Crítica: ‘Cartas de guerra’

Sinopsis

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1971. La vida de António Lobo Antunes se ve brutalmente interrumpida cuando el ejército portugués le recluta para ejercer como médico en una de las peores zonas de la guerra colonial, el Este de Angola. Alejado de todo lo que ama, escribe numerosas cartas a su joven esposa envuelto en un ambiente cada vez más violento.

A medida que le cambian de destino, se enamora de África y madura políticamente. A su lado, toda una generación lucha contra la desesperación y se pregunta si regresará a casa algún día. En un decorado bélico tan incierto, las cartas se convierten en su único vínculo con la supervivencia.

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Crítica

Una maravilla visual.

Dirigida por Ivo. Ferreira y basada en el libro del mismo nombre de António Lobo Antunes. ‘Cartas de guerra’ nos trae el día a día de unos soldados portugueses en la guerra de Ángola, todo contado por las cartas que António manda a su amada.

Joao Riberio hace un trabajo espectacular con la fotografía, la película visualmente es preciosa.  Rodada en blanco y negro vemos los desastres de la guerra, no solo los heridos o muertos, sino el desgaste físico y mental de los soldados, de como el estar alejados de sus familiares y amigos les hace más mella que cualquier herida de bala.

La película es interesante, pero bastante lenta. La manera de contar la historia, a través de las palabras de Antonio ya se hizo en ‘Cartas desde Iwo Jima’ y es una de las causas por las que la película es tan monotona. En mi opinión, que la que lea las cartas sea la mujer del protagonista le quita emoción a sus palabras, personalidad y pierdes un poco el ritmo de la guerra. Realmente tiene su lógica, pues ella es quien las recibe, pero lo dicho las cartas quedan sin alma, sin el sufrimiento, sin el dolor o amor que realmente desprende la historia.

Estupendamente ambientada, la cinta nos hace adentrarnos en aquella época, la música, las ropas, todo escogido al más mínimo detalle, para que vivamos lo mismo que ellos.

Miguel Nunes está estupendo en su papel como el doctor atormentado por no poder ver a su mujer e hija recién nacida. Vas viendo su declive físico y mental a lo largo de toda la cinta.

‘Cartas de guerra’ es una historia conmovedora con unas imágenes increíbles que se os quedarán grabadas en la retina. 

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de junio. Título original: Cartas da guerra. Duración: 105 min País: Portugal. Director: Ivo M. Ferreira. Guión: Ivo M. Ferreira, Edgar Medina. Música: Ricardo Leal. Fotografía: Joao Ribeiro. Reparto principal: Miguel Nunes, Margarida Vila-Nova, Ricardo Pereira, Joao Pedro Vaz, Simao Cayatte. Producción: Shortcuts International. Distribución: Golem Distribución. Género: Drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=400

Crítica: ‘Una policía en apuros’

Sinopsis

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Johanna Pasquali no es la típica agente de policía. Es olvidadiza, distraída y torpe. Desde un punto de vista estrictamente profesional es agradable… y un cero a la izquierda. Aunque destaca por su buena puntería, su habilidad para el combate cuerpo a cuerpo y su intuición policial, su torpeza la ha convertido en una amenaza tanto para los criminales como para sus compañeros de trabajo y los ciudadanos en general. Relegada a misiones tan peligrosas como poner multas de tráfico e investigar pequeños hurtos en tiendas, dedica cada minuto de su tiempo libre a hacer realidad su sueño: ser la primera mujer en entrar en el R.A.I.D., la unidad de élite de la policía francesa.

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Crítica

No pasará a la élite de las comedias francesas.

Una nueva comedia francesa se presenta en nuestras carteleras. Llega interpretada, dirigida, escrita y producida por Dany Boon. Un conocido humorista francés al que hemos podido ver en España en películas como ‘Aterix & Obelix: Al servicio de su majestad’ o ‘Bienvenidos al norte’. Precisamente esta segunda obra es quizá la mejor de toda su filmografía. Y si ponemos en la balanza la película del 2008 y esta que nos ocupa hoy se inclina con mucho desnivel hacia su pasado éxito. Tal vez su fama en su país le haya dado la vida a este largometraje, pero ese efecto llamada no se producirá en España y el boca a boca le hará poco favor dado el resultado final.

Pero no es Boon el gran protagonista de la cinta, por mucho que esté omnipresente. Quien recorre la senda del argumento principal es Alice Pol. La dicharachera actriz francesa saca a relucir su lado más tontorrón para interpretar a una motivada, disciplinada y torpe policía. Ambos demuestran buena química entre ellos y sin duda tienen una relación consolidada pues ya han trabajado juntos antes (‘Supercondríaco’, ‘Llévame a la Luna’). Pero no basta con llevarse bien o formar un sólido duo humorístico, no al menos en este caso. La vis cómica de Pol es patente pero muy cargante. Su estilo en exceso payasil resulta más adecuado para un público infantil que para uno adulto e incluso adolescente. Su personaje posee mucha energía y ganas de hacer su trabajo, mucho más que las que tienen sus compañeros. En ese sentido me ha recordado mucho a ‘Miss Agente Especial’ y eso no puede ser bueno.

Momentos hilarantes tiene pocos. Y las buenas escenas que logran hacerte reir a posteriori quedan sometidas a las gracias bobaliconas y el humor físico. Un símil que se me viene a la cabeza es Mr. Bean. El humor es muy semejante, solo que en el caso de esta película se ve que no han sabido cuando parar con el chiste. Si sumamos esto a que la trama está harto estereotipada y es demasiado estándar obtenemos una película muy pesada y con un final predecible desde el primer acto. Ni que decir tiene que ese final resulta un sinsentido, pero dada la cantidad de absurdeces que se van acumulando ya nos da igual.

Está muy bien y es de mucha actualidad que se busque un personaje femenino que rete al estereotipo de mujer débil que depende de su marido. Incluso se la incluye de manera desafiante en un grupo de hombres sometidos a una tradición machista. Pero hacerlo con un personaje tan ridículo le resta fuerza a ese argumento. Hubiera sido más efectivo si se hubiese explotado más la historia del gafe (que comprenderéis si la veis). También es muy actual, a la par que atrevido, rodar con la sutileza de la comedia francesa una serie de misiones contra enemigos islamistas. Pero lo que se busca con este filme es ver una bufonada solvente, sin trasfondo político y que nos produzca agujetas en la cara de tanto reírnos. No ha sido el caso.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de junio de 2017. Título original: Raid dingue. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Dany Boon. Guión: Dany Boon, Sarah Kaminsky. Música: Maxime Desprez, Michaël Tordjman. Fotografía: Denis Rouden. Reparto principal: Dany Boon, Alice Pol, Yvan Attal, Michel Blanc, François Levantal. Producción: Artémis Productions, Les Productions du Ch’timi, Pathé, TF1 Films Production. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, acción. Web oficial: http://www.deaplaneta.com/es/una_policia_en_apuros

Crítica: ‘Capitán Calzoncillos, su primer peliculón’

Sinopsis

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La película se centra en la amistad entre dos niños creativos y traviesos de cuarto de primaria, que accidentalmente convierten a su malvado director en el Capitán Calzoncillos, un superhéroe de su propia creación.

