ENCOUNTERS OF THE MINI KIND (7 min.)
Llega el apocalipsis a ‘Love, death & robots’. Los debutantes Robert Bisi y Andy Lyon crean una invasión alienígena recreada a base de efectos tilt-shift que nos hacen aún más pequeños de lo que somos comparados con el universo. Si además nos regodeamos en nuestra propia estupidez, si demostramos que nuestro cerebro es pequeño o que lo empequeñecemos con el uso que hacemos de él, más insignificantes parecemos.
Por supuesto que recuerda a ‘Mars Attacks’ nada más que arrancar y hay también ecos de ‘Independence Day’ o ‘Guerra de los mundos’. Pero el hecho de parecer todo una maqueta animada hace de este cortometraje de Estudio Buck todo un divertimento diferente. Abducciones, sondas anales, discursos presidenciales… tópicos clásicos en las guerras conta OVNIS con un final… No se puede resumir más rápido y sencillo.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: muy buena
Género: comedia, acción, ciencia ficción
SPIDER ROSE (17 min.)
Jennifer Yuh Nelson, responsable del arte de películas como ‘Kung Fu Panda’, ‘Cómo entrenar a tu dragón 3’ o ‘El gigante de hierro’ nos trae una secuela de ‘Swarm’ el episodio estrenado en temporadas anteriores. Cyberpunk, acción y venganza son los ingredientes de este cortometraje que supone una nueva colaboración de la artista en la serie.
Una historia escrita por el querido y siempre imaginario Joe Abercrombie, el cual, se ha inspirado a su vez en una obra del autor de ciencia ficción Bruce Sterling. Muy mono el “Stich” que han creado, brutal el enfrentamiento y alucinante el universo visual que desplieta.
¿Tiene mensaje o reflexión?:
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: excelente
Género: ciencia ficción, drama, acción
400 BOYS (15 min.)
Muchos nombres en el título y muchas voces conocidas en el reparto de doblaje: JohnBoyega, Ed Skrein, Sienna King, Dwane Walcott, Rahul Kohli, Pamela Nomvete y AmarChadha-Patel. Tim Miller ha adaptado una historia de Marc Laidlaw que mezcla los códigos del bushido que usaban las mismísimas Tortugas Ninja con el salvajismo de un mundo post-apocalíptico. Una historia urbanita y underground repleta de bandas callejeras. Es como si ‘The Warriors’ se mezclase con ‘Los mundos de Gulliver’ o ‘Ataque a los titanes’, para los más jóvenes.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 2D y 3D
Calidad de animación: muy buena
Género: acción ciencia ficción
THE OTHER LARGE THING (9 min.)
Patrick Osborne (con guión de John Scalzi), cuyas animaciones nos ayudaron a entender el documental, ‘Q: Into the Storm’, se alía con el estudio AGBO en esta pequeña historieta en la que ese cumple lo que muchos pensamos: que somos esclavos de nuestros gatos. Una historia en la que cual ‘Pinky y Cerebro’, un gato y un robot planean conquistar el mundo a través de un pirateo a Internet. Como sucede con el capítulo ‘Close encounters of the mini kind’, nuestra estupidez aparece como el arma o vehículo para nuestra propia perdición.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: excelente
Género: comedia
GOLGOTHA (10 min.)
Uno de los varios episodios dirigidos por Tim Miller. Como productor de la serie se ha permitido salirse a la acción real y contar con Rhys Darby (el Anton de la película ‘Lo que hacemos en las sombras’). La trama es tan loca como podríais suponer con esta combinación pues un alienígena cree que su “Jesucristo” particular se ha reencarnado en la Tierra, pero no en un humano, sino en un delfín.
Luma Pictures mezcla imágenes reales con animadas de igual modo que se entremezcla el debate religioso y ético con lo cómico. Humor absurdo y menos carga intelectual de la esperada. El ‘Treehouse of Horror XI’ de ‘Los Simpson’ sacaba algo más de jugo a su invasión de mamíferos acuáticos. Únicamente extrae jugo a su título al emplear la palabra Gólgota como símbolo de la violencia religiosa desatada por la existencia de un mesías y el choque de culturas.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: acción real con 3D
Calidad de animación: excelente
Género: comedia, ciencia ficción
THE SCREAMING OF THE TYRANNOSAUR (14 min.)
Blur Studio, como tantas otras veces en ‘Love, death & robots’ anima otro corto de Tim Miller. La deshumanización es la protagonista ene la que unos snobs ricachones juegan con la genética para crear el gladiador perfecto y de ese modo salir victoriosos en unos combates que se celebran en un satélite en torno a Júpiter.
Sanguinolento, brutal y en un escenario similar al de ‘Elysium’. Podría ser un fragmento de la serie ‘Primal’. Lo que fue en el pasado, el pan y circo, el desprecio por la vida a coste del divertimento de otros puede seguir en un futuro lejano, por el simple hecho de que está en nuestra naturaleza. Puede recordaros a ‘The Maze Runner’, a ‘John Carter de Marte’ o a las flipaduras de Legolas sobre los mumakil.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: muy buena.
Género: acción
HOW ZEKE GOT RELIGION (15 min.)
Ya había animado en la segunda temporada, pero ahora el español Diego Porral, animador en el multiverso de Miles Morales o en ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, entre otros muchos trabajos que os dejarían sorprendidos, dirige este episodio animado por Titmouse. ¿Os acordáis de la historia de origen de Hellboy cuando es sacado del infierno por los nazis? Pues esta podría haber sido la misión que acabase con ese Proyecto Ragnarok pues unos pilotos de caza tienen que bombardear una iglesia en la que los alemanes preparan un rito.
Animación que recuerda al cómic europeo y a las películas de finales de los 90 e inicios de los 2000, aunque también hay algo más de Mignola en el aspecto visual. La Segunda Guerra Mundial nos rememora a series como ‘Los héroes del aire’
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 2D
Calidad de animación: excelente
Género: terror, acción
SMART APPLIANCES, STUPID OWNERS (8 min.)
En la edad media eran los sirvientes los que se quejaban de los nobles al encargarles las tareas más básicas en lo que siempre era un ejercicio de pereza y cero autosuficiencia. En el futuro que nos pinta ‘Love, death & robots’ son nuestros propios dispositivos y nuestro mobiliario inteligente el que sufre nuestra dejadez (cotidiana e intelectual). Una idea muy cachonda que va a hacer que miréis vuestros aparatos electrónicos de otra manera. ¿Alguno os ha calado?
Con las voces de Melissa Villaseñor, Ronny Chieng, Amy Sedaris, Kevin Hart, Josh Brener, Nat Faxon, Niecy Nash-Betts y Brett Goldstein.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: stop motion
Calidad de animación: buena
Género: comedia
FOR HE CAN CREEP (14 min.)
Con las voces de Dan Stevens y un mítico del doblaje en animación y videojuegos como JBBlanc, entre otros, nos sumergen en la historia más espiritual e infernal de esta temporada 4 de ‘Love, death & robots’. De las tres palabras del título muerte es la más presente pues se trata de un relato muy al estilo de E.A. Poe en el que el diablo insta a un poeta a escribir unas líneas que podrían acabar con el mundo. A este ritmo van a tener que agregar la palabra “cats” al título de la serie pues de nuevo nuestros felinos amigos tienen mucho peso en la historia.
Dirigido por Emily Dean, animadora en las LEGO películas o la película 3D de Scooby-Doo. 1757 no es una época muy habitual en ‘Love, death & robots’ a si es que solo por eso ya supone un punto distinto al resto, pero una manera algo floja de cerrar la temporada.
