Crítica: ‘Olvídate de Nick’

 

Sinopsis

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El mundo de dos mujeres muy diferentes choca en un ático de Nueva York: la modelo se enfrenta a la intelectual; el lujo a la comodidad; la profesional a la madre divorciada. Lo único que Jade y Maria tienen en común es el mismo marido infiel, Nick, un Casanova entrado en años que acaba de dejar a su segunda esposa por otra modelo mucho más joven. Las dos ex esposas son propietarias de un lujoso piso. Lo que empieza con un intercambio verbal bastante hostil las lleva a entender que, a pesar de sus enormes diferencias, quizá no sean tan diferentes.

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Crítica

A Von Trotta se le da bien plantear una disyuntiva, pero no reírse de ella.

Saliéndose de su habitual cine Margarethe Von Trotta se adentra en la comedia. La última película que nos envía a España tiene un protagonista a la fuga, Nick. Por mucho que aparezca en el título y cartel, Haluk Bilginer (Nick) hace poco acto de presencia.  Pero eso no quiere decir que su influencia no se haga notar.

Para ser una película dirigida, escrita y protagonizada por mujeres me parece que esgrime argumentos poco contundentes para con su género, pero me queda claro que la intención es la de ser sarcástica con los clichés cinematográficos. Sus personajes, a pesar de ser independientes, están sometidos al destino al que les ha avocado un hombre misógino, el cual se gana ese adjetivo al tratarlas como objetos que despoja con el tiempo. Ellas mismas siendo conscientes de su carácter casi siempre le siguen el juego. Todo esto es debido a lo que parece que pretenden Von Trotta y Pamela Katz (guionista), es decir, emplear estereotipos del cine. La joven amante, la expareja despechada, la mujer inteligente y de vanguardia… Todos esos personajes típicos femeninos van pasando por la película. Así pues haciendo honor a su fama de feminista Von Trotta trata de crear una película que gire en torno a la autosuficiencia pero queda supeditada a los enfrentamientos surgidos entre los roles de las actrices principales. Y eso que introduce elementos tan característicos como que el personaje de Katja Riemann de clases sobre la poesía de Virginia Woolf y el de Ingrid Bolsø Berdal creee un perfume con el nombre «Feminista». Pero se queda todo en un rasgar la superficie.

Pensaba que tras magníficas películas como ‘Tony Erdmann’ y el gran trabajo de Maren Ade iba a simpatizar más con el humor alemán pero no ha sido así. Esta es una comedia excesivamente sutil, que intenta seguir los pasos y el estilo de Woody Allen. Si fusionamos esto al característico sentido del humor germano hace que la película tenga un humor bastante encubierto, por no decir disimulado o enmascarado. De hecho son más los momentos que se han rodado con tensión y drama que los que supuestamente deberían ser cómicos. Me cuesta enumerar las escenas en las que me han arrancado una leve sonrisa. Una pena porque la película planteaba un buen escenario para esbozar ideas, pero el desarrollo no ha sido el adecuado.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de diciembre. Título original: Forget about Nick. Duración: 110 min. País: Alemania. Dirección: Margarethe Von Trotta. Guión: Pamela Katz. Música: Helmut Zerlett. Fotografía: Jo Heim. Reparto principal: Katja Reimann, Ingrid Bolso Berdal, Haluk Bilginer, Tinka Fürst, Frederik Wagner, Hans Longo. Producción: Heimatfilm. Distribución: Golem Distribución. Género: comedia. Web oficial: http//forgetaboutnick-derfilm.de/

Tráiler de ‘Morir’, de Fernando Franco

Estará presente en la sección oficial de la 65 edición del Festival de San Sebastián.

‘Morir’ es el nuevo largometraje dirigido por Fernando Franco (‘La Herida’) y protagonizado por Marián Álvarez (‘La niebla y la doncella’) y Andrés Gertrúdix (‘El jugador de ajedrez’). Está producida por productora vasca Kowalski Fims y la andaluza Ferdydurke FIlms. Golem Distribución es quien se hará cargo de ponerla en cines a partir del 6 de octubre de 2017.

Si acudís a la 65ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián podréis encontrárosla dentro de la Sección Oficial, en el apartado de Proyecciones Especiales.

‘Morir’ cuenta con la participación de ICAA, Gobierno Vasco, Junta de Andalucía, ETB, Canal Sur, Movistar + y la Diputación Foral de Vizcaya.

 

Sinopsis oficial:

Las vidas de Luis y Marta se ven abruptamente paralizadas. Las mentiras, la culpa y el miedo ponen a prueba la estabilidad y el amor de la pareja.

Crítica: ‘Ana, mon amour’

Sinopsis

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Toma y Ana se conocen en la universidad, se enamoran y se casan. Ana tiene un pasado complicado y padece graves ataques de pánico. La debilidad de Ana parece dar fuerzas a Toma, quien aparenta ser el que controla la relación, pero en realidad, únicamente está gravitando en torno a una mujer a la que no puede comprender. Cuando Ana vence sus miedos y logra triunfar, Toma permanece aislado, intentando comprender el torbellino que ha sido su vida con ella.

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Crítica

Será su amor, pero no el mio.

Si la monotonía de la vida os arrastra al cine y buscáis refugio en extraordinarias historias ajenas no lo hagáis en ‘Ana, mon amour’ pues su relato es aún más mundano que el nuestro y se basa en el psicoanálisis más tedioso y repetitivo que os podáis imaginar. Si por el contrario lo que necesitáis es que vuestra pareja se vea reflejada en otra y queréis hacer terapia en el cine ahorrándoos el psicólogo os puede venir de perlas. Pero muy concreto y parecido ha de ser vuestro caso pues la película de Călin Peter Netzer es excesivamente particular.

