Este ha sido para nosotros el mejor cine de 2025

Cine 2025: Películas imprescindibles que han marcado el año

El año 2025 nos ha dejado una cosecha cinematográfica excepcional, demostrando que el séptimo arte sigue teniendo una capacidad inagotable para sorprendernos, ya sea a través de grandes producciones en salas o joyas ocultas en plataformas. Como es tradición en nuestra casa, hemos querido recopilar aquellos títulos que más nos han marcado durante estos meses para que no se pierdan en el ruido de los estrenos.

Fieles a nuestra filosofía, no nos gusta hacer rankings ni asignar puntuaciones numéricas, pues creemos que el cine es una experiencia demasiado subjetiva para reducirla a una cifra. Por ello, cada año organizamos esta lista por categorías, funcionando más como un mapa de recomendaciones que como una competición. Nuestro objetivo es que este texto sirva como un recordatorio útil y una guía para descubrir (o revisar) historias que merecen ser recordadas. Desde el cine de autor más íntimo hasta los grandes espectáculos visuales, aquí tienes nuestra selección de lo mejor que nos ha regalado la pantalla este año.

Listado de lo mejor de 2025 por categorías

Españolas

Terror

Comedia

Acción

Suspense

Ciencia Ficción

Drama

Animación

Documental

Decepciones

Crítica: ‘Arco’

En qué plataforma ver Arco

Apuesta por una visión optimista para el futuro de la humanidad

Algunas leyendas o cuentos narraban que si lograbas encontrar el final del arcoíris podías hallar el tesoro del leprechaun, un caldero lleno de oro. ‘Arco’ nos cuenta de manera casi metafórica que, si recuperamos la senda de ese tipo de fenómenos fantásticos, los cuales nos llenan de ilusión al verlos, podremos encontrar otro tipo de tesoros, como el de la conciencia colectiva de que el progreso solo tiene sentido si va acompañado de responsabilidad medioambiental y empatía intergeneracional. Esa es la moraleja que sobrevuela a la película desde su estreno en festivales: no se trata de regresar al pasado ni de demonizar la tecnología, sino de reconciliar al ser humano con su entorno antes de que el futuro se vuelva inhabitable.

Ugo Bienvenu, procedente del cómic y la ilustración, da el salto definitivo al largometraje con una obra que no busca agradar de manera inmediata, sino dejar poso. ‘Arco’ es una película de animación que personaliza los miedos que hoy sufre el planeta, el colapso climático, los desastres naturales extremos, la deshumanización tecnológica… Pero lo hace desde un tono inesperadamente esperanzador. No es un relato apocalíptico al uso, sino una advertencia envuelta en belleza, una llamada a la acción disfrazada de cuento futurista.

Un futuro fracturado

El mundo que presenta ‘Arco’ es uno de esos futuros que resultan inquietantes precisamente porque parecen plausibles. La humanidad se ha dividido en dos realidades: por un lado, quienes sobreviven en pequeñas cúpulas hipertecnológicas, acompañados de robots y hologramas que sustituyen el contacto humano, protegidos de las violentas tormentas, incendios y catástrofes climáticas que asolan el planeta. Por otro, una realidad que habita en enormes plataformas suspendidas, cuya disposición recuerda inevitablemente a un ajedrez tridimensional del universo de ‘Star Trek’, ese mismo tablero al que jugaba Sheldon Cooper en ‘The Big Bang Theory’. Quizá es un símil intencionado para indicarnos que estamos en jaque.

Bienvenu utiliza este escenario para plantear una fractura no solo social, sino moral. La tecnología ha permitido sobrevivir, pero también ha generado aislamiento y dependencia. Frente a ello, la fantasía, representada de manera simbólica por el arcoíris que siempre se presenta como elemento casi mítico. Aparece aquí como un recordatorio de lo que se ha perdido: la capacidad de asombro, el vínculo con la naturaleza y la idea de poder desear un futuro mejor. El choque entre fantasía y tecnología no es solo estético, sino ideológico, y se convierte casi en el verdadero motor del relato.

Voces conocidas para una historia que no busca la comedia

Uno de los aspectos más curiosos de ‘Arco’ es su reparto vocal en inglés. Natalie Portman no solo presta su voz, sino que, tras ver el material con el que había empezado la preproducción, decidió financiar la película. Un gesto que habla del compromiso artístico que percibió en el proyecto. A su alrededor encontramos nombres asociados habitualmente a la comedia como Will Ferrell, Mark Ruffalo, America Ferrera, Flea o Andy Samberg.

Sin embargo, ‘Arco’ no es una película de humor. Y es que las voces no buscan el lucimiento individual, sino reforzar la atmósfera de fábula adulta, donde cada personaje parece cargar con una culpa colectiva más que con un conflicto personal.

Una animación heredera de Miyazaki y Toriyama

Visualmente, ‘Arco’ se sitúa en una tradición muy reconocible. La influencia de Hayao Miyazaki es evidente a la hora de representar la naturaleza y en el movimiento de los personajes. Al mismo tiempo, ciertos diseños y dinámicas recuerdan a la obra de Akira Toriyama, especialmente en lo que se refiere al diseño de escenarios y todo tipo de artilugios.

Esta alineación estética no es un mero homenaje, sino una declaración de intenciones. Bienvenu entiende la animación como un lenguaje capaz de abordar temas complejos sin renunciar a la emoción ni al estilismo. Cada plano parece diseñado para reforzar el mensaje: la tecnología puede ser deslumbrante, pero también fría, la naturaleza puede parecer ingenua, pero encierra verdades arrolladoras. Como las obras de estos dos maestros, la comunión entre el progreso y nuestro entorno aparece como una comunión irremediable y casi onírica.

No es casualidad que ‘Arco’ haya sido muy premiada y que su nombre suene con fuerza en la conversación sobre los Oscars. Entre otros reconocimientos, ha obtenido el Premio Cristal a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy y el Premio del Público Sitges Collection en el Festival de Sitges. Ambos galardones reflejan su doble virtud: el reconocimiento crítico y la conexión emocional con el espectador.

‘Arco’ propone un viaje, una senda que, como el arcoíris de las viejas leyendas, no garantiza un tesoro inmediato, pero sí la posibilidad de encontrar algo más valioso: la voluntad de cambiar antes de que sea demasiado tarde.

Ficha de Arco

Estreno en España: 23 de enero de 2025. Título original: Arco. Duración: 82 min. País: Francia. Dirección: Ugo Bienvenu. Guion: Ugo Bienvenu, Félix De Givry. Música: Arnaud Toulon. Reparto principal (doblaje original): Oscar Tresanini, Margot Ringard Oldra, Louis Garrel, Alma Jodorowsky, Nathanaël Perrot, Vincent Macaigne, Swann Arlaud. Producción: Remembers, MountainA, France 3 Cinéma, Netflix. Distribución: Caramel Films, YouPlant. Género: Web oficial.

