Crítica: “Secuestro”

 Sinopsis

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Patricia de Lucas (Blanca Portillo), una prestigiosa abogada, ve como su vida se convierte en una pesadilla cuando su hijo Víctor (Marc Domenech) desaparece del colegio sin dejar rastro. Horas más tarde, el niño reaparece magullado y perlado en sudor, confesando que un hombre le ha intentado secuestrar, pero que ha logrado escapar. La policía se moviliza y, tras una rueda de identificación con Víctor, logran dar con el aparente responsable. Sin embargo, las pruebas no son suficientes, y el presunto secuestrador queda en libertad. Es entonces cuando Patricia, asustada y temiendo por su hijo, decide hacer lo que no ha hecho nunca: tomarse la justicia por su cuenta. Pero la situación se le escapará de las manos y las consecuencias de sus actos serán imprevisibles…

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Crítica

Un drama infantil secuestrado por el género policial.

Los secuestros son un tema muy recurrido en el cine. Es muy fácil para el espectador, que siempre es posible que tenga un hijo o sobrino, empatizar con el, o la, protagonista de la cinta. Alejándose de películas de acción como “El fuego de la venganza” o “Venganza”, “Secuestro” se encuentra dentro de esos thrillers que como “Rescate” o “Cautivos” nos intrigaron y nos acongojaron por temer por la seguridad del personaje infantil de la cinta. Por suerte no es una película de buenos y malos, si no una historia realista con personajes con claroscuros con los cuales el espectador tendrá que decidir si empatizar o no.

Al menos esta parece la idea que ha buscado plasmar Oriol Paulo (“Los ojos de Julia”) con el guión que ha escrito. Lo obvio sería que la trama girase entorno a Victor, el niño que interpreta muy bien Marc Domenech. Pero a mediados del film la historia cambia su curso, a raíz de una revelación que habría sido buen final de historia. A partir de ese instante en quien se centra la atención es en el personaje de Blanca Portillo, perdiendo de este modo casi todo el gancho o el atractivo que tenía. Bien es cierto que la personalidad y la sordera del niño contribuyen a crear un personaje aún más vulnerable para la película. Pero también contribuye esto a ver una figura más humanizada de la abogada sin escrúpulos que es Patricia de Lucas (Blanca Portillo), por lo que parece más bien incluido como un personaje satélite de esta. El título y tráiler nos habían vendido algo diferente. Ya nos avisaba la inclusión final de Blanca Portillo en el cartel de quien iba a ser realmente la protagonista. Eso sí, el tagline, que tengo entendido está inspirado en una frase de Angelina Jolie, deja bien claro que su personaje no se anda con medias tintas.

Quien se lleva la película de calle es la premiada actriz protagonista. Con su personaje y con su interpretación acapara la cinta. Ha entendido bien que su papel no es el de una abogada que se dedique a ser una picapleitos, sino que es una depredadora que hace lo que sea para ganar sus litigios. Esto también lo extrapola a su vida cotidiana donde procura mantener un control absoluto de todo y de no lograr esto recurre a las prácticas que sean necesarias. Blanca Portillo ejecuta con rigor a este personaje llevándolo a su terreno y poniéndole al límite.

Coronado figura en la película como una “aparición especial” pero por relevancia y por tiempo en pantalla es mucho más que eso. El actor madrileño realiza un papel cambiante y que gradualmente va a más. Otro gran nombre que aparece en la película es el de Macarena Gómez, haciendo alarde de sus dotes para el drama pero interviniendo más bien poco. Pero también cabe destacar la labor de Antonio Dechent, con su fuerte presencia se convierte en coprotagonista.

Es por todo esto que podemos decir que la película de Mar Targarona juega al despiste y si uno la enfoca como una trama policial, más que como la historia de un secuestro, puede salir satisfecho de la sala de cine. “Secuestro” es una película de policías, de corruptos, de maleantes y de mentirosos. Su atractivo reside en ir viendo quien desempeña realmente todos estos papeles. Salvo algún fallo de raccord, la duración de la película y como se aleja de la trama propuesta, podemos decir que “Secuestro” es una película bien hecha que presenta varias cuestiones y temas muy de actualidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de agosto de 2016. Título original: Secuestro. Duración: 105 min. País: España. Director: Mar Targarona. Guión: Oriol Paulo. Música: Marc Vaillo. Fotografía: Sergi Bartoli. Reparto principal: Blanca Portillo, Marc Domenech, Antonio Dechent, Vicente Romero, José Coronado, José María Pou, Andrés Herrera, Macarena Gómez, Paco Manzanedo. Producción: Rodar y Rodar. Distribución: Sony Pictures. Género: Thriller.

Crítica: ‘Nerve’

 Sinopsis

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Cuando Vee (Emma Roberts) comienza a concursar en Nerve, un juego anónimo de retos que se retransmite on line, descubre que el juego sabe cosas de ella. La tienta con los premios que más desea y la empareja con Ian (Dave Franco), su chico ideal. Al principio todo es genial: los fans de Vee e Ian los animan mientras ellos superan retos más y más arriesgados. Pero todo da un giro inesperado cuando lo que empiezan a jugarse es su propia vida. ¿Hasta dónde será Vee capaz de llegar?

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Crítica

La película “Nerve” tiene dos partes diferenciadas.

Una primera de romance y algo de comedia para ir conociendo a los protagonistas, y sentar las bases de la historia, y una segunda parte que gira hacia el drama y el thriller.

En la película subyace lo peligrosas que se están volviendo las redes sociales actualmente. En el mundo actual, qué apenas nadie sobrevive dos horas sin mirar el móvil, todo el mundo está inscrito en alguna red social o foro, y se conecta a él a diario. Lo que debería ser una forma más de mejorar las relaciones o expandir limites, en realidad nos está convirtiendo en seres más crueles, sin darnos cuenta de que, aun siendo meros lectores o espectadores, nosotros somos responsables en menor medida de que mucha gente hace lo que hace solo por sus cinco minutos de gloria o alcanzar cada vez más seguidores; somos también cómplices, a veces.

Esa podría ser la moraleja del film, qué cuantas más herramientas tenemos para relacionarnos y mejorar, más solitarios y sin sentimientos nos volvemos.

La pareja formada por Emma Roberts y Dave Franco tiene una perfecta química en la pantalla y llena toda la historia, y pese a ser una historia que transcurre en menos de un día, las escenas están secuenciadas de forma muy natural y sin aturullar ni meter prisas.

La banda sonora es muy buena (para mi gusto, claro) y pese a estar ambientada en la época actual, tiene una estética de peli de los años ochenta, incluso os pueden venir flashbacks de alguna de ellas.

Estoy seguro de que la mayoría saldréis impactados o meditabundos de verla y os encantara. Entretiene todo el rato.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de agosto de 2016. Título original: Nerve. Duración: 96 min. País: EE.UU. Director: Henry Joost, Ariel Schulman. Guión: Jessica Sharzer. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Michael Simmonds. Reparto principal: Emma Roberts, Dave Franco, Juliette Lewis. Producción: Lionsgate Films, Allison Shearmur Productions. Distribución: eOne Films. Género: Thriller. Web oficial: http://www.playnerve.com/

Crítica: «Los Visitantes la lían (en la Revolución Francesa)»

Sinopsis

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Atascados en los corredores del tiempo, el conde Godofredo “el Audaz” y su cafre escudero Delcojón “el Bribón” llegan a la Revolución Francesa. A un momento en el que los descendientes de Delcojón (ahora apellidados ”DelCojoné”), confiscan el castillo y todos los bienes de los descendientes del conde, aristócratas que huyen de “Madame La Guillotine”.

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Crítica

Los viajes en el tiempo y las risas vuelven gracias a Delcojón y Godofredo de Miramonte.

Quien no haya visto las anteriores películas, creo que se pierden dos buenas comedias francesas. Esta última sigue el mismo patrón que las anteriores, en la que el pobre Godofredo con su «leal» lacayo, intentan volver a su época para poder casarse de una vez con su amada.

