Esta experiencia cinematográfica única en 3D se sumerge en la icónica obra del artista alemán Anselm Kiefer revelando su trayectoria vital, su inspiración y su proceso creativo. Explora su fascinación por el mito y la historia. El pasado y el presente se entrelazan para desdibujar los límites entre el cine y la pintura, permitiendo al público sumergirse por completo en el extraordinario mundo de uno de los más grandes artistas contemporáneos.
Crítica
Capaz de moverse por un arte denso con una fluidez sugestiva
Wim Wenders, para muchos uno de los mejores documentalistas en activo, vuelve al género con ‘Anselm’ tras ‘Perfect days’. Esta obra que ha tardado en llegar a España, más que un retrato, se presenta como un diálogo expansivo con el vasto universo creativo de Anselm Kiefer. Desde su estreno en Cannes se ha convertido en un documento único dentro del estudio de todo lo que enmarca el arte contemporáneo, pero también como un desafío para los espectadores menos habituados a una experiencia tan intensamente sensorial y filosófica. Uno ve este tipo de trabajos y entiende por qué un país tan entrañable como Japón escogió a Wim Wenders para representarle en los Oscar.
Kiefer, conocido por su fascinación por los mitos, la memoria histórica y los estratos culturales que conforman la identidad alemana, encuentra en Wenders un megáfono e interlocutor cinematográfico ideal. ‘Anselm’ no es una biografía al uso, es una inmersión visual y emocional. Wenders emplea aquí un lenguaje fílmico que recuerda tanto a la textura de las pinturas de Kiefer como a la amplitud de sus instalaciones escultóricas. El director no solo nos invita a observar la obra y la mente de Kiefer, sino a recorrerla, a habitarla. Las capas de pintura y los materiales crudos de sus lienzos, que evocan tanto la devastación de la guerra como la regeneración de la vida, parecen palpables, casi táctiles, en esta experiencia cinematográfica. Un largometraje que ayudará a aquellos espectadores que no transiten lugares como el Reina Sofía o ferias como ARCOmadrid, donde el arte se antoja incomprensible aun a pesar de las explicaciones de los propios autores.
La narrativa de ‘Anselm’ es deliberadamente fragmentada, oscilando entre el presente y el pasado con una fluidez que a ratos parece desorientadora. Wenders apuesta por un montaje que es, en sí mismo, una metáfora de la obra de Kiefer: estratificada, compleja, llena de vacíos y silencios que exigen ser completados por el espectador. Las secuencias en las que Kiefer reflexiona sobre su infancia en la Alemania de posguerra, su fascinación por los textos místicos y su diálogo constante con la historia europea son reveladoras, aunque nunca simplificadoras. Más que explicar al artista, Wenders prefiere dejar que la obra hable, aunque para algunos espectadores esa decisión pueda resultar frustrante.
En este sentido, la película requiere paciencia y entrega. No es un documental que pretenda «explicar» el arte de Kiefer o presentarlo de manera accesible; más bien, busca replicar la experiencia de enfrentarse a una de sus imponentes obras: un acto de contemplación profunda que puede resultar abrumador. Aquí radica tanto su mayor logro como su potencial limitación. Mientras que los aficionados al arte encontrarán en ‘Anselm’ un festín visual y conceptual, otros podrían sentirse alienados.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de diciembre de 2024. Título original: Anselm (Das Rauschen Der Zeit). Duración: 93 min. País: Alemania. Dirección: Wim Wenders. Guion: Wim Wenders. Música: Leonard Küßner. Fotografía: Franz Lustig. Reparto principal: Anselm Kiefer, Anton Wenders, Daniel Kiefer. Producción: Road Movies Filmproduktion. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental, cultura. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/movie/anselm-das-rauschen-der-zeit?whereToWatch=in-cinemas
Ambientada 183 años antes de los acontecimientos narrados en la trilogía original de películas, ‘El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim’ cuenta el destino de la Casa de Helm Hammerhand, el legendario Rey de Rohan. Un repentino ataque de Wulf, un astuto y despiadado señor de los Dunlending que busca venganza por la muerte de su padre, obliga a Helm y a su gente a hacer una última y audaz resistencia en el antiguo fuerte de los Hornburg, una imponente fortaleza que más tarde será conocida como el Abismo de Helm. Héra, la hija de Helm, se encuentra en una situación cada vez más desesperada así que deberá hacer gala de una gran determinación para liderar la resistencia contra un enemigo letal que pretende destruirlos por completo.
Crítica
Una precuela más terrenal pero no por ello exenta de épica y romanticismo
Directamente relacionada con las películas orquestadas por Peter Jackson llega ‘La Guerra de los Rohirrim’. Un filme que no solo bebe del imaginario de Tolkien sino que mantiene el diseño de producción (trajes, escenarios y demás) de la excelsa trilogía que aún hoy en día se mantiene como las mejores adaptaciones del universo de la Tierra Media.
Para los no versados en el mundo de Tolkien basta con indicar que nos encontramos en una precuela de ‘El Hobbit’ y ‘El Señor de los Anillos’, como unos doscientos años antes, por lo que sería una secuela de ‘Los Anillos de Poder’. Igualmente este es un episodio aislado que si acaso cabe relacionarlo con la trama central de esta saga por el hecho del desarrollo de las dinastías de Rohan. Tal es así que se ha escogido un personaje al que vagamente se alude en los apéndices de Tolkien y al cual el escritor sudafricano nunca dio nombre. Por lo tanto hay “libertad” para ocupar otro de los huecos que nunca se escribieron.
El equipo de guionistas, entre los que se encuentran aquellos que nos brindaron otro universo expandido como el de ‘Cristal Oscuro’, ha escogido como protagonista a la hija de Helm, bautizada como Héra. Y para ello, al igual que hizo Tolkien en su día, se han basado en un personaje real de la mitología o historia británica. Ethelfleda de Wessex una británica que luchó contra los vikingos. Algo muy oportuno dado el carácter de los rohirrim, que tienen clara base nórdica.
Con lo último citado es con lo que puede llegar la decepción para muchos. Probablemente esta sea la historia más mundana y exenta de magia o criaturas de todas la hasta ahora vistas. ‘La Guerra de los Rohirrim’ es, en resumidas cuentas, una contienda entre dos facciones de corte vikingo, sin magos, ni orcos, ni dragones… Evidentemente uno va encontrando pequeños puntos que nos mantienen anclados a la Tierra Media, pero si lo que buscas es calmar tu sed del legendarium de Tolkien te puede saber a poco. Su mayor logro es el de lograr acercar la casa de Eorl a un público general que solo conoce sus historias de los grandes momentos brindados en ‘Las Dos Torres’, dando contexto a un escenario tan mítico como El Abismo de Helm.
Aunque es una película muy entretenida y con mucho sentido del romanticismo y la épica, hay que reconocer que bebe y va a remolque de replicar momentos que ya vivimos en las películas. Repite los mismos deus ex machina, el patrón del sobrino desterrado, la traición dentro del consejo del rey, el refugio a Cuernavilla, el ataque con mûmakils/olifantes… Son momentos míticos pero injertados de nuevo aquí se sienten ineficientes ya que el viaje es otro, emotivamente no es el mismo efecto y resulta reiterativo, como un fan service innecesario. Eso sí, la música de Howard Shore se mantiene como una constante ineludible y estremecedora.
