Archivo de la categoría: Críticas

Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘El tiempo contigo’

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Sinopsis

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Primer año de instituto, verano. Hodaka huye de su casa en una isla periférica para asentarse en Tokio. Sumido en la pobreza y tras muchos días de soledad, al fin encuentra trabajo como escritor freelance en una dudosa revista de ocultismo. Un día tras otro, llueve sin cesar como si siguiera el ejemplo de su vida. Sin embargo, Hodaka conoce a una chica entre el ajetreo y el bullicio de la gran ciudad. Hina es una chica alegre y de carácter fuerte que vive sola con su pequeño hermano por una serie de circunstancias. Ella también tiene un extraño poder. «Oye, todo se despejará ahora». Poco a poco, la lluvia se detiene y el paisaje urbano emite un hermoso resplandor. Hina tiene el poder de despejar el cielo simplemente rezando…

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Crítica

Makoto Shinkai se consolida como un poeta de lo visual y de lo fantástico

Makoto Shinkai fue el director del gran éxito de animación japonesa ‘Your name’. Ahora bajo el sello de la misma productora, CoMix Wave Films, estrena nueva película en España tras pasar por varios festivales permaneciendo muy en la línea de su último trabajo. ‘El tiempo contigo’ supone una historia de amor con mucho toque fantástico que además rinde homenaje a aquellos que aman lo misterioso y lo desconocido.

A parte de ‘Your name’ (algunos personajes de esta se cruzan con los de ‘El tiempo contigo’) va muy en sintonía con películas modernas como ‘A silent voice’, ‘Quiero comerme tu páncreas’, ‘Mirai’ o ‘Fireworks’. Simulación de amplios movimientos de cámara, ambientes realistas, argumentos con protagonistas adolescentes, muy vivarachos y casi siempre, no en todos los casos, con un componente de ciencia ficción que les une. Pero sobretodo es la gran capacidad visual de los estudios nipones la que hace que estemos ante una nueva generación de portentos animados. En concreto en ‘El tiempo contigo’ se ha hecho un espectacular trabajo con la ciudad de Tokio, las nubes y con elementos como el agua o la luz. Son muchas las escenas en las que el líquido elemento está muy presente, constantemente diría yo, pero hay otros espectáculos como los fuegos artificiales, que últimamente aparecen en casi todos los animes.

Esta película que Japón quiere poner en los Oscars 2020 se ambienta en un extraño verano de aguaceros y tormentas. La lluvia no cesa mientras conocemos a un huidizo chiquillo, un reportero de lo insólito que trabaja con su sobrina y una joven que es capaz de detener la lluvia por unos instantes en la zona en la que se halla. La concepción de los personajes está bastante estilizada y siempre están rodeados de ricas texturas y de una alta cantidad de detalles. Los japoneses son considerados por películas así como maestros de la animación.

Reconozco que me trago todo tipo de cine, pero en concreto en el anime me ganan más con una narración tipo Seinen o Shōnen. Está claro que el género al que pertenece ‘El tiempo conmigo’ no es mi género, está más cerca del anime del tipo Shojo con una historia de amor como hilo central. El título no habla solo de la capacidad de la protagonista para parar la lluvia, también habla del periplo de tiempo que pasan los protagonistas juntos y que sirve para desarrollar un amorío. El filme tiene también un ligero toque de los animes Ecchi, por el carácter tontorrón y a veces mirón de su protagonista masculino. Es un anime que puede parecer para adolescentes pero tiene toques muy adultos . Shinkai ha logrado moverse bien en estos parámetros generando un interés continuo, no aburre, no llega a ser pasteloso, del tipo Shojo i josei.

El director ha vuelto a emplear una banda sonora realizada por Radwimps. No es que yo tienda a disfrutar los temas pop pero al menos los de este filme no te sacan de la historia y no se abusa de ellos. En lo que se refiere al resto de canciones que componen la música de la película me parece muy correctos, acompañan a la poesía visual que domina el filme.

No sé si llegará a los Oscar, desde luego de hacerlo no creo que se imponga a películas como ‘Parásitos’. Pero al menos ya ostenta el logro de ser la primera película anime estrenada de un modo oficial en cines de la India, alguna tenía que conseguirlo y esta no es moco de pavo.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de noviembre de 2019. Título original: Tenki no ko (Weathering With You). Duración: 112 min. País: japón. Dirección: Makoto Shinkai. Guion: Makoto Shinkai. Música: Radwimps. Fotografía: Ryôsuke Tsuda. Producción: CoMix Wave Films. Distribución: SelectaVisión. Género: animación, drama, fantasía. Web oficial: https://www.selecta-vision.com/prensa/post/el-tiempo-contigo

Crítica: ‘Puñales por la espalda’

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Sinopsis

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Cuando el renombrado novelista de misterio Harlan Thrombey (Christopher Plummer) es encontrado muerto en su mansión justo después de su 85 cumpleaños, el inquisitivo y cortés detective Benoit Blanc (Daniel Craig) es misteriosamente reclutado para investigar. Entre la familia disfuncional de Harlan y su devoto personal, Blanc se mueve entre una red de pistas falsas y mentiras interesadas para tratar de descubrir la verdad tras la prematura muerte de Harlan.

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Crítica

‘Puñales por la espalda’ es una magnífica modernización de un género muy clásico

Podría decir que esta es la primera película en la que aparece Ana de Armas que quedo completamente contento y además satisfecho con la actuación de la protagonista. ‘Puñales por la espalda’ tiene un reparto enorme pero la atención recae claramente en la actriz cubana. La película escrita y dirigida Rian Johnson abre con la actriz para dejarla después un poco en suspense y seguidamente emplearla permanentemente como el centro de atención. Esta es una película muy coral donde vamos dados de la mano a De Armas y un excelente Daniel Craig.

Es un filme en el que hay que desentrañar una muerte, el enigma a resolver son sus causas y sus ejecutores, si es que los hay. Para ello se tira de manual y se ponen sobre el tablero unas fichas que parecen sacadas del cluedo o de cualquier otra historia clásica de Agatha Christie, Sherlock Holmes o Jessica Fletcher.  Un detective perspicaz y peculiar reúne a un variopinto clan para esclarecer lo que ha sucedido en la casa del cabeza de familia. Una casa con mucho atractivo visual, llena de detalles y de los recuerdos de un escritor de novelas de secretos y asesinatos. Puede parecer algo muy trillado pero ‘Puñales por la espalda’ está muy lejos de resultar manida. Es una película muy fresca que hace constantemente referencia y homenaje al cine policíaco y de misterio. Se ríe abiertamente del tipo de películas a las que pertenece pero desde un respeto auténtico.

El tono del filme es cómico pero mantiene paralelamente un tenso drama y por supuesto una intriga que va despejándose o complicándose según van apareciendo más y más giros de guión. El libreto tiene la maestría de hacernos sentir ante un relato con elementos muy previsibles y en esa predisposición en la que nos coloca nos pilla desprevenidos. Rian Johnson consigue sorprender, encaja muy bien las piezas, mucho mejor que en complejas producciones como ‘Looper’ o ‘Los últimos jedi’.