La Revolución francesa tiene atrapado a nuestros curiosos protagonistas, una época en la que todo es demasiado remilgado, pues ellos dos venidos de la gran Edad Media, no ven con buenos ojos que los caballeros de «ahora» lleven medias y pelucas , bueno y qué decir del perfume, todo demasiado extraño para dos hombres que van oliendo a pocilga.

Los Visitantes vuelven con fuerza, las risas están aseguradas con la tercera parte de esta comedia francesa. Si que es cierto que no vais a encontrar nada nuevo, la trama de la película como he dicho se repite con las anteriores, pero lo importante de esta película no es realmente lo que vaya o no a ocurrir, sino más bien sus gags y todas las risas que os vais a echar.

Jean Reno y Christian Clavier, están en su salsa, ya es la tercera vez que repiten personajes y está claro que los iban a clavar. Las puyas que se lanzan el uno contra el otro siguen siendo buenísimas y realmente te hace pensar muchas veces quien es el lacayo de quien. La picaresca Delcojón hace que el resto de personajes enloquezcan. Su mal humor, el ser tan burro y sobre todo su mal olor, dará más de un dolor de cabeza a los nuevos personajes de la historia.

La manera de reírse de ellos mismo es espectacular, y las escenas en las que aparece Marat son graciosísimas, sí que es cierto que llega un punto que la película pierde. Quizá sea porque son casi dos horas de metraje, para mí ese ha sido el punto negativo de la cinta. Pero quitando ese detalle decir que no os vais a arrepentir de ir a verla, os vais a reír y disfrutar y si sois fans de las anteriores no os va a defraudar, repiten actores, director y guionistas, no se puede pedir más.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre. Título original: Les Visiteurs: La Révolution. Duración: 110 min. País: Francia. Director: Jean-Marie Poiré. Guión: Jean-Marie Poiré, Christian Clavier. Música: Eric Levi. Fotografía: Stéphane Le Parc. Reparto principal: Jean Reno, Christian Clavier, Franck Dubosc, Karin Viard, Sylvie Testud, Merie-Anne Chazel, Ary Abittan, Alex Lutz, Fréderique Bel, Lorànt Deutsch, Stéphanie Crayencour, PAscal N’Zonzi. Producción: Gaumont  / Nexus Factory / Oko Productions / Ouille Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género:Comedia. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/580/los-visitantes-la-lian-en-la-revolucion-francesa/

 

Crítica: “Escuadrón Suicida”

 Sinopsis

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Qué bien sienta ser malo… Reúne a un equipo con los más peligrosos y encarcelados Súper Villanos, pon a su disposición el arsenal más poderoso del gobierno, y envíalos a una misión para derrotar a un ente enigmático e invencible. La oficial de inteligencia de EE.UU. Amanda Waller ha creado un grupo secreto que reúne a individuos diversos y despreciables que no tienen nada que perder, y que servirán perfectamente para la misión. Sin embargo, una vez se dan cuenta de que no habían sido escogidos para triunfar, sino por su evidente culpabilidad cuando fracasen de forma inevitable, ¿decidirá el Escuadrón Suicida morir en el intento o será un «sálvense quien pueda»?

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Crítica

Villanos a gogó.

Sí, sale Batman, sale Joker, sale Deadshot y salen muchos otros pero es una película que no respeta el producto en el que está basada. No basta con escoger a personajes “chulos” y sacarles a jugar. Por esa y otras razones, provenientes de fuera del fenómeno fan del cómic, resulta un producto decepcionante. Antes de que califiquen a un servidor como marvelita o como conspirador contra Warner/DC, he de decir que soy de los pocos que han defendido “Batman v Superman” y que aún conserva esperanza por el descabezado plan cinematográfico que hay en marcha para adaptar las publicaciones de DC comics, que puede que mejore si se pone las pilas Geoff Johns, presidente de DC Entertainment. Que Warner no tiene un proyecto sólidamente edificado para desarrollar su universo está más que claro. La construcción de toda su red de películas se está realizando a marchas forzadas, por exigencias de la competencia, y esto la convierte en una arriesgada apuesta que se está quedando en el suficiente.

“Escuadrón Suicida” si respeta la idea original del cómic, la de reunir un grupo de villanos o súper villanos, gente prescindible, y enviarles a una misión de la que probablemente no vuelvan pero sí que resuelvan. Ese es el concepto, pero su traslación al mundo cinematográfico exige facilidad de comprensión hacía los espectadores y una fidelidad hacia los lectores en su desarrollo. El film de David Ayer no cumple ni lo uno ni lo otro.

Ofrece un mero entretenimiento basado en la acción y el deslumbramiento de sus escenas. Muchos tiros, muchos efectos, algo menos de humor y ya está. Pero decepciona porque a priori nos ofrecía algo distinto y no lo llega a explotar. Se pierde el gancho de un cómic que juega con las triquiñuelas, los vínculos entre personajes, las trampas y los cambios de bando de sus protagonistas. No se explica bien la fuente de los enemigos a batir y se pretende que los que ven la película empaticen con unos antihéroes que son totalmente nuevos en la gran pantalla sin ofrecer una buena panorámica de todos ellos. Con todo esto lo que se hace es aturullar y guiar al espectador por el camino erróneo. Conclusión, sobran personajes, por eso la cinta se centra demasiado en algunos y desaprovecha otros. Seguramente no llegue a formar parte de las películas preferidas de mucha gente pero si será recordada como la introducción no solo de un nuevo Joker si no de una nueva remesa de caras que seguro estarán en futuras películas haciendo de las suyas y entonces sí se logre cierta simpatía.

Por ejemplo, Deadshot, Capitán Boomerang o Rick Flag son miembros indispensables y que no podían faltar. Pero Will Smith debería haber demostrado ser el buen actor que muchos le consideramos y no hacer el mismo personaje que tanto ha hecho pero con distinto traje. No tiene la clase ni el carácter del Deadshot original y tampoco la relevancia que sugiere su tiempo en pantalla. Además, está eclipsado por Margot Robbie. Ella sí que acierta en su encarnación de una de las villanas más famosas de la actualidad comiquera, enseñando más carne de la que debería para ser tomada realmente en serio. En algunos momentos resulta caricaturesca, aproximándose a la Harley de la saga de videojuegos Arkham, pero es la pillastre que debe ser.

Y es que el director y guionista ha intentado presentar a los principales miembros del escuadrón con una extensa, arrítmica y tediosa introducción, alargando una cinta que debería haber sido más dinámica en sus inicios para lograr enlazar bien con sus logradas escenas de acción, alcanzando así un tono épico. Con menos intérpretes y un prólogo más condensado habríamos quedado más complacidos.

Hay que hacer una mención especial para Viola Davis (Amanda Waller) que ha ejecutado muy bien a un personaje clave, una mujer de armas tomar como pocas se ven y que podrá tener voz y voto en futuras películas. También me ha gustado el Joker de Jared Leto. Pese a estar por detrás de otros actores que le han encarnado refleja bien la locura del personaje, lástima que el libreto le convierta en un jefe del hampa alejado del líder caótico que acostumbra a ser. Eso sí, recomiendo ver la película en versión original porque el doblaje para el Joker es muy mejorable. Cara Delevingne también ha afrontado la difícil tarea de interpretar a dos personajes en uno resultando ser una gran bruja y una excelente mujer atormentada.

Otra lacra que arrastra la cinta es su batiburrillo musical. Pese a conformar un grupo de buenos temas estos están usados sin buen criterio e introducidos de mala manera. Resulta ser una sobrecarga de escenas videoclipistas. Con esto Ayer, se aleja de la profundidad e intensidad lograda en “Training day” o en “Corazones de acero” y se acerca más a la acción facilona de “Sabotage”. En el campo de la composición cinematográfica hay que admitir que se logra una estética muy acertada, una muestra más de a quién va dirigida realmente la cinta. Usar los trajes y props de la versión inicial del cómic habría sido un error. Además Roman Vasyanov ha estado muy bien con su fotografía.

No podrían faltar los múltiples huevos de pascua, siempre agradecidos. El guiño al Joker de Alex Ross es el más destacable unido al pequeño reconocimiento hacía John Ostrander (autor del cómic) que se puede ver en un edificio.