Atormentada por una violenta pesadilla recurrente, la estudiante universitaria Stefanie regresa a casa para buscar a la única persona que podría romper el infausto ciclo. Así podría salvar a su familia de la macabra desaparición que les aguarda a todos de manera inexorable.
Crítica
La muerte vuelve a ponerse imaginativa para hacérnoslo pasar bien
Veinticinco años han pasado desde que la muerte nos mostrase como trabaja. Que si no logra su cometido crea mil inventivas para poder conseguir que sus víctimas terminen muertas. Y es que ‘Destino Final’ fue un éxito en todos los sentidos allá en los 2000. Y después de tantos años llegamos a la sexta película con ‘Destino final: Lazos de sangre’.
¿Qué os puedo contar? Me ha encantado, me he divertido muchísimo viendo como se han inventado mil y una maneras de morir nuevas. La nueva película de la saga es bastante gore, no se corta con nada, niños, adolescentes, familias completas… Y es que ‘Destino final: Lazos de Sangre’ nos trae como La Muerte va detrás de la familia de Stefanie, una joven que no para de tener una pesadilla recurrente y debe ir en búsqueda de la única persona que podría romper ese ciclo y salvar a su familia.
No quiero contar mucho más porque la verdad que aunque la trama es fácil y tampoco es que sea tremendamente complicada, es gracioso ir descubriéndola mientras ves morir a diferentes personas de esta familia.
Tiene bastante humor, bastante ácido, pero que sin duda en una película de estas características es necesario y el público que asistimos a este visionado, lo entendemos y disfrutamos.
Zach Lipovsky y Adam B. Stein (‘Freaks’ aquí nuestra crítica), son los directores de esta estupenda sexta parte. Y es que lograron llamar la atención de los productores después de una videollamada por zoom con éstos y recreando una de las muertes que aparecen en la cinta. Sin duda se nota que disfrutan con esta dirección, pues ‘Destino Final: Lazos de Sangre’ es muy canalla y muy visceral.
En el reparto encontramos a Brec Bassinger, April Telek,Rya Kihlstedt, Anna Lore, Gabrielle Rose,Teo Briones, Owen Patrick Joyner, Alex Zahara, Richard Harmon y TinpoLee.
Como gran protagonista encontramos a Kaitlyn Santa Juana, esta joven que comienza con pesadillas y se da cuenta que algo no está bien y decide actuar.
Y por supuesto volvemos a ver a Tony Todd, en su última película. Se nota que ya estaba enfermo pues aparece muy desmejorado. Pero admito que el gran homenaje que le hacen y se hace a si mismo en la película es muy bonito. Un final para su personaje muy digno y lleno de buenos consejos. Por supuesto la película está dedicada a él.
Poco más que deciros, id a verla al cine y disfrutadla, la verdad que películas así son un gustazo verlas con unas buenas palomitas y con amigos con los que divertirnos. Antes de terminar, comentaros, que tuve la oportunidad de verla en una sala 4DX y es una verdadera gozada.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Final Destination: Bloodlines. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Zach Lipovsky, Adam B. Stein. Guion: Guy Busick, Lori Evans Taylor. Música: Tim Wynn. Fotografía: Christian Sebaldt. Reparto principal: Kaitlyn Santa Juana, Teo Briones, Richard Harmon, Owen Patrick Joyner, Rya Kihlstedt, Anna Lore, Brec Bassinger. Producción: Inzide Media, New Line Cinema, Practical Pictures, Québec Production Services Tax Credit, The Fusion Media. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: terror, remake. Web oficial:https://www.destinofinallazosdesangre.com/
Ernest Cole, fotógrafo sudafricano, fue el primero en exponer al mundo los horrores del Apartheid. La publicación de su libro ‘House of Bondage’ le llevó a exiliarse en Nueva York y Europa durante el resto de su vida. Raoul Peck relata su agitación como artista y su rabia ante el silencio o la complicidad del mundo occidental, además de cómo se descubrieron 60.000 negativos de su obra en la caja fuerte de un banco sueco.
Crítica
Una vida vista a través de sus fotografías
En 2017 reapareció la figura del fotógrafo Ernest Cole. Y es que, en una entidad bancaria de Estocolmo, se encontraron más de 60000 negativos de este gran fotógrafo que se pensaban desaparecidos. Un hombre que vivió exiliado en Nueva York y que tuvo el valor de exponer al mundo los horrores del Apartheid en Sudáfrica.
¿Pero, quién era Ernest Cole?
Nacido en Sudáfrica, de joven le regalaron una cámara de fotos y no la soltó. Con una cámara y mucha valentía, retrató la situación que vivían por culpa de Apartheid. Ernest utilizó teleobjetivos e incluso se escondía la cámara en bolsos o debajo de chaquetas, para poder realizar las instantáneas sin que le pillasen. Con ello, consiguió una gran cantidad de material con el que llevó al mundo la realidad del Apartheid gracias a la publicación de ‘House of Bondage’. Un libro que hizo que a sus 27 años tuviese que huir hacia Nueva York donde vivió hasta su muerte.
Nueva York fue una ciudad de la que se enamoró en un principio, veía libertad para los sudáfricanos, pero poco a poco fue viendo la realidad y que al final todo era igual.
Raoul Peck, director de ‘I Am Not Your Negro’, dirige este estupendo documental, con testimonios del fotógrafo y por supuesto, contado, la mayoría de las veces, con las fotografías del propio autor. Es una maravilla la manera que tenía de captar los rostros de la gente. Las situaciones del día a día y colocarnos en una época tan convulsa para la población afroamericana.
Me gusta mucho la manera de contar esta historia, la manera en la que además de aprender, nos están contando una historia y presentando a un personaje tan desconocido. Ernest Cole estaba roto, y eso lo ves mientras avanza el documental, su sufrimiento, sus ganas de volver a su país y deseando que todo fuese bien. El mundo le olvidó y murió en 1990 de un cáncer. Y como he comentado, hasta 2017 no se volvió a saber nada hasta que se encontraron los negativos que salieron de Sudafrica gracias a un amigo blanco, el cual al final en el aeropuerto ni llamaba la atención.
Un documental que os recomiendo mucho, y que llega a nuestras grandes salas el próximo 15 de mayo de 2025 gracias a Avalon Films.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de mayo de 2025. Título original: Ernest Cole: Lost and Found. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Raoul Peck. Guion: Raoul Peck. Música: Alexei Aigui. Fotografía: Wolfgang Held, Moses Tau. Reparto principal: LaKeith Stanfield. Producción: arte Francia Cinéma, Velvet Films. Distribución: Avalon films. Género: documental. Web oficial:https://avalon.me/peliculas/ernest-cole-lost-and-found/
Paula, Raúl y Dani podrían ser una familia más. Podrían serlo, de no ser porque Dani no es hijo de Paula, y ésta se enfrenta con el reto diario de encajar en una familia reconstituida. Este conflicto, unido a una crisis de pareja, hace que Paula pueda dejar de ver para siempre a Dani. Una historia que nos habla de afectos, poniendo los derechos del menor en el centro del debate y una gran pregunta: ¿qué es más importante, los sentimientos o el ADN?
Crítica
Luminosa pese a su tristeza
Yolanda Centeno se estrena con un largometraje de estos que nos da que pensar. De estas historias tan reales como la vida y que sin duda nos dejan con un buen debate después del visionado.
‘Tras el verano’ trata una ruptura, de lo difícil que es separarse, ya no solo de una pareja, sino del hijo de éste. Y es que Paula no es la madre de Dani, pero ambos tienen un vínculo increíble y ella no quiere perderlo. Pero legalmente no tiene nada que hacer, solo intentar seguir en su vida de cualquier manera.