Novedades de Arvi Licensing para enero de 2026

‘Eddington’, ‘Downton Abbey’ o ‘Boyhood’ llegan este próximo enero gracias a Arvi

Arvi Licensing, nos da una pequeña sorpresa antes de acabar el año y son sus novedades para el próximo 28 de enero de grandes lanzamientos en formato doméstico.

Comienzan con el lanzamiento de ‘Bala perdida’ (aquí nuestra crítica). Este thriller protagonizado por Austin Butler y Zoë Kravitz llegará en DVD, Blu-ray y 4K Ultra HD.

Lo nuevo de Ari Aster, ‘Eddington’ (crítica aquí), también estará disponible en DVD y Blu-ray. Joaquin Phoenix y Pedro Pascal, se enfrentan en este thriller político. En una historia sobre el poder, miedo y ambición.

‘Downton Abbey: El gran final’ llega ahora en DVD y Blu-ray, y por supuesto, tendremos un pack con las tres películas en ambos formatos. La cinta nos devuelve a la emblemática casa de los Crawley, donde la familia y su fiel personal enfrentan escándalos, cambios y nuevos comienzos. Una emotiva película que celebra todo lo que hizo de Downton Abbey un fenómeno mundial.

Resto de cintas que llegan a principios de 2026

Tenemos la película de ‘Billy Elliot’, donde conocimos a Jamie Bell. ’13 días, 13’ noches’, un thriller basado en hechos reales. ‘Tiburón blanco: La bestia del mar’ una cinta con un tiburón como protagonista.

‘Boyhood’, La saga de ‘Crepusculo’, ‘Basada en hechos reales’, ‘Despertares’, ‘El asunto del día’, ‘El hilo invisible’ o ‘Un pequeño favor’ son parte este lanzamiento que solo quiere traernos buen cine a nuestras casas.

Os dejamos una galería con las caratulas de las películas y deseando que llegue el 28 de enero para tener opción de tener estas maravillas.

Tráiler de ‘El día de la revelación’

Una de las películas más esperadas de este 2026 nos deja un tráiler lleno de incógnitas

Steven Spielberg regresa de nuevo a la gran pantalla con uno de los temas que más le fascinan, los extraterrestres. Y que deciros, hoy hemos podido ver el tráiler de ‘El día de la revelación’ y no podemos estar más contentos de ver regresar a un director que se le da tan bien la ciencia ficción.

Steven Spielberg vuelve a la carga después de ‘Los Fabelman’, un retrato de su familia. Ahora se embarca de nuevo en esas historias que tanto le gustan y que tan bien se le dan contar. ¿Estamos solos en el universo? Esa gran duda que tenemos muchos y que Spielberg da rienda suelta a contestarla. Sin duda una de las películas más esperadas de este año 2026.

Reparto de ‘El día de la revelación’

Otra cosa no, pero el director siempre se rodea de grandes actores como Josh O’Connor, Eve Hewson, Emily Blunt, Colin Firth, Colman Domingo, Wyatt Russell, Henry Lloyd-Hughes, Jim Parrack, Michael Gaston, entre muchos otros.

Os dejamos a continuación el tráiler de la cinta en su versión doblada al castellano.

 

La última revelación, llegará a nuestras pantallas el próximo 12 de junio de 2026 gracias a Universal Pictures. Hasta entonces, esperaremos que nos den más noticias sobre ella.

Crítica: ‘La asistenta’

En qué plataforma ver La asistenta

Sinopsis

Basada en el increíble fenómeno literario escrito por Freida McFadden.

Una joven, Sydney Sweeney, con un pasado complicado comienza a trabajar como asistenta en la lujosa casa de los Winchester, Amanda Seyfried y Brandon Sklenar. A medida que se adentra en la vida de la familia, descubrirá secretos oscuros que pondrán en peligro su seguridad, pero quizá ya sea demasiado tarde…

Crítica

Un híbrido entre el spicy y el thriller doméstico que consigue tener lo suyo de insólito

‘La asistenta’ es la nueva apuesta de Paul Feig por los relatos centrados en mujeres, pero esta vez se aparta de la comedia como ‘Cazafantasmas’ o el thriller juguetón de ‘Un pequeño favor’ para sumergirse en un híbrido inesperado: un thriller romántico con pinceladas de terror. Feig, que vuelve a confiar el peso de su película a un reparto femenino, construye una narración que combina melodrama, sensualidad y oscuridad psicológica, una mezcla que promete más de lo que finalmente entrega, pero que resulta curiosamente magnética.

Desde sus primeros compases queda claro que ‘La asistenta’ conecta mejor con quienes disfrutan de las novelas de Freida McFadden. No he leído la obra original, pero si la película es fiel al espíritu del libro, estamos ante una historia dirigida a un público que busca intensidad emocional, giros retorcidos y erotismo tipo spicy literario. Amanda Seyfried encarna una figura que podría haberse escapado de ‘M3gan’, con esos vestidos y una actitud imprevisible mezclada con un aura de inestabilidad que apenas necesita palabras para desplegarse. Frente a ella, Sydney Sweeney sostiene el verdadero eje de la trama, atrapada entre la fascinación y el desconcierto.

‘La asistenta’ parece querer seguir la senda de clásicos como ‘La mano que mece la cuna’, pero pronto evidencia que sus intenciones van por otro camino. Feig nos traslada desde escenas marcadas por el deseo adolescente hasta estallidos de violencia emocional y física que rompen por completo la atmósfera inicial. Cuando ‘La asistenta’ se atreve a abrazar su naturaleza más oscura y a jugar con las expectativas del espectador, la propuesta funciona, sorprende y demuestra personalidad. El problema es que estos momentos inspirados llegan tras una acumulación de escenas románticas, malentendidos y subtramas que estiran más de lo necesario el metraje. Da la sensación de que Feig ha querido conservar cada latido de la novela sin detenerse a pensar en las exigencias del lenguaje cinematográfico. Quizá es por eso que el segmento explicativo hacia el final contado desde dos perspectivas resulta excesivamente largo, un lastre que habría funcionado mejor desde la insinuación que desde la sobreexposición. Feig apuesta por aclararlo todo cuando el misterio habría permitido una resolución más elegante.

En su tramo final se notan varios fallos de coherencia: decisiones narrativas precipitadas y un uso poco claro del rol de Michelle Monrroe, que habría necesitado un desarrollo más sólido son solo un par de ejemplos claros. Aun así, es probable que una parte del público pase por alto estos descuidos porque la película introduce elementos que, al menos, se salen de lo convencional. La protagonista, por ejemplo, permanece en una espiral de locura de la que cualquiera querría escapar, pero la trama construye motivos, algunos creíbles, otros puramente morbosos, para retenerla en ese espacio mental y físico.