Me ha costado muchísimo entrar en la narración, tener algo de interés por las vidas de los dos protagonistas, Ana y Toma. Ambos están muy bien interpretados por Diana Cavallioti y Mircea Postelnicu respectivamente. Por ellos pasa el tiempo y los actores reflejan estupendamente los diferentes estados de ánimo que les han exigido, su físico cambia, la enfermedad de Ana evoluciona, las tornas cambian… Pero el problema llega cuando te preguntas ¿qué me importan a mí la vidas de estas dos personas? No he encontrado interés ni sustancia en esta relación amorosa, no ha suscitado nada en mi como espectador. Es todo en exceso trivial.

Se nos intenta vender una historia de dependencia, de evolución personal. En lugar de ello lo que ha logrado suscitar en mi es apatía hacia un personaje egoísta, que incluso abusa de su título. Pues realmente el protagonista, quien dice esas palabras, el personaje de Toma, es quien ciertamente sacrifica su vida. Ana tiene una dolencia o un problema, al principio tiene toda nuestra compasión, pero poco a poco se ha ganado mi desprecio por cómo trata a su amante, es muy hipócrita y desagradecida. Desconozco si esta reacción que describo es el debate que busca crear el director pero a mí me ha aburrido tener que pasar más de dos horas para llegar a esto.

Si acaso esta película puede servir como ejemplo del cine rumano actual. Costumbres, personajes, pautas… incluso actores muy utilizados en películas del país europeo, como Adrian Titieni, del que os hablé en ‘Los exámenes’, aparecen en el filme.

Intenta ser un trabajo muy profundo pero eso se volatiliza cuando se recrea en lo gratuito. Esto se une a la uniformidad y la torpeza del montaje a la hora de mezclar las ensoñaciones y los brincos en el tiempo. Para querer caer en el freudismo primero hay que tener mucho más claro lo que se quiere contar, sobre todo si no deseamos que el público se tenga que montar sus propias películas.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de agosto. Título original: Ana, mon amour. Duración: 127 min. País: Rumanía. Dirección: Călin Peter Netzer. Guión: Călin Peter Netzer, Cezar Paul Bădescu, Iulia Lumânare. Fotografía: Andrei Butică. Reparto principal: Mircea Postelnicu, Diana Cavallioti, Carmen Tanase, Vasile Muraru, Adrian Titieni,Tania Popa, Igor Caras-Romanov, Ionut Caras, Ioana Flora, Vlad Ivanov,Elena Voineag, Razvan Vasilescu, Irina Noaptes, Meda Andreea Victor,Iulia Lumânare, Anghel Damian. Producción: Parada Film, Augenschein Filmproduktion, Sophie Dulac Productions. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=409

Crítica: ‘Regreso a Montauk’

Sinopsis

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El escritor Max Zorn regresa a Nueva York para la promoción de su última novela, donde le espera su joven esposa Clara, quien lleva meses trabajando allí. El libro cuenta una historia de amor que ocurrió en esta misma ciudad hace 17 años. Max vuelve a ver a Rebecca, la mujer de la que se enamoró entonces. Ella, reticente al principio, le invitará a acompañarla a Montauk, al final de Long Island, donde vivieron su romance: un lugar donde solo quedan el mítico faro, el cielo y una playa interminable.

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Crítica

Una narración adornada y baladí.

‘Regreso a Montauk’ no hace honor a la reputación de Volker Schlöndorff, que si bien no es mi estilo de director tiene buen hacer y una larga lista de seguidores de sus más de cuarenta películas. De alguien tan rompedor y atrevido como para adelantarse a tu tiempo y adaptar en 1990 ‘El cuento de la doncella’ antes de que lo hiciese HBO esperaba algo mejor, sobre todo al generar la película a partir de una obra que en su día causó una supuesta provocación.

Mucho se prolonga la espera del regreso a Montauk y demasiado tiempo se toma Schlöndorff para sentar las bases de algo que quizá es más trivial de lo que él pretendía. Mucha palabrería y mucho encuentro fortuito para que el resultado final no esté condicionado por ello. Filosofía barata y algunas frases provechosas aparecen por doquier durante la película. Un intento de adornar una historia de amor desaprovechado, un despecho y un desquite para un personaje que va sin un rumbo claro. Esta es una historia de remembranza con un compás extenuantemente sosegado. Da la impresión de que ha querido sembrar momentos en los que hace falta leer entre líneas, pero o bien no ha sido lo suficientemente sutil o esos instantes carecen de relevancia.

Pese no haber sabido generar interés el escritor saca el lado más encantador y puramente actoral de Stellan Skarsgård, al cual estamos más acostumbrados a ver en películas comerciales como ‘Thor’ o ‘Un traidor como los nuestros’. Realiza varios monólogos no fáciles de recordar y tampoco de interpretar. Con la modulación de su voz consigue transmitir mensajes que van por caminos diferentes a los de sus palabras. El director también ha conseguido una buena interpretación por parte de Susanne Wolff, impulsiva, salvaje y enérgica en su papel. Nina Hoss por su parte es la tercera persona en discordia de este triángulo amoroso. Maneja bien los momentos quebradizos de su personaje.