Sexta película de animación inspirada en la Tierra Media, primera en formato anime. Kenji Kamiyama (quien dirigió ‘Blade Runner: El loto negro’ y ‘Ghost in the Shell: Stand Alone Complex’) es quien se ha encargado de que volvamos a Cuernavilla (El Abismo de Helm), visitemos Edoras en su momento de mayor esplendor y veamos una versión distinta de Isengard. Por momentos tenemos unos instantes de comunión mágica con la naturaleza casi a lo Ghibli y en ocasiones el formato digital nos brinda estampas espectaculares. No le sienta mal el formato anime a ‘La Guerra de los Rohirrim, de hecho es uno de los detalles que ayudan a mantener el carácter fantástico de esta narración que de haberse rodado en acción real parecería más una temporada de ‘Vikingos’.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2024. Título original: The Lord of the Rings: The War of the Rohirrim. Duración: 130 min. País: Japón. Dirección: Kenji Kamiyama. Guion: Phoebe Gittins, Arty Papageorgiou, Jeffrey Addiss, Will Matthews. Música: Stephen Gallagher. Reparto principal (doblaje original): Brian Cox, Gaia Wise, Luke Pasqualino, Miranda Otto, Lorraine Ashbourne, Yazdan Qafouri, Benjamin Wainwright, Laurence Ubong Williams, Shaun Dooley, Michael Wildman, Jude Akuwudike, Bilal Hasna, Janine Duvitski. Producción: New Line Cinema, Warner Bros. Animation, WingNut Films, Sola Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: fantasía. Web oficial:https://www.esdla.laguerradelosrohirrim.entradaswb.com/
En el Madrid de 1936, un joven llamado Miguel Gila vive tranquilo y feliz con sus abuelos en una humilde buhardilla. Pero el estallido de la Guerra Civil obliga a Miguel, junto a su amigo Pedro, a acudir a la lucha. Allí Gila sobrevive a miserias, batallas, al fusilamiento y a la cárcel gracias a su humor. Por esta forma única de interpretar el mundo que le rodea, Gila se convertirá en uno de los cómicos más populares de España y Latinoamérica.
Crítica
Un emotivo tributo al poder sanador de comediantes como Gila
Alexis Morante nos entrega en ‘¿Es el enemigo?’ una obra que es mucho más que una biografía cinematográfica de Miguel Gila: es un retrato fiel y entrañable de un estilo de comedia que marcó a generaciones. A través de una narrativa que oscila entre el drama y el humor, Morante rinde homenaje a ese costumbrismo ingenuo que bordeaba el surrealismo y la crítica velada, características inconfundibles del humor del gran cómico español.
Óscar Lasarte, encargado de dar vida a Gila en su juventud, realiza una interpretación deslumbrante. Desde el instante en que clava su peculiar manera de hablar, logra encarnar al comediante con una precisión que no solo sorprende, sino que emociona. Lasarte está a la altura de las grandes figuras como Roberto Benigni o Chaplin, mostrando una profundidad y sensibilidad que convierten su actuación en el corazón de la película.
Evidentemente ‘¿Es el enemigo?’ es una historia más sobre nuestra Guerra Civil. La trama gira principalmente en torno al icónico monólogo de la guerra de Gila, que el humorista interpretó durante más de tres décadas. En este contexto, Morante utiliza la estructura del filme no para contar una historia lineal de la vida del artista, sino para capturar la esencia de su humor: blanco, sin palabrotas, universal y profundamente cotidiano. El resultado es un testimonio de cómo la risa puede ser un acto de resistencia frente a las adversidades. La frase “Nos han enseñado a odiar, pero no a perdonar” resuena como un eco de relevancia actual, cuando abundan los llamados haters y la falta de concordia.
Es inevitable que el filme evoque en el espectador ciertas comparaciones con obras recientes y clásicas. Por ejemplo, ‘Saben aquell’, el biopic sobre Eugenio, comparte el interés en explorar la vida y el arte de un humorista icónico. La evocación de ‘La vida es bella’ es también evidente, ya que ambas películas buscan sacar una sonrisa incluso en medio de los horrores de la guerra. Y, por supuesto, están las inevitables reminiscencias a ‘La vaquilla’ de Berlanga, con su enfoque satírico sobre la Guerra Civil, o incluso ‘Salvar al soldado Ryan’, aunque desde una óptica más sencilla y humorística, por el honorable cometido de Gila a lo largo de todo el filme.
En definitiva, ‘¿Es el enemigo?’ es un tributo necesario y emotivo a un cómico que forma parte del ADN humorístico español. Más allá de Gila, la película se convierte en un homenaje a todos aquellos que nos hacen reír cuando el mundo parece demasiado oscuro para soportarlo. En una época de haters y crispación, esta obra es un recordatorio del poder del humor como herramienta para sanar y conectar. Con su mezcla de drama, humor y emoción, ‘¿Es el enemigo?’ se alza como un testimonio de cómo la comedia, en las manos adecuadas, puede trascender el tiempo. Una película que no solo homenajea a Gila, sino que celebra el poder transformador de la risa.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de diciembre de 2024. Título original: ¿Es el enemigo? La película de Gila. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Alexis Morante. Guion: Alexis Morante, Raúl Santos. Música: Miguel Santos. Fotografía: Carlos García de Dios. Reparto principal: Óscar Lasarte, Natalia De Molina, Carlos Cuevas, Salva Reina, Iván Villanueva, Antonio Bachiller, David Elvira, Adelfa Calvo, Vicente Romero, Ramón Ibarra. Producción: Pecado Films, Arcadia Motion Pictures, Philmo Capital AIE, Nu Boyana Portugal, RTVE, Movistar Plus+, Canal Sur, 3Cat, CreaSGR. Distribución: Filmax. Género: comedia, biografía. Web oficial:https://pecadofilms.com/es-el-enemigo-la-pelicula-de-gila/
Impresionante, en su animación y en su llamada a coger el mando
15 episodios, ni más ni menos, son los que componen ‘Secret level’. Prime Video publicará en dos tandas desde el 10 de diciembre esta antología que se podría decir que hace un fanservice en cada una de sus entregas. Capítulos cortos, que van de los 7 a los 18 minutos, que hacen las delicias para todo tipo de jugadores y amantes de la animación. Detrás de esta ambiciosa y suculenta serie están los creadores de otra exitosa antología como es ‘Love, Death and Robots’, Tim Miller y Dave Wilson. En esta ocasión el material no es tan fresco ni original, puesto que cada historia parte de un conocido videojuego, pero eso no le resta ni potencia ni sustancia ya que cada una de las aventuras supone un bonus track a los juegos que tanto nos gustan. Sobre todo resulta apabullante la calidad de sus imágenes generadas por ordenador, a veces cuesta distinguir entre realidad y artificio. La única pega es que la animación varía poco entre capítulos, no hay mucho cambio de técnicas aunque si de tono.
Además, como regalo si la veis en versión original, escuchamos las voces de famosos como Arnold Schwarzenegger, Kevin Hart, Keanu Reeves, Temuera Morrison, Emily Swallow, Gabriel Luna, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Claudia Doumit y muchos más. Todos ellos prestan sus cuerdas vocales e incluso sus rostros para dar vida a personajes muy conocidos dentro del mundo gamer. Quizá los más puristas habrían querido la presencia de los dobladores que escuchábamos cuando cogíamos el mando, pero hay que reconocer que muchos de ellos provienen de juegos en los que no tenían diálogos.
¿Qué juegos aparecen en ‘Secret level’? Quizá sería más bonito dejarlo todo a la sorpresa, aunque tanto con el tráiler como con la imagen promocional ya vemos que hay historias basadas en ‘Mega Man’, ‘Unreal Tournament’, ‘Warhammer 40,000’ o ‘Armored Core’. Todo el mundo coincidirá en que es una pasada el capítulo que hace honor a los personajes de PlayStation aunque se echan de menos más protagonistas. Entre nuestros favoritos son obras tan apabullantes como la que se ambienta en ‘Dungeons & Dragons’, la que cuenta con Keanu Reeves o la que nos traslada a una auténtica película de acción como la que proviene del videojuego ‘Crossfire’. Sea como fuere, cada capítulo merece un apartado propio y al igual que hicimos en su día con las tres temporadas de ‘Love, death & robots’ os detallamos uno a uno sin spoilers. Podéis leer nuestras impresiones tras el tráiler.
‘Dungeons & Dragons: the queen’s cradle’ (estreno el 10 de diciembre)
Apabullante. Solo así puede describirse la calidad de este capítulo. Los personajes están recreados a un nivel increíble, pero sobretodo su gran ser mitológico nos quita el hipo pues su textura y sus movimientos traspasan la pantalla. De una belleza monstruosa pasará a ser una de las mejores recreaciones dentro del universo de D&D.