‘La asistenta’ también busca momentos de humor y deja espacio para la sobreactuación de Seyfried, algo que la actriz parece manejar con plena conciencia. Aunque el atractivo erótico de Brandon Sklenar y de Sweeney se explota constantemente, la auténtica fuerza motora del filme es la dinámica entre Sydney Sweeney y Amanda Seyfried. Ellas sostienen incluso los tramos menos inspirados. Aunque su final, la manera en cómo se resuelve su relación, llega de manera abrupta y con necesidad de echarle imaginación, los duelos que van protagonizando son cada vez más inquietantes e intensos. Si no fuese por ese tira y afloja bien mantenido por ambas actrices, la película no se habría mantenido.

Ficha de La asistenta

Estreno en España: 1 de enero de 2025. Título original: The Housemaid. Duración: País: Dirección: Paul Feig. Guion: Freida McFadden, Rebecca Sonnenshine. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: John Schwartzman. Reparto principal: Sydney Sweeney, Amanda Seyfried, Brandon Sklenar, Michele Morrone. Producción: Lionsgate, Hidden Pictures, Feigco Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: suspense. Web oficial: https://thehousemaid.movie/

MicroSalón AEC 2025

Dos grandes jornadas en el MicroSalón AEC

Me apetece un montón hablaros de mi experiencia en el MicroSalón AEC, realizado en La Nave, en el barrio de Villaverde Bajo y que sin duda me ha sorprendido para bien. Los días 13 y 14 de diciembre, tuvo lugar la quinta edición de esta pequeña pero muy buena feria.

Este MicroSalón AEC es uno de los eventos más importantes sobre la cinematografía en nuestro país. Durante dos días, hemos podidos asistir a presentaciones, paneles profesionales, charlas y talleres, para adentrarse en el mundo del cine desde varias perspectivas.

Coloquio con Alauda Ruiz de Arzúa y Bet Rourich 

En nuestro caso hemos aprovechado para asistir a un encuentro con Bet Rourich AEC, directora de fotografía de ‘Los Domingos’ y con Alauda Ruiz de Arzúa, la directora de la cinta. Ambas nos han contado como han trabajado juntas para el tema de los encuadres, colores de la película y también con las localizaciones.

Junto a ella encontramos de moderadora a Almudena Sánchez AEC, directora de fotografía de ‘Machos Alfa’, la cual hizo un gran trabajo en este coloquio con las dos artistas.

Una de las anécdotas que nos contaba Bet es que en un Bilbao en el que necesitaban lluvia, de repente, hacía un sol maravilloso. Con ello, nos explica el trabajo que ha tenido que realizar para que parezca que realmente hace mal tiempo en el exterior.

Grandes artistas internacionales nos hablan de sus proyectos

También hemos podido escuchar al gran Stephen Murphy BSC ISC, director de fotografía de ‘The Gentlemen’, ‘Atlanta’ o ‘Primate’. Y con el gaffer Michael Fennelly. Ambos nos cuentan el trabajo en conjunto de director de fotografía y gaffer, encargado de la iluminación. Con ellos hemos podido ver imágenes de sus trabajos mientras nos iban comentado como lo han realizado y los entresijos del oficio, me ha parecido super interesante.

Para terminar, conocimos a Colin Watkinson, el gran director de fotografía de ‘El cuento de la criada’ o ‘Alien Earth’. Con él hemos podido ver un montón de imágenes y fragmentos de sus trabajos. Sobre todo de The Fall, un trabajo bastante curioso en el que se nota el gran trabajo de fotografía e iluminación que hay detrás de este proyecto.

Al igual que con ‘El cuento de la criada’, una serie que tiene mucho trabajo de iluminación. Todo tenue, triste y bastante pesimista. Una atmósfera que consigue mantener durante todas las temporadas de la serie. Algo que como ha dicho, también es gracias a todo el trabajo técnico del resto del equipo.

Al igual que comentó la ilusión de trabajar en ‘Alien Earth’, al ser ‘Alien’ una de sus películas favoritas y como decía una cinta que sin duda es de las mejores de la historia del cine, gracias a la novedad y a todo el trabajo técnico que tenía detrás.

En nuestro canal de youtube iremos subiendo algún pequeño fragmento de los vídeos de las diferentes sesiones poco a poco para que podáis disfrutarlas. Sin duda el año que viene repetiremos, porque ha merecido mucho la pena y vemos el cine desde otra perspectiva y vemos todo el trabajo que hay detrás.

Todo esto es gracias a la Asociación Española de Directoras y Directores de Fotografía (AEC), impulsada con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid (Madrid Film Office) y del ICAA.

Crítica: ‘Keeper’

En qué plataforma ver Keeper

¿Terror incomprendido o sustancia escasa?

Tatiana Maslany y Rossif Sutherland protagonizan lo nuevo de Osgood Perkins, ‘Keeper’. A primera vista, la cinta se presenta como un “cabin in the woods”, un clásico punto de partida para el cine de terror, pero rápidamente queda claro que su apuesta estética supera a su fuerza narrativa, la cual, busca criticar la masculinidad tóxica.

Aunque ha declarado que siempre intenta hacer películas de terror marcadamente diferentes entre sí, Perkins hace de ello una fortaleza y ha destacado como director por crear atmósferas densas e inquietantes, como se vio ‘Longlegs’ donde parecía imitar el estilo de Fincher y en ‘Gretel & Hansel’ en la que la fotografía rememoraba a la de Eggers. La fotografía, a cargo de Jeremy Cox, explora la cabaña aislada con un ojo sofisticado para la textura visual: vistas obstruidas por objetos, estancias que se estrechan y planos cerrados que funcionan más como pequeñas pinturas que como herramientas narrativas claras. Estas imágenes muchas veces recuerdan a cuidadosos posts de postureo marca Instagram, perfectamente iluminados y compuestos, pero que, en conjunto, no llevan a ningún lugar sorprendente. Además ‘Keeper’ parece obsesionada con evitar los clichés del género, especialmente el jump scare fácil y, en su lugar, apuesta por crear momentos visuales perturbadores, con sorpresas camufladas constantemente pero sin el estruendo o el sobresalto fácil.

Es aquí donde la película exhibe su principal virtud y su mayor limitación: Perkins maneja con maestría lo visual y lo sensorial, pero lo hace para insinuar más de lo que realmente define. No es que la cinta sea “lenta” en el sentido clásico o manido, sino que ofrece poco desarrollo real durante largos tramos de su metraje, ofrece muy pocas migajas que nos hagan seguir con interés su camino.

El planteamiento inicial es sencillo: Liz (Tatiana Maslany) y Malcolm (Rossif Sutherland) viajan a una cabaña en el bosque para celebrar su primer aniversario, pero pronto las cosas toman un giro inquietante cuando Malcolm se ausenta inesperadamente y Liz queda sola con presencias o sensaciones extrañas que surgen, sobre todo, a través de visiones o presentimientos más que de hechos concretos.

