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Crítica: ‘Vidas perfectas’

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Sinopsis

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Alice (Jessica Chastain) y Celine (Anne Hathaway), disfrutan de sus idílicas vidas junto a sus respectivos hijos y exitosos maridos. Son mejores amigas y vecinas. La perfecta armonía de sus vidas se rompe repentinamente después de un trágico accidente.

Una combinación de culpa, sospecha y paranoia destruye el vínculo entre Alice y Celine dando lugar a una dura batalla psicológica cuando los instintos maternales de ambas revelen su lado oscuro para defender a los suyos.

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Crítica

Chastain y Hathaway de nuevo forman un dúo interestelar

Basada en novela de Barbara Abel llega ‘Vidas perfectas’ a nuestras carteleras. Una película de Benoît Delhomme, quien ya nos ha visitado con películas como ‘El fotógrafo de Minamata’, ‘Los hombres libres de Jones’ o ‘Van Gogh, a las puertas de la eternidad’. Pero los nombres destacados de este thriller son los de sus dos protagonistas, Anne Hathaway y Jessica Chastain.

‘Vidas perfectas’ pone en conflicto a dos familias que vivían en armonía vecinal, que tenían una amistad que se percibía como perfecta. Los años 50 y 60 fueron una década de grandes cambios para los Estados Unidos, repleta de prosperidad y plagada de acontecimientos e hitos que sembrarían de manera perenne la semilla del progreso de toda la mitad del siglo XXI llegando e incluso hasta nuestros días. Es una época que siempre se refleja en el cine con sus colores pastel y su materialización del sueño americano. El lechero que te lleva la leche fresca a la puerta de tu casa, las casas con jardín y garaje, el niño que se gana sus primeras monedas repartiendo periódicos, las barbacoas de los domingos, la esposa que se conforma con ser ama de casa… ¿Pero qué pasa cuando ese cuestionable idilio se rompe? Ese es el enfrentamiento que sufren las dos protagonistas de la película. Este título se conforma como un duelo, tanto en el guión como en la interpretación, que se mantiene a buen nivel gracias a sus dos actrices principales.

Esta película transcurre durante el mandato de Kennedy y la carrera espacial y aunque yo me haya centrado en el marco histórico y el american way of life lo que ensalza más ‘Vidas perfectas’ es el instinto maternal. Cabe señalar que sufrimos con este filme uno de los famosos cambios de título fruto de la casi siempre innecesaria traducción y las cuestionables estrategias de marketing. ‘Mothers’ instict’ es el título original que nos anticipa que la película trata de dos madres protegiendo a capa y espada lo que es suyo. ‘Vidas perfectas’ es una lucha a ciegas como lo fue ‘Tu hijo’ de Miguel Ángel Vivas, en la que la negación a quitarse la venda de los ojos da paso a decisiones erradas y cada vez más malsanas.

Las dudas y el dolor dan paso a la desconfianza y con ella los malos actos que van emponzoñando cada vez más una relación que parecía inquebrantable. Gracias a Anne Hathaway sentimos el dolor, los celos, el resquemor… Y con Jessica Chastain llega el desconcierto, la ansiedad, la paranoia. Ya trabajaron juntas en ‘Interstellar’ y ahora podemos decir que sin la capacidad de transmitir emociones de estas actrices ‘Vidas perfectas’ habría valido más bien poco, si acaso para recordarnos que intentemos estar ahí para los que nos necesitan, para que nunca tengamos que decir eso de “pude hacer más” cuando ellos no estén. Por lo demás es una película excesivamente redundante en su pugna psicológica y con evidentes similitudes con ‘La mano que mece la cuna’.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de junio de 2024. Título original: Mothers’ Instinct. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Benoît Delhomme. Guion: Sarah Conradt-Kroehler. Música: Anne Nikitin. Fotografía: Benoît Delhomme. Reparto principal: Anne Hathaway, Jessica Chastain, Anders Danielsen Lie, Josh Charles, Eamon O’Connel, Baylen D.Bielitz, Caroline Lagerfelt. Producción: Anton, Freckle Films, Mosaic, Versus Production, Wheelhouse Productions. Distribución: Vértice Cine. Género: drama, suspense. Web oficial: https://www.freckle-films.com/mothers-instinct

Crítica: ‘Respira’

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Sinopsis

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La falta de oxígeno ha convertido la Tierra en un planeta inhabitable. Para sobrevivir, Maya (Jennifer Hudson) y su hija Zora se ven obligadas a confinarse en un búnker bajo la superficie. Para poder salir al exterior deben ponerse un traje especial diseñado por el marido de Maya, Darius, desparecido tras embarcarse en un peligroso viaje. La llegada de una misteriosa pareja (Milla Jovovich y Sam Worthington) que dice saber dónde se encuentra Darius hará que Maya y Zora bajen la guardia. Sin embargo, los visitantes esconden más de un secreto y su ansia por refugiarse en el búnker a toda costa hará que madre e hija deban luchar por sus vidas.

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Crítica

Traslada eficientemente los códigos del home invasión a un mundo apocalíptico

Una vez oí que en toda película debe haber un conflicto, de cualquier tipo, para suscitar el interés del espectador y hacer progresar la trama. En el caso de ‘Respira’ es así, pero ello no significa que deba de haber un villano. El malo de esta película de supervivencia son las prisas, la desconfianza y la naturaleza traicionera de la que llevamos haciendo alarde los humanos durante siglos de historia. El sentimiento de piña, de comunidad, de sociedad, da paso fácilmente al individualismo cuando la cosa se pone fea y escasean los recursos, esto no creo que a nadie le suene a chino, solo hay que ver cuales fueron los comportamientos generalizados en el supermercado cuando se anunciaron los confinamientos de 2020. En esta película nos mantienen divididos pues a veces cuesta saber de qué lado ponerse y estamos deseando que se saque la bandera blanca y se ponga fin a la locura que enfrenta a los protagonistas.

Antes si sucedía, pero ya a casi nadie le extraña que haya gente que encargue construcciones de búnkeres y se prepare para una catástrofe o colapso. Son personas que cada vez están menos tildadas de locos. Eso es lo que le sucede a la familia que protagoniza ‘Respira’, que está a salvo gracias a esa previsibilidad extrema. La acción transcurre en 2034, en un planeta Tierra con niveles de oxígeno en mínimos impracticables para cualquier tipo de vida, animal y vegetal. Todos vimos tras los confinamientos que, de nuevo la realidad cercana nos asalta, la naturaleza se recupera si el hombre no está, esa es la esperanza a la que se aferran los protagonistas. Pero cualquier fallo en el soporte vital puede poner en peligro a los supervivientes mientras esperan recuperar su hábitat en la superficie. Todo esto nos recuerda a la recientemente estrenada ‘Fallout’ y la lucha por los recursos en un mundo desértico podría servir de precuela a ‘Mad Max’, de hecho están todos al borde de una locura similar fruto de la urgencia que trae inherente la supervivencia. ‘Respira’ no es ni una advertencia ecologista ni un alegato contra el consumismo, pero si expone acertadamente cómo es la naturaleza humana cuando le faltan aquellas necesidades que se ha creado a sí mismo, excluyendo evidentemente el oxígeno de esa lista.

En este tipo de películas suele sobrevivir el más astuto, el más frio y quien se preste más a llevar a cabo juegos sucios. El perjudicado suele ser el honesto o el que tiene sentido de colectividad. Como decía el ser humano es el enemigo de sí mismo ya que evolucionamos hace tiempo hacia las necesidades sociales. En ‘Respira’ se muestra cómo nos llevamos la contraria antropológicamente cuando le ponemos constantemente la zancadilla al prójimo, actuando de manera egoísta y sin sopesar que realmente estamos todos en el mismo barco, uno llamado Tierra. La película consigue mantener nuestro interés gracias a que su reparto, incluido Jennifer Hudson que explora el género por primera vez, se presta a una acción y a una tensión a la que Milla Jovovich y Sam Worthington están más acostumbrados. La película pertenece al género del home invasión y es prima de títulos como ‘Green room’ o ‘La habitación del pánico’. La diferencia es que estamos en un mundo postapocalíptico del que ni siquiera necesitamos conocer sus causas o detonantes. Es más, entretiene tan bien, sabe mover tan bien a sus personajes, que podemos pasar por alto sus pequeños fallos de coherencia, los deus ex machina o unos pocos momentos que parecen de comedia involuntaria.