Clérigos, paladines, magos, liches… y por supuesto dragones. Es una aventura con mucha acción, magia y criaturas que a muchos va a recordar a los buenos momentos vividos leyendo historias como las de la Dragonlance.
¿Juego en que se basa? Dragones y Mazmorras
Técnica: 3D
Género: fantasía
Duración: 14 min. 47 seg.
‘Sifu: it takes a life’ (estreno el 10 de diciembre)
Blur studio, aquellos que nos dejaron boquiabiertos con el episodio ‘Jíbaro’ del volumen 3 de ‘Love, Death & Robots’, vuelven a trabajar con Tim Miller. En esta ocasión nos llevan a un oriente urbanita, en el que la tradición se mezcla con una jungla de asfalto repleta de neones. Consiste en una especie de John Wick sobrenatural. Su acción es vibrante e incluso tiene un poco de poesía, pero sobre todo destaca por su animación, ya que es uno de los pocos que no es puro 3D utilizando un estilo similar al de las películas del Spiderverse.
¿Juego en que se basa? Sifu
Técnica: tradicional más digital
Género: acción
Duración: 8 min. 41 seg.
‘New World: the once and future king’ (estreno el 10 de diciembre)
No es el único MMORPG que se adapta en ‘Secret level’, pero quizá si el único de Amazon Games. Gracias a esta aventura en la que un rey tiene que empezar desde cero cual ‘Age of empires’, Arnold Schwarzenegger vuelve a empuñar un espadón. Comedia y mucho respawn, una combinación que puede recordar a ‘Al filo del mañana’ pero en clave medieval y a tope de dismorfia muscular. Muy divertido, incluído el guiño a ‘Predator’.
¿Juego en que se basa? New World
Técnica: 3D
Género: aventura, fantasía
Duración: 13 min. 36 seg.
‘Unreal Tournament: Xan’ (estreno el 10 de diciembre)
Para muchos, incluído yo, ‘Unreal’ es uno de los shooter básicos y de cabecera. No era un juego especialmente seguido por su historia, pero si por su mezcla de acción con ciencia ficción, lo cual le brindaba la oportunidad de proporcionar a los jugadores arma casi tan locas como las del Half-Life.
Vivimos una rebelión de las máquinas en un mundo intergaláctico en el que la minería es de crucial importancia. Esta es una historia que cuenta con Elodie Yung y que a muchos puede recordar a ‘The running man’ o a cualquier otra historia de gladiadores. A mi en concreto me ha recordado también a Chappie.
¿Juego en que se basa? Unreal Tournament
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, acción
Duración: 17 min. 48 seg.
‘Warhammer 40.000: and they shall know no fear’ (estreno el 10 de diciembre)
Seguro que muchos meten este capítulo entre sus favoritos. Podría ser la antesala de lo que prepara Henry Cavil porque más que su calidad técnica hay que alabar cómo explota el imaginario y la iconografía del juego de figuras y estrategia. Nos hace viajar a ese futuro planetario de guerra y religión en el que se mueven los ultramarines.
Aparece un nombre tan conocido por los fans como Titus, pero el protagonista es otro, aquel al que pone voz Adewale Akinnuoye-Agbaje. Aún así hay que señalar que este es un capítulo sin apenas diálogos, una misión sin retorno de violencia aplastante y horrores espaciales.
¿Juego en que se basa? Warhammer 40.000
Técnica: 3D
Género: acción, terror, ciencia ficción
Duración: 18 min.
‘Pac-Man: circle’ (estreno el 10 de diciembre)
El Pac-Man es uno de los juegos más sencillos y adictivos de la historia. Ha tenido muchas reinvenciones y cameos en distintos medios hasta el punto de convertirse en icono de la cultura popular. ‘Secret level’ lo ha re-imaginado este laberinto como un extraño planeta hostil lleno de criaturas en las que el lema es “come o serás comido”. El clásico hombre gris, arquetipo de los extraterrestres, es el protagonista que se enfrenta a unos fantasmas diferentes. Presta su voz Aleks Le (‘Dorohedoro’, ‘Dandadan’).
¿Juego en que se basa? Pac-Man
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, terror
Duración: 10 min. 28 seg.
‘Crossfire: good conflict’ (estreno el 10 de diciembre)
El popular shooter de 2007 que enfrenta dos facciones mercenarias tiene un pedacito más de historia gracias a este corto. En este caso hay una misión de extracción que cumplir y ambos bandos se pelean por el contenido de un maletín, mientras que como en muchas películas, un temporal azota a los contendientes y desvía con la fuerza de su viento las balas. Es un corto repleto de momentos fotorrealistas y acción de esa que le encanta protagonizar a actores como Frank Grillo, Gerard Butler o Jason Statham.
¿Juego en que se basa? Crossfire
Técnica: 3D
Género: acción
Duración: 18 min. 2 seg.
‘Armored Core: asset magement’ (estreno el 10 de diciembre)
Los mechas de Armored Core alcanzaron hace tiempo el carácter de saga. FromSoftware hizo escuela con estos juegos antes incluso de la franquicia Souls. Desde el 97 hasta su sexta entrega lanzada en 2023 han brindado momentos de acción bestiales. Lo mismo podemos decir de su protagonista. Este corto cuenta con voz y rostro de un Keanu Reeves con cresta. El actor se conecta de nuevo a una máquina y está genialmente recreado. Un corto con mucha acción y algo un toque de mente perturbada.
¿Juego en que se basa? Armored Core
Técnica: 3D
Género: acción, ciencia ficción
Duración: 13 min. 12 seg.
‘The outer worlds: the company we keep’ (estreno el 17 de diciembre)
A pesar de transcurrir en un ambiente de ciencia ficción y haber criaturas fantasiosas es de los más realistas en cuanto a piel, pelo, ropa… Dispone de un pequeño toque victoriano o retro que puede recordar al ‘Bioshock’, algo que ya se diría en 2019 cuando salió a la venta. Es una historia de huérfanos con el mismo complejo de soledad de Luke Skywalker que podría haber escrito Charles Dickens de haber vivido en nuestros días. Sin duda de las entregas más graciosas y sensibles a la vez.
¿Juego en que se basa? The outer worlds
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, humor, drama
Duración: 17 min. 30 seg.
‘Mega Man: start’ (estreno el 17 de diciembre)
Probablemente será uno de los juegos de plataformas más comprados y/o jugados de la historia por detrás de gigantes como Sonic y Super Mario Bros. Para quien no lo conozca, básicamente es un niño con cañones en las manos que va eliminando robots malvados. Su mecánica es sencilla y el cortometraje que ha tenido en ‘Secret level’ también. Básicamente han recreado una historia de orígenes.
¿Juego en que se basa? Mega Man
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción
Duración: 7 min. 8 seg.
‘Exodus: odyssey’ (estreno el 17 de enero)
Relativismo e historia familiar. Es la aventura de un padre por encontrar a su hija a través del cosmos con todo el tiempo y la distancia en su contra. Una space opera en miniatura inspirada en el juego del que se dice que con el tiempo será el sucesor del ‘Mass Effect’, el mismo que en las consolas cuenta con Matthew McConaughey y aquí dispone de las voces de Nikko Austen Smith y Michael Beach.
¿Juego en que se basa? Exodus
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, drama
Duración: 14 min. 12 seg.
‘Spelunky: Tally’ (estreno el 17 de diciembre)
Probablemente sea uno de los más cortos e insustanciales de la serie. Una suerte de ‘Indiana Jones’ o ‘Tomb Raider’ infantil en el que una niña intenta superar las pruebas de un lugar repleto de trampas y tesoros. Lleva a otro nivel el laberinto de plataformas que es el juego pero poco más. Si acaso sirve como homenaje a esas horas que hemos empleado en pasar juegos basados en el concepto de quemar vidas a base de repetir escenarios.