‘Puñales por la espalda’ es una grata modernización de un género muy clásico. Es capaz de saltar con un ritmo actual de un personaje o de un momento a otro. Cuando pensamos que hemos cerrado la historia de alguno de sus protagonistas nos aborda con novedades y no se deja ningún detalle por cerrar o explicar. Esa es la razón por la que, aunque tengamos gran parte de la verdad ante nosotros, necesitamos seguir viéndola, para saber cómo acaba todo el intríngulis que se ha generado y para descubrir al cien por cien cómo ha llegado cada trama del punto de partida al instante final. Y con un reparto tan simpaticón, carismático y entregado a esta comedia tan elaborada no es de extrañar que la película enganche: Ana De Armas, Daniel Craig, Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Don Johnson, Michael Shannon, Toni Collete, Christopher Plummer, Jaeden Martell… Todos son capaces de ejercer las extravagancias de la familia Thrombey, de aportar su granito de misterio y de contribuir poco a poco y con gracia a la gran revelación final.

Al margen de involucrarnos con nuestras sospechas y teorías en la película, Rian Johnson es capaz de introducir en este filme un mensaje social. Una lección de karma, prejuicios y sesgos que mantiene hasta el final con un plano muy clarificador en el que Ana de Armas está por todo lo alto. Me gusta como ha tirado de sarcasmo en ‘Puñales por la espalda’ y en cómo juega con el espectador. Siempre tendría que haber propuestas así de alocadas y tan bien planificadas en el cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de noviembre de 2019. Título original: Knives Out. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Rian Johnson. Guion: Rian Johnson. Música: Nathan Johnson. Fotografía: Steve Yedlin. Reparto principal: Ana De Armas, Daniel Craig, Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Don Johnson, Michael Shannon, Toni Collete, Christopher Plummer, Jaeden Martell, Katherine Langford, Rikki Lindhome, Lakeith Stanfield, Frank Oz, Noah Segan, M. Emmet Walsh. Producción: Filmnation Entertainment, Ram Bergman Productions, Media Rights Capital (MRC). Distribución: eOne Films. Género: misterio, crimen. Web oficial: https://knivesout.movie/

Crítica: ‘Pirámides murcianas’

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Sinopsis

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¿Existen restos de pirámides alienígenas en la región de Murcia? Descúbrelo en el insólito documental ‘Pirámides Murcianas’. Un recorrido por los lugares más enigmáticos de Murcia, tratando de dar respuesta a lo inexplicable.

Exponemos nuestro periplo sucedido en los lugares más enigmáticos de la Región de Murcia.

Barajando diferentes hipótesis, planteamos la posibilidad de la existencia de estructuras piramidales modificadas por el paso del tiempo; atravesando el prisma de la traslación temporal, encontramos los lugares que dan pie a nuestra teoría.

Este documental está conducido por el investigador Miguel G. Díaz, quien recorriendo la Región, encuentra las localizaciones que demuestran la viabilidad de este planteamiento; cruzando unas veces la frontera de lo quimérico y explorando otras opciones que anteriormente podríamos considerar intransitables.

Asimismo, cuenta con la cooperación de expertos en materias diferentes, como son: Isabel de Farnesio, Liana Guadaño e Íñigo Rodríguez.

Sin dejar de lado el humor, Las Pirámides Murcianas nos sumergen en un universo nuevo, donde nada es lo que acostumbramos a ver y todo toma un nuevo significado.

Nuestra propuesta comienza a finales del verano de 2016 en el núcleo de dos formaciones de música electrónica que cuentan con un amplio bagaje en la escena de clubes y festivales: Substuff y Los Puzzle.

Nace con la intención de proyectar sus temas a una nueva dimensión, repleta de misticismo, proporcionando un reto intelectual para ellos, como es la creación de una obra cinematográfica de calidad.

Esta iniciativa crece a lo largo de los años sucesivos entre un equipo artístico de profesionales de la imagen y del sonido, que incorporan en cada pieza una porción de sí mismos, consiguiendo así que el espectador no quede indiferente.

Esperamos que disfrutéis tanto como nosotros con esta experiencia.

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Crítica

De pirámides murcianas con marcianos

Nacida realmente como una iniciativa para promocionar un álbum musical y surgida de la imaginación del director que mientras iba al trabajo vio una montaña con forma piramidal, se ha gestado ‘Pirámides murcianas’. Un documental de ficción con un inmenso sentido del humor y una forma de narrar tan descabellada como los argumentos que esgrime.

La banda sonora de ‘Pirámides murcianas’ realizada por formaciones de música electrónica podría formar parte de un space opera de los ochenta. Y precisamente al espacio nos lleva una y otra vez, pues como si de un documental del Canal Historia se tratase, alude una y otra vez a la mano de los extraterrestres para dar voz a este pasmoso descubrimiento que se llega a relacionar con el mismísimo origen del ser humano.

Nombres como los Anunnaki, los cartaginenses o los egipcios están entremezclados con los «alienígenas ancestrales» y los pachequeros en esta disparatada teoría que afirma que podría haber diferentes pirámides en la región de Murcia. Tapadas con el paso del tiempo por la naturaleza, degradadas por la acción minera del hombre estas pirámides permanecen ocultas a nuestra vista y a nuestra lógica. El documental expone un sin fin de explicaciones y razonamientos de lo más disparatados entorno a enclaves como el Cabezo Gordo. Para ello pone sobre la mesa datos o casos reales como las pirámides bosnias para después usarlas a su favor de un modo treméndamente hilarante, inventándose razonamientos o tirando de pseudociencia.

Un investigador vestido como un Coronel Tapioca de Decathlon interpretado por el mismo director Miguel Guirado nos va explicando sus hipótesis. En ‘Pirámides murcianas’ estamos rodeados de simulaciones y recreaciones generadas por ordenador, es como si estuviésemos viendo un programa de las primeras temporadas de Cuarto Milenio, sin necesidad de aludir o reírse de este tipo de periodismo. Os podría decir que esta es una historia donde te empiezas a creer lo increíble, pero es que es todo tan descabellado que se percibe su evidente carácter paródico.

Si tenéis ocasión de ver la película en algún pase especial y os ponen la escena eliminada (por motivos de calidad de audio) en la que aparece Gustavo Biosca (el cómico suicida) la disfrutaréis aún más. Y si se lanzan a hacer la segunda parte que ya barruntan sus creadores os prometemos que nos la vemos en maratón con esta primera.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de marzo de 2019 (festivales). Título original: Pirámides murcianas. Duración: 7 min. País: España. Dirección: Miguel Guirado, Liana Guadaño. Guion: Miguel Guirado, Liana Guadaño. Música: Igor Gayarre, Technebro, Substuff, Los Puzle, Dr. Nipples. Fotografía: Simón Escudero. Reparto principal: Miguel Guirado, Liana Guadaño, Isabel de Farnesio, Íñigo Rodríguez, Gustavo Biosca. Producción: Biterat, Substuff. Género: documental, comedia. Web oficial: http://substuff.es/piramides-murcianas/

Crítica: ‘Historia de un matrimonio’

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Sinopsis

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Historia de un matrimonio es un retrato sensible e incisivo del cineasta nominado al Óscar, Noah Baumbach, sobre un matrimonio que se rompe y una familia que permanece unida. La película está protagonizada por Scarlett Johansson y Adam Driver. Completan el reparto Laura Dern, Alan Alda y Ray Liotta.

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Crítica

Excelente película donde el amor y el dolor van de la misma mano

Según avanzaba ‘Historia de un matrimonio’ me venía todo el rato esta estrofa de M-Clan a la cabeza «Pero la realidad es que un muro de amor, no ha podido aguantar tanto tiempo la erosión«. Y es que está cinta va de eso, de un matrimonio que se quiere pero que ya no da más, la erosión ha destrozado todo lo que tenían y lo vas viendo segundo a segundo.