Como curiosidad hay que señalar también que hay elementos claros que defienden la lucha de los afroamericanos contra la opresión de los blancos. La película se reduce a unos blancos invadiendo el espacio de unos negros, los cuales dicen varias veces, “esos blancos están locos”. Hay citas de Malcolm X, se pluraliza el “I can’t breathe” que generó el Black Live Matter y se usa como código el 1867, año de la Ley de Reconstitución, que fue la que surgió en la etapa en la que los Estados Unidos abolieron la esclavitud, se acabó con los gobiernos confederados y los afroamericanos comenzaron a tener derechos civiles. El director Stefon Bristol puede que haya aprovechado para introducir todos estos guiños y hacer algo de reivindicación, pero creedme que la película no va por derroteros aleccionadores. También aparece el eslogan “eat the ricth” y no por eso vamos a pensar que es una película que esgrima argumentos anti-capitalistas.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de junio de 2024. Título original: Breathe. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Stefon Bristol. Guion: Doug Simon. Música: Isabella Summers. Fotografía: Felipe Vara de Rey. Reparto principal: Jennifer Hudson, Milla Jovovich, Sam Worthington, Common. Producción: Capstone Pictures, Thunder Road Pictures, Streamline Global Group. Distribución: DeAPlaneta. Género: ciencia ficción, suspense. Web oficial: https://www.capstonepictures.com/breathe

Crítica: ‘Lina’

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Crítica

Un reencuentro con la que fue la reina de la interpretación gestual

Lina Morgan nos dejó en 2015 y desde entonces ha recibido muchos homenajes en forma de espectáculos, plazuelas a su nombre y demás. Pero ya tocaba que sus compañeros de profesión le rindiesen tributo. El de ‘Lina, la mujer espectacular’ es un acto de veneración hacia una artista que marcó a generaciones y de las que se puede decir que fue una pionera y adelantada a su época con todas las de la ley.

El próximo 17 de junio Movistar Plus+ estrena ‘Lina, la mujer espectacular’. A lo largo de tres capítulos se nos cuenta la vida de esta artista que empezó en el mundo del espectáculo queriendo ser vedete y acabó como uno de los referentes cómicos más grandes de nuestro país y la primera mujer en Europa en regentar un teatro. Este es un recorrido cronológico lleno de curiosidades y halagos. Revelador con algunos detalles que habían caído en el olvido, a veces un tanto exagerado a la hora de ser halagador. Con esta docuserie viajamos desde su muy modesto origen rodeado de las miserias de la postguerra hasta sus últimas funciones.

Cómicos, estudiosos y coetáneos analizan la figura de al Morgan. La serie se compone de testimonios en forma de entrevistas intercalados de imágenes de archivo que refrendan todo lo comentado. En ese sentido ‘Lina, la mujer espectacular’ es un reportaje convencional, que no por ello quiere decir que no sirva para hacer justicia a una artista que debería ser conocida por todas las nuevas generaciones del teatro y la comedia. Como diferencia con respecto a otros documentales tradicionales, algunos de los entrevistados han incluido una imitación de alguno de sus números más conocidos. Todo ello se ha planteado como un falso casting, lo cual no deja de ser un guiño más a lo duro que es hacerse un hueco en la profesión, algo que ella probó bastante en sus carnes pues no tuvo solo que remar contra competidoras, sino también contra los cánones y gustos de la época.

No es la primera vez que Israel del Santo trabaja con Movistar Plus+. Ya nos deleitó con los documentales ‘Lola’ y ‘El palmar de Troya’. Ahora para camelarnos ha reunido a una troupe de nombres muy bien escogida pues son capaces de analizar todas las facetas de Lina Morgan. Es por ello que se realiza un análisis completo al tratar desde su vida personal hasta el porqué su humor fue rompedor. A destacar por ser más acertadas las palabras de Silvia Abril, María León, Jesús García Orts, Juan José Montijano o Anabel Alonso. Pero la lista de nombres es aún más larga. Entre ellos también Joaquín Reyes con un Celebrities inclusive, lo cual resulta una bofetada graciosísima cuando aparece. Un buen truco de montaje que sigue la estela de la escuela de Lina Morgan, de la cual siempre se ha dicho (el propio documental lo remarca) que sabía exactamente cuándo introducir el chiste o la mímica.

Y es que Lina Morgan sabía sacar muy buen partido a su cuerpo, pero no el modo en como lo tenían que hacer la mayoría de artistas de la época. Se la puede considerar la reina de la interpretación gestual y eso le grajeó un éxito que como daños colaterales también le trajo sus enemigos o envidias. Es por eso que me sobra Bárbara Rey en la serie ya que parece que se ha plantado delante de la cámara solo para hablar sobre ella misma. Descartaría de la serie eso y todos los momentos en los que parece más un programa de la prensa rosa, hipótesis sobre su vida y las cosas turbias que le pudieron pasar a la hora de imaginar lo que se encontró cuando se habla de la caspa que poblaba el show business de la época. Si estamos tratando todo bajo el prisma del documental, hechos contrastados, nada de tirar de imaginario más propio del salseo.

Crítica: ‘La bandera’

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Sinopsis

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Un padre, dos hijos y una cena. La historia transcurre durante una velada familiar, donde Tomás llama a sus dos hijos, Jesús y Antonio, para darles una importante noticia. El patriarca, al que acompaña su biógrafa, Lina, se toma su tiempo para decirles lo que realmente quiere, pero sus descendentes comienzan a perder los nervios. En un momento dado, uno de los hijos descubre la presencia de una bandera enorme en el jardín, desatándose una disputa que pone en serio peligro la aparente armonía familiar.

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Crítica

Una invitación a mirar desde el respeto y la responsabilidad el legado que nos brindan nuestros padres

Imanol Arias interpreta a un hombre que le cuenta a su biógrafa (Ana Fernández) una vida propia de Forrest Gump. Encuentros con políticos de toda índole, contacto con el Dalai Lama, anécdotas en el marco de momentos históricos… Todo ello parece propio de una persona que ha sido toda una personalidad de su época, hasta que aparecen sus hijos a comer y descubren la bandera que ha puesto en el jardín. La historia se desmorona. Si esperáis algo de politiqueo, esta no es ni vuestra película ni vuestra crítica. Si esperáis algún comentario sobre el juicio de Imanol Arias, esta no es ni vuestra película ni vuestra crítica. Si quieres ver a Imanol Arias disfrazado de T-Rex, esta si es vuestra película.

La obra de teatro que han adaptado a cine Martín Cuervo y Guillem Clua no trata abiertamente de política ni está estrenada intencionalmente cerca de unas elecciones ya que se ha representado previamente sobre las tablas. Pero si podemos decir que, aunque la bandera en sí misma es lo de menos, si tenemos a dos hermanos (Aitor Luna y Miquel Fernández) radicalmente distintos luchando por quedarse con el lugar donde nacieron y ambos intentan hacer prevalecer la interpretación que ellos mismos tienen de la historia. Lo cierto es que suena mucho a esa Guerra Civil que aún hoy en día no hemos superado. Pero dudo que se puedan extraer más conclusiones al respecto.

Aunque es importante interpretar la bandera como el fruto en el que ha desembocado una historia, esta está en un segundo plano. La lectura que yo hago de esta película es que a veces necesitamos un detonante para sincerarnos con los nuestros y vías fuera de lo común para sobreponernos a determinados traumas. Otros leerán simplemente que algunos solo quieren que les digan que los quieren. Yendo más allá, lo que creo que nos quieren contar Cuervo y Clua es que debemos valorar el legado que nos dejan y si le estamos haciendo honor. La verdadera herencia que nos transfieren nuestros padres es la educación y la vida que nos han brindado, aunque esta esté llena de juegos evasivos e historias fantasiosas fruto de una mente fragmentada. Es un mensaje de respeto y responsabilidad hacia nuestros progenitores similar al que dejaba ‘El padre’ de Florian Zeller.