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Crítica

Un capitán para grandes y pequeños.

‘Capitán Calzoncillos’ está basada en una serie de libros. Dreamworks trae una adaptación de una historia la mar de divertida, con mucho énfasis en el arte del dibujo, y como cierta sorpresa, algunas críticas nada sutiles al sistema educativo que recuerdan a las que se realizan en ‘Los Simpsons’.

Originalmente, la historia nos sitúa con Jorge y Berto que son los creadores del cómic del Capitán Calzoncillos, son dos niños que se hicieron amigos en la guardería y son absolutamente inseparables, al menos eso creen, hasta que el malvado director Carrasquilla se interpone entre ellos y la historia se desarrollará al principio con imaginación y más tarde con elementos fantasiosos reales inesperados que nos presentarán al Capitán Calzoncillos y a los niños, verdaderos protagonistas de la cinta.

La película es muy entretenida, tiene un ritmo muy rápido, quizá demasiado rápido para un niño, ya que no para en ningún momento, una broma tras otra. Hubiera sido más aconsejable relajar un poco el ritmo dado que al menos las bromas son graciosas, para niños y para adultos, pero en general funciona, y la verdad que se coge cariño fácilmente a los dos protagonistas y su manera infantil de ver el mundo. Tiene encanto, y lo más sorprendente de todo, además de la presentación del colegio, existen también algunos comentarios de ciertos personajes que critican duramente el sistema educativo y lo hacen sin tapujos, sorprendiendo mucho al espectador pues uno no espera algo así en una película infantil.

En general es muy recomendable para niños y adultos, al principio uno puede pensar que será una película infumable para sólo público infantil pero es todo lo contrario, y aunque es verdad que un niño lo disfrutará mucho más por su simpleza, al menos el adulto que lo acompañe se lo pasará muy bien y también podrá apreciar el arte de los dibujos y ciertas secuencias animadas,  otro punto a su favor.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de junio de 2017. Título original: Captain Underpants: The First Epic Movie. Duración: 89 min. País: EE.UU. Dirección: David Soren. Guión: Nicholas Stoller. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: animación. Reparto principal (doblaje original): Kevin Hart, Ed Helms, Nick Kroll, Thomas Middleditch, Jordan Peele y Kristen Schaal. Producción: DreamWorks Animation, Scholastic Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: comedia, animación, adaptación. Web oficial: http://www.capitancalzoncillos.es/

Crítica: ‘American Pastoral (Pastoral Americana)’

Sinopsis

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Basada en la novela homónima de Philip Roth, ganadora del Premio Pulitzer, AMERICAN PASTORAL (PASTORAL AMERICANA) recorre la historia de una familia americana a través de varias décadas, en la que su idílica existencia se hace añicos por la agitación social y política que cambiará para siempre la estructura de la cultura estadounidense. Ewan McGregor debuta en la dirección y encarna a Seymour Levov, “el Sueco”, un atleta legendario en el instituto que ahora es un exitoso hombre de negocios casado con Dawn, una ex reina de la belleza. Pero, tras la apariencia impecable de la vida del “Sueco”, se fragua la tormenta. Cuando su hija Merry desaparece tras ser acusada de cometer un acto violento, “el Sueco” se dedica a buscarla y a reunir a su familia. Lo que descubre remueve sus cimientos, forzándole a mirar más allá de la superficie y afrontar el caos que está forjando el mundo a su alrededor: ninguna familia americana volverá a ser la misma.

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Crítica

Una veraz biopsia del American way of life.

Pasar de estar delante de las cámaras a colocarse tras estas asumiendo la responsabilidad del proyecto es algo que no muchos actores se atreven o están capacitados para hacer. Ya me llevé una grata sorpresa con Don Cheadle en ‘Miles Ahead’ y ahora precisamente su coprotagonista, Ewan McGregor, hace lo propio con ‘American Pastoral’. El actor escocés, además de protagonizar la cinta dirige la adaptación de la novela (ganadora de un Pulitzer) de Philip Roth. Y lo cierto es que a McGregor no le ha quemado la batuta de director ni se le ha quedado grande el título. Ha extraído muy buenos trabajos de sus actores y de él mismo, así como conseguido secuencias muy cautivadoras. Quizá se le ha ido un poco de las manos el timing pero ha dotado a la película de la tonalidad adecuada en cada momento y en ningún momento se observan fallos de raccord.

Pero al margen de los logros técnicos de esta película está su mensaje y la historia que nos ofrece. No ha caído en intentar crear una obra profunda o metafísica. No ha realizado un galimatías psicológico y no ha buscado hurgar en la herida de la guerra de Vietnam del modo clásico. En lugar de ello ‘American Pastoral’ nos ofrece una grandiosa y novedosa perspectiva de lo que ocurre tras las bambalinas del sueño americano. Es una veraz biopsia del American way of life. ¿Qué sucede si el idílico matrimonio entre el capitán del instituto y la belleza del estado no acaba en el clásico «fueron felices y comieron perdices»? Eso es lo que ofrece. Un planteamiento que además nos puede recordar a épocas vividas en España, cuando muchos salíamos a la calle a protestar por las guerras en las que nos veíamos inmiscuidos. De este modo se retrata a una parte de la sociedad estadounidense que ni era pro militar ni era hippie. Una gran exposición que además está cargada de mucha personalidad y humanidad.

No hay una interpretación que desmerezca elogios. No comprendo el aluvión de malas críticas que se llevó tras su paso por San Sebastián porque a mí me ha parecido que está llena de momentos intensos y de personajes muy bien desarrollados. Tanto Dakota Fanning como Jennifer Connelly y el mismo Ewan McGregor tienen escenas muy importantes en las que demuestran su talento. Tanto es así que considero que gracias a esta película Fanning debería subir su caché y Connelly se ha aproximado a la gran actriz que a principios de siglo nos dejó destrozados con ‘Requiem por un sueño’.

No son todos halagos, si tuviese que puntuar esta crítica, cosa a la que nos oponemos en esta web, no le daría mi máxima puntuación. Algunas secuencias han sido cortadas antes de tiempo creando un coitus interruptus, pierde al narrador durante demasiado tiempo y la música de Alexandre Desplat no llega a estar a la altura. Por supuesto que a McGregor le quedan cosas por aprender pero como opera prima me parece una provechosa obra. Desde luego considero que este es un filme injustamente apaleado y cuya perspectiva merece ser considerada.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de junio de 2017. Título original: American Pastoral. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Ewan McGregor. Guión: John Romano. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Martin Ruhe. Reparto principal: Dakota Fanning, Jennifer Connelly, Ewan McGregor, Uzo Aduba, Rupert Evans,Molly Parker, David Strathairn. Producción: Lakeshore Entertainment. Distribución: Tripuctures. Género: drama, adaptación. Web oficial: http://www.americanpastoral.movie/

Crítica: ‘CineBasura: La peli’

Sinopsis

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El glorioso guión cuenta la historia de dos videobloggers que, aparentemente, abren por accidente un portal entre el mundo del cine basura y el nuestro. Que, siendo sinceros, también es un poco basura. Pero sin zombis.

