CutreCon XI, día 26 de febrero

Jornada de bailes, pacos y premios

Hoy ha sido el día en el que hemos podido estar en petit comite con los dos invitados de este año. Podréis leer su entrevista en el próximo libro de Pako Mulero o conocer más detalles en el vídeo en directo que haremos centrado en la CutreCon XI, como solemos hacer cada año. El centro de atención ha sido Sergio Martino que ha proyectado ‘Destroyer brazo de acero’ y recibido el premio Applehead Team Sah-Di-A. El director recibió el premio de manos de Paco Plaza.

JD Shapiro hizo entrega del premio del público. Un premio que ha sido votado por el público durante las dos últimas jornadas tras ver los trabajos enviados a la organización del festival. Fue la película mallorquina ‘Jostissi de Carreró’ la que se alzó con la primera estatuilla de la Sección Oficial en la historia de CutreCon. Una película muy loca, autofinanciada y con Masters del Universo.

Más adelante descubriréis una razón más para decir que este ha sido el día de los Pacos. Y además de habernos quedado en unas tres películas sin terminar, con finales inconclusos, hemos vuelto a conectar con nuestro niño, nuestro inconsciente niño, pues hemos visto de nuevo ‘Power Rangers: La película’. Y la cosa terminó a altas horas de la madrugada con la película hindú de esta edición que hizo que el público se pusiese de pie.

‘Future War’

Los amantes de la animatrónica jamás podrán defender un filme como este. Ni nadie podrá defender nunca a aquellos que caen en las garras de tan torpes dinosaurios. En ‘Future war’ unos ciborgs han abducido a humanos y dinosaurios, a los primeros para someterlos y a los segundos para usarlos de rastreadores.

Dinosaurios que explotan persiguen a un pobre imitador de Van Damme (que mira que ya es triste de por sí) que se parece a Pablo Puyol y que ha sido rescatado por una joven monja fumadora con dudas vocacionales. Es una aburridísima persecución sin continuidad alguna que solo se ha animado en presencia de las cajas, si, de cajas. Si en la eterna cuenta atrás del final hubiese habido cajas otro gallo habría cantado.

La visión de los dinosaurios es en rojo a lo Terminator, de fondo se oye un tamborileo a lo Terminator… está claro el referente. Para los seguidores de la CutreCon la sorpresa es la presencia de uno de los villanos de ‘Samurai Cop’.

Comentado por Furanu.

‘Destroyer: brazo de acero’

Otra de las películas que no han defraudado ha sido ‘Destroyer. Brazo de acero’, película dirigida por Sergio Martino, el cual nos hizo una pequeña presentación. Paco Queruak, un ciborg que solo tiene un cometido, asesinar. Pero sus programadores no contaban con que Paco tiene sentimientos y escapa a su destino. Enamorándose de la dueña de un motel comienzan a perseguirle e intentar asesinarle.
Acción a raudales, peleas increíbles a lo ‘Blade Runner’ y escenas sacadas de ‘Terminator’ o cualquier película de los 80’, la película tiene intrépidas persecuciones con helicópteros y camiones. Un disfrute para los amantes del cine de acción y también de las cintas creadas con poco presupuesto.

Comentado por Vicky Carras.

‘LJ Detective’

Paródica sin duda. Todos los tópicos del cine de acción en esta película que imita los villanos latinos, el héroe de frases lapidarias o sarcásticas, las mujeres objeto, los secuaces sin nombre… Con tono de comedia y amor por la acción el asturiano Eduardo Castejón reparte hostias como cachopos.

Esta serie presentada con sus primeros episodios montados como una película nos habla de Latimer Justicia, un detective que busca vengar a su hermano. Para narrar esta historia tira de frases típicas de esas películas llenas de testosterona y tiros, pero también de Pimpinela. Y para más inri se hace mofa y se saca provecho del parecido del responsable del filme con Keanu Reeves.

Una obra con aire de after hours barato y desguace despreocupada por la calidad del sonido de doblaje, el etalonaje, los acentos mal imitados, el barco metido en la piscina… pero sobre todo por su montaje que se presenta confuso y caótico. Es consciente de su carácter cómico y de ahí que hasta coja la música de títulos hollywoodienses como ‘007’, ‘Rocky’… Aunque la calidad es la que es, se reconoce el mérito de sacarla adelante y se agradece su sinceridad o sus ganas de divertir.

Comentado por Furanu.

‘Power Rangers. The Movie’

Bryan Spicer fue el encargado de llevar al cine la cinta de ‘Power Rangers: la película’, continuación directa de la serie. Y que queréis que os diga, la recordaba mucho peor. Sí, el ambiente CutreCon ayuda en este tipo de visionados. Qué deciros, el malvado Ivan Ooze llega a la Tierra para ponérselo crudo a la humanidad y a los Power Rangers. Ellos deben de reinventarse para poder ayudar a Zordon y salvar a La Tierra.
Mechas, esbirros inútiles y muchos mocos morados es lo que vemos en esta película con un CGI terriblemente malo. Claro que estamos hablando de una película del 95 y sin duda querían innovar y demostrar que podían hacer cosas por ordenador.

Comentado por Vicky Carras.

‘Krack’

¿Cine hindú es sinónimo de color y canciones? Pues en este caso sí. Y menos mal que nos han puesto el corte comercialmente preparado para occidente pues originalmente duraba unas tres horas. Aun así, la hora y media conservada se hace larga por todos sus momentos musicales que en más de una ocasión ha hecho ponerse en pie a los espectadores. No obstante, no ha sido la película de castigo pues las actuaciones siguen siendo tan cómicamente diferentes a las nuestras y tiene momentos de acción que solo pueden calificarse de “flipada”.

Si la película dura tanto no es solo por sus extensos videoclips, también por sus numerosas cámaras lentas, el director debe ser fan de Zack Snyder. Es una trama de justicia y venganza con tintes delictivos y sobre todo telenovelescos.

Comentado por Furanu.

Directo especial sobre la CutreCon 10

Repasamos los 10 títulos proyectados en el cumpleaños festival

Un año más hemos acudido a la CutreCon y como siempre hemos ido llevando a cabo un diario en el cual relatamos lo visto y sucedido (día 1, día 2, día 3). Y también como ya es tradición hemos hecho un directo dando nuestras impresiones o dejando ver porqué es tan divertido este festival. Este año en directo a través de Youtube y como es habitual junto a los compañeros de Holocausto Zinéfago.

Ya podéis verlo en el siguiente vídeo además de intentar participar en un concurso de preguntas y respuestas con la historia de CutreCon como hilo central. ¿Listos para la cutrez más divertida?

 

CutreCon 10, 21 de marzo

Acción de imitación y de copy paste

El domingo siempre cierra la CutreCon. En esta CutreCon 10 hemos podido tener sesión de ilustrativos documentales centrados en películas malas ni sesión infantil, pero si hemos tenido maratones, buenas dosis de basura de la rica. Y además, como es tradición ya conocemos la temática para la edición de 2022 ¡dinosaurios!

Los robots y la acción de imitación han sido los leitmotiv en una jornada que desde las 11:30 de la mañana hasta las 21:30 ha estado plagada de escenas de lo más majaderas. También ha sido una de las jornadas con más desnudos gratuitos que se pueden recordar en la historia de CutreCon. Y si tenemos que citar una constante esa fue la aparición de Cameron Mitchell que figuraba en el reparto de las tres últimas películas y casi siempre con un puro en la boca.

La mayor ovación de CutreCon 10 ha sido para los saludos de Steven E. De Souza, quien estuvo presente año en 2019 por la proyección de ‘Street Fighter’ y el inigualable Sam Firstenberg, mítico autor de películas de acción. Ambos recordaron con cariño y simpatía sus momentos en Madrid. Y en formato videollamada en directo estuvo el director de ‘Kill squad’, Patrick G. Donahue y el actor protagonista Jean ClaudéY ya para más risas pudimos ver un saludo del actor que hizo de robot en Robo Vampire.