Yolanda Centeno nos cuenta de manera sencilla lo complicado de estas situaciones y de cómo pueden ser más normales de lo que parecen. Los nuevos estilos de familias en los que los sentimientos no se miden por el ADN, sino por los vínculos que se crean entre las personas. Aunque Daniel, el niño protagonista, tenga madre y padre, Paula ha sido tan importante para él durante 5 años, que ambos no quieren perder el contacto. Los vínculos no tienen por qué ser sanguíneos, podemos sentir el mismo amor por alguien que no tenga nuestro ADN y con ello sufrir tanto una separación como cualquier madre o padre.
En sólo 90 minutos, los guionistas Yolanda Centeno y Jesús Luque, logran contarnos tantas cosas. Que no solo cuentan con el diálogo, sino también con los silencios. Esos que son los que más cuentan, los que más dolor dejan ver. Esta película está llena de esos silencios, de esas miradas al vacío llenas de palabras.
Me encanta el uso de la iluminación en la película. Tiene un gran trabajo y un gran significado. A Paula siempre la vemos en sombras, con una luz tenue que la invade siempre, menos cuando ve a Dani. Dani le devuelve la luz y eso nos lo muestran de la manera más sencilla y es fantástico. Pequeños detalles consiguen mostrarnos grandes sentimientos.
Sin duda, AlexandraJiménez nos regala un papel precioso. Lleva toda la película sobre sus hombros y no decae ni un momento. Al final, tiene un papel complicado lleno de matices. Junto a ella se encuentra JuanDiegoBotto, al que vemos destrozado e intentando volver a encauzar su vida.
Recomiendo mucho el visionado de ‘Tras el verano’ una situación que sin duda se da en el mundo real y del que no se habla. Y por supuesto, como he comentado, legalmente ni se piensa. Es una cinta de la que poder debatir al salir del cine y compartir diferentes ideas.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Tras el verano. Duración: 94 min. País: España. Dirección: Yolanda Centeno. Guion: Yolanda Centeno, Jesús Luque. Música: Pablo Cervantes. Fotografía: José Luis Bernal Ibañez. Reparto principal: Juan Diego Botto, Alexandra Jiménez, Ruth Gabriel, Stéphanie Magnin, Fran Cantos, Tamara Arias de Saavedra, Alicia Moruno, Edu Rejón, Alejandro López, Ana del Arco. Producción: Áralan Films, Harry Kane. Distribución: Alfa Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://alfapictures.com/sp/amy_movie/tras-el-verano/
“Quiero ver a mi madre”. A partir de este deseo, un gato fantasma y una niña que ha perdido a su madre se embarcan en un viaje que les lleva al mismo Infierno.
En medio de un fuerte aguacero, un monje encuentra a un gatito al que bautiza como Anzu y cría con esmero. Sin embargo, 30 años después, el gatito no solo no ha muerto, sino que se ha convertido en un “gato fantasma” que habla y vive como un ser humano. A sus 37 años, viaja en ciclomotor y trabaja a tiempo parcial como masajista. Un día, el anciano monje le pide a Anzu que cuide de Karin, su nieta de 11 años que ha sido abandonada por su padre, y este acepta a regañadientes. Al principio, sus personalidades enérgicas chocan y saltan chispas, pero poco a poco empiezan a entenderse. Entonces, Karin le pide un favor a Anzu, quiere volver a ver a su madre fallecida. Ese es el punto de partida para un dramático viaje que les llevará hasta el mismísimo Infierno.
Crítica
Comunión con la naturaleza y retos de la infancia en un filme con identidad propia y mucha simpatía
‘Anzu, gato fantasma’, dirigida por la directora novel Yôko Kuno (animadora habitual de Shin-chan) y Nobuhiro Yamashita, es una obra visualmente encantadora que ofrece una mezcla equilibrada de humor y ternura, con una historia que invita a la reflexión sobre la naturaleza y la vida. La película parte de una obra del mangaka Takashi Imashiro, tiene un marcado carácter rural y puede recordar en algunos aspectos a títulos como ‘El verano de Kikujiro’.
Viendo este anime Ghibli se pasa a menudo por nuestra cabeza. Al igual que en las obras de Miyazaki, ‘Anzu, gato fantasma’ presenta una conexión profunda con los personajes desvalidos, la espiritualidad y la infancia. El personaje de Anzu, un gato fantasma, recuerda a los espíritus protectores que aparecen en títulos como ‘Mi vecino Totoro’, ya que no sólo encarna lo sobrenatural, sino también una fuerza benévola y despreocupada que guía a los personajes. Pero este filme se alía más con el público actual evitando la mojigatería o ponerse intensito. Y es que Anzu cocina, conduce en moto sin carnet, se tira pedos comiendo y mea por los rincones del templo en que vive. Y todo esto sin parar de reírse “¡miaujajaja!”. Además Kuno y Yamashita optan por un tono más contemporáneo. La sutileza y simpatía con la que abordan los temas emocionales es su fortaleza, haciendo de ‘Anzu, gato fantasma’ una experiencia que consigue ser más íntima de lo que parece. Es imposible no hacerse amigo de este gato antropomórfico que rompe con lo tradicional.
‘Anzu, gato fantasma’ destaca no solo por cómo nos conmueve y divierte a partes iguales, también por su inaudito estilo de animación para tratarse de un filme nipón. Fusiona técnicas tradicionales con enfoques contemporáneos. Aunque como he dicho, el Japón rural y espiritual animado nos puede recordar siempre a Ghibli, la obra mantiene una identidad propia. La película fue filmada inicialmente en acción real, sobre la cual se aplicó la técnica de rotoscopia, pintando directamente sobre las imágenes filmadas. Esta metodología aporta una autenticidad y calidez únicas a la narrativa, enriqueciendo la experiencia visual. La colaboración entre los estudios Shin-Ei Animation y Miyu Productions resultó en una obra que combina lo mejor de ambas tradiciones animadas. El uso de la rotoscopia no solo añade una dimensión artística distintiva, sino que también refuerza la conexión emocional con los personajes y su entorno, ofreciendo al espectador una experiencia inmersiva y memorable.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Bakeneko Anzu-chan. Duración: 97 min. País: Japón. Dirección: Nobuhiro Yamashita, Yôko Kuno. Guion: Shinji Imaoka. Música: Keiichi Suzuki. Fotografía: Masato Makino. Reparto principal (doblaje original): Mirai Moriyama, Noa Gotô, Munetaka Aoki, Miwako Ichikawa, Keiichi Suzuki. Producción: Miyu Productions, Shin Ei Animation. Distribución: SelectaVisión. Género: aventura, fantástico. Web oficial:https://ghostcat-anzu.jp/
En 1520, el infame rey danés Cristián II (Claes Bang), sediento de poder, está decidido a arrebatar la corona sueca a Sten Sture (Adam Pålsson), cueste lo que cueste. Entre tanto, las hermanas Freja (Alba August) y Anne (Sophie Cookson) prometen solemnemente vengarse de los hombres que asesinaron brutalmente a su familia. Todo llega a su punto álgido en el corazón de Estocolmo, donde las hermanas se ven arrastradas a una despiadada lucha política entre Suecia y Dinamarca que culmina en una ejecución masiva, presidida por el rey loco «Cristián el Tirano», conocida como el Baño de Sangre de Estocolmo.
Crítica
¿Quién dijo que las películas nórdicas eran lentas y aburridas?
La película ‘Estocolmo 1520. El rey tirano’ nos traslada a uno de los capítulos más sangrientos de la historia sueca, pero lo hace con una visión fresca, osada y en ocasiones disparatada. Dirigida por Mikael Håfström a través de muchos estilismos, esta producción internacional sorprende al transformar un evento histórico como la Masacre de Estocolmo en un relato que combina drama, acción violenta y un humor negro que rompe con las convenciones del género.
