Montañas vascas, siglo XVII. En plena caza de brujas, Kattalin huye de su marido, abandonando el caserío en mitad de la noche. Perdida en la negrura del bosque, siente una presencia que la persigue. En su camino, se topa con tres mujeres que, mientras lavan la ropa junto al río, comparten cuentos de miedo y habladurías del pueblo. Para su asombro, Kattalin acabará convirtiéndose en parte de esas mismas historias.
Crítica
Terror, belleza visual y memoria histórica que no caerá nunca en el olvido de la noche de los tiempos
Paul Urkijo Alijo regresa con su apuesta por el cine fantástico hecho dentro de nuestras fronteras y con su gran labor de inmortalizar en los medos modernos aquellas historias tradicionales del País Vasco que podrían caer en el olvido. Y lo hace partiendo de lo que ha demostrado que domina a la perfección: el diálogo entre lo mitológico, lo histórico y lo oscuro.
Siempre ha arrancado sus narraciones con una escena potente y en esta ocasión no hace menos. Al igual que en ‘Errementari’ dispone de una animación que narra un relato antiguo, poniendo los pelos de punta, rememorando cuentos populares, generando escalofríos. Esa atmósfera narrada, esa voz que arranca desde la tradición oral, es el primer acierto de este filme que nos marca el camino hacia un viaje por cuentos y terrores muy vinculados con la naturaleza, lo ancestral y por supuesto lo oculto en las sombras de la noche y el olvido impuesto por las nuevas religiones.
Aunque no se trata de una antología, ‘Gaua’ funciona como un mosaico: muchas historias vividas o sus sombras en la España del pasado laten tras los cuentos que se cuentan entre mujeres junto al río o en el bosque. Kattalin, la protagonista que huye de su marido en plena caza de brujas del siglo XVII, se topa con tres mujeres que lavan la ropa, comparten supersticiones, cuentos escalofriantes y habladurías populares. Poco a poco, lo que parecía relatos ajenos se vuelve personal: ella misma será protagonista de esas historias. Su historia es la de tantas mujeres que sufrieron persecuciones y maltratos injustos. Con esto y con su frase final, ‘Gaua’ carga contra todo aquello que ha creado estigmas o ha arruinado vidas: el odio, la envidia, el tradicionalismo más rancio. El film no se limita a asustar o a impactarnos visualmente, reclama memoria, reparación simbólica, denuncia.
El vestuario de época es impresionante: cada prenda, cada textura, cada corte parece hallada en documentos o recreaciones del siglo XVII y convive con vivacidad con las escenas oscuras. Se respira autenticidad, incluso cuando la fantasía va filtrándose. La iluminación está muy bien trabajada, especialmente porque transcurre casi siempre de noche: Urkijo ya ha mostrado destreza en escenas oscuras en ‘Errementari’ o ‘Irati’. Aquí, la oscuridad no es escusa sino materia prima: sombras que devoran, luces de fuego, antorchas, reflejos de luna, las confusas sombras del bosque. La fotografía no tiene nada que envidiar a la de Robert Eggers: hay momentos de una belleza visual apabullante, casi pictórica, que se cruzan con escenas de terror puro, de esas que no se olvidan.
Además, uno reconoce elementos de la cultura vasca difundidos con cariño y conocimiento: la flor en la puerta de la casa de la protagonista (el Eguzkilore), el ser demoníaco contando contar garbanzos o maíz sin poder resistirse a ello, supersticiones rurales, leyendas pasadas de boca en boca hasta llegar al film. Esa textura cultural dota de riqueza al relato, de densidad. Urkijo no sólo está recreando un mundo histórico-fantástico: está recuperando voces acalladas, historias olvidadas. Si un servidor, nacido y criado en la provincia de Salamanca, ya reconoce esos pequeños y específicos elementos sin necesidad de explicación alguna es que Paul Urkijo está consiguiendo su encomiable objetivo.
‘Gaua’ termina siendo algo más que un film de terror o fantasía: es un acto de reivindicación, de reconciliación con la noche, con lo femenino, con lo mítico y lo humano. Para quienes aman el cine visualmente potente, con carga simbólica y con raíces culturales profundas, este film será de los que perduran. Con todos estos detalles cabe decir que Paul Urkijo Alijo es hoy por hoy el mayor exponente del folk horror en España.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de noviembre de 2025. Título original: Gaua. Duración: 87 min. País: España. Dirección: Paul Urkijo Alijo. Guion: Paul Urkijo Alijo. Música: Maite Arroitajauregi, Aránzazu Calleja. Fotografía: Gorka Gómez Andreu. Reparto principal: Yune Nogueiras, Ane Gabarain, Elena Irureta, Iñake Irastorza, Xbi “Jabato” López, Erika Olaizola, Elena Uriz, Manex Fuchs, Elias García, Laura Iturregi. Producción: Irusoin, Ikusgarri Films, Gaua AIE, Vilaüt Films. Distribución: Filmax. Género: fantástico. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/gaua/307
En una invasión alienígena, Rita revive el mismo día, muriendo repetidamente mientras se vuelve guerrera. Descubre a Keiji, otro atrapado en el ciclo.
Crítica
Magnífica re-interpretación que aboga por vivir pese a entretener con la muerte
En el pasado los videojuegos eran secuenciales, con un solo sentido en la partida, pasos y ataques fijos y constantes para los enemigos y sin posibilidad de guardar partida, si te mataban volvías a empezar. Un claro ejemplo de ello es el ‘Dragon’s Lair’. Si querías ganar tenías que ir aprendiendo cada uno de los movimientos y situaciones que se te planteaba. Esa sensación de peligro y repetitividad es la que se traslada a la protagonista de esta historia que vive una y otra vez una invasión extraterrestre.
Con algunos cambios, principalmente en lo estético, ‘All you need is kill’ de Kenichiro Akimoto adapta el manga homónimo que en su día inspiró Al filo del mañana, la película protagonizada por Tom Cruise y Emily Blunt. En este futuro en el que arranca una la guerra contra una especie alienígena implacable, los humanos protagonistas han de convertir sus exoesqueletos de trabajo en unos de combate y ayudarse de sus vanguardistas gadgets.
La historia, como en el manga y el filme, gira en torno a un bucle temporal que obliga a su protagonista a revivir la misma batalla cada vez que muere. La diferencia aquí radica en el tono: lejos de resultar reiterativo o agotador, Akimoto logra dotar de ritmo y curiosidad a cada nuevo ciclo. La repetición se convierte en aprendizaje, y el aprendizaje en desesperación, pero también en humor. Hay momentos en los que morir se vuelve casi cómico, mientras que en otros el dramatismo se impone con crudeza.
El resultado es una obra de ciencia ficción bélica muy imaginativa, que equilibra acción y reflexión sin perder su espíritu de entretenimiento. Lo más destacable es su apartado visual: el dibujo de Akimoto es angular y vivo, con una paleta de colores intensa que recuerda más a la novela gráfica europea que al anime japonés. Las líneas duras y los trazos que esquivan las redondeces alejan a los personajes de los estereotipos estéticos del manga comercial, lo que les otorga una personalidad diferenciativa.
En lugar de apoyarse únicamente en la comedia o la acción, Akimoto desarrolla una historia sobre la resiliencia, la pérdida y la necesidad de encontrar sentido en la vida. En una historia en la que parece que lo importante es matar, el guión encuentra una manera de clamar por vivir con ganas cada nuevo día. Y al centrar la narración en la perspectiva femenina (la soldado que en ‘Al filo del mañana’ encarnó Emily Blunt), el relato adquiere un tono más emocional y empático. La guerra deja de ser una prueba heroica y se convierte en una experiencia íntima de resistencia.
‘All you need is kill’ es un ejercicio de fidelidad y justicia hacia el material original, pero también una reinterpretación visual y narrativa que profundiza en lo humano dentro de lo mecánico. Akimoto no solo adapta un manga; lo hace renacer.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: All you need is kill. Duración: 82 min. País: Japón. Dirección: Kenichiro Akimoto. Guion: Yûichirô Kido, Hiroshi Sakurazaka. Música: Yasuhiro Maeda, Akasaki. Reparto principal (doblaje original): Ai Mikami, Natsuki Hanae, Kana Hanazawa, Hiccorohee, Mo-junior. Producción: Studio4ºC. Distribución: por determinar. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial: https://aynk-anime.com/
Mitos como Dante, Kaufman, Crampton y Band reciben sus justos aplausos del fandom
Hoy ha sido el día en el que nuestra niño y adolescente interior se han reencontrado. Hemos coincidido con Joe Dante (‘Gremlins’), Lloyd Kaufman (‘El vengador tóxico’) y BarbaraCrampton (actriz) y Richard Band (compositor) de ‘Re-animator’. Con todos ellos hemos tenido encuentros muy de cerca y podemos aseguraros que son francamente cercanos a pesar del gran legado que han dejado en el fantástico.