En paralelo se han seguido celebrando las wtch partys en Twich en las que se han proyectado y comentado películas como ‘Robovampire’, ‘Attack of the Beast Creature’, ‘Little Hero’ o ‘Puño de furia’. Así ha terminado la CutreCon 10.

Robo vampire

Unos narcotraficantes son capaces de crear vampiros para los que reservan la función de ser custodios de su droga. Ante tal adversidad la policía contraataca y agudiza su ingenio para crear un policía cibernético a partir del cadáver de un agente abatido a tiros. ¡Otra película que surge del fenómeno ‘Robocop’! Un made in china que no contento con su poca originalidad forma su trama a partir de recortes de otras películas. Confusa a más no poder es como ver mezcladas dos películas.

El cartel de la película muestra a Robocop, clavado al de Verhoeven. Pero después descubrimos que realmente esta versión carnavalesca fue ataviada con un traje plateado de esos ignífugos y un casco con visera.

Los actores o extras que peor fingen su muerte han pasado por CutreCon 10.

Comentado por Vicky Carras.

Robotrix

Está claro que si no tienes un sentido del humor negro o por lo menos abierto CutreCon no es tu festival. Películas como ‘Robotrix’ demuestran que a veces hay que tomarse la falta de talento y las ocurrencias del pasado con humor, total si ya está grabado y no podemos retroceder en el tiempo para evitar su rodaje. Desde luego no es una película para programar durante un 8M con sus múltiples escenas de sexo explicito y machista.

Robotrix hace como R.O.T.O.R. y coge sin licencia elementos de ‘Robocop’ y de ‘Terminator’. Esta película china calificada como R mezcla acción, erotismo y comedia. Y lo hace de un modo rompedor para esa época en su país y a la vez casposo para nosotros.

Jamie Luk, quien ha sido mucho más actor que director, en películas de Jackie Chan por ejemplo, fue quien escribió y dirigió esta película en la que no falta la sangre, el sexo y las peleas al más puro estilo Power Rangers.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Raw force

Totalmente ochentera. Estudiantes, artes marciales, fantasmas, nazis, explotación de blancas, zombies, pirañas, caníbales… Y eso no es todo. Un popurrí que tenía hasta secuela preparada y que originalmente se iba a llamar ‘Kung-fu zombies’, menos mal que no llegó a ocurrir. Solo con ver las pintas que llevaban los protagonistas y lo malas que son las escenas de lucha sabemos por qué esta película que llegó a estrenarse en 150 cines de EE.UU. no tiene laurel alguno.

Comentado por Vicky Carras.

Deadly prey

El título parece de videojuego de máquina recreativa o de la Super Nintendo, en plan Contra. David A. Prior, el guionista de ‘Tres días para morir’, hizo esta película que también es conocida como ‘Presa mortal’.

Consiste en una auténtica caza humana. Unos mercenarios necesitan entrenar a sus pupilos y para ello secuestran a gente que posteriormente los aprendices deberán cazar en su campamento. Es como mezclar ‘Rambo’ con ‘Blanco humano’, tiene también un alto body count y altas dosis de testosterona, solo que aquí comen lombrices y ratas, ¡de verdad!

¡Ojo! Que se publicó secuela en 2013.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Kill squad

Película hecha a medias entre Estados Unidos y Filipinas. En ella hay asaltantes de casas tipo suceso José Luis Moreno. Un hombre ve como irrumpen en su hogar y encima matan a su esposa, tras lo cual junta a sus colegas del Vietnam para tomarse la justicia por su mano.

Siendo una película de los ochenta os podéis imaginar cómo lucha este escuadrón asesino, a base de artes marciales y con música de saxo de fondo. Si tenéis cintas de VHS con recuerdos grabadas en ellas y de tanto verlas os han perdido color no os preocupéis, siempre podéis ir a esta cinta para ver que la calidad puede ser aún peor.

Toda la película sigue el mismo patrón repetitivo: conversación, hostilidades, pelea y tiro en la espalda. Y cuando digo toda es TODA. Pero está llena de momentos que te harán reír, por mucho que te quieras tomar en serio el trabajo de los especialistas de acción. Jamás había visto tantos golpes y lesiones involuntarias.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

CutreCon 10, 20 de marzo

Invasiones de risas y alienígenas

Continúa el despiporre en el mk2 Palacio de Hielo con la CutreCon 10. Pero no solo allí pues el día ha estado acompañado de sesiones online de visionados en Twich, como se ha hecho siempre con el clásico Cinebasura. Además se ha podido ver a través de esa plataforma películas como ‘House of the Dead’ y ‘Ninja III’, ambas proyectadas en ediciones anteriores.

Al igual que ayer hoy nos hemos reído de y con otras invasiones de alienígenas. Tanto ‘Masters del Universo’ como ‘Psycho Goreman’ cuentan la historia de unos jóvenes que se encuentran con unos alienígenas o seres de otra dimensión que han acabado por error en la Tierra. La primera fue vapuleada por un fuerte fandom que creció con los juguetes de Mattel y la segunda se han convertido en un clásico contemporáneo de la serie B que próximamente veréis en cines.

Además, como se prometió nada más acabar la novena edición en 2020, se han proyectado otros clásicos del cine malo como ‘R.O.T.O.R.’ o ‘Birdemic’, películas demandadas por aquellos que escudriñan en lo más oscuro del cine y que han sorprendido para bien a los que no las conocían.

Como colofón y sorpresa invitados de anteriores ediciones como Greg Sestero (‘The room’) y Claudio Fragasso (‘Troll 2’) han estado presentes enviado un vídeo con un saludo. Y quien si que ha estado presente en anteriores ediciones, en todas, es el fan número 1 de la CutreCon, Eric Trébol al que el festival ha querido rendir un homenaje y que a partir de ahora no tendrá que pagar en ningún acto organizado por CutreCon.

Psycho Goreman (PG) (crítica extendida aquí)

Dirigida por Steven Kostanski (‘El vacío’) llega ‘Psycho Goreman (PG)’, una película que me ha encantado, pero que sin duda no me esperaba para nada así.

Conocemos a un extraterrestre que ha sido enterrado en nuestro planeta como castigo por intentar destruir su mundo. Psycho Goreman (PG) es despertado y «secuestrado» por dos niños que sinceramente están bastante locos.

Una guerra galáctica va a llegar a la Tierra y deben de ver si confiar realmente en Psycho Goreman o acabar con él.

¿Por qué no me esperaba esta película? Pues ya que me esperaba una cinta llena de sangre y bastante más seria. En cuanto a la sangre, os aseguro que ésta cinta la tiene, por todos lados, pero lo que es la seriedad. Para mi gran sorpresa me he encontrado con una comedia muy bien hecha y que os puedo asegurar, me hubiese encantado ver de pequeña, con la sangre incluida.

Técnicamente la película es muy cutre, sí, esa es la palabra, pero sin duda muy efectivo y no importa para nada. Algunos personajes son muy japoneses en plan mechas e incluso alguna bruja que aparece también puede recordar al estilo oriental. El resto de personajes, en general, son muy al estilo heavy metal, para explicároslo mejor, deciros que podrían ser miembros perfectamente de la banda de Lordi.

Comentado por Vicky Carras.

Birdemic

Vale que hay que respetar todo tipo de cine, sobre todo el amateur, pues cuesta mucho sacarlo adelante. Pero hay películas como esta que no tienen por dónde cogerlas. ‘Birdemic’ rememora de forma casera la película de ‘Los pájaros’. Dos jóvenes recién enamorados luchan para sobrevivir a un ataque de aves que sin saber porqué arremeten contra los humanos.

