‘Friends’ regresa a nuestras casas gracias a este maravilloso pack
Este año se cumple el 30 aniversario de FRIENDS y la querida serie de televisión sigue ocupando un lugar perdurable en la cultura popular y en los corazones de todo el mundo. Con su ingenioso humor, sus entrañables personajes y sus memorables eslóganes, ‘Friends’ trasciende generaciones gracias a su atractivo universal, lo que la convierte en un clásico que sigue aportando alegría y risas a fans de todo el mundo.
Por esta razón el próximo 25 de septiembre de 2024, llega a nuestras tiendas de confianza el pack coleccionista definitivo para cualquier fan de Friends. Con más de 110 horas de contenido, incluidos los 236 episodios originales, emitidos por primera vez en 4K Ultra HD, además de más de 20 horas de contenido adicional totalmente nuevo.
Este pack se ha hecho para celebrar el 30 aniversario de una de las comedias más vistas de la televisión. ‘Friends’ sigue las vidas y los amores de un unido grupo de amigos que viven en Nueva York: los hermanos Ross y Monica Geller, junto con sus amigos, Chandler Bing, Phoebe Buffay, Joey Tribbiani y Rachel Green.
Creada por David Crane y Marta Kauffman, la serie se emitió desde el 22 de septiembre de 1994 hasta el 6 de mayo de 2004 en la NBC. A lo largo de su carrera, ‘Friends’ fue nominada a 62 Primetime Emmy Awards, ganando seis premios, incluyendo Mejor Serie de Comedia en 2002.
Desde su lanzamiento, la serie ha sido vista más de 71000 millones de veces sólo en Estados Unidos, en todas las plataformas lineales y SVOD. A nivel internacional, los espectadores, pasaron un total de más de 1400 millones de horas con ‘Friends’ en 2023, a través de televisión lineal y SVOD internacionalmente.
FRIENDS: Serie completa
Incluye los 236 episodios originales emitidos de las 10 temporadas de la serie. Además de varias horas de contenido adicional creadas a lo largo de los años, incluyendo ahora dos horas de contenido adicional totalmente nuevo.
CONFIGURACIÓN TÉCNICA DE LA EDICIÓN:
Idiomas en Dolby Digital 2.0 Surround: Castellano, Alemán, Francés; DTS-HD Master Audio 5.1: Inglés.
Subtítulos en Castellano, Español Latinoamericano, Noruego, Francés, Finés, Holandés, Danés, Chino Complejo. Codificado para sordos: Inglés, Alemán.
Duración: 236 episodios.
Incluye 24 discos con la serie en 4K Ultra HD y un disco Blu-ray de extras, así como un libreto.
Álex (Aida Folch) es una española que comienza un nuevo trabajo como camarera en un restaurante de una isla perdida en Grecia. A pesar de ganarse rápidamente la confianza del brasileño Chico (Juan Pablo Urrego), Álex se enamora de Max, el norteamericano que regenta el establecimiento (Matt Dillon). Mientras su amor florece, se empiezan a descubrir inquietantes pistas sobre el oscuro y misterioso pasado de Max.
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Crítica
Isla perdida, un haunted heart incapaz de cautivarnos o intrigarnos
Fernando Trueba, autor de películas tan conmovedoras y completas como ‘El olvido que seremos’, ‘Belle Epoque’ o ‘La niña de tus ojos’, nos propone ahora un drama romántico rodeado de suspense.
Una pequeña isla perdida en la Grecia de 2001 acoge un trío amoroso lleno de pasiones que va dando paso a recelos. Vamos del verano al otoño y como es natural acabamos en el invierno. Con ello Trueba juega con la asociación de ideas. Tradicionalmente identificamos el verano con el ocio, las emociones y los amores pasajeros. Con el otoño todo cambia de color, descubrimos las ramas ocultas por las hojas caídas y casi todo se empieza a morir. Finalmente llegamos al frío invierno, la época en la que todos nos escondemos en nuestras casas y huimos de las dañinas inclemencias. Esas son las fases ‘Isla perdida’. El guión nos lleva de lo cálido y acogedor para terminar con la incomodidad de los secretos y la desconfianza.
Se supone que la película se ha hecho rindiendo tributo a maestros del thriller como Hitchcock y Highsmith. Pero algunas sobreactuaciones y lo poco capaz que es el guión de cautivarnos hace que por mucha concentración que le pongamos no encontremos ninguna de esas referencias. El romance es bastante evidente y forzado, lo vemos venir en cuanto nos presentan a los protagonistas. La joven pasional en busca de trabajo (Aida Folch), el guapete resultón que le tira los trastos a todas (Juan Pablo Urrego) y el misterioso jefe venido de América (Matt Dillon). Ahí la trama no puede ser más arquetípica. Para los amantes del cine de amoríos ‘Isla perdida’ puede ser un entretenimiento correcto. Si buscas un thriller clásico he de decir que lo veo solo en determinados momentos. Si hay algo que remonta al cine del maestro del suspense es la relación con la música compuesta por instrumentos suaves de viento, algunos planos y el tratamiento de los personajes, con los que volvemos al tipo duro y misterioso con cicatrices que acariciar por una mujer enamoradiza y extrañamente solícita a pesar de que intentan dibujarla con carácter y persosnalidad. Donde se supone que debíamos encontrar una sorpresa digna de quitarnos el hipo es en el tercer acto, en el que el personaje de Matt Dillon desvela sus cartas. Ni merece la pena destriparos el secreto ni quiero que esperéis algo a la altura de un tributo a los directores citados más allá que algún que otro McGuffin. Es por ello que, para mí, esta es una película menor en la filmografía del mejor de los Trueba, de hecho si la hubiese visto sin títulos de crédito no habría adivinado que es suya.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de agosto de 2024. Título original: Haunted Heart. Duración:País: España. Dirección: Fernando Trueba. Guion: Rylend Grant, Fernando Trueba. Fotografía: Sergio Iván Castaño. Reparto principal: Aida Folch, Matt Dillon, Juan Pablo Urrego. Producción: Atlántika Films, Fernando Trueba Producciones Cinematográficas. Distribución: BTeam Pictures. Género: suspense. Web oficial:https://atlantikafilms.com/produccion/haunted-heart/
Hollywood, años 80 del siglo pasado. Maxine Minx, estrella del cine para adultos y aspirante a actriz, tiene por fin su gran oportunidad. Pero mientras un misterioso asesino acecha a sus compañeras, un rastro de sangre amenaza con revelar el siniestro pasado de Maxine.