¿Juego en que se basa? Spelunky
Técnica: 3D
Género: aventura
Duración
‘Concord: tale of the implacable’ (estreno el 17 de diciembre)
Probablemente el más humorístico de toda la antología. Se nota que es gamberro y moderno, que es un lanzamiento reciente de PS5. Básicamente un equipo de mercenarios o de oportunistas espaciales quiere rescatar a uno de los suyos. Alienígenas, naves, persecuciones y momento de torpeza cómica. Es evidente decir que a muchos recordará a ‘Guardianes de la Galaxia’. Viendo este corto, con su acción y su comedia, uno se hace a la idea de cuál es la dinámica del videojuego y dan ganas de hacerse con él.
¿Juego en que se basa? Concord
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, comedia
Duración: 17 min. 2 seg.
‘Honor Kings: the way of all things’ (estreno el 17 de diciembre)
Para estar inspirado en un juego tipo arena de batalla, como el LOL para los no familiarizados con la terminología, es de los más tranquilos de todo ‘Secret level’. Un duelo intelectual y filosófico entre un hombre y una máquina, una especie de desafío impuesto por una suerte de Mago de Oz mecánico, ocupa la trama. El episodio básicamente retrata el espíritu del juego más allá de sus personaje o mecánicas de juego. Comparado con el resto de cortos sale perdiendo ya que sus personajes parecen demasiado a figuras anime HQS.
¿Juego en que se basa? Honor Kings
Técnica: 3D
Género: fantasía ciencia ficción
Duración: 17 min. 14 seg.
‘Playime’ (estreno el 17 de diciembre)
Kevin Hart e hija ponen voz a los protagonistas del único corto de ‘Secret level’ que se basa más de un juego de PlayStation. Muchos cogerán la referencia del ‘Radikal bikers’ cuando vean que se trata de un delivery que tiene que cumplir la misión de hacer una entrega a domicilio. La protagonista se ve inmersa en una trama de persecución y ciencia ficción disparada en la que aparecen muchos personajes de la videoconsola de Sony. Es un homenaje a PlayStation que podría haber tenido muchas caras conocidas, que como crossover no está del todo bien justificado, pero que quizá busca evitar convertirse en otro Ready Player One. Un capítulo que tenía que estar ahora que PlayStation cumple 30 años.
México, hoy. La abogada Rita, recibe una oferta inesperada. Tiene que ayudar a un temido líder de un cártel a retirarse de sus negocios y desaparecer para siempre convirtiéndose en la mujer que siempre ha soñado ser.
Crítica
Llega una de las grandes sorpresas del año
Ganadora del Premio del Jurado del Festival de Cannes, Mejor Banda Sonora y Premio a mejor actriz, también en el mismo festival. Éste último se lo dieron a las cuatro protagonistas, Karla Sofía Gascón, Selena Gómez, Zoe Saldaña y Adriana Paz, por su espectacular trabajo en ‘Emilia Pérez’.
Jacques Audiard logra una película increíble y es que ‘Emilia Pérez’ es una telenovela musical que hipnotiza desde el minuto uno. La historia nos cuenta como Rita, una gran abogada es captada por uno de los grandes jefes de la droga en México. Éste la contrata para que le haga desaparecer y así conseguir su sueño de convertirse en mujer. Todo esto se complica cuando años después, Emilia quiere volver a ver a su familia.
Admito que las canciones no me han entusiasmado, no os vais a encontrar canciones pegadizas o que os hagan bailar a lo loco, no, pero tiene uno números musicales con unas coreografías tan buenos, que como digo, logra que nos mantengamos pegados a nuestra butaca y disfrutemos de esta historia que nos está contando.
Una historia donde el perdón, la culpa, el intento de redimir una vida de violencia, hacen que veamos que el ser humano puede cambiar. También nos hacen ver la situación de muchas personas que no logran descansar al no encontrar a familiares desaparecidos en extrañas circunstancias.
Es una cinta muy interesante y ‘Emilia Pérez’ no sería igual sin las actrices que logran que nos creamos todo lo que nos están contando. Karla Sofía Gascón, está increíble, su primera aparición como Manitas del Monte, da realmente miedo, pasando a ser una mujer de bien que solo intenta volver a reunir a su familia y vivir como ella siempre quiso, en libertad.
ZoeSaldaña me ha sorprendido un montón, la actriz puertorriqueña, se atreve a cantar y bailar de mil maneras, a la vez que nos da un papel con muchos matices diferentes.
Selena Gomez igual, pese a que su castellano no es perfecto, algo que la actriz ha comentado en alguna que otra entrevista, crea a un personaje encerrado en una vida de lujos que no tiene libertad ninguna, por mucho que ella piense que si.
Y uno de los personaje más bonitos es el de AdrianaPaz, que es la encargada de lograr dar un poco de felicidad a Emilia.
‘Emilia Pérez’ ha sido la elegida que representará a Francia en los Oscar. Es la primera película rodada en castellano de Jaques Audiard y sin duda se nota que ha cuidado todos los detalles para que sea perfecta.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2024. Título original: Emilia Pérez. Duración: 132 min. País: Francia. Dirección: Jacques Audiard. Guion: Jacques Audiard. Música: Clément Ducol. Fotografía: Paul Guilhaume. Reparto principal: Karla Sofía Gascón, Zoe Saldaña, Selena Gomez, Adriana Paz, Edgar Ramirez, James Gerard, Anabel Lopez, Eric Geynes, Mark Ivanir. Producción: Why Not Productions, Page 114, Pathé, France 2 Cinema, Saint Laurent, Pimienta Films. Distribución: Wanda Vision. Género: Drama. Web oficial:https://www.wandavision.com/site/sinopsis/emilia_perez
Un Frankenstein de esos con los que James Gunn se siente cómodo
Volvemos a Belle Reve, ese paraíso tropical de delincuentes con implantes explosivos. Esta vez, bajo el nombre de ‘Creature Commandos’ y no de ‘Escuadrón Suicida’ nos sumergimos en un mundo donde los supervillanos tienen colmillos, branquias y un contrato tácito con lo inmoral. Si creías que el ‘El Escuadrón Suicida’ ya era un circo, prepárate para ver cómo los payasos se convierten en monstruos, literalmente. James Gunn ha optado por el camino de la violencia, la mofa y lo estrafalario para iniciar su andadura en DC Studios. Tras el remake que pulverizó la película de David Ayer, la tremenda serie ‘El Pacificador’ que está cerca de una segunda temporada y la versión animada ‘Escuadrón Suicida Isekai’, llega a Max una nueva serie de dibujos de 7 episodios de emisión semanal que se estrena el 5 de diciembre.
‘Creature Commandos’ es como si James Gunn hubiera desempolvado su colección de la Hammer y hubiera decidido usar todo lo posible sin importar cuán bizarra queda la mezcla. No me cabe duda de que el director y guionista aprovecha para saciar su nostalgia con estos nuevos personajes, homenajear a títulos como ‘Tiburón’, ‘Salvar al soldado Ryan’ e incluso ‘La quimera del oro’ y sacar a relucir todo aquello con lo que se regodeaba en sus primeros pasos cuando aprendía en la escuela de la Troma.
La serie avanza con capítulos que combinan acción frenética, humor negro y un trasfondo emocional inesperado. Cada episodio no solo empuja la narrativa principal (que mantiene la conexión con lo sucedido en Corto Maltese), sino que profundiza en los personajes. Desde una mujer anfibio que tiene más traumas de los que un psicólogo puede manejar, hasta un robot soldado que parece un primo lejano del Robot Man de ‘Doom Patrol’ o un esqueleto fluorescente que puede recordar al Doctor Manhattan, cada miembro del escuadrón tiene su momento para brillar… o morir salvajemente. Y hablando de muertes, aquí la creatividad es el único límite: explosiones, decapitaciones, gente derretida por doquier… Nadie está a salvo, ni siquiera tus expectativas.
La animación, aunque dinámica y llena de acción, tiene un aire de artificialidad digital que puede desconectar a los más puristas. Parece más una pieza promocional de un videojuego que una serie animada con alma, pero su ritmo endiablado lo compensa. Eso sí, el opening pone el tono perfecto entre lo absurdo y lo épico, como pasaba con ‘El Pacificador’, como si estuvieras a punto de ver a un grupo de monstruos bailar salsa en plena misión. De hecho esto sucede pues lo único que se recupera del filme de David Ayer son los momentos musicales, pero elevados a un tono mucho más disparatado y juerguista, como si se tratase de un videoclip del grupo de gypsy-folk-rock, The Hatters.
