De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.
‘Alicia en el País de las Maravillas’, ‘Los Intocables de Eliot Ness’ y varias joyas de John Ford, Jean Renoir y José Luis Garci encabezan las novedades del catálogo
Divisa Films ha desvelado sus lanzamientos domésticos para julio de 2026, una selección que combina grandes clásicos restaurados, ediciones especiales para coleccionistas, cine familiar y recuperaciones en alta definición de títulos fundamentales de la cinematografía española e internacional. La mayoría de las novedades llegarán al mercado el próximo 13 de julio.
‘Alicia en el País de las Maravillas’ celebra su 75 aniversario en 4K
Entre los lanzamientos más destacados figura la primera edición en formato 4K Ultra HD de ‘Alicia en el País de las Maravillas’, el clásico animado de Disney estrenado en 1951 y basado en la obra de Lewis Carroll. La película ha sido restaurada y remasterizada en 4K por los equipos de Walt Disney Animation Studios para conmemorar su 75 aniversario.
La edición incluirá un disco Blu-ray con abundante material adicional centrado en la producción y el legado de uno de los títulos más emblemáticos de la animación clásica.
‘Los Intocables de Eliot Ness’ llega en Steelbook 4K
Los aficionados al cine de gánsteres podrán incorporar a sus colecciones una edición limitada Steelbook de ‘Los Intocables de Eliot Ness’, la célebre película dirigida por Brian De Palma y protagonizada por Kevin Costner, Sean Connery, Robert De Niro y Andy García.
Estrenada en 1987, la cinta recrea la lucha del agente Eliot Ness contra el imperio criminal de Al Capone durante la Ley Seca y cuenta con una recordada banda sonora de Ennio Morricone. Sean Connery obtuvo el Oscar al Mejor Actor de Reparto por su interpretación del veterano policía Jimmy Malone.
Cine clásico de John Ford y Jean Renoir en Blu-ray
La distribuidora también recuperará dos títulos esenciales del cine clásico. Por un lado, ‘Hombres intrépidos’, dirigida por John Ford en 1940 y protagonizada por John Wayne, llegará por primera vez en Blu-ray. La película adapta varias obras de Eugene O’Neill y sigue a la tripulación de un carguero durante la Segunda Guerra Mundial.
Por otro, ‘Esta tierra es mía’, una de las obras más destacadas de Jean Renoir durante su etapa estadounidense, regresará en alta definición. Protagonizada por Charles Laughton y Maureen O’Hara, la película aborda la resistencia moral frente a la ocupación nazi durante la Segunda Guerra Mundial.
José Luis Cuerda y José Luis Garci protagonizan las novedades españolas
El cine español tendrá una presencia destacada en el catálogo de julio.
Divisa publicará por primera vez en Blu-ray ‘La educación de las hadas’, drama romántico dirigido por José Luis Cuerda y protagonizado por Ricardo Darín, Irène Jacob y Bebe. Basada en la novela de Didier Van Cauwelaert, la película explora las complejidades de las relaciones sentimentales y familiares.
Además, la compañía recuperará dos títulos fundamentales de José Luis Garci: ‘Solos en la madrugada’ y ‘Sesión continua’. La primera es una de las películas más representativas de la Transición española, protagonizada por José Sacristán, mientras que la segunda rinde homenaje al amor por el cine clásico a través de la historia de dos amigos unidos por su pasión cinematográfica.
‘Tafiti y sus amigos’, apuesta familiar del mes
Entre las propuestas dirigidas al público infantil destaca ‘Tafiti y sus amigos’, producción alemana de animación basada en los populares cuentos de Julia Boehme. La película narra la amistad entre una joven suricata y un cerdo salvaje que emprenden una aventura para encontrar una flor capaz de salvar la vida del abuelo de la protagonista.
El largometraje llegará en DVD con doblajes en castellano, catalán y euskera, además de opciones de accesibilidad para personas con discapacidad visual y auditiva.
