Etiqueta: Denis Ménochet

Crítica: ‘Beau tiene miedo’

En qué plataforma ver Beau tiene miedo

Sinopsis

Clic para mostrar

Beau (Joaquin Phoenix) es un hombre que tendrá que enfrentarse a sus miedos y paranoias al aventurarse en una épica odisea para llegar a casa de su controladora madre.

Crítica

Un galimatías hebreo que te desmotiva con un sinfín de enigmas

Ari Aster primero usó un culto brujeril y demoniaco con cierta base real para dejarnos pasmados con ‘Hereditary’ y luego lanzó ‘Midsommar’, una película que se cimentaba en el folklore sueco y que para mí era una propuesta más vaga. Ahora se separa un poco del folk horror para desarrollar un supuesto drama con comedia aderezado con un ligerísimo toque de terror. Suena a mezcla imposible, ¿verdad? Pues Aster lo ha hecho pero su coherencia va a estar eternamente puesta en duda.

Todo parte de un corto de 2011 llamado ‘Beau’ obra del mismo Ari Aster. La premisa era la misma pero A24 ha dado rienda suelta a este artista que se ha desinhibido en todos los sentidos con este filme que parece más una obra de arte y ensayo. Aster introduce sus habituales paneos, sus bruscos cortes, sus lentos zooms, pero en escasas ocasiones y cuesta encontrara de nuevo al genio en ciernes entre tanta extravagancia gratuita. Beau es un hombre deprimido y reprimido, pero sobre todo parece que hipocondriaco. Yo también sería así si viviese en un barrio caótico y peligroso como el que vemos en el arranque del filme. Es como si se concentrasen todos los locos que puede haber en Manhattan en una sola calle y metiésemos dentro de nuestro edificio una araña asesina. El arranque de ‘Beau tiene miedo’ nos deja como si acabásemos de salir del Bar de Mou en su etapa “postmouderna”, es decir, solo tiene cosas raras porque sí. El viaje que emprende para ver a su madre parece más propio de los universos de ‘Freaks’ o de ‘Carnivale’.

Se puede disfrutar ‘Beau tiene miedo’ a través de la inconmensurable interpretación de Joaquin Phoenix. Pero solo se puede entender si se le busca el correcto significado metafórico. Ari Aster ha formado una película inteligente, pero no por suponer un reto críptico para el espectador, sino porque es consciente de que este galimatías va a ser objeto de análisis y animadversión por igual. Pasa de ser un genio tras la cámara a esgrimir un truco de marketing arriesgado. Cuando por fin, al final, parece que te lo está explicando todo llega y pasa una cosa que dices “¡qué cojones!”, literalmente. Casi a las dos horas llegamos a la parte más artística con imágenes que parecen sacadas de un cuadro impresionista y que dan la impresión de que van arrojar luz acompañadas de una voz en off, pero no. Aunque a mí ese fragmento es el que me ha dado para una teoría. La pista ya nos la dio el propio director cuando definió el filme como “una especie de ‘El Señor de los Anillos’ judío”. Quizá hay que ser mucho más experto en el judaísmo para entender todos los subtextos del filme. A mí me faltan pistas. Lo único que me parece plausible es que esta sea una personificación de todo lo que ha vivido el pueblo judío a lo largo de su historia y del enfrentamiento de las corrientes actuales frente a las más arraigadas. El éxodo, el holocausto, la búsqueda de una tierra prometida, la persecución… Por ejemplo: a Beau le retienen, le convencen de no dejar su cautiverio, doblegan su voluntad y le ponen un pijama con su número, digo… con su nombre. Y su apellido es Wassermann como el de Jakob Wassermann, un escritor judío que escribió novelas sobre su pueblo en la Alemania nazi y la España de los serfardíes. Si estoy en lo correcto creo que me sería más fácil aprender a leer en hebreo que desencriptar todas las pistas ocultas del filme.

Si esto es así podríamos estar hablando de una estrategia tipo ‘Madre!’ de Aronofsky, solo que esa cinta estaba mucho mejor medida y explicada. Por otro lado todo podría tratar sobre una madre manipuladora y lo que vemos es el reflejo de lo que pasa por las mentes tanto del protagonista como de su madre. ‘Beau tiene miedo’ es una película que es tan excesivamente críptica y larga que llega un momento que pasas de lo sobrado que va el director y ya te es totalmente indiferente encontrarle explicación, solo quieres que acabe. Mezcla K-pop, asesinos desnudos, miembros viriles gigantes… Beau tendrá miedo, pero su director tiene una insultante indiferencia a que su película se entienda. Y me duele tener que quedarme con este chasco o estas impresiones cuando considero que ‘Hereditary’ es una de las mejores películas de género de lo que va de siglo. ‘Disappointment Blvd’ se iba a titular originalmente, para decepcionado yo.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2023. Título original: Beau is Afraid. Duración: 179 min. País: Canadá. Dirección: Ari Aster. Guion: Ari Aster. Música: The Haxan Cloak. Fotografía: Pawel Pogorzelski. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Amy Ryan, Denis Ménochet, Parker Posey, Richard Kind, Nathan Lane. Producción: A24, Access Entertainment, IPR.VC, Square Peg. Distribución: Diamond Films. Género: drama, comedia. Web oficial: https://a24films.com/films/beau-is-afraid

Tráiler de ‘Beau is Afraid’

Ari Aster vuelve a las salas con una comedia de terror surrealista

Protagonizada por Joaquin Phoenix, llega en abril a las salas estadounidenses la nueva película de Ari Aster, ‘Beau is Afraid’. Una cinta a la que han descrito como comedia surrealista de terror.

A24 es la encargada de producir esta película, una más a su lista de éxitos y es que ‘Beau is Afraid’ ya tiene pinta de que va a dar mucho que hablar. Por lo que vemos tanto en los carteles como en el tráiler, conoceremos a Beau en varias épocas de su vida. Viviremos aventuras junto a él y le acompañaremos también en sus peores pesadillas.

En el reparto encontramos además de Joaquin Phoenix (‘Joker‘) a Nathan Lane (‘Solo asesinatos en el edificio’), Patti Lupone (‘American Horror story’), Kylie Rogers (‘Into the dark’), Parker Posey (‘The staircase’), Michael Gandolfini  (‘Santos criminales’), Denis Ménochet (‘As Bestas‘), Zoe Lister Jones (‘La vida en piezas’) o Stephen McKinley Henderson (‘Dune‘) entre otros.

No sabemos cuando llegará aquí en España, pero como hemos dicho, en Estados Unidos la tendrán en abril. Sin más, os dejamos el tráiler y el cartel de la nueva película del director de ‘Hereditary‘ y ‘Midsommar‘.

 

Palmarés de los Premios Forqué 2023

Triunfan ‘As bestas’, ‘Cinco lobitos’ y ‘Apagón’

Anoche se celebró la 28 edición de los Premios José María Forqué que destacan lo mejor del panorama nacional, tanto en cine como en televisión. La gala tuvo mucho sabor a Galicia pues tanto ‘As bestas’ como ‘Rapa’ se llevaron premios. Y no fueron las únicas historias ambientadas en el norte de nuestro país en llevarse premio pues ‘Cinco lobitos’, al igual que la película de Sorogoyen, también recibió dos premios.

Entre ‘Cinco lobitos’ y ‘As bestas’ se repartieron los Premios Forqué 2023 a las mejores interpretaciones cinematográficas, que recayeron en Laia Costa y en Denis Ménochet. Por otro lado, las mejores actuaciones en televisión fueron las de Jesús Carroza en ‘Apagón’ y la de Mónica López en ‘Rapa’.