Las águilas están recreadas con ordenador en lo que parece un copia y pega de diferentes gifs. Solo le falta la cortinilla de estrella de Homer Simpson a esta película casera que todavía se las apaña para llegar a la hora y cuarenta y cinco minutos, soporífera. Menos mal que el público siempre ameniza.

El tagline de esta película que tiene hasta canción propia es ‘Shock and terror’ y eso es lo que produce. Horror de cómo está hecha y shock de incredulidad por una película tan malamente realizada cuando se ha publicado en 2010, 47 años después de la obra maestra de Alfred Hitchcock. Lo clamoroso es que tiene segunda parte y aunque su calidad de imagen es algo mejor en general pinta igual de mala.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

R.O.T.O.R.

Un experimento convierte a un policía en una letal máquina de matar, en un cyborg justiciero. No es ‘Robocop’, pero… ¡está estrenada casi el mismo año! Cullen Blaine realizó esta película de aún menos presupuesto que la versión de la Canon en la que también se aventuraban a pronosticar un siglo XXI con ciborgs destinados a nuestra seguridad. Pero el plan sale mal y se crea un asesino nato. Una película que digamos tiene demasiados puntos en común.

R.O.T.O.R. son las siglas de Robotic Officer Tactical Operations Research. Una mezcla de Terminator y Robocop dotado de un mostacho que no te gustaría encontrarte en ningún control de carretera, es intransigente.

Por cierto, os recuerda a algo el cartel. Está claramente inspirado en el del ‘Mad Max’.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

Masters del Universo

Hoy hemos podido volver a nuestra infancia gracias a ‘Masters del Universo’. Dirigida por Gary Goddard y protagonizada por Dolph Lundgren y Frank Langella. En la película encontramos también caras conocidas como Courteney Cox, Meg Foster, James Tolkan, ChristinaPickles, Billy Barty o Jon Cypher.

La película nos lleva a Eternia, donde Skeletor ha tomado el control del castillo de Grayskull. Después de un sin fin de sucesos He-man el mayor guerrero de ese mundo y sus amigos son transportados a la Tierra.

Una película de aventuras, que pese a sus fallas, no ha envejecido mal en espíritu. Está claro que en efectos…. pues muy bien no está. Pero aun así la he disfrutado muchísimo.

A base de repetir ‘Yo tengo el poder’ en esta CutreCon, hemos disfrutado de esta experiencia con escenas en las que se les fue un poco de la mano la imaginación. Como ver a Skeletor montado en su trono como si estuviésemos viendo la cabalgata de los Reyes Magos. Vemos como el director había visto ‘Star Wars’ hay escenas que nos recuerdan muchísimo, además de los cascos de los soldados. Y por supuesto, no os perdáis la escena post-créditos.

 

Comentado por Vicky Carras.

CutreCon 10, 19 de marzo

Shapiro y sus alienígenas rastafaris soplan las velas de este décimo cumpleaños

Ya está aquí. Hemos tenido que esperar más de lo normal para algo que nos da la vida como la CutreCon. Por fin podemos celebrar el décimo aniversario de un festival que año tras año nos junta para dejarnos con más agujetas en las abdominales que una primera sesión de crossfit. Las risas siempre están aseguradas en un evento que programa películas desastrosas y fomenta una manera sana de ver cine en la que la calidad de imagen es lo de menos.

El evento ha reducido los días de celebración (del 19 al 21 de marzo) y trasladado su sede al mk2 Palacio de Hielo para poder garantizar las medidas sanitarias derivadas de la pandemia. Además los organizadores de CutreCon hacen a lo largo del año sesiones de visionados y comentarios por Internet, watchpartys en Twich, que se han programado también durante los días del festival para que aquellos que no han podido acudir tengan su dosis de cine chusco y humor. Toda una manera de levantar los ánimos.

La jornada ha comenzado con la presentación del Blu-ray de una de las películas anteriormente presentes en CutreCon. CutreCon 10 ha sido el lugar donde se ha mostrado la versión doméstica de ‘Apocalipsis Voodoo’, una parodia canaria del género policíaco tan cultivado durante el siglo pasado.

Y aunque estamos con una pandemia CutreCon ha podido tener invitado. J.D. Shapiro (‘Las locas, locas aventuras de Robin Hood’) es el guionista de ‘Campo de batalla la Tierra’, un clásico de culto de ciencia ficción, pero un clásico desastroso. Una película fundamentada en el libro escrito por el fundador de la Cienciología, L. Ron Hubbard. Un filme que fue nominado a 8 Premios Razzie, llevándose 7 de ellos, incluyendo a peor película, peor actor y peor director. Y por supuesto obtuvo el de peor guión, compartido entre Corey Mandell y Shapiro. En rueda de prensa el guionista y director comentó que «cuando le enseñe el guion de ‘Campo de batalla: la Tierra’, John Travolta me dijo: esto va a ser ‘La lista de Schindler’ de la ciencia ficción». Es por todo esto que se ha llevado el premio Applehead Sah-Di-A el cual ha sido entregado justo antes de la proyección, que fue seguida de una ronda de preguntas y respuestas con el guionista que podéis ver en vídeo al pie de este artículo o en nuestro canal de Youtube.

‘Campo de batalla la Tierra’

Para aquellos que quieran hacer cine alguna vez en su vida esta es una reducción al absurdo. Es decir, una excelente demostración de cómo hay que hacer cine mostrando exactamente lo contrario, el cómo NO hay que contar una historia. Maquillaje, diseño de producción, ritmo, diálogos, trama… no hay por dónde cogerla. La mayoría de la película está rodada con planos torcidos, ríete tu de Michael Bay. Da igual la web que soláis consultar, en todas tiene notas más cercanas al 0 que al 5 sobre 10.

No se salvan ni John Travolta, ni Forest Whitaker, ni Barry Pepper, ni Kim Coates, ni Sabine Karsenti… Rostros muy conocidos que probablemente arrojen balones fuera sobre responsabilidades si les preguntamos.

La humanidad ha sido subyugada por alienígenas imperialistas rastafaris (que no son los predators). Los seres humanos o bien viven como esclavos o bien han retrocedido a la edad de las cavernas permaneciendo escondidos en las montañas. Podríamos decir que esta historia de revolución contra un imperio esclavizador tiene toques de Ben-hur. El símil se queda solo en esas líneas generales y los efectos generados por ordenador más cutres que hayáis visto en una película del año 2000 están todos aquí.

Una película que dirigió Roger Christian, director de ‘Underworld’ (no es la de los lobos y vampiros), ‘Bandido’ o la película bíblica en la que Kevin Sorbo interpreta a San José.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

 

Reseña: ‘Blame!’ Master edition 6

Argumento

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En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.

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Reseña

El fin del principio

El viaje del héroe nunca tiene fin. Escrito así parece que estamos refiriéndonos al marketing de Marvel y DC para estirar el chicle de la gallina de los huevos de oro. Pero en el caso de ‘Blame!’ a pesar de parecer una historia tan simple (un viaje, un pistolero silencioso y letal, una misión, un mundo desorientador y apocalíptico…) recuerda mucho a ‘La torre oscura’ (de la que os hemos hablado ampliamente en Moviementarios) abarcando muchísimos temas y cuestiones existenciales basándose en los simbolismos, las imágenes, la libre interpretación y en relecturas donde siempre se descubren cosas nuevas.

En este último tomo volvemos a la esencia de la obra que la hace tan hipnótica desde sus inicios. La conclusión final de ‘Blame!’ es que lo importante no es tanto el destino si no el viaje.

Estamos ante una edición de lujo (o Master Edition) de gran tamaño para poder disfrutar de las obras arquitectónicas que son una parte fundamental de ‘Blame!’. Al ser mucho más grande que los tomos recopilatorios originales, podremos disfrutar de la inmensidad del mundo que tiene que recorrer nuestro protagonista. Hay momentos en el que casi podréis sufrir agorafobia.

Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición en el que podremos disfrutar del escenario, verdadero protagonista de ‘Blame!’.