Lloyd Kaufman nos ha concedido una entrevista que podréis ver pronto en nuestro canal de Youtube. El artífice de las películas de la Troma además ha estado en un encuentro con fans. Hemos comprobado como las películas que ha hecho siempre son fiel reflejo de su personalidad. Es una persona que no sabe responder a una pregunta sin tener un chiste en la boca. Muy divertido, muy sensato y muy consciente de que hay que agradecer a todo lo que rodea al cine independiente y a festivales por dar voz a su cine. Es un un chorro de energía con patas. “Hago muchas bromas, pero de verdad estoy agradecido al festival y a Angel Sala por estar aquí” dijo en varias ocasiones. “La comedia es subjetiva, lo que hace gracia en California a lo mejor no hace gracia en España” comentó. “El vengador es una re-imaginación a la que el público general le puso las pilas. Pero ahora surgen talentos de la escuela de la Troma como James Gunn, quien ha hecho historia. Hacía mis películas y ahora tiene su estudio, hace ‘Superman’…” dijo orgulloso. Sus películas se han basado siempre en usar efectos prácticos y le preguntaron al respecto: “el CGI o la IA son grandes herramientas. Si te gustan… Hay quienes van a los Oscar diciendo, “no usen IA” (con tono burlón). El punto es, que no quieren competencia. Creo en la mezcla de ambas técnicas”. Ya fuera de micro Kaufman nos ha contado que tiene o tuvo un acuerdo con Santiago Segura para rodar una película de El Vengador Tóxico.
Por otro lado hemos estado en otro encuentro con público con Joe Dante, podéis encontrar algunos fragmentos en los shorts de nuestro canal de YouTube y en nuestras redes sociales. Recibió preguntas sobre si tenía futuros proyectos, reiterando qeu está retirado. Evidentemente surgió la pregunta ¿qué pasa con Gremlins? Pero el tema se derivó más hacia las nuevas tecnologías que hacia una tercera entrega o a la bastante ignorada serie de HBO: «normalmente me preguntan por la 3. El tema de la IA para recrear gremlins es interesante. Se está usando bastante en política y anuncios. Puedes hacer una película entera en unos días con un ordenador. Es el futuro» atajó. Cabe señalar que previamente, en su primera declaración, se declaró en contra de Trump y todo el tema del Nobel de la Paz. Durante la charla se habló de ‘The ‘Burbs’ y su relación con , su live action con los Looney Tunes, de las lecciones que extrajo en su época con Roger Corman, de cómo contribuyó a la serie ‘Police squad’ de la cual surgió ‘Agárralo como puedas’. Y quizá ahí llegó la declaración más dolorosa o llamativa, rechazó en su día dirigir ‘Airplane’, conocida en España como ‘Aterriza como puedas’.
Sin duda una de las películas que más esperaba de este Sitges Festival y por supuesto de este año y qué deciros, que me ha gustado. Es una cinta que no da para mucho, de ahí su duración y sin duda la estrella es Indy, ese perro que ve presencias y que solo quiere intentar alejarlas de su dueño.
La cinta está bien dirigida, además juega muy bien con el entorno, una casa vieja llena de recovecos y con un montón de materiales por todos lados capaces de crear infinidad de sombras. Además, como digo, está Indy, este perro es una maravilla y es que actúa muy bien. Para ello han contado con más de 3 años de rodaje para que el animal pudiese tener sus descansos y poder sacar lo mejor de él como actor y es que Indy es el compañero del propio director y por supuesto nadie quería que sufriese estrés.
‘Good Boy’ os va a gustar si no esperáis demasiado de ella y disfrutáis con una buena dosis de tensión y algún susto que otro.
Qué maravilla y que locurón. Un slasher en el que el asesino es un chimpancé que pertenecía a una familia. La rabia siempre ha sido protagonista de muchas películas y aquí la vemos más desatada que nunca. Increíble cinta llena de violencia y muertes salvajes. Con unos increíbles efectos especiales. El mono es una pasada, está súper bien hecho.
Una de las cosas que más me ha gustado ha sido que la película dura muy poquito y aún así va al grano. Con una leve presentación de personajes, lo suficiente para que los conozcas un poquito y no les cojas demasiado cariño, después de esto, preparaos para la fiesta. Sin duda una de las grandes sorpresas del festival y ya os digo, sorpresa de 2026 pues llega a cines en enero gracias a Paramount Pictures.
‘Rabbit Trap’, dirigida por Bryn Chainey, se mueve entre el desconcierto y la fascinación. Protagonizada por Dev Patel, supone un giro extraño en su carrera tras ‘Monkey Man’ y sus colaboraciones con Wes Anderson. Aquí encarna a un obsesivo del sonido que, junto a Rosy McEwen (magnética y con un aire a Nicole Kidman) explora grabaciones que van más allá del ASMR hasta rozar lo ancestral.
El filme combina folk horror, psicofonías, traumas y rituales, con imágenes hipnóticas donde las ondas sonoras se funden con bandadas de pájaros. Sin embargo, el montaje confuso y el exceso de simbolismo dejan demasiadas preguntas abiertas, frustrando parte de su potencial.
Es un experimento visual y poético difícil de ignorar y también de aprobar que está más cerca del terror elevado que del folk horror. Arriesgada, críptica y perturbadora, confirma a McEwen como revelación y coloca a Patel en una de las etapas más desconcertantes de su carrera.
Después de liarla tras robar el oro de la peligrosa banda de criminales liderada por Sugarman, Tornado se ve envuelta en una terrible lucha de supervivencia. Cuando asesinan a su padre, ella intentará vengarse. ‘Tornado’ ha sido una grata sorpresa. No me esperaba mucho de este western y la verdad que está muy bien dirigido. Con un reparto lleno de estrellas, Tim Roth, Takehiro Hira, Jack Loeden o Rory McCann. La película es ágil y tiene unas imágenes bastante intensas.
John Maclean, director y guionista de la cinta, nos muestra que a día de hoy se pueden hacer buenas películas sin mucha complicación. En la fotografía encontramos a Robbie Ryan, encargado de darnos unas imágenes preciosas llenas de fuerza y con muchos detalles de los verdes bosques de Escocia, donde está ambientada la cinta. Un gran acierto al ser un lugar distinto con el que pueden jugar con la naturaleza que hay alrededor. ‘Tornado’ es una propuesta interesante y diferente.
‘Xana y el secreto del tiempo (The Girl Who Stole Time)’ es un film de animación chino que deslumbra por su calidad técnica: partículas, pelos, materiales y paisajes con un nivel casi hiperrealista. No obstante, los protagonistas tienen un acabado plástico que resta expresividad emocional.
La película propone una aventura con resonancias de Tintín, Indiana Jones o Lara Croft, combinando objetos mágicos, amistad, viajes y un componente de ciencia ficción gracias al viaje en el tiempo, evocador de ‘Prince of Persia’ o ‘Flash’.
El mayor acierto es su escala visual y la imaginación del guion; el mayor defecto, cierta rigidez expresiva en momentos importantes. En definitiva, una aventura cautivadora, visualmente sorprendente, para quienes valoran tanto la fantasía como la animación oriental.
‘Blazing Fists’ (también conocido como ‘Blue Fight: The Breaking Down of Young Blue Warriors’) es una película decente, con momentos memorables, sobre todo para quienes disfrutan del Takashi Miike más emocional y menos inclinado al exceso grotesco. Pero si esperas algo del Miike que rompe expectativas constantes, muy cargado de fantasía absurda o violencia radical sin filtro, este no es el momento. Es más un drama sobre la identidad, la culpa, la lealtad, envuelto en peleas sangrientas y espectáculos juveniles. Si te acercas con ese ánimo, puede funcionar. Pero sobre todo ten en cuenta que el filme parece hecho para un público muy fan y muy juvenil pues tiene varias escenas un tanto videoclipistas, enseñando cacho y sobretodo recreándose con el rostro de los protagonistas. De hecho, hay en el reparto varios idols como Gackt o Kaname Yoshizawa.
Sexo, violencia y cantidad ingentes de sangre es lo que vemos en las películas de la Troma. Cintas como ‘El Vengador Tóxico’ o ‘Tromeo y Julieta’ son parte de su catálogo. Cine independiente que necesita cierto presupuesto para poder seguir existiendo. De ahí está esta incursión a Cannes en busca de distribución para su último trabajo, ‘Return to Return to Nuke ‘Em High’’.
En el documental vemos cómo van poco a poco van liándola por la ciudad francesa mostrando cómo son ellos y su cine, con pancartas, su personaje de Toxie, su gente desnuda corriendo… Por supuesto todo en nombre del arte, algo que a la policía francesa no hizo nada de gracia. El documental es un poco queja de cómo se trata al cine independiente. Y también es una carta de amor hacia el trabajo de esta compañía.
Ikuto y Ryoma se conocen en un centro de detención juvenil y se convierten en mejores amigos. Ambos persiguen su sueño de participar en el evento de artes marciales Breaking Down. Sin embargo, las rivalidades pronto convierten sus sueños en conflictos inesperados.