Pero en ‘La bandera’ el tratamiento no es tan dramático. Los desvaríos del personaje de Imanol Arias, las riñas entre hermanos y algunos momentos slapstick nos brindan alguna que otra carcajada. En el otro lado de la balanza están escenas con frases más profundas y algo de sensiblería. La película me parece más efectiva cuando profundiza en su moraleja y extrae reflexiones bastante legítimas. En cuanto a su faceta humorística hay secuencias como la del bar que no me han funcionado.

PD: si queréis ver a Antón Lofer hacer de cura pro Franco, esta también es vuestra película.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de junio de 2024. Título original: La bandera. Duración: 89 min. País: España. Dirección: Martín Cuervo. Guion: Guillem Clua. Música: Iván Valdés. Fotografía: Pablo Bürmann. Reparto principal: Imanol Arias, Ana Fernández, Aitor Luna, Miquel Fernández. Producción: Secuoya Studios, Álamo Producciones Audiovisuales, A Contracorriente Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, drama, adaptación. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/la-bandera

Crítica: ‘Los vigilantes’

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Sinopsis

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De la mano del productor M. Night Shyamalan llega ‘Los Vigilantes’, escrita y dirigida por Ishana Night Shyamalan y basada en la novela de A.M. Shine. La película cuenta la historia de Mina, una artista de 28 años, que queda varada en un enorme bosque virgen en el oeste de Irlanda. Cuando Mina encuentra refugio, sin saberlo, se ve atrapada junto tres extraños a los que observan y acechan cada noche criaturas misteriosas. No puedes verlos, pero ellos lo ven todo.

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Crítica

Los bosques irlandeses guardan monstruos que nos vigilan e intentan atraparnos

Basada en la novela de A.M. Shine, llega a nuestras pantallas ‘Los vigilantes’ una historia de terror que nos lleva a un enorme bosque irlandés y a sus leyendas. Mina, una joven se queda atrapada junto a Darwin, una cotorra que lleva junto ella, en un bosque cuando pierden de vista su coche. Logra encontrar refugio, donde tres extraños viven observados por unas extrañas criaturas a las que nunca han visto.

La película me ha gustado, no puedo negarlo, me ha logrado enganchar desde el principio y la verdad que eso ya es bastante en los tiempos en los que estamos. Pero, si, tiene peros, y es que la película es demasiado explicativa. Hay historias que no necesitan ser explicadas, es mejor dejarlas a la imaginación del espectador y ‘Los vigilantes’ no deja ni un cabo suelto.

La atmósfera en el bosque, cuando nuestra protagonista se pierde, me ha recordado a ‘The Ritual’, ese miedo a lo desconocido, los ruidos en la lejanía, los colores apagados, las figuras sombrías escondiéndose entre los árboles y los refugios en medio de la nada.

Dentro del refugio la historia se vuelve bastante truculenta, no pueden salir durante la noche por unas criaturas que les observan desde un gran cristal, como si fuesen peces en un acuario. Pero ahí un punto en ese refugio que ya comienza a perder la película y como he dicho a dar muchas explicaciones. Además de que tienen varios desenlaces y eso al final termina cansando un poco.

Pero aun con todo esto, no pienso que ‘Los vigilantes’ no merezca la pena. La tensión que crea y el mundo de leyenda que nos cuenta me ha gustado mucho. Porque aquí en ‘Los vigilantes’ hay mucho folklore y monstruos que tienen una historia bastante curiosa.

En el reparto encontramos a Dakota Fanning (‘The Equalizer 3’), Georgina Campbell (‘Barbarian’), Olwen Fouéré (‘Halo’) y Oliver Finnegan (‘Outlander’). Consiguen convencernos, pero a la vez no sabes muy bien como no investigan más todo lo que tienen alrededor.

La película es el debut de Ishana Shyamalan, se nota que el terror está en sus venas, pues ya ha dirigido episodios de ‘Servant’ y también fue segunda directora en ‘Tiempo’. Ha aprendido mucho de su padre, hay momentos que pueden recordar mucho al cine de M. Night Shyamalan pero utiliza planos bastante diferentes y su película es más luminosa. Está claro que no es un mal comienzo en el cine, pese a sus carencias en el guion, la dirección es buena.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de junio de 2024. Título original: The Watchers. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Ishana Shyamalan. Guion: Ishana Shyamalan. Música: Abel Korzeniowski. Fotografía: Eli Arenson, Job ter Burg. Reparto principal: Dakota Fanning, Georgina Campbell, Oliver Finnegan, Olwen Fouere. Producción: Blinding Edge Pictures, Inimitable Pictures, New Line Cinema, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: suspense, terror. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/thewatchers

Crítica: ‘Bad Boys: ride or die’

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Este verano, los policías más famosos del mundo regresan con su icónica mezcla de acción al límite y comedia escandalosa, pero esta vez con un giro inesperado: ¡Los mejores de Miami se dan a la fuga!

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Crítica

Más violenta, más fantasiosa pero recuperando la personalidad de los Bad Boys

El policía elegante y super competente en tándem con el padre de familia fondón y sensiblero. Parejas muy diferentes entre sí como las que formaron en su día Mel Gibson y Danny Glover o Jackie Chan y Chris Tucker pertenecen a películas primas de ‘Bad Boys’. Esos actores saben que cuesta mucho mantener el nivel o el interés de la audiencia. Todos ellos han interpretado a policías fuera de la norma, que intentan resolver sus casos a toda costa y a pesar de las broncas de sus superiores, cual Axel Foley. Es un patrón muy repetido y en ocasiones muy rentable. En el caso de ‘Bad Boys: ride or die’ el propio título lo dice, esto es matar o morir en el intento, un jugárselo a cualquier precio.

Superando su cancelación por el bofetón a Chris Rock y aupado por el hecho de que la tercera película de la saga hizo muy buena taquilla (con no tan buen resultado en cuanto a opiniones), Will Smith está de vuelta. Uno se pregunta ya qué les queda por contar sobre estos dos policías rebeldes. Ponerles contra las cuerdas ha sido lo que han escogido, convertir a los buenos en los malos de la película, algo que han hecho otras franquicias y que Will Smith ya hizo en ‘Enemigo público’. En ‘Bad Boys: ride or die’ se lleva a cabo una carrera por limpiar su nombre y resolver un nuevo caso sin la tranquilidad de tener refuerzos. A estos dos agentes nunca les han importado los daños colaterales, pero siempre que hacen gala de honor camaradería. Parece que los aprendices o imitadores de Michael Bay, Adil El Arbi y Bilall Fallah, mantienen esa dinámica pero tienen intención de crear su propia trilogía y llegar a un quinto título retorciendo la historia todo lo posible. Y para ello no se han cortado en emplear una violencia que a mí me parece inusual en la saga, giros de guion que incluyen archivos secretos y experiencias cercanas a la muerte con tripi espiritual incluido, humor verde e incluso crocsploitation. Aunque en muchos momentos, esto parezca más una película de espías tipo Bourne, este “ir más allá” ha funcionado. Los gags están mejor trabajados, la relación entre los dos protagonistas se siente mucho más parecida a la de las películas originales y no se les va tanto la pinza como le pasó a ‘Fast & Furious’. Pero tiempo al tiempo pues parece que aquí hay intención de introducir personajes y seguir con la historia. Eso si, los contrapicados girando al rededor de los protagonistas, las tomas con drones, los coches explotando e incluso una celda en un transporte aéreo a lo ‘Con Air’… eso hay que mantenerlo.

Aunque se intuye que viene sangre nueva evidentemente los protagonistas absolutos son Will Smith y Martin Lawrence que demuestran una vez más que forman muy buena pareja en pantalla, sobre todo cuando Lawrence juega la baza del tocanarices cómico. Lo mismo sucede cuando aparece Joe Pantoliano, y eso que con él han tenido que apañárselas de buena manera pues el 1 de mayo de 2020 fue víctima de un atropello, lo cual le causó una conmoción cerebral junto a un traumatismo torácico. También tras haber estado en las tres primeras películas tampoco está presente Theresa Randle, quien ha sido sustituida por Tasha Smith en el papel de Theresa (esposa de Martin Lawrence en la ficción). Repiten Vanessa Hudgens, DJ Khaled, Alexander Ludwig… Y como en cada título tenemos nuevo villano, esta vez interpretado por Eric Dane (McGrath), manteniendo aún así a Jacob Scipio (Armando). A Scipio se le ha brindado la ocasión de lucirse en un par de escenas en las que demuestra con el combate cuerpo a cuerpo que es una buena apuesta para el cine de acción.