‘Regreso a Montauk’ no exhibe gracia alguna entre la futilidad de sus argumentos. Y todo ello pese a haber dispuesto un apropiado elenco de personajes. Una obra que a quién más habría gustado sería al homenajeado, Max Firsch, que habría visto con este filme a los personajes de su novela en movimiento. Pero él mismo debió contar mejor su propia historia y la controversia que supuso en su tiempo no tendrá efecto en esta década del siglo XXI.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de agosto de 2017. Título original: Rückker Nach Montaux. Duración: 106 min. País: Alemania. Dirección: Volker Schlöndorff. Guión: Volker Schlöndorff, Colm Tóibín. Música: Max Richter, Thomas Bartlett, Caoimhin O’Raghallaigh. Fotografía: Jérôme Alméras. Reparto principal: Stellan Skarsgård, Nina Hoss, Susanne Wollf, Niels Arestrup. Producción: Distribución: Golem Distribución. Género: romantico, adaptación. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=408

Crítica: ‘Estados Unidos del amor’

Sinopsis

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Año 1990. Polonia acaba de abrirse al capitalismo. Entre la novedad de las cintas VHS, las clases de aerobic y los discos de Whitney Houston, cuatro mujeres intentan lidiar con la represión sexual y con sus amores insatisfechos. Agata, una joven madre atrapada en un matrimonio infeliz, se siente atraída por un sacerdote. Renata, una solitaria profesora de ruso ya en su madurez, se obsesiona con su vecina Marzena, una ex miss que sueña con ser modelo. La hermana de esta, Iza, la estricta directora de la escuela donde trabaja Renata, tiene una aventura con el padre de una alumna. Cuatro mujeres, aparentemente felices, deciden que ha llegado el momento de intentar cambiar de vida.

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Crítica

Muy explícita pero con muchas cosas implícitas a la vez.

Escenas muy explícitas con conclusiones muy implícitas es lo que veréis en ‘Estados Unidos del amor’. Igualmente implícita es la presencia de los hombres en una película protagonizada y fundamentada en el rol de las mujeres. Una obra cuyo título no se refiere a Estados Unidos el país, si no a diferentes disposiciones o condiciones del amor que tienen el mismo lugar o personas de manera entrelazada. Una búsqueda o una apetencia de querer transmitida desde el retrato de los sentimientos. Y no por todo esto ofrece una visión tierna, más bien al contrario. Está construida a base de momentos muy sexualmente violentos, tensos o afectivamente agresivos.

Esta no es una película comercial ni palomitera. Es de esas en las que lo que más importa es el a veces inteligible mensaje y la autenticidad inconfundible de las interpretaciones. La forma de contarlo obedece a los códigos más exhaustivos. Se centra básicamente en las emociones dejando en segundo plano a las diversas acciones que ineficazmente llevan a cabo las protagonistas. Todas ellas examinadas de un modo muy pausado, quizá demasiado desarrollado o extenso.

Estas son las reflexiones de un director, Tomasz Wasilewski, que se preocupa por las mujeres que vivieron el cambio del sistema polaco. De igual modo que ha hecho durante su carrera Pedro Almodóvar, Wasilewski comienza a coleccionar descubrimientos femeninos muy importantes, como ya hizo en ‘W sypialni’ y en ‘Plynacewiezowce’. Reúne aquí a un reparto muy generacional en el que ha volcado muchas de sus vivencias personales de su juventud e infancia.

Gracias al talentoso Oleg Mutu visionamos algunas escenas casi desaturadas, planos muy cerrados y una atmosfera supresora que nos traslada a una ciudad fría. Así es el lugar que soportaban estas mujeres de los años noventa. Personajes que aman igual que se puede amar ahora, que tienen anhelos como los de la actualidad, pero que manejan de distinto modo debido a la situación social, política o económica. Cuatro historias diferentes que tienen en común algo más que el sobrio lugar en el que habitan.

El guión que Tomasz Wasilewski ha redactado para dar a luz a estos ‘Estados Unidos del amor’ tiene muchos alicientes. Pero cuida más a unos personajes que a otros aparte de tener una cadencia muy flemática.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de julio de 2017. Título original: Duración: 106 min. País: Polonia, Suecia. Dirección: Tomasz Wasilewski. Guión: Tomasz Wasilewski. Fotografía: Oleg Mutu. Reparto principal: Julia Kijowska, Magdalnea Cielecka, Dorota Kolak, Marta Nieradkiewicz. Producción: Common Ground Pictures, Manana, Film i Väst. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://commongroundpictures.com/main/

Crítica: ‘Goodbye Berlín’

Sinopsis

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Mientras su madre está en una clínica de rehabilitación y su padre en un «viaje de negocios», Maik, de 14 años, pasa las vacaciones estivales aburriéndose en la casa de sus progenitores. Entonces aparece Tschick, un adolescente rebelde, inmigrante ruso y marginado. Decide robar un coche para alejarse de Berlín y se lleva a Maik. Aquí empieza una loca aventura y un verano que jamás olvidarán.

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Crítica

Una catarsis hacia la adultez más pasotista.

El cine buenrollista suele encontrar siempre nicho de mercado. Las películas con afán motivacional a menudo calan en el espectador si están bien construidas e interpretadas. Logran un sursum corda que saca una sonrisa a aquellos que lo experimentan. En el caso de ‘Goodbye Berlín’ casi se consigue ese efecto, lo roza pues no tiene brillantes interpretaciones ni una estructura particular o íntima, pero si alcanza cotas muy afectivas en determinados momentos.

Esta es una road movie de libro. Vivimos una experiencia liberadora mientras nuestro adolescente se adentra en lo desconocido. Él es un personaje convencido de ser un cobarde y un aburrido. Fatih Akin y Lars Hubrich resuelven a modo de metáforas los miedos del protagonista: se enfrenta a la autoridad, a sus límites, a las mujeres… Este viaje iniciático arranca con el encuentro de un amigo que le sirve de vía de escape y de canal para exorcizar sus miedos. Una figura que hace las veces de Mary Poppins para adolescentes, haciéndole ver aquello que pese a no ser exactamente lo correcto si es lo conveniente, abriéndole los ojos ante la falsedad que le rodea. Él le embarca como pasajero en un viaje a la adultez en el que el coche es otro de los protagonistas pues también es capaz de cambiar con el tiempo y ser artífice de su destino. En resumen, lo que vive el personaje interpretado por Tristan Göbel es un verano transformador.