Noah Baumbach nos trae una historia demoledora, un relato de amor lleno de dolor. Capaz de hacerte llorar y a los pocos segundos tener que soltar una carcajada gracias a un guión que recorre la vida de dos personas durante el duro trámite de su divorcio. Ninguno de los dos quiere hacerse daño. Ninguno de los dos quiere dejar de ver a su hijo y al final deciden acudir a abogados para llegar a un acuerdo.

Una dura crítica hacia el mundo de las leyes, donde los abogados son auténticos monstruos que convencen a unos y a otros de como se tienen que hacer las cosas, que pedir o intentar hundir al contrincante con tal de no perder y llevarse el renombre.

Scarlett Johansson y Adam Driver están fabulosos, de nominación al Oscar obligados ambos y ojalá se lo llevaran. Ambos dan naturalidad a esta historia, sus miradas, sus gestos de cariño y de odio, sus lágrimas, son tan reales que te crees todas las situaciones que ocurren en la cinta. Ojalá verles trabajar juntos de nuevo, tienen una química estupenda.

Y qué decir de Laura Dern, si pido el Oscar para los dos protagonista, sería un error no dárselo esta mujer. Está impresionante como la abogada Noah, un papel de una mujer segura de sí misma, despiadada y que se desvive por su trabajo.

En el reparto también encontramos a Ray Liotta, otro de los abogados que tan mal hacen en esta relación y a Julie Hagerty (‘Aterriza como puedas‘) como la madre hippie y extraña de Nicole, el personaje de Scarlett. También encontramos nombres como Merritt Wever, Wallas Shawn, Alan Alda o Robert Smigel.

El guión es una verdadera montaña rusa de tantas emociones que sentimos al verla, me parece un gran acierto introducir esos momentos humorísticos para despejarnos un poco de tanto sufrimiento.

Pero no solo el guión consigue esto, sino que la música de Randy Newman, que decir del compositor de las bandas sonoras de ‘Toy Story’ o ‘Pleasantville’. Una maravilla, llena de tristeza sí, pero también llena de esperanza.

Poco más que decir, que ojalá se lleve muchos premios, por muy difícil que lo tenga este año. El 22 de noviembre la tendréis en varias salas de cine y a partir del 6 de diciembre podréis disfrutadla en Netflix, no perdáis la oportunidad e ir a verla.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre. Título original: Marriage Story. Duración: 136 min. País: Estados Unidos. Dirección: Noah Baumbach. Guión: Noah Baumbach. Música: RAndy Newman. Fotografía: Robbie Ryan. Reparto principal: Scarlett Johansson, Adam Driver, Laura Dern, Merrit Wever, Alan Alda, Mary Hollis Inboden, Amir Talaj, Ray Liotta. Producción: Netflix. Distribución: Netflix. Género: Drama. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/80223779

Crítica: ‘Un año más’

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Sinopsis

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Desde muy joven, Paco ha sufrido problemas de pulmón. A los 24 años padeció un serio problema que lo colocó a las puertas de la muerte. Los médicos informaron que no había muchas expectativas. Rosa, su hermana, le comentó entonces que había que resistir, que la vida era demasiado valiosa como para dejarla escapar. Se prometieron mutuamente que, a partir de ese año, celebrarían cada anualidad su fiesta de cumpleaños como un festejo por haber resistido un año más. Y así lo hicieron, ese año celebraron el 25º aniversario por todo lo alto y así han seguido hasta el día de hoy.

Paco falleció a los 54 años de edad en pleno rodaje del documental pero se pasó la vida resistiendo. Además de sus problemas de salud, se enfrentó a los repudios de un sistema por el solo hecho de tener un cromosoma más en el par 21. En este sentido, en el sistema actual, ha habido avances, no los suficientes y el debate aún sigue vigente, pero Paco ha tenido que sufrir en sus carnes los señalamientos a su persona durante muchos años, en un país que intentaba dejar atrás una dictadura. Resistir por ser advertido como…diferente.

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Crítica

Un tierno tratamiento de una lucha contra las barreras

Año 19 del siglo XXI, España. Dentro de un país que se tiene como avanzado o del primer mundo hay que dar ejemplo y romper barreras para acabar con todos aquellos sesgos, tópicos y tabúes con los que hemos crecido, que hemos heredado y eso hay que admitirlo sin pelos en la lengua. Para crecer como sociedad hemos de normalizar determinadas situaciones que hoy en día se distinguen como raras o diferentes. Uno de esos casos es el de personas con síndrome de down y ‘Un año más’ destaca una lucha entre muchas otras para intentar acabar por fin con todos los obstáculos.

Paco convivía con su hermana y con una afección pulmonar. Su gran pasión era la música como la de Manolo Escobar y la pintura. Su estilo de dibujo limpio y cubista le valió varios premios y exposiciones incluso en el extranjero. Premios que ganó sin tener que dar lástima por su síndrome de down y que han hecho que se ganase el respeto de muchos.

Lo que nos cuenta la película es una historia de resistencia que Paco Bernal mantuvo hasta su muerte durante el rodaje de este mismo documental. Una lucha en la que junto a su hermana Rosa Bernal se enfrentó a prejuicios y dificultades físicas causadas por un adenocarcicoma producido cuando él tenía 24 años. Tras aquella enfermedad Paco y sus amigos celebraron cada cumpleaños por todo lo grande, así hasta los 54, fiesta que vemos cómo se vive y se prepara.

El mensaje al que da voz Julio Suárez me parece claro. El modo no me parece del todo correcto. Está bien que haya imágenes que filmen fotografías o vídeos caseros que nos muestren el carácter tan afable del pintor afincado en Denia. Pero el documental tiene demasiado relleno, hay escenas que están excesivamente alargadas, pero puedo entender que tal vez no se consiguió metraje suficiente.

‘Un año más’ me parece un sentido homenaje pero por encima de todo me parece un tratamiento de una persona adulta con síndrome de down rara vez había visto antes en cine. Una manera de inmortalizar una lucha de él y de aquellos que le acompañaron hasta tal modo que se elimine el estigma que sufren aquellos que son como Paco, que como decía el título del documental de ‘Campeones’, no son ni distintos ni diferentes.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre de 2019. Título original: Un año más. Duración: 73 min. País: España. Dirección: Julio Suárez. Guion: Julio Suárez. Fotografía: Aniol Pla-Gilbert Agüero. Reparto principal: Paco Bernal, Rosa Bernal, Angi Salazar, Jordi Mata, Carlos Muñoz. Producción: LGC Films. Distribución: Begin Again Films. Género: documental. Web oficial: http://beginagainfilms.es/un-ano-mas/

Crítica: ‘Historias de nuestro cine’

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Sinopsis

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El 11 de mayo de 1896, en el circo Price, propiedad del ciudadano inglés William Parish, el húngaro Edwin Rousby, utilizando un animatógrafo, proyecta las primeras imágenes en movimiento que pudieron verse en España. A partir de este hecho, nuestro narrador, Antonio Resines, va desgranando anécdotas hasta lograr componer una asombrosa historia, la de nuestro cine. Esta narración se mezcla con testimonios de directores, actores y productores que van ilustradas con imágenes de las películas a las que se va haciendo referencia.