De esta manera, la cutrez empieza la invasión mundial. O por lo menos, de Madrid. Más o menos. Vamos: Moratalaz seguro. Su periplo por resolver el desaguisado estará minado de zombis, tiendas de cómics, hombres pez, terroristas, fábricas abandonadas, cyborgs y fans de Christopher Nolan. Sólo faltas TU.

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Crítica

La cutrez al alcance de todos.

El cine cochambroso tiene también sus seguidores y no me estoy refiriendo a aquellos que de verdad creen que esas son películas buenas, si no a los que saben darle la vuelta a la situación y verlas desde un punto de vista provechoso o cómico. Algunos de sus máximos seguidores y expertos son los directores de este largometraje. Paco Fox y Miguel Ángel Viruete se lanzaron a crear una película para los fans de festivales como la CutreCon y han conseguido un largometraje que estos disfrutarán y que además sirve como gancho para aquellos que no conozcan este género. O mejor dicho, sirve para enseñar a disfrutar este género.

Sobra decir que esta es una comedia. Se fundamenta en seguir los pasos de otras películas humorísticas parodiando o versionando de camino a los títulos grandes de la serie B o Z. O también a algunos videojuegos, chapó por esa escena. Por eso puedo decir que podemos vivir momentos muy del estilo a los vistos en ‘Aterriza como puedas’, ‘Zombies Party’ o ‘Torrente’. Pero este no es un festín de homenajes, tiene una trama original que parece sacada de un episodio de ‘Los Simpsons’.

Los protagonistas son el propio director, Paco Fox, junto a rostros conocidos como Natalia Bilbao o Miguel Ángel Aijón. Muy bien la labor de Aijón, para mí el más gracioso frente al carisma de Paco Fox. Pero también hay que decir que Natalia Bilbao se mueve bien en un elemento que no es el suyo. Se nota la diferencia y la escuela entre Fox y sus dos actores pero los tres forman un buen trío. Principalmente se observa muy buena química entre Fox y Aijón. También nos brindan cameos de famosos como Agustín Jiménez, Amarna Miller o Marta Reyero.

Así mismo tiene sus pegas. Posee un sentido del humor no poco popular pero que si puede resultar cargante. Le sobra sordidez y caspa, por ejemplo. El número de chistes sobre sexo o groserías es grande. A esto le debemos sumar la banda sonora. Es muy plana, no acompaña la acción escenificada, resulta pobre. Y la que es la mayor falta, el ritmo. Resulta excesivamente caótica y los movimientos en la puesta en escena pueden sacarnos del momento que se pretendía recrear.

Cinebasura es una película claramente hecha para fans de lo cutre pero que puede enganchar a ese mundillo a aquellos no iniciados. No está concebida como cine comercial. Aprovecha bien los recursos disponibles partiendo del hecho de que esta no es una gran ni mediana producción. Es un largometraje consciente de si mismo. De su presupuesto, de sus efectos especiales intencionadamente malos, de sus actuaciones… y ahí reside la gracia. Es por ello que los mismos protagonistas rompen la cuarta pared, comentan la mala calidad del CGI, se interpretan a sí mismos en cierto sentido… Aunque eso sí, le falta más Cacaman.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de enero de 2017 (2 de junio en cines). Título original: Cine Basura: La peli. Duración: 90 min. País: España. Director: Paco Fox, Miguel Ángel Viruete. Guión: Fernando Hugo Rodrigo. Música: Chuck Cirino, Eli Cirino. Fotografía: Christina Moerrath. Reparto principal: Miguel Ángel Aijón, Paco Fox, Natalia Álvarez-Bilbao, Maite Medina, Alejandra Saba, Carlos Zapata, Agustín Jiménez, Darío Frías, Miriam Montero, Amarna Miller. Producción: Pecker Films. Distribución: Flins & Piniculas. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial: http://cinebasura.es/

Crítica: ‘La cara oculta de la Luna’

Sinopsis

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Cuenta la historia de Urs Blank (Moritz Bleibtreu), un brillante y calculador abogado que de repente se ve atormentado por el suicidio de un hombre de negocios al que arruinó hace tiempo. En su huida y búsqueda de nuevas experiencias, pierde el control de su vida y su lado más oscuro emerge… entonces comienza su confrontación con el diablo, encarnado en un feroz empresario farmacéutico (Jürgen Prochnow).

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Crítica

Sabe a novela, pero de las que no generan empatía.

‘La cara oculta de la luna’ es el nuevo filme de Stephan Rick y es el primero que veo de toda la filmografía del director. A si es que no vais a leer una soporífera crítica sobre un director alemán con películas que son esto y aquello, patatín y patatán. Se une a la gran cantidad de trabajos que vemos últimamente basados en novelas y ciertamente ha conseguido una ambientación y un tono muy novelesco, tal vez ese sea el mejor aspecto del filme. Desconozco si es muy fiel a la obra escrita por el afincado en España Martin Suter, pero si alguien me confirmase que si no me atrevería a leerla.

El autor de la novela se hizo popular al escribir una serie de columnas en una revista (o periódico, no lo tengo claro) neo-conservadora. Este hecho contrasta con la visión crítica de las clases empresariales y corporativas que vemos en la película. Las intrigas palaciegas de hoy en día se dan muchas veces en el entorno empresarial. En esos ámbitos muchos son llevados al extremo y pierden los papeles, como se ejemplifica en el filme. Como en otras películas se pinta a los abogados y empresarios como depredadores sin piedad que descuartizan a cualquiera con tal de conseguir su avaro objetivo, sean cuales sean los daños colaterales. Pues bien, al protagonista de la cinta se le hace espectador en primera persona de uno de esos daños y a partir de ahí sufre un cambio que le llevará a un viaje muy peligroso.

El arrepentimiento en apariencia inexistente puede quedar latente y hacer salir a lo peor de uno mismo, la cara oscura, de igual modo que un licántropo reacciona con la luna. Esto puede pasar si el individuo se desinhibe o se topa con situaciones detonantes. Es lo que le sucede al personaje de Moritz Bleibtreu que, por si era poco, no tiene que enfrentarse solo a su gradual y decadente evolución, o debería decir involución ya que regresa a lo más animal del ser humano. También lucha contra alguien que le tiene tomada la medida y amenaza con destruirle si no hace caso a sus deseos. Con la película dirigida por Stephan Rick vemos hasta qué punto puede corromperse alguien, pero solo si somos capaces de entender una manera muy particular de ver el interior de las personas.

Y aunque seáis capaces de meteros en esa mentalidad alemana de hacer cine os toparéis con otro gran obstáculo. En la búsqueda de una solución y de una explicación la película da un rodeo demasiado largo, cuando con una pequeña elipsis habríamos llegado al mismo punto. El estanqueamiento narrativo es demasiado largo para lo importante que es su resolución. Esa búsqueda del protagonista se convierte en trivial y nos hace más larga de lo que realmente es la película. Si bien comienza como algo realista y verosímil acaba siendo un filme bastante convencional y poco creíble, con algún que otro giro poco argumentado. Además comprobamos que lo que se ha intentado es sembrar una creciente tensión en el espectador para después llegar a un climax, pero ni hay tensión si se alcanza apogeo alguno, es todo muy episódico. Quizá una mayor profundización en la personalidad de los protagonistas nos habría acercado más al tono deseado por su director.