La primera escena y la escena post créditos están empleadas para incluir a «Escuadrón Suidida» en la continuidad de los nuevos films de DC. Ahí hay que reconocerles un acierto que habría sido imperdonable de haber faltado. Lástima que una película que parte de tan buena materia prima y con la que nos han estado bombardeando tantos meses se haya quedado en entretenida y confusa. Esperemos cambien las cosas, al menos el material publicado sobre las novedades de DC presagia un mañana mejor.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de agosto de 2016. Título original: Suicide Squad. Duración: 123 min. País: EE.UU. Director: David Ayer. Guión: David Ayer. Música: Steven Price. Fotografía: Roman Vasyanov. Reparto principal: Will Smith, Jared Leto, Margot Robbie, Jai Courtney, Joel Kinnaman, Viola Davis, Cara Delevingne, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Adam Beach, Jay Hernandez, Karen Fukuhara, Scott Eastwood, Jim Parrack, Ike Barinholtz, Ben Affleck, Corina Calderon, Alex Meraz, David Harbour. Producción: Warner Bros. Pictures, DC Comics. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, cómic. Web oficial: http://www.suicidesquad.com/

Crítica: “Sharknado: que la 4ª te acompañe”

 Sinopsis

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Sharknado: Que la 4ª te acompañe tendrá lugar cinco años después de que la Costa Este de Estados Unidos fuera devastada en Sharknado 3. Fin, su familia y el universo han estado felizmente libres de sharnados en los años intermedios, pero ahora los tiburones (¡y tornados!) se están multiplicando en los lugares (y formas) más insospechados. Como los sharknados vuelven con más fuerza que nunca, Fin Shepard (Ian Ziering) necesitará la ayuda de algunos nuevos amigos en su incansable lucha para proteger el mundo de la amenaza sharknádica.

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Crítica

Macedonia de tornados para todos.

Bajo la batuta del mismo director de las tres anteriores, Anthony C. Ferrante, y el libreto del mismo guionista, Thunder Levin, vuelve Sharknado. Regresa Fin Shepard, el único hombre capaz de surfear un tornado de tiburones con un coche. Esta vez lo ha hecho acompañado de toda su familia. Vuelve además con su esposa, Tara Reid, tras las votaciones positivas de los fans de la saga. Pero no es el único que tiene esposa, su hijo, interpretado por Cody Linley se ha casado y su pareja lleva un peinado que recuerda a la nueva Tormenta de los X-Men, muy apropiado.

Tras sus títulos de crédito comiqueros he disfrutado, aunque en menor medida que con las anteriores entregas, con los guiños a “Star Wars”, obligatorios ya que se aprovecha el juego de palabras para el título, los tiburones holográficos como el de “Regreso al futuro”, las referencias a “El Mago de Oz” o a “Los vigilantes de la playa”, incluso a “Iron Man”. Como en anteriores ocasiones tenemos gran variedad de cameos, algunos muy difíciles para los no expertos en cultura norteamericana. Aparecen por ejemplo David Faustino (“Atomic Shark”, “Matrimonio con hijos”), Gary Busey (“Arma Letal”), Gilbert Gottfried (“Este chico es un demonio”, Steve Gutenberg (“Lavalantula”, “Loca academia de policía”) o Christine el coche de Stephen King.

Mucha casquería, efectos especiales de poca monta, escenas incoherentes, pésimas interpretaciones… vamos, lo normal en Sharknado. Se mantiene el reparto, se mantienen los chistes recurrentes y se mantiene el esquema. Esta cuarta entrega, pese a ser más floja, contribuirá a perpetuar la huella que está dejando esta saga en la serie B moderna.

Marca la diferencia con el resto de películas le hecho de que la humanidad parece haber encontrado la manera de combatir los Sharknados. Pero en esta ocasión Ferrante nos brinda un despliegue totalmente disparatado de tornados: petronado, tiburoarenanado, fuegonado, electronado, lavando… hasta un vacanado y nuclearnado. Si es que, pese a que podamos progresar tenemos que estar semper paratus.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de agosto de 2016. Título original: Sharknado: The 4th Awakens. Duración: 80 min. País: EE.UU. Director: Anthony C. Ferrante. Guión: Thunder Levin. Música: Christopher Cano, Chris Ridenhour. Fotografía: Laura Beth Love. Reparto principal: Ian Ziering, Tara Reid, Masiela Lusha, Ryan Newman, Cody Linley, David Hasselhoff, Gary Busey, Mindy Robinson, Carrie Keagan, Imani Hakim, Caroline Williams, Tommy Davidson, Cheryl Tiegs, Nicole Chauvet, Duane ‘Dog’ Chapman,T’Keyah Crystal Keymáh, David Faustino, Duane Chapman, Corey Taylor, Stacey Dash, Drew Pinsky, Gena Lee Nolin, Alexandra Paul, Cynthia Bailey, Robert Herjavec, Jay DeMarcus, Lori Greiner, Frank Mir, Vince Neil, Wayne Newton, Todd,Savannah, Grayson Chrisley, Patti Stanger, Kym Johnson. Producción: The Asylum, Syfy. Distribución: SyFy (televisión). Género: serie B, ciencia ficción. Web oficial: http://www.syfy.com/sharknado4

Crítica: “Star Trek: Más allá”

 Sinopsis

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«Star Trek: Más Allá», la esperadísima nueva entrega de la franquicia Star Trek –que ha gozado de enorme popularidad en todo el mundo– creada por Gene Roddenberry y lanzada nuevamente por J.J. Abrams en 2009, vuelve de la mano del director Justin Lin (“Fast and Furious”) contando el épico periplo de la nave U.S.S. Enterprise y su intrépida tripulación. En «Star Trek: Más Allá» la tripulación del Enterprise se dispondrá a explorar los últimos confines del espacio, donde nadie más ha llegado. Una vez allí se enfrentarán a un nuevo y misterioso enemigo que los pondrá a prueba, tanto a ellos como a la Federación y lo que ella representa.

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Crítica

El sabor de la serie en un largo con mucha dedicación y dedicatoria.

Una historia simple, quizá demasiado larga, clásica y con tintes modernos es una descripción que seguramente encaje muy bien con “Star Trek: Más allá”. Volvemos a sentir que este es un relato de exploración espacial, abraza el estilo tradicional de la franquicia. “Más allá” es un Star Trek de libro. Tiene esas soluciones con elementos fútiles que antaño funcionaban. No hay otra manera de describir la presencia de temas de “música clásica” como el Fight The Power de Public Enemy  o el Sabotage de los Beastie Boys.

Y no solo me atrevo a decir esto por los muchos guiños (a películas, a la serie e incluso a algún cómic) que como seguidores de la serie agradeceréis y que no os detallaré para no chafaros la sorpresa. Entre ellos, estaba claro que estaría, el homenaje a Leonard Nimoy que llega incluso a formar parte importante de la historia personal y de la relación entre Spock (Zachary Quinto) y Kirk (Chris Pine). Star Trek sigue centrándose en estos dos personajes y resulta interesante la manera en como muestran que Kirk está hastiado y que Spock está más decidido que nunca a comprometerse con su raza.

Star Trek es experta en perpetuarse, sabemos ahora sí, que hay vida después de Abrams. Justin Lin director insignia de “Fast & Furious 6” ha tenido la oportunidad de manejar un vehículo más rápido que los de su saga de coches. Ha dirigido bien la cinta aunque en algunos momentos se olvida de que tiene tripulación, que Star Trek no es solo un grupo de protagonistas. Para estos últimos ha reservado más minutos, exigencia también del guión. Sobre todo ganan minutos Uhura (Zoe Saldana) y Scotty (Simon Pegg). El personaje de Karl Urban, Bones, ha cedido totalmente al tono cómico de la cinta. Y el de Sulu (John Cho) destaca por la polémica de su homosexualidad, para disgusto de George Takei, actor homosexual que le dio vida en la versión original y que no está muy de acuerdo con esto.