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Crítica

Antonio Resines entre amigos nos cuenta la historia de nuestro cine

Hace poco os hablábamos de ‘Sesión salvaje’ un documental sobre el cine de «serie B» español. Hoy os traemos ‘Historias de nuestro cine’, un documental bastante más extenso dirigido por Antonio Resines y Ana Pérez-Lorente, que fue presentado en la sección Made in Spain del Festival de San Sebastián,

Durante dos horas daremos una pequeña vuelta sobre la historia del cine en España. La primera película rodada aquí, la primera cinta expuesta en una sala española, en concreto en el Circo Price, la censura y varias curiosidades que se nos irán mostrando durante las dos horas de documental.

Antonio Resines se encarga de llevar un sin fin de entrevistas con artistas de la talla de Fernando Trueba, David Trueba, Gracia Querejeta, Carlos Boyero, Jesús Bonilla, Fernando Colomo, Loles León, Enrique Cerezo, Ana Belén, Maribel Verdú, Carmen Maura o José Coronado entre otros.

La verdad que se hace muy ameno, divertido y con grandes anécdotas de los rodajes y de las películas.

Nos hablan de Segundo de Chomón, Chapalo Films, como apareció el doblaje en las películas, también conoceremos las películas favoritas de los artistas invitados.

Me ha gustado mucho la manera de cómo han llevado el documental, como he dicho muy divertido, se nota que son amigos entre sí y contestan libremente y entre risas a todas las preguntas que les hace Resines. La naturalidad ante todo es lo que vemos en este documental.

Gracias a estos «interrogatorios» a los artistas conocemos cosas como que Franco guionizó una película que el mismo censuró. O lo divertido que era Fernando Fernán Gómez o las primeras películas de Carmen Maura o Verónica Forqué.

Quizás sea difícil hacer llegar este documental al público general de las salas de cine, lo veo un poco específico para un público más cinéfilo y con ganas de aprender sobre el cine patrio. Pero no quita que pueda divertir y entretener a todo el mundo. Es muy interesante y ameno. Sin duda una muy buena opción para ver en las salas y salir deseando ver las películas sobre las que se hablan.

Yo solo espero que Antonio Resines y Ana Pérez-Lorente se decidan hacer una segunda parte de este documental para seguir conociendo nuestro cine y sus divertidas historias.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre 2019. Título original: Historias de nuestro cine. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Antonio Resines y Ana Pérez-Lorente. Guión: Ana Pérez-Lorente, Antonio Resines. Música: Emilio Aragón. Fotografía: Juan Molina. Reparto principal: Verónica Forqué, Maribel Verdú, Carmen Maura, Julia Gutiérrez Caba, David Trueba, Fernando Trueba, Antonio Resines, Gracia Querejeta, Carlos Boyero, El Gran Wyoming, Emilio Martínez-Lázaro, Emilio Gutiérrez Pereira, Fernando Colomo, Ana Belén, Fernando Méndez-Leite, Loles León, José Luis García Sánchez, Luis Alegre, Enrique Cerezo. Producción: Enrique Cerezo P.C. Distribución: Universal Pictures. Género: Documental.

Crítica: ‘Adiós’

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Sinopsis

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Sevilla. La muerte accidental de una niña en la barriada de Las Tres Mil Viviendas cae en manos de Eli, una inspectora que tendrá que lidiar con los recelos de Juan, padre de la niña fallecida y cabeza de familia del clan de Los Santos. El choque entre Eli y Juan por esclarecer la muerte de la pequeña, destapará ante ambos toda una red de secretos y mentiras que transitan a lo largo de la delgada y difusa línea que es la justicia.

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Crítica

He sentido la pena y la ira de sus personajes

A todos los que tenéis prejuicios contra actores jóvenes españoles, yo os digo Adiós. A todos los que a estas alturas no conocéis el nombre de Paco Cabezas, yo os digo Adiós. Así de contundentemente os recomiendo este último estreno producido por Apache Films. No calificaría la nueva película del director sevillano como el filme del año pero si me parece una buena demostración de cómo puede hacerse cine en nuestra España más arraigada sin caer en los viejos tópicos y reforzando el valor de actores tan potentes como Mario Casas y Natalia de Molina.

Esta es una historia de cólera y dolor, de padres hijos y matriarcas, donde la ley callejera y gitana mantiene un pulso con los designios de la policía. Las Tres Mill Viviendas se presentan como un marco ideal en el que sus residentes arrojan lo poco que tienen, los escombros de su existencia a aquellos que no son bienvenidos. En ese escenario los protagonistas pierden la estrella polar que orientaba su vida y esta se llena de un ansia ciega de venganza, justicia y consuelo.

En esta historia de redención, custodia paternal y daño colateral nos rodea una vileza muy bien plasmada por Paco Cabezas y su excelente manera de rodar. Quizá a mi me sobren sus momentos musicales o las demasiadas escenas íntimas que se emplean para procurar sostener el drama a través de las apariciones de Natalia de Molina, pero es indudable que no hay escena en la que la cámara esté mal puesta o la secuencia no tenga el ritmo apropiado.

Sí que hay que admitir que el guión se amolda a muchas y muy estereotipadas historias de venganza, en las que el malo puede ser cualquiera, pero ‘Adiós’ no va de descubrir al malhechor teniendo una sorpresa final, va de acompañar a dos padres en su camino de despedida, o al menos así lo entiendo yo. Es un duelo cubierto de vendetta y supervivencia. Yo he sentido la pena y la ira de todos y cada uno de sus personajes.

He mencionado a Casas y Molina pero Ruth Diaz también vuelve a perfilarse como otra de las puestas seguras de nuestro cine. Papel que coge papel que hace que gane presencia en pantalla y en la trama. Obviamente los protagonistas son los padres que buscan justicia y sus actores lo hacen notar con interpretaciones en las que su acento andaluz no está exagerado ni estereotipado, como había oído decir a algunos que habían visto antes la película, no es esa mi opinión y lo ponía en duda siendo el director y algunos actores naturales de Andalucía.

Los tres actos del filme nos llevan por unas barriadas de luces y sombras en las que la luz que pasa a través de sus preciosas cristaleras deja pasar solo pequeños rayos de esperanza a sus habitantes. El viaje dura lo que una calcomanía y la vileza o la bajeza se adhiere de igual manera a la piel. A la salida de la película querríais daros un buen baño de agua y luz pero la última escena os va a ahorrar esa sensación porque se despide de un modo renovador y emotivo.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre. Título original: Adiós. Duración: 111 min. País: España. Dirección: Paco Cabezas. Guion: José Rodríguez, Carmen Jiménez, Paco Cabezas. Música: Zelita Montes. Fotografía: Pau Esteve Birba. Reparto principal: Mario Casas, Natalia de Molina, Ruth Díaz, Carlos Bardem, Mona Martínez, Vicente Romero. Producción: Apache Films, Adiós La Película AIE, La Claqueta, Sony Pictures International Productions, RTVE, Movistar+, ICAA, Orange, Junta de Andalucía. Distribución: Sony Pictures. Género: thriller, drama. Web oficial: http://www.sonypictures.es

Crítica: ‘Los miserables’

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Sinopsis

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Stéphane acaba de unirse a la Brigada de Lucha contra la Delincuencia de Montfermeil, un suburbio al este de París. Allí conoce a sus nuevos compañeros, Chris y Gwada, dos agentes experimentados en las enormes tensiones que existen entre los distintos grupos organizados por el control del barrio.