Aunque se me quede algo descolgada de la crítica no querría dejar esta advertencia en el tintero. Si estáis muy apegados al mundo animal tendréis que cerrar los ojos varias veces por que tiene tres escenas bastante intrascendentes, cruentas, tristes y duras de ver.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de junio de 2017. Título original: Die dunkle Seite des Mondes. Duración: 98 min. País: Alemania. Dirección: Stephan Rick. Guión: Catharina Junk, David Marconi, Stephan Rick. Fotografía: Stefan Ciupek, Felix Cramer. Reparto principal: Moritz Bleibtreu, Jürgen Prochnow, Nora von Waldstätten. Producción: Port au Prince Film, Kultur Produktion, Iris Productions, Südwestrundfunk (SWR). Distribución: Cada Films. Género: adaptación, thriller. Web oficial: http://www.dsdm-film.de/

Crítica: ‘Norman, el hombre que lo conseguía todo’

Sinopsis

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Un hombre de negocios de poca monta llamado Norma Oppenheimer se hace amigo de un joven político en un momento bajo y solitario de su vida. Tres años más tarde, cuando ese político se convierte en un líder mundial influyente, la vida de Norman cambia dramáticamente. Para bien y para mal.

 

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Crítica

A través de los ojos de Norman vemos lo peligrosas que pueden ser las amistades políticas. 

Richard Gere deja su lado galán apartado en la nueva cinta de Joseph Cedar, en la que nos muestra las andanzas de un empresario que intenta por todos los medios adentrarse en el mundo de los más poderosos.

Una película liosa, al menos en mi opinión y demasiado larga para lo que quiere contar. Aunque hay una estupenda crítica al mundo de la política y el periodismo, te muestran como el poder y la ambición hace que sean capaces de pisotear a cualquiera por muy bien que se hayan portado con ellos.

El personaje de Gere realmente no he llegado a entender demasiado sus intenciones, si, puedes pensar en el dinero y la fama, pero es todo lo contrario, Norman solo quiere estar en la sombra y luego vive sin aprovechar absolutamente nada.  Eso sí, nadie conoce nada de él, su edad, su estado civil, su vivienda, nada. Realmente Norman no es nadie pero llega a donde llega por su carisma y su tenacidad.

La película lleva un ritmo bastante rápido, pero como he dicho, llega a liar bastante todo y le sobran muchos minutos. El comienzo es interesante, el cómo poco a poco intenta engatusar a la gente, a veces le sale bien otras bastante mal. Pues hay empresarios hartos de que les persiga e incluso le amenazan con denunciarle. Eso sí, un día tiene un golpe de suerte, pues simplemente por comprar unos zapatos a un político israelí la vida le cambia a los años.

Lo mejor de la película es su reparto, pues en esta aventura acompañan a Gere en la cinta Michael Sheen, Charlotte Gainsbourg, Steve Buscemi, Hank Azari y Lior Ashkenazi, el cual merece una mención especial, ya que está estupendo en su personaje corrupto.

En cuanto a los medios técnicos sobresale el rodaje, la película lleva un ritmo vertiginoso, movimientos de cámara rápidos, que a veces vienen bien y otras hacen que te saquen de la trama.

Al final, Norman es un don nadie, el cual tiene que sobrevivir para seguir con su vida, y el cual es traicionado de todas las maneras posibles. ¿Se lo merece? Eso lo tenéis que juzgar vosotros.   

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de junio. Título original: Norman: The moderate rise and tragic fall of a New York fixer. Duración: 117 min. País: EE.UU. e Israel. Director: Joseph Cedar. Guión: Joseph Cedar. Música: Jun Miyake. Fotografía: Yaron Scharf. Reparto principal: Richard Gere, Charlotte GainsBourg, Steve Buscemi, Hank Azaria, Lior Ashkenazi, Michael Sheen. Producción: Backbird, Cold Iron Pictures. Distribución: A Contracorriente Films Género: Drama. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/690/norman-el-hombre-que-lo-conseguia-todo/

Crítica: ‘La Promesa’

 Sinopsis

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1914. A medida que se avecina la Gran Guerra, el poderoso Imperio Otomano se desmorona. A Constantinopla, antaño vibrante y multicultural, llega Michael Boghosian (Oscar Isaac), decidido a convertirse en médico para ejercer en su pequeño pueblo en el sur de Turquía, donde musulmanes turcos y cristianos armenios han vivido en paz durante siglos. Cuando Michael conoce a Ana (Charlotte Le Bon), una artista de origen armenio que acompaña al periodista norteamericano Chris Myers (Christian Bale), su vida dará un vuelco. Pero cuando los turcos forman una alianza con Alemania y el Imperio se revuelve violentamente contra sus propias minorías étnicas, la pasión deberá dejar paso a la supervivencia. En tiempos de guerra se hacen promesas… y se rompen promesas.

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Crítica

Pesaba más la injusticia histórica que el romance.

Terry George es el director y guionista de esta cinta así como el escritor de películas con mayúsculas como ‘En el nombre del padre’ u ‘Hotel Ruanda’. Ambos largometrajes se ambientan en conflictos armados y en profundos dramas. En esta ocasión vuelve a introducirse en semejante lid pero sin llegar a alcanzar las cotas de dramatismo que le valieron tantos halagos. Esto se debe a que el drama intenta ser equilibrado con un romance que me ha parecido falto de relevancia. Realmente, en el fondo, lo que resulta ser ‘La Promesa’ es una floja narración sobre la protección, la convivencia y el genocidio. Al menos logra hacer justicia y dar voz a un pueblo que lleva muchos años condenado al ostracismo.

Pese a palparse ese atropello existen recientes películas que tratan el conflicto del Imperio Otomano con mucha más efectividad, como ‘Una historia de locos’.  En este caso, a pesar de ambientarse muy bien en la época en la que sucedió y de enfrentarse a un tema bastante polémico se queda lejos de su objetivo. La intención de concienciarnos sobre el drama armenio solo se manifiesta en sus últimos compases y su búsqueda por crear una historia de amor creíble concluye de un modo excesivamente vaga.

Un aliciente para ver la película es el vislumbrar el reconocible paisaje español, pues fue rodada en nuestro país. Consecuencia de ello es la gran cantidad de actores españoles que aparecen, con alguna que otra frase. Daniel Giménez Cacho, Alain Hernández, Alicia Borrachero, Luis Callejo, Julián Villagrán… En el plano técnico también han trabajado artistas de aquí como el eibarrés Javier Aguirresarobe, en la fotografía. El autor de imágenes vistas en ‘Los Otros’, ‘La carretera’ o la futura ‘Thor: Ragnarok’ ha realizado un trabajo un tanto discordante en esta película. Pese a ofrecernos más de una instantánea sobrecogedora ha manejado el conjunto de la película de un modo desigual. Y antes de pasar a otro punto también habría que mencionar que otros artistas internacionales hacen breves apariciones, como Jean Reno o Tom Hollander.