Comparar ‘Creature Commandos’ con otras historias es difícil. Si acaso por cercanía cabe cuestionar si es mejor que ‘Suicide Squad Isekai’. Realmente es como debatir cuál es el mejor sabor de helado raro: anchoas o wasabi. Esta nueva serie es más “coherente”, sí, pero sigue siendo un desfile de locura que se ríe en la cara de la lógica. Y eso lo hace terriblemente entretenido, con mejores gags que su predecesora.
Rick Flag regresa como líder mientras Amanda Waller, aunque mucho menos presente, sigue moviendo los hilos como si fuera el Dios de un retorcido juego de Sims. Ellos dos ponen el único factor cabal dentro de una locura difícil de gobernar al disponer de unos protagonistas tan variopintos, tanto en la ficción como cuando nos planteamos el producto de entretenimiento. No podemos ignorar el desfile de voces de estrellas y amigos de Gunn, que dan vida a estos personajes. Funcionan porque todos aquí parecen estar pasándolo bomba mientras improvisan una línea más loca que la anterior, poniéndose al servicio de lo grotesco e irreverente. En el reparto encontraréis nombres que ya habían entrado en este universo o se incorporan como Indira Varma, Frank Grillo, Zoë Chao, AnyaChalotra, DavidHarbour, AlanTudyk, ViolaDavis o SeanGunn.
Ambientada en una única habitación, HERE (AQUÍ), sigue a las numerosas generaciones de habitantes que formaron en esa habitación su hogar.
Una original historia de amor, pérdida, risas y vida, que nos hará viajar desde un pasado muy remoto hasta un futuro próximo. Este emocionante viaje a lo largo de cientos de miles de años, transcurrirá, de principio a fin, en un solo lugar: AQUÍ.
Crítica
La apertura de ‘Up’ con IA y mostrada en plan scrapbook
Robert Zemeckis, gran amante de las innovaciones tecnológicas hasta el punto de usar una IA que modifica las imágenes en directo como es Metaphysic Live. Tan enamorado de la historia de su país que lo refleja en todos sus filmes e incluso cuenta habitualmente con un descendiente de Lincoln como Tom Hanks. Un gran amante de los momentos familiares generados en Navidad o en anuncios tales como la llegada de un bebé. Todo eso se ve en películas como ‘Regreso al futuro’ o cuando veíamos como insertaba a Hanks como Forrest Gump en diferentes momentos de la historia y por supuesto también está presente en ‘Here’.
Nadie podrá dudar que esta es una película de Zemeckis. Pero realmente surge de la sencillísima novela gráfica de Richard McGuire. Y la estira, pero al menos buscando un enfoque que también todos deberán reconocer que es diferente hasta lo ahora visto. No me refiero al artificio tecnológico que rejuvenece o envejece magníficamente a los protagonistas hasta el punto de que se convierte en una verdadera película de terror para aquellos que se dedican al maquillaje o los prostéticos. También para aquellos que criticaron la voz de anciano en un remozado Robert de Niro protagonizando ‘El irlandés’. Aludo a su montaje. El director de fotografía es alguien de la talla como Don Burgess (‘Forrest Gump’, ‘El libro de Eli’ o ‘Expediente Warren: El caso Enfield’), pero realmente la belleza de esta película que no mueve en absolutamente nada la cámara, es mérito del equipo de iluminación, el diseñador de producción y los que han hecho toda la postproducción digital. En ese sentido es todo un trabajo de collage que en ocasiones parece un scrapbook que intenta decirnos que no somos realmente conscientes de que el más sencillo de los hogares puede haber sido escenario de momentos de todo tipo.
Desafortunadamente para montar esta composición nos llevan por un batiburrillo de historias repletas de personajes que pasan por una casa que va cambiando con el tiempo. Un salón clavadito al de ‘Los Simpsons’ en el que se escenifica lo que parece la secuencia inicial de ‘Up’ pero de manera rellenada a más no poder. Tom Hanks y Robin Wright tardan en hacer verdadero acto de presencia, porque realmente esta no es la historia de dos personajes, ni de otros tantos, es la historia de un lugar específico. Evidentemente poco a poco van haciéndose con el relato pero decir relato quizá es caer en una incorrección ya que honestamente ‘Here’ no cuenta nada y tiene un escaso hilo que seguir, cuando curiosamente tiene una narrativa tan atractiva como arriesgada. El reto tecnológico le come terreno a la trama y cansa el artificio. Si en algún momento aparece una idea o reflexión sugerente, se volatiliza a los pocos segundos con el siguiente salto en el tiempo.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2024. Título original: Here. Duración: Robert Zemeckis. País: EE.UU. Dirección: Robert Zemeckis. Guion: Eric Roth, Robert Zemeckis. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Don Burgess. Reparto principal: Tom Hanks, Robin Wright, Paul Bettany, Kelly Reilly, Michelle Dockery. Producción: Miramax, ImageMovers. Distribución: Vértice Cine. Género: drama. Web oficial:https://vertice360.com/es/ficha/0/here-aqui
Tras dos décadas como uno de los musicales más aclamados y longevos en escena, WICKED llega en noviembre a la gran pantalla para convertirse en un esperadísimo y espectacular evento cinematográfico que definirá una era.
Crítica
Su magia hizo desaparecer mi escepticismo
Cuando uno escucha que Hollywood ha decidido adaptar el exitoso musical ‘Wicked’, derivado a su vez de las novelas de Gregory Maguire y con raíces profundas y más que evidentes en ‘El mago de Oz’, lo normal es sentir cierto recelo. ¿Otro remake? ¿Otra adaptación? ¿Otra excusa para explotar una franquicia clásica estirando el chicle? Pero he aquí la sorpresa: ‘Wicked’, dirigida por Jon M. Chu con un toque inesperadamente magistral, logra no solo justificar su existencia sino brillar como una de las adaptaciones más sólidas de los últimos años. La verdad es que mi incredulidad estaba injustificada pues, aunque no soy precisamente público del género, este director ha demostrado en más de una ocasión ser capaz de hacer muy buenas obras musicales.
‘Wicked’ tiene una tarea costosa que se antoja propia de Sísifo: ser compatible con ‘El mago de Oz’, un clásico absoluto del cine, además de con la audiencia actual. La película, lejos de traicionar el espíritu del filme original, lo recontextualiza, como ya hizo el musical del que parte, de una manera que hace del visionado una experiencia rica en varios sentidos. Aunque hay que reconocer que quedan detalles pendientes para la segunda entrega.
Para ello, intentar llevar a cabo tan laboriosa entrega, a modo de precuela, conocemos a Elphaba/Cynthia Erivo (la futura Bruja Malvada del Oeste) y a Glinda/Ariana Grande (la Bruja Buena del Sur), en sus años de juventud, en su época de instituto. Cuando leí por primera vez su sinopsis me hizo remontarme inmediatamente a aquella adaptación de ‘Dragon Ball’ que planteaba a Goku como un alumno de instituto en plan nerd. Pero por suerte ‘Wicked’ se aleja de ese despropósito, aunque aún me cuesta asimilar a actores pintarrajeados de verde croma. Más que al live action del famoso anime, esta propuesta se parece a otra famosa franquicia. Es como si Harry Potter se hubiese encontrado con Willy Wonka, desarrollando una vez más el discurso de los poderosos que pasan desapercibidos o son marginados por el mero hecho de ser diferentes.
La relación entre las dos protagonistas es el corazón del filme. El espectador más talludo disfrutará de las conexiones con la película de 1939 y la forja de una villana arquetípica que se ha mantenido viva casi cien años después. Los más jóvenes tienen una narrativa de amistad y aventuras que les sacará de tanto cine superheróico. Vuelve ese discurso, explorado una y tantas veces, sobre que los villanos no nacen, se hacen, pero la película tiene algo más complejo que ofrecernos.