Aunque había acción en el anterior filme pero me llevé decepción pues se veía claramente que era un homenaje a Michael Bay más que a los propios protagonistas. Abriendo un paréntesis señalar anecdóticamente que Michael Bay vuelve a hacer un cameo, justo seguido de Khaby Lame. La acción estaba subordinada a una floja comedia con tintes de telenovela. En ‘Bad Boys: ride or die’ se recuperan las notables diferencias entre ambos personajes y que tantos momentos graciosos nos brindaron en las dos primeras entregas. También se introduce mucha más acción, lo cual hace que el filme se pase a toda mecha.

Como decía esta película podría ser un todo o nada para Will Smith, no tanto para Martin Lawrence que parece tener su carrera ya en standby. Su éxito podría ser la base y lanzadera para poder seguir haciendo superproducciones y lavar su imagen, si el tiempo y las visitas a programas como El Hormiguero no lo ha hecho ya. Los fans de las comedias de acción van a encontrarse en ‘Bad Boys: ride or die’ un entretenimiento bastante competente. Me da que van a reventar la taquilla en este arranque veraniego.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de junio de 2024. Título original: Bad Boys: Ride or Die. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Adil El Arbi, Bilall Fallah. Guion: Chris Bremner. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Robrecht Heyvaert. Reparto principal: Will Smith, Martin Lawrence, Vanessa Hudgens, Alexander Ludwig, Paola Nuñez, Eric Dane, Ioan Gruffudd, Jacob Scipio, Melanie Liburd, Tasha Smith, Tiffany Haddish, Joe Pantoliano. Producción: Columbia Pictures, Jerry Bruckheimer Films, Westbrook Studios. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, comedia. Web oficial: https://www.sonypictures.com/movies/badboysrideordie

Crítica: ‘Hit Man’

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Gary Johnson (Glen Powell) es el tipo más buscado de Nueva Orleans. Un misterioso asesino a sueldo… que trabaja como infiltrado para la policía. Cuando rompe el protocolo para ayudar a una mujer desesperada (Adria Arjona) que intenta huir de un marido maltratador, acaba convirtiéndose en uno de sus falsos personajes y coqueteará con transformarse en un verdadero criminal.

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Crítica

Divertido compendio de personalidades psicópatas

Este ‘Hit Man’ no es una nueva versión live action del videojuego que en su día adaptaron Xavier Gens y Timothy Olyphant de manera… digamos errada. Esta película trata sobre Gary Johnson, un hombre que no era un sicario consumado y letal, sino que se hacía pasar por asesino a sueldo, por muchos tipos arquetípicos de criminales, en misiones para la policía. Este profesor de universidad que vivía en una acomodada casa con sus dos gatos se metió en la piel de los psicópatas más espeluznantes para realizar su trabajo de manera más convincente. Aunque cueste creerlo todo esto no surge de la imaginación de un guionista o de un famoso videojuego, parte de una historia real que en su día popularizó un detalladísimo artículo del Texas Monthly titulado ‘Hit Man’ (Sicario). Y cito todo esto en pasado ya que la persona que ha servido de fuente para la película falleció en 2022.

Evidentemente en ‘Hit Man’ hay licencias muy grandes. Se busca divertirnos a través de su premisa surrealista y multitud de momentos disparatados, de ahí que en España vaya acompañada del tagline “asesino por casualidad”. Este filme se suma a ese tipo de películas de agentes secretos en las que se flirtea con el peligro y el amor progresando a base de golpes de suerte o improvisaciones en el último momento. En ese sentido es muy importante tener en cuenta que el director es Richard Linklater. El cineasta texano tiene un cine muy peculiar, en el que la comedia y el drama siempre se entremezclan. Es alguien a quien no se le puede enmarcar pues transita entre géneros de una manera asombrosa, es una de esas personas que encarna el significado de resiliencia. Nos puede llevar a películas sensibles y simpáticas como ‘Bernie’ pasar a dramas vitalistas como ‘La última bandera’, consigue estrenar películas familiares como ‘Escuela de rock’, ejercer experimentos como el de ‘A scanner darkly’ y deslumbrarnos con obras maestras rodadas con toda la paciencia del mundo como ‘Boyhood’. Con ‘Hit Man’ se desmelena, coge una anécdota generada en su tierra y la convierte en algo extrapolable a cualquier persona del mundo.

Y es que en resumidas cuentas ‘Hit Man’, aparte de ser una comedia romántica con momentos picantones y una pizca de suspense en la que los personajes viven una fantasía, se alinea con aquellos que padecen una crisis existencial, de identidad o de los cuarenta. Ahí es donde se hace valer el trabajo del también perteneciente al estado de la estrella solitaria, Glen Powell. El actor ha estado involucrado en el guión y lo más divertido de ‘Hit Man’ es cómo su personaje aprovecha su trabajo para vivir vidas que nunca habría soñado que viviría. Experimenta todo un desfile de looks, apodos y personalidades. Muta de tal manera y tantas veces que la película se convierte en una especie de compendio del psicópata. Nos reencontramos con el Patrick Bateman de Christian Bale o el Chigurh de Bardem. Si la persona real en que se basa el largometraje era tan camaleónica y atrevida como el personaje que ha creado Powell, sin duda Hollywood se ha perdido a un grandísimo actor. Por otro lado e intentando que tampoco quiera yo transmitir que estamos ante una película de Oscar, hay momentos en los que falta mordiente o nos llegue a parecer rancio el papel de Adria Arjona, metida en la piel de la dama en apuros que se enamora siempre de quien no le conviene.

El trabajo de Gary Johnson tenía la utilidad de destapar casos de asesinato antes de que estos se produjesen, como si fuese un precog de Minority Report. Pero hay que preguntarse, ¿es justo juzgar a alguien por asesinato antes de que este se lleve a cabo? ¿habría menos intentos de matar a alguien a través de un sicario si la gente no supiese de su existencia y servicios? Es decir, su presencia se convertía en una clara coacción o el ser humano lleva de manera irremediable en su interior esa sed de venganza tan letal. ‘Hit Man’ dedica espacio a este tipo de cuestiones de manera puntual, de igual modo que nos invita a plantearnos si la personalidad que exhibimos es la que nos gusta realmente.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de junio de 2024. Título original: Hit Man. Duración: 113 min. País: EE.UU. Dirección: Richard Linklater. Guion: Richard Linklater, Glen Powell. Música: Graham Reynolds. Fotografía: Shane F. Kelly. Reparto principal: Glen Powell, Adria Arjona, Austin Amelio, Retta. Producción: AGC Studios, Aggregate Films, Barnstorm Productions, Cinetic Media, Detour Filmproduction, Monarch Media, Netflix, ShivHans Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: acción, comedia. Web oficial: https://www.agcstudios.com/hit-man

Crítica: ‘La última sesión de Freud’

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Sinopsis

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La trama se sitúa en la víspera de la Segunda Guerra Mundial, cuando Freud, en las etapas finales de su vida, invita a Lewis a su hogar en Londres para un fascinante debate sobre la vida y la existencia de Dios. La película, que combina elementos del pasado, presente y fantasía, también examina la compleja relación de Freud con su hija Anna, interpretada por Liv Lisa Fries (Babylon Berlin), y la relación poco convencional de Lewis con la madre de su mejor amigo.

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Crítica

Un guión denso pero no complejo delata una película menos relevante de lo que su título pretende

Hace unos treinta años Anthony Hopkins encarnó a C.S. Lewis en la película ‘Tierras de penumbra’. Una cinta de Richard Attenborough que estuvo nominada a dos Oscar. Una historia de amor y religión que planteaba una encrucijada para el protagonista. Ahora Matt Brown, director de ‘El hombre que conocía el infinito’, recupera la figura del escritor y también al actor pero para colocarle en la piel de otro genio que parecía poder desentrañar las infinitas cuestiones del ser humano, Sigmund Freud.