Un mes marcado por la recuperación del patrimonio cinematográfico
Con esta batería de lanzamientos, Divisa Films vuelve a apostar por la preservación y difusión del patrimonio cinematográfico, combinando restauraciones de clásicos internacionales, cine español de referencia y propuestas familiares destinadas a nuevas generaciones de espectadores. Entre aniversarios, primeras ediciones en Blu-ray y lanzamientos en 4K, julio de 2026 se presenta como uno de los meses más potentes del año para los coleccionistas del formato físico.
La segunda edición del Festival de Cine Irlandés de Bilbao se celebra del 4 al 7 de junio
Bilbao acoge desde este jueves la segunda edición de Irish ZineFest, el Festival de Cine Irlandés de Bilbao, una cita que acercará al público vasco algunas de las voces más destacadas del audiovisual irlandés contemporáneo. Del 4 al 7 de junio, los Cines Golem Alhóndiga proyectarán cinco películas representativas de la nueva producción cinematográfica de Irlanda, acompañadas por encuentros con creadores y actividades dirigidas a fomentar el diálogo entre cineastas y espectadores.
Organizado por IberScreen en colaboración con el Irish Film Institute (IFI), el certamen forma parte del programa internacional IFI International y cuenta con el respaldo de Culture Ireland, organismo encargado de la promoción exterior de la cultura irlandesa.
Cinco miradas al cine irlandés actual
La programación de Irish ZineFest 2026 reúne cinco títulos que reflejan la diversidad temática y estilística del cine producido recientemente en Irlanda.
La inauguración correrá a cargo de ‘Christy’, dirigida por Brendan Canty, una de las películas irlandesas más reconocidas del último año tras obtener el Grand Prix del Jurado Internacional en la sección Generation 14plus de la Berlinale y el premio a la Mejor Película Irlandesa en el Galway Film Fleadh. La historia explora la relación entre dos hermanos en la ciudad de Cork.
El viernes será el turno del documental ‘Listen to the Land Speak’, de MauriceO’Brien, una reflexión sobre la memoria, el territorio y las tradiciones culturales irlandesas. La jornada continuará con ‘A Quiet Love’, de Garry Keane, una emotiva obra centrada en las relaciones afectivas dentro de la comunidad sorda y en la representación de la lengua de signos irlandesa.
El sábado se proyectará ‘Horseshoe’, dirigida por Edwin Mullane y Adam O’Keeffe, una comedia dramática sobre el reencuentro de cuatro hermanos tras la muerte de su padre. El festival concluirá con ‘The Song Cycle’, documental musical escrito, dirigido y protagonizado por Nick Kelly.
Encuentros con cineastas y protagonistas
Uno de los elementos diferenciales del festival volverá a ser la cercanía entre los invitados y el público. La coproductora Anne Heffernan participará en la presentación de ‘A Quiet Love’ y mantendrá un coloquio posterior con los asistentes.
Asimismo, Nick Kelly viajará a Bilbao para presentar personalmente ‘The Song Cycle’ y compartir con los espectadores los detalles de una película que combina música, viajes y retrato social de la Irlanda contemporánea.
Un puente cultural entre Irlanda y Euskadi
La directora del festival, Teresa Lavina, ha destacado la consolidación de un proyecto que nació con el objetivo de acercar el cine irlandés al público vasco y fortalecer los vínculos culturales entre ambos territorios.
Además de las proyecciones, Irish ZineFest mantiene su apuesta por la formación de nuevas audiencias mediante la creación de un Jurado Joven, presidido este año por Ibai Santiago, que concederá el Premio del Jurado Joven Irish ZineFest 2026.
Con esta segunda edición, el festival refuerza su papel como escaparate del cine irlandés contemporáneo y como punto de encuentro entre creadores, profesionales y espectadores interesados en descubrir nuevas cinematografías europeas.
Entre la nostalgia y la autoparodia, desde luego, con toda la épica
Durante años, ‘Masters del Universo’ ha sido uno de esos proyectos que parecía condenado a vivir en un limbo de batacazos consecutivos o cambio constante de mano. El filme actual llegó a desarrollarse bajo el título de ‘Grayskull’ con Joel Silver (‘Matrix’) como principal impulsor. Sin embargo, viendo el resultado final, cuesta imaginar una elección más acertada que la de TravisKnight para devolver la vida a Eternia.