Perkins juega con insinuaciones: sugerir que algo está mal, explorar rincones y encuadres cerrados para incomodarnos, usar sonidos y música como una presencia más. Sin embargo, esta estrategia de “mostrar sin decir” termina por dar lugar a largos lapsos donde la película se siente como un mero ejercicio de estilo. Una y otra vez confiamos en que algo significativo va a ocurrir o en que el desenlace nos recompensará por la espera… y la realidad es que el final tampoco guarda un giro lo suficientemente original como para equilibrar el trayecto.

Desafortunadamente la fuerza interpretativa de la protagonista no se ve respaldada por una construcción sólida de personaje o de relación. La dinámica entre Liz y Malcolm nunca se siente suficientemente profunda o convincente, lo cual diluye el impacto de cualquier confrontación emocional o terrorífica que el guion pretenda provocar. Esa elección es respetable y, en muchos casos, logra que escenas aisladas queden grabadas en la mente del espectador (pocas más de las que vemos en el tráiler).

Incluso la parte final, donde la película “recuerda” que es un film de terror, ofrece algo de catarsis visual, pero no presenta un giro narrativo que se sienta genuinamente sorprendente o memorable. ‘Keeper’ se queda por eso en aguas de borraja con lo sugerido, sin atreverse a entregar una revelación poderosa o una reflexión profunda sobre sus temas de relación, miedo y vulnerabilidad. Puede funcionar como una obra de arte visual pero su vacuidad narrativa la convierte en una experiencia que muchos espectadores percibirán como aburrida o excesivamente ambigua.

Ficha de ‘Keeper’

Estreno en España: 19 de diciembre de 2025. Título original: Keeper. Duración: 99 min. País: EE.UU. Dirección: Oz Perkins. Guion: Nick Lepard. Música: Edo Van Breemen. Fotografía: Jeremy Cox. Reparto principal: Tatiana Maslany, Rossif Sutherland. Producción: Oddfellows Productions, Range Media Partners, Wayward Entertainment, Wellcome Villain. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror. Web oficial.

Crítica: ‘El extranjero’

En qué plataforma ver El extranjero

Crítica

Entre la fidelidad a Camus y la frialdad narrativa de Ozon

‘El extranjero’, la nueva película de François Ozon, se adentra en un terreno que parecía inevitable: la adaptación de la célebre novela de Albert Camus. A primera vista, la combinación suena casi perfecta, pues ambos autores, cada uno en su disciplina, han dedicado su obra a cuestionar la vida y sociedad, sus absurdos y contradicciones. El resultado, sin embargo, es una propuesta profundamente existencialista, cargada de reflexiones valiosas, pero también marcada por un ritmo pausado, casi inmóvil, que pondrá a prueba la paciencia del espectador.

La cinta sigue a Meursault, un hombre aparentemente insensible, que vive como si se tratase de un autómata. Su mirada fría y su forma de caminar por la vida transmiten una desconexión total con el mundo. Apenas se inmuta cuando su madre muere, a la que había dejado en una residencia como si fuese una extraña. Y en el fondo, ese es uno de los temas centrales: Meursault es un extranjero tanto en la vida de su madre como en la suya propia.

Más allá del retrato íntimo del protagonista, la película funciona como un breve fresco sobre la Francia colonialista. La Argelia de Camus resurge como un territorio mestizo, atravesado por tensiones sociales y culturales, donde Francia es, en última instancia, una potencia extranjera. El contraste entre pertenencia y desarraigo resuena con fuerza en cada rincón de la historia.

‘El extranjero’ es, en definitiva, una película de hechos y consecuencias, con muy pocos porqués. La trama se despliega sin giros sorprendentes, sin respuestas tranquilizadoras. El asesinato que articula la narración desde el minuto cero cae en el olvido y se resuelve de forma insustancial, como si el acto más grave de la vida de Meursault no fuese más relevante que un simple accidente. Esa falta de trascendencia, que puede resultar frustrante para muchos, es precisamente la clave: aceptar el sinsentido de la vida, tal como proponía Camus.

Ozon ha plasmado con fidelidad el espíritu del Premio Nobel. Cuestionar la película es, en cierto modo, cuestionar la propia obra de Camus. Para gustos, los colores… o en este caso, la escala de grises. François Ozon logra trasladar la esencia del absurdo camusiano con imágenes contenidas y una puesta en escena sobria. Filmar en blanco y negro refuerza la sensación de distancia y atemporalidad. La escala de grises no solo remite a la época colonial en Argel, sino que convierte cada plano en un espejo de lo que Camus proponía: un mundo sin color, sin adornos, donde lo que vemos es lo que hay. El blanco y negro, en este sentido, aporta crudeza y evita cualquier romanticismo que pudiera suavizar el relato.

Ficha de El extranjero

Estreno en España: 19 de diciembre de 2025. Título original: L’Étranger. Duración: 120 min. País: Francia. Dirección: François Ozon. Guion: François Ozon. Música: Fatima Al Qadiri. Fotografía: Manuel Dacosse. Reparto principal: Benjamin Voisin, Rebecca Marder, Denis Lavant, Pierre Lottin, Swann Arlaud. Producción: FOZ, Gaumont, France 2 Cinéma, Macassar Productions, Scope Pictures, Canal+. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, misterio, adaptación. Web oficial.

Crítica: ‘Primate’

En qué plataforma ver Primate

Critica

La gran sorpresa del año. Primate es una fiesta

En 2025 una de mis películas favoritas fue ‘The Monkey’, este año sin duda, ‘Primate’ va de cabeza a mi top ten. Y si queda mucho año, pero es que este slasher me ha encantado. Pude ver esta película en el Festival de Sitges y solo recuerdo los aplausos cada vez que Ben, este mono tan especial, mataba a alguien. Una de esas películas muy disfrutables con público y que sin duda va a dar que hablar.

La historia es sencilla y nada original. Un grupo de adolescentes llegan a la casa de una de las chicas, allí vive el mono de la familia, Ben, al cual han mordido. Así, sin complicación, un mono con rabia comienza a matar a cualquiera que aparece por su lado.

Como he dicho, no es nada original, es como ‘Cujo’, pero con un chimpancé. Los personajes humanos, apenas nos interesan, con lo que no coges cariño a ninguno y te da igual la muerte que tengan. Para mí, esto es esencial, te olvidas de los momentos dramáticos y disfrutas de este divertido slasher desde el principio. Ya que ‘Primate’ no se anda con miramientos, y tarda poco tiempo en despegar. Además que la película dura poquito y eso hace que al final sea perfecta. Porque no se lía con tonterías y como digo, va al grano.

Ben, el mono rabioso

Una de las cosas que más me ha gustado, ha sido el animatrónico de Ben. Está claro que algo de CGI habrán utilizado, pero se nota mucho el trabajo manual. Todo esto es gracias a Millennium FX, que están acostumbrados a trabajar animatrónicos de todo tipo, ya que han trabajado tiempo para ‘Dr. Who’. Y sin duda Ben, este mono asesino, me parece un trabajo impresionante.