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Crítica

A estos miserables les falta pan y les sobra circo

A partir de la incorporación de un policía de provincias a su nuevo puesto en una unidad de París Ladj Ly nos sumerge en las zonas más marginales de la capital francesa. Con una mecánica muy similar a la de ‘Training day’ vemos a través de los ojos del nuevo agente la situación que se vive en los barrios y sobre todo el cómo se gestiona de manos de la policía y de los que mandan realmente en las calles.

Al contrario que en la película de Fuqua no llegamos a una intensidad asfixiante aunque si a una tensión palpitante. Tenemos un mensaje mucho más trabajado que obviamente tiene que ver y no pierde de vista la obra de Victor Hugo.

‘Los miserables’ comienza hasta bromeando con tópicos propios de barrios marginales, con estereotipos sobre los inmigrantes e incluso con conceptos fascistas y racistas. Pero rápido vemos que sus intenciones son serias y que tiene protestas y virtudes muy modernas o actuales. Una de las cosas más importantes que ilustra es la presencia de la miseria en todos los bandos de la contienda que día a día se libra sobre el sucio asfalto, los rellanos en ruinas, las desprotegidas azoteas y las canchas de baloncesto al aire libre.

La apertura de ‘Los miserables’ nos señala que el opio del pueblo es el fútbol y cuando este va bien todo el mundo parece no tener de qué preocuparse. «Pan y circo» decía la locución latina y se podría aplicar eso mismo a la visión de Francia que nos ofrece Ladj Ly. La diferencia es que en esta parte del país galo falta pan y sobra circo. Tras hacerse los gallitos, tras intentar vivir bajo su propia ley, tras huir de lo impuesto… todos deben volver a su hogar y enfrentarse a lo miserables o mundanas que pueden ser sus vidas.

Me gusta su final no resuelto pues al fin y al cabo abarca un problema que aún no está zanjado. Nadie se libra de poder ser ajusticiado por unos o por otros. Eso nos gritan los planos cenitales a ojo de dron que nos dicen que desde arriba todos parecemos igual de culpables y de inocentes. ‘Los miserables’ mantiene su mirada fija en los disturbios franceses de 2005. Para ello el guión acierta a llevarnos por dos días multiculturales y llenos de rabia u odio contenido. Retrata la relación entre unos policías de diferente índole con unos ciudadanos de múltiples facetas, todos ellos con la firme creencia de creerse con toda la razón y tener todas las de ganar, es decir, infelices, incrédulos, miserables.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre de 2019. Título original: Les misèrables. Duración: 100 min. País: Francia. Dirección: Ladj Ly. Guion: Ladj Ly, Giordano Gederlini, Alexis Manenti. Fotografía: Julien Poupard. Reparto principal: Damien Bonnard, Alexis Manenti, Djibril Zonga. Producción: Lily Films, Rectangle Productions, Srab Films, Canal+, Le Pacte. Distribución: Caramel Films. Género: dama, crimen. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/pelicula/los_miserables

Crítica: ‘Cómo ser un french lover’

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Sinopsis

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¿Cómo ser feliz y rico, sin trabajar? Siendo un gigoló.

Pero tras 25 años de vida en común con Denise, Alex, el gigoló, es despedido de la noche a la mañana, y se queda en la calle.

Obligado a irse a vivir a casa de su hermana y de su sobrino de 10 años, Alex solo piensa en una cosa: encontrar a otra rica heredera.

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Crítica

A los franceses siempre se les ha dado mejor el arte de seducir

Olivier Baroux, El director de la saga ‘Le tuche’, continúa con las comedias versionando esta vez la película estadounidense ‘Instrucciones para ser un latin lover’. El argumento es muy similar, más familiar si cabe y el resultado se puede tachar igualmente como entretenido, aunque no realmente memorable. Es un caso raro, pues normalmente son los norteamericanos los que hacen remakes del cine europeo y esta vez se demuestra que en el viejo continente las cosas se pueden hacer mejor.

‘Cómo ser un french lover (Just a gigolo)’ cuenta la historia de un gigoló que se dedica a perseguir a ancianas adineradas. La fortuna se le acaba cuando se la juega a una carta esperando heredar de una arrugada ricachona, pero esta se la devuelve dejándole por alguien más joven, donde las dan las toman.

Para el papel protagónico Baroux vuelve a contar con el actor Kad Merad quien también ha trabajado con el director en ‘Quiero ser italiano’, ‘On a marché sur Bangkok’ o ‘Safari’. Sabe llevar a un personaje que hace alarde de jeta y vaguería, que debe renovarse y reconocer que no es el mismo de hace varias décadas, que ha descuidado aspectos importantes de su vida. Un tipo que debería ser pulcro y elegante que se ha dejado debido a su situación de comodidad hasta tal punto que ya resulta difícil de mirar. Merad tiene gracia y el papel le pega bastante.

‘Cómo ser un french lover’ desarrolla su comedia a través del patetismo de aquellos que viven del dinero de otros o que no tienen amor propio o no saben apreciar las cosas realmente buenas de la vida. Intenta partir de situaciones ridículas o paródicas, buscando un humor refinado que a veces se consigue y otras se pasa al lado de lo manido. Su esquema es bastante típico y conforma la clásica historia de reconciliación y examen de conciencia, algo que era de prever.

Lo que es innegable es su explosivo inicio. Pero luego es menos espectacular, aunque si muy lujosa y derrochona. Le han venido bien los estilismos franceses a esta idea, que sin conformar una propuesta muy original puede seducir y conquistar a amantes de las comedias ligeras.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre de 2019. Título original: Just a gigolo. Duración: 94 min. País: Francia. Dirección: Olivier Bardoux. Guion: Olivier Baroux, Kad Merad, Jon Zack. Música: Martin Rappeneau. Fotografía: Christian Abomnes. Reparto principal: Kad Merad, Anna Charried, Pascal Elbé, Thierry Lhermitte, Anny Duperey, Lionel Abelanski, Guy Lecluyse. Producción: Chapter 2, Eskwad Productions, Globalgate Entertainment. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/como_ser_un_french_lover

Crítica: ‘Madre’

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Sinopsis

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Elena recibe una llamada de Iván, su hijo de seis años, quien le dice que está perdido en una playa en Francia y que no encuentra a su padre. Esas palabras desesperadas de su hijo fueron lo último que supo de él.

Diez años más tarde, Elena vive en la misma playa donde desapareció su hijo, trabaja de encargada en un restaurante y está empezando a salir de ese oscuro túnel donde lleva anclada tanto tiempo.

Su vida se agita de nuevo cuando conoce casualmente a Jean, un adolescente francés que le recuerda a su hijo. Entre ellos surge una fuerte conexión que acabrá sembrando el caos y la desconfianza a su alrededor.

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Crítica

Un ‘Call me by your name’ malsano

Al igual que el filme con el que he hecho un símil en mi titular, ‘Call me by your name’, la película tiene instantes donde es claramente contemplativa y otros donde la intensidad está muy medida. El filme es igual de cristalino, de veraz y de emotivo. Pero de manera muy diferente a la película de Guadagnino ‘Madre’ se torna en algo bastante insano, algo que es perjudicial para la salud mental y sentimental de la protagonista interpretada por Marta Nieto. Ella está inmersa en una ofuscación y un trauma que solo se puede quitar con una catarsis. Lo malo es que para encontrar ese punto de inflexión el modo que elige o más bien se encuentra, es del todo nocivo o perjudicial, tanto para ella como para los que la rodean. No obstante se detecta entre ella y el joven que conoce una simbiosis que a ambos les da la vida.