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Crítica
Culmina un homenajea al género que ha estado plagado de elegancia y feroz intensidad
El filme que hoy nos ocupa pertenece a una saga que por lo menos en España ha sido bastante maltratada, por sus distribuidoras y por el público ajeno al género. ‘MaXXXine’, de Ti West, constituye el cierre de una trilogía que comenzó con ‘X’ y continuó con ‘Pearl’. Ambas se pueden disfrutar de manera independiente y en cualquier orden, pero en el caso de este tercer título conviene ponerse en precedentes. El talento de Ti West y su capacidad para crear secuelas espirituales han hecho que este estreno sea todo un evento muy esperado para los seguidores de este director, yo entre ellos, reconozco. Esta trilogía ha sido destacada por su enfoque en el horror psicológico y su homenaje a diversas eras del cine de terror. Para entender ‘MaXXXine’, es esencial conocer el viaje que nos lleva hasta aquí, es decir, saber destilar los elementos de varios géneros. Para disfrutarla en todos sus niveles sería recomendable haber visto sus predecesoras, solo así se puede apreciar la evolución tanto de la narrativa, como de la protagonosta, como del estilo visual y temático de West.
Ti West nos ha hecho saltar por diferentes épocas materializando un auténtico viaje generacional. Cada película, aunque conectada temáticamente, presenta una estética y un enfoque narrativo distintos, permitiendo a los espectadores experimentar una evolución en la forma y el contenido que es rara vez vista en series de películas de terror. De los setenta retrocedimos a la época del Technicolor y ahora le toca a los transgresores años ochenta. Si con ‘X’ incluyó el grano y la estética del cine de explotación y con ‘Pearl’ nos saturó de color cincuentero, con ‘MaXXXine cada imagen y sonido trata de capturar la vibrante pero superficial atmósfera de la cultura pop de los 80, sobre todo del Grindhouse. La fotografía y la banda sonora reflejan este cambio, con colores neón y una sensación general de exceso y decadencia que caracterizan la década. Por lo tanto además del trabajo del director hay que adular por igual a quienes se han encargado de fotografía y música, Eliot Rockett y Eliot Rockett respectivamente. Y no me quiero olvidar de los prostéticos, aquellos que nos hacen creer que estamos viendo tripas, cerebros y sangre, pues son realmente impactantes.
Los leitmotivs de esta trilogía son varios. El crimen salvaje, la búsqueda de la fama, la pornografía, la locura, la hipocresía del público de cine adulto y el miedo a la vejez predominan a lo largo de la trilogía. En común también hay algunos planos calcados que evidentemente cambian su escenografía. A parte de tocar el caso real de Richard Ramirez, una de las principales diferencias entre ‘MaXXXine’ y las dos primeras películas es su enfoque en la industria del entretenimiento y su carácter de historia negra y detectivesca. En lugar de un entorno rural o aislado nos trasladamos a la gran ciudad, cambiando el escenario y aumentando notablemente el número de personajes. Mientras ‘X’ y ‘Pearl’ exploran el horror que emerge de la represión y el aislamiento, ‘MaXXXine’ aborda el lado oscuro de la búsqueda de la fama y el éxito en un mundo despiadado y competitivo. Ti West utiliza esta ambientación para profundizar en temas de identidad, ambición y el costo personal de perseguir los sueños en una ciudad que puede consumir a sus habitantes. Esto último nos aporta como novedad un reparto que pone la guinda al pastel (ver ficha al pie de esta crítica).
La trilogía en su conjunto muestra la versatilidad de West como director y su habilidad para explorar diferentes subgéneros del terror con una sensibilidad única. Además supone una vuelta de tuerca a un género que casi siempre es tachado de superficial y gratuito. ‘MaXXXine’ se destaca no solo por cerrar la historia de manera más o menos satisfactoria, sino por hacerlo con un estilo propio que ofrece una mirada crítica a la cultura de los 80 y a los costos personales de la ambición desmedida. De ahí que abra con una frase de Bette Davis que reflexiona sobre el concepto y el tratamiento que le da la sociedad a las estrellas.
Evidentemente la otra constante, indispensable y a subrayar en color fluorescente, es Mia Goth. En ‘MaXXXine’ brilla al llevar más allá su exploración del personaje que comenzó en ‘X’ y ‘Pearl’. Se percibe una continuidad en cuanto al estudio de personajes desquiciados por los motivos que enumeraba antes como leitmotiv. Su interpretación en esta tercera entrega ejecuta una evolución palpable de Maxine Minx, profundizando en su complejidad emocional y resiliencia al límite. Goth demuestra una versatilidad impresionante, manteniendo la continuidad de sus personajes previos mientras aporta nuevas dimensiones. Aunque a muchos les parecerá algo excesivamente intenso, su capacidad para transmitir vulnerabilidad y fortaleza a la vez es un testimonio de su talento, consolidándola como una actriz destacada en el género de terror contemporáneo.
Había una pregunta en el aire que debía responderse tras ver ‘MaXXXine’. ¿Qué pretendía Ti West con esta trilogía? Cabría esperar una reflexión mayor y podría decirse que es un homenaje al cine, sobre todo un tributo a la evolución del cine de terror y una exploración profunda de los miedos y deseos humanos. Más allá de la evidencia de ‘Psicosis’ está el detalle de la colilla en la estrella de Theda Bara. Así mismo es una forma descarada de vanagloriarse de un talento, de esos que es siempre capaz de explotar A24. Ti West entrelaza horror y arte en una sinfonía cinematográfica. Quizá no vuelva a alcanzar nunca estos niveles, pero sin duda con este trío de películas, más allá de poder consolidar a este director como una estrella del género, se ofrece una experiencia cinematográfica rica y multifacética que dejará una marca indeleble en el cine de terror contemporáneo.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de agosto de 2024. Título original: MaXXXine. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Ti West. Guion: Ti West. Música: Tyler Bates. Fotografía: Eliot Rockett. Reparto principal: Mia Goth, Elizabeth Debicki, Halsey, Lily Collins, Kevin Bacon, Giancarlo Esposito, Moses Summey. Producción: A24, Motel Mojave, Access Entertainment, New Zeland Film Commision. Distribución: Universal Films. Género: terror, suspense. Web oficial:https://a24films.com/films/maxxxine
El amor no se rinde nunca y Emily estará prepara para ello
Regresa ‘Emily en París’, con una cuarta temporada que vuelve a ponerle las cosas complicadas a esta muchacha experta en meterse en la vida de los demás. Siempre con un buen fondo, pues quiere la felicidad de sus amigos, pero termina liándola siempre.