A lo largo de las reseñas de este manga, he intentado dar muy pocos detalles de la obra (como mucho habré dado el nombre del protagonista) centrándome en las sensaciones que provoca esta historia, para que podáis disfrutar de ‘Blame!’ descubriendo todo vosotros solos, y por ser el último artículo no voy a romper esa regla, pero creo que es justo que os mencione una anécdota para que os hagáis una idea concreta de la escala épica de este viaje.

Para que veáis la inmensidad de este universo, en un momento dado del tomo, hacia la mitad, el protagonista entra en una habitación, hay una escalera. Y uno de los personajes que está con él le dice “es una escalera que tiene 3000 kilómetros”.

Cuando el protagonista llega al final de la escalera, descubre otro mundo (y sus peligros) y nosotros nos damos cuenta de que aún le queda muchísimo para llegar a su destino final.

El lector de ‘Blame!’ siempre acaba descubriendo que llegamos al fin… del principio.

GUION

Volvemos a los encuentros casuales de nuestro protagonista con diversos e inquietantes personajes. Y una trama paralela que como siempre, acaba descolocándonos del espacio y el tiempo.

Acabamos también una trama importante (relacionada con el objetivo del protagonista) que se inició hace unos cuantos tomos. Supondrá redenciones y evoluciones de personajes secundarios.

Conocemos nuevos mundos, sin rastro de tecnología y muy oníricos. También tenemos nuestra nota de humor con un secundario cómico que nos alegrará el camino y compensará el silencio del protagonista.

Y por último el final. El dichoso final.

Es un final que os puede romper la cabeza y que está a la altura de referentes cinematográficos que prefiero no mencionar ahora mismo porque seguramente os daría pistas. Pero, aun así, iniciareis un camino de búsqueda de las respuestas de ese final. Os enfadareis (como hice yo en su día) reflexionareis, buscareis en Internet… Si queréis respuestas después de este viaje podréis escribirnos a Moviementarios y en privado compartiremos conclusiones.

Solo os puedo adelantar que la última viñeta refleja el espíritu de este manga.

DIBUJO

Se nota que es el final y nuestro autor se ha esforzado en dibujar a los antagonistas más amenazadores que nunca. Y escenarios atemorizantes… que te hacen sentir muy pequeño. La inmensidad de los espacios puede provocar agorafobia. Avisados estáis.

A destacar los diseños del pequeño interludio onírico, una rareza en ‘Blame!’ que haría las delicias del director Tim Burton.

Y la última viñeta. Cumple su función. Impacta, desorienta y maravilla a partes iguales.

Ficha del cómic

Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 338 págs., tapa blanda, blanco y negro, 17×24 cm. Publicación:  abril de 2018. Precio: 20€.

Reseña: ‘Blame!’ Master edition 5

Argumento

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En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.

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Reseña

La ecuación más hermosa del mundo

Es indudable que las ecuaciones matemáticas son imprescindibles para entender las leyes que explican el funcionamiento del universo. Muchas son muy complejas y la belleza en las ecuaciones suele residir en su simplicidad y elegancia. Al igual que las respuestas que nos proporciona la filosofía a las preguntas existenciales que siempre han angustiado al ser humano.

En este tomo, Tsutomu Nihei, su autor, intenta abordar cuestiones existenciales de una forma sencilla y elegante, sin apoyarse en los diálogos ni en las explicaciones redundantes.

Gracias a que este manga se ha apoyado mucho más en las imágenes y el simbolismo es más fácil que esta historia triunfe donde han fallado otros mangas de ciencia ficción, como la continuación ‘Ghost in the Shell’ o ’Neon genesis evangelion’

La edición de lujo o Master Edition de gran tamaño ayuda a la intención del autor, no podréis evitar mirar embobados las grandes ilustraciones reflexionando sobre el mensaje de la obra.

Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición en la que podremos disfrutar de un momento épico del combate entre nuestro protagonista Killy y la villana de ‘Blame!’.

GUION

Es un tomo cargado con mucha información sobre aspectos técnicos de este universo (que emocionará a los fanáticos de la informática) y nuevas incorporaciones que en muy pocas páginas se convierten en personajes tan carismáticos como nuestro protagonista Killy.

Finalizamos otro arco argumental más oscuro que el anterior en el que la acción, los combates y el peligro son constantes. Todo este cóctel explosivo está intercalado con momentos existenciales que finalizan en un clímax alucinante.

Y en el último tercio del tomo volvemos a simplificar la ecuación.

Nuevos misterios, mucha más oscuridad, nuevos personajes, nuevas preguntas, desorientación y nuestro protagonista contra el mundo, contra la inmensidad. El entorno postapocalípticamente cyberpunk que le rodea no le amedrenta en ningún momento. Y eso os dará la seguridad para seguir adelante y continuar leyendo las aventuras de nuestro protagonista, aunque no comprendáis lo que está pasando.

Parece que en la siguiente historia nuestro protagonista va un paso por detrás de su búsqueda, pero su distinguible seña de identidad (la perseverancia extrema) es un punto a su favor.

DIBUJO

Podemos notar una constante en la obra: en los clímax finales puede parecer el dibujo un poco farragoso, pero no va en detrimento de la espectacularidad o la narrativa. Al inicio del siguiente arco argumental volvemos a los escenarios oscuros y a la importancia en las grandes estructuras que dan un ambiente terrorífico, desolado, de pesadilla.

Podremos disfrutar de una multitud de combates diferentes con nuevas armas, diseños, antagonistas, transformaciones…siempre sorprendiéndonos, mostrando nuevos mundos a cada paso que dan los protagonistas.

Ficha del cómic

Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 352 págs., tapa blanda, blanco y negro, 17×24 cm. Publicación:  febrero de 2018. Precio: 20€.

Reseña: ‘Blame!’ Master edition 4

Argumento

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En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.

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Reseña

Más de lo que podemos imaginar

En cuestión de historias (y sobre todo las épicas) todo tiene un principio y un final, pero realmente, aunque muchos fans lo deseemos (las continuaciones) para lo que realmente no estamos preparados es ante la inmensidad, el infinito. Que algo no tenga principio ni final… para el ser humano es algo extraño. Por eso nos fascina quizás tanto el fin del mundo.

Como decían personalidades tan ilustres como el físico teórico Werner Heisenberg o el genetista y biólogo evolutivo J.B.S Haldane “no es que el universo sea más extraño de lo que imaginamos, es que es más extraño de lo que podemos imaginar”.

En ‘Blame!’ sucede algo parecido, su autor Tsutomu Nihei, está empeñado en demostrarnos que el universo es más extraño de lo que podemos imaginar. Y después de cerrar en este tomo un arco argumental muy claro y épico, nos devuelve casi al punto de partida, tanto al protagonista como al lector, ante la inmensidad de un espacio arquitectónico difícil de imaginar.

‘Blame!’ tiene muchos paralelismos con otra saga literaria con la que estoy obsesionado: ‘La torre oscura’ (de la que os he hablado ampliamente en Moviementarios). Sus protagonistas son unos pistoleros misteriosos que tienen un solo objetivo, van en busca de “algo” en un mundo que no parece tener ni principio ni fin.

Aunque al menos Stephen King hace un aviso importante a sus lectores cuando termina ‘La torre oscura’, porque les espera un epílogo que los va a llevar mucho más allá. O se pueden contentar con un final cerrado o arriesgarse a buscar la verdad hasta el final.

Por eso advierto a los que nos estén leyendo que si quieren parar después de terminar el arco argumental en el que se basa la adaptación de Netflix… que paren.

Lo que viene a continuación es la búsqueda de la verdad. Con mayúsculas.

Hay que reconocer que la edición de lujo (o Master Edition) no es la más adecuada para llevársela de viaje por su gran tamaño, pero es imprescindible para poder disfrutar de las obras arquitectónicas que dibuja Tsutomu Nihei y sobre todo para sacarle partido a sus espectaculares escenas de acción, escenarios y personajes. Su orden de lectura es de sentido japonés, al contrario que la primera edición que nos llegó a España hace muchos años.

Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición en el que en el que vemos a los dos protagonistas de la historia.

GUION

Cerramos un arco argumental que supone un tercio de este tomo. Entre todos los personajes y facciones destaca una villana que ya ha dejado huella en este manga. Y volvemos al punto de partida. Volvemos a la oscuridad, a la búsqueda, a nuestro protagonista acompañado de un único personaje. En definitiva, a la fascinante desorientación espacial tan característica de este manga.

Otro aspecto bastante atractivo de ‘Blame!’ es la cabezonería de su protagonista por llegar a su objetivo a pesar de las adversidades. Recuerda mucho a ‘La torre oscura’ y a más de uno os servirá como fuente de inspiración ante cualquier reto que os hayáis planteado.

Conocemos nuevos personajes, tanto protagonistas como antagonistas, que son bien retratados en sus motivaciones.

DIBUJO

El maestro Nihei nos vuelve a sorprender con un estilo arquitectónico postapocalípticamente cyberpunk. El escenario es un personaje en sí mismo, con tramos pesadillescos y pasillos interminables por los que más de uno no le gustaría aventurarse.

Hay un curioso contraste, el dibujo cambia de un arco argumental a otro. Los combates son un poco más confusos al principio del tomo, pero eso no es un problema por el clímax emocional con tanto giro de guion (¿cómo acabará?).

En la siguiente mitad del tomo, aunque todo se vuelve mucho más oscuro y tétrico, los combates son más fáciles de seguir, con nuevos personajes y habilidades.

Ficha del cómic

Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 368págs., tapa blanda, blanco y negro, 17×24 cm. Publicación:  noviembre de 2017. Precio: 20€.

Reseña: ‘Blame!’ Master edition 3

Argumento

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En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.

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Reseña

El prestigio

Arthur C Clarke, maestro de maestros de la literatura de ciencia ficción, escribió una vez “cualquier tecnología suficientemente avanzada es indistinguible de la magia”.

En ‘Blame!’ ocurre eso y como en ‘2001, odisea en el espacio’, es una historia que se apoya mucho en las imágenes, en la ambientación (su autor, Tsutomu Nihei, fue arquitecto) y menos en diálogos o en los personajes. Es una obra abierta a muchas interpretaciones… y ahí reside su encanto. Puedes leerlo una y otra vez que siempre te provocará sensaciones nuevas.

Y ya que mencionamos la magia, todo espectáculo de este tipo consta de tres actos: el primero es la presentación, el segundo es la actuación y el tercero es el prestigio.

En la presentación el mago (Tsutomu Nihei) nos muestra algo ordinario. En este caso un puñado de historias cortas con un único nexo en común, el viaje de su protagonista. Esto ejerce una fascinación en el lector, porque supone un reto ya que nos presenta unos escenarios, armas y enemigos espectaculares, pero no se detalla nada de la trama. Esto ocurrió en el primer tomo.

En el segundo acto, la Actuación o giro, el mago consigue hacer algo extraordinario, y nos presenta una estructura narrativa clara, concretando los diversos bandos que se mueven en ese universo, los objetivos de los personajes, hacia donde se dirige la historia… de repente todo empieza a cobrar sentido y el lector se siente poderoso. Ya sabe cómo irá la historia.

Es extraordinario, sí, pero aún no vemos la magia.

Y en el tercer acto que corresponde a este tercer tomo, viene la parte más complicada: el prestigio. El mago se juega su prestigio ante el público.

Cuando creíamos que sabíamos de qué iba ‘Blame!’ el autor nos hace un juego muy a lo Christopher Nolan. Os será difícil incluso situaros en el espacio y el tiempo. Como si ‘Origen’ e ‘Interstellar’ se hubieran fusionado con ‘Hellraiser’.

Es una edición de lujo (o Master Edition) de gran tamaño para poder disfrutar de las obras arquitectónicas que se marca Nihei y es mucho más grande que los tomos recopilatorios originales, con lo cual podremos disfrutar de sus espectaculares escenas de acción, escenarios y personajes. Y un orden de lectura japonés (la primera edición era de sentido occidental).

Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición (una de sus antagonistas, en una misma ilustración desde diferentes perspectivas).

GUION

El tercer tomo abarca en gran parte la adaptación del anime de ‘Blame!’ que tenéis disponible en Netflix y a pesar de que estamos en un arco argumental bastante claro, en su segundo acto, Nihei lo vuelve a conseguir y nos vuelve a descolocar, aprovechando para beber de mil y una referencias pasadas por su filtro cyberpunk: las historias de caballería, la fantasía heroica, cultura cybergotica, la física cuántica…

También a destacar la complejidad de las facciones y organizaciones que se presentan en este rico universo, en contraste con los encuentros aleatorios de nuestro protagonista al principio de la historia.

DIBUJO

Tsutomu Nihei nos intenta compensar la desorientación argumental con grandes estructuras a doble página que hipnotizan y acongojan a partes iguales. La inmensidad es un concepto que este autor maneja muy bien y hace sentir al lector muy pequeño.

El autor sigue reinventándose en los diseños. Podemos ver variaciones y evoluciones ya vistos con anterioridad: androides, robots, maquinas, armas… y seguimos notando las claras influencias de H.R Giger y Clive Barker.

En cuanto a las escenas de acción podemos disfrutar de muchos enfrentamientos con más personajes, pero los momentos culminantes siguen siendo los de nuestro protagonista, Killy y su lanzador de partículas gravitacionales.

Ficha del cómic

Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 360 págs., tapa blanda, blanco y negro.  Publicación:  septiembre de 2017. Precio: 20€.

Crítica de ‘Ghost in the Shell SAC_2045’

Por dentro no tiene el mismo alma y por fuera no es eficiente

Es curioso que el último episodio, el doce, de esta nueva serie sobre ‘Ghost in the Shell’ se llame ‘Nostalgia’. Ya podían aplicarse el ejemplo de su trama, pasar página y dejar el pasado atrás. Porque uno ya no sabe como tomarse el que se retome una y otra vez una historia tan mítica, clásica y referente de la ciencia ficción cyberpunkarra como esta. Todo partió del manga de Masamune Shirow y desde entonces hemos tenido serie de anime, varias películas de animación, videojuegos, el live action con Scarlett Johansson y Takeshi Kitano (crítica aquí)… Ahora Netflix mete mano a este producto y publica ‘Ghost in the Shell SAC_2045’.

Con el tiempo se ha ido perdiendo el toque original de ‘Ghost in the Shell’ y esta ya es una versión desdibujada de lo que debería ser, ya os diré más abajo porqué además esto tiene un sentido literal. Lo que más se nota tras acabar la serie es que no hay una meditación cavilada y desarrollada en esta serie. No es capaz de generar reflexiones como anteriormente. Y aburre. No por sus superficiales divagaciones si no porque se evade mucho de la trama principal o la aborda demasiado desde la diplomacia. Se va a temas como la economía global, el acoso infantil, la crueldad de la gente en la red… pero en momentos puntuales, sin profundizar.

Esta es una nueva historia muy política, algo detectivesca y militar que sucede unos catorce años después de que se disolviese la Sección 9. Por supuesto tiene acción pero es más escasa y vibrante que de a menudo. Al menos la tecnología está constantemente presente y la serie vuelve a sorprendernos con algunos diseños de artefactos muy originales.