Crítica
Cuando Miike se aleja del manga y se acerca el rollo idol malote
Takashi Miike lleva décadas sorprendiendo con géneros extremos, violencia estilizada, películas de horror, de crimen, experimentales… pero si te gusta Miike, vete olvidando de esta película, porque ‘Blazing Fists’ no es una de las suyas habituales. No es adaptación de manga, ni comedia absurda, ni fantasía hortera. Esta vez opta por algo distinto: un drama centrado en dos jóvenes guaperas que se conocen en un reformatorio y deciden entrar en un reality show de kickboxing / MMA. Esa premisa sugiere algo al estilo Street Fighter o Tekken. “Quiero ser tu freno” le dice una chica a uno de los protagonistas declarándole su amor y su intención de sacarle de la mala vida. Parece que este filme es un freno momentáneo a las locuras de Miike pues decide ir más por los derroteros de una historia sencilla en la que se tocan de soslayo temas como la culpa, la superación o los estigmas que se crea uno mismo o se heredan de los padres.
El sentido de la violencia y el espectáculo es auténtico. Cuando hay peleas, y sobre todo en la parte final, hay intensidad, edición certera, sonido que golpea. Miike demuestra que sigue sabiendo componer escenas de combate visual y callejero. Junto a eso están los temas de culpa y redención, presentes con cierta honestidad y se logra en puntuales momentos intensidad moral y drama real, no solo efectismo. Se supone que ese drama se ve cimentado con historias paralelas o ampliadas. Sin embargo, hay demasiadas digresiones, personajes secundarios que se olvidan largos tramos, momentos de ritmo lento, pausa que no conduce al conflicto evidente.
Se supone que estamos rodeados constantemente de tipos malos: el convencional, la banda callejera, los moteros que rozan la Yakuza… Pero los actores protagonistas, a priori parte de ese ambiente, no dan siempre la talla como calaña de la sociedadd. Eso sí, se esfuerzan durante las peleas, pero muchas veces sus conflictos internos o sus expresiones dramáticas no convencen del todo. Parecen estrellas de marketing, figuras atractivas más que personajes con peso. Esto se ve agravado por escenas que parecen hechas para público geográficamente joven, para culturizar idols.
A pesar de los recursos visuales y la violencia, ‘Blazing Fists’ tiene una identidad de género algo difusa: ¿es un drama, es un filme de deporte, es un coming-of-age, es un espectáculo de acción? A veces la mezcla funciona, otras veces confunde, y el clímax parece prometer algo más potente de lo que finalmente da. Hay tramos en los que uno desea que se decante por algo similar a ‘The Warriors’ y en otras ya prefieres que se incline por el drama carcelario tipo ‘En el nombre del padre’. Pero ni lo uno ni lo otro.
‘Blazing Fists’ (también conocido como ‘Blue Fight: The Breaking Down of Young Blue Warriors’) es una película decente, hecha sobre todo para quienes disfrutan del Miike más emocional y volcado con los nuevos talentos. Pero si esperas algo del Miike que rompe expectativas constantes, muy cargado de fantasía absurda o violencia radical sin filtro, este no es el momento. Es más un drama sobre la identidad, la culpa, la lealtad, envuelto en peleas sangrientas y espectáculos juveniles.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Blazing Fists. Duración: 119 min. País: Japón. Dirección: Takashi Miike. Guion: Yuya Aoki. Reparto principal: Gackt, Wataru Ichinose, Kaname Yoshizawa, Nobuaki Kaneko, Karuma, Konatsu Kato, Danhi Kinoshita, Mariko Shinoda, Katsunori Takahashi. Producción:Distribución: por determinar. Género: acción. Web oficial: https://bluefight.jp/
El matrimonio de músicos compuesto por Daphne y Darcy Davenport se muda de Londres al campo galés para grabar un nuevo álbum. Accidentalmente graban un sonido místico, desconectándose lentamente de la realidad.
Crítica
El salto extraño de Dev Patel hacia el folk horror experimental
Muchos son los que se quieren sumar a la pequeña moda que existe dentro del terror que consiste en revivir o re-imaginar el folk horror. Pero algunos se pasan de rosca retorciendo el género o buscando darle otros significados. Ese es el caso de ‘Rabbit Trap’ la película dirigida por Bryn Chainey.
‘Rabbit Trap’ es una película que se mueve entre el desconcierto y la fascinación. Protagonizada por Dev Patel, el actor británico que parece atravesar una etapa singular en su carrera, el filme nos aleja de la épica de acción de ‘Monkey Man’ (su debut como director) y del estilo meticuloso que conoció en su colaboración con Wes Anderson, para adentrarnos en un terreno mucho más incómodo: el folk horror con tintes psicológicos y ritualistas.
Patel interpreta a un obsesivo del sonido, un hombre que junto a su compañera de experimentos (encarnada por Rosy McEwen) intenta ir más allá de la simple experiencia auditiva para la grabación de su próximo álbum. No se conforman con grabaciones propias de las modas del ASMR, sino que llevan sus obsesiones sin querer hasta un nivel que conecta con lo ancestral. McEwen, cuya expresividad y gestualidad recuerdan a Nicole Kidman en su juventud y en sus años de exploración dramática, aporta a la historia un equilibrio inquietante: es cómplice, musa y espejo distorsionado del protagonista. Su trabajo no se limita a ser una sombra secundaria, sino que brinda densidad emocional a los dilemas de la trama.
Uno de los aspectos más llamativos de la película son sus experimentos formales. Bryn Chainey convierte la experiencia sonora en un espectáculo visual: las ondas captadas en un osciloscopio se funden con la coreografía de bandadas de pájaros en el cielo. Es una apuesta arriesgada, casi hipnótica, que conecta con la idea de que los sonidos son también formas, vibraciones que hablan un lenguaje oculto. El campo, como escenario de grabaciones y rituales, se convierte en un territorio liminal donde lo cotidiano se pliega hacia lo espectral. Todo esto suena a excesivamente intrincado y el resultado es una especie de propuesta a medio camino entre el folk horror y el terror elevado.
‘Rabbit Trap’ se adentra en los territorios de la parálisis del sueño, las psicofonías y los traumas psicológicos. El filme bebe de tradiciones ritualistas y de saberes ancestrales para articular su metáfora central: la trampa de conejo. En esencia, ofrecer a la presa lo que más desea para capturarla, una imagen poderosa que sirve como brújula de los conflictos personales y colectivos que atraviesan a los protagonistas. Pero tanto el desarrollo como la conclusión dejan excesivos detalles a la interpretación y se ofrecen muy pocas respuestas que sean claras o explícitas. Para más inri el montaje resulta confuso en varios tramos, con transiciones abruptas que dejan la sensación de que solo el guionista podría desentrañar ciertos símbolos. La fuerza visual está ahí, cautivadora y ambiciosa, pero a menudo se topa con un hermetismo que frustra al espectador.
‘Rabbit Trap’ es un experimento cinematográfico que no teme perderse en sus propios laberintos. Para Dev Patel supone un giro extraño pero interesante, mientras que Rosy McEwen se confirma como una presencia magnética que equilibra lo caótico. Por otro lado, la tercera y única compañera de reparto, Jade Croot, consigue la mejor interpretación con un personaje que llega a cabrear hasta a los espectadores, siendo ese su cometido. Bryn Chainey entrega una obra imperfecta, a veces excesivamente críptica, pero con un pulso poético y perturbador que la hace tan difícil de ignorar como de aprobar.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Rabbit trap. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: Bryn Chainey. Guion: Bryn Chainey. Música: Lucrecia Dalt. Fotografía: Andreas Johannessen. Reparto principal: Dev Patel, Rosy McEwen, Jade Croot. Producción: SpectreVision, Align, Bankside Films, Carte Blanche, Mad As Birds, Wiser Films. Distribución: por determinar. Género: terror, suspense. Web oficial: https://www.spectrevision.com/films/rabbit-trap
Un asesino frío y una alegre chica pescadora, unidos por la rueda misteriosa del tiempo, viven una aventura romántica donde el tiempo se detiene por su amor.
Crítica
Pese a su plasticidad es una aventura fantástica entrañable
‘Xana y el secreto del tiempo (The Girl Who Stole Time)’ es una película que deslumbra visualmente y propone una aventura clásica pero ambiciosa, que recuerda en sus mejores momentos a grandes éxitos del cine de animación reciente como ‘Ne Zha’ o ‘Deep Sea’. Matmitako Films posee los derechos del filme en España, lo que garantiza que el público hispanohablante asistirá a verla en cines o en plataformas.
Desde el primer fotograma, la calidad técnica impone: partículas, pelos, materiales, texturas y paisajes están tratados con un nivel impresionante. En muchos pasajes, el paisaje parece cobrar vida, las superficies reflejan la luz como si existieran de verdad. Sin embargo, hay un contrapunto evidente: los protagonistas, con su aspecto de figuras de plástico, muestran una plasticidad que roba naturalidad. Esta elección estilística, que podría entenderse como parte del encanto visual, termina reduciendo la expresividad en momentos emotivos, sobretodo teniendo en cuenta que esto también es un romance. Lo que pierde en gestualidad lo gana en estilo, pero no siempre el equilibrio se sostiene.