Emily ya lleva una larga y fructífera carrera en París, donde además de lograr grandes avances en su trabajo, también va teniendo sus diferentes aventuras en el amor. En esta cuarta temporada, seguirá un poco confusa, pero veremos como poco a poco va centrándose. Continuamos la temporada después de la fallida boda de Camille y Gabriel, Emily no sabrá que hacer.
Antes de nada, deciros que hemos visto los 5 primeros episodios. En septiembre llegará el resto de la temporada en el que veremos como siguen nuestros protagonistas favoritos. Lo poquito que he visto, me ha gustado bastante, unos primeros episodios bastante tranquilos, que sin duda nos van preparando para un final de temporada movidito. Y es que el final del quinto episodio nos deja ver que Emily no puede estar tranquila.
Como siempre, volvemos a ver modelitos de locura que lleva Emily, la comida tan copiosa que nos van mostrando en los diferentes restaurantes por los que van pasando y por supuesto nuevas aventuras que les van ocurriendo a nuestros personajes. Amores, desamores, traiciones y también decepciones.
Lily Collins vuelve a dar vida a esta mujer controladora, entusiasta y positiva que hace que sus amigos muchas veces sufran sus meteduras de pata. En el reparto seguimos encontrando a Philippine Leroy-Beaulieu, Ashley Park, Lucas Bravo, Camille Razat, SamuelArnold, Bruno Gouery, Lucien Laviscount o Arnaud Binard, entre muchos otros. Todos ellos con sus pequeñas historias que giran alrededor de Emily.
Erin Ehrlich, Peter Lauer y Andrew Fleming, han sido los directores encargados de dirigir estos 5 primeros episodios. Para terminar la segunda temporada, tendremos que esperar hasta el 12 de septiembre de 2024, como siempre en Netflix.
La épica se adueña de la segunda temporada de Los Anillos de Poder
El próximo 29 de agosto de 2024, llegan los tres primeros episodios de ‘El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder’. Con un nuevo episodios disponible cada semana hasta llegar al apasionante final de la temporada programado para el 3 de octubre de 2024.
Esta temporada presenta la esperada Guerra de Eregion, una batalla definitiva en la historia de la Segunda Edad de la Tierra Media de J.R.R. Tolkien, de la que no todos salen con vida. Los estandartes se alzan y la devastadora guerra contra Sauron no ha hecho más que empezar.
Sin más esperas os dejamos el tráiler y la sinopsis de esta nueva temporada.
Sinopsis
Sauron regresa en la segunda temporada de Los Anillos de Poder. Expulsado por Galadriel, sin ejército ni aliados, el naciente Señor Oscuro debe confiar ahora en su propia astucia para reconstruir su fuerza y supervisar la creación de los Anillos de Poder que le permitirán someter a todos los pueblos de la Tierra Media a su siniestra voluntad. Después del éxito y la ambición épica de la primera temporada, la nueva temporada presenta a sus personajes más queridos y más vulnerables en una oleada de oscuridad cada vez mayor, desafiándolos a encontrar su propio lugar en un mundo que está cada vez más al borde de la calamidad. Elfos y enanos, orcos y hombres, magos y pelosos, a medida que las amistades se resienten y los reinos comienzan a fracturarse, las fuerzas del bien lucharán cada vez más ferozmente por aferrarse a lo que más les importa a cada uno… los demás.
En un futuro próximo, se ha creado el sorteo de la Gran Lotería. El truco es matar al ganador antes del anochecer y reclamar legalmente el bote multimillonario. Cuando Katie Kim (Awkwafina) se hace con el boleto ganador por error, se une a regañadientes al agente novato de protección de la lotería Noel Cassidy (John Cena), que deberá mantenerla con vida a cambio de una parte del premio.
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Crítica
John Cena y Awkwafina, ¿Qué puede salir mal?
Prime Video, nos sorprende con ‘Jackpot!’, una comedia muy boba pero que funciona desde el minuto uno. Y es que la gran personalidad de ambos actores, logran una química espectacular en la pantalla y nos hacen reír y disfrutar a base de grandes escenas de acción y persecuciones por medio Hollywood.
¿Qué nos vamos a encontrar en ‘Jackpot!’? Estamos en un futuro próximo, en California se ha creado un premio gordo de la lotería, el truco para conseguirlo: matar al ganador antes de que se ponga el sol para poder reclamar legalmente el premio multimillonario. Nuestra protagonista Katie Kim, es la ganadora por error de este premio. Comienza así una pesadilla en la que todo el mundo quiere asesinarla. Noel Cassidy aparece de la nada para salvarla de todo lo que se le viene encima.
Dirigida por PaulFeig (‘Un pequeño favor’) y con guion de RobYescombe, guionista de muchos videojuegos. Esto último se nota, porque como he dicho, hay acción desde el principio y es una película que no para, con personajes muy locos y bastante peculiares. Todo esto unido a grandes escenas de luchas, también muy locas. Teniendo en cuenta que no está permitido matar con armas de fuego, vamos viendo la inventiva de la gente para sacar armas de cualquier objeto, como si de John Wick se tratase.
En el reparto encontramos caras muy conocidas, como a SeannWilliamScott, JoshDiogo, DollyDeLeon, MurrayHill, SeanSullivan, LisaCatara, AydenMayeri, DonaldEliseWatkins y SimuLiu.
Pero como dije al comienzo de mi crítica, John Cena y Awkwafina están estupendos. Logran crear una pareja cómica increíble. John Cena hace un papel bastante tierno, un gigante de puños de hierro con un corazón enorme. El cual ha tenido errores a lo largo de su vida, pero solo quiere el bien. Y Awkwafina, su personaje es una pobre desgraciada a la que engañan todo el rato en la gran ciudad, la cual tiene hasta la mala suerte de ser agraciada con esta loca lotería que va a terminar con su vida.