El escepticismo respecto a las adaptaciones musicales es justificado, muchas veces pierden la magia de las tablas en el proceso. Como decía antes la película tenía que mantener una difícil comunión. Cuando hablamos de llegar al público neófito en esta historia y a los fans del material de Broadway se plantea un reto similar. Tras ver ‘Wicked’ queda patente que está desarrollada para un público general, pero también se percibe que los números cantados y bailados tienen un origen en escenarios. Aún con todo y con eso la película está embadurnada de efectos digitales que si bien la hacen espectacular le pueden restar encanto. A mi en concreto me gusta como las nuevas tecnologías están bien aprovechadas para darle otra dimensión a la Tierra de OZ.
No suelo entrar en polémicas, pero hay veces que me alegra ver como a la generación de cristal le vuelve la llorera como un boomerang. Se ha hablado mucho del carácter woke del filme. En otras producciones podría ponerme de uno u otro lado. Pero en esta creo que no tiene sentido la polémica. Claro, es que todos hemos visto y sabemos cómo es una bruja en realidad y estamos en posición de criticar el aspecto de la que interpreta Cynthia Erivo. Modo sarcástico ON. El filme tiene una trama muy conveniente, tanto como para responder automáticamente tanto a detractores como a cínicos.
De los musicales siempre me ha costado mucho encajar sus habituales flashmobs y su por lo general, carácter extremadamente happy. Aunque sigo diciendo que casi tres horas son excesivas reconozco que el filme tiene momentos auténticamente emocionantes que perduran tras los títulos de crédito. Me quedo con los momentos en los que Ariana Grande ha de ser chistosa, consiguiéndolo como si fuese un auténtico dibujo animado con el objetivo de ser hiperactiva, cursi y cargante.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Título original: Wicked: part one. Duración: 160 min. País: EE.UU. Dirección: Jon M. Chu. Guion: Winnie Holzman, Stephen Schwartz. Música: Stephen Schwartz. Fotografía: Alice Brooks. Reparto principal: Ariana Grande, Cynthia Erivo, Jonathan Bailey, Jeff Goldblum, Michelle Yeoh. Producción: Universal Pictures, Marc Platt Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: drama. Web oficial:https://www.instagram.com/wickedmovie
Una lucha por el destino de un piano heredado amenaza con destrozar a una familia en este drama basado en la obra ganadora del premio Pulitzer de August Wilson.
Crítica
El hijo menor de Denzel Washington debuta con una adaptación que desconozco si mantiene el espíritu original, pero desde luego tiene alma propia
Recuerdo hace dos años, estando alojado en el Hotel Edison de Nueva York, el tener en frente el Barrymore con una obra en su marquesina protagonizada nada más y nada menos que por Samuel L. Jackson, John DavidWashington y Danielle Brooks. Recuerdo la rabia de tener ese reparto tan cerca y el no haber entradas disponibles. Ahora al menos puedo resarcir mi curiosidad y ver en qué consistía la historia pues Netflix estrena la adaptación cinematográfica basada en una obra de August Wilson ganadora del Pulitzer.
Dos hijos de Denzel Washington están involucrados en este proyecto. Por un lado su hijo mayor, David, conservando uno de los papeles protagónicos. Tras las cámaras su hijo menor, Malcolm, dirigiendo y conservando el carácter teatral que no nos saca en casi ningún momento del salón en el que está instalado el piano que se disputan cada uno de los personajes. En ese sentido ha seguido los pasos de su padre cuando trasladó hace pocos años la obra ‘Fences’. Y hay que reconocer que también lo ha hecho mejor que su padre consiguiendo un drama con más dinamismo que una obra teatral y con una carga dramática y emocional muy lograda.
Un piano que es la piedra angular para los planes de futuro de un par de hermanos. Una generación que aún tiene muy presente la oscura época del esclavismo y ese pesado instrumento musical se manifiesta como el símbolo de fantasmas que aún se mantienen apegados a sus miedos. El libreto explora temas como la herencia, las cicatrices del sufrimiento y la búsqueda de un futuro en el que las lacras se transforman en fortalezas.
Se nota qué actores tienen más que mascado su papel tras representarlo muchas veces en Broadway. Aún así el reparto proporciona una experiencia heterogénea gracias al montaje ya que como como comentaba antes no tenemos la sensación de estar viendo una obra teatral repleta de suplentes. De hecho Danielle Deadwyler, quien no formaba parte del elenco teatral, interpreta a la altura de sus compañeros. Además el formato cinematográfico permite incorporar recursos que van más allá de la puesta en escena y ampliar el simbolismo de la obra, reforzando a su vez la psique de cada personaje, en particular el del personaje de Deadwyler.
Resumiendo. ‘La lección de piano’ es un filme que desconozco si mantiene el espíritu original pero desde luego tiene alma propia. Es una obra que podría enmarcarse como una más sobre el racismo pero que realmente trata sobre familia, traumas y legado. Enarbola una espiritualidad propia de la américa negra pero con conclusiones deducibles a cualquier familia con heridas por cerrar y herencias por asumir.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Título original: The piano lesson. Duración: 127 min. País: EE.UU. Dirección: Malcolm Washington. Guion: Malcolm Washington, Virgil Williams. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Mike Gioulakis. Reparto principal: Samuel L. Jackson, John David Washington, Danielle Deadwyler, Ray Fisher, Corey Hawkins, Michael Potts, Stephan James. Producción: Mudy Lane Entertainment, Netflix Studios. Distribución: Netflix. Género: drama, adaptación. Web oficial:ver en Netflix.
Dos actores ruandeses (Nansi Nsué y Boré Buika) y un técnico de sonido belga (Àlex Brendemühl), se reúnen en la antigua sede de la emisora de radio (RTLM) clave en el genocidio ruandés de 1994 para ensayar una ficción sonora y cerrar una herida que aún sigue abierta. A medida que avanza el ensayo, la reconciliación no será tan fácil como creían.
Crítica
Desafía al público con una lección de memoria e introspección
África está muy presente en nuestro cine. Laureadas y aplaudidas fueron películas como ‘Adú’ o ‘Mediterráneo’ en su día. Pero es que tenemos entre manos actualmente cortos y largos inscritos a los Premios Feroz y los Premios Goya como ‘Semillas de Kivu’ o ‘Los cayucos de Kayar’. Desde su estreno en abril se suma ‘Hate Songs’ como un recordatorio más, no solo de que otro cine es posible y sigue vivo, sino de que también hay regiones de nuestro planeta, que forman parte de nuestra historia, que no podemos dejar caer en el olvido. ‘Hate Songs’ es todo un rescate por parte del director Alejo Levis y los guionistas Denise Duncan y Albert Val.
Propaganda del odio, cacería con motivación étnica, exterminio masivo, noticias falsas… Son términos con los que acostumbramos a referirnos a películas inspiradas en la II Guerra Mundial y el Holocausto nazi. Pero son igualmente válidos para lo sucedido en Ruanda entre abril y julio de 1994. ¿Por qué no se habla casi nada entonces de este tema más allá de alguna película como ‘Hotel Rwanda’? Seamos sinceros, no es solo porque no fue un conflicto que llamase a nuestras puertas o alcanzase una escala global, es que a la Europa que en su día era la mayor potencia colonialista no le sale a cuenta. Solo así se puede entender que la cacería de tutsis por parte de los hutus se convirtiese en uno de los mayores genocidios y apenas se mencione hoy en día.
La historia cuenta solo con tres personajes: Stéphanie (Nansi Nsue), Ncuti (Boré Buika) y Simon (Àlex Brendemühl) que plantean un ejercicio de entereza y memoria. Se sitúan en el epicentro de las ondas que difundieron el odio. La emisora RTLM (Radio Télévision Libre des Mille), que en su día fue usada como cizaña para instigar a la masacre, es el único escenario. Allí, personas relacionadas con lo sucedido se disponen a hacer lo que a priori es una dramatización radiofónica, pero a posteriori se desvela como algo más trascendental. La idea de Alejo Levis podría servir para invitar a exponernos y a enfrentarnos a nuestros propios demonios. Es por eso que ‘Hate Songs’ tiene valor, no solo como reivindicación de algo que sucedió en el continente que fue la cuna de la humanidad. Es un ejercicio de reconciliación, redención y exploración de un conflicto que puede extrapolarse a otras contiendas en las que hermanos o vecinos se mataron mutuamente. Es decir, allí donde nació la humanidad aún suceden actos inhumanos, como demuestran las crudas imágenes que abren este filme.