MEJOR LARGOMETRAJE DE FICCIÓN Y ANIMACIÓN

‘As bestas’ (2022; Rodrigo Sorogoyen; Arcadia Motion Pictures, Caballo Films, Cronos Entertainment A.I.E., Le pacte, RTVE, Movistar+)

MEJOR SERIE DE FICCIÓN

‘Apagón’ (2022, Fran Araújo; Movistar+, Buendía Studios)

MEJOR INTERPETACIÓN FEMENINA

Laia Costa por ‘Cinco lobitos’

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA

Denis Ménochet por ‘As bestas’

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA EN SERIE

Jesús Carroza por ‘Apagón’

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA EN SERIE

Mónica López por ‘Rapa’

MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL

‘Labordeta, un hombre sin más’ (2022, Paula Labordeta, Gaizka Urresti; Urresti PC S.L., Un hombre sin más A.I.E., Aragón TV)

PREMIO AL CINE EN EDUCACIÓN Y VALORES

‘Cinco lobitos’ (2022, Alauda Ruiz de Azúa; Sayaka Producciones S.L., Encanta Films S.L.U., Buena Pinta Media S.L.U., RTVE, ETB, Orange TV)

MEJOR LARGOMETRAJE LATINOAMERICANO

‘Argentina, 1985’ (2022, Santiago Mitre, La unión de los Ríos, Kenya Films, Amazon Studios, Infinity Hill, Prime Video)

MEJOR CORTOMETRAJE CINEMATOGRÁFICO

‘Cuerdas’ (2022, Estíbaliz Urresola; Sirimiri Films S.L., Gariza Produkzioak S.L., Katz Estudio S.L., EITB)

MEDALLA DE ORO

Jose Luis Bermúdez de Castro

Nominaciones Premios Goya 2023

El 11 de febrero conoceremos a los ganadores de los Premios Goya

Hoy hemos conocido la lista de nominados a los Goya de 2023. Poca sorpresa ha habido, pues ‘As bestas’, de Rodrigo Sorogoyen, lidera la carrera hacia los Goya con 17 nominaciones, seguida por ‘Modelo 77’ con 16 nominaciones al bolsillo y ‘Alcarràs’ y ‘Cinco lobitos’ con 11 nominaciones cada una.

Os dejamos sin más tardanza la lista de los nominados a los Goya 2023.

Mejor Película

Mejor Dirección

  • Carla Simón, por ‘Alcarràs’
  • Rodrigo Sorogoyen por ‘As Bestas’
  • Pilar Palomero, por ‘La Maternal’
  • Carlos Vermut, por ‘Mantícora’
  • Alberto Rodríguez, por ‘Modelo 77’

Mejor Dirección Novel

  • Carlota Pereda, por ‘Cerdita’
  • Aluada Ruiz de Azúa, por ‘Cinco lobitos’
  • Elena López Riera, por ‘El agua’
  • Juan Diego Botto, por ‘En los márgenes’
  • Mikel Gurrea, por ‘Suro’

Mejor Actor Protagonista

  • Denis Ménochet, por ‘As Bestas’
  • Luis Tosar, por ‘En los márgenes’
  • Nacho Sánchez, por ‘Mantícora’
  • Javier Gutiérrez, por ‘Modelo 77’
  • Miguel Herrán, por ‘Modelo 77’

Mejor Actriz Protagonista

  • Marina Foïs, por ‘As Bestas’
  • Laia Costa, por ‘Cinco lobitos’
  • Anna Castillo, por ‘Girasoles silvestres’
  • Bárbara Lennie por ‘Los renglones torcidos de Dios’
  • Vicky Luengo por ‘Suro’

Mejor Actor de Reparto

  • Luis Zahera, por ‘As Bestas’
  • Ramón Barea, por ‘Cinco lobitos’
  • Diego Anido, por ‘As Bestas’
  • Fernando Tejero, por ‘Modelo 77’
  • Jesús Carroza, por ‘Modelo 77’

Mejor Actriz de Reparto

  • Marie Colomb, por ‘As Bestas’
  • Carmen Machi, por ‘Cerdita’
  • Susi Sánchez, por ‘Cinco lobitos’
  • Penélope Cruz, por ‘En los márgenes’
  • Ángela Cervantes, por ‘La maternal’

Mejor Actriz Revelación

  • Anna Otín, por ‘Alcarràs’
  • Laura Galán, por ‘Cerdita’
  • Luna Pamies, por ‘El agua’
  • Valèria Sorolla, por ‘La consagración de la primavera’
  • Zoe Stein, por ‘Mantícora’

Mejor Actor Revelación

  • Albert Bosch, por ‘Alcarràs’
  • Jordi Pujol, por ‘Alcarràs’
  • Mikel Bustamante, por ‘Cinco Lobitos’
  • Christian Checa, por ‘En los márgenes’
  • Telmo Irureta, por ‘La consagración de la primavera’

Mejor Guion Original

  • Arnau Vilaró y Carla Simón, por ‘Alcarràs’
  • Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen, por ‘As bestas’
  • Alauda Ruiz de Azúa, por ‘Cinco lobitos’
  • Carlos Vermut, por ‘Mantícora’
  • Alberto Rodríguez y Rafael Cobos, por ‘Modelo 77’

Mejor Guion Adaptado

  • Carlota Pereda, por ‘Cerdita’
  • Paul Urkijo Alijo, por ‘Irati‘
  • Guillem Clua y Oriol Paulo, por ‘Los renglones torcidos de Dios‘
  • David Muñoz y Félix Viscarret, por ‘No miras a los ojos’
  • Fran Araújo, Isa Campo e Isaki Lacuesta, por ‘Un año, una noche’

Mejor Dirección de Producción

  • Elisa Sirvent, por ‘Alcarràs’
  • Carmen Sánchez de la Vega, por ‘As Bestas’
  • Sara García, por ‘Cerdita’
  • María José Díez, por ‘Cinco lobitos’
  • Manuela Ocón, por ‘Modelo 77’

 Mejor Montaje

  • Ana Pfaff, por ‘Alcarràs’
  • Alberto del Campo, por ‘As Bestas’
  • Andrés Gil, por ‘Cinco lobitos’
  • José G. Moyano, por ‘Modelo 77’
  • Fernando Franco y Sergi Díes por ‘Un año, una noche’

Mejor Diseño de Vestuario

  • Paola Torres, por ‘As Bestas’
  • Nerea Torrijos, por ‘Irati’
  • Suevia Sampelayo, por ‘La piedad‘
  • Alberto Valcárcel, por ‘Los renglones torcidos de dios’
  • Fernando García, por ‘Modelo 77’
  • Cristina Rodríguez, por ‘Malnazidos’

Mejor Maquillaje y Peluquería

  • Irene Pedrosa y Jesús Gil, por ‘As bestas’
  • Paloma Lozano y Nacho Díaz, por ‘Cerdita’
  • Sarai Rodríguez, Raquel González y Óscar de Monte, por ‘La piedad’
  • Montse Sanfeliu, Carolina Atxukarro y Pablo Perona, por ‘Los renglones torcidos de dios’
  • Yolanda Piña y Félix Terrero, por ‘Modelo 77’

Mejor Dirección de Arte

  • Mónica Bernuy, por ‘Alcarràs’
  • José Tirado, por ‘As bestas’
  • Melanie Antón, por ‘La piedad’
  • Sylvia Steinbrecht, por ‘Los renglones torcidos de dios’
  • Pepe Domínguez del Olmo, por ‘Modelo 77’

Mejor Dirección de Fotografía

  • ‘Alcarràs’
  • ‘As bestas’
  • ‘Cinco lobitos’
  • ‘Competencia oficial’
  • ‘Modelo 77’

Mejor Sonido

  • Eva Valiño, Thomas Giorgi, Alejandro Castillo, por ‘Alcarràs’
  • Aitor Berenguer, Fabiola Ordoyo y Yasmina Praderas, por ‘As bestas’
  • Asier González, Eva de la Fuente y Roberto Fernández, por ‘Cinco lobitos’
  • Daniel de Zayas, Miguel Huete, Pelayo Gutiérrez y Valeria Arcieri, ‘Modelo 77’
  • Amanda Villavieja, Eva Valiño, Marc Orts, Alejandro Castillo, por ‘Un año, una noche’

Mejores Efectos Especiales

  • Mariano García y Jordi Costa, por ’13 exorcismos’
  • Oscar Abades y Ana Rubio, por ‘As Bestas’
  • Jon Serrano y David Heras, por ‘Irati’
  • Lluis Rivera y Laura Pedro, por ‘Malnazidos’
  • Esther Ballesteros y Ana Rubio, por ‘Modelo 77’

Mejor Música Original

  • ‘As bestas’
  • ‘Irati’
  • ‘Las niñas de cristal’
  • ‘Los renglones torcidos de dios’
  • ‘Modelo 77’

Mejor Canción Original

  • ‘En los márgenes’, de Eduardo Cruz y María Rozalén
  • ‘Izena Duena Bada’, de Azanzazu Calleja, Maite Arroitajáuregui y Paul Urkijo
  • ‘Un paraíso en el sur’, de Paloma Peñarrubia y Vanesa Benítez
  • ‘Sintiéndolo Mucho’, de Joaquín Sabina y Leiva
  • ‘Batalla’, de Joseba Berstain

Mejor Película de Animación

  • ‘Black Is Beltza II: Ainhoa’
  • ‘Inspector Sun y La Maldición De La Viuda Negra’
  • ‘Los demonios de barro’
  • ‘Tadeo Jones 3: La Tabla Esmeralda’
  • ‘Unicorn Wars’