‘La última sesión de Freud’ se percibe teatral pues parte de la obra Mark St. Germain que a su vez surgió del libro ‘La cuestión de Dios’ de Armand Nicholi, con un título más acertado. Luego explicaré por qué soy de esa opinión. La acción, la poca que tiene, transcurre en el momento en el que estalla la II Guerra Mundial. En Londres se citan Freud y Lewis para tener una férrea disputa de intelectos y fe que tratará de debatir sobre la existencia de Dios.

Matthew Gode es el creador de Narnia, amigo de Tolkien y apologista cristiano C.S. Lewis.  Anthony Hopkins es el transgresor que creó todo un campo de la ciencia, Sigmund Freud. Dos actores bien escogidos en cuanto a la edad a la que coincidieron, quizá no tanto en el parecido de sus rostros. De ninguna de estas dos figuras históricas nos han llegado vídeos que nos ayuden a saber cómo hablaban o se movían. Por lo tanto la fuerza de esta película debía radicar en cómo esgrime cada uno de ellos sus argumentos y cómo los textos de los autores han transmitido su personalidad hasta nuestros días. Son dos talentazos que demuestran una vez más sus dotes interpretativas, pero les hace un flaco favor lo apelmazado que está el guión.

La película no busca materializar su aspecto como tal, más bien esgrimir dos posturas enfrentadas pero que encuentran puntos que caballerosamente ambos están dispuestos a reconocer. Son dos hombres postulando sobre la vida, las cicatrices del pasado y sobre todo, la existencia de Dios. Es por eso que el título era mucho más adecuado en el caso de la novela. Mucho ruido para lo poco relevante que es su charla. Se ponen sobre la mesa muchas teorías y argumentos que ya conocemos, pero ninguno novedoso ni magistralmente desarrollado. En realidad ‘La última sesión de Freud’ se alza mejor como una historia de historias. Es una película densa pero no compleja. Tiene un guión atiborrado de líneas de diálogo, que te asaltan sin cesar, pero ninguna de ellas plantea un reto sugerente o que suscite al espectador dudas existenciales.

Y es que además al final de ‘La última sesión de Freud’ nos cuentan que realmente no se sabe si esta fue la última charla metafísica del padre del psicoanálisis. Simplemente se sabe que Lewis se reunió con Freud y que este murió poco después de haberse reunido con alguien de Oxford. El resto es echarle imaginación. Pero venga, nos venden el filme como no ficción y hay que pasar por el aro, aunque yo lo tildaría más de hipótesis al servicio del marketing.

Para hacer Narnia C.S. Lewis se inspiró en unos niños que acogió durante los bombardeos de la II Guerra Mundial. Una de esas niñas, Jill Flewett, se casó con un nieto de Freud. Aprovechar ese dato para establecer un encuentro posterior tras este acalorado debate habría sido la guinda del pastel. Pero Matt Brown desaprovecha la oportunidad cerrando con un instante sarcástico que convierte a Freud en su propio chiste. La película evidencia su excesiva densidad cuando tiene que evadirse en exceso en la figura de Anna Freud (Liv Lisa Fries). Y es solo al final cuando entendemos todas las salidas del debate, todo el empeño en mostrar cómo su hija tenía un gran problema mental de dependencia o servidumbre para con su padre y en cómo reprimía su lesbianismo. Demasiado relleno para tan débil golpe de efecto.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de junio de 2024. Título original: Freud’s Last Session. Duración: 110 min. País: Irlanda. Dirección: Matt Brown. Guion: Mark St. Germain. Música: Coby Brown. Fotografía: Ben Smithard. Reparto principal: Anthony Hopkins, Matthew Goode, Jodi Balfour, Liv Lisa Fries, Stephen Campbell Moore. Producción: 14 Sunset, LB Entertainment, Las Session Productions, M.R.Y.A. Entertainment, Subotica, Traveling, Picture Show Company. Distribución: SelectaVisión. Género: drama. Web oficial: https://14sunset.com/Freud-s-Last-Session-1

Crítica: ‘Godzilla: Minus One’

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Sinopsis

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En el Japón de la posguerra surge un nuevo terror. ¿Podrán sobrevivir las personas devastadas… y mucho menos defenderse?

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Crítica

Exprime sus recursos al máximo y aún así es capaz de alinearse con las originales y los gustos del público actual

¿Habéis oído alguna vez la expresión “lo bueno de tocar fondo es que solo te queda subir”? Pues es cierta hasta que aparece Godzilla en tu vida. El monstruo gigante o kaiju, casi siempre azote de japón y a veces el vengador radiactivo, regresa con una producción hecha en casa que lleva al país del sol naciente a niveles peor que tercermundistas, de ahí su título.

En ‘Godzilla: Minus One’ se recupera el grito original, algunas notas de la música de las primeras películas y detalles como el no mostrar al monstruo comiéndose a gente de manera expresa. Aunque también lo disfruto, he de celebrar que este regreso a las raíces le ha valido a la Tōhō mejor resultado en cifras y críticas que el Monsterverse de Warner. Es un logro para una película de quince millones de dólares. Pero no todo es nostalgia.

Este Godzilla que recupera un aspecto y propiedades más mutantes solo está presente en pantalla once minutos. Con todo y con eso la película es tan capaz de sembrar terror e incertidumbre que parece omnipresente. Aparecía más en ‘Shin Godzilla’ y todo el mundo coincidió en que esa fue una película excesivamente humana y burocrática. Es otra medalla para ‘Godzilla: Minus One’, la cual, ha tenido que exprimir su presupuesto.

Se llevó un Oscar a los Mejores Efectos Visuales y me imagino que fue un reconocimiento a lo bien que está realizado todo con mucho menos presupuesto que las películas con las que competía. Pero además imagino que influye el homenaje al autor de los efectos de los primeros Godzilla, tanto por el nombre del protagonista como por la postura que pone el kaiju al caminar, la cual, recuerda a la que adoptaban aquellos que vestían el traje en las películas de los 50s y 60s. Y no solo hay que hablar del diseño de la criatura, también de la mezcla con efectos prácticos y su capacidad de crear la ambientación basada en el Japón de la ocupación estadounidense.

La II Guerra Mundial y las bombas nucleares vuelven a ser el marco, hasta tal punto de introducir rebuscados guiños a detalles reales y trágicos relacionados con Hiroshima. Así es como vemos a Japón, como una nación que resurge de sus cenizas y tiene un fuerte sentimiento de comunidad y sacrificio. Esto último es algo habitual en la cinematografía del director Takashi Yamazaki, tachado muchas veces de ser nacionalista. Pero esta película está lejos de pecar de orgullosa o soberbia, al margen de mostrar la capacidad nipona de recuperarse, es capaz de reflejar una disposición de asumir los errores del pasado. El protagonista hace las veces de metáfora de un país capaz de redimirse y aprender lo que es vivir.

Mi yo más lógico me hace decir que también ‘Godzilla: Minus One’ dispone una de las soluciones más ingeniosas y científicas para intentar acabar con Godzilla. Lo que plantean no es algo nada disparatado, que evidentemente está dentro de la ciencia ficción y que por fin muestra por qué Godzilla siempre asoma todo su cuerpo por encima de las aguas sea cual sea la profundidad del océano.

Con tantas versiones que ha habido y sigue habiendo de Godzilla, Takashi Yamazaki ha conseguido una película épica, original y lo que es más difícil, capaz de alinearse con las originales y los gustos del público actual. ‘Godzilla: Minus One’ da espectáculo y destrucción con el aliento atómico contemporáneo, pero no da el fan service de las producciones hollywoodienses alineándose con un concepto japonés de criatura destructiva y aterradora, un tatarigami.

La teoría loca para el final. El director orquestó las películas live action de ‘Parasyte’. En las últimas escenas hay un detalle en el cuello de uno de los personajes que quizá nos sugiera, no que ambas franquicias vayan a confluir, pero quizá si una curiosa idea para continuar las películas de Godzilla por derroteros hasta ahora nunca vistos.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de mayo de 2024. Título original: Gojira -1.0. Duración: 124 min. País: Japón. Dirección: Takashi Yamazaki. Guion: Takashi Yamazaki. Música: Naoki Sato. Fotografía: Kôzô Shibasaki. Reparto principal: Minami Hamabe, Ryunosuke Kamiki, Sakura Andô, Rikako Miura, Munetaka Aoki. Producción: Robot Communications, Toho Studios. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.instagram.com/godzilla231103/

Crítica: ‘Arthur’

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Sinopsis

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Basada en una historia real. Mikael Lindnord (Mark Wahlberg) es el capitán de un equipo que participa en una carrera de 700 km durante 10 días por las selvas ecuatorianas. Durante esta épica carrera de resistencia, un perro callejero se les une, recorriendo con ellos algunos de los terrenos más difíciles del planeta. Su increíble conexión hace que Mikael decida adoptar al perro, creando con él un vínculo inquebrantable.