¿De qué trata ‘Estocolmo 1520’? Ambientada en plena lucha por el trono de Suecia, ‘Estocolmo 1520’ sigue la historia de Anne y Freja, dos mujeres nobles marcadas por la brutalidad de un régimen impuesto. Tras presenciar la masacre de su familia ordenada por el rey Christian II, apodado “el rey tirano”, y ejecutada por unos pintorescos mercenarios, ambas emprenden un camino de venganza lista en mano a lo ‘Kill Bill’. Todo esto sucede en el marco de un país fracturado entre la nobleza local y el nuevo dominio danés. Lo que empieza como una historia de opresión, pronto se convierte en un thriller político con tintes épicos y sangrientos. Para desgracia de las dos protagonistas hay otra lista, la que dio con la ejecución pública de más de cien personas y llevó a este acontecimiento a los libros de historia.
Este es un un drama histórico con estilo moderno. Una de las mayores decisiones de ‘Estocolmo 1520’ es diferenciarse a través del humor y la acción procurando mantener cierto equilibrio entre el rigor histórico y una narrativa estilizada o contemporánea. La película no teme incorporar elementos visuales modernos, una banda sonora efectiva y diálogos que, sin perder seriedad, incluyen momentos de disparate y sátira. Este enfoque hace que la historia resulte accesible y atractiva incluso para quienes no conocen el contexto del siglo XVI en Escandinavia o para los que toleran poco las películas largas. Sobretodo este filme logrará romper estereotipos de esos que hacen pensar que el cine de Europa del norte siempre es lento y aburrido (aunque ahí hay ejemplos como ‘Sisu’). Y aunque Håfström se toma su tiempo (la película supera las dos horas de duración), lo hace para construir una atmósfera donde cada traición y cada decisión cuentan y suman al kill count.
Sophie Cookson y Alba August brillan como protagonistas, aportando fuerza y emoción a sus personajes, además de servir bien a la acción. Pero también acapara mucha atención ClaesBang como Christian II, un villano de lengua bífida que encarna el poder sin escrúpulos, con un carisma tontorrón e inquietante. Tras la peculiar interpretación de Drácula y su versión de Guillermo Tell queda claro que al actor danés no se le caen los anillos a la hora de retratar a personajes populares al borde de la parodia.
La ambición de esta película no está solo en la mezcla de géneros, también en lo visual. ‘Estocolmo 1520’ destaca por su cuidada ambientación, su fotografía sombría y sus escenas de acción dotadas de cierta coreografía. Consigue tomas de belleza medieval y de gran espectacularidad bélica. Para ser una película que trata una sangrienta efeméride y cuyo título original es Stockholm Bloodbath (el baño de sangre de Estocolmo) consigue obtener preciosos fotogramas, sobre todo en tomas aéreas.
Una película distinta que merece la oportunidad de ser vista. Si buscas una película histórica tradicional, ‘Estocolmo 1520’ probablemente te descoloque. Pero si estás dispuesto a ver una reinterpretación atrevida, que combina cierto rigor, violencia y hasta momentos de humor inesperado que en ocasiones no funciona (principalmente por la interpretación de Mikkel Boe Følsgaard), esta película te sorprenderá gratamente. Es una propuesta valiente que re-imagina la manera de narrar la historia siguiendo la estela de ‘La favorita’ o ‘The great’ pero con ciertos toques de ‘Juego de Tronos’, es decir, irreverencia y violencia a partes iguales.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Stockholm Bloodbath. Duración: 145 min. País: Suecia, Dinamarca. Dirección: Mikael Håfström. Guion: Erlend Loe, Nora Landsrød. Música: Steffen Thum. Fotografía: Pär M. Ekberg. Reparto principal: Sophie Coockson, Claes Bang, Alba August, Emily Beecham, Wilf Scolding. Producción: Nordisk Film, Viaplay Studios. Distribución: Divisa Films, Filmax. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.filmax.com/distribucion/estocolmo-1520-el-rey-tirano/312
Hellboy (Jack Kesy) y una agente novata del AIDP (Agencia para la investigación y defensa paranormal) se quedan varados en los Apalaches rurales de los años 50 y descubren una pequeña comunidad embrujada, liderada por el Hombre Retorcido.
Crítica
La versión de Hellboy más folk horror y fanmade hasta la fecha
La presencia del autor original en una adaptación cinematográfica puede parecer, a priori, una garantía de fidelidad o incluso, de calidad. Pero la historia del cine basado en cómics está llena de ejemplos que desmontan esa suposición. Frank Miller estuvo detrás de las exitosas ‘300’ y ‘Sin City’, mientras que Todd McFarlane presenció el descalabro de su ‘Spawn’ en 1997, con un nuevo intento aún más fallido junto a Jamie Foxx que nunca vio la luz. Mark Millar (‘Kick-Ass’), Bryan Lee O’Malley (‘Scott Pilgrim’) o John Ostrander (‘El Escuadrón Suicida’) también han estado involucrados en mayor o menor medida en las versiones fílmicas de sus creaciones, con resultados dispares. Marvel es otro universo, con sus propios códigos, cameos y fórmulas.
Todo esto sirve como contexto para entender ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’, una película donde Mike Mignola, por primera vez, ha tenido un peso real en la adaptación. Y eso se nota, al menos en un aspecto: esta es, sin duda, la película más cercana al espíritu del cómic original en cuanto a tono. Aquí se respira folk horror por los cuatro costados, un ambiente rural, oscuro, y cargado de misticismo que por fin hace justicia a un fragmento tan particular del universo Hellboy.
Si con Guillermo del Toro se exploraba la vertiente más romántica y melancólica del personaje, ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ decide sumergirse en la mitología pura de Mignola. Con el director Brian Taylor por fin se respeta el horror de raíz, el folklore profundo, el cuento de advertencia en clave sobrenatural. Y eso, sin duda, es lo mejor que ofrece esta adaptación. Pero lamentablemente, la fidelidad al tono no basta y esta vez ni una versión salvaje y sin censura, como fue el caso de Neil Marshall, salvaría los muebles. El resto de la película es un despropósito técnico. El CGI es pobre, más digno de una producción de The Asylum que de un estreno con aspiraciones serias. Las escenas de acción parecen sacadas de un proyecto universitario sin presupuesto o de un fanmade y la dirección no logra aprovechar los pocos momentos de tensión que propone el guion. Todo parece deslavazado, maquillado en exceso para camuflar carencias, lo cual perjudica a la atmósfera.
El casting tampoco ayuda. El nuevo Hellboy (Jack Kesy) carece de fuerza, de carisma, y sobre todo de presencia. No transmite la mezcla de cansancio existencial, ironía seca y brutalidad contenida que definía al personaje. Lo que queda es una figura desinflada, incapaz de sostener la película sobre sus hombros. Que sus lances suenen al son de soul y a música lounge no siempre le sienta bien pues redunda en el tópico de las campiñas de la Virginia de los sesenta.
‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ es una paradoja: cuando por fin se consigue capturar la esencia más oscura y particular del universo de Mignola, todo lo demás —producción, actuación, dirección— se desmorona. Es fiel, sí. Pero también es floja, torpe y olvidable. Una oportunidad perdida… Quizá la tercera entrega del Del Toro habría llegado a este nivel de oscuridad y suciedad, quizá al Hellboy David Harbour le faltaba este nivel de aventura local y episódica… Quizá debamos montarnos en nuestras mentes la mezcla perfecta para tener la película que este pilar del cómic contemporáneo se merece.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de febrero de 2026. Título original: Hellboy: The Crooked Man. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Brian Taylor. Guion: Mike Mignola, Christopher Golden, Brian Taylor. Música: Sven Faulconer. Fotografía: Ivan Vatsov. Reparto principal: Jack Kesy, Jefferson White Adeline Rudolph, Leah McNamara, Suzanne Bertish, Joseph Marcell, Martin Bassindale. Producción: Bulgarian National Film Center, Campbell Grobman Films, Dark Horse Comics, Millennium Media, Nu Boyana, Telepool. Distribución: Vértice Cine. Género: adaptación, terror, aventura. Web oficial:https://millennium-media.net/mf-films/hellboy-crooked-man/
Tras perder a su madre, un hombre decide arriesgarlo todo para honrar su memoria y abre un restaurante italiano en el que contrata como cocineras a un grupo de abuelas.