Mejor Película Documental

  • ‘A las mujeres de España. María Lejárraga’
  • ‘El techo amarillo’
  • ‘Labordeta, un hombre sin más’
  • ‘Oswald. El Falsificador’
  • ‘Sintiéndolo mucho’

Mejor Película Europea

  • ‘Belfast’ (Reino Unido)
  • ‘Fue la mano de Dios’ (Italia)
  • ‘La peor persona del mundo’ (Noruega)
  • ‘Las ilusiones perdidas’ (Francia)
  • ‘Un pequeño mundo’ (Bélgica)

Mejor Película Iberoamericana

  • ‘1976’ (Chile)
  • ‘Argentina, 1985’ (Argentina)
  • ‘La jauría’ (Colombia)
  • ‘Noche de fuego’ (México)
  • ‘Utama’ (Bolivia)

Mejor Cortometraje de Ficción

  • ‘Arquitectura emocional 1959’
  • ‘Chaval’
  • ‘Cuerdas’
  • ‘La entrega’
  • ‘Sorda’

Mejor Cortometraje Documental

  • ‘La Gábia’
  • ‘Dancing with Rosa’
  • ‘Maldita. A love song to Sarajevo’
  • ‘Memoria’
  • ‘Trazos del alma’

Mejor Cortometraje de Animación

  • ‘Amanece la noche más larga’
  • ‘Amarradas’
  • ‘La prima cosa’
  • ‘La primavera siempre vuelve’
  • ‘Loop’

Goya de Honor

Carlos Saura

Crítica: ‘As bestas’

Sinopsis

Clic para mostrar

Antoine y Olga son una pareja francesa que se instaló hace tiempo en una aldea del interior de Galicia. Allí llevan una vida tranquila, aunque su convivencia con los lugareños no es tan idílica como desearían. Un conflicto con sus vecinos, los hermanos Anta, hará que la tensión crezca en la aldea hasta alcanzar un punto de no retorno.

Crítica

El duelo Zahera Ménochet es una final de Champions

Pudimos ver ‘As bestas’ en el Festival de Sitges y nos unimos a la larga ovación. Desde entonces tengo claro que esta es la película que tendríamos que haber llevado para representar a España en los Oscar. Bien es cierto que Sitges es un festival de terror y esta no es una película fantástica, pero tiene tensión, suspense, como dijo Sorogoyen en su presentación, “simplemente tiene algo de terror cotidiano”. No le falta razón. ¿Y qué hay más terrorífico que vivir amedrentado por tus vecinos, por unas mentes embrutecidas y sordas ante cualquier alegato razonable y gesto civilizado? Esta es la recreación de un caso real, en el que al igual que en las historias de acoso escolar o violencia de género, hay una tensión enorme, que se hace violentamente incómoda para el espectador.

La única falla de este filme es que Sorogoyen ha querido estirarlo demasiado, perdiendo la perspectiva y sumergiéndonos en un anticlímax, en un epílogo de demasiadas decenas de minutos. Pero hay algo mejor que el rodaje, el montaje o el guión de esta demasiado extendida película. El duelo Zahera Ménochet es una final de champions. Ambos actores están en mi lista de infalibles y seguirán en ella, además subiendo puestos. Parece que los roles de carácter vil o amedrentador suelen acaparar la atención, pero ambos reflejan una veracidad al más alto nivel. Las siempre presentes discusiones hogareñas de Sorogoyen aparecen en el último acto y manchan un poco las sensaciones que despierta ‘As bestas’, pero no hacen que me olvide de todo lo que ha cosechado esta huerta ecológica enmarcada en la comarca del Bierzo.

La película narra el episodio criminal de una pareja francesa (holandesa en el caso real) que se instala en el norte de España para intentar revitalizarlo. El protagonismo recae en un espléndido Ménochet y sus encontronazos con un terrorífico Zahera. Pero esa última parte responde al protagonismo que demanda el personaje de Marina Foïs. Tanto ella como Denis Ménochet aprendieron español para poder hacer sus papeles y hace de ello un mérito mayor. La faceta que nos ofrece ella es la del miedo desde la barrera, la de alguien que teme por ella pero también por su marido. Nos dirige a la solución de un final que está cambiado con respecto al real, pero que se hace necesario, sobre todo para remarcar otro tema del filme, el silencio y la inacción cómplice.

Segunda vez que el nombre de Movistar Plus+ se relaciona con la rapa das bestas (lo hizo en ‘Rapa’) ya que el filme cuenta con su participación. De nuevo tenemos una Galicia manchada de sangre en la que seguimos a personajes cotidianos. Pero en este caso en situaciones límite, extraordinarias. Odio las películas naturalistas y que se regodean en la monotonía más propia de un VHS con recuerdos grabados. Por eso este filme tiene para mí más valor y mérito que ‘Cinco lobitos’ o ‘Alcarrás’.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de noviembre de 2022. Título original: As bestas. Duración: 137 min. País: Españas. Dirección: Rodrigo Sorogoyen. Guion: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen. Música: Olivier Arson. Fotografía: Álex de Pablo. Reparto principal: Marina Foïs, Denis Menochet, Luis Zahera, Diego Anido, Marie Colomb. Producción: Arcadia Motion Pictures, Caballo Films, Cronos Entertainment, La Pacte, RTVE, Movistar Plus+, Canal+. Distribución: A Contracorriente Films. Género: suspense, drama. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/the-beasts

Conoce a Denis Ménochet con estas 7 películas

Descubre a uno de los protagonistas de ‘As bestas’

Una de las películas que más va a dar que hablar en este último trimestre de 2022 es ‘As bestas’ (estreno el 11 de noviembre). La película de Rodrigo Sorogoyen estuvo a punto de ser seleccionada para representar a España en los próximos Oscars y ello es debido en gran medida a las interpretaciones del filme. Tres son los protagonistas, Luis Zahera, Marina Foïs y Denis Ménochet. Este último es un actor francés capaz de transmitir muchísimo con un silencio o con una sencilla mirada, de los que imponen por su presencia pero que también pueden parecer de lo más vulnerable.

Ya no es solo por la película del director español o por estrenos próximos que va a protagonizar a las órdenes de Ari Aster o François Ozon. Vais a querer saber quién es este actor, aunque estamos segurísimos de que ya le habéis visto en más de una película pues ha salido en producciones archiconocidas como ‘Assassin’s Creed’, ‘Hannibal, el origen del mal’, ‘7 días en Entebe’, ‘The Mauritanian’ e incluso en la versión francesa de ‘Camera Café’, pero no es en esas obras en las que precisamente brille más.

‘Malditos bastardos’ (2009)

Una de las mejores escenas de la película es la que abre esta obra de Tarantino. Una música más propia de un western daba paso al Para Elisa de Beethoven acompañada del sonido de un hacha cortando leña. ¿Recordáis ese duelo tenso y contenido entre El Cazador de Judíos (Christoph Waltz) y el aldeano? El dueño de la casa que ocultaba bajo su suelo a una familia judía era Denis Ménochet. En un ejercicio de estoicismo impresionante que nos dejó boquiabiertos y puso inmediatamente cinco estrellas a esta película.

‘Solo las bestias’ (2019)

Una película con mucho misterio y narrada a lo ‘Babel’, con varios personajes repartidos por el mundo. En esta ocasión la baza de Denis Ménochet es la de la ingenuidad y le desconocimiento, la de ejemplificar a un pardillo de provincias, un iluso que termina siendo… bueno, es mejor que no descubramos el pastel y os invitemos a vivir las sorpresas de este filme pues tiene varios giros inesperados. En resumen nos viene a decir que somos animales que nos devoramos aún viviendo en la Aldea Global.

‘Custodia compartida’ (2017)

Si en ‘Malditos bastardos’ Ménochet tiraba de flema aquí es todo lo contrario, puro carácter, fuerza explosiva, rabia y cólera. Esto lo sufre el personaje que hace de su hijo. La película de Xavier Legrand está acertadísimamente rodada desde el punto de vista de la infancia y consigue pasar de ser un drama de pareja a una película de terror cotidiano. Una experiencia que acongoja al espectador y hace reflexionar.

‘Gracias a Dios’ (2018)

Dura, durísima es esta película. Aunque secundario, Ménochet desata en este filme un efecto mariposa que traspasa la realidad. Una película sobre los abusos dentro de la Iglesia a la cual consigue rebajar un poco el tono el humor y ternura del actor que nos atañe. El Festival Internacional de Cine de Las Palmas le reconoció como mejor actor por esta interpretación y resultó nominado a mejor actor de reparto en los César.