Desde luego el protagonista y el que más promete en ‘La Promesa’ es Oscar Isaac. El peso de su personaje y la buena interpretación que hace no da oportunidad a un Christian Bale cuyo guión no es nada fuera de lo común. Y aunque Charlotte Le Bon si destaca algo más que Bale, también permanece a la sombra del guatemalteco y su interpretación sobrepasa por poco lo que esperaba de ella.

El romanticismo de esta cinta tapa muchos aspectos en los que podría haberse profundizado para conmover más y de otro modo al espectador. El montaje tampoco ha ayudado a mantener una sensación constante, si no que se nos saca de manera abrupta de lo que en ocasiones prometía ser una película que sacaría a la luz varios de nuestros sentimientos. Su sin duda valioso carácter humanitario es realmente la mayor de sus virtudes.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de junio de 2017. Título original: The Promise. Duración: 134 min. País: EE.UU. Dirección: Terry George. Guión: Terry George, Robin Swicord. Música: Chris Cornell (canción original). Fotografía: Javier Aguirresarobe. Reparto principal: Christian Bale, Oscar Isaac, Charlotte Le Bon, James Cromwell, Jean Reno, Shohreh Aghdashloo, Angela Sarafyan, Numan Acar, Marwan Kenzari, Igal Naor,Jean Claude Ricquebourg, André Marques, Lino M. Gomes, João Sirgado. Producción: Wonderful Films, Survival Pictures. Distribución: eOne Films. Género: drama, romance. Web oficial: http://thepromise.movie/

Crítica: ‘Paula’

Sinopsis

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Alemania, principios del siglo XX.

La joven y exuberante artista Paula Becker está decidida a seguir sus propias normas.

A sus 24 años rechaza las convenciones establecidas y explora su estilo único, mientras florece en la comunidad artística de Worpswede, donde entabla amistad con la artista Clara Westhoff y el poeta Rainer Maria Rilke.

Al casarse con el también pintor Otto Modersohn, cree haber encontrado a su alma gemela creativa, pero cinco años destinados a la vida doméstica hunden el espíritu de Paula.

Finalmente, se decide a viajar sola al bohemio París, donde se embarca en un largo y esperado periodo donde su imaginación culmina y consigue autorrealizarse.

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Crítica 

Una historia conmovedora, con una preciosa fotografía, así es ‘Paula’

Christian Schwochow nos trae un personaje fuerte y a la vez tan sensible como las pinturas que creaba.

Paula‘ nos muestra la vida de la pintora alemana, la cual no tuvo fácil el poder dedicarse a lo que la gustaba, pues lo único que hacían era repetirla que debía de casarse y dejar de pintar, pues una mujer no iba a ningún lado pintando.

El feminismo forma parte de la película, Paula es independiente, esto en aquella época no se entendía, pues se consideraba que una mujer tenía que estar por y para su marido. Hay una escena que me encantó, en la que observamos en la escuela una fila de pintores cuyas mujeres solo están para sujetar la paleta de colores, a esto Paula simplemente se para delante y se ríe de ellos. Ahí es cuando ves como ella no quiere terminar así y se ríe de tales situaciones.

Al final, encuentra el amor con el paisajista Otto Modersohn, que la quería por encima de todo y la promete que va a tener tiempo para pintar y poder dedicarse a ella, pero después de 5 años las cosas no son como esperaba, pues sí, tiene un pequeño estudio para ella, pero no el tiempo que precisa, pues al fin y al cabo el que gana dinero con su arte es Otto. Así que marcha a París.

Aquí es donde realmente se comienza a conocer bien al personaje. Llena de vida, de locura y con una perspectiva del arte muy distinta a lo convencional. París le dio lo que quería, y le mostró que existían muchos artistas con su misma visión de la realidad.

Uno de los grandes aciertos de la película es la fotografía de Frank Lamm, con tonos pasteles y con unas imágenes en las que sin duda se ha fijado en los cuadros de paisajistas alemanes. Pues una de las cosas por las que el arte de Paula no encajaba y no solo por ser mujer, que aquella época era la de los Paisajistas alemanes y nuestra protagonista era retratista y estaba muy cerca de la pintura expresionista.

Otro de los grandes aciertos es sin ninguna duda Carla Juri, que sin su energía la película no sería lo mismo. Un trabajo impecable mostrándonos a una mujer fuerte, creativa e independiente, pero a la vez débil e indecisa. Su mirada, sus gestos hacen que Paula encandile a cualquiera.

‘Paula’ es sin duda una cinta muy actual, donde la lucha de la mujer por poder hacer lo que quiere con su vida es el tema central. Pero también nos muestra como muchos hombres de la época comenzaban a despertar y las ayudaban para que esto pudiera pasar. Como Otto, que pese a los altibajos hizo todo lo posible para que Paula fuera feliz.

Os recomiendo mucho la película de Christian Schwochow, visualmente es una maravilla, a los estudiantes de arte os encantará y a los que no también, pues aparte de la ver la vida de esta joven artista, tendréis ante vosotros una bonita historia de amor.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de mayo. Título original: Paula. Duración: 123 min. País: Alemania. Director: Christian Schowochow. Guión: Stefan Kolditz, Stephan Suschke.  Música: Jean Rondeau. Fotografía: Frank Lamm. Reparto principal: Carla Juri, Albrecht Schuch, Roxane Duran, Joel Basman, Stanley Weber, Michael Abendroth, Bella Bading, Laura Bartels, Guido Beilmann, Enrico Di Giovanni. Producción: Alcatraz Film, Degeto Film, Radio Bremen, Pandora Film Produktion. Distribución: Caramel Films. Género: Drama. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/fichas/paula

Crítica: ‘Wilson’

Sinopsis

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Harrelson interpreta a Wilson, un solitario, neurótico, divertido y honesto misántropo de mediana edad que se reconcilia con su mujer (Laura Dern), de la que se separó, y que recibe una nueva oportunidad para ser feliz cuando descubre que tiene una hija adolescente (Isabella Amara), a la que no conocía.  De una manera bastante extravagante y retorcida, se propone conectar con ella.

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Crítica

‘Wilson’, un personaje hecho totalmente a la medida de Woody Harrelson. 

Del director Craig Johnson nos llega ‘Wilson’, él es la típica persona a la que a muchos nos gustaría parecernos, bueno supongo que no en todo, pero sí en la parte en la que es un hombre al que le da todo igual y si a alguien le molesta, pues que no mire.

Basada en el cómic del también guionista de la película, Daniel Clowes, la película nos narra una parte de la vida de este peculiar personaje.

Realmente decir que la primera parte de la película es simplemente genial, un personaje cínico, sin pelos en la lengua, que sí, que en el fondo tiene algo de corazón, pero realmente no es algo que mayoritariamente le describa.

Además de presentarnos al protagonista, nos muestra su día a día, donde no hace más que quejarse por todo, pero sobre todo por la falta de conversación, de que la gente solo está con sus móviles y ya nadie entabla una conversación con un desconocido, aunque cuando veáis la película, veréis que también es normal no entablar demasiada conversación con Wilson.