Todo ello ayudado sin duda a la iluminación y fotografía de la cinta, que hace que si hubiese algún defecto, se disimule. Me parece un trabajazo y es sin duda lo mejor de la película. Stephen Murphy director de fotografía, nos contó en el Microsalón de AEC, que disfrutó mucho trabajando en esta cinta, ya que le encanta el cine de terror.

Los humanos indispensables

Si, os lo he comentado antes, pero que los personajes sean tan insoportables e innecesarios me encanta. Porque así, cada vez que ves una muerte, la disfrutas de verdad. Al no entablar ningún tipo de cariño hacia ninguno de ellos, hace que te den completamente igual.

Tenemos caras conocidas, como Kevin McNally o el oscarizado Troy Kotsur. Y en el reparto joven tenemos a Johnny Sequoyah, Jessica Alexander, Victoria Wyant, Charlie Mann, Benjamin Cheng o Gia Hunter.

Papeles sencillos, sin complicaciones, adolescentes un tanto insoportables que solo quieren fiesta y que van a terminar la noche de la manera menos esperada para todos, con un monete acosándoles fuera de una piscina.

¿Qué esperar de Primate?

‘Primate’ está dirigida por Johannes Roberts, director que ya sabe como hacer que un animalillo de miedo, pues ya lo logró en ‘A 47 metros’, si que es cierto, que no podemos comparar un tiburón con un chimpancé, pero, sabe lo que se hace. El guion lo escribió junto a Ernest Riera, que también trabajó con el en la ya mencionada ‘A 47 metros‘. Ambos realizan un trabajo divertido y salvaje.

Sin duda Paramount viene fuerte este comienzo del año con esta cinta y con la próxima de ‘Scream’. ‘Primate’ os puedo asegurar que es una gran fiesta. Si os gustan los slasher, las muertes crueles y originales, esta es vuestra película. Un entretenimiento puro y duro, con la que no necesitas pensar en nada, solo disfrutar.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de febrero de 2025. Título original: Primarte. Duración: 82 min. País: Estados Unidos. Dirección: Johannes Roberts. Guion: Johannes Roberts, Ernest Riera. Música: Adrian Johnston. Fotografía: Stephen Murphy. Reparto principal: Johnny Sequoyah, Jessica Alexander, Kevin McNally, Troy Kotsur, Kae Alexander, Gia Hunter, Victoria Wyant, Benjamin Cheng, Charles Mann, Tienne Simon, Stuart Whelan. Producción: 18hz Production. Distribución: Paramount Pictures. Género: Terror. Web oficial.

‘Los domingos’ domina el palmarés de los 31º Premios Forqué

La película de Alauda Ruiz de Azúa y la serie ‘Anatomía de un instante’ se convierten en las grandes triunfadoras de los 31º Premios Forqué

La 31ª edición de los Premios Forqué confirmó el excelente momento que vive el audiovisual español, con una gala celebrada en el Palacio Municipal IFEMA Madrid que reunió a los principales nombres del cine y las series de la temporada. Presentada por Cayetana Guillén Cuervo y Daniel Guzmán, con el apoyo de una presentadora virtual, TIA, la IA de los Forqué, la ceremonia fue retransmitida por La 2 de TVE y RTVE Play, consolidando su alcance nacional.

La noche estuvo marcada tanto por la celebración del talento como por el recuerdo al intérprete Héctor Alterio, fallecido ese mismo sábado, en uno de los momentos más emotivos de la gala.

‘Los domingos’, gran triunfadora de los Forqué 2025

La película ‘Los domingos’, escrita y dirigida por Alauda Ruiz de Azúa, se coronó como la gran vencedora de la noche al alzarse con el premio a Mejor Largometraje de Ficción, convirtiéndose además en el único título que logró más de un galardón en esta edición. La cinta ofrece un retrato complejo y profundamente humano sobre la reacción de una familia ante la decisión de una de sus jóvenes integrantes de ingresar en un convento de clausura. Un relato coral que apuesta por el debate moral y emocional sin imponer respuestas cerradas al espectador.

Ruiz de Azúa definió la película como “una obra que respeta al espectador como un adulto capaz de sacar sus propias conclusiones”, reivindicando el pensamiento crítico como una herramienta esencial en la sociedad contemporánea.

Patricia López Arnaiz, Mejor Interpretación Femenina

El triunfo de ‘Los domingos’ se completó con el premio a Mejor Interpretación Femenina, que fue a parar a Patricia López Arnaiz, quien suma así un nuevo Forqué a su trayectoria tras el obtenido en 2021 por ‘Ane’. La actriz agradeció el reconocimiento a sus compañeras nominadas, al elenco y especialmente a la directora por su sensibilidad a la hora de retratar vínculos y emociones.

Mejor Serie de Ficción

En el apartado televisivo, la gran vencedora fue ‘Anatomía de un instante’, creada por Rafael Cobos, Fran Araújo y Alberto Rodríguez, y producida por Movistar Plus+. La serie, basada en la novela homónima de Javier Cercas, reconstruye el intento de golpe de Estado del 23 de febrero con una mirada rigurosa y profundamente reflexiva.

El productor José Manuel Lorenzo dedicó el premio a los jóvenes espectadores, subrayando la importancia de comprender el valor de las libertades democráticas y el esfuerzo histórico que ha supuesto conquistarlas.

Más premios para el cine

El premio a Mejor Interpretación Masculina en Largometrajes fue para José Ramón Soroiz por su trabajo en ‘Maspalomas’, una película que aborda los tabúes y dificultades que enfrentan las personas homosexuales en la tercera edad. El actor destacó el cuidado del equipo técnico y la sensibilidad de los directores José Mari Goenaga y Aitor Arregi.

La gala estuvo acompañada por actuaciones musicales intergeneracionales que rindieron homenaje a la historia del cine español. Además, se entregaron premios a ‘Flores para Antonio’ como Mejor Documental, ‘Belén’ como Película Latinoamericana del Año, ‘Decorado’ como Mejor Largometraje de Animación y ‘Sorda’ por su valor educativo y social.

El Premio del Público fue para ‘El cautivo’, la nueva película de Alejandro Amenábar, mientras que ‘Ángulo Muerto’ se alzó como Mejor Cortometraje Cinematográfico.

Panorama televisivo

En televisión, Javier Cámara obtuvo su tercer Premio Forqué gracias a su interpretación en ‘Yakarta’, donde encarna a un exdeportista olímpico en busca de redención. El actor dedicó el galardón “a los perdedores y fracasados”, reivindicando la dignidad de los personajes alejados del éxito.