‘Fuerzas especiales’ (2011)

No todo son dramas con Ménochet. También tiene algún que otro título con tiros, explosiones y helicópteros. Con unos kilos de menos se sumergió en este filme bélico de Stéphane Rybojad en el que debe rescatar a un periodista apresado por los talibanes. Una película de acción que como otras muchas tiene algo de western y en la que aporta la fuerza bruta. Como curiosidad, al igual que en ‘Malditos bastardos’ aquí también salía Diane Kruger, de hecho es la protagonista.

‘En la casa’ (2012)

Antes de ‘Gracias a Dios’ ya trabajó en esta película bajo las órdenes de François Ozon, en la que fue una de las películas más aplaudidas del director. Basada en la obra de Juan Mayorga esta es una película cargada de suspense. En ella Ménochet interpreta a un padre la mar de enrollado, totalmente opuesto a lo visto en ‘Custodia compartida’ y eso que está en una situación la mar de peliaguda. No le falta aquí ni comedia ni drama.

‘As bestas’ (2022)

Podría decirse que al igual que ‘Solo las bestias’ la película de Sorogoyen también nos indica que estamos ante la supremacía del más fuerte. La tozudez y tosquedad de la gente cerrada de pueblo se enfrenta a la incansable y civilizada personalidad del personaje de Ménochet. Él y el resto de protagonistas ya se han llevado varios premios por este filme, no es de extrañar. Es una clase magistral de raccord emocional.

Crítica: ‘The mauritanian’

Sinopsis

Clic para mostrar

Mohamedou Ould Slahi (Tahar Rahim) sobrevive en la prisión de Guantánamo después de haber sido detenido y encarcelado sin cargos por el gobierno de Estados Unidos durante una década y sin que se haya celebrado ningún juicio. Habiendo perdido toda esperanza, Slahi encuentra aliados en la abogada defensora Nancy Hollander (Jodie Foster) y su asociada Teri Duncan (Shailene Woodley). Juntos se enfrentan a innumerables obstáculos en una búsqueda desesperada de justicia.

Crítica

Demoledora. Os damos 11 razones para ver esta película sobre el 11S

Puntualicemos antes de que os espante y penséis que esta es una película efectista que recrea el fatídico atentado. ‘The mauritanian’ es una película sobre el 11S, pero sobre todo se inspira en eventos posteriores al atentado contra las Torres Gemelas de Nueva York. Estamos en un punto lo suficientemente distanciado en el tiempo como para herir sensibilidades, pero con estos temas hay que andar siempre con pies de plomo. Es por eso que ‘The mauritanian’ es un filme valiente.

Sin embargo lo que queda claro nada más empezar es que ‘The mauritanian’ gira vertiginosamente en torno a la vulneración de los derechos humanos y la inviolabilidad del estado de derecho. Principalmente es un largometraje osado, en el que el director Kevin Macdonald se atreve de nuevo a mostrar un punto de vista diametralmente opuesto al que maneja la opinión popular, a tocar un tema capaz de levantar ampollas en la sociedad estadounidense.

Es una película centrada en cuestionar el juicio nublado de un país enrabietado, con el orgullo herido, en el que las ansias de afianzar el poder y la supremacía pudieron hacer que se obviase algo tan elemental como es el beneficio de la duda y la presunción de inocencia. Lo narrado aquí con altos niveles de tensión, la historia de Mohamedou Ould Slahi, fue una de las consecuencias del 11S y por eso queremos daros 11 razones para verla.

  1. La gran interpretación de Tahar Rahim. El actor se pone de nuevo bajo la batuta de Kevin Mcdonald y es todo un acierto. Su trabajo gestual es brillante y es el hilo conductor de un duro drama.
  2. Su soberbia escena final en la que Rahim nos deja destrozados. Además con una música de fondo que me recuerda al tema ‘Blake and Schofield’ de ‘1917’, quizá para mostrar también que los protagonistas están ante una gesta imposible.
  3. Está basada en hechos reales. Surgida de los diarios que el propio Slahi publicó en 2015 y si echamos mano al libro probablemente descubramos que con las barbaridades que se dicen de Guantánamo podría haber sido aún más dura.
  4. Es un bofetón a un reciente pasado y a todo un país que se adjetiva civilizado. Una invitación a ambos bandos a no repetir errores.
  5. Aún con toda su dureza exhibe un humor sarcástico que alivia el tono del filme y va acorde a la personalidad real del protagonista.
  6. El resto del elenco protagónico es un gustazo. Jodie Foster, Benedict Cumberbatch y la joven Shailene Woodley están ensombrecidos por el papel de Rahim pero su participación además de vital es cercana a lo visceral.
  7. El lujo de secundarios o de reparto que ostenta el filme. Que encontremos a Denis Ménochet y a Zachary Levi salpicando el metraje es una sorpresa brindada en pequeñas cápsulas.
  8. Ya le ha valido el Globo de Oro a Jodie Foster y apunta a acaparar más estatuillas.
  9. La atrevida trama política y jurídica que nos cautiva sin aburrirnos con uno de esos extensos juicios.
  10. Los momentos de conversaciones entre presos respiran remembranza a ‘El conde de Montecristo’, otro personaje que sufrió un injusto cautiverio.
  11. Si es tu primer encuentro con el director y documentalista Kevin Macdonald hará que te vayas a otras películas suyas como ‘El último rey de Escocia’, ‘Whitney’ o ‘La vida en un día’, ahí es nada.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de marzo de 2021. Título original: The mauritanian. Duración: 129 min. País: Reino Unido. Dirección: Kevin Macdonald. Guion: Rory Haines, Sohrab Noshirvani, M.B. Trave. Música: Tom Hodge. Fotografía: Alwin H. Kuchler. Reparto principal: Tahar Rahim, Jodie Foster, Shailene Woodley, Benedict Cumberbatch, Denis Ménochet, Zachary Levi, Corey Johnson, Langley Kirkwood, David Fynn. Producción: Wonder Street, 30WEST, BBC Films, Convergent Media, Great Point Media, Shadowplay Features, SunnyMarch, Topic Studios. Distribución: Vértigo Films. Género: thriller, drama, política, hechos reales. Web oficial: https://www.facebook.com/TheMauritanian/

Crítica: ‘Solo las bestias’

Sinopsis

Clic para mostrar

Después de la desaparición de una mujer durante una tormenta de nieve, cinco desconocidos de un pueblo remoto de las montañas se verán envueltos en un misterio que trasciende los continentes y que ninguno de ellos esperaba.

Crítica

Una historia intercontinental hecha a retales con muy buenas puntadas

‘Solo las bestias’ empieza con una escena corta en la que un joven (Guy Roger ‘Bibisse’ N’Drin) carga a sus espaldas un animal. Corte, títulos de créditos y pasamos a una Francia rural nevada en la que transcurre casi toda la acción de la película. Nos quedamos preguntándonos qué significa esa secuencia introductoria grabada en África.

Dominik Moll ha afirmado que ha adaptado la novela de Colin Niel sin cambiar su título ya que le atrapó la atmósfera. Pero yo digo que lo que me ha atrapado son sus misterios. No solo ese cambio de escenario que os he descrito, también el misterio por saber qué pasó con la chica que desaparece y que forma parte de la sinopsis del filme, así como la manera en cómo se van a resolver todos los cruces de caminos que tiene. Podríamos definir ‘Solo las bestias’ como cine negro de campiña.

La tónica de ‘Solo las bestias’ es meternos en un ambiente de desconcierto, misterio y hostilidad. Desde el mismísimo principio sentimos la misma confusión que los protagonistas pues hay escenas que no tenemos ni idea de por qué suceden. Los primeros compases en Francia nos hacen pasar el día con una de las protagonistas femeninas (Laure Calamy). Poco después la trama nos devuelve a momentos pasados para conectar con los trasuntos de otros personajes. Con esa mecánica vamos descubriendo muchas verdades acerca de lo que se ha estado viendo en ese corto espacio de tiempo. Entre todos van completando y explicando cómo se ha dado esta confluencia de historias, al más puro estilo ‘Babel’. Por supuesto está relacionado todo con la desaparición de la mujer. Y la manera en cómo nos cuentan lo sucedido es un aliciente que se suma al de los enigmas sembrados en los primeros instantes.