El caso es que desde el principio a mi me ha perdido. Y es que no comparto este estilo de animación que se está usando tanto en Japón. Es una estética similar a la que se ha empleado en series como ‘Ultraman’, ‘Los Caballeros del Zodíaco’ o juegos de ‘Dragon Ball’. Y no la veo para nada eficiente salvo por el hecho de que se parece a un dibujo manga al que le han aplicado directamente volumen. Las nuevas versiones de los personajes no cuadran con el paisaje, esto se nota de una manera mayúscula en el último episodio donde tenemos una aldea y un bosque estupendamente realizados y son recorridos por vehículos e individuos hechos pobremente. Los directores de esta serie son Kenji Kamiyama y Shinji Aramaki, ambos directores de ‘Ultraman’. Parece que uno ha estado a cargo de la animación de los elementos móviles tales como vehículos, robots y humanos y otro al mando de los escenarios. Y nadie al timón del doblaje, porque (y hablo de la versión original que es la que está disponible) está fatalmente doblada, con mucho desfase con las bocas que ya de por si tienen un movimiento muy torpe. O bien ‘Ghost in the Shell SAC_2045’ es parca en detalles ahorrando en texturas o bien usa elementos casi realistas, muy contradictorio. Por lo menos las luces están bien trabajadas.

En algunos aspectos procura ser adelantada a su tiempo, como hace con el planteamiento de las llamadas «Guerras sostenibles» o con los movimientos que hace con las monedas a nivel internacional. Usa esto como herramientas junto a una nueva amenaza para volver a reunir una vez más a los miembros de la Sección 9, que acaban por hacer lo mismo de siempre a pesar de comenzar ubicados en un ambiente bien diferente.

Regresan por lo tanto la Mayor Motoko Kusanagi, como siempre algo sexualizada, Saito, Bato, Aramaki, Togusa… Por supuesto se han añadido nuevos personajes, bastante carentes de carisma y que sirven sobre todo a esa trama de politiqueo. A parte están los «posthumanos» que vienen acompañados en sus momentos clave del ridículo sonido de una tecla de piano que no es para nada eficiente.

Si el incidente de «El hombre que ríe» tenía paralelismos con ‘El guardián entre el centeno’ en esta nueva etapa se ha querido enlazar con el ‘1984’ de Orwell, como se ha hecho tropecientas veces. Pero esto sucede prácticamente solo en su tramo final y además de un modo que parece casi superfluo. Si consigues llegar hasta el último capítulo acostumbrándote a los inexpresivos rostros, la trama política presente en exceso y las poco dinámicas peleas comprobarás que encima tras doce episodios nos dejan con un final excesivamente inconcluso. Creo que se logra una cinemática más elaborada con este tipo de animación pero no es tan fluida, se pierden muchos detalles, se transmiten menos sensaciones e incluso se pierde espectacularidad, el precio no vale la pena.

17 Muestra SYFY. Día 4

Cierre oriental con ventriloquía moñeca y chaquetera

La mañana del último día ha servido para homenajear uno de los clásicos indispensables de la ciencia ficción, ‘Regreso al futuro’. Para eso y para que muchos niños lo vean por primera vez en su vida, por lo menos en pantalla grande. Y se ha disfrutado gozando todos los momentos míticos de la película de Zemeckis y Gale: el beso del baile del instituto, el puñetazo de George, los acelerones del Delorean, los piques de Marty, la hiperactividad de Doc…

En el momento extremo de la jornada, en el cierre, nos iban a poner una pieza exclusiva de ‘Un lugar tranquilo 2’ pero por problemas técnicos no ha sido posible. De hecho nos ha tocado incluso cambiar de sala para poder acabar con la proyección de la película de clausura. Para amenizar el retraso de una hora una espontánea nos animó a jugar a Spoilers, el juego de mesa.

Por no romper la racha seguimos teniendo perros. No solo Einstein, el tierno canino de ‘Regreso al futuro’, también otros robóticos en ‘Human lost’ y ‘First love’, y un pastor alemán en ‘The boy 2’, que por supuesto han acabado fatalmente para colmo y mofa de los espectadores, porque lo de esta muestra ha sido la repanocha. Nueve perros muertos en diecisiete películas.

Hasta aquí nuestras reseñas de la edición 2020 de la Muestra SYFY. Nos vemos el próximo lunes 16 a las 22h en nuestro Facebook, día en el que realizaremos nuestro habitual directo para hablar de todo lo que ha sido este evento junto a los amigos de Holocausto Zinéfago.

‘Regreso al futuro’

35 tacos cumple la saga realizada por Robert Zemeckis. Algunos hemos crecido con ella, viéndola una y otra vez. La cuestión no es saber si ‘Regreso al futuro’ es una película buena o mala, eso no tiene discusión. El debate es ¿con cuál de las tres te quedas? Pero… ¿es que se pueden separar? Es una trilogía tan homogénea que funciona casi como una sola película que encaja a la perfección.

Cuesta imaginarse a Michael J. Fox y a Christopher Lloyd fuera de un papel que no sea el de Marty McFly y el de Doc. Dos iconos de la ciencia ficción junto al mítico Delorean. Nos han puesto esta película en la muestra y ahora habrá que verse las otras dos entregas, porque con esta han encendido la mecha, o mejor dicho el condensador de flujo.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘Human lost’ (crítica extendida aquí)

Una vez más los japoneses son capaces de crear una obra de ciencia ficción con nuevos códigos. Su comprensión de la tecnología y concepto del alma o cuerpo humano ha dado a luz una humanidad longeva, regenerativa y monitorizada. Un mundo en el que un muerto puede ser resucitado de manera remota.

La película tiene mucha acción y una excelente animación que puede recordar a las últimas versiones de ‘Ghost in the shell’ casual o referencialmente una organización del filme se llama G.H.O.S.T. Con su calidad visual en la que se emplea mucho ordenador nos adentran en una ciudad de metal y personas controladas, muy futurista y con toque distópico.

Este no es un filme 100% basado en la informática o los nano implantes, no hay riesgo de perderse con sus tecnicismos porque está muy bien explicada. Un regalo para los amantes de las historias futuristas y la exploración de la esencia humana.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘Le daim’

Puedo decir que es una de las películas más raras y que más me ha gustado de toda la muestra.

Dirigida por Quentin Dupieux, la película nos presenta a un Georges, un hombre con mucho estilo, que junto a su chaqueta de ante con flecos, comienza a filmar una extraña película.

Jean Dujardin, es el protagonista de la cinta, «embrujado» por su chaqueta, es capaz de todo para conseguir que ésta sea la única chaqueta del mundo y así poder hacerla feliz.

Si, como he dicho, la película es bastante peculiar y pese a que no tiene apenas acción, no puedes dejar de atender todos los sucesos ya que te engancha desde el principio.

Una buena película y muy divertida que nos deja con las ganas de haber visto el montaje final que de la película que estaba grabando el protagonista.

Comentado por Vicky Carras.

‘First love’

Takashi Miike vuelve a los tonos de color de algunas de sus películas anteriores como ‘Ichi The Killer’. Retorna también a elementos que son familiares en su cine como los yakuza y los bajos fondos. No abandona tampoco su peculiar sentido del humor, más propio de un manga, con sus detalles surrealistas que de repente se salen totalmente de lo que está pasando en la película.

Obviamente no falta su sentido de la acción y la sangre gratuita. El director japonés brinda momentos retorcidos y algo asquerositos, también habituales en muchas de sus cintas. Muertes colaterales fruto de un cruce fortuito entorno a una historia de amor que desemboca en un clímax dentro de una ferretería llena de tiros y machetazos. Esta descripción solo pueden encajarla con estilo y salir airosos directores de la talla de Miike.

Comentado por Francisco J. Tejeda White.

‘The boy. La maldición de Brahms’

Terminamos la Muestra SYFY con la segunda parte de ‘The Boy’ en donde un muñeco bastante inquietante se convierte en la peor pesadilla de una familia que está intentando superar su propio trauma.

Con el mismo equipo de dirección y guionista llega esta segunda parte llena de tópicos, sustos fáciles que al menos a mi me han funcionado bastante.