El guion toma elementos de aventuras clásicas para una protagonista tipo Tintín, Nathan Drake, Indiana Jones, Lara Croft… y los mezcla con historia de amor, objetos fantásticos y viajes. También con personajes extraños y ladrones que nosnrecuerdan a ‘LupinLa historia se enriquece con el factor de viajes en el tiempo, lo que abre posibilidades de juego narrativo interesantes como en ‘Prince of Persia’ o en algunas aventuras de ‘Flash’ y añade un motivo de tensión dramática más allá de lo meramente visual. Además, hay un guiño muy cinefilo al estilo de Cinema Paradiso, un amor al cine que atraviesa la película como un filigrana: la inocencia de los personajes jóvenes, la nostalgia por imágenes antiguas, el contraste entre lo cotidiano y lo mágico que venos en el celuloide.
En cuanto a ritmo y montaje, ‘Xana y el secreto del tiempo’ acierta en mantener el interés con escenas ágiles y graciosas. No obstante, la sobrecarga visual puede jugar en su contra: cuando los personajes parecen demasiado plásticos, se diluye algo del dinamismo emocional, pues cuesta empatizar plenamente en ciertas escenas de diálogo íntimo. El contraste entre lo espectacular y lo íntimo es fuerte, y la película se esfuerza por encontrar un punto medio.
‘Xana y el secreto del tiempo’ es una película de aventuras animadas que brilla por su impresionante factura técnica, por el ambicioso uso de los viajes en el tiempo y lo fantástico, y por su homenaje al cine clásico de amor y aventuras. Su gran logro está en lo visual y en la imaginación expansiva del guion. Su principal punto débil es la expresividad de los personajes, pues que en ocasiones el corazón de la historia se siente algo frío. Aun así, es una conquista notable y entretenida, recomendada para quienes aman la fantasía, la aventura y las imágenes poderosas. Evidentemente es un must para los que siguen de cerca a la creciente industria china de la animación.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de febrero de 2026. Título original: Shi Jian Zhi Zi. Duración: 106 min. País: China. Dirección: Ao Yu, Zhou Tienan. Guion: Yicheng Shu, Ao Yu, Tienan Zhou. Música: Xie-Loussignian Yun. Reparto principal (doblaje original): Xiaoyu Liu, Karry Wang, Huang Bo. Producción: Tianjin Maoyan Weying Media. Distribución: Marmitako Films. Género: ciencia ficción.
Alpha es una problemática niña de 13 años que vive con su madre soltera. Su mundo se derrumbará el día que vuelve del colegio con un tatuaje en el brazo.
Crítica
Un pornodrama que deja pétreo tanto a sus personajes como a espectadores
Con ‘Alpha’, Julia Ducournau confirma que su cine no teme al abismo ni a la incomodidad. Tras la desconcertante ‘Titane’, esta nueva película logra ser más coherente, más emocional y con un mensaje mucho mejor articulado. La directora francesa parece haber encontrado un equilibrio más sólido entre su body horror y lo simbólico: la historia de una epidemia que convierte la piel en mármol funciona como metáfora de la fragilidad humana, del miedo al contagio y la negación a despedirnos de seres queridos. Hay ecos de los años ochenta y noventa, de aquel cine que hablaba del VIH desde la confusión y la culpa, pero también de un presente que aún arrastra la sombra del COVID. En esa mezcla de paranoia y carne, ‘Alpha’ encuentra su tono más honesto.
Sin embargo, Ducournau no renuncia a su estilo excesivo. ‘Alpha’ es un pornodrama en toda regla: una avalancha de emociones, cuerpos y metáforas que a veces sobrepasa lo necesario. La película carga con tanto dramatismo y simbolismo que termina rozando el agotamiento sensorial. Su propuesta se mueve entre la crudeza quinqui y el lirismo filosófico, como si Eloy de la Iglesia se encontrara con Cronenberg en plena crisis sanitaria. Esa mezcla resulta fascinante, pero irregular. Hay momentos de brillantez genuina, otros en los que el peso del discurso ahoga a los personajes.
El reparto sostiene el pulso con una entrega admirable. Mélissa Boros aporta vulnerabilidad, Tahar Rahim desprende una energía autodestructiva magnética y Golshifteh Farahani brilla como la madre médica, aportando calma y compasión a un universo dominado por el miedo. Su presencia humaniza lo que podría haber sido un simple experimento visual. Visualmente, ‘Alpha’ es impactante: fotografía precisa, estética enfermiza, texturas casi táctiles. Cada plano parece esculpido en mármol. Pero, de nuevo, tanta perfección puede volverse fría.
‘Alpha’ es mejor que ‘Titane’, sin duda, porque logra dar forma a su mensaje. Pero sigue siendo una película que exige más de lo que ofrece emocionalmente y lleva hasta el agotamiento tanto a personajes como a espectadores. Una obra que se debate entre el caos y la reflexión, entre el melodrama y la metáfora. Hermosa, intensa, saturada y absolutamente personal. Un cine que se atreve a sentir demasiado… incluso cuando no sabe muy bien cómo decirlo.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: Alpha. Duración: 128 min. País: Francia. Dirección: Julia Ducournau. Guion: Julia Ducournau. Música: Jim Williams. Fotografía: Ruben Impens. Reparto principal: Tahar Rahim, Golshifteh Farahani, Mélissa Boros, Emma Mackey, Finnegan Oldfield. Producción: Mandarin & Compagnie, Kallouche Cinéma, Frakas Productions, France 3 Cinéma, RTBF, Proximus, BE TV. Distribución: Caramel Films, Youplanet. Género: suspense, drama. Web oficial:https://alphalefilm.fr/
Una fiesta en Polonia se convierte en pesadilla cuando un invitado llega armado con una ballesta y bloquea el sistema de seguridad. Los asistentes quedan atrapados en una noche que se transforma en una lucha por sobrevivir.
Crítica
Slasher europeo, estándar pero solvente
‘13 Days Till Summer’ es un filme europeo que se adentra en los esquemas más reconocibles del cine slasher adolescente: abusones, asesino enmascarado, muertes sangrientas, feromonas desbocadas, diversos sospechosos, personajes inutilizados en cuanto no disponen de su móvil… Pero lo hace con una energía diferente a la habitual y cierto pulso que Bartosz M. Kowalski no lograba en su obra anterior.
La trama arranca con Antek, un joven acosado en el instituto, marcado por la ausencia de su madre y una relación tensa con su hermana mayor Paula. Cuando ella decide organizar una fiesta en la casa de los padres, con sus amigos, todo apunta a una noche típica de jóvenes al borde del desfase. Pero pronto la celebración se vuelve pesadilla: desaparecen los smartphones, el sistema de seguridad inteligente que debiera protegerlos se vuelve en su contra, el asesino enmascarado emerge, y los jóvenes quedan atrapados en una casa que se convierte en un matadero.
Kowalski mejora respecto a su filme previo (‘Night silence’): la historia está más movida, con mayor kill count, menos pausas innecesarias. Su dirección fotográfica (la geografía interior de la casa, los pasillos, las ventanas, las puertas cerradas) funciona bien para generar tensión, y la máscara del asesino es uno de los puntos más fuertes: perturbadora, icónica, memorable. El diseño de la luz, los planos cerrados, los espacios confinados, todo contribuye al ambiente opresivo.
En el lado negativo, algunos personajes quedan demasiado al servicio del género. Las relaciones adolescentes, los celos, el triángulo amoroso, etc., se presentan sin demasiado matiz. Cuando los jóvenes dejan de tener acceso al móvil, su impotencia es clara, pero también algo predecible, ciertos diálogos suenan forzados, como si estuviesen ahí solo para marcar tensión o justificar sustos. El final puede pillar a más de uno desprevenido y a otros parecer excesivo.
‘13 Days Till Summer’ sobresale dentro de lo que promete ser, un slasher adolescente europeo. Kowalski ha elevado el nivel: más acción, más muertes, más ritmo. No reinventa el género, pero deja su impronta. Para fans del horror sangriento y los thrillers de invasión, este filme puede ser un hallazgo.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: 13 dni do wakacji. Duración: 80 min. País: Polonia. Dirección: Bartosz M. Kowalski. Guion: Bartosz M. Kowalski, Thor Magnusson, Mirella Zaradkiewicz. Música: Carl-Johan Sevedag. Fotografía: Cezary Stolecki. Reparto principal:Producción: Akson Studio. Distribución: por determinar. Género: terror, slasher.
En una noche de tormenta, Laura conduce por la autopista mientras mantiene una extraña conversación telefónica con su madre, Alicia. Inquieta por la reacción que ha tenido y sin poder localizar a la cuidadora, Laura pide ayuda a su exnovio Pedro, para que cuide de Alicia esa noche. Cuando Pedro llega a la casa se enfrenta a una noche aterradora en la que Alicia le propone practicar un sádico juego.
Crítica
Carmen Maura es la piedra angular de esta locura con atmósfera decrépita
‘Vieja loca’ aterriza en la cartelera envuelta en un aura de suspense heredado de los clásicos y con un aval de peso: J.A. Bayona como productor. No es un detalle menor, ya que el director de ‘El orfanato’ y ‘La sociedad de la nieve’ se adentra de nuevo en el terreno del género fantástico que tanto ha cultivado, pero esta vez desde la retaguardia. Bayona ejerce aquí de padrino y avalista, apoyando a un cineasta con el que ya había colaborado en diálogos para su último éxito.