Desde luego que hay introspección y hay puesta en escena teatral. Los tres protagonistas tienen espacio para desarrollar a sus personajes en tan claustrofóbico ambiente. Los tres nos brindan momentos desgarradores y nos llevan por un proceso, que tanto en sus pretensiones como en la exigencia interpretativa, no es nada sencillo. Por desgracia al público actual o a los exhibidores con más alcance parece que les da pereza alinearse con este tipo de propuestas. Pero en ese posicionamiento no hacen más que demostrar que seguimos olvidando y seguimos reticentes a enfrentarnos a problemas arraigados y que se repiten a lo largo de la historia de nuestra civilización.
Ficha de la película
Estreno en España: abril de 2024. Título original: Hate Songs. Duración: 82 min. País: España. Dirección: Alejo Levis. Guion: Alejo Levis, Albert Val, Denise Duncan. Música: Asier Renteria. Fotografía: Lali Rubio, Alejo Levis. Reparto principal: Álex Brendemül, Nansi Nsue, Boré Buika. Producción: Mundo Cero Crea. Distribución: Sideral Cinema. Género: drama. Web oficial:https://www.sideralcinema.com/estreno/hate-songs
La Asociación de Directores y Directoras de Cine entregó el pasado sábado sus primeros premios. Bautizados como Premios Acción estos reconocimientos buscan premiar la excelencia de los directores y directoras de España en diferentes niveles o técnicas. La sede de la Academia de Cine en la calle Zurbano de Madrid fue el lugar escogido para ver nacer estos premios que tienen por delante muchas distinciones para los futuros años.
Se han llevado a cabo en colaboración con la Comunidad de Madrid, en el marco de su Semana del Cortometraje, junto a otras entidades como EGEDA, DAMA, SGAE, y la empresa de iluminación Factor-Light.
Palmarés completo de los I Premios Acción
Mejor Dirección Novel: Javier Macipe por ‘La estrella azul’, entregado por Benito Zambrano y Paula Palacios.
Mejor Dirección de Animación: Pablo Berger por ‘Robot Dreams’, entregado por Nathalie Martínez y Miguel Santesmases.
Mejor Dirección de Documental: Almudena Carracedo y Robert Bahar por ‘No estás sola’ (recogió el premio Almudena Carracedo), entregado por Nacho Álvarez y Nata Mateo.
Mejor Dirección de Largometraje de Ficción: Pilar Palomero por ‘Los destellos’, entregado por Álvaro Longoria y Gracia Querejeta.
El Premio de Honor, previamente anunciado, fue entregado a Fernando Colomo por Laura Ramos, quien estuvo acompañada en el escenario por grandes nombres como Daniela Fejerman, Inés París, Miguel Bardem y Alfonso Albacete, que compartieron anécdotas y recuerdos llenos de cariño. La ovación en pie del público fue un momento inolvidable que culminó con un homenaje sentido y un reconocimiento a una trayectoria construida con amor al cine, a la comedia y a su ciudad, Madrid.
En Kivu (RD Congo), uno de las zonas más violentas del mundo, un grupo de mujeres llega hasta el Hospital de Panzi después de haber sido violadas en grupo por las guerrillas de la zona que dominan los recursos minerales. Su tratamiento psicológico antes de la reinserción las enfrenta al dilema de aceptar a los bebés que han dado a luz tras las violaciones, encontrando en la cuestión de la maternidad, una manera de resistir.
Crítica
Semillas de Kivu recuerda que la ignorancia no es una excusa, sino una decisión
Se habla de la Guerra de Ucrania como un abuso por parte de Rusia y de la guerra en Gaza como un genocidio. Los principales países de Occidente contribuyen en mayor o menor medida a estos conflictos, manteniendo posiciones prudentes, codiciosas o cobardes, según se mire. Pero hay algo peor: la ignorancia. Hay conflictos armados que llevan un cuarto de siglo enquistados, hasta el punto de llegar a ser considerados el segundo mayor genocidio desde la II Guerra Mundial, al menos en términos de cifras. De esas guerras ya no se acuerda nadie, son lugares y gentes que no interesan, no son lucrativos. Menos mal que aún quedan personas que no se olvidan que el mundo va más allá del “primer mundo”.
Es precisamente esa ignorancia la que el cortometraje ‘Semillas de Kivu’, dirigido por NéstorLópez y Carlos Valle Casas, pretende romper. Con un enfoque tan valiente como profundamente humano, esta obra trasciende la denuncia para ofrecer un relato poderoso sobre la crisis que ha devastado la provincia de Kivu en la República Democrática del Congo. Pero el foco no son las armas, ni el coltán, ni las etnias, son las mujeres.
El cortometraje es de principio a fin un testimonio inapelable. Se entrelazan historias personales y datos históricos con una sensibilidad que huye del sensacionalismo, logrando que el espectador no solo entienda las dimensiones del conflicto, sino que empatice con sus víctimas y llegue a pensar si él mismo es cómplice del ostracismo que sufren ciertos países. Uno de los mayores aciertos de ‘Semillas de Kivu’ es su capacidad para humanizar cifras que sin aparecer en pantalla están presentes. Las imágenes, cuidadosamente seleccionadas, oscilan entre la devastación y la resiliencia, entre la brutalidad de la guerra y la fuerza de quienes, contra todo pronóstico, siguen sembrando esperanza, como el Doctor Denis Mukwege. En lugar de centrarse únicamente en estadísticas, López y Valle Casas ponen rostros y nombres a las víctimas y supervivientes, otorgándoles una voz que con frecuencia se les niega. Esto convierte el cortometraje en una herramienta poderosa no solo de denuncia, sino también de educación y sensibilización. Algo que se consigue no solo con entrevistas o imágenes, sino también aludiendo a las sensaciones (no al sensacionalismo, repito) con la música de Arturo Cardelús, que también pone melodía a ‘Los cayucos de Kayar’, otro cortometraje inscrito para los Goya 2025 que trata sobre otro tema crítico y crucial en África.
‘Semillas de Kivu’ no es solo un cortometraje, sino una llamada a la acción y una reflexión sobre la complicidad que el silencio y la ignorancia pueden tener en tragedias como la del Congo. Y sobre todo es un clamor por acabar con esas sociedades que permiten actos tan atroces como usar una violación como arma de guerra. Mientras algunas guerras dominan los titulares, otras se pierden en el olvido con consecuencias devastadoras. En un mundo donde la información está al alcance de la mano, ‘Semillas de Kivu’ recuerda que la ignorancia no es una excusa, sino una decisión. Una decisión que este cortometraje nos invita, con urgencia, a reconsiderar.
Ficha de la película
Estreno en España: 2024. Título original: Semillas de Kivu. Duración: 30 min. País: España. Dirección: Néstor López, Carlos Valle Casas. Guion: Néstor López. Música: Arturo Cardelús. Fotografía: Pablo Díaz. Producción: Auntie Films, Filmakers Monkeys. Género: documental. Web oficial:https://filmakersmonkeys.com/
El dúo de culto que concibió «Al Interior» regresa al género con este thriller a la True Detective donde dos policías deben unir fuerzas para resolver unos misteriosos asesinatos.
Cuando unas violentas y espantosas muertes comienzan a asolar un pequeño pueblo de montaña, una antigua leyenda sobre una criatura diabólica resurge. Dos policías con métodos distintos se ven obligados a unir fuerzas y descubrir un siniestro complot que involucra la desaparición de niños locales.
Crítica
Inquietante thriller con una atmósfera terriblemente oscura
Basada en la novela de Alexis Laipsker, ‘Le mangeur d’àmes’ llega a nuestras pantallas, gracias a Filmin, ‘Las desapariciones’. Un inquietante thriller muy bien narrado que consigue bastante tensión durante el visionado.