‘Solo la bestias’ nos viene a decir como tantas otras películas que solo sobrevive el más fuerte o que seguimos siendo animales que se mueven por instintos básicos. Es una película de escarceos y secretos pero también de pulsiones y de sentimientos no correspondidos. El mejor ejemplo de todo esto son los personajes de Denis Menochet y Nadia Tereszkiewicz. A Menochet le pega el papel de granjero iluso, no solo por aspecto sino porque es un actor que sabe elaborar una flema muy característica que además va cargada de sentimiento. En el caso de la sensual Tereszkiewicz lo que mejor define su trabajo, lo que materializa, es la desesperanza y entrega.

Aunque no lleguemos a tener un desenlace específico para todos y cada uno los protagonistas, ‘Solo las bestias’ se caracteriza por cómo trata cruelmente a todos y cada uno de ellos. Y es que con la película avanzada retomamos al chico de África y la cosa se pone entonces más retorcida. Esta es una historia en la que la globalización se vuelve en contra de los ciudadanos cuyos países consienten esa diferencia entre mundos. Hay un poco de karma en todo esto.

El montaje de ‘Solo las bestias’ es excelente. Tiene una manera muy particular de narrar y eso encandila siempre. Me gusta además que las películas queden sin flecos, en esta película lo dejan todo cerrado pero eso no quiere decir que no dejen algunas cosas a lazar. Quizá es la mayor pega que le pongo al filme de Moll. Hay un evento que deja demasiado a lo casual, casi como si determinado encuentro sucediese por intercepción de la magia.

De Francia a Costa de Marfil, donde falleció Thierry Kafando el técnico al que está dedicado el filme. ‘Solo las bestias’ es una historia intercontinental hecha a retales que tiene muy buenas puntadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de marzo de 2021. Título original: Seules les bêtes. Duración: 117 min. País: Francia. Dirección: Dominik Moll. Guion: Gilles Marchand, Dominik Moll. Música: Benedikt Schiefer. Fotografía: Patrick Ghiringhelli. Reparto principal: Denis Menochet, Valeria Bruni Tedeschi, Laure Calamy, Nadia Tereszkiewicz, Damien Bonnard, Bastien Bouillon, Guy Roger ‘Bibisse’ N’Drin. Producción: Haut et Court, Razor Film Produktion GmbH, France 3 Cinéma. Distribución: Festival Films. Género: thriller. Web oficial: https://www.hautetcourt.com/en/films/only-the-animals/

El 12 de marzo se estrena ‘Solo las bestias’

Un thriller de Dominik Moll

El próximo 31 de julio 2 de octubre 12 de marzo Festival Films estrenará en cines ‘Solo las bestias’, el nuevo thriller del director Dominik Moll (‘El monje’). La cinta, basada en la novela homónima del escritor francés Colin Niel, se ha presentado en el pasado Festival Internacional de Cine de Venecia en la sección «Venice Days» y se ha alzado con dos galardones en el Festival Internacional de Cine de Tokyo (Premio del Público y Mejor Actriz).

‘Solo las bestias’ es un thriller que habla de la tierra, el silencio de los hombres, la frustración, el dolor y los placeres efímeros. La historia se desarrolla alrededor de la desaparición de una mujer, Évelyne Ducat, cuyo misterio irrumpirá en las vidas de otros cinco personajes, que directa o indirectamente tuvieron relación con ella, entre ellos un personaje interpretado por Denis Ménochet. Dominik Moll crea así una película coral, fascinante y llena de misterio. Cabe destacar las magníficas interpretaciones de Damien Bonnard (‘Dunkerque’), Valeria Bruni Tedeschi (‘El capital humano’) y Nadia Tereszkiewicz (‘Sauvages’).

Crítica: ‘El emperador de París’

Sinopsis

Clic para mostrar

Bajo el reinado de Napoleón, François Vidocq, el único hombre que ha podido escapar de dos prisiones de alta seguridad, es una leyenda de los bajos fondos parisinos. Dado por muerto después de su última espectacular huida, el ex-prisionero pasa desapercibido bajo la apariencia de un comerciante. Tras ser acusado de un crimen que no ha cometido, hace un pacto con la policía: atrapará a todos los ladrones y asesinos de París a cambio de su inocencia.

Crítica

La humanización de un mito francés pasándole por la mugre y la sangre parisina

«Soy hijo del terror François, mi lugar es la guillotina». Esa es una de las frases que le dicen a François Vidocq durante ‘El emperador de París’ y que nos coloca perfectamente en el marco en el que se ambienta la película. Es época revolucionaria y republicana. Europa teme el cambio, teme el fin de las monarquías, teme el progreso. Pero París y su clase alta en concreto lo que teme es la delincuencia, teme perder su posición de poder. En esa situación grajea su fama un hombre de lógica y eficiencia como Vidocq. El criminólogo a quien interpreta en esta ocasión Vincent Cassel atrapa criminales pero su fama crece muy a su pesar ya que lo que él busca es la libertad, no la notoriedad.

De nuevo la vida del investigador privado que se convirtió en el primer director de la seguridad nacional francesa inspira una película. Y lo cierto es que su vida era bastante inspiradora, tenga o no partes de ficción, sabiendo que parte de lo que conocemos de ella la transmitió alguien anónimo. Atrapó maleantes para poder dejar de huir y conseguir su indulto y de eso trata este nuevo filme. Nos pintan a Vidocq como un hombre con un pasado reprochable pero que no trata de ocultarlo, inmerso en una sociedad de maleantes y honores. La película de Jean-François Richet sabe mucho a míticas historias de época y venganza, tipo ‘El Conde de Montecristo’, ‘Los miserables’ u ‘Oliver Twist’, pero con un argumento menos elaborado y con más escenas de peleas.

‘El emperador de París’ ha sido dirigida y escrita (junto a Eric Besnard) por de Jean-François Richet. Él fue el director de ‘Blood father’, la película de acción y drama con Mel Gibson, por lo que no es de extrañar su nivel violencia en algunas partes, aunque está bastante contenida. Al igual que en aquel título del 2016 tenemos una visión corrupta y violenta de la sociedad de la época. Sociedad que está bien representada en todos sus escalafones con la prostituta dulce pero pillamente interpretada por Freya Mavor, el inamovible policía de Denis Ménochet, el soldado de honor de James Thierrée, la baronesa maquinadora de Olga Kurylenko, el prófugo agitador que representa August Diehl, los gerifaltes de palacio como Patrick Chesnais… Todos ellos se mantienen en su lugar sin extralimitarse en su rol de secundarios, manteniendo la esencia de unos personajes que complementan al protagonista, sin los que este no se podría comprender.

Este filme nos devuelve correctamente a la Francia del siglo XIX en parte porque tiene muy buen diseño de producción. Posee una gran ambientación inmortalizada por una eficaz fotografía obra de Manuel Dacosse (‘Gracias a Dios’). Todo el conjunto de arte visual, vestuario y roña de las calles incluidas sirve para que nos creamos a este Sherlock Holmes francés que existió antes que el propio Holmes.

Esta me parece una película más solvente que ‘Blood father’ en la filmografía de Jean-François Richet y eso que a priori ese título fue más mediático por su estrella protagonista. Me ha gustado la humanización y el acercamiento que se hace de un mito francés que quizá no es tan conocido como pensamos.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de julio de 2019. Título original: L’empereur de Paris. Duración: 122 min. País: Francia. Dirección: Jean-François Richet. Guion: Eric Besnard, Jean-François Richet. Música: Marco Beltrami, Marcus Trumpp. Fotografía: Manuel Dacosse. Reparto principal: Vincent Cassel, Olga Kurylenko, August Diehl, Freya Mayor, Denis Ménochet. Producción: Mandarin Films, Gaumont, France 2 Cinéma, France 3 Cinéma, BNP Paribas Pictures, Scope Pictures, CN6 Productions, Actes Proletariens, 120 Films, Canal+, Ciné+, France Télévisions, Région Ile-de-France, Centre National de la Cinématographie, Eutorage Pictures. Distribución: SelectaVisión. Género: aventuras, policíacao. Web oficial: https://www.gaumont.fr/fr/film/L-empereur-de-Paris.html

Crítica: ‘Gracias a Dios’

Sinopsis

Clic para mostrar

Alexandre vive en Lyon con su esposa e hijos. Por casualidad, se entera de que el sacerdote que abusó de él cuando era un boy scout sigue trabajando con niños. Se lanza a un combate al que se unen François y Emmanuel, otras víctimas del sacerdote, con el fin de liberarse de sus sufrimientos a través de la palabra. Pero las repercusiones y consecuencias de sus testimonios no dejarán a nadie indemne.

Crítica

Una maravilla llena de palabras y silencios

François Ozon no trae una historia cruda y real donde los niños son los grandes afectados en un terrible caso de pederastia dentro del marco de la Iglesia.