La trama escrita por Martín Mauregui parte de una premisa sencilla que pronto se transforma en un viaje demencial. Una madre soltera, desbordada por el cuidado de su hija y de una madre que oscila entre la senectud y la locura, recurre a su expareja para que se haga cargo de la anciana. Ese gesto desencadena una de esas situaciones que, más que suponer un descenso progresivo a la locura, se convierten en un baño directo en lo demencial. Pedro (Daniel Hendler) queda atrapado en un escenario surrealista donde la cordura y los recuerdos fragmentados de Alicia (Carmen Maura) convierten la convivencia en un terreno minado.
La ambientación es uno de los grandes logros de ‘Vieja loca’. El caserón en el que transcurre gran parte de la acción es en sí mismo un personaje: paredes agrietadas, suelo crujiente, muebles desfasados y una loza que parece haber sobrevivido a otra época. Es un espacio cargado de atmósfera lúgubre, en el que uno no sabe qué tiene más goteras, si el techo de la casa o la mente de la protagonista. Pero lo que realmente eleva esta puesta en escena es la dirección de fotografía. La cámara juega con sombras, con zonas borrosas y detalles fuera de plano, generando incomodidad y sugiriendo que la verdadera locura siempre está en lo que se oculta, no en lo que se muestra abiertamente.
La película propone un pulso constante entre la cordura y la demencia. La confusión de Alicia contagia a quienes la rodean, como si sus recuerdos oxidados fueran un virus que se extiende lentamente por la memoria. Esta tensión desemboca en una dinámica que recordará a todo el mundo a ‘Misery’: el cautivo no tiene que escribir una novela, pero sí debe interpretar y seguir los delirios de su captora. En apenas media hora de metraje se establecen los códigos del subgénero de secuestros psicológicos: bucles de memoria, lagunas mentales, juegos retorcidos y escapes frustrados. El problema es que, como ocurre en muchas películas de este tipo, la reiteración de estos elementos acaba por rozar lo tedioso. Da la sensación que se pretende que la prisión mental de la protagonista sea contagiosa, pero nos podemos llegar a sentir excesivamente atrapados en una trama que no acaba de desenredarse. Hay, además, dos elementos que quedan desdibujados o mal integrados en la trama: el viaje para conocer al padre de la niña y el enigmático secreto del sótano, que no alcanzan la relevancia que parecían prometer. A ello le sumamos un final que más bien nos dice poco.
En el apartado interpretativo, el desequilibrio es evidente. Daniel Hendler no logra transmitir la desesperación y el dolor de un personaje sometido a una situación asfixiante y fuera de toda lógica. Su presencia es más plana de lo deseable en un rol que exigía matices de terror, resignación y furia contenida. En cambio, Carmen Maura está mucho más convincente. Su interpretación de Alicia, con un acento argentino resuelto con mayor o menor solvencia, se sostiene sobre la delgada línea entre la locura y la ternura. Lo hace sin caer en la parodia ni en lo histriónico, y eso convierte su trabajo en la auténtica piedra angular de la película.
‘Vieja loca’ no revoluciona el género ni aporta grandes novedades, pero sí logra construir un microcosmos inquietante en el que se mezclan las ruinas de la memoria y la tensión claustrofóbica de un secuestro emocional. Como carta de presentación para Martín Mauregui, funciona. Y como regreso indirecto de Bayona al terreno fantástico, sirve para recordar que aún tiene olfato para detectar proyectos en los que la atmósfera y la sugerencia pesan más que los golpes de efecto o los manidos scare jumps.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Título original: Vieja loca. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Martín Mauregui. Guion: Martín Mauregui. Música: Pedro Osuna. Fotografía: Julián Apezteguia, Marc Gómez del Moral. Reparto principal: Carmen Maura, Daniel Hendler, Tamara Rocca. Producción: Bambú Producciones, La Unión de los Ríos, Películas la Trini, Primo Content, Studiocanal S.A.S. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense. Web oficial:https://www.deaplaneta.com/es/vieja_loca
Homenajes y triunfos de directoras y actrices para iniciar Sitges 2025
Sitges 2025 ha arrancado con maratones y proyecciones en todas sus salas y por supuesto con la gala de inauguración tras la que hemos visto el cortometraje ‘Señuelo’ de Martha Ayerbe producido por CUPRA y ESCAC, y con el acompañamiento creativo de J.A. Bayona. Y por supuesto con la película inaugural, ‘Alpha’. Para todo esto se contó con la presencia de Julia Ducornau, autora de ‘Crudo’ y ‘Titane’. ‘Alpa’ viene de estar nominada en Cannes y otros festivales cosechando críticas muy variadas. Podéis leer nuestra pequeña opinión en este artículo o en su versión ampliada aquí.
“El mundo se ha convertido en una distopía de terror desde la última vez que estuve aquí (Sitges). Cuando era nilo tenía miedo de todo. Pero cuando descubrí el género terror al principio me tapaba los ojos, pero conseguí ver una película entera, me dio la sensación de ser mas valiente y más fuerte. El terror es un medio con el que conquistamos miedos y también para portar más empatía y comprensión. Ahora más que nunca portar esperanza con el terror es un acto de resistencia. El terror es un medio sano y poético, pero también un modo para entrar en el horror y la desgracia humana”. Esas fueron las palabras con más peso pronunciadas antes de dar paso a su último filme que ha sido el pistoletazo de salida del festival.
Carmen Maura recibió el Premio Honorífico de manos de los directores de este Sitges 2025. Tras decir eso de “¡viva el terror!” agradeció a los espectadores que la han visto en películas y que en general van al cine, con o que ha invitado a todo el mundo a vivir de nuevo la fiesta que supone ir a las salas. Mary Harron ha recogido el premio Premio WomanInFan. Con este galardón el festival ha querido homenajear a quien ha sido artífice de films como ‘American Psycho’, ‘Bettie Page’ o ‘Yo disparé a Andy Warhol’: “Es el festival más abierto de miras que conozco. No pude estar aquí cuando presentamos ‘American Psycho’ pero puedo decir que para el equipo es el festival preferido” declaró durante su discurso de agradecimiento.
Durante la maratón de inauguración hemos visto películas Como ‘Mermaid’, ‘The surrender’ o ‘13 days till summer’. los artífices de esta última estuvieron presentes para presentar este slasher que supone la segunda presencia del director Bartosz M. Kowalski en Sitges tras ‘Night silence’ (2024). De estos títulos y de algunos más que hemos visto tenéis mini-críricas más abajo.
El festival, que ya era una presencia constante en la ciudad de Sitges, ha encontrado otra manera de estar siempre en la memoria de todos los sitgetanos. Se ha inaugurado una estatua en piedra caliza en Carrer de Ramon Planes con Carrer de la Punta de les Mabres. Su autor ha sido Antoni Parera Buxeres y mide unos tres metros de altura. Por supuesto está coronada por Kong, en la misma pose que el logotipo del festival.
‘Vieja loca’ llega con el aval de J.A. Bayona como productor, apoyando a Martín Mauregui en un thriller psicológico de atmósfera enrarecida. La historia sigue a Pedro (Daniel Hendler), atrapado en el cuidado de Alicia (Carmen Maura), una anciana cuya mente se mueve entre la ternura y la locura, transformando la convivencia en un secuestro emocional. Los pormenores que nos sumergen en el decrépito caserón donde transcurre la acción son de los mayores aciertos pues es decadente, oscuro y cargado de simbolismo. La fotografía potencia la sensación de amenaza mediante sombras y desenfoques, reforzando la idea de que la verdadera locura está en lo oculto. Aunque la trama repite recursos y el desenlace resulta flojo, destaca la interpretación magnética de Maura, que sostiene una película irregular pero inquietante, ideal como carta de presentación para su director.
‘Alpha’ consolida a Julia Ducournau como una autora valiente y provocadora. Es una película más lograda y con un mensaje más claro que ‘Titane’, una fábula corporal sobre contagio, miedo y la negación a la pérdida que parece salida de la era del cine quinqui o de los tiempos de la confusión sanitaria del VIH y el COVID. Con una atmósfera asfixiante y un tono de pornodrama emocional, Ducournau ofrece una experiencia tan hipnótica como agotadora. Mélissa Boros y Tahar Rahim brillan, pero es Golshifteh Farahani quien aporta humanidad y equilibrio. ‘Alpha’ deslumbra por su poder visual y por su ambición, aunque peca de dramatismo y de exceso simbólico. Una película que se siente, tanto que agota.
Me encanta pasar miedo y con ‘Shelby Oaks’ lo he pasado. Una cinta muy sencilla, con recursos muy usados en el cine de terror y lo bueno es que sigue sorprendiendo y logrando que te quedes pegado a la butaca. Me encanta la manera en la que utiliza el falso documental con material sacado de YouTube y de cómo poco a poco vamos descubriendo imágenes más escabrosas acerca del caso que tenemos encima.
Y es que no os he explicado, en ‘Shelby Oaks’ estamos buscando a Riley y que ha desaparecido después de ir a un pueblo fantasma. Ya que junto a 3 amigos, se encargan de ir a lugares “encantados” en busca de fenómenos paranormales. De verdad, verla. Y si podéis ir a verla sin ver el tráiler, mejor que mejor. Pronto tendréis críticas completa en nuestra web y canal de YouTube.