Sorogoyen resuelve el cortometraje tan agobiante y fuerte que le llevó a estar nominado al Oscar. Nos da un final pero es muy distinto a como muchos habrían imaginado que podría haber sido, quizá de ahí puedan venir muchas decepciones con esta versión extendida en forma de largometraje de más de dos horas. También es cierto que por el modo en como acaba el corto o empieza la película la imaginación del espectador puede volar por muchas vías y eso hacer que esté predispuesto a desilusionarse con la resolución de Sorogoyen y Peña. Explica poco y también explica mucho. No cuenta cómo o qué pasó con el niño perdido en el corto. Está más centrado en el impacto que tuvo esa pérdida. Por eso podemos decir que si explica mucho ya que si ahonda en una obsesión que condena a la vida sentimental de la protagonista casi al suicidio.

El filme comienza con la repetición del cortometraje, al espectador no le hará falta rebuscar para verlo, y acaba con casi una repetición de este. Está lleno de momentos de calma con largos paneos pero también de agitadas situaciones. Se vuelca una y otra vez en los mismos argumentos y le resta razón de ser a esta expansión a largometraje.

De la película salvo la gran interpretación de Marta Nieto. Ella se lleva casi todo el peso del filme con una interpretación la mar de emotiva. Hace que el ‘Madre’ resulte interesante aunque sea redundante. Sin ella o sin sus aportaciones como actriz esta ‘Madre’ nos habría dejado huérfanos de entretenimiento y sentimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de noviembre de 2019. Título original: Madre. Duración: 129 min. País: España. Dirección: Rodrigo Sorogoyen. Guion: Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña. Música: Olivier Arson. Fotografía: Álex de Pablo. Reparto principal: Marta Nieto, Álex Brendemühl, Jules Porier, Anne Consigny, Frederic Pierrot, Guillaume Arnault. Producción: Amalur Pictures, Arcadia Motion Pictures, Caballo Films, Le Pacte, Malvalanda, Noodles. Distribución: Wanda Films. Género: drama. Web oficial: https://www.wandafilms.com/site/sinopsis/madre

Crítica: ‘La audición’

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Sinopsis

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Anna Bronsky es profesora de violín en un instituto de secundaria especializado en educación musical. A pesar de la oposición de todos los demás profesores, Anna impulsa el ingreso de un alumno, Alexander, en el que detecta un talento singular, y se compromete a ayudarle con la preparación para el examen intermedio, descuidando a su familia, su hijo Jonas, al cual hace competir con su nuevo alumno, y su marido Philippe. Su colega Christian, con el que tiene una aventura, la convence para que se una a un quinteto. Cuando fracasa en el concierto que dan, la presión se dispara y ella centra toda su atención en su alumno Alexander. Cuando llega el día del examen, los acontecimientos toman un rumbo inesperado.

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Crítica

Nina Hoss sorprende con esta interpretación de una mujer bastante desiquilibrada

Ina Weisse nos trae ‘La audición’, aquí conocemos a Anna, una profesora de violín que se arriesga con un alumno con mucho talento, pero poca técnica para que en poco tiempo se pueda presentar a una audición y así hacerle llegar a lo más alto.

La película es bastante compleja y se hace bastante pesada. El personaje al que interpreta Nina Hoss, ganadora de la Concha de Plata a Mejor actuación en San Sebastián, es bastante insoportable. Una mujer perfeccionista, hipócrita y que cuida muy poco a su familia, ella solo vive por y para la música.

Según avanza la historia vamos conociendo a todos los personajes y el mundo en el que se mueve esta mujer llena de imperfecciones, las cuales la tienen atormentada.

Su familia consta de su hijo, que sufre esta obsesión por la perfección de la madre al ser obligado a tocar el violín. Su marido, un trozo de pan que la consiente todo, hasta una infidelidad, que aunque realmente no es para nada relevante, nos demuestra que ella no tiene sentimientos hacia nadie.

También nos adentramos en lo complicado que es la vida en los conservatorios de música, donde ser el mejor nunca vale, siempre hay que aprender y además de las horas de escuela, fuera de ella tienes que vivir por y para tu instrumento musical y así poder dominarlo bien.

Está claro porque recibió el premio en San Sebastián Nina Hoss y es que está increíble, llegas a coger bastante manía a un personaje que solo piensa en ella misma, en sus temores, en su obsesión en la música y en intentar que todos lleguen a una perfección a la que ella nunca llegará.

La película también trata el tema de la vida con los padres, de lo que puede marcarnos en nuestra vida una mala relación con estos.

Me gusta mucho la relación que llega a tener con el muchacho que acoge como aprendiz, pero hay cosas que tampoco he llegado a entender muy bien por cómo están contadas en la cinta. No he llegado a entender para nada a esta mujer.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de noviembre 2019. Título original: The audition. Duración: 98 min. País: Alemania-Francia. Dirección: Ina Weisse. Guión: Daphne Charizani e Ina Weisse. Música: Guillaume Sciama y Bruno Tarrier. Fotografía: Judit Kaumann. Reparto principal: Nina Hoss, Simon Abkarian, Jens Albinus, Ilja Monti, Serafin Mishiev. Producción: Lupa Film, Ideale Audience, Port-Au-Prince, ZDF-Arte, DFFF, MBB, Panoptimo. Distribución: Syldavia Cinema. Género: Drama. Web oficial:www.syldaviacinema.info/la-audicion/ 

Crítica: ‘La casa del terror’

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Sinopsis

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En Halloween, seis amigos deciden entrar en una casa encantada que promete ofrecer una experiencia extrema a base de explotar sus miedos más profundos. La noche se volverá mortal cuando se den cuenta de que algunos monstruos son reales.

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Crítica

Una película de primos

Los guionista de ‘Un lugar tranquilo’ (Scott Beck y Bryan Woods) nos llevan irónicamente a un emplazamiento totalmente opuesto, lleno de gritos y ruidos. Una moderna casa del terror en la que unos incautos jóvenes intentan pasar un gran Halloween. En el grupo se hallan los tópicos de este tipo de películas juveniles: la joven traumatizada, el guaperas, la amiga fiel, el graciosete, los que se ven que son carne de primera muerte… Todos ellos interpretados por un reparto bastante flojo.

El nombre de Eli Roth va perdiendo fuelle y sensación de calidad. Produce esta película y lo cierto es que tanto como productor y como director está acumulando últimamente títulos a los que cuesta encontrarle fans. Películas como ‘Toc toc’ o ‘Los vigilantes de la playa’ están muy lejos del nivel de éxitos del tipo ‘Hostel’. Lo que sí que está claro es que tiene buen ojo para encontrar proyectos con un toque grotesco o drásticamente sangriento.

Como en otros films que han pasado por las manos de Roth distinguimos, yo por lo menos lo he leído así, un mensaje dramático y bastante actual. En este caso nos hace un símil entre la permisibilidad que hay en relaciones en las que hay maltrato y la exención de responsabilidad que se puede firmar al entrar en una atracción bastante extrema. La correlación que establece me parece buena pero muy poco y ligeramente aprovechada.