Si os dan miedo o grima los muñecos de porcelana, no podréis evitar que Brahms os de bastante mal rollo. Las actuaciones funcionan, Ketie Honlmes está bastante bien en su papel de madre preocupada y el niño nos da una buena ración de inquietantes situaciones.

Sí que es cierto, que aunque digo que me ha funcionado en general la película, el final es bastante flojo, terminando muy precipitadamente y sin ningún tipo de sorpresa. A partir del 9 de abril podréis verla y sufrirla en las salas de cine.

Comentado por Vicky Carras.

Crítica de la segunda temporada de ‘Altered Carbon’

Una contienda por las raíces y el mundo de Kovacs

Ya tenemos disponible en Netflix ‘Altered Carbon’ temporada 2 que continúa con la adaptación de la novela de Richard Morgan. La que fue una potentísima serie publicada hace justo dos años vuelve ahora con ocho nuevos capítulos para continuar la historia de Takeshi Kovacs. Y en esta ocasión es a través del rostro de Anthony Mackie que hace las veces de protagonista.

La historia arranca directamente donde la dejamos, con Kovacks buscando a su amada Quellcrist Falconer (Renée Elise Goldsberry), cuya conciencia (o pila) está perdida en alguna parte. Esta vez vuelve a verse involucrado en los tejemanejes de un Mat (Matusalén), esos ricos que pueden tener copias suyas para vivir más tiempo de cuerpo en cuerpo, o de funda en funda, más correctamente dicho. A él no le gusta involucrarse en los asuntos de esos todopoderosos magnates que controlan planetas enteros pero le prometen poder encontrar a su amada a cambio. Y así se involucra en toda una guerra interestelar que le devuelve a Harlan, el planeta de inicio de la historia de Kovacs.

La segunda temporada entronca aún más con el pasado de nuestro protagonista. Tenemos a un Kovacs agotado de buscar a Falconer y para poder alcanzar su objetivo no solo debe retornar a sus recuerdos si no también a sus olvidados sentimientos. Es por eso que el escenario de esta segunda fase es Harlam, el mismo lugar donde están las minas del que se extrae el metal del que se fabrican las pilas en la que se almacenan las conciencias. Allí quema su último cartucho en lo que es una desesperada e implacable búsqueda para recuperar su vida anterior, para tener la paz. A causa de eso la serie se ha tornado más dramática y menos divertida.

‘Altered Carbon’ temporada 2 Retoma personajes de la primera etapa pero sobre todo cuenta con el entrañable Poe (Chris Conner), fiel escudero virtual de nuestro protagonista o con la líder revolucionaria Quellcrist Falconer, ambos con sus propios problemas de memoria. Obviamente recurre a anteriores rostros de Kovacs como el de Will Yun Lee. Pero por supuesto incluye nuevos componentes para el tablero. Simmone Missick (‘Luke Cage’) protagoniza la trama paralela de esta temporada en el papel de Trepp quien también está embarcada en una búsqueda, la de su hermano. Frente a ellos están los villanos: Danica Harlan interpretada por Lela Loren (‘Power’) y el coronel Ivan Carrera interpretado por Torben Liebrecht (‘Operation Finale’). La sorpresa en forma de rostro conocido para esta temporada es Neal McDonough quien interpreta al fundador de la colonia de Harlan.

Anthony Mackie  demuestra su compromiso con la ciencia ficción el cual va más allá de ‘Vengadores’ pues pudimos verle en ‘Synchronic’, la obra de los talentosos Justin Benson y Aaron Moorhead, o en ‘Black Mirror’. Se mueve bien entre IA’s, fundas, desintegradores, lectores de memoria y realidades virtuales. Incluso se ha molestado en imitar los andares y algunos gestos de Joel Kinnaman para retomar el personaje de Kovacs.

Hay novedades en ‘Altered Carbon’ temporada 2 como la funda con mejoras de las que disfruta nuestro perseguido protagonista. Ahora tiene curación acelerada y otros detalles que irá explorando y que no os quiero adelantar. Me refiero también a otras incorporaciones como el giro que tenemos a partir del quinto episodio que explora una idea que no vimos en la primera temporada, el cual le da más jugo a la serie. O los clímax como los de los episodios tres y seis que me recuerda bastante a un detalle del ‘Gears of War’. La rabia es quedarnos con la miel en los labios y no poder adaptar la novela tal y como cabría esperar.

Los efectos especiales están al más alto nivel. Con ciudades y colonias planetarias que son el escenario ideal para cualquier jugador de videojuegos, un ambiente futurista repleto de luces y tecnología de todo tipo. El vestuario, los objetos, las ciudades son de nuevo alucinantes. Cada nuevo rincón y localización está personalizado acorde al nuevo ambiente o personaje al que Kovacs se arrima. Dan ganas de dar un salto en el tiempo para explorar las infinitas posibilidades del futuro de ‘Altered Carbon’. Sin duda se han gastando un dineral a la hora de emplear medios tanto físicos como de post-producción, aunque no tanto como las páginas de la novela podrían exigir (no quiero dar pistas más específicas). El departamento de arte ha mantenido la estética de la anterior temporada y ha incluido algunos detalles nuevos que constantemente nos adentran en una trama dependiente de lo puramente digital. Parte del mérito de todo este cuantioso trabajo de escenografía es de Charles Leitrans, fallecido en julio de 2019 y a quien le dedican el primer episodio titulado ‘Phamtom lady’.

Para dirigir la serie se ha contado con directores y directoras como Salli Elise Richardson (‘American Gods’, ‘Doom Patrol’), Ciaran Donnelly (‘Vikingos’, ‘Kripton’), MJ Bassett (‘Solomon Kane’, ‘Ash Vs Evil Dead’) y Jeremy Webb (‘The Umbrella Academy’, ‘Runaways’). Artistas muy experimentados en series fantásticas, algunas de corte parecido y que han velado en que se mantenga el toque de cyberpunk con una acción muy presente. Los referentes a otros títulos de ciencia ficción son obvios pero también los hay a clásicos como ‘Gladiator’, los vais a ver muy claramente. Eso sí, se ha perdido el toque divertido que tenía la primera temporada, esto hacía que pudiese disfrutarse con algo de sinvergonzonería.

‘Altered Carbon’ temporada 2 sigue siendo un regalo para los amantes de la ciencia ficción y el tema de las fundas es obviamente su mejor baza. No solo se centra en la vistosidad de sus escenas y en la acción de sus tiroteos y peleas, también en las búsquedas de identidad y en bucear en memorias perdidas dentro de océanos de bits. Todo esto envuelto con una trama política y llena de intrigas personales. Hay menos misterio y espectacularidad que en la primera parte pero ‘Altered Carbon’ sigue siendo una de las mejores series de ciencia ficción de la actualidad.

Tráiler de ‘Bloodshoot’, protagonizada por Vin Diesel

Extraída del cómic de Valiant Comics

Ya podemos ver el tráiler de la nueva película protagonizada por Vin Diesel (‘Saga Fast & Furious’, ‘xXx’) junto a Eiza González (‘Baby Driver’, ‘Fast & Furious: Hobbs and Shaw’), Guy Pearce (‘Memento’, ‘Iron Man 3’), Sam Heughan (‘Outlander’) y Toby Kebbell (‘La guerra del planeta de los simios’, ‘Un monstruo viene a verme’).

‘Bloodshot’ es la primera adaptación al cine del cómic superventas realizado por Kevin VanHookDon Perlin and Bob Layton. Está dirigida por Dave Wilson, quién deja el universo de los efectos visuales para estrenarse en la dirección de este largometraje con espíritu de videojuego, que tiene previsto su estreno en cines el 13 27 6 de marzo de 2020.

Sinopsis oficial:

Basada en los cómics súperventas, con Vin Diesel en el papel de Ray Garrison, un soldado caído recientemente en combate y devuelto a la vida por la corporación RST como el superhéroe Bloodshot. Con un ejército de nanotecnología en sus venas y una fuerza imparable, más poderoso que nunca y capaz de auto sanarse instantáneamente. Pero con el objetivo de controlar su cuerpo, la compañía ha tomado también el control de su mente y sus recuerdos. Ray ya no sabe qué es real y qué no lo es – pero su misión será averiguarlo.