Por supuesto hay mucha acción. Pero Star Trek siempre ha tenido humor y en esta ocasión lo hay a raudales. Es mucho más divertida que sus predecesoras y habrá quien la tache de excesivamente cómica. Simon Pegg, que también ha ejercido como guionista junto a Doug Jung (“Dark blue”), ha sabido entender cómo debe comportarse cada personaje y cuáles debían ser las relaciones entre unos y otros.

Decepción también hay. Porque, ya no que sean los enemigos principales, sino porque apenas se mencione a los klingon tras sacarlos en su anterior película. ¿Consideramos entonces que quieren incluirlos en este universo pero da miedo tocarlos por las comparaciones o por no manchar un clásico? Desde luego el villano de Idris Elba, esto me pesa decirlo por lo que me gusta este actor, está por debajo del de Cumberbatch. Su historia se sostiene a duras penas, está poco trabajada. Pero también hemos de entender que no vamos a estar siempre en compañía de un malo absoluto. Sin embargo el otro personaje nuevo, Jaylah, el de Sofía Boutella (“Kingsman: servicio secreto”) tiene más futuro en la saga. Su personaje es consistente, carismático y útil para futuras entregas en las que seguro se ahondará sobre sus orígenes y raza.

Pese a que la película tiene ese sabor sesentero que puede recordar al modus operandi de la serie, los efectos digitales la dejan por los suelos. En “Star Trek: Más allá” disponemos de multitud de escenas que suponen un espectáculo visual que contribuye a la acción. Por poner unos ejemplos no relevantes: podemos ver enjambres como los que vimos en “El juego de Ender, trajes semejantes a los del videojuego “Dead Space” o una base que recuerda a la Ciudadela del “Mass Effect”. A toda esta grandeza se suma la banda sonora de Michael Giacchino (“Zootrópolis”, “Jurassic World”). Cuando indagué sobre el equipo técnico del film me pareció una elección más que correcta y no creo que haya mucha gente que pueda decir que ha defraudado, pese a que abusa un poco del tema central.

La película tiene algunos fallos que os he descrito, además de algún retoque que haría falta en el guión y que patina con el ritmo, pero “Star Trek: Más allá” es disfrutable y no hace falta ser un trekkie para hacerlo. Una buena película para dedicar a los fans pero sobre todo a Nimoy y a Yelchin.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de agosto de 2016. Título original: Star Trek Beyond. Duración: 120 min. País: EE.UU. Director: Justin Lin. Guión: Simon Pegg, Doug Jung. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Stephen F. Windon. Reparto principal: Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Karl Urban, Simon Pegg, Anton Yelchin,John Cho, Idris Elba, Sofia Boutella, Joseph Gatt, Deep Roy, Lydia Wilson, Joe Taslim, Adam DiMarco, Ashley Edner, Christian Sloan, Jodi Haynes. Producción: Paramount Pictures, Bad Robot, Skydance Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia Ficción, aventuras, humor. Web oficial: http://www.startrekmovie.com/

 Crítica: “El profesor de violín”

Sinopsis

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Sâo Paulo , años 90:

Laertes, un violinista de gran talento, da clases de música a adolescentes de una escuela pública en Heliópolis, un barrio de una zona deprimida de São Paulo, tras ser rechazado en la prestigiosa Orquesta Sinfónica del Estado.

A pesar de las dificultades, el poder transformador de la música y la amistad que surge entre el profesor y sus alumnos les abre las puertas a un nuevo mundo.

Inspirada en la verdadera historia de la orquesta creada por el maestro brasileño Silvio Bacarelli en los años 90, que consiguió estimular la inclusión social y cultural de los jóvenes en la favela más grande de São Paulo, más conocida como HELIÓPOLIS.

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Crítica

Seguro que la copla te suena, pero la historia no la conocías.

En “El profesor de violín” vemos como un violinista con grandes aspiraciones acaba dando clases, resignado, a un grupo de jóvenes conflictivos en una zona humilde de São Paulo. Allí aprenderá de sus alumnos a la vez les ayudará a sobrellevar su infortunada vida. Esta sinopsis personalizada por un servidor podría recordarnos otros títulos de temática educativa como “Mentes Peligrosas” o a fenómenos musicales como “Sister Act”. Y además no solo rememora, si no que tiene muchos paralelismos con esas películas, pero hay que hacer notar dos puntos muy importantes: algo así pasó de verdad, está basada en la historia real de Silvio Bacarelli, y esto ocurre en un país y ambiente muy diferente al de las películas de Hollywood. La historia nos recuerda mucho a la de “El milagro de Candeal” de Carlinhos Brown, que Fernando Trueba nos mostró de un modo diferente. Hay que reconocer que no resulta una narración novedosa, pero no por ello es innecesaria pues nos acerca a algo verídico y nos expone de nuevo una realidad que está por encima de la ficción.

Además de la historia del profesor, el director y guionista de la cinta, Sérgio Machado, nos introduce la de un joven, interpretado por Kaike Jesus Santos, que tiene un duro conflicto con su padre. En un país futbolero y con un claro problema socioeconómico, el padre de dicho chico no quiere dejarle tocar el violín. Esta es otra historia que nos puede recordar a algún éxito de taquilla como “Billy Elliot” pero que va por otros derroteros, que es necesaria para la culminación de este relato y para la que Machado no ha empleado un tiempo excesivo.

Ahora que tanto se habla de Brasil por las olimpiadas y que seguro veremos una imagen de esta república muy distante de la auténtica realidad, no viene mal comprobar que las cosas siguen igual por allí. Y es que, aunque esta película está ambientada en los noventa, tristemente puede servir como toque de atención para un país que aún tiene mucho por hacer para alcanzar el orden y el progreso, y como un grito de amparo dirigido hacia la comunidad internacional. Ya de paso también podemos encontrar otra lectura, la necesidad de profesores no solo cualificados, si no también motivados.

Técnicamente la película es muy correcta. Buenos planos, agudo montaje, buena selección de temas musicales y diálogos bien ideados para lograr conseguir unos protagonistas realistas. Pero esencialmente lo que nos cuenta Machado es una historia sencilla, muy melódica, que acaba por manifestar que el talento se puede encontrar en cualquier parte o persona. La sutileza del violín y la emotividad de la música clásica pueden llegar a tocar la fibra del espectador. Esta es una película con un potente drama y unas escasas notas de humor piadoso.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de agosto de 2016. Título original: Tudo Que Aprendemos Juntos. Duración: 100 min. País: Brasil. Director: Sérgio Machado. Guión: Maria Adelaide Amaral, Marcelo Gomes, Sérgio Machado y Marta Nehring. Inspirado en la obra “Acorda Brasil”, de Antonio Ermírio de Moraes. Música: Alexandre Guerra y Felipe de Souza. Fotografía: Marcelo Durst, ABC. Reparto principal: Lázaro Ramos, Fernanda de Freitas, Sandra Corveloni, Elzio Vieira, Kaique de Jesus. Producción: Gullane Filmes. Distribución: Caramel Films. Género: Drama. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/videos/el_profesor_de_violin

Crítica: «Cazafantasmas»

Sinopsis

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Treinta años después de que la película original arrasara en todo el mundo, vuelve CAZAFANTASMAS, totalmente renovada para las nuevas generaciones. El director Paul Feig combina todos los elementos de la lucha paranormal que tanto gustaron en la franquicia con un reparto de nuevos personajes interpretados por las actrices más divertidas del momento. ¡Prepárate para verlas salvar el mundo este verano!

 

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Crítica

Gran reinicio de la saga. Cazafantasmas nos da risas y entretenimiento desde el principio.

He de admitir que era una de esas personas a las que no les gustó nada la idea de un reboot de Cazafantasmas, y no porque fueran mujeres ni nada por estilo, simplemente porque no veía necesario rehacer algo que ya era bueno. Pero también es cierto que hay que pensar en esas nuevas generaciones, que sí, seguro que ven las antiguas películas y les van a gustar, pero quizá para ellos los efectos especiales les tiren para atrás o simplemente el humor ya no les haga tanta gracia, y todo hay que decirlo, después de ver Cazafantasmas puedo decir que es un buen reinicio y os aseguro que os lo vais a pasar bien.