Subtitulo la película como una película para primos no porque pueda parecerlo aquel que pique y vaya a verla (para gustos los colores) si no porque los propios protagonistas y villanos (que llegan a ser más que las víctimas) son muy pringados. Llevan a cabo acciones ilógicas, torpes y no parecen estar causadas por la adrenalina o el miedo. Eso hace que la película te parezca torpe. Pero es que además los jóvenes atrapados en este ominoso túnel del terror están constantemente haciendo alusiones a sus primos: que si uno es ingeniero del petróleo, que si otro es psiquiatra, que si otra es proctóloga…

Tiene una buena escenografía que nos hace pasar de lugares llenos de óxido o madera a otros plagados del color plateado brillante de las hojas de metal. Desde luego esta casa del terror es un lugar que, salvo por su peligro de muerte, dan muchas ganas de visitar. Tiene buenas ideas y también buen maquillaje (en el equipo hay gente de ‘Star Trek’, ‘Saw’ o ‘Bright’). La cosa no se limita al payaso del cartel, de hecho creo que habría más éxito de marketing si hubiesen empleado otras máscaras o rostros del filme. Hace poco vimos una película de corte similar, mucho menos dura y extravagante llamada ‘Hell Fest’ que tenía sus pretensiones más claras y unas secuencias menos confusas y por lo tanto (aunque no tenía las chocantes muertes de esta película) resultó más entretenida.

‘La casa del terror’ llega a España pasada de fecha pues esta película podría haber rascado más espectadores si se hubiese estrenado en Halloween. Sin embargo captará a aquellos que tengan resaca y ganas de terror pasada la festividad norteamericana. Para los que sean muy adeptos de las películas de género les atraerá la combinación Roth más guionistas de ‘Un lugar tranquilo’ más la presencia de un compositor de banda sonora tan prometedor como lo es Tomandandy. Pero a ellos les digo, como me obligo a decirme a mí mismo, si entráis en esta casa del terror procurad disfrutar de sus «momentos de muerte», para bien o para mal, porque si le buscáis coherencia o explicación os va a defraudar mucho.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de noviembre de 2019. Título original: Haunt. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Scott Beck, Bryan Woods. Guion: Scott Beck, Bryan Woods. Música: Tomandandy. Fotografía: Ryan Samul. Reparto principal: Katie Stevens, Will Britain, Andrew Caldwell, Laurym McClain, Shazi Raja, Schuyler Helford. Producción: Broken Road Productions, Nickel City Pictures, Sierra / Affinity. Distribución: eOne Films. Género: terror. Web oficial: https://nickelcitypictures.com/upcoming-projects/

Crítica: ‘Ventajas de viajar en tren’

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Sinopsis

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Helga Pato acaba de internar a su marido en un psiquiátrico. En el tren de vuelta, un desconocido se le presenta como Ángel Sanagustín, psiquiatra que trabaja investigando trastornos de personalidad a través de los escritos de los pacientes. Le cuenta entonces la historia de un enfermo paranoico extremadamente peligroso obsesionado, entre otras cosas, con la basura. Un delirio sórdido pero fascinante, repleto de obsesión, perversión, sarcasmo, diversión, demencia y sofisticación que son, en definitiva, algunas de las ventajas de viajar en tren.

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Crítica

Delirante, profunda y muy bien construida

Aritz Moreno ha adaptado en su primer largometraje lo que debe ser una locura de novela realizada por Antonio Orejudo Utrilla. Locura por lo que sucede en ella y por el puzle que compone, por la prospección que hace de la psique humana. Y para llevar a cabo este estrambótico proyecto ha contado con Javier Gullón, guionista de películas como ‘Una historia de venganza’, ‘La cueva’ o el cortometraje ‘Graffiti’, que al igual que esta película os recomiendo mucho que veáis.

‘Ventajas de viajar en tren’ es una cinta que nos descoloca en varios sentidos. Nos hace reír con situaciones absurdas pero también nos pone un nudo en el estómago con sus cruentas historias. Es un relato delirante, interconectado entre muchos personajes, tiempos y lugares que no se hace confuso y que nos sumerge en una locura similar a la que sufren sus personajes. Su meta no es solo hacernos reír, si no también explorar los desvaríos de las personas, su discurso es de tremenda actualidad.

Cuando rememoro lo que he visto en ‘Ventajas de viajar en tren’ a la mente se me vienen maestros del humor descacharrante como Jose Luis Cuerda, Francisco Ibáñez o Javier Fesser. Este relato da rienda suelta a lo disparatado pero siempre podemos leer de fondo un mensaje la mar de cabal. También su colorido pero sombrío diseño de producción me recuerda a los autores citados, otorgando al filme un sabor tristemente simpático.

¿Os gusta ‘Aterriza como puedas’? La película de Aritz Moreno me recuerda a esas escenas en las que el protagonista interpretado por Robert Hays daba la chapa a los pasajeros del avión. En este caso el tren, interpreto, sirve como metáfora de la sala de un manicomio donde un loco habla a otros locos y entre todos construyen esta pasarela de desvaríos.

Me ha encantado la vis cómica que demuestra aquí Luis Tosar saliéndose de sus habituales roles y demostrando que es delirantemente bueno. En la comedia hemos visto más a Ernesto Alterio y en este caso con múltiples facetas se convierte en una pieza indispensable. Pilar Castro quizá es la que menos comedia aporte pero hay que destacarla por lo bien que se ha movido en su trama desconcertante. Y hay que citar también al graciosísimo Javier Botet al que por tercera vez en menos de un año le veo actuar a cara descubierta y tumbado en una cama, como es el caso de ‘Amigo’ y ‘Justo antes de Cristo’.

Con el chacachá del tren nos invitan a explorar un cine del que se puede decir que no solo es raro, si no también agradecidamente diferente. ‘Ventajas de viajar en tren’ es un gustazo de película, de esas en las que se ve que han disfrutado los actores y lo hacen también los espectadores. Así pudimos comprobarlo en su proyección en el Festival de Sitges donde dio que hablar y todo el mundo salía repitiendo sus gags. No hay mejor síntoma para detectar el éxito de una película.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de noviembre. Título original: Ventajas de viajar en tren. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Aritz Moreno. Guion: Javier Gullón. Música: Cristobal Tapia de Veer. Fotografía: Javier Agirre. Reparto principal: Luis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez, Belén Cuesta, Javier Botet, Macarena García, Ramón Barea. Producción: Morena Films, Logical Pictures, Consejería del Gobierno Vasco, Euskal Irrati Telebista, ICAA, Movistar+, Señor & señora. Distribución: Filmax. Género: comedia, drama, adaptación. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/ventajas-de-viajar-en-tren.106

Crítica: ‘El Hoyo’

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Sinopsis

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Un hoyo con cientos de niveles, una plataforma que baja repleta de comida, dos habitantes por nivel. ¿Eres de los que saltan cuento están arriba o de los que tienen agallas cuanto están abajo?

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Crítica

‘El Hoyo’ o una manera de ver lo malo de nuestra sociedad

Es obvio que ‘El Hoyo’ es maravillosa. Y también es obvio que es muy dura y cruel. Una alegoría del ser humano, de las sociedades en las que el que tiene más se caga (literalmente) encima del que tiene menos. Un profundo y oscuro hoyo dividido en un sin fin de niveles. Por cada nivel 2 personas y una vez al día por el nivel pasa una mesa llena de comida. Solo se necesitan estos tres elementos para conseguir una historia muy impactante que os tendrá en vilo hasta el último segundo.