Uno de los regresos de Sitges 2025. Bartosz M. Kowalski estuvo el año pasado y vuelve con un slasher adolescente que recoge todos los clichés del género: abusones, mobbing, asesino enmascarado, muertes violentas, jóvenes desconectados cuando no tienen el móvil….Pero los ejecuta con mayor intensidad que su película anterior. La historia arranca con Antek, un chico acosado, su hermana mayor que organiza una fiesta, amigos, tensión, y un hogar inteligente que traiciona a sus habitantes cuando el asesino cierra puertas, ventanas y seguridad digital. La dirección, el diseño visual, la atmósfera claustrofóbica y la máscara del villano funcionan muy bien. No todos los personajes están bien desarrollados, pero la suma de ritmo, la sangre y un final que puede pillar a más de uno desprevenido, son sus virtudes.
Sitges 2025 ha visto nacer la iniciativa The Dream Makers que han llevado a cabo Cupra y la ECAC. La ganadora del concurso ha podido rodar bajo la tutela de J.A. Bayona y este es el resultado. Trata de como un viaje para enseñar a un niño a cazar se convierte en una pesadilla. Original, divertido y muy bien rodado. Sin duda su directora Martha Ayerbe ha aprovechado la oportunidad. Se nota el alto presupuesto porque tenemos criatura y es una pasada el diseño y por supuesto el resultado que da en la pantalla.
Un ser de otro planeta es obligada a permanecer en la Tierra para investigar a otro de sus congéneres y ver que está planeando. Un thriller lento, curioso y con ideas muy interesantes.
Su uso de la luz, los colores, hace que ‘Infinite Husk’ tenga una fotografía preciosa. Llena de vida, energía y que tengamos la sensación continua de estar en ese espacio del que nuestros protagonistas vienen.
La película podría ser una gran cinta si no fuese por la gran cantidad de “finales” que comienza a tener. Llega un momento que ya te cansas de ver tantas posibilidades, sabiendo a dónde quieren ir desde el principio. Una pena, porque es cierto que en general la película se disfruta mucho. Aun así, no es ninguna pérdida de tiempo acercarse a ‘Infinite Husk’ donde las lecciones de ciencia están muy bien explicadas.
La novela de Joseph Conrad es de nuevo adaptada, pero esta vez nos vamos a Brasil, con su violencia, sus favelas, sus mafias, drogas y tiranos. Increíble cinta de animación, que embauca desde el minuto uno, con su música, sus movimientos extraños y sus diferentes animaciones, oscuras y otras llenas de colores.
‘Heart of darkness’ me ha parecido una gran adaptación además de una gran película. Juega muy bien sus bazas y demuestra que aún hoy, por desgracia, cualquier corazón puede corromperse. Pero también nos muestra como la bondad existe desde los lugares menos esperados. Con la voz principal de Vincent Cassel hace que le dé un toque de tremenda realidad al personaje.
Tyler Cornack mezcla lo grotesco con lo emocional. Bajo la superficie de un relato sobre una criatura asesina, late una ligera reflexión sobre la adicción, la pérdida y las relaciones enfermizas. El director emplea una metáfora de la dependencia, donde lo monstruoso sirve más como espejo que como amenaza.
Con rostros conocidos como Johnny Pemberton, Robert Patrick o un fugaz Tom Arnold en la apertura y de Kevin Dunn al final, la película propone situaciones que podrían rozar la comedia, pero su tono se hunde en una tristeza narcótica, alimentada por la apatía psicotrópica del protagonista. ‘Mermaid’ no busca asustar, sino incomodar emocionalmente: un retrato oscuro de cómo el deseo y la soledad pueden volverse la peor de las mareas. Sin duda una de las películas más tristes de Sitges 2025.
Hank Thompson (Austin Butler) era un fenómeno del béisbol en el instituto que ya no puede seguir jugando, pero todo lo demás le va bien. Tiene una chica estupenda (Zoë Kravitz), es camarero en un antro en Nueva York y su equipo favorito está sorprendentemente luchando por el campeonato.
Cuando su vecino punki Russ (Matt Smith) le pide que cuide de su gato durante unos días, Hanks se encuentra atrapado en medio de un variopinto grupo de gángsters amenazantes. Todos quieren algo de él; el problema es que él no sabe por qué. Mientras Hank intenta eludir sus cada vez más estrechas garras, tendrá que emplear toda su habilidad para mantenerse con vida el tiempo suficiente para averiguarlo…
Crítica
El ritmo de Ritchie y el absurdo de los Coen a través la lente trágica de Aronofsky
Cuando Darren Aronofsky, el autor de dramas tan densos como ‘Requiem por un sueño’, ‘Cisne negro’ o ‘La ballena’, decide arremangarse para hacer una comedia de acción como ‘Bala perdida’ (título en español de ‘Caught Stealing’), lo hace para explorar un territorio menos íntimo pero no menos demoledor. Aquí el director se adentra en la crónica criminal, con mezcla de suspense, acción, comedia ácida y personajes cargados de cicatrices (emocionales, físicas, morales) en un Nueva York mugriento (y vibrante) de finales de los 90.
La película arranca (además de con un plano de las Torres Gemelas) con lo que parece un encargo banal: cuidar el gato de un vecino punk británico. Pero ahí se dispara todo pues el protagonista, sin comerlo ni beberlo, se ve metido en un berenjenal del que no sabe ni cómo salir. Aprovecho para recomendaros una película reciente con similar punto de partida como ‘Night call’. Esa escalada, desde lo trivial hacia lo extremo, funciona muy bien en ‘Bala perdida’ haciendo que lo grotesco y lo absurdo convivan, y permite a Aronofsky juguetear sin dejar atrás su sello dramático. La película parece un cruce entre el Guy Ritchie de ‘Snatch’ (por ritmo, los criminales tan peculiares) y ‘El Gran Lebowski’ (por los malentendidos, los personajes de moral ambigua, los tonos de comedia negra, lo imprevisible). Pero Aronofsky lo filtra todo con una lente más brutal, nada exenta de sus demoledores giros y personajes marcados por la tragedia.
El reparto es de excepción. Austin Butler, Zoë Kravitz, Matt Smith, Regina King, Vincent D’Onofrio, Liev Schreiber, Caron Kane… Y por ahí vuelve a aparecer Bad Bunny en una película de Sony Pictures como ya hizo en ‘Bullet train’, solo que esta vez bajo el nombre de Benito A Martínez Ocasio. Y no os perdáis el cameo durante los créditos, aunque sabréis quién es si durante la película reconocéis su voz. Todo el elenco está magnífico en esta especie de London calling neoyorkino con tintes de GTA. Vincent D’Onofrio y Liev Schreiber son tan capaces de dar miedo como de sacarte carcajadas, Zoë Kravitz ofrece las réplicas a Butler en un papel quizá demasiado cercano a los arquetipos del cine de criminales, Regina King está imponente y firme asemejándose a Viola Davis en ‘Escuadrón Suicida’, Matt Smith aporta un nervio tan contagioso que te dan ganas de meterte en un pogo de un local de Candem Town. Pero sin duda este filme representa otra señal más de la capacidad camaleónica y magnética de Austin Butler, el cual, es ya para muchos el Brad Pitt de esta generación.
Aronofsky no abandona su capacidad de mostrar cuerpos desnudos (o muertos) y situaciones límite que duelen. Pero en ‘Bala perdida’, hay algo de festín visual. El Nueva York de 1998 aparece como una ciudad gritona, sucia, donde el peligro está a la vuelta de la esquina, pero también te cruzas con la música punk, los colores sucios, las luces de neón y los teléfonos de concha. Se plantea como un lugar donde puedes caminar manchado de sangre y nadie te para. Es un escenario pulp que da pie a todo tipo de situaciones y te lleva por un amplio recorrido de sensaciones.
Sí, con ‘Bala perdida’ sales reconociendo que te has divertido con una película de Aronofsky. Es de lejos su película más cómica. Pero eso no hace de ello una película trivial pues tiene secuencias vibrantes y planos magníficos. Y por supuesto tiene su habitual estudio del trauma (la filmografía de este director debería ser obligatoria en facultades de psicología). Es acción, es humor negro, es violencia, es reflexión sobre lo cotidiano, lo inesperado y lo que evitamos enfrentar. Si buscas algo relajado, profundo y que te deje pensando, quizá necesites otro Aronofsky. Pero si quieres una película para salir del cine con adrenalina, risas incómodas y la sensación de que alguien acaba de golpearte, ‘Bala perdida’ cumple de sobra.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Título original: Caught Stealing. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Darren Aronofsky. Guion: Charlie Huston. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Matthew Libatique. Reparto principal: Austin Butler, Regina King, Zoë Kravitz, Matt Smith, Liev Schreiber, Vincent D’Onofrio, Griffin Dunne, Benito A Martínez Ocasio, Carol Kane. Producción: Columbia Pictures, Eagle Pictures, Protozoa Pictures, TSG Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, suspense. Web oficial: https://caughtstealing.movie/
Bob, el ya acabado revolucionario (DiCaprio) existe en un estado de paranoia y drogado. Sobrevive desconectado de los demás con Wilma, su enérgica y auto-suficiente hija (Infiniti). Cuando su malvado archienemigo (Penn) reaparece al cabo de 16 años y ella desaparece, el ex-radical lucha para encontrarla. Tanto la hija como el padre tienen que luchar contra las consecuencias del pasado de éste.