La película me ha parecido como digo, muy divertida. Y ya os digo, no os perdáis los créditos, tenéis todas las tomas falsas de la película y la verdad que son divertidísimas. A partir del día 15 tenéis ‘Jackpot!’ en vuestras casas.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de agosto de 2024. Título original: Jackpot!. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: Paul Feig. Guion: Rob Yescombe. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: John Schawartzman. Reparto principal: Awkwafina, John Cena, Simu Liu, Ayden Mayeri, Seann William Scott, Machine Gun Kelly, Donald Watkins, Sam Asghari, Murray Hill. Producción: Amazon Studios, Feigco Entertainment, Summer House Pictures. Distribución: Amazon Prime Video. Género: Comedia. Web oficial:https://www.primevideo.com/-/es/detail/Jackpot/0SHYKLT6SZKGH9DDAEXL3J4W8A
Almagro se viste de gala para la clausura de su festival
El Festival Internacional de Cine de Almagro ha finalizado su séptima edición con un éxito arrollador que posiciona la cinta como uno de los eventos culturales manchegos de referencia y proyecta un futuro de crecimiento para este festival gestionado por Marko Montana y Celia Vela.
La gala de clausura se celebró en el Hospital de San Juan, epicentro del festival, y estuvo conducida por el músico interdisciplinar Grison, al que le arroparon casi 800 espectadores, que pudieron disfrutar de su talento y del concurso de bandas sonoras. Un broche de oro a una semana llena de actividades y proyecciones que han convertido Almagro en el centro de interés cultural regional desde el pasado viernes 2 de agosto.
Este festival vuelve a ser posible gracias a los apoyos del Ayuntamiento de Almagro, la Diputación de Ciudad Real y la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha. Además, el festival cuenta también en esta edición con la colaboración de Cantabria Film Comission y la Embajada de Colombia, región y país invitados, respectivamente.
Os dejamos el Palmarés del Festival a continuación.
PALMARÉS VII FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE ALMAGRO
Mejor Cortometraje Sección Oficial Nacional. ‘Colorado’, de Sandra Gallego y Pilar Gómez
Mención especial: ‘El bloque’, de Fermín Gil
Mejor Cortometraje Sección Oficial Internacional. ‘Juste avant’, de Sylvain Bressollete
Mención especial: ‘Surcos’ de César Cárdenas Gordon
Premio Aurio-Visual Concurso Bandas Sonoras. Sandra Bautista
Mario Pagano regresa al cine con su segunda película ‘Nueva Tierra’
El 6 de septiembre llega a nuestros cines ‘Nueva Tierra’, la película dirigida por Mario Pagano y protagonizada por Iván Sánchez, Juan José Ballesta y Andrea Duro. Cuenta con la colaboración especial de Imanol Arias.
La cinta, cuenta la historia de León, que se adentrará en las profundidades de la naturaleza, ahora poblada por tribus,, para rescatar a su hija y sobrevivir a los peligros de la Nueva Tierra.
Mario Pagano el director, estudió cine en Nueva York y se trasladó a Madrid, después de haber trabajado como fotógrafo de moda y publicidad en una gran cantidad de medios. Su Ópera prima fue ‘Backseat Fighter’, un thriller de acción que se llevó el premio de “Mejor Película de Acción” en el Festival Internacional de Cine de Acción de España 2018.
Distribuida por Begin Again Films, la película es una producción de Good Friends Pictures S.L., Nueva Tierra Film A.I.E y Cinema Malpaso Producciones S.L.
Os dejamos el tráiler de la cinta a continuación, junto con su sinopsis completa.
Un virus acaba con la civilización y León se refugia con su familia en las montañas. Una organización religiosa llamada La Legión, autora de secuestros masivos de niñas adolescentes después de la pandemia, secuestra a su hija dejando un rastro de muerte y dolor detrás. León se adentrará en las profundidades de la naturaleza, ahora poblada por tribus y tendrá que luchar, con todas sus fuerzas, para rescatar a su hija y sobrevivir a los peligros de la Nueva Tierra.
Buena mezcla, pero le queda para septiembre el justificar su paso al anime
En su día los creadores de ‘Rick y Morty’ anunciaron que la serie tendría diez temporadas, ni una más ni una menos. Pero no se dijo nada de spin offs o versiones alternativas. Eso es lo que estamos celebrando hoy pues tras el estreno de la temporada siete el año pasado y mientras esperamos que en 2025 llegue la octava, se estrena ‘Rick y Morty: el anime’. Hemos tenido la suerte de ver los dos primeros episodios de esta nueva versión y podemos adelantaros que ambos tienen escena post-créditos. Esta nueva locura vivida por el abuelo y el nieto más perturbados del universo animado de Adult Swim es una temporada independiente que tendrá 10 episodios ampliando el mundo de ‘Rick y Morty’. Independiente ya que transcurre entre medias de dos temporadas de la serie regular, pero conservando a los personajes que vimos en la última entrega. Así pues volverá a estar la familia Smith junto a amigos y enemigos como Persona Pájaro, Tammy Gueterman, los Gromflomitas, Beth espacial…
Esta nueva temporada llega dirigida por Takashi Sano, autor de ‘Tower of God’ y algunos episodios de ‘Vinland Saga’. Tras el éxito del cortometraje ‘Rick y Morty VS Genocider’ Adult Swim le dio luz verde para esta temporada que conserva el mismo estilo. La versión en inglés se estrenará el jueves 15 de agosto a medianoche en Adult Swim y el 16 en Max en España.
Lo que nos cuenta esta nueva etapa de la serie creada en su día por Justin Roiland y Dan Harmon es cómo Rick se haya de relax entre multiversos, Morty se encuentra en una especie de bucle en el que cae enamorado de una chica que deambula por el espacio/tiempo y Summer ayuda a la versión espacial de su madre a luchar contra la federación galáctica. Como veis nada a lo que no nos tenga acostumbrado ya esta imaginativa y frenética serie. ‘Rick y Morty: el anime’ no se corta a la hora de implementar lo que para unos es ciencia ficción y para otros conspiración con teorías como las de los universos paralelos o las realidades encerradas en una simulación. Y por supuesto están las alusiones a la cultura popular, en esta ocasión centradas en ‘Ciudadano Kane’, ‘Tenet’, ‘Ready Player One’ e historias muy similares a las de Makoto Shinkai. Es por todo esto que la serie es capaz de mezclar complejidad y sensibilidad con violencia y asquerosidades.
Para los fans de ‘Rick y Morty’ aún faltan giros más locos y una violencia más explícita. Para los amantes del anime cabía esperar un tono más seinen o cercano a narraciones Shonen absurdas como ‘Bobobo’. Sin duda el opennig, que mezcla música pop y death metal, calca el de muchos animes como ‘Death Note’ o ‘Steins;Gate’. Nos recuerda a aquellos animes juveniles, por lo general de género isekai, que mezclan un sinfin de imágenes, haciéndonos tener casi un ataque epiléptico cual Simpsons en Japón.