La opera prima de Galder Gaztelu–Urrutia ha sido premiada en el Festival Internacional de Sitges, entre los galardones a conseguido llevarse Mejor Película. Además fue elegida por el público también como Mejor Película en el Festival de Toronto.

Me ha parecido una maravilla, grandes actuaciones, una película muy bien dirigida y con un guión muy bien tratado.

Lo dicho, las miserias del ser humano se nos muestran desde el principio. El personaje de Zorion Eguileor nos va explicando el funcionamiento de el Hoyo y de cómo hay que hacer para sobrevivir. Toda una pesadilla para cualquier persona que termina entrando.

Nuestro protagonista Goreng, interpretado por Iván Massagué es una buena persona, no quiere hacer daño a nadie, pero muchas veces para sobrevivir hay que dejar atrás la bondad para ser despiadado y pensar en uno mismo. ¿O no?

Lo bueno de esta película es que te muestran muchos lados, está la buena gente y los que simplemente van por el camino egoísta y fácil.

El resto del reparto lo completan Emilio Buale, Eric Goode, Alexandra Masangkay y Antonia San Juan. No voy a contar más sobre el argumento, pues tenéis que verla y disfrutarla.

En cuanto a la parte técnica de la película es impecable, los efectos especiales son muy buenos, no hay fallo ninguno y nos adentran en una atmósfera oscura y tenebrosa muy parecida al corto de Dennis Villeneuve ‘The next floor’.

Es una pena que se estrene en tan pocas salas de cine, pero os prometo que merece muchísimo la pena acercarse a éstas salas pues os vais a encontrar con un buen producto. Y aunque aún no tiene fecha de estreno en Netflix, tarde o temprano también se podrá ver en la plataforma.

 Ficha de la película

Estreno en España: 8 de noviembre 2019. Título original: El hoyo. Duración: 90 min. País: España Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia. Guion: David Desola, Pedro Rivero. Música: Aranzazu Calleja. Fotografía: Jon D. Domínguez. Reparto principal: Ivan Massagué, Antonia San Juan, Zorion Eileor, Emilio Buale, Alexandra Masangkay. Producción: Basque Films, Consejería de Cultura el Gobierno Vasco, ETB, TVE, Distribución: Festival Films. Género: Ciencia Ficción. Web oficial: http://elhoyolapelicula.com/

Crítica: ‘Doctor Sueño’

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Sinopsis

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Dan Torrance lucha por encontrar algo de paz a pesar de seguir irremediablemente marcado por el trauma que sufrió de niño en el Hotel Overlook. Pero esa paz se quiebra cuando conoce a Abra, una valiente adolescente dotada de un poderoso don extrasensorial, conocido como el «resplandor”.  Abra reconoce instintivamente que Dan comparte su poder y, desesperada, le pide ayuda para enfrentarse a la despiadada Rose la Chistera y a sus seguidores, El nudo verdadero, que se alimentan de los niños que poseen el don del resplandor en su búsqueda de la inmortalidad.

Dan y Abra forman una extraña alianza y emprenden una batalla a vida o muerte contra Rose.  La inocencia de Abra y su valor a la hora de aceptar su resplandor obligan a Dan a recurrir a sus propios poderes como no lo había hecho nunca. Deberá enfrentarse a sus miedos a la vez que revive los fantasmas del pasado.

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Crítica

El vaporeo contra el resplandor

La obra de Stephen King continúa siendo adaptada y lo hace con una secuela de uno de sus títulos más míticos y a la vez de una de las adaptaciones que se ha convertido en clásico del terror moderno, ‘El resplandor’. ‘Doctor Sueño’ está avalada por el autor a diferencia de la película protagonizada por Jack Nicholson que hizo que King y Kubrick tuviesen ciertas diferencias. La bendición de King la tenemos hasta en la elección de Ewan McGregor como Danny Torrance el archiconocido niño con telepatía que se ha hecho mayor y vive en paz usando su habilidad para ayudar a ancianos a morir. El problema y detonante para tener una nueva historia es que el resplandor, en forma de vapor soltado al morir, sirve de alimento para otros que peregrinan por el país y una niña con mucho poder reclama la ayuda de Doc.

Mike Flanagan, el talentoso responsable de ‘La maldición de Hill House’, es quién se ha encargado de dar vida a ‘Doctor sueño’. Reconocemos tomas y secuencias enteras como marca clara del director, ha impreso su estilo en todo el material nuevo. Pero todo lo que vivieron los Torrance tenía que estar presente y es por eso que se han re-grabado y repetido las escenas ocurridas en el Overlook. Precisamente lo que pasa es eso, que como una nube de vapor las sensaciones a las que nos devuelven con imágenes re-rodadas de ‘El resplandor’ desaparecen en cuanto volvemos a las que se han filmado para recrear la nueva historia con Danny Torrance de mayor. El hotel y los protagonistas están muy parecidos e incluso clavados a los originales. La comparativa con el material nuevo hace que Flanagan salga perdiendo.

Y esto sucede principalmente no porque las nuevas escenas estén mal grabadas o porque no sea material bueno (hay varias partes que son visualmente apabullantes) si no porque hemos pasado de un terror dramático y psicológico a una historia de cine fantástico que poco miedo nos puede dar. Cuando McGregor usa la Fuerza, perdón, el resplandor, es cuando vemos que el filme abusa de ciertos recursos (muchos de ellos heredados) que hacen que este título sea muchísimo menos elegante y sutil que el que vimos en los ochenta. El carnival vampírico de yonkis vapeadores que persigue a los protagonistas nos habla de que esta es una película sobre poderes no sobre miedos o tragedias. Es más, el resplandor de esta película a veces pasa de la telequinesis a la telepatía, pecando de querer ser más espectacular.

Habrá costado convencer a King para idear esta película más como una secuela de la película de Kubrick que de su propia novela, al fin y al cabo tiene su lógica pues el gran público tendrá más presente la película de 1980. Me gusta que se haya hecho justicia con el final y considero que este no es un mal filme de cine fantástico pero ni de lejos podemos insertarla dentro del grupo de películas de terror. ‘Doctor Sueño’ alude a otros títulos de Stephen King cuando por ejemplo menciona eso de que «El ka es una rueda», una frase que enlaza con ‘La torre oscura’, con la que también conserva mucha similitud argumental. Y tal vez por eso de que los villanos entran en la mente de los buenos sea que hay un guiño a ‘Pesadilla en Elm Street’ en una de las tomas callejeras. En resumen, a mi manera de verlo esta es una continuación que está por debajo en calidad y en impacto de los títulos a los que alude pero que como entretenimiento de género está bastante bien.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2019. Título original: Doctor Sleep. Duración: 151 min. País: EE.UU. Dirección: Mike Flanagan. Guion: Akiva Goldsman, Mike Flanagan. Música: The Newton Brothers. Fotografía: Michael Fimognari. Reparto principal: Ewan McGregor, Rebecca Ferguson, Kyliegh Curran, Carl Lumbly, Zahn McClarnon, Emily Alyn Lind, Bruce Greenwood, Jocelin Donahue, Alex Essoe, Cliff Curtis. Producción: Intrepid Pictures, Vertigo Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: terror, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.es/doctor-sueno