Crítica
La comida siempre da amor
Uno de los estrenos de la semana es ‘Nonnas’, una cinta entrañable, de esas que puedes ver una de estas tardes de lluvia, en el sofá y con un buen café en las manos. ‘Nonnas’ es una historia de amor, de amor a la familia, a las raíces y a la comida. Si, a esa comida que con solo tomarla te lleva a un pasado mejor, un pasado en el que tu familia se reunía y estaba unida.
Joe Scaravella, acaba de perder a su madre, una mujer muy importante para él. Su manera de llevar el luto es abrir un restaurante para poder llevar sus recetas a todo el mundo. Además, un viaje al mercado al que solía ir con ella, le hace ver que si contrata nonnas (abuelas) logrará su objetivo, y es comida realizada como en casa.
Creo que me esperaba una película más sensiblera, ‘Nonnas’ es bonita, una película sencilla que ya solo con su historia llama mucho la atención, además de por el pedazo de reparto. Encabezado por Vince Vaughn, un actor que nos tiene acostumbrados a saltar de la comedia a la acción sin mutarse. En ‘Nonnas’ nos deja su lado más tierno, intentando rescatar la memoria de su madre a través de la comida y de este negocio loco al que se ha lanzado.
Junto a él encontramos a Joe Manganiello, Drea de Matteo, Susan Sarandon, Lorraine Bracco, Ali Lopez-Sohaili, Brenda Vaccaro o Richie Moriarty, entre muchos otros.
La dirección es de Stephen Chbosky, director de ‘Wonder’ y que vuelve con una historia real. Con guion de Liz Maccie. Esta dirección es sencilla, sin complicaciones, eso sí, dándonos una buena dosis de imágenes de comida italiana que hace que salgas con un hambre impresionante de ver la película.
¿Qué mas nos da Nonnas?
Pues una historia real, Joe Scaravella es un personaje real que abrió su restaurante Enoteca María en Staten Island y básicamente todo lo que nos cuentan en la cinta es real. Joe Scaravella y su gran amigo, tienen un pequeño cameo en la cinta. Y en este restaurante se come comida de la abuela. Y cada semana está tematizada con abuelas de diferentes países.
Un concepto muy bueno que por lo que he podido ver tiene mucho éxito pues en todos lados te recomiendan hacer reserva o no podrás cenar.
Otra curiosidad de la cinta, es que no está rodada en ese restaurante, si no que se fueron a New Jersey y rodaron en un famoso restaurante ya cerrado ‘Spiritos’, al cual también homenajean dentro de la película. Y es que al final, ‘Nonnas’ es un gran homenaje también a la restauración, a esas personas que han dado sus vidas para servirnos buenos platos de comida y que han arriesgado todo lo que tienen para poder hacer sus sueños realidad.
A partir del día 9 de mayo podéis ver ‘Nonnas’ en Netflix. Dadle una oportunidad, no es una gran película, pero no siempre tienen que ser obras maestras para lograr contarnos una buena historia.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: Nonnas. Duración: 111 min. País: Estados Unidos. Dirección: Stephen Chbosky. Guion: Liz Maccie. Jody Scaravella. Música: Marcelo Zarvos. Fotografía: Florian Ballhaus. Reparto principal: Vince Vaughn, Susan Sarandon, Lorraine Bracco, Talia Shire, Brenda Vaccaro, Linda Cardellini, Drea de Mateo, Joe Manganiello, Campbell Scott, Richie Moriarty, Quincy Dunn-Baker. Producción: Fifth Season, Odd Lot Entertainment, Matador Content, One Community. Distribución: Netflix. Género: Comedia. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81936724
Basada en el relato de George R. R. Martin. Una reina (Amara Okereke), desesperada por encontrar la felicidad en el amor, envía a la poderosa bruja Gray Alys (Milla Jovovich) a las Tierras Perdidas, en busca de un poder mágico que permite a una persona transformarse en un hombre lobo. Con el misterioso cazador Boyce (Dave Bautista), que la apoya en la lucha contra criaturas oscuras y despiadadas, Gray deambula por un mundo inquietante y peligroso. Pero solo ella sabe que cada deseo que concede tiene consecuencias inimaginables.
Crítica
Con la dupla Anderson/Jovovich sabes a lo que vas, pero no lo que se te viene
Paul W.S. Anderson y Milla Jovovich llevan años jugando a lo mismo. Desde que el director encontró su musa en la saga ‘Resident Evil’, ha explotado una y otra vez la misma fórmula: mundos postapocalípticos, héroes hipermusculados, criaturas generadas por ordenador y una puesta en escena que parece salida de un videojuego. ‘Tierras perdidas’, su nueva colaboración, no es la excepción. Se podría decir que el director y su esposa han desarrollado su propio subgénero dentro del cine de acción y fantástico, pero el problema es que ya han exprimido hasta la última gota de originalidad que pudiera haberles quedado.
Para este nuevo delirio visual, Anderson adapta un relato de George R.R. Martin, un autor que cuando se aleja de la fantasía medieval y se adentra en la ciencia ficción suele acabar en desastre (como lo demuestra la malograda Nightflyers). A la ecuación se suma Dave Bautista, quien parece haberse convertido en el secundario predilecto para producciones de este tipo. La historia nos sitúa en un futuro postnuclear donde la humanidad sobrevive bajo el dominio de una monarquía que combate a herejes y tanto a monstruos como a brujas, en un entorno que recuerda por momentos a ‘Mad Max’ y por otros a una partida de ‘Diablo’.
El problema de ‘Tierras perdidas’ es que se siente como un refrito de ideas ya vistas en decenas de películas previas. Juega en la misma liga que ‘Legion’ o ‘Priest. El sicario de Dios’, aquellas cintas protagonizadas por Paul Bettany que mezclaban religión y ciencia ficción con estética apocalíptica. Hay inquisidores, magia oscura y combates cuerpo a cuerpo y con pistolas, pero en ningún momento el filme logra dotar de identidad propia a su mundo. A esto se le suma un guion que intenta sonar trascendental con frases lapidarias que no funcionan y un desarrollo de personajes que se siente tan mecánico como las escenas de acción.
En el apartado visual, Anderson vuelve a apostar por su estilo de siempre: una mezcla de gótico industrial con escenarios generados por ordenador. El diseño de producción es bizarro, rozando lo grotesco, y en más de un momento parece que estamos viendo un videoclip de Rammstein en lugar de una película de aventuras. La fotografía apuesta por tonos metálicos y azulados que acentúan la artificialidad del conjunto, algo que no ayuda cuando prácticamente todas las escenas han sido rodadas sobre un croma. Es evidente que el presupuesto no es descomunal, pero las herramientas digitales actuales permiten simular espacios de gran escala… aunque en este caso todo resulta demasiado sintético y carente de vida.