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Crítica

Aunque pertenece a un género harto explotado consigue engancharnos y conmovernos

Simon Cellan Jones, un director más habituado a rodar series de todo tipo, es quien ha cogido las riendas de ‘Arthur’. Este largometraje narra una anécdota que sucedió hace más de diez años en Ecuador (sustituido aquí por República Dominicana) durante un mundial del deporte de aventura conocido como Raid. La película se basa en el libro que escribió Mikael Lindnor, un corredor que durante la competición incorporó al mejor amigo del hombre en su equipo. Evidentemente no os voy a contar si eso decantó que ganasen o no, pero si puedo deciros que no es lo más importante a extraer, el mensaje es otro.

Como es habitual en este tipo de películas conceptos como la lealtad, el sacrificio, el honor o el entendimiento salen a relucir. También otros como la competitividad y el ego. Y es que ‘Arthur’ es un filme que se debate entre dos subgéneros, el de animales y el deportivo. Ambas temáticas están harto explotadas y siempre que aparece un estreno como estos nos cuesta creer que puedan sorprendernos de algún modo. Ahí están títulos como ‘Dog. Un viaje salvaje’, ‘Vida perra’ o ‘Robot Dreams’ que han sabido darle vueltas al tema. ‘Arthur’ no es una película virtuosa, de hecho se olvida durante un buen tramo del perro callejero para dar paso a los pormenores de una competición raid, hasta el punto de llegar a parecer un reality televisivo con narrador y cameo de Bear Grylls incluido. Pero consigue engancharnos y conmovernos.

El estilo de ‘Arthur’ consiste en una mezcla entre los títulos de Lasse Hallström y cualquier largometraje de inspiración deportiva que se te pueda venir a la cabeza. La hermandad y rivalidad entre los deportistas se entremezcla con el tema animalista. El personaje de Mark Wahlberg se pasa la película diciendo que es un sufridor, que hay que aprender a sufrir. Efectivamente, por mucho que puedas conocer cómo terminó esta historia o incluso hayas leído el libro de Lindnor, hay momentos que lo pasas realmente mal, sobre todo si tienes mascota.

Cual Viggo Mortensen pateando en ‘El Señor de los Anillos’, Mark Wahlberg también se rompió durante el rodaje, solo que esto sucedió el primer día. Un hecho que se supone que también se aprovechó para dar algo de realismo a la cinta pues el actor aprovechó su dolencia. No es que el filme tenga escenas peligrosas o extremadamente exigentes (algunos cromas cantosos delatan eso), pero sí que hay momentos de “acción” que nos pueden recordar a ‘Máximo riesgo’. A ‘Arthur’ se le da mejor tocarnos la fibra que imbuirnos emoción deportiva o suspense por la carrera. Al fin y al cabo es un filme de claro carácter familiar.

Si hay algo valioso en esta película, a parte de la evidente relación animal-hombre, es la creación de la Fundación Arthur, la cual se dedica a darle una mejor vida a perros de todo el mundo. Se lleva a cabo gracias al respaldo de la ley LOBA en Ecuador (2018) que es donde Arthur y Mikael Lindnord se conocieron en realidad. Es algo que se menciona al final del filme y creo que vale la pena subrayarlo. 

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de mayo de 2024. Título original: Arthur the King. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Simon Cellan Jones. Guion: Michael Brandt. Música: Kevin Matley. Fotografía: Jacques Jouffret. Reparto principal: Mark Wahlberg, Simu Liu, Paul Guilfoyle, Rob Collins, Ali Suliman, Nathalie Emmanuel. Producción: Lionsgate Films, eOne Films, Tucker Tooley Entertainment, Mark Canton Productions, Municipal Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: hechos reales, drama, aventura. Web oficial: https://www.arthurtheking.movie/

Crítica: ‘Eric’

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Un thriller lleno de drama con un increíble Benedict Cumberbatch

Quién no ha visto alguna vez en su vida a ‘Los Teleñecos’, esas marionetas llenas de vida que nos han enseñado tantas cosas, los números, las letras, las distancias o simplemente los sentimientos. Estas marionetas estaban llevadas por personas que las manejaban y que les daban esa energía que hacía que todos los niños disfrutásemos de tantas aventuras.

Todo este mundillo de debajo de las marionetas, lo vemos en Eric. Un drama y thriller que nos muestra un lado muy oscuro del mundo. La desaparición de un niño, unos padres amargados que no hacen más que discutir y destruir la felicidad del día a día de su hijo. Un padre que se siente totalmente culpable de la desaparición de su hijo, por ello, decide coger los dibujos de éste e intentarlos llevar a su programa, Eric, un monstruo enorme, para que su hijo lo vea y vuelva con ellos. ¿Pero que le ha pasado a Edgar? Ha huido, se ha perdido, le han secuestrado o algo mucho peor, ha muerto…

‘Eric’ es una serie muy amarga, con muchas idas y venidas que logran engañar al espectador de mil maneras, no deja de sorprenderte y de hacértelo pasar regulero. Me ha gustado bastante, hay ratos que dejan un mal sabor de boca y otros que pese a que son algo tristes, te muestran la inocencia desde los ojos de un niño.

Muy bien dirigida, nos adentra en el Nueva York de los años 80, esos años oscuros y a la vez llenos de esperanza. Esos años en los que los buenos policías no eran bien vistos. Lucy Forbes, logra traernos a nuestras pantallas el guion de Abi Morgan, un guion como digo, amargo y triste. Además del gran trabajo de los actores.

Benedict Cumberbatch (‘Patrick Melrose’), está fabuloso, siempre se le dieron bien este tipo de papeles. Almas en pena que se autodestruyen según pasa el tiempo. Nos da una interpretación notable, con un personaje lleno de altibajos con los que el actor juega a su gusto y logra que le odies y a la vez, sientas compasión.

Junto a el encontramos a Gaby Hoffmann, Ivan Morris Howe (en su primer papel), Bamar Kane, José Pimentao, Jeff Hephner, Erika Soto, Donald Sage MacKay o David Denman, entre otros.

Pero también quiero destacar el gran trabajo de McKinley Belcher III, como el policía legal que tiene que luchar contra todos sus compañeros. Y Dan Fogler, que acostumbrados a verle en la saga de ‘Animales fantásticos’ como secundario simpaticón. Aquí muestra una cara bastante diferente, llena de contrastes e incógnitas.

‘Eric’, llega a nuestras pantallas el próximo 30 de mayo. La podréis ver en Netflix. Esta miniserie de 6 episodios, ha sido sin duda una de las mejores que he visto en lo que llevamos de año. Deja mucho poso, aunque sea agrio, pero es de estas series que dan para hablar después de verla.

Crítica: ‘Back to black’

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La extraordinaria historia del rápido ascenso a la fama de Amy Winehouse y la creación de su exitoso álbum ‘Back to Black’. Contada desde la perspectiva de Amy e inspirada en sus letras profundamente personales, la película descubre a la excepcional mujer detrás del fenómeno mediático y una tormentosa relación en el centro de uno de los discos más legendarios de todos los tiempos.

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Crítica

Habría sido más justo un biopic tan disruptivo como lo fue su carrera

‘Back to black’ es la película que trata la figura de Amy Winehouse a través de la interpretación y la voz de Marisa Abela. El reto podía ser fácil pues es una historia reciente ampliamente documentada por todo tipo de prensa, la estética pin-up de la cantante era muy singular y sus canciones hablaban con marcada sinceridad sobre su vida o estado de ánimo. Lo realmente retador era el tema de la voz y hacer de esta una película necesaria.