La película comienza como las dos antiguas, mostrándonos una primera escena con un fantasma. Creo que a todos nos ha pasado que después de ver al ente atacar al guía del museo y escuchar la canción original de la película, hemos dicho, esto empieza bien. Y efectivamente, ha seguido con muy buen ritmo, quizá lo pierda un poco a la mitad, pero enseguida se recupera y no paras de disfrutar la historia.

Melissa McCarthy y Kristen Wiig son las dos principales científicas que siempre han intentado contactar con el mas allá, junto a ellas está una ingeniera interpretada por Kate McKinnon y una empleada del metro que se conoce absolutamente toda la historia de Nueva York, Leslie Jones, las cuales han debutado en su primera película pues están sacadas del programa Saturday Night Live. Pero sí que es cierto que el más me ha sorprendido a sido Chris Hemsworth, no parareis de reír con él, su personaje es un auténtico payaso a la par de encantador.

Si sois de los que visteis la serie de dibujos animados, hay varias escenas y detalles que me han recordado mucho a ella, entre ellas son que no solo utilizan los cañones de protones de sus mochilas como armas, sino que también tienen pistolas y distintas artimañas para atrapar y acabar con los fantasmas. Todas ellas creadas por Jilian Holtzmann (Kate McKinnon) que también me recuerda un poco su peinado y estética al Egon Spengler de aquella serie.

Eso sí, los fantasmas esta vez no aparecen porque sí, no son almas atraídas por un moco rosa o por un espíritu mayor, no, esta vez el factor humano entra en acción y un hombre pisoteado por la sociedad, amargado y totalmente recluido decide vengarse de la humanidad sumergiéndola en un mundo lleno de fantasmas.

Los efectos especiales están bastante bien cuidados, los guiños a las películas viejas aparecen, pero de manera que tampoco aturulla y como he dicho el humor es muy bueno y no hace que te aburras ni un momento.

Eso sí, cuando acabe la película no os marchéis corriendo, aparte de ver una coreografía montada por Chris Hemsworth y la policía de Nueva York, después podréis ver una escena que nos prepara para la segunda parte.

Así que ya sabéis, ¿A quién vais a llamar? Cazafantasmas una de las películas del verano.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de agosto. Título original: Ghostbusters. Duración: 117 min. País: Estados Unidos. Director: Paul Feig. Guión: Katie Dippold, Paul Feig (Personajes de Harold Ramis y Dan Aykroyd). Música: Theodore Shapiro. Fotografía: Robert D. Yeoman. Reparto principal: Melissa McCarthy, Kristen Wiig, Leslie Jones, Kate McKinnon, Cecily Strong, Chris Hemsworth, Andy García, Michael Kenneth Williams, Neil Casey, Matt Walsh, Nate Corddry, Mark Burzenski, Pat Kiernan, Nick Austin, Bill Murray, Ernie Hudson, Sigourney Weaver. Producción: Sony Pictures Entertainment (SPE) / Pascal Pictures. Distribución: Sony Pictures . Género: Fantástico. Web oficial: www.sonypicturesreleasing.es/watch/cazafantasmas

Crítica: “El caso Fischer”

Sinopsis

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En 1972, en plena Guerra Fría, el campeonato mundial de ajedrez cobró proporciones mediáticas y tintes políticos sin precedentes. El enfrentamiento en Reikiavik entre el mítico jugador norteamericano Bobby Fischer y el campeón soviético Boris Spassky fue más allá de la pura competición, calificándose como la “Partida del Siglo”.

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Crítica

La película de un figura que sirvió de peón.

“El caso Fischer” nos habla de la magnitud y relevancia que de repente cobró el ajedrez para un país como Estados Unidos que lo tenía menospreciado. Esto surge al mostrarse la posibilidad de poder utilizarlo como una herramienta desmoralizadora contra los soviéticos. El artífice destinado a tal proeza era Bobby Fischer (Tobey Maguire), un portento en ese juego, pero todo un caso de persona (puede que de ahí el cambio del título original).

Moralmente hablando, la película coloca a Fischer como uno de los mejores peones de la historia de la guerra fría. Es una ironía que manejasen al mejor jugador norteamericano de ajedrez de la época como a un peón. Teniendo en cuenta que fue una guerra muy semejante a una partida de ajedrez, con mucha estrategia, faroles, tensión y resolución; podríamos decir que Edward Zwick nos quiere mostrar a Fischer como uno de los peones decisivos. Está claro que nos presenta un doble sentido, unas similitudes entre el enfrentamiento político y el juego de piezas. Para ello nos entremezcla tramas políticas, alucinaciones y matchs, creando así una ambientación más que conveniente. Aunque hay que decir que el film no está al nivel de otras filmaciones suyas tales como “El último samurái” o “Diamante de sangre”.

Si solo se tratase de una película de partidas de ajedrez el aburrimiento habría sido máximo. Está claro que ya sea por moda o por obsolescencia, este juego de tablero no es nada popular hoy en día. Pero la película cuenta con el componente de la guerra fría y los problemas mentales del personaje de Maguire. Si hablamos de espionaje, cerebros prodigiosos, paranoia… se nos puede venir a la cabeza “Una mente maravillosa”, pero para nada. O incluso si describimos también las peculiaridades, exigencias o extravagancias de Robert James Fischer podemos pensar en un Sheldon Cooper a la antigua, y también debemos quitarnos de la cabeza esa idea. El trabajo de Tobey Maguire tiene elementos comunes con lo citado, pero se ha salido de los estereotipos o de lo prefijado para hacer suyo este personaje basado en hechos reales y realizar una actuación ejemplar. Eso sí, su peculiar manera de andar no hay dios que se la quite.

Le acompañan en el reparto diversos actores dignos de admiración, pero sobretodo merece la pena mencionar a Liev Schreiber (“Spotlight”) y a Peter Sarsgaard (“Black Mass: estrictamente criminal”). El primero interpreta a un Spassky con un parecido físico más logrado, tremendamente soviético, con un carácter frío y calculador, desbordado por la soberbia y por la presión de ser utilizado también como un peón. El segundo a un sacerdote (Bill Lombardy) que sirve de pilar de carga tanto para Maguire como para su personaje.

Tal vez la ya mencionada poca popularidad del ajedrez entre la juventud actual y el hartazgo del público por ver películas en las que se enfrentan EE.UU. contra la Unión Soviética pueda jugar en contra de sus resultados en taquilla. Pero sin duda esta película ya forma parte de las buenas biografías de personajes ilustres norteamericanos.

La elite del ajedrez está destinada a los estrategas, inteligentes y calmados. Estas no son condiciones indispensables para ver “El caso Fischer”, pero si hay que armarse de un poco de paciencia y fortaleza mental para poder apreciar todas las jugadas que nos ofrece.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de agosto de 2016. Título original: Pawn Sacrifice. Duración: 114 min. País: EE.UU. Director: Edward Zwick. Guión: Steven Knight. Música: James Newton Howard. Fotografía: Bradford Young. Reparto principal: Tobey Maguire, Michael Stuhlbarg, Peter Sarsgaard, Liev Schreiber, Lily Rabe,Conrad Pla, Seamus Davey-Fitzpatrick, Sophie Nélisse, Robin Weigert, Evelyne Brochu, John Maclaren, Andreas Apergis, Ilia Volok, Alexandre Gorchkov, Aiden Lovekamp. Producción: Gail Katz Productions, Material Pictures, MICA Entertainment, PalmStar Entertainment, Saga Film. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Thriller. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/579/el-caso-fischer/

Crítica: “Jason Bourne”

Sinopsis

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Matt Damon regresa a su papel más icónico en JASON BOURNE. Paul Greengrass, el director de El mito de Bourne y El ultimátum de Bourne, vuelve a colaborar con Matt Damon en este nuevo capítulo de la franquicia Bourne, de Universal Pictures, en la que el agente más letal de la CIA se ve obligado a salir de entre las sombras.

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Crítica

Un intento por rescatar la memoria de Bourne.