Si hablamos de la acción, encontramos otro de los grandes problemas de ‘Tierras perdidas’: su sobredependencia de la cámara lenta. Anderson lleva un tiempo acercándose peligrosamente al estilo de Zack Snyder, y aquí lo demuestra en exceso. Cada combate está repleto de ralentizaciones que, en lugar de añadir épica, acaban restando fluidez a la narrativa. El montaje y la puesta en escena parecen diseñados más para lucir bien en tráileres que para aportar ritmo a la historia.
En cuanto a las interpretaciones, Milla Jovovich hace exactamente lo que se espera de ella: miradas intensas, coreografías marciales y una actuación que nunca abandona la sobriedad monolítica que la ha caracterizado en sus últimos proyectos. Dave Bautista, por su parte, cumple con su rol de guerrero imponente, pero el guion no le da muchas oportunidades y eso que suyo es uno de los giros importantes que hay que admitir que pillan desprevenidos. Por cierto que… su personaje lleva tatuados en el cuello un origami como el de ‘Blade Runner’ y una corona como las que pintaba Jean-Michel Basquiat.
‘Tierras perdidas’ es, en definitiva, un ejercicio de estilo que confirma que Anderson y Jovovich llevan tiempo estancados en su zona de confort. La película no arriesga, no innova y, aunque pueda resultar entretenida para los más incondicionales del género, se siente como un reciclaje de ideas que hemos visto demasiadas veces. Si buscas una cinta con personajes carismáticos, un mundo con personalidad propia o una historia que deje huella, aquí no lo vas a encontrar.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: In the Lost Lands. Duración: 101 min. País: Alemania. Dirección: Paul W.S. Anderson. Guion: Constantin Werner, Paul W.S. Anderson. Música: Paul Haslinger. Fotografía: Glen MacPherson. Reparto principal: Milla Jovovich, Dave Bautista. Producción: Constantin Films, Dream Bros. Entertainment, Rusalka Film. Distribución: Diamond Films. Género: Paul W.S. Anderson. Web oficial:https://diamondfilms.es/site/detalle/tierras-perdidas
En un Japón repleto de Kaiju, Kafka Hibino trabaja como limpiador de monstruos. Tras reencontrarse con su amiga de la infancia, Mina Ashiro, una joven promesa de las Fuerzas de Defensa que luchan contra los Kaiju, decide intentar cumplir su antiguo sueño de unirse a las Fuerzas… cuando de repente se transforma en el poderoso Kaiju nº 8. Con la ayuda de un colega más joven, Reno Ichikawa, Kafka oculta su identidad mientras lucha por cumplir el sueño de su vida: aprobar el examen de las Fuerzas de Defensa y así poder estar al lado de Mina. Pero cuando un misterioso Kaiju inteligente ataca una base de las Fuerzas de Defensa, Kafka se enfrenta a una decisión crucial en una situación desesperada…
Crítica
Un pack básico pero sin profundidad
Realizada por Production I.G. y Toho, ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’ adapta al formato cinematográfico la exitosa serie que surgió del manga de Naoya Matsumoto que hoy en día está en curso y que comenzó su andadura en 2020. La propuesta no puede evitar recordar a referentes del género como ‘Pacific Rim’ o, evidentemente, a algunas versiones de ‘Godzilla’. En este mundo, la humanidad ya está curtida frente a ataques de kaijus y se entrena de forma específica para hacerles frente. Esta premisa remite, inevitablemente, a ‘Ataque a los titanes’, aunque el diseño de los trajes recuerda sospechosamente al de ‘Gantz’. El resultado es un batiburrillo de ideas prestadas que, aunque puede seducir al público más joven, no ofrece realmente nada nuevo.
Quizá lo más llamativo sea el protagonista, que tiene la peculiar capacidad de convertirse en uno de esos monstruos versión reducida, como si de una versión moderna de ‘Guyver’ se tratase. Esta transformación, además, parece estar lejos de ser casual, como sugiere el hecho de que su nombre sea Kafka, toda una referencia velada a la metamorfosis literaria.
La película, en sí misma, no es más que una condensación de la primera temporada del anime en apenas 90 minutos. 12 episodios de unos 25 minutos resumidos con cierta torpeza y coronados con un capítulo extra que, francamente, aporta poco: un simple gag durante un día de descanso en la rutina de Hoshina. Como suele ocurrir con este tipo de productos recopilatorios, el ritmo sufre. Los esquemas narrativos se repiten hasta el agotamiento y, además, hay saltos temporales y carencias de elipsis que descolocan más que guían. La progresión de los personajes se diluye y el espectador pierde la conexión emocional que probablemente si se encontrará en la serie.
En ese sentido, el filme parece pensado para los ya iniciados que buscan revivir la historia o para quienes quieren un resumen rápido antes de engancharse al manga o a las próximas temporadas del anime. ¿Es suficiente gancho el incluir un capítulo post-créditos? Probablemente no.
Visualmente, no se le puede reprochar demasiado. La acción está bien llevada, con explosiones de sangre a borbotones brotando de criaturas que podrían haber salido del catálogo de los Gormiti, con ese aire colorido y de formas híbridas. Como en tantos otros animes, el humor es simple, casi tontorrón, y entra por los ojos más que por la cabeza.
En última instancia, ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’ funciona porque bebe del videojuego en su estructura: desafíos crecientes, nivel de combate a trabajar, enemigos finales. También porque su historia conecta con esos sentimientos universales de sueños truncados, anhelos pasados y supervivencia a toda costa. Pero eso no lo hace una obra original ni especialmente destacada. Solo entretenida. Y, para algunos, eso puede ser suficiente.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: Kaiju No. 8: Mission Recon. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Shigeyuki Miya, Tomomi Kamiya. Guion: Ichirō Ōkōchi. Música: Yuta Bando, OneRepublic. Fotografía: Eiji Arai. Reparto principal (doblaje original): Ai Fairouz, Masaya Fukunishi, Tesshô Genda, Wataru Kato, Kengo Kawanishi, Keisuke Kômoto, Kenta Miyake, Sayaka Senbongi, Hiroyuki Yoshino. Producción: Production I.G. Distribución: Crunchyroll. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial:https://www.crunchyroll.com/es-es/series/GG5H5XQ7D/kaiju-no-8?
En un futuro cercano donde la paternidad está estrictamente controlada, la evaluación de siete días de una pareja para obtener el derecho a tener un hijo se convierte en una pesadilla psicológica, obligándolos a cuestionar los fundamentos de su sociedad y lo que realmente significa ser humano.
Crítica
Fleur Fortune debuta con una mirada clínica y pesimista hacia la humanidad
‘La evaluación’ es el debut cinematográfico de Fleur Fortune, quien sorprende al ponerse tras las cámaras con una propuesta inquietante y poderosa. Para su primera película ha contado, ni más ni menos, con un reparto de lujo encabezado por Alicia Vikander, Elizabeth Olsen y Himiesh Patel. Todos ellos entregan interpretaciones sólidas, contenidas y perfectamente calibradas para el tono clínico y emocionalmente asfixiante que propone el filme. Vikander, especialmente, brilla en un papel que exige tanto intensidad emocional como frialdad estratégica.
La historia puede emparentarse espiritualmente con títulos como ‘La mano que mece la cuna’ o incluso con ‘The Servant’, por su capacidad para introducir una figura invasiva y desestabilizadora en la intimidad de un hogar. Sin embargo, ‘La evaluación’ lleva ese conflicto doméstico a un terreno mucho más inquietante: el de la ciencia ficción social y distópica, planteando dilemas éticos sobre la selección artificial de la paternidad como herramienta para preservar la raza humana tras un cataclismo climático.
Fortune construye un universo frío, minimalista, donde cada elemento escenográfico (desde los uniformes hasta los muebles) refuerza esa sensación de control, vigilancia y despersonalización. No es casual que la estética del filme recuerde a obras como ‘Gattaca’ o incluso ‘THX 1138’, donde la sociedad ha asumido que la eficiencia está por encima de la empatía. A lo largo del metraje se respira una tensión contenida, más psicológica que física, pero igualmente perturbadora.