Si digo que no tiene un esquema muy particular es porque se enmarca en demasía dentro de las populares películas sobre incomprendidos e incluso sobre el actual bullying. Su argumento es extremadamente convencional y su tono tiene el mismo carácter de una onda sinusoidal, sube y baja sin aclararse realmente con su intención final. Los padres disfuncionales y complacientes que tiene el chaval alemán nos transportan a un drama que rompe el personaje de Anand Batbileg adentrándonos en una trama tan surrealista como las películas de los Coen. Se queda en tierra de nadie entre la comedia y las películas de autoayuda.

La música por el contrario si parece tener un propósito más claro. Procura imbuir en el espectador ciertas sensaciones o emociones de un modo acertado, cambiando según la etapa en la que nos encontremos. Pero también hay un leitmotiv musical al que te amoldas y se acostumbran los protagonistas. Un tema que es el mismo pero que parece cambiar con tan solo estar ubicado en distintos puntos y climax del filme. Al igual que el protagonista, es el miso pero realmente ha mutado gracias a la visión de Akin.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de mayo de 2019. Título original: Tschick. Duración: 93 min. País: Alemania. Dirección: Fatih Akin. Guión: Lars Hubrich. Música: Vince Pope. Fotografía: Rainer Klausmann. Reparto principal: Tristan Göbel, Anand Batbileg, Nicole Mercedes Müller. Producción: Lago Films. Distribución: Golem Distribución. Género: comedia. Web oficial: http://www.studiocanal.de/kino/tschick

Crítica: ‘El otro lado de la esperanza’

Sinopsis

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La película cuenta dos historias que se cruzan. La primera habla de Khaled, un joven refugiado sirio que ha perdido a toda su familia llega a Helsinki por casualidad y pide asilo. La segunda gira en torno a Wikström, un comercial que abandona su profesión, gana un poco de dinero jugando al póquer y abre un restaurante al fondo de un callejón.

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Crítica

Pese a poder hacerse lenta ofrece buenos contrastes entre un humor peculiar y el drama social.

‘El otro lado de la esperanza’ despertaba en mí ciertas incógnitas sobre qué me iba a encontrar en esta historia escrita y dirigida por el finlandés Aki Kaurismäki.

Sentía cierta curiosidad porque era la primera película finesa que veía. Rodada íntegramente en ese país, nos muestra un cuadro que retrata la historia de un refugiado sirio, Khaled (Sherwan Haji) que llega a Helsinki después de un largo y duro viaje a través de Europa.

Por otro lado, tenemos a Wikström (Sakari Kuosmanen), un hombre de negocios con recursos muy variopintos que se encuentra en un punto y aparte de su vida, algo desubicado pero resolutivo, que se ve en las circunstancias de realizar un cambio personal y profesional.

Estas dos historias paralelas llegan a juntarse, como el espectador ya se imagina, aunque en mi opinión tardan demasiado en hacerlo. Creo que los dos personajes deberían haberse conocido antes y que esa extraña relación hubiera ido a más, dándonos momentos muy interesantes. Quizás no es lo que el director quería contar, pero es la sensación que me dejó a mí.

Esta curiosidad de la que hablaba antes, también venía dada por mi propia experiencia personal, que me ha dado cierto conocimiento del carácter del finlandés. Y debo decir que me parece una película (y ahora os vais a reír) muy finlandesa. Tiene elementos reconocibles de ese carácter tan diferente al del sur de Europa, si concreto más, al español. Es una película fría, de personajes fríos salvo los que son de otro lado como el sirio Khaled o su amigo iraquí (Simon Al-Bazoon). Tiene un humor curioso, casi surrealista en algunos puntos (mención especial al trío de trabajadores y todo lo relacionado con el restaurante), que contrasta con esos diálogos parcos en palabras en muchas ocasiones, donde el actor y la propia atmósfera hacen el resto.

El filme nos presenta también el choque de culturas, la indiferencia por parte de las autoridades en muchos casos ante la situación tan dramática que se vive en Siria y otros países en guerra, la indefensión que ese hecho causa en los refugiados, y se muestran situaciones tanto del racismo que provoca la inmigración en unos, como de la voluntad de ayudar en otros.

Es una historia de personas más que de personajes (que también los hay), de una realidad cotidiana que afecta a muchos países y refugiados, pero también es una historia que se simplifica en una búsqueda. La búsqueda de Khaled para encontrar a su hermana, la de Wikström en encontrar su propio camino y descubrir qué necesita en realidad. Porque esa “frialdad” de la que hablaba antes no implica que sea una película sin alma.

Interesante ver la composición de algunos planos, así como los elementos de decorado usados en la película, que le da ese aire, esa atmósfera tan especial. Sin hacer spoilers, quiero hacer mención al último plano de la película, para invitar a la reflexión con estas preguntas. ¿De dónde viene? ¿A dónde ha llegado? ¿Cómo está? Mirad bien ese plano.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de abril de 2017. Título original: Toivon tuolla puolen. Duración: 98 min. País: Finlandia. Dirección: Aki Kaurismäki. Guión: Aki Kaurismäki. Fotografía: Timo Salminen. Reparto principal: Kati Outinen, Tommi Korpela, Sakari Kuosmanen, Janne Hyytiäinen, Ilkka Koivula, Kaija Pakarinen, Nuppu Koivu, Tuomari Nurmio, Sherwan Haji. Producción: Sputnik. Distribución: Golem Distribución. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=402

Crítica: ‘Una historia de locos’

Sinopsis

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París, 1981, un joven marsellés de origen armenio llamado Aram hace volar el coche del embajador de Turquía en París. Gilles Tessier, que pasaba en ese momento en bicicleta, queda gravemente herido. Aram huye y se une al Ejército de Liberación de Armenia en Beirut, hogar de la revolución armenia en esa época. Anouch, la madre de Aram, visita a Gilles en el hospital para pedirle perdón y él exige conocer a su verdugo. Una vez recuperado, va a Marsella en busca de venganza, pero la familia de Aram le da la bienvenida y acaba quedándose con ellos. Aram no está de acuerdo con sus compañeros en Beirut y decide conocer a Gilles, que acabará convirtiéndose en su portavoz.