El problema de la cinta es su segunda parte, sí, se ve perfectamente un cambio brutal, una muerte aparece en la vida de nuestro protagonista y decide rehacer su vida, busca a su ex mujer y descubre que es padre, aquí todavía no pierde demasiada gracia. Pero comienzan a suceder una clase de sucesos que hace que la película comience a aburrir.

Él personaje cínico, al que le da igual todo, comienza a cambiar, pero demasiado de golpe, sin apenas evolución, aparece con demasiado buen corazón y realmente la película comienza a perder todo el gancho que tenía.

Pero como he dicho, es un problema, que intentan subsanar con otros reclamos y es que los personajes secundarios son bastante llamativos, peculiares y esto hace que se balance un poco la cinta.

Sobre el tema de la soledad, la amistad, el amor, la vida en general, como poco a poco vamos cambiando y deseando ser otra persona, de todo esto y mucho más nos habla ‘Wilson‘.

En general ‘Wilson’ se deja ver perfectamente, tiene sus fallos, sus altibajos, pero solo por ver a Woody Harrelson hace que merezca la pena y en este papel está en su salsa.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de junio. Título original: Wilson. Duración: 96 min. País: Estados Unidos. Director: Craig Johnson. Guión: Daniel Clowes (Cómic: Wilson). Música: Jon Brion. Fotografía: Frederick Elmes. Reparto principal: Woody Harrelson, Laura Dern, Isabelle Amara, Judy Greer, Cheryl Hines, James Saito, Chris Carlson, Chelsea Anne Lawrence, Bruce Bohne, Bobby E. Erickson, Andrew Hawtrey. Producción: Ad Hominem Enterprises. Distribución: 20Th Century Fox. Género: Comedia. Web oficial: http://www.foxsearchlight.com/wilson/

Crítica: ‘Me casé con un boludo’

Sinopsis

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Fabián Brando es la estrella de cine más famosa. Florencia, una actriz completamente desconocida. Ambos coinciden en el rodaje de una película e inician un romance que rápidamente termina en boda. Al poco tiempo de casados ella se da cuenta de que se enamoró del personaje y que su esposo es en realidad un auténtico boludo.

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Crítica

No hace morir de risa pero tampoco de aburrimiento.

Juan Taratuto reúne de nuevo a los actores principales de ‘Un novio para  mi mujer’ en ‘Me casé con un boludo’. Adrián Suar y Valeria Bertuccelli se enlazan de nuevo en la ficción rodeándose también de enredos que igualmente desembocan en medidas disparatadas. Efectivamente entra dentro de la familia de comedias de enredos. Pero de esas en las que el único que se lía es el protagonista, complicándose la existencia él solo, dicho sea de paso. Suar es un actor que interpreta aquí a un personaje que a su vez se cree otro personaje. Un poco lo que le pasaba a Robert Downey Jr. en Thropic Thunder pero de un modo menos extremo y surrealista.

Tal vez debamos retroceder y buscar la definición de boludo, pues es un término que sabemos de sobra que se emplea en Sudamérica y no en España. Encontramos en diccionarios que  para la gente de Uruguay se trata de una persona que ha llegado a su adolescencia. Pero también puede significar algo con una cierta verdad por la que todos hemos pasado: lerdo, irresponsable. Para los Argentinos significa algo que podría ser muy semejante, alguien que es necio o estúpido.  No por ello pensaremos que se dirige a malas personas o exentas de sentir cariño. Tampoco quiere decir que ese alguien sea consciente de su comportamiento molesto. Y con todo esto, casi sin querer, os he descrito a la perfección el personaje de Suar. Ejemplifica una por una todas esas palabras encerradas en la piel de un actor venido a más. Es por ello que su trabajo es el más destacable de esta película.

Por eso, tras lo que habéis leído en el primer y segundo párrafo, me quedaba aún la duda de si lo que he visto eran actores haciendo de actores que actúan mal o simplemente actores que realmente no tienen un talento desmesurado. Tras recordar una de las escenas que le suceden al personaje de Valeria (la cual interpreta de un modo harto infantil) me queda más claro lo segundo. Si cavilo sobre las situaciones cómicas llego a la conclusión de que están bien pensadas pero al verlas se comprueba que o están mal desarrolladas o están desatinadamente ejecutadas.  También hay algún que otro personaje en exceso payasil que no contribuye a generar el tono que se busca. Por cierto, es imposible tomarse en serio algunas escenas con el tema de Camilo Sesto presente.

Realmente la obra de Taratutto, escrita por Pablo Solarz (igual que ‘Un novio para mi mujer’), es ocurrente pero me ha parecido irregular en su modus operandi. Aunque los personajes son creíbles y convincentes son incapaces de mantener el mismo tipo de comedia. Da la impresión de que se ha buscado abarcar más tiempo del que realmente necesitaba. Esta es una comedia satisfactoria pero poco eficaz en sus pretensiones.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de mayo de 2017. Título original: Me casé con un boludo. Duración: 110 min. País: Argentina. Dirección: Juan Taratuto. Guión: Pablo Solarz. Música: Darío Eskenazi. Fotografía: Julián Apezteguía. Reparto principal: Adrián Suar, Valeria Bertuccelli, Gerardo Romano, Norman Briski, Analía Couceyro, María Alche. Producción: Patagonik Film Group. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, romántico. Web oficial: http://www.patagonik.com.ar/peliculas/Me-Case-Con-Un-Boludo/3

Crítica: ‘Déjame salir’

Sinopsis

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Para Chris (Daniel Kaluuya, Sicario) y su novia Rose (Allison Williams, la serie «Girls») ha llegado el momento de conocer a los futuros suegros, por lo que ella le invita a pasar un fin de semana en el campo con sus padres, Missy (Catherine Keener, Capitán Phillips) y Dean (Bradley Whitford, La cabaña en el bosque). Al principio, Chris piensa que el comportamiento «demasiado» complaciente de los padres se debe a su nerviosismo por la relación interracial de su hija, pero a medida que pasan las horas, una serie de descubrimientos cada vez más inquietantes le llevan a una descubrir una verdad inimaginable.

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Crítica

Brillante en su inicio, decepcionante en su nudo y desenlace.

Para generar tensión e intriga en el público muchas veces lo que hace falta es incluir elementos chocantes, discordantes o desconcertantes. De ese modo se consigue crear un ambiente enrarecido y se siembra una duda o sospecha en el espectador. En principio, en los primeros compases de la película, Jordan Peele ha logrado eso en esta su primera película como director y lo ha hecho con cierta maestría. Pero antes de la mitad del filme ya se descubre, a poco que uno esté atento al guión, todo el pastel. Nos enteramos demasiado pronto de qué es lo que se cuece y la película pierde interés. Ni que decir tiene si veis el tráiler lanzado para promocionar ‘Déjame salir’, el cual lo cuenta todo de cabo a rabo.