Resulta curioso que esta producción, pese a tener un enfoque íntimo, haya requerido varios años de preparación y que su guion haya pasado por múltiples versiones para encontrar el equilibrio entre la denuncia social y el componente especulativo. La propia directora ha reconocido en entrevistas que se inspiró en conversaciones reales sobre la sobrepoblación, la crisis climática y la maternidad impuesta por normas sociales. De hecho, el título, ‘La Evaluación’, es tan impersonal como sugiere el sistema que retrata: un juicio frío sobre quién merece reproducirse y quién no.
Una vez más, el cine contemporáneo se instala en la visión más pesimista de la humanidad. El filme deja un poso amargo, no tanto por su desenlace (que evita efectismos) sino por el camino emocional que plantea. ‘La evaluación’ no solo critica el sistema ficticio que presenta, sino que invita a cuestionar nuestros propios esquemas sociales actuales. ¿Hasta qué punto la presión por formar una familia, tener hijos y seguir un molde normativo no está ya presente en nuestra realidad?
Es una película que incomoda, que agobia y que irrita deliberadamente. Te deja harto. Harto del mundo que insiste en dictar cómo, cuándo y por qué tener hijos. Harto de la crianza irresponsable, de los niños maleducados que solo parecen existir para desgastar a su entorno y de los adultos que no están preparados, pero aun así lo hacen. ‘La evaluación’ molesta hasta ponerte a prueba y lo hace porque se propone molestar. Y en eso, sin duda, cumple con creces su cometido.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de mayo de 2025. Título original: The assessment. Duración: 114 min. País: Reino Unido. Dirección: Fleur Fortune. Guion: John Donnelly, Nell Garfath Cox, Dave Thomas. Música: Emilie Levienaise-Farrouch. Fotografía: Magnus Nordenhof Jønck. Reparto principal: Alicia Vikander, Elizabeth Olsen, Himesh Patel. Producción: Augenschein Filmproduktion, Number 9 Films, Project Infinity, ShivHans Pictures, Tiki Tane Pictures. Distribución: Prime Video. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial:http://www.augenschein-filmproduktion.de/de/filme/detail/the-assessment.html
Una vez más El Eternauta trasciende generaciones y contextos
Por fin, uno de los grandes hitos del cómic llega a nuestras pantallas: ‘El Eternauta’. Su camino hacia la adaptación no ha sido sencillo, y al igual que ‘Dune’, durante años pareció una obra «maldita». Hubo intentos fallidos de llevarla al cine, versiones en animación rotoscópica avaladas por el propio autor que nunca se concretaron, y proyectos frustrados por conflictos de derechos, agendas o enfoques creativos. En 2018, incluso Álex de la Iglesia manifestó su intención de adaptar esta obra emblemática, con Ricardo Darín como posible protagonista. Aunque ese proyecto no prosperó, el deseo se ha hecho realidad de otra forma: Darín finalmente encabeza el elenco de la esperada serie dirigida por Bruno Stagnaro, una producción de seis episodios para Netflix en colaboración con K&S Films.
Una nevada letal y un pulso electromagnético bastan para que importe poco si la historia transcurre en 2025 o en los años cincuenta: la humanidad se ve empujada de nuevo a una especie de Edad Media. Confinamiento, caos y una desorientación generalizada tiñen la trama de una inquietante familiaridad, especialmente tras sucesos recientes como el apagón en España. Más que ver esta serie, da la sensación de que la hemos vivido. El cómic original ha influido tanto en el imaginario colectivo que, en muchos aspectos, parece haber anticipado nuestro presente. Como apuntamos en El Simbionte, quienes piensen que esta historia resulta predecible deberían recordar que fue escrita en 1957, con una fuerza política tal que llegó a ser censurada en algunas versiones. Y mencionar esto es apenas rascar la superficie de todo lo que esconden sus viñetas.
¿Merecía la pena adaptarlo con el riesgo que supone exponerlo ante una audiencia que ha visto de todo? A parte de que parece que Darín estaba destinado a hacer homenaje a estas viñetas, se ha aprovechado para enlazar con la actualidad. Igual que hay diversas versiones y secuelas de ‘El Eternauta’ en las viñetas, las cuales modificaron o ampliaron la obra de Héctor Germán Oesterheld y Solano López y se convirtieron en parte de la lucha a raíz de la desaparición del autor y el asesinato de sus hijas por parte de la dictadura, esta adaptación de Netflix retrata la Argentina actual con algunos detalles nuevos y una empatía automática para el espectador que ha vivido eventos similares en 2020. Y es que ‘El Eternauta’ es ciencia ficción, es aventura bélica pero sobre todo trata de las gentes del país americano en el que se creó con capítulos escritos incluso desde la clandestinidad. Funciona a nivel universal pero por supuesto también como retrato de los argentinos. Quizá el estadio del River y toda la parte militar por venir sean los que más entronquen con el país sudamericano pero la serie funciona magníficamente como veneración a este clásico. Es más, traspasando sus fronteras la serie no podía llegar en un momento más oportuno, pues si el cómic original era una consecuencia de los miedos de la Guerra Fría, ahora nos encontramos en una situación política y social, muy similar, en la que la lucha de bloques, la ultraderecha y las guerras comerciales nos tienen en vilo. En cualquiera de sus lecturas sigue funcionando como un relato sobre la resistencia y la amistad.
Hay que tener en cuenta y reconocer que ‘El Eternauta’ es grande en muchos sentidos. Aunque esta producción sea una serie no da para contar la historia original, la cual dispone mucha reflexión sobre la condición humana, estampas propias de hazañas bélicas y muchos saltos en el tiempo. Es por ello que incluso el inicio ha cambiado, eliminando el auténtico impacto misterioso del Eternauta, no rodando la enigmática conversación original. Bien es cierto que el personaje de Ricardo Darín va sufriendo algunos detalles que dan sentido al título y se va retratando muy bien su personalidad y relación con el resto del elenco, pero la magia del arranque del cómic está desaparecida. También es verdad que podría haber sido osado grabar las primeras páginas en la que el propio Oesterheld se retrató en lo que probablemente fue uno de los primeros ejercicios de metalenguaje del noveno arte. Pero ese respeto hacia la figura del autor se respira también en la historia pues aunque los acontecimientos estén cambiados para responder a códigos, ritmos y tiempos televisivos, el mensaje y la intencionalidad original se mantiene.
Como comentaba es imposible condensar todo en una película o serie y al final nos confirman que habrá segunda temporada. Se ha filmado menos de un tercio del cómic, unas 100 páginas de 350. Hay detalles que se quedan en el tintero y sorpresas por aparecer pero esta versión de ‘El Eternauta’ es realmente un enganche. Lo que muchos percibirán, si han ido coleccionando las diferentes versiones del cómic, es que no hay un tono politizado. No al menos hasta que llegamos hasta el final, cuando corresponde con el tema militar. Quizá así se evita caer en populismos o aprovechar gratuitamente la tesitura actual. Es mucho lo que está en juego pues ‘El Eternauta’ es para muchos un clásico argentino que llega incluso a conformar una seña de identidad. Creo que por eso quizá se ha usado un matiz más blanco al respecto.