Una serie de crímenes azotan una localidad de montaña, en la que se cuenta que un antiguo demonio está siendo el culpable. Para esto, llaman a dos detectives que se verán sobrepasados con todo lo que verán.
AlexandreBustillo y JulienMaury regresan a nuestras pantallas gracias a este thriller, un cambio de género en estos dos directores que demuestran lo bien que dirigen. Estos dos nombres os pueden sonar de películas como ‘Á l’intérieur’ o ‘The Deep House’, cintas donde podemos ver su gran gusto por la casquería y el terror de sustos. Como he comentado, ‘Las desapariciones’, es un cambio de género que logra mantenernos pegados a nuestras sillas.
Nos van contando poco a poco todo lo que va sucediendo, además de ir viendo los distintos crímenes que van acaeciendo en este pueblo. La atmósfera muy oscura y tenebrosa. Además, el ser demoníaco mola mucho. Es bastante curioso a la par que convencional. Sus apariciones siempre son incómodas y dan bastante mal rollo.
En el reparto encontramos a VirginieLedoyen (‘La playa’) como una de las investigadoras que no cree que lo que está viendo. Su compañero en pantalla PaulHamy (‘Calls’), ambos tienen una química muy buena en pantalla y hacen que desesperemos con ellos mientras intentan averiguar que es lo que realmente ocurre.
‘Las desapariciones’ me ha gustado mucho. Si que es cierto que nos cuenta una historia básica, dos detectives van a intentar esclarecer una clase de crímenes en un pueblo en el que todos son sospechosos, pero poco a poco van descubriendo distintas cosas que harán que toda su investigación de un vuelco hacía lo sobrenatural.
El diseño de producción es muy bueno al igual que la dirección. Todo esto es muy importante, ya que es lo que logra que no perdamos interés en lo que nos está contando. Por supuesto, el guion también es muy bueno, AnnelyseBatrel y LudovicLefebvre hacen un gran trabajo de adaptación.
Es una pena que la película no se estrene en cines de España, pues como digo, la fotografía de SimonRoca es muy buena y la película muy interesante. Pero al menos gracias a Filmin la podréis ver en vuestras casas a partir del próximo 22 de noviembre.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de noviembre de 2024. Título original: Le Mangeur d’Âmes. Duración: 108 min. País: Francia. Dirección: Alexandre Bustillo, Julien Maury. Guion: Annelyse Batrel, Ludovic Lefebvre. Música: Raphael Gesqua. Fotografía: Simon Roca. Reparto principal: Virgine Ledoyen, Sandrine Bonnaire, Paul Hamy, Malik Zidi, Chloé Coulloud, Francis Renaud, Lya Oussadit-Lessert, Christophe Favre, Emmanuel Bonami. Producción: Phase 4 Productions, Place du Marché Productions, Umedia. Distribución: Filmin. Género: Thriller. Web oficial: https://phase4productions.fr/le-mangeur-dames/
Disponibles desde el 13 de diciembre y el 29 de enero
Arvi Licensing nos pone en bandeja planificar nuestros regalos cinéfilos con el anuncio de sus nuevas licencias, las cuales estarán disponibles desde el próximo 13 de diciembre y 29 de enero. En concreto los títulos de diciembre están disponibles en preventa.
NOVEDADES DESTACADAS DE DICIEMBRE (fotografías al pie de este artículo)
Llevabas una eternidad esperando, pero ‘BITELCHÚS BITELCHÚS’ llega por todo lo alto en DVD, Blu-ray, 4K Ultra HD, una edición metálica limitada y packs en todos los formatos, además de una edición especial metálica limitada con las dos películas que incluye una señal luminosa.
‘PARPADEA DOS VECES’. Este thriller dirigido por Zoë Kravitz y protagonizado por Channing Tatum y Naomi Ackie llega en DVD y Blu-ray.
Una buena película puede ser el mejor regalo estas Navidades, y el catálogo llega en diciembre con steelbooks limitados para todos los gustos. Una edición especial de ‘INTERSTELLAR’, reediciones de ‘LOS GOONIES’ y ‘BLADE’ (V.O.S), ‘PESADILLA EN ELM STREET’ o ‘ZOMBIES PARTY’ con un nuevo máster en 4K Ultra HD. Además de un steelbook en Blu-ray de ‘KUNG FU SION’.
NOVEDADES DESTACADAS DE ENERO
La dupla llega a su fin en ‘VENOM: EL ÚLTIMO BAILE’. Tom Hardy pone el broche de oro a esta trilogía que llegará con ediciones en DVD, Blu-ray, 4K Ultra HD, una edición metálica limitada y packs en todos los formatos.
Blumhouse y James McAvoy son sinónimo de tensión y disfrute sin límites. ‘NO HABLES CON EXTRAÑOS’, el remake que muchos han definido como mejor que la original, llegará en DVD y Blu-ray.
Los amantes del terror no sabrán qué elegir, pero … ¿por qué hacerlo? llegan ‘EL HOMBRE DEL SACO’ y ‘DIABÓLICA’ en DVD y Blu-ray.
El Guernica de Picasso, la obra de arte más reconocida del siglo XX llegó a España siete meses después de la intentona golpista de 1981. El mural que simboliza los horrores de la Guerra Civil y los ataques de la aviación fascista contra la población aterrizó en Barajas después de una compleja operación política ideada en el más absoluto de los secretos. Testigos y protagonistas de aquel momento histórico cuentan por primera vez los detalles de aquella aventura que cerró el proceso político de la Transición y recuperó para España la obra maestra de Picasso.
Crítica
Rescata de la memoria una obra que precisamente habla de no olvidar
‘Guernica: el último exiliado’, dirigido por Guillermo Logar, es un documental breve pero cargado de significado que explora el viaje de regreso a España del famoso cuadro de Picasso, ‘Guernica’, alojado hoy en día en el Museo Reina Sofía de Madrid y convertido en una de la obras más importantes de nuestro patrimonio pictórico. La película revela el simbolismo y los obstáculos de este retorno, no solo como una cuestión de patrimonio cultural, sino como un proceso de sanación y memoria para la España de la Transición. Y es que para muchos el retorno de este mural es el auténtico símbolo y momento del culmen de nuestro paso a un régimen democrático.
Por supuesto no hay que olvidar que este es un cuadro cargado de política. Fue encargo de la II República para Picasso para mostrar al mundo lo sucedido en la localidad del norte de España, momento que por supuesto el documental aprovecha para rescatar de la memoria. Una obra que muchos no saben que giró por el mundo recaudando dinero para los afectados por la guerra y cuyo significado se magnificó por su carácter de obra exiliada.
Logar presenta, a través de entrevistas a personajes clave que vivieron el momento y fotografías de archivo, el largo exilio de la obra y su llegada como símbolo de la reconciliación nacional y la memoria histórica. La cinta destaca también la operación política y testamental que permitió el regreso de este ícono del sufrimiento y la resistencia ante los horrores de la guerra.
Con una narrativa precisa y un tono evocador, ‘Guernica: el último exiliado’ es un recordatorio de la persistencia de la memoria histórica y del rol del arte como testigo de conflictos y esperanzas. La dirección de Logar, apoyada por una producción visual detallada y música de Pelayo Rey, mantiene al espectador inmerso en la remembranza y la importancia histórica de esta restitución. La obra es ideal para aquellos interesados en la historia de la Guerra Civil española, la posguerra y la influencia de Picasso como autor clave en nuestra historia.
Ficha de la película
Estreno en España: 2024. Título original: Guernica: el último exiliado. Duración: 19 min. País: España. Dirección: Guillermo Logar. Guion: Guillermo Logar. Música: Pelayo Rey. Fotografía: Irena García-Martínez. Reparto principal: Manuel Borja-Villel, Genoveva Tusell, Ángeles García, Marisa Flórez, Álvaro Martínez Novillo, Severiano Hernández y Jorge García Gómez–Tejedor. Producción: R. Mutt Society, Subdirección General de Archivos Estatales, Programa Europa Creativa de la Unión Europea. Distribución: RTVE, Filmin. Género: documental. Web oficial:https://www.guillermologar.com/guernica-el-ultimo-exiliado
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