Catorce años después de “El caso Bourne” vuelve la franquicia del espía que supo salirse de los cánones establecidos. Pero desafortunadamente parece que es ahora la saga Borne la que se encuentra estancada. No nos confundamos, “Jason Bourne” es una buena película, pero como episodio de una franquicia no satisface.

Tiene el mismo actor y mismo director de su segunda y tercera parte, es decir Paul Greengrass y Matt Damon, y sigue también el mismo patrón. Jason Bourne está desaparecido y se presenta un detonante que le hace volver dispuesto a arrasar con todo. De nuevo volvemos a oír eso de “¡es Jason Bourne!”. Se han sacado de la chistera una historia sobre el pasado de Bourne que, por supuesto no recuerda para variar, y un nuevo villano interpretado por Tommy Lee Jones. Ya no cuela que haya tanto gerifalte de la CIA que haya mangoneado la vida de Jason Bourne. Además, sucede también lo del personaje de Vincen Cassel que guarda una demasiado casual relación con Bourne y su pasado. Podemos decir, eso sí, que estos dos actores están bien en su papel y que es la película que más intenta abordar el pasado personal del personaje de Matt Damon. Sí que es cierto que la gran revelación que descubre el personaje puede suponer un cambio en su modo de vida, pero esto podremos verlo desarrollado en una posible próxima entrega, ya que no se ha explotado en esta.

Tras el inmutable rostro de Jeremy Renner, Matt Damon retoma a uno de sus personajes más icónicos. En esta ocasión un personaje más dubitativo y desgastado que parece que nos va a dar una sorpresa final, pero se queda con lo de siempre. Matt Damon maneja bien este registro, pero el libreto no le permite llevarlo más allá. También vemos a una Alicia Vikander más fría de lo habitual, si tenemos que elegir un papel próximo al que realiza aquí deberíamos elegir el de Ava en “Ex machina” ya que su personaje es casi igual de flemático y tecnócrata.

En esta ocasión se citan más casos reales (como el de Snowden) y la cinta parece casi saltarse “El legado de Bourne”, salvo vagas referencias. La ambientación, al igual que en las otras películas de Greengrass, está lograda. El director, también guionista en esta ocasión, nos introduce en un mundo de espionaje y control de la información muy bien recreado. Incluso la revuelta Grecia, rodada en Tenerife, resulta convincente. Se nos ofrece una persecución de coches tan espectacular como excesiva. Lo mismo se puede decir del poder que tiene la CIA, mucho más que antes, la peor pesadilla para George Orwell. Es decir, muchos fuegos de artificio para tapar un guión menos sesudo que el de la trilogía original. Se hace patente la ausencia de Tony Gilroy (“Pactar con el diablo”).

Pese a todo lo anterior se ha introducido una historia derivada, un dolor más de muelas para la Agencia, cuyo peso recae sobre los hombros de Riz Ahmed (“Nightcrawler”). Esta historia puede servir como complemento o como distracción de la trama central, como os la queráis tomar, pero resulta bastante más interesante y supone una de las pocas novedades de la franquicia.

Una película no apta para conspiranoicos. Es buena como película, pero floja como entrega de una saga que pide a gritos evolucionar y sorprender.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de julio de 2016. Título original: Jason Bourne. Duración: 123 min. País: EE.UU. Director: Paul Greengrass. Guión: Paul Greengrass, Christopher Rouse. Música: David Buckley, John Powell. Fotografía: Barry Ackroyd. Reparto principal: Matt Damon, Alicia Vikander, Julia Stiles, Tommy Lee Jones, Vincent Cassel, Ato Essandoh, Riz Ahmed, Scott Shepherd, Bill Camp, Vinzenz Kiefer, Stephen Kunken, Ben Stylianou, Kaya Yuzuki, Matthew O’Neill, Lizzie Phillips, Paris Stangl. Producción: Universal Pictures, The Kennedy/Marshall Company, Captivate Entertainment. Distribución: Univsersal Pictures. Género: acción, thriller. Web oficial: http://www.jasonbourne.es/

Crítica: «Malas Madres»

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Como la mayoría de las madres modernas, Amy cuida de todos menos de sí misma. Su vida es perfecta: un matrimonio feliz, hijos de sobresaliente, una casa preciosa y un pelo perfecto los 365 días del año. Colabora en todas las actividades de la escuela y asiste a cada reunión de padres y madres de alumnos, todo mientras mantiene su carrera profesional. Y además hace que todo parezca fácil.

Pero todo esto es solo apariencia y Amy está a punto de estallar: sobrecargada de trabajo y de compromisos y demasiado cansada para aguantar una sola petición más, arrastra a otras dos madres superadas a un atracón de locura, libertad, diversión y comprensión.

Pero accidentalmente se cruzan con la líder de la asociación de padres y madres, una devota del ideal de “madre perfecta”.

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Un desmadre en toda regla.

Esa sensación de tener que ser perfectos, de que nuestros hijos sean perfectos, de que nuestras vidas tengan que ser los mejores por miedo  las críticas, estas sensaciones son las que terminan por hacer que Amy, la protagonista de la película termine de los nervios.

Marido «perfecto», vida «perfecta», hijos «perfectos», en su trabajo es la mejor y sobre todo nunca se despeina, todo para estar perfecta las 24 horas del día, pero un mal día hace que todo cambie, Amy explota y decide tomarse la vida de otra manera.

Supongo que esto es lo que muchas madres al ver la película se darán cuenta, de que también hay tiempo de relajarse y vivir. «Malas Madres» es la vida de cualquier persona con hijos, lleva a los niños de aquí para allá, ve a las reuniones de padres, haz las cosas de casa, hasta que no tienes vida y tampoco dejas tenerla.

Además de dejarnos un pequeño mensaje, la película es divertida. Esa guerra de madres perfectas contra las malas madres, las triquiñuelas que usan para pisarse las unas a las otras, nos darán varias escenas muy graciosas. El papel de Mila Kunis como madre desesperada y de Christina Applegate como madre perfecta, chocan todo el rato para mostrarnos que luego en el fondo ambas tienen demasiado en común.

Los secundarios también están estupendo, nombrando especialmente a Kathryn Hahn, con un papel muy excesivo, pero que hará que nuestra protagonista Amy abra los ojos y aprenda a vivir y bueno, también a desmadrarse demasiado.

Después del final de la película no os perdáis las escenas que nos han preparado con las actrices y sus madres, las curiosidades que cuentan y las pequeñas anécdotas son divertidísimas.

Malas Madres es una película para entrar en el cine y divertirte, aprender que no todo es ser perfecto y disfrutar de una comedia dedicada a esas madres desesperadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de julio de 2016. Título original: Bad Moms. Duración: 91 min. País: EE.UU. Director: Jon Lucas, Scott Moore. Guión:  Jon Lucas, Scott Moore. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Jim Denault. Reparto principal: Mila Kunis, Kristen Bell, Kathryn Hahn, Annie Mumolo, Jada Pinkett Smith, Christina Applegate, Eugenia Kuzmina, Emjay Anthony, Christina DeRosa, Jay Jablonski,Billy Slaughter, Mike R. Moreau, Hawn Tran. Producción: Block Entertainment, Merced Media Partners, PalmStar Media, STX Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: Comedia. Web oficial: http://diamondfilms.es/project/malas-madres/

Crítica: “El verano de May”

 Sinopsis

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EL VERANO DE MAY sigue a May Brennan, una sofisticada neoyorquina que vuelve al hogar de su infancia en Amman, Jordania, con motivo de su boda. Poco después de reunirse con sus hermanas y sus padres divorciados, los innumerables conflictos familiares y culturales llevan a May a cuestionarse el gran paso que está a punto de dar.

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Crítica

Según empieza el verano de May y se inicia la primera parte de la película, uno piensa que trata sobre el conflicto entre musulmanes y cristianos y por la zona donde se desarrolla, también con el pueblo palestino, pero vamos descubriendo poco a poco su verdadero leit motiv, una oda a las difíciles a veces, relaciones entre padres, hijos y hermanos.