Al pegar el salto a la animación japonesa cambian los trazos pero se respetan los diseños originales. Aparecen nuevos personajes que tienen un estilo marcadamente japonés y los que ya conocíamos tienen una línea no muy diferente a la de los adultos que veíamos en Shin Chan. La narrativa se mantiene tan loca y caótica como siempre empleando flashbacks y elipsis por doquier, al fin y al cabo es una seña de identidad de la serie. Aún falta por ver algo más del lenguaje visual habitual en los animes o de sus habituales recursos heredados del manga. Veremos si en septiembre, cuando ya hayamos visto más episodios, podemos decir que la traslación al anime está lograda y justificada debidamente con argumentos y técnicas audiovisuales que casen bien entre la serie de Adult Swim y la animación nipona.
Dentro del fandom del anime es muy valorado el poder ver las historias en japonés. Es por eso que podemos dedicar un pequeño espacio para quienes han doblado a los protagonistas tanto en japonés como en inglés.
Lillian, una joven estudiante de instituto, se escapa durante una excursión escolar. En este picaresco viaje que nos recuerda a un cuento de hadas o a una gamberra Alicia en el País de las Maravillas, la joven descubrirá un mundo sorprendente. ¡Bienvenidos a América!
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Crítica
Un retrato norteamericano embadurnado del descaro y el nihilismo que tanto caracteriza a la adolescencia
Punks a lo Sid Vicious con ganas de disturbios, escolares de excursión haciendo travesuras, yihadistas fans del eurodance retirados en el monte, ultraderechistas a lo QAnon de picnic, cineastas petulantes hasta arriba de entusiasmo, una breve aparición de Andy Milonakis relacionándose con el pizzagate… ‘The Sweet East’ es una película intrigante que presenta una narrativa multifacética, ofreciendo una mirada penetrante a la América contemporánea a través de los ojos de su protagonista, Lillian, una joven de secundaria interpretada por Talia Ryder. Dirigida por el debutante Sean Price Williams, la película se destaca por su estilo visual distintivo y una dirección que combina elementos de realismo y surrealismo, proporcionando una experiencia cinematográfica sugerente y rica para aquellos capaces de extraer de ella algún tipo de moralina.
Básicamente parece un film hecho por alguien patriota que está profundamente preocupado por lo que pasa en su país, solo así se puede entender todo lo que plantea y que desemboca en un dramático y enigmático final. Entre sus muchas divagaciones cuesta ver si es una película compleja o si simplemente es enrevesadamente disparatada. Una de las características más notables de ‘The Sweet East’ es su enfoque en la exploración de la identidad y el autodescubrimiento en un contexto moderno y fragmentado. Lillian es una protagonista que atraviesa una serie de encuentros y experiencias que desafían su comprensión del mundo y de sí misma. La actuación de Ryder es particularmente destacable, su interpretación logra capturar la vulnerabilidad y la resiliencia de su personaje, haciendo que el público se sienta profundamente conectado con su viaje. Es por todo esto que se compara a este filme con ‘Alicia en el País de las Maravillas’. Pero más que un peregrinaje interior, lo que yo creo que consigue Pierce Williams es una radiografía de un país que está repleto de extremos surrealistas. El guion, escrito por Nick Pinkerton, es una mezcla de episodios que oscilan entre lo travieso, lo absurdo y lo trágico. Estamos en un mundo caótico y eso refleja tanto el montaje como el vagabundear de la protagonista. La sátira está más que presente, embadurnada del descaro y el nihilismo que tanto caracteriza a la adolescencia.
El término aesthetic se emplea mucho hoy en día en las redes sociales, sobre todo por los más jóvenes. Suele entenderse como la búsqueda de un estilo visual que no entiende de épocas ni de esquemas predefinidos. Visualmente, ‘The Sweet East’ sigue esa tendencia. Mientras que los protagonistas visten como en los setenta, las imágenes están tomadas en 16mm, se comunican con smartphones y suena el Mr. Vain de los 90. Sean Price Williams, conocido por su trabajo como director de fotografía en películas independientes, aporta su distintivo estilo visual a la dirección de esta película. La cinematografía es rica y evocadora, utilizando la luz y el color de manera efectiva para crear atmósferas que reflejan el estado emocional de Lillian. Cada escena está cuidadosamente compuesta, y la cámara a menudo actúa como un observador silencioso, capturando momentos de belleza y crudeza con igual sensibilidad. A veces parece que estamos viendo una historia ambientada en el Camden londinense y otras de puro gótico americano.
Sin embargo, ‘The Sweet East’ no está exenta de riesgos o desaciertos. La estructura episódica de la narrativa puede resultar casi inconexa para algunos espectadores, dificultando la inmersión completa en la historia, que puede dar la impresión de ser una sucesión de cosas raras porque sí. Además, la película aborda una amplia gama de temas y, en ocasiones, parece abarcar más de lo que puede manejar de manera coherente. Esto puede llevar a que ciertos elementos se sientan subdesarrollados o tratados de manera superficial. A pesar de esos puntos débiles, ‘The Sweet East’ puede considerarse una película valiente y original, cuanto menos provocadora y consciente de lo que le rodea.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de agosto de 2024. Título original: The Sweet East. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Sean Price Williams. Guion: Nick Pinkerton. Música: Paul Grimstad. Fotografía: Sean Price Williams. Reparto principal: Talia Ryder, Earl Cave, Simon Rex, Ayo Edebiri, Jeremy O. Harris, Jacob Elordi, Rish Shah. Producción: Marathon Films, Base 12 Productions. Distribución: Caramel Films. Género: comedia, drama. Web oficial:https://www.caramelfilms.es/catalogo/the-sweet-east/
Tom y Mary, dos hermanos huérfanos, desembarcan en Nueva York a finales del siglo XIX. Para reunirse con su tío, se aventuran como polizones en un tren por el Salvaje Oeste donde conocerán a Nick, un nuevo y extraordinario amigo que cambiará sus vidas para siempre. Juntos se embarcarán en un peligroso viaje, enfrentándose a malvados villanos, haciendo inesperados amigos y viviendo situaciones únicas en una conmovedora y divertida historia sobre la búsqueda de un hogar.