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Crítica

Multitud de exposiciones en multitud de minutos.

Antes de entrar en detalles y en especificar cosas concretas sobre el filme de Guédiguian he de decir que respira una gran universalidad. ‘Una historia de locos’ sirve de representación a escala de muchas historias vividas a lo largo del recorrido de la humanidad por la faz de la tierra. Es fiel reflejo de las miserias, dilemas y conflictos humanos vividos y por vivir. El retrato de una civilización desequilibrada que ha perdido el norte.

Con un estupendo prólogo en blanco y negro de casi media hora, Guédiguian nos pone en situación y sienta las bases de lo que nos va a plantear en las siguientes escenas. Nos enseña un juicio que los armenios tienen muy presentes y que el resto de países deberían recordar. Durante el resto del filme ese será el hilo conductor pues nos introduce en el conflicto entre armenios y turcos. La matanza silenciada y el exilio de sus tierras natales son las dos cosas que reivindican no solo los activistas armenios, sino también el director. Guédiguian tiene raíces armenias y alemanas y por lo tanto esta puede ser una película muy personal. Si con los atentados se busca no solo conseguir un propósito sino también que el mundo entero oiga estas reivindicaciones, con el filme el director puede procurar exactamente lo mismo. Con películas como esta se consigue un arma no violenta para luchar en este tipo de causas.

Pero aún hay más tras ‘Una historia de locos’ y está relacionado con España además. En esta historia de terroristas o justicieros (más adelante aclararé esto) hay inspiración real. El periodista Jose Antonio Gurriarán sufrió un atentado, indagó sobre aquellos que lo perpetraron, amén de sus causas, y ahora les apoya desde España. Esta historia resumida y que parece de locos está muy presente en la película, con nombres y nacionalidades cambiadas. Se destaca así la importancia de comprender antes de dictaminar algo. El comportamiento del periodista es de lo más civilizado y racional que podamos encontrar, sobre todo si tenemos en cuenta que está basado en una historia que sucedió de verdad. Es tan desconcertante como comprensible.

Y aún nos deparan más lecturas en esta película. En relación a la universalidad que comentaba al principio está la parte de la diferenciación entre justiciero o combatiente. Como en toda película basada en conflictos armados o violentos se busca encontrar la línea entre esos dos conceptos. También debatir sobre si el fin justifica los medios a la vez que se muestra el posible arrepentimiento producido por los daños colaterales.

La pena es que sea una película que para explicar todo esto se haya convertido en algo tan extenso. Esto es debido a que le sobran escenas que nos reinciden demasiado en lo mismo. El director de ‘Las nieves del Kilimanjaro’ o de ‘El ejército del crimen’, películas que también trataban temas políticos y violentos, a veces peca de resultar cargante y se deja llevar por el exceso. Han repetido con él Grégoire Leprince-Ringuet o Ariane Ascaride que demuestran estar muy en consonancia con las ideas de Guédiguian. Por el contrario nos decepciona Alexandre Desplat. El músico de ‘Harry Potter y las reliquas de la muerte’o ‘Argo’ nos ofrece una banda sonora un tanto plana y despreocupada. Sin duda en el último año no ha parado de trabajar, espero ver mejor resultado para la adaptación de ‘Valerian: agente espacio-temporal’.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2017. Título original: Une historie de fou. Duración: 134 min. País: Francia. Director: Robert Guédiguian. Guión: Robert Guédiguian, Gilles Taurand. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Pierre Milon. Reparto principal: Grégoire Leprince-Ringuet, Ariane Ascaride, Simon Abkarian, Syrus Shahidi. Producción: Agat Films, Cie. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.premiere.fr/film/Une-Histoire-de-Fou

Crítica: ‘El viajante’

Sinopsis

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Ante el peligro de derrumbe del edificio en el que viven de alquiler, Emad y Rana se ven obligados a mudarse a otro lugar. Un incidente relacionado con la inquilina anterior cambiará dramáticamente la vida de la joven pareja.

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Crítica

Humanismo coherente y buen cine.

Cuando una pareja se ve obligada a dejar su vivienda y cree tener la suerte de encontrar rápidamente otra casa les sucede algo traumático. Esa situación es el detonante de la verdadera razón de ser y de las pretensiones de ‘El viajante’. Se produce sin necesidad de mostrar, si no de sugerir y de poco a poco ir desgranando de un modo delicado todo lo sucedido. Lo que comienza como un duro suceso se torna en una obsesión y una búsqueda para uno de los dos protagonistas pero irónicamente para el otro supone una pugna por olvidar. Se logra así una dicotomía muy enriquecedora.

El guión también está firmado por el director y también en él se nota su sello. El ganador del Oscar Asghar Farhadi ha sabido comprender y casi por inercia también reflejar como alguien puede comenzar a comportarse de un modo lógicamente irracional. Una tarea muy difícil que ha conseguido gracias a la sutileza y profundidad. El hacer de Sahab Hosseini un esmerado, inquieto y preocupado marido y de Taraneh Alidoosti una traumatizada y atemorizada mujer solo puede ser fruto de la meticulosa observación de las contradicciones humanas. Todo está narrado a través del naturalismo y de varias metáforas o paralelismos. Bravo en ese sentido para Farhadi.