Por su parte, Esperanza Pedreño se alzó con el premio a Mejor Interpretación Femenina en Series por la segunda temporada de ‘Poquita Fe’, una comedia que retrata la rutina y el desencanto cotidiano con una mirada irónica y cercana.

Emma Lustres recibe la Medalla de Oro de EGEDA

Uno de los momentos más emotivos de la noche fue la entrega de la Medalla de Oro de EGEDA a Emma Lustres, productora y cofundadora de Vaca Films. El reconocimiento puso en valor su defensa del cine independiente y su compromiso con los derechos de los productores.

Visiblemente emocionada, Lustres recordó a su familia, a su marido Borja Pena y a sus hijos, destacando la conciliación entre vida personal y profesional como uno de los mayores retos del sector.

Crítica: ‘Dímelo bajito’

En qué plataforma ver Dímelo bajito

Crítica

Una presentación de lo que está por venir

Las novelas de Mercedes Ron vuelven a pasarse por la gran pantalla de nuevo gracias a Prime Video. Y es que después del éxito de la trilogía de ‘Culpables’, tenemos nueva trilogía en marcha, ‘Dímelo’. Y hoy os podemos hablar de ‘Dímelo bajito’, la nueva apuesta de la plataforma para el público juvenil.

‘Dímelo bajito’ es la primera parte de esta trilogía, que junto a ‘Dímelo en secreto’ y ‘Dímelo con besos’, nos cuentan las aventuras y desventuras de Kami, los hermanos Di Bianco. Esta primera parte es una gran presentación de personajes, de situaciones y contexto hacia todo lo que va ocurriendo. Conocemos a Kamila Hamilton, una joven que ve su vida tambalearse cuando los hermanos Di Bianco, Thiago y Taylor regresan de nuevo a su ciudad. Ella que pensaba que los había olvidado, comienza a recordar demasiadas cosas y sus sentimientos hacia ellos comienzan a aflorar.

Admito que, aunque no es el tipo de cine que a mí me guste, la película entretiene y bueno, tiene cosas interesantes. Y es que al final me esperaba una película estilo ‘Culpa mía’ en la que básicamente estuviesen todo el rato desnudos, pero no, al final tiene bastante más fondo. No significa que no haya bastante tensión no resuelta. Aun así, es como he comentado, al final es una gran introducción y es donde iremos conociendo sus secretos y dramas. Supongo que las dos siguientes partes nos irán ya metiendo más de lleno en la historia de estos tres jóvenes y sus idas y venidas.

Equipo de la cinta

Dirigida por Denis Rovira, director de ‘Punto Nemo’ o ‘La monja guerrera’. Y con guion de Jaime Vaca, del que hemos podido ver ‘Élite’ o ‘Las chicas del cable’. Un tándem que han sabido contar bastante bien la historia.

En el reparto encontramos a Alicia Falcó como Kami, con una actuación bastante sencilla, la vemos bailar y hacer de animadora del equipo de baloncesto. Su personaje está en un lío al tener que elegir a uno u otro de los hermanos.

Fernando Lindez, de ‘Elite’ y Diego Vidales que ha salido en ‘Mariliendre’ son los encargados de dar vida a los hermanos Di Bianco. Ambos con un gran trauma del pasado. Fernando Lindez es quizás el actor que más trabajo ha tenido por el echo de que su personaje está bastante más construido que el resto.

En el resto del reparto encontramos a Celia Freijeiro, Fernando Nagore, Liliana Cabal, Ana Arean, Jan Buxaderas, Alejandra Cid, Antón Coucheiro, Yacine Dieye o Sergio Lemos Exposita.

Conclusiones

En general podemos decir, no siendo lectora de los libros, que gracias a la película me ha entrado bastante curiosidad de coger las novelas y disfrutarlas. En cuanto a película, quizás se quede algo corta, al ser un comienzo de algo que está por venir. Aun así, la recomiendo porque me ha parecido una cinta bastante curiosa. 

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de diciembre de 2025. Título original: Dímelo bajito. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Denis Rovira. Guion: Jaime Vaca, novela de Mercedes Ron. Música: Shervin Hejazi. Fotografía: Imanol Nabea. Reparto principal: Alicia Falcó, Fernando Lindez, Diego Vidales, Ana Arean, Jan Buxaderas, Liliana Cabal, Alejandra Cid, Delia Freijeiro. Producción: Vaca Films. Distribución: Prime Video. Género: Drama, romance. Sitio web.

Crítica: ‘Valor sentimental’

En qué plataforma ver Valor sentimental

Una poderosa reflexión sobre lo no dicho y lo no curado

Estamos ante una obra que transciende la mera relación familiar para explorar, con una precisión clínica y una sensibilidad emocional profunda, las heridas que no sabemos nombrar y los silencios que acosamos demasiado tiempo. En ‘Valor sentimental’, la cual, ha recibido ovaciones extensas en festivales como Cannes, donde obtuvo el Gran Premio del Jurado, Joachim Trier se sumerge en temas de vínculos humanos y memoria y lo hace desde una perspectiva muy madura, dolorosamente íntima y aunque suene a tópico, muy universal.

El eje de la película es la relación entre Gustav Borg (Stellan Skarsgård), un director de cine de renombre que, tras años de ausencia autoimpuesta y tras la muerte de su exmujer, intenta reconciliarse con sus hijas Nora (Renate Reinsve) y Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas). El conflicto surge cuando Gustav, en un intento torpe pero sincero de acercarse a su hija mayor, le ofrece el papel principal en su nueva película, la cual ha diseñado cuidadosamente para explorar la memoria de la familia y los traumas que los marcaron como vamos descubriendo muy poco a poco. En un giro que introduce una tercera voz en la dinámica, Gustav contrata a Rachel Kemp (Elle Fanning), una actriz estadounidense en plena efervescencia que se incorpora la producción en un intento genuino de comprender a Gustav y, a su manera, lo que significa ser parte de una familia fracturada.

La mayor parte de ‘Valor sentimental’ transcurre en una casa familiar centenaria, una estructura que, como en ‘Here’ de Robert Zemeckis, no es un simple escenario sino un personaje silencioso que guarda ecos, recuerdos y heridas. El estado físico de la casa, fría, agrietada, con rincones que parecen susurrar secretos, refleja la psique de una familia que se ha fragmentado a lo largo de los años. Cada habitación, cada pasillo, funciona como un repositorio de emociones no resueltas, y Trier utiliza esta ubicación no solo como telón de fondo, sino como una metáfora del peso del pasado que todos llevan consigo.

Trier construye la narrativa con paciencia escandinava: los momentos más significativos no están en los grandes discursos, sino en los silencios incómodos, en las miradas evasivas y en los gestos que no pueden traducirse a palabras. La película trata explícitamente sobre la dificultad de hablar de lo doloroso, sobre cómo las familias evitan ciertas conversaciones y, sin embargo, esas evasiones son las que más daño causan. La relación entre padre e hija mayor ilustra con brutal honestidad cuán profundas pueden ser las heridas que no se nombran.