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Crítica
Un western road trip con tanta aventura como emotividad
Quizá no tenga la misma repercusión o impacto en la cultura popular, pero la animación Española no tiene nada que envidiar a industrias como la americana, quien ponga eso en duda debería ver películas como ‘Robot Dreams’ o ‘Buffalo Kids’. Se lo acaba de arrebatar el corto ‘ON/OFF’ de Nicolás Pedro Villarreal pero el cortometraje ‘Cuerdas’, del cual parte ‘Buffalo Kids’, llegó a ostentar el Récord Guinness del cortometraje más premiado. Ahora, a partir de la idea de esa sencilla y bonita historia llega este largometraje.
Si con el cortometraje nos invitaron a retornar a un patio de colegio repleto de juegos como la comba, las palmas o la pelota, ahora lo directores Pedro Solís y Juan Jesús Galocha “Galo” nos transportan a un viaje por los Estados Unidos de finales del siglo XIX. Allí conocemos a dos hermanos irlandeses, huérfanos y emigrantes. Han de ir sin recursos de Nueva York a California para conocer a su tío. En esa aventura conocen a Nick, un niño con parálisis cerebral que junto a otros niños viajan en busca de unos padres de adopción. Puede que cueste creerlo, pero todo esto que parece salido de la sombría mente de Charles Dickens es un western road trip repleto de emotividad y peripecias.
La película gana aún más matices de afectividad cuando conocemos un tierno detalle. Nick realmente es Nicolás, el hijo de Pedro Solís. Coprotagonizaba el corto y también ‘Buffalo Kids’. Vale que la película se podría resumir como el tributo de un padre que quiere brindarle a su hijo una última aventura. Pero el filme, aunque tiene mucha sensibilidad, no se deja llevar por la sensiblería. Si el corto clamaba por la inclusión y la comprensión, el largometraje hace lo mismo en un escenario aún más grande, extendiendo su discurso a otros ámbitos y personas.
Los autores de ‘Tadeo Jones’ o ‘Momias’ van acercando cada vez más su estilo gráfico al de Pixar/Disney pero no tienen nada que envidiar. Alcanzando un nivel superior al de la saga ‘Tadeo Jones’ consiguen escenarios a veces fotorealistas para personajes ligeramente cabezones. El equilibrio entre caricaturización y paisaje realista está muy logrado. Con ello nos transportan efectivamente al far west de un modo que en muchas ocasiones rememora a los clásicos de los cincuenta.
Aunque hay hasta un guiño para ‘Aterriza como puedas’, ‘Buffalo Kids’ es una obra marcadamente infantil. Al fin y al cabo, busca inculcar valores de respeto e igualdad, los cuales, tampoco está de sobra recordárselos a algunos adultos. Por lo demás es rendirse a un divertimento con nativos americanos iniciándose en el fútbol, una niña la mar de revoltosa y un perro llamado pizca.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de agosto de 2024. Título original: Buffalo Kids. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Juan Jesús García Galocha, Pedro Solís García. Guion: Jordi Gasull, Javier López Barreira, Pedro Solís García. Música: Fernando Velázquez. Reparto principal (doblaje original): Alisha Weir, Sean Bean, Gemma Arterton, Stephen Graham. Producción: Atresmedia Cine, 4CatsPictures, Little Boy AIA, Anangu Grup, Mogambo Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras. Web oficial:https://www.warnerbros.es/peliculas/buffalo-kids
El trabajo de Akio Kanzaki como jefe de recursos humanos está acabando con sus nervios. Para colmo, está a punto de divorciarse de su mujer y la relación con su hija universitaria no es precisamente fluida. Un día, para relajarse, decide visitar a su madre en el barrio antiguo del centro de Tokio. Pero en seguida nota que algo ha cambiado y todo le parece un poco raro.
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Crítica
Yôji Yamada sigue con su saga tokiota, llevándola a un punto más universal que nunca
La premisa de ‘Una madre de Tokio’ nos hace conocer a Akio Kanzaki (Yō Ōizumi), un japonés al borde del colapso ya que sufre una de esas crisis en las que pones un circo y te crecen los enanos. Le asalta la sombra del divorcio, le cuesta relacionarse con una hija que está en fase universitaria, tiene a la vista una reunión de antiguos alumnos y en su trabajo como jefe de recursos humanos se encuentra contra las cuerdas. Para intentar imbuirse de algo de paz recurre a volver al seno materno, a la casa en la que reside su madre (Sayuri Yoshinaga) en pleno casco antiguo de Tokio. Por desgracia para él no es una “vuelta a casa por Navidad”, pues se topa con un ambiente muy diferente al que recordaba.
El argumento de la película de Yôji Yamada me recuerda al de una película española que vimos en junio, ‘La bandera’, pero la dinámica y los derroteros que sigue ‘Una madre de Tokio’ son mayúsculamente diferentes. Eso sí, al igual que con el título de Martín Cuervo conviene no desvelar la razón por la que el protagonista ve el hogar de su infancia de un modo un tanto extraño, le puede restar algo de gracia. No obstante, al igual que con ese filme protagonizado por Imanol Arias, hay que señalar que el cambio no es el eje que vertebra la película, solo es el disparador para que el protagonista y por extensión los espectadores, encontremos espacio para la reflexión.
El valor de esta película reside en otros aspectos que van más allá de lo superficial. Con ‘Una madre de Tokio’ Yamada continúa con su saga en torno a la capital nipona, compuesta por películas como ‘Verano de una familia de Tokio’ (2018), ‘Maravillosa familia de Tokio’ (2017) y ‘Una familia de Tokio’ (2013). Realiza un retrato realista, pero ameno, con pinceladas de humor. Refleja a una sociedad repleta de contrastes, en constante conflicto con sus tradiciones. En esta ocasión lo hace a través de unos familiares un tanto despegados a causa de la vida en la gran ciudad. La perplejidad para el protagonista no llega porque la el día a día de su madre le resulte chocante, sino porque se da cuenta de que no conoce a su madre ni a su cotidianidad, en consecuencia, ve que ha perdido el norte al focalizar su vida en lo laboral. El título es ‘Una madre de Tokio’ pero si vives en una gran ciudad o a kilómetros de tu familia seguro que percibes que en esta historia oriental hay elementos con los que sentirte identificado. Esa universalidad, que es pauta habitual en la cinematografía del cineasta, por supuesto que va acompañada de las peculiaridades de la cultura japonesa y es la que le ha hecho ganar múltiples premios, tanto nacionales como internacionales.