Facialmente no se parece la actriz y su voz está lejos de ser como la de la fallecida artista. Pero hay que reconocer que Marisa Abela canta muy bien temas que requiren tonos muy complicados. Si ella fuese capaz de igualar la voz Winehouse estaría grabando discos que siguiesen su escuela y no películas. No obstante me aventuro a decir que este filme le será a la actriz como buenísima carta de presentación. Gracias a eso y a que se calcan fotografías o momentos públicos de su vida tenemos cierto sentimiento de remembranza. Pero no vale solo con calcar. Los fans buscan que se respete su estilo y espíritu. Los no seguidores querrán ser informados sobre una estrella que quizá en su día no siguieron. Y creo que no me equivoco si digo que todos esperan la historia completa sin omisiones, llegaremos a eso, no voy a cortarme como hace la película.

Amy Winehouse provenía de una familia judía londinense. Su padre era taxista, y su madre farmacéutica. Apenas hay alusiones a su hermano en el filme. Murió alcoholizada en su amado Candem Town entrando así en el club de los 27 y dejándonos dos únicos álbumes en solitario. Entre otros, frecuentaba el bar The Hawley Arms, el mismo que está relacionado con el protagonista de ‘Mi reno de peluche’. Curiosamente ella también llevo una relación tormentosa y tumultuosa con alguien a quien conoció en un bar. Una relación con idas y venidas de la cual surgió la canción que da título a esta película. Él llegó a decir que le gustaba más el crack más que la propia Amy. De nuevo una omisión pues es una cita que no aparece en el filme.

No es que a la directora Sam Taylor-Johnson (‘50 sombras de Grey’) le gusten las relaciones de pareja fuera de la norma, es que este es un aspecto fundamental para entender la vida de Amy Winehouse y las letras de algunas de sus canciones. Esa relación tóxica, el divorcio de sus padres, la muerte de su abuela, las adicciones… Todo el ello aparece en ‘Back to black’. Aunque nos cueste creerlo está plasmado de un modo suavizado. Tanto física como artísticamente la película se queda muy corta en cuanto a la degradación que sufrió. Claro que hay que considerar que el filme cuenta con el visto bueno y colaboración de Mitch Winehouse, con quien Eddie Marsan habló para preparar su papel. Vomitonas y lapsus sobre el escenario, un cuerpo demacrado, salidas de tono en público, la necesidad de llevar guardaespaldas… No todo eso está tratado en esta recreación, no en su justa medida. Solo se hace mucho inciso en su alcoholemia y en el acoso de los paparazzi, sobre los cuales se arroja mucha parte de culpa de su intoxicación etílica. Por supuesto, sería pecado capital, también se habla de cómo ella se coló en todas las listas y se bañó en premios gracias a su poderosa voz y la manera en cómo recordaba a la vieja escuela.

‘Back to black’ se proyecta sin un montaje, guión o tomas talentosas. Por suerte solo hay un par de secuencias que recuerdan a ‘50 sombras de Grey’. La película no está mal pero sin aportar información extra o un enfoque fuera de la norma se antoja poco relevante o necesaria. Ojalá este biopic hubiese sido tan disruptivo como fue su carrera. Quizá habría que haber esperado más tiempo para que este filme tenga su papel de tributo y rescate en la memoria, para que las futuras generaciones comprueben que las estrellas fugaces siguen existiendo a pie de calle.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de mayo de 2024. Título original: Back to black. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Sam Taylor-Johnson. Guion: Matt Greenhalgh. Música: Nick Cave, Warren Ellis. Fotografía: Polly Morgan. Reparto principal: Marisa Abela, Eddie Marsan, Jack O’Connell, Lesley Manville, Juliet Cowan, Sam Buchanan. Producción: StudioCanal UK, Monumental Pictures, Canal+, M6, W9. Distribución: Universal Pictures. Género: biografía, drama. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/back-to-black/

Crítica: ‘Auge y caída de MoviePass’

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En un lapso de ocho años, MoviePass pasó de ser el servicio de suscripción de más rápido crecimiento desde Spotify a la bancarrota total, perdiendo más de 150 millones de dólares solo en 2017.

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Crítica

La historia de una compañía fastasmagóricamente disruptiva

Hace no mucho tiempo se planteó algo similar en España y hay alguna promoción aún en algunas cadenas de cine. Pero lo de MoviePass, el tener acceso a películas en el cine por solo una cuota mensual de 9,95 dólares, fue un precedente, tanto de éxito como de batacazo. Pero si además a eso le sumamos una mala gestión del negocio, la compra por parte de unos fiesteros gastones y objetivos empresariales voraces, tenemos una historia avocada al fracaso. Lo que pudo haber sido en 2011 una oportunidad de reencontrar al público masivo con las salas de cine acabó quemado como la Roma de Nerón.

El 30 de mayo Max estrena ‘Auge y caída de MoviePass’. Un documental sobre una historia corporativa que tiene también mucho de social por el impacto que tiene hoy en día el mundo del entretenimiento en nuestras vidas. ‘Auge y caída de MoviePass’ es un relato sobre la creación de una empresa, un servicio, una campaña… llamémoslo como queramos. Pero también supone un reflejo clarísimo de cómo ha cambiado el paradigma cinematográfico, de cómo la industria ha de reinventarse, no solo en sus modelos de consumo, también en la mentalidad de aquellos que mueven los hilos y ponen su dinero.

Puesta en marcha por la productora de Mark Wahlberg y dirigida por Muta’Ali Muhammad (‘Cassius X: Becoming Ali’), ‘Auge y caída de MoviePass’ es una película sobre una compañía que cuyo crecimiento fue frenético, consumista y por desgracia fastasmagóricamente disruptiva. MoviePass duró unos ocho años y desapareció en 2019 tras perder más de 150 millones de dólares solo en 2017. Usaron a Dennis Rodman para promocionarse en las redes a la desesperada, esa tenía que haber sido una buena señal de alarma para sus inversores. Problemas de derroche y ostentación, sospechas de fraude a los clientes, desencuentros con las cadenas de cine, fallos de coordinación y comunicación a la hora de reservar entradas, exceso de usuarios y expectativas, nula rentabilidad en cuanto un usuario iba a más de dos películas en un mes… La historia de MoviePass se podría haber visto venir. Para el espectador es una película curiosa para distribuidores y exhibidores es una advertencia de lo que no hay que hacer para ponerle el último clavo a los cines.

Fue todo una vendida de humo, para espectadores, para franquicias de cines, para accionistas… Crímenes de estafa, detenciones o no, con el tiempo todo ha quedado en una tarjeta roja que hoy en día muchos conservan como recuerdo de un momento esperanzador para los cinéfilos, como aquellos que aún guardan elementos de los desaparecidos Blockbuster. ¡Y ojo que amenaza volver! Pero no es mala noticia, tendréis que ver el documental para saber por qué.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de mayo de 2024. Título original: MoviePass, MovieCrash. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Muta’Ali Muhammad. Guion: Muta’Ali Muhammad. Música: Max Aruj. Fotografía: Axel Baumann, Leo Gallagher. Reparto principal: Mitch Lowe, Stacy Spikes, Hamet Watt, Chris Kelly, Nathan McAlone, Jason Guerrasio, Daniel Kaufman. Producción: Unrealistic Ideas, Assemble Media, Business Insider, Tower Way. Distribución: Max. Género: documental. Web oficial: https://www.hbo.com/movies/moviepass-moviecrash

Crítica: ‘Pandilla al rescate’

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Un misterioso supervillano ha cubierto la selva con una espuma rosa que explota al contacto con el agua y… ¡queda menos de un mes para la estación de lluvias! La Jungle Bunch es llamada al rescate, ¡empieza la carrera! Nuestros héroes, a los que se unirán nuevos aliados, viajarán por todo el mundo en busca de un antídoto. Desde las lejanas regiones del Norte, hasta Europa, Asia y Oriente Medio, se embarcarán en la mayor búsqueda de su historia. Se enfrentan a un adversario muy inteligente y diabólico… pero para Maurice y sus amigos, ¡nunca ha habido tanto en juego!