Crítica
La película más combativa y política de Thomas Anderson
Hay películas que parecen responder a un pulso histórico, como si hubieran nacido de la tensión acumulada en las calles y en los noticiarios. ‘Una batalla tras otra’ de Paul Thomas Anderson pertenece a esa categoría: un relato que no solo narra, sino que respira el malestar social y lo transforma en ficción febril. Anderson toma la semilla del descontento y la hace germinar en una historia donde la radicalización política, el terrorismo artesanal y la desconfianza hacia las élites conviven en un territorio difuso entre la sátira y la tragedia.
La trama se centra en un grupo organizado de jóvenes que, cansados de la marginación y la desigualdad en temas como la inmigración o el racismo, encuentran en la violencia su única vía de expresión. Sus métodos remiten a las viejas guerrillas europeas: artefactos caseros, nombres en clave, escondrijos en plena naturaleza, asesinatos que llevan a la radicalización, confrontaciones improvisadas… No es casualidad que se autodenominen “El 75 francés”, evocando quizá a la rapidez y eficacia del legendario cañón de la Primera Guerra Mundial. Con ello, Anderson no solo alude a la violencia organizada, sino que sugiere la posibilidad inquietante de que este tipo de insurgencia pueda brotar en la Norteamérica contemporánea. Quizá ‘Una batalla tras otra’ es una sátira, quizá es una llamada de atención.
En paralelo, la película dibuja a esas élites que manejan el país en la penumbra, retratadas con un tono ambiguo: a ratos caricatura, a ratos crítica. Por momentos, el filme tiene la rabia de Spike Lee, la mordacidad de Adam McKay y la asfixia del ‘Sicario’ de Denis Villeneuve. Tal es la llamada de atención que el filme podría ser parte de un ciclo iniciado por ‘Eddington’ de Ari Aster y culminado con el ‘Civil War’ de Alex Garland. El equilibrio entre esas influencias u obras con las que se da la mano no disuelve la voz de Anderson, sino que la afila hasta convertirla en su obra más combativa y directamente política.
La música de Jonny Greenwood es esencial: es casi un jazz bebop disonante y nervioso que acompaña las persecuciones, los estallidos de violencia o las discusiones más encendidas. Dispone de persecuciones que emplean recursos que ponen de los nervios o carreras por azoteas realizadas por unos jóvenes a las órdenes de un sensei que parecen que buscar rememorar algo tan americano como las ‘Tortugas Ninja’. Esa mezcla, insólita y pop, casi pulp, termina por acentuar el desconcierto del espectador, atrapado entre la risa y la alarma.
En el reparto, Leonardo DiCaprio ofrece un papel autodestructivo en el que parece encontrarse muy cómodo y que no le presenta dificultad alguna. Su “Gringo Zapata” encarna tanto la fragilidad como la fuerza del héroe revolucionario. Junto a él, Chase Infiniti aporta un contrapeso sólido, aunque queda en segundo plano frente al magnetismo de Teyana Taylor, que arrasa con su energía. Sean Penn es otro de los pilares del filme, quizá en el rol que será más comentado. Apabullante en muchos pasajes, peca de exceso en otros, lo que le resta naturalidad.
Pero ‘Una batalla tras otra’ no se limita a la política: también es un relato íntimo sobre la incomunicación entre un padre y su hija. Esa fractura familiar funciona como espejo de la fractura social y generacional: en ambos casos, todo se reduce a una lucha constante, a una batalla tras otra. Aunque se base en la novela de Thomas Pynchon, con esta película, Anderson no se limita a narrar, sino que interpela al presente, obligando a preguntarnos si lo que vemos es advertencia o burla, profecía o sátira.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: One Battle After Another. Duración: 170 min. País: EE.UU. Dirección: Paul Thomas Anderson. Guion: Paul Thomas Anderson. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Paul Thomas Anderson, Michael Bauman. Reparto principal: Leonardo DiCaprio, Teyana Taylor, Chase Infiniti, Sean Penn, Benicio Del Toro, Regina Hall. Producción: Ghoulardi Film Company, Warner Bros. Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, acción, comedia. Web oficial:https://www.warnerbros.es/peliculas/una-batalla-tras-otra
Una niña con mucha imaginación deja caer accidentalmente su cuaderno en un misterioso estanque y sus dibujos cobran vida. Criaturas disparatadas y un poco peligrosas se escapan por la ciudad, sembrando el caos. Junto a su hermano y con la ayuda de su despistado padre, deberán atrapar a sus propias creaciones antes de que el desastre sea total.
Crítica
Eficiente aventura con el trazo como catarsis terapéutica
En un momento en que el cine fantástico a menudo parece haber perdido el asombro en favor del espectáculo vacío, ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’ emerge como una propuesta original y fresca. Dirigida por Seth Worley, esta cinta mezcla acción real con animación dibujada a mano para ofrecernos una historia inquietante sobre los sentimientos reprimidos y los peligros de proyectar nuestros deseos sin control.
Lejos de ser una simple película juvenil o una fantasía complaciente, ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’ se adentra en terrenos oscuros y profundamente emocionales. La premisa podría recordar a estrenos cercanos como ‘Harold y el lápiz mágico’, pero Worley imprime un tono completamente distinto, más introspectivo y adulto, donde el acto de crear deja de ser un juego para convertirse tanto en un bálsamo terapéutico como en una amenaza. Aquí, el cuaderno de dibujos no es un portal a la maravilla, sino un espejo del subconsciente de su protagonista. Para sorpresa esta es una película de Angel Studios (la productora cristiana de ‘Sound of freedom’) y por ninguna parte aparecen argumentos religiosos, al contrario, es un filme que funciona de manera universal y tiene un carácter inesperadamente indie e incluso con tintes de comedia negra.
La historia sigue a Amber (Bianca Belle), una joven retraída que descubre en un cuaderno de bocetos el bálsamo para sus penas, rabias e inquietudes. Todos hemos visto en películas de terror sobrenatural o de criaturas esas escenas escalofriantes en las que el profesor de turno enseña a los padres los espeluznantes dibujos que ha hecho su hijo/a. Con este filme sucede lo mismo e incluso estamos ante una obra que podría estar dentro del survival horror o el monster movie. Pero el carácter de las criaturas rompe esa sensación ya que estamos ante seres garabateados que aparecen por el bosque cual pokémon que te asalta.
La cinta funciona muy bien como aventura, como comedia e incluso a veces como título que puede dar miedo. Sobre todo es un filme que funciona como terapia. En la actualidad se habla mucho de la salud mental pero poco se toca tanto el tema infantil. Worley juega con el espectador y con los enfoques familiares para desarrollar bien su idea y sus giros. Cada trazo dibujado es una pincelada emocional, un símbolo que conecta con la psique de Amber y con sus conflictos internos. No es casualidad que muchas de las criaturas creadas reflejen sus miedos, deseos reprimidos y culpa, convirtiendo el filme en un estudio sobre el poder de la creatividad y el tratamiento del trauma.
A nivel visual, ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’ es una delicia muy divertida. La transición entre el mundo tangible y los dibujos no busca el hiperrealismo, sino que apuesta por el contraste expresivo. Esto refuerza la fragilidad de lo imaginado frente a lo real, y también la idea de que todo poder creativo conlleva un enorme riesgo. Uno de los mayores logros de ‘Sketch’ es la forma en que integran los garabatos animados en la narrativa visual. Lejos de ser un mero recurso estético, estos dibujos cobran vida con una lógica propia, caótica y a veces inquietante. Su estilo visual (intencionadamente rudimentario, como si hubieran sido esbozados deprisa por una mente agitada y evidentemente infantil) contrasta con la fotografía realista y sobria del mundo tangible. La animación no pretende fundirse con la imagen real, sino invadirla, como si la imaginación estuviera filtrándose por las grietas de la realidad. Este choque estilístico refuerza la sensación de descontrol, ya que los trazos parecen expandirse más allá de lo que el protagonista desea, actuando con voluntad propia. Los dibujos interactúan físicamente con los personajes y el entorno, rompiendo las leyes naturales y desafiando cualquier lógica, lo que añade tensión y amenaza constante a cada escena. Evidentemente esto último forma parte de otra de las capas psicológicas del filme.
En cuanto al reparto, hay un gran equilibrio entre todo el elenco. Credibilidad en la relación de los hermanos protagonistas y un Tony Hale que podría ser un claro ejemplo para aquellos padres que se piensan que lo están haciendo todo bien (pero no). Si acaso habría que reprochar que el elenco infantil tiene momentos menos naturales, sobre todo en el caso de Kalon Cox, quien hace las veces del típico bromista cargante del instituto. Aun así todo el casting infantil funciona en los momentos en los que entra en juego la comedia.