Esta historia que podríamos calificar como un ‘Dios mío ¿pero qué te hemos hecho?’ llevado al extremo (aquí la comedia no tiene nada que ver) realmente me había cautivado en su inicio. Todo se pinta bonito pero tanto la música como algunas cosas ajenas a la vista de los protagonistas te van poniendo inquieto. Poco a poco se introducen imágenes o elementos más perturbadores y eso suele ser difícil de conseguir. Gran parte de culpa y mérito de esa sensación son los actores Betty Gabriel y Marcus Henderson. Incluso sorprende la vistosidad y el impacto de algunas secuencias o fotogramas. La lástima es que a partir de cierta escena, como he dicho, antes de la mitad, todo eso pierde fuerza y ya no volvemos a retomar ese estado de desasosiego.

Además se llega a un punto en el que cambiamos de protagonista durante un rato y eso rompe del todo el filme. No solo por que se pierde la perspectiva del actor principal si no por que entramos en un tomo demasiado humorístico. Y eso llega justo en el momento en el que nos planteamos ciertos sucesos y se abren varias teorías de lo que pueda estar pasando. Cuando parecía que Peele iba a saber jugar al despiste nos devuelve a la historia intentando excitar de nuevo al espectador con un tramo más cruento. La finalización del filme tal vez habría necesitado un cliffhanger potente por que nos deja bastante fríos y dentro de la convencionalidad.

En el campo actoral desde luego hay que destacar el trabajo de Daniel Kaluuya. Seguro que empezaréis a indagar y a bucear en su filmografía y os sorprenderéis de cuánto le habéis visto y de cuánto se ha tardado en otorgarle un papel con tanto peso como este.

Recordemos que al director y guionista de ‘Déjame salir’ le hemos visto muy metido en el mundo de la comedia (‘Keanu’, ‘Key and Peele’), lo cual hace que sea aún más singular encontrárnosle metido en este género. Alabo ese toque muy a lo M. Night Shyamalan que le ha dado a la cinta. La pena es que haya tenido tanta prisa en destapar los secretos que nos iban a mantener dentro de la sala y de la película.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de mayo. Título original: Get out. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Jordan Peele. Guión: Jordan Peele. Música: Michael Abels. Fotografía: Toby Oliver. Reparto principal: Daniel Kaluuya, Bradley Whitford, Allison Williams, Catherine Keener, Betty Gabriel,Caleb Landry Jones, Lyle Brocato, Ashley LeConte Campbell, Marcus Henderson, LilRel Howery, Gary Wayne Loper, Jeronimo Spinx, Rutherford Cravens. Producción: Blumhouse Productions, QC Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: thriller, terror. Web oficial: http://www.dejamesalir.com/

Crítica: ‘El caso Sloane’

Sinopsis

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En las altas esferas del mundo político y empresarial, Elizabeth Sloane (Jessica Chastain) tiene una reputación formidable. Conocida por su astucia y sus éxitos sin parangón, siempre ha hecho lo que fuera necesario para ganar. Pero cuando se enfrenta al oponente más poderoso de su carrera, se da cuenta de que la victoria puede tener un precio demasiado alto.

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Crítica

‘El caso Sloane’ nos da a conocer la historia de Elizabeth Sloane (Jessica Chastain) una mujer lobista, muy astuta y maquinadora, con una mente privilegiada que lleva a estrategias y manipulaciones dignas del protagonista de ‘Death Note’, Light Yagami, pero por supuesto, con un objetivo muy diferente: ganar el caso contra los guardianes de la 2ª enmienda de la Constitución de los Estados Unidos, defensora de la libre posesión de armas. La lobista, por diversos motivos, se ha labrado desde siempre una gran reputación de ganadora sin escrúpulos, lo cual irá demostrando a lo largo de la película en una lucha de dos bandos muy diferenciados y con integrantes políticos que pondrán a prueba a Sloane y su equipo.

Este largometraje nos mete de lleno en el entorno de los lobbies, cómo funcionan desde dentro y todos los entresijos que conlleva una campaña política tan grande como en la que Sloane se embarca, sobre el control de armas en Estados Unidos. No vamos a revelar mucho sobre cómo lleva a cabo Sloane su misión ni cómo es el desenlace, la película nos muestra la historia con numerosos flashbacks alternándolos con la situación actual y real hasta que convergen. Es muy satisfactoria ya que todos los cabos quedan atados y no queda ni uno suelto, que lo que engancha de esta película desde más o menos el minuto quince, es la pericia de Sloane y sus maquinaciones tan enrevesadas.

Las actuaciones son buenas y creíbles, en general, no hay ningún punto en contra ya que desde el primer momento las interpretaciones de todos los actores consiguen sumergirte en el argumento, Mark Strong, Gugu Mbatha-Raw y Alison Pill comparten el protagonismo haciendo la película aún más amena.

Muy recomendable, no es necesario estar enterado del control de armas de Estados Unidos, ni de los lobbies, engancha desde la primera parte y aunque no es posible empatizar con Sloane por su personalidad tan especial, sí que se puede empatizar con la gente a su alrededor. Lo demás, ya depende si estás a favor de la 2ª enmienda, o no, así que, a disfrutar.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de mayo de 2017. Título original: Miss Sloane. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: John Madden. Guión: Jonathan Perera. Música: Max Richter. Fotografía: Sebastian Blenkov. Reparto principal: Jessica Chastain, Mark Strong, Gugu Mbatha-Raw, Michael Stuhlbarg, Alison Pill, Jake Lacy, Sam Waterston, John Lithgow. Producción: Transfilm, Archery Pictures, FilmNation Entertainment. Distribución: eOne Films. Género: thriller, drama. Web oficial: http://misssloanemovie.com/

Crítica: ‘Goodbye Berlín’

Sinopsis

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Mientras su madre está en una clínica de rehabilitación y su padre en un «viaje de negocios», Maik, de 14 años, pasa las vacaciones estivales aburriéndose en la casa de sus progenitores. Entonces aparece Tschick, un adolescente rebelde, inmigrante ruso y marginado. Decide robar un coche para alejarse de Berlín y se lleva a Maik. Aquí empieza una loca aventura y un verano que jamás olvidarán.

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Crítica

Una catarsis hacia la adultez más pasotista.

El cine buenrollista suele encontrar siempre nicho de mercado. Las películas con afán motivacional a menudo calan en el espectador si están bien construidas e interpretadas. Logran un sursum corda que saca una sonrisa a aquellos que lo experimentan. En el caso de ‘Goodbye Berlín’ casi se consigue ese efecto, lo roza pues no tiene brillantes interpretaciones ni una estructura particular o íntima, pero si alcanza cotas muy afectivas en determinados momentos.

Esta es una road movie de libro. Vivimos una experiencia liberadora mientras nuestro adolescente se adentra en lo desconocido. Él es un personaje convencido de ser un cobarde y un aburrido. Fatih Akin y Lars Hubrich resuelven a modo de metáforas los miedos del protagonista: se enfrenta a la autoridad, a sus límites, a las mujeres… Este viaje iniciático arranca con el encuentro de un amigo que le sirve de vía de escape y de canal para exorcizar sus miedos. Una figura que hace las veces de Mary Poppins para adolescentes, haciéndole ver aquello que pese a no ser exactamente lo correcto si es lo conveniente, abriéndole los ojos ante la falsedad que le rodea. Él le embarca como pasajero en un viaje a la adultez en el que el coche es otro de los protagonistas pues también es capaz de cambiar con el tiempo y ser artífice de su destino. En resumen, lo que vive el personaje interpretado por Tristan Göbel es un verano transformador.