Ya decía que la presencia de Darín es crucial pues es un estandarte argentino en vida. Pero el director Bruno Stagnaro es clave pues ha demostrado con su filmografía conocer bien a las gentes de su país. ‘El Eternauta’ tiene ritmo, muy buena foto y un respetable desarrollo de personajes. La audiencia actual también se fija mucho en la calidad de los efectos (pues de tanto mirar el móvil no se valora correctamente el ritmo o el guión) y puedo adelantaros también que tanto los efectos prácticos como el CGI que nos muestra a una Argentina cubierta de una mortífera nieve están más que logrados, convirtiendo el trazo de los años cincuenta en lo que será fijo un clásico contemporáneo.
Watanabe se alía con Mappa, Adult Swim, Max y Chad Stahelski para un regreso colosal
No hay más que ver la creatividad y publicidad de ‘Lazarus’ para saber que está relacionada con ‘Cowboy Bebop’. Su estilo visual, su ritmo musical y su atmósfera estilizada recuerdan inmediatamente al clásico de culto, y no es casualidad. Efectivamente, el también creador de ‘Animatrix’, ‘Samurai Champloo’ y ‘Space Dandy’, Shin’ichirô Watanabe, está detrás de esta nueva producción que nos llega de la mano de Adult Swim y la plataforma Max. Watanabe es un nombre que ya por sí solo genera altas expectativas, tanto por su enfoque narrativo rupturista como por su sensibilidad a la hora de construir mundos que combinan lo retro, lo futurista y lo existencial. Aunque repite ciertos esquemas, en ‘Lazarus’ vuelve a demostrar que su creatividad no se ha agotado con el paso del tiempo, sino que sigue reinventando la forma de contar historias de ciencia ficción, en este caso con un enfoque más dramático, político y filosófico. La serie entra por los ojos, seduce por los oídos y se queda en la mente gracias a su carga temática. Desde los primeros compases, uno percibe que hay algo más que una historia de acción: hay una reflexión profunda sobre la condición humana, el control biotecnológico y el precio de la inmortalidad. El sello Watanabe está presente no solo en el tono, sino también en los dilemas morales y en el tipo de personajes, siempre marcados por traumas, pasados rotos y una sed de redención.
Recientemente hemos visto ‘Efectos secundarios’ en la misma plataforma. Una serie crítica, mordaz y psicotrópica también producida por Adult Swim, que mezclaba humor ácido con una fuerte carga conceptual sobre el uso de medicamentos. El punto de partida de ‘Lazarus’ es similar. Aquí nos encontramos ante una distopía bien planteada, que sitúa al espectador en un futuro cercano donde la medicina ha conseguido erradicar el sufrimiento físico mediante una droga comercializada llamada Hapuna. Este supuesto milagro de la ciencia se convierte pronto en una trampa mortal, ya que su creador, el doctor Skinner, introduce deliberadamente una mutación genética que mata a todo aquel que haya consumido el fármaco, exactamente tres años después de su primera dosis. De este modo, lo que comienza como un avance médico revolucionario se transforma en una cuenta atrás apocalíptica. Este giro recuerda a novelas como ‘Inferno’ de Dan Brown, donde la humanidad se enfrenta a un desastre programado por un científico con ideales extremos. Pero ‘Lazarus’ da un paso más allá al dotar al equipo protagonista de un perfil que mezcla lo militar, lo ético y lo filosófico, como si fueran una mezcla entre los agentes de ‘Ghost in the Shell’ y los personajes de ‘Blade Runner’. Mientras intentan detener la catástrofe, también cuestionan su rol en un sistema corrupto, el poder de la tecnología y el valor de la vida. Todo ello se desarrolla con una cadencia que equilibra la acción y la introspección, dando espacio a escenas espectaculares sin perder nunca el foco narrativo.
Uno de los aspectos más llamativos de ‘Lazarus’ es su protagonista, un personaje que parece salido de un videojuego como ‘Mirror’s Edge’, combinando habilidades acrobáticas de parkour con un dominio absoluto del combate cuerpo a cuerpo. Este protagonista, cuya identidad se va desvelando poco a poco, se mueve como un fantasma por entornos urbanos densamente digitalizados, con estética cyberpunk en su máxima expresión: neones, hologramas, decadencia industrial y vigilancia constante. Lo más interesante es que su estilo de lucha no es simplemente espectacular, sino que tiene un ritmo musical, casi coreográfico, que lo vincula con el jazz, en clara referencia a la impronta musical de ‘Cowboy Bebop’. De hecho, la música vuelve a tener aquí un papel clave, no solo como acompañamiento, sino como vehículo emocional que intensifica cada escena. Los instrumentos de viento y percusión acompañan las secuencias de combate con una sincronía que roza lo poético. Este personaje es más que un guerrero: es una figura trágica, regodeado en sus errores y con una fuerte carga simbólica, lo que le otorga una dimensión humana que rara vez se ve en series de acción. Su viaje personal se entrelaza con la misión global, y cada decisión que toma está marcada por un pasado complejo y una lucha interna constante entre deber, culpa y esperanza. Además, su diseño visual es un ejemplo de cómo en animación se puede construir un héroe memorable sin necesidad de diálogos extensos, solo con gestos, movimientos y una mirada bien dibujada.
En cuanto al apartado visual. La animación está a cargo del estudio Mappa, reconocido por su impresionante trabajo en títulos como ‘Dorohedoro’ o ‘Jujutsu Kaisen’. En ‘Lazarus’, Mappa se supera una vez más al combinar un estilo fluido con una dirección artística arriesgada, que mezcla técnicas de animación tradicional con CGI de forma armónica. Cada escena está pensada hasta el último detalle: la iluminación, la paleta de colores, los efectos de partículas y la física de los movimientos dotan al conjunto de una sensación de vida orgánica. No hay frame que no tenga algo que decir. Los fondos urbanos están cargados de detalles que enriquecen la narrativa visual, mientras que las escenas de acción se benefician de una planificación exquisita, con encuadres cinematográficos que recuerdan al mejor cine de ciencia ficción. Lo que más destaca es la capacidad de transmitir velocidad, vértigo y tensión sin caer en la confusión visual. Todo está coreografiado con precisión milimétrica, lo que demuestra que la animación japonesa sigue marcando el ritmo a nivel mundial en cuanto a calidad y ambición técnica. Además, Mappa ha sabido incorporar texturas y efectos sonoros que realzan cada impacto y cada transición, haciendo que el espectador sienta no solo lo que ve, sino también lo que escucha. El resultado es un producto audiovisual que no tiene nada que envidiar a las grandes producciones de Hollywood, y que se permite incluso innovar en cuanto a lenguaje visual y ritmo narrativo.
Otro nombre importante en esta serie es Chad Stahelski, conocido por haber sido doble de acción y por su salto a la dirección con la franquicia ‘John Wick’, que revitalizó el cine de acción con su estilo crudo, elegante y estilizado. Stahelski se encarga aquí de supervisar y diseñar la acción, y lo hace con la libertad que solo permite el formato animado. En lugar de verse limitado por las leyes físicas del cine real, Stahelski lleva sus ideas al extremo, permitiendo coreografías imposibles, cámaras imposibles y violencia estilizada sin concesiones. El resultado es una serie que se mueve constantemente, que nunca se detiene y que mantiene al espectador pegado a la pantalla. Pero lo mejor es que, pese a este despliegue de energía, la acción nunca se siente vacía ni gratuita. Cada enfrentamiento tiene un peso dramático, cada persecución tiene un motivo, y cada escena de combate revela algo más sobre los personajes o la situación. Esto es mérito tanto del guion como del diseño de Stahelski, que entiende que la acción no es solo espectáculo, sino también narrativa en movimiento. Sus aportes son palpables en cada episodio, sobre todo en la forma en que se combinan violencia, tensión emocional y estética visual. Así, Lazarus se convierte no solo en una serie de animación destacada, sino en una experiencia multisensorial que mezcla lo mejor del anime, el cine de acción moderno y la ciencia ficción más filosófica.
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