Este relato casi detectivesco nos plasma como se puede perder a quien se ama a través de lo que parecen buenos actos y decisiones. Si nos quedamos con lo superficial tendremos el desarrollo de una crisis de pareja. Pero si empezamos a quitar capas nos encontramos otras lecturas. Dilemas morales, apreciaciones sociopolíticas y la capacidad de perdonar parecen ser los principales pilares en los que se sostiene ‘El viajante’. Ante tales materias de tanto interés y peso puede parecer que la fotografía y la música sean muy simples, pero en mi opinión es algo intencionado que solo busca alejarse del espectáculo meramente entretenido.

Una de las pegas más destacables de la película es su final. No es que pueda parecer insuficiente o que esté mal narrado. Se prolonga innecesaria y agónicamente, en varios sentidos. Sin duda es resultado del esfuerzo de Farhadi por crear una cinta sumamente creíble.

Desde luego es de las que produce coloquios a la salida del cine. Se intenta desbancar de la cultura o idea retrógrada que se puede tener de la sociedad iraní. Farhadi sin duda hace escuela y no solo entre sus compatriotas.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de marzo de 2017. Título original: Forushande (The Salesman). Duración: 125 min. País: Irán. Director: Asghar Farhadi. Guión: Asghar Farhadi. Música: Sattar Oraki. Fotografía: Hossein Jafarian. Reparto principal: Shahab Hosseini, Taraneh Alidoosti, Babak Karimi, Mina Sadati. Producción: Arte France Cinéma, Farhadi Film Production, Memento Films Production. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=399

Crítica: ‘Hedi – Un viento de libertad’

Sinopsis

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Hedi es un chico sencillo: no habla mucho, no tiene mucho carácter y no espera demasiado de una vida que ya tiene trazada. Indiferente ante todo lo que le rodea, acepta las cosas como se presentan: deja que su madre, autoritaria y avasalladora, organice su casamiento con Khedija;  que su jefe le mande a Mahdia la semana de su boda; y que su hermano mayor Ahmed, que ha venido de Francia para el enlace, le diga cómo debe comportarse.
En Mahdia conoce a Rym, una animadora de un hotel de playa en el que cada vez hay menos turistas. Hedi se sentirá atraído por su despreocupación y libertad, y acabarán teniendo una apasionada aventura. Pero los preparativos para la boda siguen su curso, y Hedi deberá elegir.

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Crítica

Poca sustancia para una ópera prima.

Desde el Túnez más moderno nos llega la primera obra del tunecino Mohamed Ben Attia. ‘Hedi – Un viento de libertad’ viene de participar en diversos festivales en los que su temática encaja muy bien y ha suscitado todo tipo de opiniones. Nos revela una historia que precisamente trata de eso, de revelarse. A través de una persona sumisa se consigue una especie de catarsis familiar y cultural, toda una emancipación.

Hedi es el nombre del personaje protagonista, el único protagonista de la cinta. Es una persona anodina, insípida y sin sangre. Va apagado y sumiso por la vida. Nadie atiende o se preocupa de lo que quiere, está atrapado en la vida que le viene o le planifican. Su jefe, su madre, su hermano… todos le controlan. Si pensabais que la totalidad de los hombres gobernaban la vida de las mujeres en las sociedades tradicionalmente islámicas, por suerte esta película os cambiará esa mentalidad. Hedi tiene sus aspiraciones y sus ideas de futuro pero no le dejan hacer. Ben Attia ha hecho que con cada comentario y acto que hace Majd Mastoura (Hedi), cuando le dejan decir o hacer algo, sea un clamor por un cambio en su vida, por ser libre.

Entonces surge algo que lentamente nuestro protagonista comienza a emplear como una vía de escape, como un desahogo e incluso como una venganza. Pero aunque Ben Attia plasma bien la dificultad del paso que Hedi quiere dar no nos sorprende ni nos lleva a puntos que no se puedan prever tras los primeros compases. Este primer y bien dirigido discurso del director Mohamed Ben Attia es curioso por lo que he comentado antes, pero no es enormemente interesante. Me resulta carente de fuerza, está demasiado acotado en su protagonista, no tiene suficiente visión universal. Es en la narrativa, en la manera de contarlo todo, dónde está el problema. Aunque nos ha dispuesto un final idóneo para el debate y la libre interpretación nos deja al margen y lejos de empatizar con un personaje que tiene una historia demasiado delimitada.

También se liga a nuestro protagonista a la Revolución de los Jazmines, si no me ha parecido entender mal. Podemos intentar comprender la película como una metáfora del cambio sufrido en el país tras la Primavera Árabe. Por lo tanto puede tener más interés para aquellos que estudien la historia contemporánea, la cultura árabe o en concreto la sociedad tunecina.

Ganó dos premios en el festival de Berlín y ha pisado la Seminci, festivales en los que entusiasma este tipo de cine. Yo personalmente demando algo más de atractivo para salir satisfecho de la sala.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de febrero de 2017. Título original: Hedi. Duración: 93 min. País: Túnez, Bélgica, Francia. Director: Mohamed Ben Attia. Guión: Mohamed Ben Attia. Música: Omar Aloulou. Fotografía: Frédéric Noirhomme. Reparto principal: Majd Mastoura, Rym Ben Messaoud, Sabah Bouzouita, Hakim Boumessoudi, Omnia Ben Ghali. Producción: Dora Bouchoucha. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=398

Planificado el remake de ‘Toni Erdmann’

Paramount Pictures lo llevará a cabo.

Aunque esta sea una noticia nos alegra dar nuestra opinión y decir que una de nuestras favoritas al Oscar de habla no inglesa, ‘Toni Erdmann’ tendrá un remake norteamericano. Es una buena novedad pues respalda la buena crítica que os hicimos de ella y el éxito que está teniendo el filme de Maren Ade.