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Crítica

Una simpática dosis de ecologismo, humor y aventura

Mucho más conocidos en Francia por su serie, la ‘Pandilla al rescate’ es un variopinto grupo de animales salvajes que viven aventuras. ‘Pandilla al rescate’ no es la primera película que surge de este show televisivo pues ya se estrenó ‘La panda de la selva: Vuelta al hielo’ (2011) y una película con mayor repercusión como ‘The Jungle Bunch: La panda de la selva’ (2017) de la cual esta es secuela directa.

Siguiendo la escuela de títulos exitosos como ‘Madagascar’ o ‘Ice Age’ reúne a unos animales que ven sus plácidas vidas alteradas. Son animales que no solo están perdiendo su hábitat, sino que además están en peligro de extinción. A pesar de lo halagüeño que suena todo se transmite en clave de comedia pues la categoría de edades a la que está dirigida es muy baja, pero los temas que se plantean están ahí, dispuestos a sembrar una semillita ecológica.

El equipo de protagonistas lo componen un pez tigre que ha sido adoptado por un pingüino que piensa ser un tigre, un murciélago hembra gigante que lleva pegada constantemente a un tarsero hiperinteligente y enamorado, una armadillo en plan justiciero, un gorila que les sigue fielmente y una especie de ranas que hacen las veces de eternos aspirantes entusiasmados. Cual Tortugas Ninja cada miembro de este grupo heterogéneo representa una cualidad: la inteligencia, el valor, el corazón… Entre todos hacen un uno y se dedican a proteger su jungla.

Podríamos hablar de gobiernos que venden sus selvas a empresas que deforestan sin conciencia o negando el cambio climático, podríamos hablar de pirómanos que queman los montes por puro placer o al servicio de la especulación inmobiliaria. En lugar de ello, al ser una película infantil, tenemos un castor malvado que recubre la selva con una sustancia tan rosa como los chicles boomer y que tiene la peculiar propiedad de explotar al entrar en contacto con el agua. Con ello se establece una historia que intenta crear conciencia en los más pequeños, quizá también en algún que otro desalmado que aún hoy en día carece de conciencia medioambiental. Y de añadido indirecto muestra los peligros de una reacción ácido agua.

Además del alegato ecologista la trama también hace las veces de introductoria en la cultura general. Los protagonistas de ‘Pandilla al rescate’ se marcan una “Vuelta al mundo” y se hace una especie de trampantojo de puntos clave de nuestra civilización. Hay a quien le puede parecer todo esto algo bobalicón pero las producciones infantiles a menudo introducen casi de manera subliminal rasgos de nuestra cultura y de ese modo la hemos ido conociendo. Quién no ha visto de pequeño alusiones contemporáneas y anacrónicas en historias como ‘Astérix y Obélix’ o ‘Los Picapiedra’. Y por supuesto hay guiños a películas como ‘Kung Fu Panda’ o ‘Indiana Jones’, puestos ahí para enganchar a los adultos.

La película es predecible, el humor bobalicón, pero eso es si la vemos con una mente adulta. En este tipo de filmes hay que ponerse en la piel de nuestros canijos y pensar si los gags funcionan, si se van a sentir identificados con algún personaje y si la trama tiene valores educativos. ‘Pandilla al rescate’ puede que no tenga la potencia gráfica y la repercusión de un Pixar o un Dreamworks pero cumple con esos requisitos con una calidad visual y dinamismo nada desdeñables.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de mayo de 2024. Título original: Jungle Bunch: Operation Meltdown. Duración: 89 min. País: Francia. Dirección: Laurent Bru, Yannick Moulin, Benoît Somville. Guion: David Alaux, Eric Tosti, Jean-François Tosti. Música: Olivier Cussac. Distribución: VerCine. Género: comedia, aventuras. Web oficial: https://tatprod.com/les-as-de-la-jungle-2-le-film

Crítica: ‘Segundo Premio’

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Granada, finales de los 90. En plena efervescencia artística y cultural, un grupo de música indie vive su momento más delicado: la bajista rompe con la banda buscando su sitio fuera de la música y el guitarrista está inmerso en una peligrosa espiral de autodestrucción.  Mientras, el cantante se enfrenta a un complicado proceso de escritura y grabación de su tercer disco. Nadie sabe que ese disco cambiará para siempre la escena musical de todo el país.

Esta (no)es una película sobre los Planetas.

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Crítica

Se lleva por delante a cualquier otra película reciente sobre bandas musicales, que últimamente no son pocas en nuestro país

Personalmente nunca he sido fan de Los Planetas, a si es que podéis presuponer que esta no es una crítica sesgada por un sentimiento fan. El indie español, grupos como Lori Meyers, Love of Lesbian, Vetusta Morla o IZAL, me suenan a rock mustio, pero tienen un papel relevante en la escena musical española y hay que reconocerles sus legiones de fans. Ya me habían dicho que ‘Segundo Premio’ era una película diferente, que no era solo para fans del grupo, de hecho puede que desagrade a alguno de sus seguidores. Con la mente abierta he entrado en la sala, dispuesto a redescubrir a una banda y ver un biopic diferente. El Festival de Málaga avaló ese tipo de alabanzas y tras verla suscribo sus reconocimientos al montaje y la dirección, entre otras cosas.

La propuesta de Isaki Lacuesta, Pol Rodríguez y Fernando Navarro ofrece una mirada penetrante y evocadora a una época crucial del grupo Los Planetas. A diferencia de los biopics convencionales, esta película se aleja de las narrativas pulidas, anecdóticas o rigurosas. ‘Segundo premio’ opta por un enfoque más fragmentado y visceral que captura la esencia turbulenta y creativa del grupo durante la grabación de su tercer disco, que data de 1998. Como si de una era remota y lejana se tratase se habla del siglo XX, se proyecta en 4:3 y se nos transporta a ambientes muy diferentes a los habituales dentro del mundo del rock y la música contemporánea. Al igual que otras películas sobre bandas musicales, véase ‘Dardara’ por ejemplo, se agradece el cambio de perspectiva y el no endiosamiento de los miembros de la formación.

La espina dorsal del guión es la relación tumultuosa de hermandad y amistad de dos de sus miembros. La trata de tal modo que llega hasta el punto de recordar a la historia de los hermanos Gallagher. Tanto en su dinámica interna como en su impacto en la escena musical, Los Planetas vivieron momentos de intensa creatividad y autodestrucción. Las secuencias de ‘Segundo Premio’ a veces son caóticas y siempre llegan cargadas de emoción, evocando la pasión del flamenco y la Semana Santa que tan presenta están en las raíces de Jota, Florent y May. Con eso llegamos a uno de los puntos más fuertes y curiosos de ‘Segundo Premio’, su capacidad para sumergir al espectador en el underground granadino de la época. La ambientación y la atmósfera son palpables, logrando una inmersión completa en el entorno que vio nacer, mutar y casi morir a Los Planetas. Se capta la esencia de una Granada vibrante y poética, un caldo de cultivo perfecto para la explosión indie que representaron.

‘Segundo Premio’ huele a cloretilo, a producto de limpieza de garito, a sudor de estudio, al sol de Sierra Nevada, a cerveza repegada en el suelo, a abrazos resacosos… Consigue ensalzar a un grupo a través de su historia en B, tan en B que llega a referenciar a Jess Franco. Es la historia que nadie ve y han querido imaginar. No sé hasta qué punto guarda fidelidad con la realidad, pero creo que ni a mi ni a los artífices de la película, les ha parecido eso una prioridad. Se percibe como una autopsia de un grupo, un coming of age musical, maduro, atrevido y tan paradigmático que se lleva por delante a cualquier otra película dedicada a cantantes o bandas musicales, que últimamente no son pocas en nuestro país.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de mayo de 2024. Título original: Segundo Premio. Duración: 109 min. País: España. Dirección: Isaki Lacuesta, Pol Rodríguez. Guion: Isaki Lacuesta, Fernando Navarro. Música: Susana Hernández ‘Ylia’, Los Planetas. Fotografía: Takuro Takeuchi. Reparto principal: Daniel Ibáñez, Cristalino, Stéphanie Magnin, Mafo, Chesco Ruiz, Edu Rejón. Producción: La Terraza Films, Áralan Films, Ikiru Films, Bteam Prods, Sideral Cinema, Los Ilusos Films, Toxicosmos AIE. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://bteampictures.es/segundo-premio/