‘Sketch’ no es solo una fantasía oscura, sino también una meditación sobre el arte como refugio y como amenaza. En una época donde la inteligencia artificial y la generación automática de contenido están en auge, la película plantea preguntas inquietantes: ¿Qué ocurre cuando no encontramos canales a través de los cuales transmitir lo qué sentimos? ¿Qué sucede cuando nuestras creaciones dejan de obedecernos? ¿Dónde acaba la inspiración y empieza la locura? Seth Worley ha firmado una obra valiente, emocionalmente compleja y visualmente particular. Una cinta que, aunque bebe de referentes clásicos, traza su propio camino con rotundidad.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: Sketch. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Seth Worley. Guion: Seth Worley. Música: Cody Fry. Fotografía: Megan Stacey. Reparto principal: Bianca Belle, Tony Halle, D’Arcy Carden, Kue Lawrence, Kalon Cox. Producción: Morphan Time Productions. Distribución: a Contracorriente Fillms. Género: aventuras, fantasía. Web oficial:https://www.angel.com/movies/sketch
Theo, conocido como «The Gentleman», es un ex soldado estadounidense, cuya existencia solitaria y miserable transcurre entre sus recuerdos de un pasado mejor con su difunta esposa y su habitual cita de los jueves con Olga, una prostituta, a la que paga por conversar, recordando quién fue una vez y soñando con lo que podría haber sido. Cuando Olga es asesinada, busca una venganza brutal. El rastro de sangre que deja es seguido por Iborra, una inspectora de policía alcohólica, y Herodes, un despiadado asesino a sueldo. El cruce de estos personajes al límite tendrá un abrupto desenlace cuando el presente venga a cobrarse las deudas del pasado.
Crítica
Un Ron Perlman crepuscular en una película de moral ambigua
‘Ya no quedan junglas’, dirigida por Luis Gabriel Beristáin y protagonizada por Ron Perlman, llega como una propuesta de cine negro con aspiraciones clásicas, pero atrapada entre sus propias sombras. La película, producida por Álvaro Ariza (responsable de la más que solvente ‘Tierra de nadie’), intenta construir un universo crepuscular en la Parte Vieja de San Sebastián, un escenario urbano cargado de corrupción, narcotráfico y prostitución. En ese ambiente se mueven antihéroes y depredadores sociales, personajes que encarnan la decadencia y la justicia por mano propia.
La apuesta estética y narrativa es clara: un thriller que recurre a monólogos interiores, un protagonista con moral difusa y un clima peligroso. Sin embargo, el resultado final se ve lastrado por un uso excesivo de clichés. Prostitutas, villanos horteras, narcotraficantes latinos de manual y españoles en guerra contra la droga importada: un catálogo de estereotipos que, en lugar de aportar identidad, hacen que la cinta se perciba como un eco de tantas historias ya vistas. Para más inri la película tiene puntos comunes con ‘Asher’, un título en el que comparte reparto con otra española, Marta Milans.
Ron Perlman, con más de setenta años y una carrera marcada por personajes icónicos y brutales, interpreta aquí a un protagonista contenido, casi introspectivo. Su presencia se siente auténtica, quizá porque el papel refleja su propia etapa vital. No es el Perlman desatado de la Serie B pero tiene sus momentos sangrientos. Aunque sólido en su rol, el guion (y quizá también su estado físico) no le permite sostener el metraje completo y lo obliga a ceder minutos a personajes secundarios, como los de Megan Montaner y Hovik Keuchkerian, cuya subtrama carece de la fuerza necesaria y recuerda demasiado a registros previos como el de ‘Reina Roja’. La película se diluye cuando descansa en esos y otros personajes.
El reencuentro de Perlman con Gabriel Beristáin, tras su trabajo conjunto en ‘Blade 2’, y la presencia de Karra Elejalde como secundario con toques de humor aportan cierto magnetismo al proyecto. Sin embargo, el filme no termina de definirse: cuando la narración se concentra en el noir y en los dilemas del protagonista, funciona; cuando divaga hacia los lugares comunes del thriller televisivo, pierde tensión.
‘Ya no hay junglas’ me deja la sensación de haber visto un thriller más, que podría haber sido un episodio de tantas series policiacas emitidas en los canales lineales, pero querría ver una secunda parte con este protagonista. No es solo por la química conseguida entre Perlman y Elejalde o por el cariño que le tengo a varios de los actores que aparecen en los créditos, es más por como acaba la historia. La conclusión deja al protagonista en una situación más interesante y jugosa que con la que arranca. En ese punto sí que se percibe una oportunidad de desarrollo para la historia y el personaje. Es lo mismo que sucedió con ‘Skyline’, que se dejaron para el final lo que realmente era más original y tenía más posibilidades de sorprender al espectador.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: Ya no quedan junglas. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Luis Gabriel Beristáin. Guion: Juma Fodde. Fotografía: Javier Salmones. Reparto principal: Ron Perlman, Megan Montaner, Hovik Keuchkerian, Damián Alcázar, Marco de la O, Natti Natasha, Unax Ugalde, Karra Elejalde, Rubén Ochandiano, Itziar Ituño, Diego Anido, Daniel Grao. Producción: Crea SGR, Esto también pasará, Film Factory, LKS Next Legal, SBD Films, Ya no quedan jungla. Distribución:Género: suspense. Web oficial:https://estotambienpasara.com/es/ultimas-noticias/ya-no-quedan-junglas-estreno-el-26-de-septiembre
Sam Walker (Kate Mara) regresa en extrañas circunstancias de su primera misión espacial. El general William Harris (Laurence Fishburne) la obliga a permanecer en cuarentena, bajo la estricta vigilancia de la NASA, en una casa aislada de alta seguridad. Pese a vivir en una aparente normalidad, Walker empieza a percibir sucesos inquietantes en los alrededores de la propiedad. Es entonces cuando comienza a temer que no haya vuelto sola a la Tierra.
Crítica
Un home invasion que quiere disfrazarse de otra cosa, pero la ambigüedad juega en su contra
La directora Jess Varley presenta con ‘La astronauta’ una película que se adentra principalmente en el género del home invasion: un espacio confinado, una amenaza latente desde el exterior, inquietantes ruidos nocturnos y una paranoia creciente. Sin embargo, el misterio inicial y el título (‘The Astronaut’) prometen y ofrecen más: una vertiente de ciencia ficción que cuestiona lo real frente a lo psicológico.
Kate Mara interpreta a Sam Walker, una astronauta que regresa de su primera misión espacial, rescatada en el mar tras una reentrada problemática. Mara lleva el peso emocional y el metraje de la película, siendo uno de esos filmes donde prácticamente dependemos de un solo actor protagonista. Su actuación transmite con cierta eficacia la fragilidad, la confusión, los hematomas y el tinnitus, elementos comprensibles tras un regreso accidentado. Sin embargo, se suman a ellos brotes de flashbacks y recuerdos en su mente que son demasiado reveladores. En ocasiones, Mara ilumina escenas de tensión, pero el guión no permite un desarrollo auténtico y se queda en lo trillado: nadie la cree, confunde alucinaciones con realidad… Se intenta mantener tanto recelo sobre el personaje y su pasado que aparecen elementos tan descaradamente discordantes, hay tanta omisión de su trasfondo que es relativamente fácil intuir el desenlace. La relación con su esposo, su hija, apenas asoman como líneas dramáticas que podrían explorar su interior, pero muchas quedan como telón de fondo. Es más, su padre es Laurence Fishburne, así es que como sospechareis algo raro hay.
Varley logra generar esa sensación de tensión creciente apoyándose sobre todo en medios técnicos como la edición de sonido. De igual modo, contribuye el ambiente ubicado en una lujosa casa donde guarda una anómala cuarentena. Todo eso está bien y a pesar de los flecos que quedan pendientes y el mal CGI, esta podría haber sido una película interesante si hubiese tenido un desenlace mejor. La ambigüedad de la película juega en su contra y revela cierta evidencia, creando una sensación de cierre abrupto y desconectado. Por no decir que habría sido más interesante explorar lo que se plantea en el final que haber desarrollado todo como algo tan trillado como un home invasion. La elección de ese género imposibilita casi automáticamente cualquier posibilidad de desarrollar una trama que hable de la identidad o el significado de familia (que son dos temáticas que parecen haber querido plantear).
Giros tardíos, cambios de tono y género, o una insólita manera de desaprovechar a los actores secundarios son los mayores defectos de ‘La astronauta’. Puede ser capaz de generarte intriga, pero si conoces títulos como ‘The Brother from Another Planet’, ‘Impostor’ o ‘The Forgotten’, sabrás lo que se avecina. Y aún si no eres fan del género, no podrás evitar acordarte de ‘E.T.’.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: The astronaut. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Jess Varley. Guion: Jess Varley. Música: Jacques Brautbar. Fotografía: Dave Garbett. Reparto principal: Kate Mara, Laurence Fishburne, Gabriel Luna, Ivana Milicevic, Macy Gray. Producción: Fuller Media, The Wonder Company, Bee-Hive Productions, Fith Season, Wild Atlantic Pictures. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense, ciencia ficción. Web oficial:http://deaplaneta.com/es/the_astronaut
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