Más allá de ser un drama familiar, ‘Valor sentimental’ se posiciona como una meditación sobre el arte como vía de escape y como forma de procesamiento emocional. Gustav, en su regreso al cine, intenta con todas sus imperfecciones transformar experiencias dolorosas en creación artística. Esta dinámica levanta preguntas que la película deja latentes: ¿puede el arte sanar verdaderamente? ¿O simplemente es un espejo que nos fuerza a enfrentar aspectos de nosotros mismos que preferiríamos ignorar? Trier no responde de manera concluyente, pero sí demuestra cómo, a lo largo de una carrera dedicada a la exploración artística, uno puede intentar encontrar un lenguaje para los miedos y las penas que no se manifiestan en palabras comunes.

Aunque en tono ‘Valor sentimental’ no se acerca a la comedia inconformista de ‘Toni Erdmann’, de Maren Ade, ambas películas comparten un interés por la complejidad de los vínculos entre padres e hijos. En ‘Toni Erdmann’, el choque generacional se expresa a través de situaciones absurdas y humor incómodo. En ‘Valor sentimental’, esa fricción se expresa a través de la solemnidad del duelo, la ausencia y la búsqueda de significado. Se asimila a otras obras que también indagan en las relaciones paternofiliales complejas, donde el arte, la memoria y la necesidad de comprensión mutua son centinelas emocionales. En cada una, el padre, imperfecto, a veces egoísta, a veces incomprendido, se convierte en el espejo donde los hijos deben confrontar sus propias heridas.

Si bien es cierto que ‘Valor sentimental’ es una obra que exige paciencia y reflexión sin ofrecer conclusiones fáciles ni soluciones dramáticas prefabricadas, gira en torno a una idea valiosa como es la de la comprensión mutua, el perdón y la confrontación de lo no dicho. En una época donde el cine contemporáneo muchas veces prioriza el impacto inmediato, Trier apuesta por la sutileza, por los matices, por los silencios que gritan, y en ese espacio reside la fuerza de esta película.

Ficha de ‘Valor sentimental’

Estreno en España: 5 de diciembre de 2025. Título original: Sentimental Value. Duración: 130 min. País: Noruega. Dirección: Joachim Trier. Guion: Joachim Trier, Eskil Vogt. Música: Hania Rani. Fotografía: Kasper Tuxen. Reparto principal: Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Inga Ibsdotter, Elle Fanning. Producción: Mer Film, Eye Eye Pictures, mk2 Productions, Lumen Production, Komplizen Flm, BBC Film. Distribución: Elástica. Género: drama. Web oficial.

‘Street Fighter’ regresa con un teaser cargado de personajes y un nuevo tono

Paramount estrenará su nueva adaptación de ‘Street Fighter’ el 16 de octubre de 2026

La franquicia ‘Street Fighter’ vuelve a la primera línea informativa gracias al anuncio oficial de Paramount y Legendary Pictures, que ha confirmado el estreno de su nueva adaptación cinematográfica para el 16 de octubre de 2026. La cinta promete relanzar uno de los universos de videojuegos más icónicos de la historia, acompañado por un despliegue moderno de personajes, combates y efectos que aspiran a revitalizar una marca que ha tenido una trayectoria más que irregular en el cine.

El lanzamiento no lo tendrá fácil: llegará en un año en el que otra saga legendaria del género presentará nueva película. ‘Mortal Kombat 2’, secuela de la versión estrenada en 2021, también verá la luz ese mismo año, configurando un duelo directo entre las dos franquicias de lucha más famosas de la cultura popular. Aunque quien sabe, si Paramount consigue comprar Warner todo se quedaría en casa.

En este contexto, resulta oportuno revisar el camino de ‘Street Fighter’ en el cine: sus aciertos, sus errores y el legado que enfrentará la nueva producción de 2026. Pero antes, veamos el nuevo teaser.

Un proyecto ambicioso liderado por Steven E. de Souza

En 1994, el guionista y director Steven E. de Souza llevó a la gran pantalla el famoso juego de la Capcom, ‘Street Fighter’, una adaptación que apostó por un tono pulp, colorido y exagerado, totalmente orientado al entretenimiento familiar de la época. Aunque la película se alejaba notablemente del espíritu del videojuego, su reparto la convirtió en un título de culto.

La cinta contó con Jean-Claude Van Damme en el papel de Guille, aportando el carisma y la destreza marcial que lo habían consolidado como una de las estrellas de acción del momento. Pero si hay un elemento que marcó de forma imborrable la película, fue la interpretación del fallecido Raúl Julia como Mr. Bison. Su versión del dictador megalómano no solo elevó el material, sino que se ganó el cariño del público y terminó convertida en uno de los villanos más icónicos de los 90. Su fraseología grandilocuente y su presencia escénica se mantienen como uno de los principales motivos por los que la película sigue siendo recordada.

Cambio total de tono con Andrzej Bartkowiak

Quince años después, llegó ‘Street Fighter: la leyenda de Chun-Li’, dirigida por Andrzej Bartkowiak. A diferencia de la versión de 1994, esta película apostó por un tono más serio y centrado únicamente en la historia de Chun-Li. Sin embargo, el cambio no tuvo el efecto deseado. Uno de los elementos más criticados fue la reinvención completa de Mr. Bison, esta vez interpretado por Neal McDonough. Su versión rubia, empresarial y alejada del villano original generó rechazo inmediato entre los seguidores de la saga.

La película no convenció ni a los fans ni a la crítica. Su guion, su falta de fidelidad al material original y su propuesta estética la convirtieron en uno de los grandes fracasos de las adaptaciones de videojuegos. Desde entonces, la marca ‘Street Fighter’ ha permanecido en pausa cinematográfica, esperando un nuevo enfoque más sólido que pueda hacer justicia a su universo. Todo esto exceptuando copias no autorizadas o versiones animadas, claro está.

La nueva adaptación de Street Fighter: Paramount apuesta por un renacimiento completo

La nueva versión, cuyo estreno está fijado para el 16 de octubre de 2026, promete un enfoque moderno, respetuoso con los personajes y alineado con la estética contemporánea del cine de acción. Paramount ha insistido en que se trata de un proyecto prioritario dentro de su calendario y contará con presencia de varios luchadores clásicos del videojuego.

Noah Centineo es “Ken Masters”, Andrew Koji es “Ryu”, Callina Liang es “Chun-Li”, Joe “Roman Reigns” Anoa’i es “Akuma”, David Dastmalchian es “M. Bison”, Cody Rhodes es “Guile”, Andrew Schulz es “Dan Hibiki”, Eric André es “Don Sauvage”, Vidyut Jammwal es “Dhalsim”, Curtis “50 Cent” Jackson es “Balrog”, Jason Momoa es “Blanka”, Orville Peck es “Vega”, Olivier Richters es “Zangief”, Hirooki Goto es “E. Honda”, Rayna Vallandingham es “Juli”, Alexander Volkanovski es “Joe”, Kyle Mooney es “Marvin” y Mel Jarnson es “Cammy”.