Pero la noticia no se queda en la anécdota del interés de los norteamericanos. También sabemos quién interpretará a Winfried Conradi alias Toni Erdman en lugar del actor original, Peter Simonischek. Será Jack Nicholson quién interprete a este peculiar personaje, que si lo pensamos bien podría tener parentesco con su Melvin de ‘Mejor Imposible’. Según se informa en Variety ha sido el propio Nicholson el que ha demandado hacerla.

¿Por quién apostáis para el papel de la hija y coprotagonista de la cinta? Si nos ceñimos al metraje original debería ser una persona del corte de Sandra Hüller. De momento parece que será Kirsten Wiig la elegida pues va a producir la cinta.

Crítica: ‘Toni Erdmann’

Sinopsis

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Ines trabaja en una importante empresa alemana con sede en Bucarest. Tiene una vida perfectamente ordenada hasta que Winfried, su padre, llega de improviso y le hace una pregunta inesperada: «¿Eres feliz?». Incapaz de contestarle, su existencia se ve conmocionada por la presencia de ese padre del que se avergüenza un poco, pero que le va a ayudar a dar nuevamente sentido a su vida gracias a un personaje imaginario: el divertido Toni Erdmann.

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Crítica

Un examen de conciencia, una invitación a revisar nuestras vidas.

Maren Ade es una directora bastante desconocida en España, o por lo menos su trabajo. De hecho es una cineasta que por desgracia normalmente suele ejercer más de productora. Solo realiza una película cada muchos años, esta es su tercera cinta. Lo considero una desdicha porque si es capaz de generar historias como la de ‘Toni Erdmann’ me gustaría tener una cada año.

Si habéis mirado la ficha al final de esta crítica puede que os haya espantado la duración del largometraje. Sobre todo si tenemos en cuenta que estamos hablando de un tipo de cine europeo que es rechazado frecuentemente entre el público español. Pero ‘Toni Erdmann’ se disfruta de maravilla y del tirón, es más, se pude hacer incluso corta. Está repleta de muchísima comedia, en ocasiones muy francesa, pero posee un trasfondo triste y afligido. El ritmo es por lo tanto esencial en una cinta así. No existe una equidad entre el número de escenas dramáticas frente a las cómicas, predomina el humor, pero si se percibe un gran equilibrio entre ambos géneros. Ade es capaz de transformar una situación desesperante y trágica en una jocosa reunión de gente desnuda acompañada de una especie de Chewbacca búlgaro.

Todos aquellos con padres dados a hacer el payasete deben ver esta película. Es una gran lección paternofilial con la que resulta fácil sentirse identificado. Ade nos ofrece un conflicto generacional entre padre e hija, principalmente en lo que se refiere al estilo de vida escogido por unos y por otros. Peter Simonischek encarna a un progenitor naif que lucha por retomar el contacto con una hija obsesionada por su empleo y emocionalmente casi nihilista encarnada por Sandra Hüller. Son dos personas totalmente diferentes que presentan dos tipos también distintos de infelicidad.

Siguiendo ese hilo se puede afirmar también que, en sus más de dos horas de duración Ade toca una buena variedad de materias. Trata sobre la auténtica felicidad, sobre la relación con nuestro progenitor, sobre la necesidad del humor, sobre el verdadero sentido de la vida… Con todo esto podemos resumir, también como posible último pensamiento de la protagonista, que se nos anima a no desperdiciar la vida sin saber la lista de cosas que queremos tachar, pues puede llegar un día que hagamos resumen y nos arrepintamos.

Se nota que a la hora de escribir el guión Maren Ade estaba muy bien documentada en lo que se refiere al mundo empresarial, enfocándose sobre todo en la lucha de la mujer en ambientes tan falocéntricos como ese. Guardando relación con ese ámbito nos ofrece varias tomas, o escenas completas, destinadas a remarcar la desigualdad social. Incluso pone de manifiesto la soberbia superioridad que sienten los países ricos con respecto a los pobres.

Es todo un logro el realizar un melodrama cómico como este, que con semejante duración y sin banda sonora consiga engancharnos de un modo tan agradable. Los laureles que ha acumulado ‘Toni Erdmann’ me la vendían como la clara candidata a llevase el Oscar a película de habla no inglesa. También había recibido muchos comentarios de colegas de la prensa poniéndola maravillosamente tras verla en festivales y pases previos. Después de verla creo que realmente tiene la calidad y el talento para merecer ese premio.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de enero de 2016. Título original: Toni Erdmann. Duración: 162 min. País: Alemania, Austria. Director: Maren Ade. Guión: Maren Ade. Música: Michael Masser (tema ‘The Greatest Love of All’). Fotografía: Patrick Orth. Reparto principal: Peter Simonischek, Sandra Hüller, Lucy Russell, Trystan Pütter, Hadewych Minis. Producción: Komplizen Film, Coop99 Filmproduktion, KNM. Distribución: Golem Distribución. Género: comedia, drama. Web oficial: http://golem.es/tonierdmann/

Estuvimos con Maren Ade directora de ‘Toni Erdmann’

La directora de la galardonada cinta atendió a los medios españoles.

Tras ver la película de la directora Maren Ade pudimos disfrutar de su presencia y de tener unas palabras con ella, además de inmortalizarla con nuestras cámaras. Ha dirigido y escrito ‘Toni Erdmann’, un filme que está nominado para los BAFTA, preseleccionado para os Oscar y que además ya recibió nominaciones para los Globos de Oro o se alzó con galardones en los Premios del Cine Europeo, Cannes, Sevilla… Como veis no puede tener mejores credenciales y en breve podréis leer nuestra crítica, en la cual, ya os adelantamos que recomendamos verla.