Es una especie de Mujercitas al estilo oriente medio mezclando un poco de Kramer contra Kramer.

Todo en la película es conflicto para May… entre sus padres, con sus hermanas laboralmente hablando, entre sus creencias y las de su madre… y vamos viendo una evolución de ese conflicto a una búsqueda de la paz. Como ya he dicho, los tópicos de religión y regionales van surgiendo en la película, pero más como un relleno o una obligatoriedad de aparición que por darle algún sentido a la película.

Es una película dedicada a los sentimientos de de todo tipo, y solo a ellos se debe.

Está dividida en fragmentos, tipo película de Tarantino, cada uno correspondiente a un refrán árabe jugando con la profesión de la protagonista, y todo lleva a un final muy lógico, sin escenas sobrantes o aturulladas como suele suceder a veces.

Es una sorpresa encontrarse a Bill Pullman como padre diplomático de May después de verle hace poco enfrentándose de nuevo a alienígenas y los más seriófilos también disfrutaran reconociendo la identidad del prometido de May.

En definitiva es una película muy placentera de ver.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de agosto de 2016. Título original: May in the summer. Duración: 99 min. País: EE.UU. Director: Cherien Dabis. Guión: Cherien Dabis. Música: Fred Avril. Fotografía: Brian Rigney Hubbard. Reparto principal: Cherien Dabis, Hiam Abbass, Bill Pullman, Alia Shawkat, Nadine Malouf, Alexander Siddig, James Garson Chick, Alaadin Khasawneh, Elie Mitri, Ritu Singh Pande,Nasri Sayegh, Laith Soudani. Producción: Displaced Pictures, Durga Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.elveranodemay.es/

Crítica: «Mascotas»

 Sinopsis

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En su quinta colaboración para una película de animación, Illumination Entertainment y Universal Pictures presentan MASCOTAS, una comedia acerca de lo que hacen nuestras mascotas cuando cerramos la puerta de casa para afrontar nuestra rutina diaria.

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Crítica

Una locura a medias.

Aquellos que convivimos con perros, gatos, conejos, cobayas… nos podemos sentir identificados, o cuanto menos compartiremos más de una anécdota con los protagonistas de “Mascotas”. Esta es una película que medio explota la idea de mostrar un supuesto comportamiento peculiar en los animales de compañía cuando se encuentran solos en nuestros domicilios. Y digo medio explota porque gran parte de la película acaba siendo convertida en una aventura urbana y no hogareña como podría parecer o como nos la venden. La película pierde el hilo su premisa para aventurarse a narrar una hazaña por la ciudad que nunca duerme, de hecho, la primera secuencia nos muestra un Nueva York muy entregada a los animales. Me habría resultado mucho más atractivo y original (salvando el paralelismo con “Toy Story”) si el film hubiese estado más enfocado a aprovechar o desarrollar más ideas entorno a la morada donde viven los protagonistas. Con todo esto quiero decir que, “Mascotas” explora una propuesta pero a mitad de la expedición pierde su rumbo.

No obstante, el film puede resultar divertido por lo disparatado e hilarante que puede llegar a ser. Muestra de ello es la escena al son de “We go together” (de “Grease”) en una fábrica de salchichas, una pérdida de cordura total, en el buen sentido. Posee un protagonista carismático, simpaticón, con muchos amigos y cuya atención está puesta siempre en él, muy estándar. El que destaca más es Snowball (Pompón) un singular conejo trastornado e impulsivo que bien podría hacerle frente al homicida Conejo de Caerbannog, que tantos problemas les dio a los Caballeros de la Mesa Cuadrada. Le dobla Kevin Hart en su versión original, muy adecuado para el estilo del personaje.

Los directores, Yarrow Cheney y Chris Renaud han sido inteligentes al ser conscientes de la corriente que guía en los últimos años al cine de animación introduciendo algo de humor para adultos, en algunas ocasiones rozando un tono casi negro. Pero que no se preocupen los padres que lean esto, que no tiene nada que ver con ficciones como “Happy Tree Friends”.

La animación no humaniza físicamente a los animales, pero si se les dota de un comportamiento digno de sus dueños, con sus sentimientos, problemas e inquietudes. Esto no es nuevo, al igual que la animación empleada, pero si es necesario para poder contar la historia. Además, se introducen las moralejas y mensajes que a todos nos gusta que lleguen a nuestros pequeños, como que es indiferente como sean las personas para tener un tipo u otro de mascotas o que estos animales no son nuestra posesión sino más bien un compañero más con el que convivimos.

Se aprecian guiños que tienen que ver con películas como “Jurassic Park”, “Los pájaros” o, en gran medida, con “Minions” e incluso con el simpático corto de los Minions, que se titula “Mowe Minions” y que nos proyectaron antes de “Mascotas”. Se puede hasta ver el cartel de “¡Canta!” película que aún no ha estrenado Universal (tiene prevista su llegada el 23 de diciembre). Desde luego se ha puesto mucho esmero en esta película por conservar el universo que gira entorno a las películas del estudio.

En conclusión. “Mascotas” no es una película desternillante ni sobresaliente, pero si lo suficientemente disparatada y sentimental como para deleitar a buena parte de la sala.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de agosto de 2016. Título original: The secret life of pets. Duración: 90 min. País: EE.UU. Director: Chris Renaud, Yarrow Cheney. Guión: Cinco Paul, Ken Daurio, Brian Lynch. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Animación. Reparto principal (doblaje): Louis C.K., Eric Stonestreet, Kevin Hart, Jenny Slate, Ellie Kemper, Lake Bell, Dana Carvey, Hannibal Buress, Bobby Moynihan, Steve Coogan, Albert Brooks. Producción: Universal Pictures, Illumination Studios, Illumination Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, animación. Web oficial: thesecretlifeofpets.com

Crítica: “Miles Ahead”

Sinopsis

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En la cima de una brillante y prolífica carrera a la cabeza de la vanguardia y modernidad de la innovación del jazz más actual, Miles Davis (Cheadle) desaparece repentinamente del ojo público durante cinco años a finales de la década de los 70. Solo, atrincherado en su casa, plagado por el dolor crónico producido por el deterioro de su cadera, con la voz mermada y entumecida por las drogas y los analgésicos, vive atormentado por los fantasmas de su pasado.

Es entonces cuando un avispado reportero musical, Dave Braden (Ewan McGregor) allana la morada de Davis, y en el transcurso de un par de días, los dos hombres emprenden involuntariamente una aventura intensa, y en ocasiones angustiosa, para intentar recuperar una cinta sustraída que contenía la grabación de las últimas composiciones musicales del artista. Los recuerdos de su matrimonio fallido con la talentosa y hermosa bailarina Frances Taylor (Emayatzy Corinealdi) alimentan el cambiante comportamiento de Davis. Durante su romance y posterior matrimonio, Frances fue su musa. Fue durante este periodo que el artista lanzó algunas de sus grabaciones más insignes tales como las innovadoras “Sketches of Spain” y “Someday My Prince Will Come”.

Pero el idilio no duró. El matrimonio de ocho años estuvo marcado por infidelidades y abusos, y Frances se vio obligada a huir para salvaguardar su integridad, dado el deterioro de la salud mental y física de Miles.

A finales de los 70, plagado por años de remordimientos y pérdidas, Davis flirtea con la autodestrucción hasta que una vez más halla su salvación en su arte.

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Crítica

Cheadle conoce bien el jazz que emanaba de los pulmones de Miles Davis.

Está muy claro que Don Cheadle nos tiene a todos ganados con sus divertidos papeles como Máquina de Guerra o Capitán Planeta. Pero sin duda su faceta dramática (“Crash”, “Hotel Rwanda”) es la que le hace ganar más seguidores. “Miles Ahead” se une a este segundo grupo de películas que además sorprende por el excelente trabajo de dirección y guión que ha realizado el actor de Kansas, sobre todo teniendo en cuenta que es la primera vez que dirige y escribe un largo. ¡¿Por qué no has hecho esto antes Don?!