El reboot de ‘Street Fighter’ tiene la oportunidad de corregir los errores del pasado y ofrecer una adaptación a la altura de su legado. Con una fecha ya marcada en el calendario y una competencia directa de gran nivel, 2026 será un año decisivo para el regreso de los guerreros más famosos del videojuego.

El tráiler de ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ deslumbra con una arriesgada apuesta

‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ se estrena el 26 de junio de 2026 con Jason Momoa como Lobo

El nuevo tráiler de la película ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’ ha irrumpido con fuerza entre los aficionados del universo DC. La producción dirigida por Craig Gillespie, conocido por películas como ‘Golpe a Wall Street’, marca el nuevo inicio para el personaje ya incluído en el nuevo DCU en el ‘Superman’ de James Gunn, cuya influencia estética y musical es evidente en cada plano del avance. Con su mezcla de humor irreverente, ambientación cósmica y una apuesta clara por la acción desenfrenada, el tráiler anticipa una película que aspira a redefinir a Kara Zor-El para toda una nueva generación.

Más allá del tono vibrante, el avance ha despertado una notable conversación entre los fans debido a su representación de la protagonista, que continúa el enfoque polémico ya mostrado en los minutos finales de ‘Superman’ (2025). Muchos seguidores no han recibido con entusiasmo esta versión más desinhibida, agresiva y, en ocasiones, presentada como una heroína de actitud adolescente y con comportamientos que podrían interpretarse como excesivos o ebrios.

Fecha de estreno y posición dentro del DCU

La película tiene previsto su estreno mundial para el 26 de junio de 2026 y se sitúa como una de las piezas centrales de la primera fase del DCU de James Gunn. Tras ‘Superman’ (2025), ‘Supergirl’ profundizará en la parte cósmica y alienígena del nuevo universo, abriendo puertas narrativas hacia otras facciones, planetas y enemigos clásicos del legado kryptoniano.

Un tráiler con ADN de ‘Guardianes de la Galaxia’

Nadie puede negar que el tráiler parece beber directamente del estilo que James Gunn consolidó en ‘Guardianes de la Galaxia’. Desde el uso de música diegética (un elemento clave en las producciones que ha liderado Gunn) hasta el ritmo frenético del montaje, la influencia es perceptible a pesar de que la dirección recae en Gillespie. Este toque cósmico, irreverente y lleno de energía marca un claro contraste con la aproximación más solemne que había dominado el antiguo universo DC.

La música vuelve a jugar un papel capital, como es habitual en las producciones que supervisa Gunn. El tráiler presenta un tono rebelde y despreocupado, subrayando la actitud desafiante de Supergirl, reforzado todo ello al son del ‘Call me’ de Blondie.

Personajes y reparto: Jason Momoa regresa al DCU pero como Lobo

Uno de los elementos más comentados del tráiler es la aparición fugaz de Jason Momoa como Lobo, el infame cazarrecompensas intergaláctico. Su presencia confirma que DC utilizará al actor para un personaje completamente diferente al Aquaman del universo previo, reforzando el tono gamberro y brutal de esta nueva etapa. El propio Momoa ha confirmado este nuevo rol en sus redes sociales y aunque hemos visto poco cabe reconocer que le viene como anillo al dedo.

En el reparto también aparecen actores y personajes como David Krumholtz como el mítico Zor-El (tío de Superman), Eve Ridley como la madre de Supergirl o Matthias Schoenaerts en el papel del villano Krem of the Yellow Hills.

Escenarios: ¿una primera mirada a Kandor?

El tráiler incluye varias secuencias que muestran una ciudad encapsulada o protegida en un domo energético, lo que numerosos fans habrán relacionado inmediatamente como una posible representación de Kandor. Si se confirma, supondría la primera aparición oficial de esta icónica ciudad kryptoniana en el cine moderno, además de un punto clave para enriquecer la narrativa sobre el pasado y el trauma de Kara.

La polémica imagen de Supergirl: eco del final de ‘Superman’ (2025)

El tráiler también refuerza la visión de una Supergirl dañada emocionalmente, impulsiva, incluso con comportamientos que pueden ser percibidos como autodestructivos. La caracterización recuerda al final de ‘Superman’, donde ya se mostró una versión más salvaje del personaje, algo que generó fuerte debate entre los seguidores más tradicionales. Esta decisión creativa vuelve a dividir a la comunidad, que se pregunta si este enfoque respetará la esencia del personaje o si la apartará demasiado de su identidad clásica.

Primeros títulos de la 1ª Muestra Aeterna

Madrid se viste de gala para acoger la 1º Muestra Aeterna de Cine Fantástico de Madrid

Una gran alegría llega a Madrid este próximo marzo de 2026. Y es que llega la 1ª Muestra Aeterna de Cine Fantástico de Madrid. Ya os llevamos hablando de los ciclos de Aeterna y por supuesto son los mismos responsables de estos ciclos los que desde el 13 al 15 de marzo de 2026 animarán las salas madrileñas de mk2 Cine Paz y mk2 Palacio de Hielo, con grandes cintas del cine fantástico.

Tendremos trece películas en total, pensadas para todos los gustos y repartidas en sesiones matinales, vespertinas y nocturnas. Entre los primeros títulos confirmados se hallan, ‘The Monster Squad/Una Pandilla Alucinante’ (Fred Dekker, 1987) y Aracnofobia (Frank Marshall, 1990). Ambas se podrán ver en Palacio de Hielo. En este mismo cine, tendremos una oscura cita con la legendaria ‘Ocurrió cerca de su casa’ (1992). La polémica película escrita y dirigida a seis manos por Rémy Belvaux, André Bonzel y Benôit Poelvoorde. 

Además, gracias a la colaboración de Selecta Visión, tendremos antes de su reestreno oficial en salas, la esperada versión 4K de ‘Perfect Blue’, un magistral thriller psicológico, obra dirigida por Satoshi Kon.

Cthulhuton – Maratón de cine Preternatural, Abominable y Ciclópeo

El domingo 15 de marzo tendremos la oportunidad de asistir a la tercera edición de la Chulhuton. Esta vez tendremos la presencia del célebre escritor Ramsey Campbell, que junto al cineasta Jaume Balagueró charlará con los asistentes tras la proyección de ‘Los sin nombre’ (1999), adaptación cinematográfica de su novela y título clave del fantástico español contemporáneo.

A la espera del resto de títulos, podemos deciros que los abonos para la 1º Muestra Aeterna ya pueden adquirirse en la web de mk2 Palacio de Hielo, mientras que las entradas individuales se pondrán a la venta en los próximos días.