Si digo que no tiene un esquema muy particular es porque se enmarca en demasía dentro de las populares películas sobre incomprendidos e incluso sobre el actual bullying. Su argumento es extremadamente convencional y su tono tiene el mismo carácter de una onda sinusoidal, sube y baja sin aclararse realmente con su intención final. Los padres disfuncionales y complacientes que tiene el chaval alemán nos transportan a un drama que rompe el personaje de Anand Batbileg adentrándonos en una trama tan surrealista como las películas de los Coen. Se queda en tierra de nadie entre la comedia y las películas de autoayuda.

La música por el contrario si parece tener un propósito más claro. Procura imbuir en el espectador ciertas sensaciones o emociones de un modo acertado, cambiando según la etapa en la que nos encontremos. Pero también hay un leitmotiv musical al que te amoldas y se acostumbran los protagonistas. Un tema que es el mismo pero que parece cambiar con tan solo estar ubicado en distintos puntos y climax del filme. Al igual que el protagonista, es el miso pero realmente ha mutado gracias a la visión de Akin.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de mayo de 2019. Título original: Tschick. Duración: 93 min. País: Alemania. Dirección: Fatih Akin. Guión: Lars Hubrich. Música: Vince Pope. Fotografía: Rainer Klausmann. Reparto principal: Tristan Göbel, Anand Batbileg, Nicole Mercedes Müller. Producción: Lago Films. Distribución: Golem Distribución. Género: comedia. Web oficial: http://www.studiocanal.de/kino/tschick

Crítica: ‘Alien: Covenant’

Sinopsis

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Todo está tranquilo a bordo de la nave espacial Covenant. La tripulación y el resto de las 2.000 almas que viajan en la pionera nave, están sumidos en un profundo hipersueño, dejando que el sintético Walter recorra él solo los pasillos. La nave está en ruta al remoto planeta Origae-6, donde, en el lejano extremo de la galaxia, los colonos esperan establecer una nueva avanzadilla de la humanidad. La tranquilidad queda hecha añicos cuando el estallido de un incendio en una estrella cercana destroza las velas recolectoras de energía de la Covenant, provocando docenas de bajas y desviando la misión de su curso.

Los miembros de la tripulación que sobreviven no tardan en descubrir lo que parece ser un paraíso inexplorado, un tranquilo Edén de montañas coronadas por nubes y árboles que se alzan, inmensos; mucho más cercano que Origae-6 y, potencialmente, igual de viable como hogar. Sin embargo, lo que han encontrado es un mundo mortífero y siniestro lleno de vueltas y revueltas inesperadas. Enfrentándose a una terrible amenaza que rebasa su imaginación, los exploradores, acuciados por las dificultades, deben tratar de llevar a cabo una angustiosa huida.

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Crítica

El sastre corta con el mismo patrón pero empleando distintas telas.

‘Alien: Covenant’ sigue el mismo corte que la película original de ‘Alien’ y de muchas que le precedieron. A saber, un grupo de personas ajenas a lo que se les avecina es atraída por algo misterioso que les hará huir despavoridos mientras uno a uno van cayendo. Ahora bien, ¿porqué no leeréis una crítica totalmente destructiva a partir de ahora? En primer lugar porque ese no me parece un estilo respetuoso y en segundo lugar porque hay cosas que me han agradado y las justificaré.

Por si no os ha quedado claro la saga de Ridley Scott ya no pertenece al género del terror. Por supuesto que sigue siendo ciencia ficción, de la buena, pero esa ambientación y ritmo que la hacían ser aterradora se ha abandonado. Esto se ha hecho a favor de narrarnos la historia de la creación de los xenomorfos, algo que se nos prometió y que por fin hemos visto. Eso me ha agradado mucho por la coherencia que se le ha dado pero… ¿hacen falta tres películas para ello y para conectar con las películas originales? Porque en esta segunda entrega de la nueva tanda de películas aún no se ha conectado del todo.

Se sigue con el reto de enfrentar al hombre con sus creadores, pero me ha decepcionado el hecho de que no se ahonde en la civilización de los ingenieros. En lugar de ello todo gira en torno al papel que ejerce Fassbender. En esta película ha tenido que interpretar dos vertientes diferentes de los robots de la Weyland Industries. Por un lado le podemos etiquetar como un autómata con complejo de replicante y por otro como uno mucho más fiel a las tres leyes de la robótica de Asimov. Dicho esto me gustaría añadir que en el tráiler de ‘Blade Runner 2049’ aparece un ingeniero ¿también va a conectar con esas películas o es un simpático guiño? En cualquier caso la actuación del actor alemán es impecable y el guión de Michael Green para él no podía ser más interesante, aunque no novedoso.

Esta película no es una obra maestra, posee más de un error. Pero si se ha visto antes ‘Promethus’ se disfruta y entiende mejor. Es más, para aquellos que hayan visto poco cine o solo hayan visto el anterior filme de la saga ‘Alien’ les puede pillar desprevenidos el cliffhanger y giro final. Al resto no les parecerá ni cliffhanger, de previsible y obvio que es. Esto puede ocurrir con los espectadores jóvenes que seguramente también disfruten de las criaturas y naves recreadas con un CGI bastante competente. Pero los amantes de las cintas del siglo pasado echarán en falta la animatrónica y los trajes, por muy bien que haya realizado los movimientos de los aliens el español Javier Botet.

Pero no quiero cerrar la crítica sin hablar de un nombre muy sonado en el reparto, James Franco. Vale que aceptemos que el rol de Franco no es el de ser el padre de Ripley como apuntaron muchos rumores, eso habría sido demasiado casual además. Pero su intervención en la cinta es más sorprendente de lo que esperaba, y me refiero a una sorpresa temprana de estupefacción o desconcierto.

Y hablando de cosas breves os invito a ayudarme con unas ilustraciones que aparecen en el filme. No he logrado averiguar si son originales de H.R. Giger o si son imitaciones de su estilo. En cualquier caso es buen homenaje. Como lo ha sido también la dedicatoria final a la también fallecida Julie Payne. Una colaboradora de Ridley Scott en películas como ‘Gladiator’ o ‘Thelma & Louise’.

Si queréis que sintetice diré que precisamente lo relacionado con los sintéticos, con Fassbender, es lo más original (dentro de lo que es esta saga, no del cine en general). Lo que sucede con el resto de la tripulación es lo peor pues resulta monótono.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de mayo de 2017. Título original: Alien: Covenant. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: Ridley Scott. Guión: John Logan, Dante Harper. Música: Jed Kurzel. Fotografía: Dariusz Wolski. Reparto principal: Katherine Waterston, Michael Fassbender, Demián Bichir, Danny McBride, Noomi Rapace,  Billy Crudup, Carmen Ejogo, Jussie Smollett, Amy Seimetz, Callie Hernandez, Benjamin Rigby, Alexander England, James Franco. Producción: 20th Century Fox, Scott Free. Distribución: 20th Century Fox. Género: ciencia ficción, terror. Web oficial: http://www.alien-covenant.com/