El guión despliega un abanico de argumentos contra el desarraigo y los valores que se anteponen en aras del trabajo y en contra de los valores sencillos de la vida. Sobre todo hace énfasis en el hastío y fatiga que provocan la vida que elegimos llevar. Para exponer esta especie de estudio reparte el protagonismo entre la figura del hijo y la madre, de manera separada pero encontrando regularmente nodos en común. Aunque el metraje se estira en exceso para contarnos algo que no es nuevo, funciona en el sentido de lograr explorar las repercusiones de dichas elecciones.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de agosto de 2024. Título original: Konnichiwa, Kaasan. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Yôji Yamada. Guion: Yuzo Asahara, Yôji Yamada. Música: Akira Senju. Fotografía: Masashi Chikamori. Reparto principal: Sayuri Yoshinaga, Yō Ōizumi, Mei Nagano, Yukiko Ehara. Producción: Shochiku. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial:https://movies.shochiku.co.jp/konnichiha-kasan/
Lilith (Cate Blanchett), una malvada cazarrecompensas con un misterioso pasado, regresa de mala gana a su hogar, Pandora, el planeta más caótico de la galaxia. Su misión es encontrar a la hija desaparecida de Atlas (Édgar Ramírez), el cabronazo más poderoso del universo. Lilith forma una inesperada alianza con un extraño equipo: Roland (Kevin Hart), un veterano mercenario con una misión; Tiny Tina (Ariana Greenblatt), una salvaje demoledora preadolescente; Krieg (Florian Munteanu), el musculoso protector de Tina; Tannis (Jamie Lee Curtis), la extraña científica que lo ha visto todo, y Claptrap (Jack Black), un robot sabelotodo. Juntos, estos sorprendentes héroes deberán enfrentarse a una especie alienígena y a peligrosos bandidos para descubrir uno de los secretos más explosivos de Pandora. El destino del universo podría estar en sus manos, pero lucharán por algo más: los unos por los otros.
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Crítica
Muy lejos de aludir a las sensaciones que teníamos tras apagar nuestra consola
Nueva adaptación de un videojuego a la gran pantalla con actores de carne y hueso. En el pasado pudimos disfrutar de las versiones de ‘Silent Hill’, ‘Five Nights at Freddy’s’, ‘Sonic’ o los distintos ‘Tomb Raider’. Pero también olvidar nada más ver los títulos de crédito las versiones de ‘Max Payne’, ‘House of the dead’ o ‘Pixels’. Y aunque la lista de juegos que han sido adaptados a live action es ya muy larga (os recomiendo el libro ‘Luces, cámara… enter play’) sigo defendiendo a día de hoy que la mejor película jugona, que no adapta ningún videojuego pero que es la mejor manera de ver un shooter en el cine, es ‘Hardcore Henry’.
Adaptar un cómic o una novela tienen su dificultad pues el lector pone mucho de su imaginación para que la historia funcione. En el caso de los videojuegos, una adaptación solvente depende mucho de la narrativa del producto original, damos por hecho que será imposible que el espectador se implique tanto como cuando tiene el mando en la mano. Para ‘Uncharted’ se decidió hacer una mezcolanza de lo visto a lo largo de la franquicia creando una aventura muy solvente. Otro acierto que gustó a muchos fue la decisión de los guionistas de ‘Fallout’ a la hora de mostrar una aventura que transcurría paralela a las tramas de los juegos. En el caso de ‘Borderlands’ se ha recuperado a gran parte de los protagonistas y se les ha dado una misión idéntica a la del shooter, encontrar el arca madre, pero los derroteros son diferentes y transcurren de manera excesivamente fortuita, casual y atropellada.
‘Borderlands’ es un juego en un mundo abierto con misiones secundarias. Es decir, hay un hilo central pero el jugador se puede mover por muchas y variopintas tramas que o bien sirven para levear a tu personaje y armas o bien para echarte unas risas. Aunque sin el toque rolero, eso mismo deberíamos haber percibido en la película. Coincidiremos todos que lo importante de este juego es su acción y sobre todo su enajenación. El juego de Gearbox Studios se puede resumir con palabras como locura, caos o demencia. Me parecía un acierto que Eli Roth fuese el finalmente escogido para esta franquicia pues, aparte de ser un director que como catecúmeno de Tarantino rinde culto a la violencia, es ante todo un fan que generacionalmente está en buena posición de saber qué exigen los gamers a una adaptación. Lástima que percibamos que tanto su violencia como su capacidad de narrar historias repletas de barbaridades están ausentes. Probablemente, por decisión del estudio, le ha pesado le hacer una película de corte más familiar, como lo fue ‘La casa del reloj en la pared’, en la que también trabajó con Cate Blanchett y Jack Black.
El paneta Pandora tenía que lucir como un mundo a lo far west repleto de buscatesoros, delincuentes o mercenarios al servicio de corporaciones llamadas Dahl, Atlas o Hyperion. Esto realmente es así pues los escenarios y la caracterización calcan el juego. Nos embarcamos en un ambiente inhóspito, hostil y repleto de basura en el que abunda la tecnología. Allí se junta un equipo variopinto que se ve forzado a colaborar. La mecánica es de manual, como recientemente hemos visto en filmes como ‘Guardianes de la Galaxia’ o ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’. Lo que podría haber diferenciado a este filme es el haber conseguido plasmar a unos personajes que son completamente borderline (el título del juego hace alusión también a este tipo de trastornos) como lo eran los de ‘Predator’ y ‘El Escuadrón Suicida’. Quien cumple con ese cometido es Jack Black poniendo voz a Claptrap y muy justitamente como Tiny Tina la actriz en alza Ariana Greenblatt, conocida por sus papeles en ‘65’, ‘Barbie’ o ‘Ahsoka’. Sin duda, por razones de popularidad y actualidad está presente Kevin Hart pero sus gags, como casi todos los del filme, no terminan de funcionar. Sin duda en este filme me quedo con las mujeres. No es que Eli Roth sea un simple fan con dinero o avales para hacer películas, ha demostrado siempre tener una gran cultura cinematográfica. Es por eso que ha contado con dos actrices consagradas y oscarizadas como Jamie Lee Curtis y Cate Blanchett. A ninguna de ellas se le cae los anillos a la hora de asumir nuevos tipos de papeles. Se han sumergido en una película repleta de acción y es Blanchett la que como protagonista sale ligeramente airosa, aunque constantemente y de manera forzada aparece con poses que imitan al NPC del juego.