Lyon, la ciudad francesa más importante para la Iglesia, es la protagonista de esta terrible historia, donde un sacerdote Bernard Preynat, es acusado de abuso por antiguos miembros de los Boy Scouts, al ver que este hombre sigue trabajando junto a niños.

La película tiene mucho más fondo, no toca solo el tema de los abusos, que es lo más importante, sino también como cada familia lo llevó de una manera, ya sea silenciando a su propio hijo al ser muy religiosos o por el bien del negocio, otros lucharon y la Iglesia simplemente les silenció. Ese es otro tema bastante importante y otra de las denuncias que tiene la película y es el silencio de la institución, pues el sacerdote en ningún momento niega los hechos, pero la Iglesia, en concreto el Cardenal Barbarin, acalló toda esta historia desde hace muchos años y por ello también está a la espera de juicio.

Ozón logra una película que pone los pelos de punta sin escenas explícitas, cosa que se agradece, no hacen falta, las palabras, miradas y gestos lo hacen todo. Aunque cinematográficamente es una película muy sencilla, vemos pequeños detalles que nos dejan ver la tensión, el odio y a la vez tristeza en cada uno de nuestros personajes y esto es gracias al trabajo de Manuel Dacosse.

Está claro que el que la película sea tan sencilla es porque lo que le interesa al director es la palabra, que la historia sea escuchada y que los personajes puedan contarnos todo lo sucedido. Y todo esto lo logra, aparte de un guión muy bien trabajado, gracias al reparto con el que ha contado.

Melvil Poupaud es el encargado de dar vida a un hombre que sigue con su Fe, pese a todo lo que le ocurrió de niño y también el encargado de llevar a cabo la denuncia a la Iglesia por el silencio. El papel de Swann Arlaud quizás es el más débil de todos, su personaje es de los que peor ha llevado todo, drogas y enfermedades han sido su día a día por culpa de todo lo que le sucedió de pequeño. Y Denis Ménochet tiene uno de los papeles más fuertes y aunque la película es bastante seria, le logra dar un toque de humor gracias a las ocurrencias de su personaje para luchar contra la Iglesia.

Pero no solo ellos están geniales, tengo que decir que Bernard Verley da verdadero miedo como el padre Bernard Preynat, sus gestos, su sonrisa, logra crear verdadera aversión hacia ese hombre que dice estar enfermo, pero que sigue a sus anchas trabajando con niños.

En la película vemos la creación de la asociación de ‘La Palabra Liberada’, que se creó para poder denunciar tanto al sacerdote como a Philippe Barbarin, el arzobispo de Lyon que silenció todo, además una de sus famosas frases durante una rueda de prensa sobre los abusos a estos niños que da título a la película, pues en su día dijo «Gracias a Dios, lo hechos han prescrito».

Una última cosa que añadir, pero no menos importante. Aunque pueda parecer una película antirreligiosa, es una idea totalmente errónea, el director trata con mucho respeto a la institución, simplemente expone esta historia que por desgracia es parte de ella. Es algo muy loable, pues tratando el tema que se está tratando es bastante complicado ser objetivo. 

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de abril de 2019. Título original: Grâce à Dieu. Duración: 137 min. País: Francia. Dirección: François Ozon. Guión: François Ozon. Música: Evgueni & Sacha Galperini. Fotografía: Manuel Dacosse. Reparto principal: Melvil Poupaud, Denis Ménochet, Swann Arlaud, Eric Caravaca. Producción: Mandarin Productions, Scope Pictures. Distribución: Golem distribución. Género: Drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/peliculas/gracias-a-dios/

Encuentro con François Ozon y Denis Ménochet por ‘Gracias a Dios’

«Mi primera idea era hacer una película sobre la fragilidad masculina»

El director François Ozon es de sobra conocido por películas como ‘Frantz’, ‘En la casa’ u ‘8 mujeres’. Denis Ménochet quizá se sale más de los circuitos europeos a los comerciales con títulos como ‘Maltidos Bastardos’, ‘Assassin’s Creed’ o ‘Robin Hood’ pero su currículum está repleto de éxitos producidos en nuestro continente como ‘Custodia Compartida’. Ambos han aterrizado en Madrid (fotos al final del artículo) para presentar ‘Gracias a Dios’, el título que el próximo 18 de abril estrena Golem Distribución en España.

El filme está ambientado en Lyon y habla de la organización creada por Alexandre, François y Pierre Emmanuel interpretados por Melvil Poupaud, Denis Ménochet y Swann Arlaud. La asociación “La palabra liberada” lucha por sacar a la luz abusos como los llevados a cabo por el sacerdote pederasta Bernard Preynat. Pero el filme va más allá y no se centra solo en un caso, trata de mostrar todo aquello que la Iglesia ha silenciado durante años con figuras como la del Cardinal Barbarin.

Esta es una historia real y dura, muy actual, tanto en Francia como en España. «Nunca se me había pasado por la cabeza hacer una película sobre un tema de actualidad. Mi primera idea era hacer una película sobre la fragilidad masculina. Yo he hecho muchas películas sobre mujeres fuertes. En el cine existe un cliché, el hombre es acción, la mujer es emoción. Pues vamos a invertir las cosas. Casualmente un día en Internet entré en la página de «La palabra liberada», leí los testimonios y me emocionó. Decidí conocerles y fue cuando nació la idea de hacer la película», declaró Ozon.

Se le preguntó al director sobre la relación con otros casos actuales que puede haber en España o sobre la intencionalidad del filme: «Puedo decir que en Francia las cosas han avanzado un poco. La iglesia allí se ha dado cuenta de que hay algo grave con la pedofilia, ya lo considera un crimen, están intentando hacer algo. Yo soy un cineasta, no soy un político. Mi intención no era hacer una película política. Mi intención era plantear una pregunta, era plantear un debate sobre esto, que es lo que he hecho, dar voz a las víctimas».

Tal es la repercusión del filme que en Francia cuando se estrenó en diciembre del año pasado muchas fueron las voces que la quisieron silenciar, pero su éxito es innegable. «Al principio fue rechazada e intentaron impedir su estreno, eso le dio mucha publicidad. Ahora la película ha alcanzado los 900.000 espectadores en Francia. De todos esos espectadores muchísimos son católicos. La iglesia se ha dado cuenta de que debe enfrentarse a esto. Se han apoderado en cierto modo de la película» puntualizó el cineasta.

Ménochet se acercó mucho al drama de estas personas que realmente sufrieron en su infancia. «Rodamos en la verdadera casa de François. Tenemos los testimonios que leí en la página de “La palabra liberada”, que si eres un ser humano normal qué menos que sentir empatía. También está el combate, la lucha de estos tres personajes que desde mi humilde trabajo de actor he intentado reflejar. Por último está lo de la batería. François, mi personaje, es un batería muy bueno y yo toco fatal (risas). Al director se le ocurrió grabar nuestros dos sonidos tocando y mezclarlos. Es como cuando sales a luchar, el tambor acompaña a los guerreros».

Ozon es un cineasta que cuida mucho la estética de sus largometrajes. Entran mucho por los ojos, sus imágenes impactan por su belleza y su cuidado, tiene un lenguaje visual muy expresivo. Pero en el caso de este filme esa elocuencia visual no es tan patente. «Normalmente adapto la fotografía a la historia, al o que voy a contar. En este caso la historia era la palabra, más que la imagen. Por una vez debía quedarme detrás más que anteponerme a la palabra» explicó el director.

¿Pueden esperar cambios o compensaciones de algún tipo las víctimas? Preguntas similares a esa recibió el director durante la presentación del filme. Su respuesta fue: «De hecho sí. Está ocurriendo algo. La condena a Barbarin y todo esto indica que algo se pone en marcha. He hablado con muchos sacerdotes y obispos y si parece que quieren hacer algo, hay muy buena voluntad. Entienden que es algo muy grave en el seno de la iglesia. El problema es que la Iglesia francesa es vieja. Los obispos rondan los 75 años. ¿Puede una generación de 70 y pico años cambiar algo así? Lo dudo, soy un escéptico. Por otro lado está el movimiento de los chalecos amarillos que se está metiendo con las instituciones. Si la Iglesia cambia lo hará a través de los fieles, no a través de la cúpula».

La película se cierra dejando en el aire una pregunta muy importante hacia uno de los protagonistas, cuestión teológica que le fue hecha a Ozon por uno de los asistentes a la rueda de prensa. Es por eso que al final del encuentro Ménochet quiso despedirse hablando en castellano… «Para terminar, yo no creo en Dios, pero creo en Meryl Streep».

Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras y Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Crítica: ‘7 días en Entebbe’

Sinopsis

Clic para mostrar

En el verano de 1976, cuatro secuestradores, dos palestinos y dos radicales alemanes de izquierdas, se hacen con el control en pleno vuelo de un avión de Air France que cubría el trayecto de Tel Aviv a París. Cuando el aparato es desviado a una terminal abandonada del aeropuerto de Entebbe, en Uganda, los aterrados pasajeros se convierten en moneda de cambio en un letal pulso político. A medida que la posibilidad de encontrar una solución diplomática parece desvanecerse, el gobierno israelí pone en marcha un plan extraordinario para liberar a los prisioneros antes de que se agote el tiempo.

Crítica

Buena recreación del suceso aunque políticamente es superficial.

Muy cerca de la ubicación de nuestro amado Wakaliwood y también tiempo antes de la cuna de este peculiar cine ugandés tuvo lugar un suceso que marcó de algún modo la manera de gestionar los secuestros aéreos por parte de algunos países y las relaciones internacionales para con Israel. Al sur de Uganda, en una ciudad llamada Entebbe se vivió un episodio que duró hasta siete días y mantuvo en jaque al gobierno israelí, haciéndole cuestionarse sus políticas y métodos.

‘7 días en Entebbe’ es una historia real, que está muy bien dramatizada y que sigue uno a uno los pasos de lo que sucedió realmente, aunque ponga palabras en boca de los protagonistas que sean parte de una ficción acorde al género del suspense. La pugna entre Israel y Palestina ha llevado a estos últimos a realizar acciones como las que se recrean en la película del director José Padiha. La intención de los palestinos era entre otras, al menos como aquí se quiere señalar, la liberación de presos y atraer la atención de la comunidad internacional, por lo menos por aquel entonces que llevaban varias décadas luchando desde que la ONU había reconocido como nación a Israel. Lo que sucedió en Entebbe es que aterrizó un avión secuestrado por Palestinos y simpatizantes de su causa, en el cual volaban decenas de judíos. Si sois muy jóvenes o no estáis documentados al respecto no os diré el resultado de este rapto, por si no sabéis las consecuencias finales ya que es la pequeña parte de thriller que tiene. Pero no vayáis a pensar que es una película angustiante o muy intrigante. Está narrada a modo de diario para que contemos las jornadas junto con los secuestrados, pero no consigue que vivíamos la aflicción de estos. En ese sentido la película no funciona.

No hace falta ser un experto en el conflicto israelí-palestino para seguir la película, de hecho al contrario, si uno quiere introducirse en él está muy bien explicado, Padiha lo da todo mascado. No entra en complicaciones, no es una película que profundice mucho en la historia pero la pone sobre la mesa de un modo claro y conciso, de tal forma que alguien que no esté familiarizado con el tema lo pueda entender y no se le ofrezca una versión parcializada. Un servidor tiene su opinión al respecto de la disputa que tienen ambos pueblos y la película me parece bastante objetiva. Pese a todo estaba claro que a alguien tenían que mostrar como bueno o malo en ambos bandos para poder crear la tensión y generar interés hasta el final.

Me alegra ver que el discurso del filme se inclina mucho por el dialogo, por la cantidad de años que llevan Palestina e Israel sin negociar. Hace hincapié en lo tozuda que es esta lucha entre esos pueblos que se niegan a perdonar y a olvidar, que no son capaces de convivir en paz con sus vecinos. Y como he dicho consigue ser bastante imparcial, sin justificar el terrorismo o los bombardeos de una parte u otra por supuesto pero si exponiendo los argumentos y equivocaciones de ambos bandos sin que realmente se comprometa con una de las dos partes ni acabe condenándolas.

Daniel Brühl es quien desde sus orígenes alemanes muestra con su personaje su disconformidad con el pasado de su país. Junto a él Rosamund Pike protagonizan la cinta y aportan una dimensión más a toda esta circunstancia. Tanto actores como personajes están muy comprometidos con su causa y ambos son traicionados pues tal vez cabría esperar que el guión les hubiese dejado más margen, más espacio para ahondar. En lugar de ello el director se ha ido por lo simbólico. En la película se ha introducido a una bailarina que a mí me sobra y junto a ella todo el discurso alegórico y paralelo de su tramo final. Sé que tiene lo suyo de metáfora entre lo nuevo que ha llegado y las tradiciones que hay que dejar atrás, pero es un derroche artístico que realmente para la película no me aporta la profundidad suficiente, que no le pega al tono del filme y que sigue estando en lo huidizo a la hora de mojarse hacia un lado u otro de la contienda. Este personaje viene junto con un soldado interpretado por un muy poco convincente Ben Schenetzer que parece que también se nos queda descolgado pero es en el mismo final cuando descubrimos por que Padiha y el guionista Gregory Burke han tenido a bien incluirle en la historia, a él o más bien a su unidad.

De este director brasileño el único largometraje que había visto era la nueva versión de ‘Robocop’, a si es que al igual que su protagonista (Joel Kinnaman) tras ‘Altered Carbon’ puedo decir que está redimido, en cuanto a mi criterio se refiere. Esta película está mucho mejor construida, tiene mucha más intencionalidad y estructura.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de abril de 2018. Título original: Entebbe. Duración: 107 min. País: Reino Unido. Dirección: José Padiha. Guion: Gregory Burke. Música: Rodrigo Amarante. Fotografía: Lula Carvalho. Reparto principal: Daniel Brühl, Rosamund Pike, Eddie Marsan, Lior Ashkenazi, Denis Menochet, Ben Schnetzer. Producción: Participant Media, Pellikola, Working Title Films. Distribución: eOne Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://www.entertainmentone.com/home/ES/7-d-as-en-entebbe-

Nuevo tráiler de ‘María Magdalena’

Estreno el 16 de marzo.

Tenemos un nuevo tráiler de ‘María Magdalena’, el filme en el que el personaje bíblico estará interpretado por Rooney Mara. La acompaña en el protagonismo Joaquin Phoenix y la podremos ver el 16 de marzo de la mano de Universal Pictures. Garth Davis ha dirigido este nuevo filme que ofrecerá una visión distinta a la historia de Jesús (Phoenix) a partir de un guión de Helen Edmundson y Philippa Goslett.

También podremos ver a Chiwetel Ejiofor como Pedro, a Denis Ménochet como Daniel o Tahar Rahim en el papel de Judas, entre otros.

Sinopsis oficial:

Es el retrato más humano y real de una de las figuras espirituales más enigmáticas e incomprendidas de la historia. La película bíblica cuenta desde un punto de vista biográfico la historia de María Magdalena (Rooney Mara), una joven mujer que busca dar un nuevo sentido a su vida. A pesar de las jerarquías y reglas impuestas por su época, María Magdalena se atreve a desafiar a su familia y unirse a un nuevo movimiento social liderado por Jesús de Nazaret (Joaquin Phoenix), y no tarda en encontrar su sitio en este nuevo camino que les llevará hasta Jerusalén.

Crítica: ‘Assassin’s Creed’

Sinopsis

Clic para mostrar

Gracias a una revolucionaria tecnología que desbloquea los recuerdos genéticos, Callum Lynch (Michael Fassbender) vive las aventuras de su ancestro, Aguilar de Nerja, en la España del siglo XV. Callum descubre que es el descendiente de una misteriosa sociedad secreta, los Assassins, y que posee increíbles conocimientos y habilidades que le permitirán enfrentarse a la poderosa y opresora organización de los Templarios en el presente.

Crítica

Una apropiada historia alternativa.

Como amante de los videojuegos, pero no como jugador de esta saga, puedo decir que ‘Assassin’s Creed’ no es tan mala como ‘Doom’ ni tan evocadora como ‘Silent Hill’, por ejemplo. Si hay que darle un nivel de satisfacción podría arriesgarme a decir que será algo superior al de ‘Tomb Raider’. La historia rememora a los juegos y tiene elementos de ellos. Nos introduce correctamente en una trama con ciencia ficción y fantasía, igual que el juego. Pero se pierde a causa de estar centrada en marcar un punto de partida para una saga cinematográfica en vez de subirnos a un tren puesto ya en marcha por el mundo de los videojuegos.

Principalmente nos queda la sensación de que grandes figuras de la interpretación como Michael Fassbender, Marion Cotillard o Javier Gutiérrez están aquí desaprovechados. Si se hubiese confiado más o dado mayor presencia al reparto que aporta España la película habría cambiado para mejor. También cuenta con Carlos Bardem, Jeremy Irons o Denis Ménochet al cual recordaréis seguro de la primera escena de ‘Malditos Bastardos.