La película está rodada manifestando audacia, salvajismo, maestría e incluso elegancia. Como reza el mismo Miles Davis (Don Cheadle) en la película “si quieres contar una historia, hazlo con la actitud correcta”. Y así lo hace Cheadle apoyándose en este aspecto en Steven Baigelman (“I Feel Good: La historia de James Brown”) para escribir el guión y en el acertado montaje de John Axelrad (“Krampus”) y Kayla M. Emter (“Una madre imperfecta”).

El jazz fue tabla de salvación en la improvisada musical y sentimental vida de Miles Davis. Cheadle le considera tanto a él como a su obra inmortal como pone de manifiesto al negarse a mostrar la fecha de su muerte. Por lo tanto, este es el trabajo de un admirador que capta la espontaneidad, la inspiración, las carencias del músico… rodeándole del humo del tabaco, las drogas, los moscones de la industria discográfica, el amor maltratado… El parecido y la caracterización son lo de menos. Lo que nos trae de vuelta a Davis es la interpretación y la voz que nos brinda Don Cheadle. No solo se ha trabajado el degradado sonido de las cuerdas vocales del artista, sino que también sus gestos y, sobre todo, su manera de tocar la trompeta.

Observamos como el genio de Illinois encuentra la inspiración en distintos momentos de su vida. Probablemente sea por eso que no se ha concebido esta película como un biopic al uso, más bien como una evidencia de la transgresión y transformación constante de la música de Davis. Como no podría ser de otra manera “Miles Ahead” brinda una larga lista de temas como “So What”, “Duran”, “Teo” o “Solea”. Era imprescindible que la discografía del trompetista estuviese omnipresente. Es por eso que engancha hasta los mismos créditos donde nos despiden con un “meta concierto” con músicos de la talla de Wayne Shorter o Herbie Hancock.

El metraje nos lleva adelante y atrás en el tiempo. Al pasado y presente (años setenta) del artista. En esta etapa de Davis sirven de hilo conductor su relación con la bailarina Frances Taylor (Emayaty Corinealdi), la entrevista con David Braden (Ewan McGregor), el día que se conocieron y el robo de su última grabación. Se hace casi cómico ver a McGregor y Cheadle convertidos en compañeros de correrías y resulta penetrante la relación de pareja que nos muestra con Corinealdi. Aunque aquí salga en contadas escenas, no puedo dejar pasar la ocasión para poner de manifiesto mi creciente admiración por Michael Stuhlbarg (“Trumbo”, “Steve Jobs”, “El caso Fisher”, “Men in Black 3”).

En lo que va de año no he podido decir que haya visto películas dignas de estar en los Oscar. Por fin puedo decir con rotundidad que hay una, “Miles Ahead” podría recibir varias nominaciones. Puede que no fuese una clara candidata a ganarlos pero desde luego yo la metería en mis quinielas para que se uniese a la nominación que ya tuvo Cheadle por “Hotel Rwanda”. Sería curioso que se llevase el Oscar que una vez perdió contra un actor que también hacía de músico, Jaime Foxx por “Ray”.

El film maneja los contrastes que ofrece el jazz entre las melodías suaves y los tonos salvajes transportándonos a la gran pantalla. No recurre un gran número de actores ni a monumentales localizaciones, es una cinta muy bebop. Uno de los mejores músicos de la historia del jazz se merece una película como esta realizada con alma y con pasión.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de julio de 2016. Título original: Miles Ahead. Duración: 100 min. País: Director: Don Cheadle. Guión: Steven Baigelman, Don Cheadle. Música: Herbie Hancock. Fotografía: Roberto Schaefer. Reparto principal: Don Cheadle, Ewan McGregor, Emayatzy Corinealdi, Lakeith Lee Stanfield, Michael Stuhlbarg. Producción: Bifrost Pictures, Crescendo Productions, Naked City Films. Distribución: Sony Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://www.milesdavis.com/miles-ahead/

Crítica: “Election: La noche de las bestias”

Sinopsis

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Hace dos años que Leo Barnes (Frank Grillo) decidió no cometer un lamentable acto de venganza en “La Noche de las Bestias”. Ahora es el jefe de seguridad de la senadora Charlie Roan (Elizabeth Mitchell) y debe protegerla durante la campaña presidencial, además de sobrevivir el ritual anual en el que pobres e inocentes se convierten en blancos. Pero una traición inesperada les deja en las calles de Washington D.C. durante la única noche en la que nadie puede ayudarlos. Deben sobrevivir hasta el amanecer… o ser sacrificados por el bien del Estado.

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Crítica

Adiós al dilema moral, hola a la distopía política.

La saga de la Purga surgió con una idea muy original que tras dos películas es muy difícil de seguir explotando. En “Election: La noche de las bestias” se exploran nuevas vías y se profundiza más en la situación política que viviría el desfigurado Estados Unidos que nos muestra DeMonaco. Esta tercera parte puede estar justificada ya que ahonda más en el tema de los Padres Fundadores y plantea otros problemas que pueden encontrarse ciudadanos de a pie. Si en las otras entregas predominaban los perfiles de los personajes purgadores o los que intentaban sobrevivir a esa noche, en esta ocasión encontramos otras facciones y otro punto de vista ante esta macabra tradición.

La saga ha progresado de un modo coherente dentro de la locura que plantea. Aparecen ideas originales (afectando a las altas esferas políticas o al turismo) y la historia evoluciona en algo que le habría encantado a Charlton Heston y su Asociación Nacional del Rifle. El problema es que las anteriores entregas, con sus situaciones y personajes, podían hasta plantear un reto ético para el espectador, además de suponer un novedoso thriller. Pero en este caso ya tenemos muy claro quiénes son buenos y malos, no hay margen para las dudas. Se pierde ese toque que despierta el dilema moral, el morbo y la curiosidad de las personas por ver la maldad y la rabia que puede haber encerrada en los seres humanos. Es menos detallista, definitivamente se pierden pinceladas como el “Safe Night” que se decían unos a otros en la primera.

Esa evolución lógica se ve reflejada en el personaje de Edwin Hodge, el único presente en las tres películas, que comenzó como un vagabundo en “La Purga: La noche de las bestias” y ha pasado a personificar la razón de ser de “Election: La noche de las bestias”. Ese estandarte también se ve materializado con la imagen de Elizabeth Mitchell, que si bien parece más preocupada por colocarse las gafas (he perdido la cuenta por seis), realiza una buena pareja con Grillo, pero no convence como senadora. Frank Grillo repite también tras su trabajo en la segunda parte y deja más que claro que sirve como protagonista y duro del cine. Existen otros personajes secundarios muy correctos que mejoran el casting de la segunda entrega, no de la primera, pero actores como Brittany Mirabile o Kyle Secor rozan lo ridículo.

En líneas generales la nueva película de Universal ofrece lo mismo que las anteriores: muertes, humor negro, lucha de clases, mucho postureo con las máscaras, ciudadanos con complejo de psicokillers jugando con sus víctimas en vez de matarlas yendo al grano… y acción, una pizca más de acción.

James DeMonaco ya se desligó en la segunda parte de Ethan Hawke con quien ha trabajado en varias películas (“La purga: La noche de las bestias”, “Asalto al distrito 13”, “Staten Island”) y tras ello ha logrado lo que muchos directores querrían, dirigir y escribir su propia trilogía. Si, he dicho bien, trilogía. Porque pese a que esta película juega con un efecto cliffhanger en su último compás, podríamos decir que no da para más de sí en el caso de plantearse futuras entregas. Aunque en la producción está Michael Bay y con él nunca se sabe. Eso sí, de materializarse una cuarta, puedo pronosticar que no habrá segundas elecciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de julio de 2016. Título original: The purge: Election year. Duración: 109 min. País: EE.UU. Director: James DeMonaco. Guión:  James DeMonaco. Música: Nathan Whitehead. Fotografía: Jacques Jouffret. Reparto principal: Elizabeth Mitchell, Frank Grillo, Mykelti Williamson, Edwin Hodge, Joseph Julian Soria, Kyle Secor, Betty Gabriel. Producción: Blumhouse Productions, Platinum Dunes, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: Thriller. Web oficial: http://www.election-lanochedelasbestias.es/