Hemos estado con Christoph Waltz que presenta ‘Alita: Ángel de combate’

El oscarizado actor está en Madrid para promocionar su próxima película

El largometraje ‘Alita: Ángel de combate’ parte de la obra de Yukito Kishiro. Una historia de lo más cyberpunk en la que conoceréis a Alita, un cyborg que despierta en un mundo distópico y muy diferente al que conocía en el que deberá intentar sobrevivir. Esta adaptación del manga ‘GNNM’ será estrenada por 20th Century Fox el próximo 15 de febrero.

El personaje principal está interpretado por Rosa Salazar (‘Bird box’) y entre el casting que le acompaña encintramos nombres importantes como Christoph Waltz, Jennifer Connelly, Mahershala Ali, Ed Skeein, Jackie Earle Halley, Michelle Rodriguez y Keean Johnson.

Para presentar esta película rodada por el mismísimo Robert Rodríguez (‘Sin city’) y escrita por James Cameron y Laeta Kalogridis nos ha visitado el oscarizado Christoph Waltz. ‘Malditos Bastardos’ y ‘Django’ le valieron dos Oscars a este talentoso actor que en esta película de ciencia ficción interpreta al Doctor Dyson Ido, el custodio de Alita, que la rescata de sus cenizas y la guía por su nuevo mundo.

A continuación podéis ver las fotografías que le hemos tomado al actor.

Las fotografías han sido realizadas por Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Crítica de la primera temporada de ‘Altered Carbon’

El cyberpunk de ‘Altered Carbon’ hará que os enfundéis horas seguidas en vuestro sofá y manta.

Desde hoy mismo, 2 de febrero de 2018, podéis empezar a ver ‘Altered Carbon’ en Netflix pues acaba de ser lanzada esta serie de 10 episodios en la plataforma digital. Una nueva historia de ciencia ficción que nos narra la investigación que tiene que llevar a cabo el soldado Takeshi Kovacs (Joel Kinnaman) por encargo del ricachón Laurens Bancroft (James Purefoy). Lo más curioso es que Brancroft le pide a Kovacks que investigue su propio asesinato y que este acaba de ser despertado de su letargo de varios cientos de años. Todo esto es debido a que en este futuro, para algunos distópico para otros no, las personas llevan en su cuello una pila o disco que les permite pasar de un cuerpo a otro después de morir.

Podemos haber visto muchas series futuristas, pero lo que os vais a encontrar en ‘Altered Carbon’, sin querer decir que esta sea el culmen, no tiene parangón, por lo menos en el panorama de series actual. Para un seguidor de la ciencia ficción cumple todos los requisitos, hace malabares con los cánones más típicos pero a su vez no se ceba en los tópicos. Humanidad interplanetaria, mega-urbes infinitas oscuras y abarrotadas, inteligencias artificiales, coches voladores, debates y soliloquios existencialistas, gente con implantes y mejoras técnicas, personas cambiando de cuerpos para alargar su existencia… Es un despliegue muy intenso de elementos pero también hay que reconocer que en ocasiones carga al intentar pasarse de provocadora.

La cuestión es que está pensada para que sea una orgía cibernética. Todas las mejoras tecnológicas son plausibles y la mayoría se nos han pasado por la cabeza e incluso podrían haber formado parte de un episodio de ‘Black Mirror’. A parte de la pila que permite transferirse de un cuerpo a otro el imaginario de la serie nos ofrece teléfonos en el ojo, pagos mediante ADN, reestructuración facial a capricho, miembros electromecánicos…

El presupuesto de esta serie debe haber sido elevadísimo o tiene que haber contado con un equipo de talento excepcional por que la calidad de del diseño de producción es asombroso, principalmente en la recreación de la ciudad. El personal de la serie no ha tenido problema en ofrecernos panorámicas y tomas de todo tipo para ambientar cada secuencia, con todo lujo de detalles y alta calidad. Pero no solo eso, el diseño de escenarios, trajes y objetos es excelente. Cada nuevo lugar y personaje esconde una nueva filigrana y sorpresa tecnológica en él. No tanto su banda sonora que debería haber formado parte de cada sujeto, época y lugar y por el contrario en ocasiones flaquea e incluso llegas hasta a olvidarte de que está ahí.

Desde su mismo opening, que ya nos muestra el símbolo del infinito como muestra de la inmortalidad, nos  recuerda a clásicos como el ‘Deus ex’ o ‘Ghost in the Shell’. Y es qu e es inevitable encontrar paralelismos visuales cuando se toca una estética tan marcadamente cyberpunk. Un claro ejemplo es la modernizada ciudad de San Francisco (Bay City como se llama en este hipotético futuro) que os recordará en muchas ocasiones a Los Ángeles de ‘Blade Runner’. Se ven influencias y guiños inconfundibles. Incluso la trama tiene similitud con una de las historias de ‘Sin City’.

La acción es otro de los puntos que pretende explotar esta creación de Laeta Kalogridis (‘Shutter Island’). Es muy cruda, salvaje y contundente. Tanto sus peleas como sus tiroteos son muy sanguinolentos. Pero no solo eso, los protagonistas no tienen reparo en mancharse las manos de sangre, tanto figurada como literalmente. Las coreografías son mejorables pero están bastante trabajadas.

Al narrar la historia de un personaje descongelado se enumeran muchos momentos de su vida pasada. Es por eso que vemos bastante de lo que vivió en su anterior funda (como se llama a los cuerpos) y podemos decir que tanto el pasado como el presente del protagonista son harto interesantes. Hay algo de novela negra y de cine acción entremezclado. Se introducen una buena cantidad giros, algunos capaces de sorprender, cosa que no es fácil con todas las ficciones que consumimos hoy en día. Debida a esta condición la temporada tiene algunos episodios que sirven de elipsis, pero no se emplean solo para ofrecer un descanso al espectador, abarcar aspectos del pasado de los personajes o aliviar el ritmo de la serie ya que también se hace progresar la narración de esta. No os vais a aburrir en ninguno de os diez capítulos.

Joel Kinnaman con sus 1,89 metros de altura está mucho más imponente y creíble que en desastres como ‘Robocop’ y ‘Escuadrón Suicida’. Con este trabajo creo que si no se reivindica como poco se absuelve, al menos para mí que no le he visto en ‘House of Cards’. Tampoco esta manco su otro yo en el pasado, el cual está interpretado por Byron Mann (‘La gran apuesta’). Pero si hablamos de la lucha y de los personajes es inevitable hablar de Martha Higareda (‘Dueños de la calle’) me ha sorprendido gratamente por como se ha desenvuelto en las peleas y por como ha hecho suyo el personaje. Sorprendente ha sido también encontrarse con un Poe virtual interpretado por Chris Conner (‘American Crime Story’) ejemplar que sirve como muestra de que este género puede mezclar el humor y usar este tipo de recursos a su favor de una manera correcta.

Sin duda echaré mano a la novela de Richard K. Morgan en la que se basa para compararla con la serie. Pero las expectativas ya son altas pues los diez episodios que ha creado Laeta Kalogridis me han dejado más que satisfecho y me gustaría tener una segunda temporada. Si como en esta ocasión cuenta tras las cámaras con gente como Nevin Densham (‘Héroes Reborn’), Steve Blackman (‘Fargo’), Brian Nelson (‘Hard Candy’), Nick Hurran (‘Dr. Who’), Uta Briesewitz (‘Orange Is the New Black’), Alex Graves (‘Juego de Tronos’), Andy Goddard (‘The Punisher’), Peter Hoar (‘Daredevil’)… por donde iba… ah si… que con esta gente yo encantado.