El guión de esta película producida por el propio Fassbender está bien documentado, tanto en el sentido de la obra de Ubisoft como en el del pasado español. Se muestra por ejemplo una obra que representa las hogueras que se llevaban a cabo en Madrid, se amolda bien a la época de la reconquista, nos ofrece lugares reconocibles del Madrid actual como el Estadio Vicente Calderón… Pero comete errores como dotar de un vestuario excéntrico a muchos extras e incluso de maquillar estrafalariamente a Isabel la Católica. También falla en detalles como la bandera que lucía España por entonces.

Y es que el diseño de producción resulta atractivo, pero algo inexplicable. No tenemos exactamente una recreación exacta de alguna de las entregas de la saga de videojuegos, pero si una estética llamativa. La cuestión que le resta notoriedad es que todas las ciudades presentan un exceso de polvo y humo. Esto desluce el resultado de la obra visual, como si se hubiesen querido ahorrar tiempo y dinero al recrear las localizaciones.

Arte visual al margen. ‘Assassin’s Creed’ nos ofrece un digno entretenimiento cuyo ritmo se dispara cada vez que llega una regresión. La película se encamina hacia una búsqueda de un artefacto pero se despista con la espectacularidad y la acción. No son tan vistosas como deberían las coreografías de los combates aunque algo si las de las persecuciones, con ese parkour medieval que hizo famoso al juego. No es una carrera por encontrar un artefacto al estilo de ‘La búsqueda’ o el ‘Código Da Vinci’ precisamente. La manzana, o cómo podríamos decir mejor, la bola de petanca, es un elemento secundario que se encuentra en el camino del personaje de Fassbender.

El director Justin Kurzel se trajo a su equipo de ‘Macbeth’ para una película de códigos muy diferentes. Esta vez apunta a saga, por lo menos a trilogía. Tanto su resultado final como el tirón en taquilla que tendrá gracias a sus actores y a los seguidores del videojuego seguro que nos garantizará una segunda entrega, por lo menos. De momento hay talento desaprovechado en una adaptación bastante potable que tendrá detractores y admiradores por igual.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de diciembre de 2016. Título original: Assassin’s Creed. Duración: 108 min. País: EE.UU. Director: Justin Kurzel. Guión: Adam Cooper, Bill Collage, Michael Lesslie. Música: Jed Kurzel. Fotografía: Adam Arkapaw. Reparto principal: Michael Fassbender, Marion Cotillard, Ariane Labed, Jeremy Irons, Brendan Gleeson, Michael Kenneth Williams, Charlotte Rampling, Brian Gleeson, Carlos Bardem, Hovik Keuchkerian, Matias Varela, Denis Ménochet, Mohammed Ali,Javier Gutiérrez, Dino Fazzani, Gabriel Andreu, Megan Affonso. Producción: 20th Century Fox, Regency Enterprises, DMC Film, Ubisoft. Distribución: 20th Century Fox. Género: videojuegos, aventura, ciencia ficción. Web oficial: http://www.fox.es/assassins-creed

Critica: “The program”

Sinopsis

Clic para mostrar

Tras superar un cáncer, el americano Lance Armstrong ganó siete tours de Francia de forma consecutiva. Su fama crecía, su status de héroe y ejemplo de superación le reportaban enormes beneficios e incluso creó la fundación “Livestrong”, para investigar la cura contra el cáncer. Sin embargo, el periodista David Walsh cree que Armstrong se dopó en todas sus victorias, y pondrá en juego su reputación y su carrera para demostrarlo.

Crítica

La gran prueba de que la mayoría de los mitos son falsos.

A todos nos pareció un milagro, tanto a creyentes como a escépticos, la proeza de Lance Armstrong. Ni siquiera aquellos que dudaban algo sobre su figura y lo que representaba podían imaginar la magnitud de lo que más tarde se revelaría. Que alguien pase de estar condenadamente mal de salud a ser un hito del deporte y posteriormente a ser la decepción de la nación más poderosa del mundo no es algo que pueda obviarse. Todo este periplo es lo que nos narra “The program”, cuyo título alude al programa de dopaje que seguían los ciclistas que estaban bajo los cuidados del médico Michele Ferrari.

Para muchos el escándalo de dopaje de Lance Armstrong supuso una decepción, pero para otros fue una falta de respeto pues mantuvo a la sombra y truncó carreras de grandes ciclistas tanto fuera como dentro de su equipo, como Roberto Heras (salpicado también por el dopaje, pero posteriormente recompensado y reconocido como ganador de cuatro Vueltas Ciclistas de España). Este aspecto también se refleja en el film centrado en la figura de otro chasco norteamericano como Floyd Landis, muy bien caracterizado por Jesse Plemons.

Era de cajón que si alguien realizaba una película desenmascarando aún más la trampa de Armstrong sería una productora francesa como Studio Canal apoyado por una inglesa como Working Title Films. De cajón porque a nadie le duele más que a los franceses que les ganen las competiciones deportivas en su casa como es el caso del Tour o Roland Garros. Si es con trampas, como fue en esta ocasión, pues su orgullo se ve aún más herido. Todos sabemos que el dopaje en el ciclismo se daba, ya surgió el escándalo Festina y vimos a Virenque llorando en rueda de prensa por ello. Era un secreto a voces, cuyo silencio solo se rompió del todo cuando este ex-heptacampeón mostró su verdadera cara en la famosa entrevista con Oprah (todo esto aparece en el film).

El casting está realmente logrado. Desde el ya mencionado Jesse Plemons, pasando por supuesto por el protagonista Ben Foster, hasta el médico Michelle Ferrari interpretado por Guillaume Canet. Incluso la cara de chiste de Chris O’Dowd sirve para recrear al periodista David Walsh o la de Lee Peace para el agente Bill Stapleton. La representación española es mínima (salvo apariciones fugaces del equipo ONCE, Kelme, el presentador Segio Sauca, el escudo del Barça…). Sí que aparece Alberto Contador interpretado por Lucien Guignard, un actor con bastante parecido físico pero que sobreactúa en demasía y además utiliza un extrañísimo acento (porque solo habla en castellano, incluso en la versión original).

Dedicando unas palabras a la interpretación de Ben Foster hay que decir que clava la famosa entrevista de 2013 donde Armstrong lo confiesa todo, que capta el carácter de vencedor sin límites del ciclista (en ocasiones llevado a extremos) y que ha sabido aportar el matiz dramático que pedía este film.

En gran parte de las escenas no sabemos que hay de ficción o que hay de realidad. Pero hemos de tener en cuenta que está basada en la novela del periodista irlandés David Walsh que fue quien persiguió este flagrante caso de dopaje durante más de una década. La película también se apoya en el informe de la USADA que es el documento que acusaba al US Postal de realizar el más sofisticado, profesionalizado y exitoso programa de dopaje que el deporte jamás haya visto. Con todo esto podemos creer este más de hora y media de película tiene bastante de veraz.

Se introducen cortes de imágenes de archivo para aportarle realismo al metraje, se recrean momentos importantes de esta historia como la recogida de premios en los Campos Elíseos, la provocativa foto que subió Armstrong a las redes con sus siete maillots de ganador del Tour, la ya mencionada entrevista… Tanto la elección de los planos rodados y utilizados en cada punto de la historia, como la inclusión de los tejemanejes vividos en las carreas nos guían por esta historia de decadente heroísmo. No me atrevería a decir que es lo mejor que ha hecho hasta la fecha Stephen Frears (“Philomena”, “Héroe por accidente”, “La reina”) pero desde luego se cuela en su top cinco.

«The program» acaba con la canción “Everybody Knows (Todo el mundo sabe)” de Leonard Cohen, dando la puntilla hasta en los créditos.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de junio. Título original: The program. Duración: 103 min. País: Reino Unido. Director: Stephen Frears. Guión: John Hodge. Música: Alex Heffes. Fotografía: Danny Cohen. Reparto principal: Ben Foster, Chris O’Dowd, Jesse Plemons, Guillaume Canet, Lee Pace, Dustin Hoffman, Denis Ménochet, Elaine Cassidy, Laura Donnelly, Edward Hogg, Chris Larkin, Jorge Leon Martinez, Michael G. Wilson, Lucien Guignard. Producción: Coproducción Reino Unido-Francia, Working Title Films, StudioCanal. Distribución: Vértigo Films. Género: Documental. Web oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/theprogram.html

Uso de cookies

Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies

ACEPTAR
Aviso de cookies
Salir de la versión móvil