‘Borderlands’ tendría que haber sido una guasa constante embadurnada de pólvora a cascoporro. Tiene acción pero está tan camuflada por movimientos de cámara que resulta tan estándar como aburrida. Lejos de ser una película de autor, de hecho ha tenido un buen baile de directores y guionistas, es una obra en la que Eli Roth no encuentra espacio para algún discurso u homenaje. Hay que puntualizar además que ‘Borderlands’ tuvo que repetir el rodaje de algunas escenas y Eli Roth estaba ocupado para cuando se tomó esa decisión. Fue Tim Miller (‘Deadool’, ‘Love, death & robots’) quien asumió ese encargo. Debemos reconocer que cuesta diferenciar qué escenas pertenecen a qué director, salvo en el caso del tramo de los psicópatas. Es otro síntoma más de que esta película es cine palomitero a granel, en el que al igual que muchas series da poco espacio a quien capitanea. Funciona únicamente en su parte técnica y las constantes referencias perceptibles por los aquellos que se han pasado horas con el mando en las manos. No es un calco de la historia, salvo en casos como en el de ‘The last of us’ se ha comprobado casi siempre es un error intentar eso, pero al menos debería haber aludido a las sensaciones con las que acabábamos al apagar nuestra consola.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de agosto de 2024. Título original: Borderlands. Duración: 102 min. País: EE.UU. Dirección: Eli Roth. Guion: Eli Roth, Joe Crombie. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Rogier Stoffers. Reparto principal: Ariana Greenblatt, Jamie Lee Curtis, Cate Blanchett, Haley Bennett, Gina Gershon, Kevin Hart, Jack Black, Edgar Ramirez. Producción: Lionsgate Films, Media Capital Technologies, Arad Productions, Picturesart, Gearbox Studios, 2k Games. Distribución: Diamond Films. Género: acción, comedia, ciencia ficción. Web oficial:https://borderlands.movie/
Despedimos a estos superhéroes disfuncionales que tanto divertimento nos han dado
El final de ‘The Umbrella Academy’ llega a nuestras pantallas este mes de agosto para que nos quedemos fresquitos en nuestras casas en esta terrible ola de calor. Después de tres temporadas con muchas subidas y alguna bajada en sus historias, esta cuarta llega para darnos un desenlace digno y bastante emotivo.
Recordemos que el comienzo de todo fue en 1989, un día cualquiera 43 niños nacen sin explicación y sin que las madres estuviesen embarazadas. Repartidos por todo el mundo, siete de ellos fueron adoptados por un billonario, creador de la academia de superhéroes The Umbrella Academy y responsable de preparar a sus hijos adoptivos para salvar el mundo.
No puedo deciros mucho más, pues todo sería spoiler, pero volveremos a reunirnos con los hermanos Hargreeves, con sus interminables problemas y algún que otro nuevo personaje que les dará más de un quebradero de cabeza a esta familia tan peculiar que nos encanta.
La temporada 4 de ‘The Umbrella Academy’ vuelve a contar con muy buena banda sonora, con la que acompañaremos a estos hermanos a vivir de nuevo una aventura para que no haya de nuevo un nuevo Apocalipsis.
Como digo, la serie completa me encanta, tiene eso, algún capítulo algo más flojo, pero al final terminan funcionando siempre. Esta temporada no es redonda, hay detalles y situaciones que no me han terminado de gustar, pero sí que logra entretenernos y devolvernos esa mala leche que vimos en la primera y a la vez, el amor que también se ve en todas las temporadas. Al final, son familia, y eso les termina pesando siempre más que todo lo demás. Aunque les cueste, siempre terminan ayudándose los unos a los otros.
ElliotPage, TomHopper, AidanGallager, DavidCastañeda, EmmyRaver–Lampman, RobertSheehan, JustinH. Min se enfundan por última vez en estos personajes que tanto nos han hecho disfrutar. La evolución de todos los personajes me encanta. Porque realmente, es casi nula, son ellos mismos, mezquinos, egoístas y a la vez comprensivos. Pero si que evolucionan en la manera de quererse y aceptarse.
Jeremy Webb, Neville Kidd y Paco Cabezas, son los encargados de dirigir esta última temporada. Siendo el último episodio dirigido por Cabezas y dándonos además unos créditos finales de los emotivos, llenos de fotos de rodaje de todas las temporadas y haciendo recordar momentos muy buenos de la serie.
Poco más que añadir, como siempre, la serie está muy bien acabada, con un gran CGI, necesario para todo lo que ocurre y con un final bastante estudiado para que todo concuerde bien. A partir del 8 de agosto la tendréis en Netflix, son seis episodios y sin duda va a ser una de las series que más echemos de menos.
‘Música de Cine: Made In Spain 2’ sonará en SONAFILM 2024
Después del éxito conseguido en 2023, SONAFILM, Festival de Música de Cine Marina Alta, celebrará el 16 de agosto a las 20:30 horas en el Auditori de Calp, la segunda parte del concierto “Música de Cine: Made In Spain 2”. Donde se reivindicará la música creada para el audiovisual español, con la presencia de destacados compositores del panorama nacional.
“Se trata de un concierto sinfónico único en nuestro país, ya que está dedicado íntegramente a las composiciones creadas para producciones nacionales”, señalan los responsables del festival. Y al igual que el pasado año, se subirán al escenario varios de los compositores invitados. En esta ocasión, los artistas confirmados son Zacarías M. De La Riva (‘Bajocero’, ‘Las aventuras de Tadeo Jones’), Darío Palomo (‘Amar es para siempre’), Manuel Gil-Inglada (‘Barrio Sésamo’, ‘Saber y ganar’), Vicent Ortiz Gimero (‘Los Farad’) y Paula Olaz (‘Bajo terapia’).
De interpretar las composiciones se encargará la Universal Symphony Orchestra, orquesta residente de SONAFILM, bajo la batuta de su director titular, José Martín Colomina.
Festival de música de cine Marina Alta
La sexta edición de SONAFILM se desarrollará del 2 al 24 de agosto en las localidades de Ondara -principal fundadora-, Dénia, Calpe, «l’Auditori Teulada Moraira» y Beniarbeig, que este año se suma al festival.
La programación completa acogerá eventos diferentes entre sí y que cubren un gran abanico de estilos musicales relacionados con el audiovisual, así como actividades didácticas.
Desde la organización de SONAFILM también destacan y agradecen a las empresas y entidades que este año apoyan el festival a través de patrocinios y colaboraciones y que han sido una parte clave, junto con los municipios participantes, para poner en marcha esta nueva edición.
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