A raíz de tanta nominación, la preguntamos si no tenía miedo de morir de éxito, de que la fama la quemase. Muy humildemente declaró que “realmente lo que más me gusta es que esta película haya sido vendida a tantos países, que vaya a verla tanta gente y tan diferente, a pesar de sus 150 minutos de duración”.

Y es que ‘Toni Erdmann’ funciona a pesar de lo extensa que es. Para justificar esta duración y su resultado tan satisfactorio dijo que “quería hacer una película de doble género, comedia y drama. La comedia la aporta el padre, hace una comedia para su hija. Pero lo hace por desesperación por entrar en contacto con ella. Cuando iniciamos la película pensamos que tenía una vertiente muy triste. Eso me preocupaba. Se lo dije al productor pero pensamos que no pasaba nada, que se le iba a hacer, y seguimos rodando. Lo curioso es que en el montaje la comedia resurgió, con el guión. Eso nos lleva a la duración de la película”.

Muchos podemos sentirnos reflejados o identificados con esta película. Es por eso que le preguntamos a su directora si tenía algo de autobiográfico. Tras respondernos negativamente, admitiendo que siempre hay cosas personales, nos relató un detalle que si está sacado de su pasado: “Si es verdad que mi padre tenía también un gran repertorio de chistes. También tenía los dientes de Toni Erdmann. Yo se los regalé. Cuando estaba en la escuela de cine trabajaba como azafata en estrenos. Hubo un estreno de la primera de ‘Austin Powers’ y regalaban esos dientes. Se los cogí y se los di. Le encajaban perfectamente. En los semáforos se los ponía y miraba a los del coche de al lado…”.

‘Toni Erdmann’ cuenta con el protagonismo de Sandra Hüller (‘Réquiem’) y Peter Simonischek (‘Oktober November’). A Maren Ade le gusta emplear actores de teatro en sus películas. “En Alemania hay una enorme cultura de teatro. Esto permite que mis actores sean capaces de aguantar tomas largas. Se tienen que aprender un diálogo y saber llevar una escena así” reconoció.

“Me documenté muchísimo para hacer el personaje de Ines. Hablé con muchísimas mujeres, les pregunté cómo se sentían al trabajar en un mundo profesional mayormente masculino. Las respuestas eran muy diversas. Algunas me dijeron incluso que estaban cómodas siendo la única mujer en un entorno masculino. […] Ella (Ines) no es un personaje feminista, se lo dice incluso a su jefe. Toni, la hace cambiar” afirmó cuando la preguntamos por la situación del personaje de Sandra Hüller, que trabaja en un ámbito dominado por hombres.

Maren Ade hace una película cada siete años. Por eso esta es solo su tercera película. Recordad que en España se podrá ver ‘Toni Erdmann’ a partir del inminente 20 de enero.

Las fotografías han sido realizadas por Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

 

Crítica: ‘La comuna’

Sinopsis

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Erik, un profesor de arquitectura, hereda el viejo caserón de su padre al norte de Copenhague. Su esposa Anna, una conocida presentadora de televisión, le sugiere que inviten a sus amigos a vivir con ellos. Con esto espera alejar el aburrimiento que ha empezado a infiltrarse en su matrimonio. Muy pronto, unos cuantos de ellos se instalan en la casa. Se toman decisiones en común, se habla de todo y se discrepa en mayor o menor grado debido a sus idiosincrasias. Pero el frágil equilibrio amenaza con romperse cuando Erik se enamora de Emma, una alumna suya, que se muda a la casa.

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Crítica

Esta nueva película de Thomas Vinterberg sigue los pasos de ‘Celebración’ y ‘La caza’ pese a que formen parte de dos etapas distintas en la trayectoria del director. Se acerca más a ‘Celebración’ pues empiezan con una buena noticia que acaba derivando en una catarsis final llena de tristeza que se convierte en ceniza en la boca, como diría Tyrion Lannister.

Trata de cómo un matrimonio, más menos acomodado pero ya entrado en rutina, hereda la casa familiar paterna y en vez de venderla o usarla deciden montar un conglomerado de amigos en plan comuna. Deciden hacerlo para darle un nuevo aire a su vida pero la convergencia de las personalidades de cada uno, la escasa capacidad monetaria de los compañeros y el distanciamiento del matrimonio original, hacen que acabe haciendo aguas.

La historia de la ruptura del matrimonio y como deben de aprender a vivir el futuro cada uno está bastante acertada. Capta genialmente el grado de locura o el camino al autoengaño en el inicio del filme. Y como puede todo llevar a las personas a enfrentarse a su propia locura o apagarse en esa lucha en el tramo final de ‘La comuna’.

El mayor peso de la película lo lleva el dúo que forman los menores de la comuna, Freja y Vidja, y sobre todo la mujer, Anna, una Trine Dyrholm sin la que la mitad del largometraje se volvería algo gris. También vemos como miembro de la comuna a Fares Fares, conocido por las películas del Departamento Q, pero en esta ocasión está relegado a un papel mucho más secundario.

No es una película con un gran guión ni grandes medios pero si llena de los sentimientos que el director desea retratar.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de diciembre de 2016. Título original: Kollektivet. Duración: 107 min. País: Dinamarca. Director: Thomas Vinterberg. Guión: Tobias Lindholm, Thomas Vinterberg. Música: Fons Merkies. Fotografía: Jesper Tøffner. Reparto principal: Ulrich Thomsen, Trine Dyrholm, Martha Sofie Wallstrøm Hansen, Helene Reingaard Neumann, Lars Ranthe, Fares Fares, Julie Agnete Vang, Lise Koefoed,Adam Fischer, Magnus Millang, Oliver Methling Søndergaard, Rasmus Lind Rubin,Sebastian Grønnegaard Milbrat. Producción: Zentropa Entertainments. Distribución: Golem Distribución. Género: Drama. Web oficial: http://www.kino.dk/film/k/ko/kollektivet