El director ya había demostrado en ‘Bumblebee’ saber comprender los mecanismos emocionales que activan la nostalgia. Y por otro, tenemos claro que sabe cómo presentar esos mismos elementos a espectadores que jamás han tenido un muñeco de He-Man entre las manos. Aunque hay que reconocerlo, esta película está hecha principalmente para quienes conocían los muñecos de Mattel.
Su gran mérito consiste en entender que ‘Masters del Universo’, o los He-Man como siempre se ha dicho en España, nunca fue simplemente una serie de dibujos animados. Tampoco era únicamente una colección de juguetes que venían acompañados de un cómic. Era una mezcla imposible de fantasía medieval heroica, ciencia ficción espacial, portadas de discos de heavy metal, cómics de espada y brujería y musculatura hipertrofiada. Y funcionaba. La película abraza esa identidad desde el primer minuto. Es glam, es bizarra, es excesiva y, sobre todo, es consciente de ello. Lejos de intentar racionalizar el material original, lo celebra.
Un gigantesco ejercicio de fanservice que consigue funcionar
Lo más sorprendente de ‘Masters del Universo’ es que consigue algo que parecía imposible: hacer funcionales los juguetes. La reciente serie desarrollada por Kevin Smith ya había entendido que gran parte del atractivo de esta franquicia estaba en utilizar todos esos personajes imposibles que Mattel fue incorporando a la línea durante años. Travis Knight recoge esa misma filosofía y la lleva al terreno cinematográfico. E incluso copia algún que otro giro de guión de ‘Master del Universo: revelation’.
El resultado es una película poblada por decenas de figuras reconocibles para cualquier aficionado. Lo interesante es que no aparecen únicamente para provocar un aplauso cómplice. La enorme variedad de guerreros, criaturas y vehículos dota a la aventura de una versatilidad constante. Aquí reside una de las grandes diferencias respecto a otras adaptaciones nostálgicas recientes. La película no utiliza los personajes como decoración. Los convierte en herramientas narrativas.
Los guiños son más que continuos, una constante. Algunos resultan especialmente inspirados, como la aparición de una figura basada en el diseño primigenio de He-Man, aquel concepto visual claramente influido por Conan el Bárbaro antes de que la franquicia encontrara su identidad definitiva. También hay referencias destinadas a quienes todavía recuerdan la adaptación protagonizada por Dolph Lundgren, homenajes que aumentan la sensación de que esto no está pensado del todo para un público general, aunque si masivo pues el fandom de esta colección es grande.
Además, el filme se alimenta constantemente de la iconografía de la serie animada. Muchas secuencias aluden a la memoria colectiva de varias generaciones pues vamos rápidamente de los dibujos de Filmation a los memes más famosos. Es una estrategia arriesgada, todo un all-in por parte de Sony y Amazon, que probablemente funcione. Y esto será sobre todo porque la película parece entender algo que durante años muchos aficionados han hecho: recordar ‘Masters del Universo’ con cariño y también con cierta sorna.
El meme ya se burlaba de ello, la película lo convierte en su eje
Masters del Universo parte de una época en la que se diferenciaba abiertamente entre los juguetes aleccionadores que segregaban entre niños y niñas. En el caso de Mattel los He-Man eran para los niños y las Barbies para las niñas. No vamos a decir que esta sea una película woke, no me lo parece, pero si es consciente de aquello que se hacía erradamente en el pasado en cuanto a lo educativo (está claro que no en lo comercial) y es por ello que gran parte del humor gira alrededor de la masculinidad exagerada que definía a aquellos muñecos.
Esos cuerpos imposibles, aquellas poses heroicas, esa visión de la hombría propia de los años ochenta y aquellos nombres que llevaban consigo casi siempre una connotación varonil se convierte aquí en objeto de comentario constante. La película se ríe de ello mientras irónica y simultáneamente lo celebra. La obra funciona tanto para quienes veneraban aquellos juguetes como para quienes hoy son capaces de apreciar su lado más extravagante.
Galitzine y Leto en busca del tono correcto para los iconos de Eternia
Evidentemente, aunque todo es una nube de referencias y guiños, la atención está en NicholasGalitzine y Jared Leto. Físicamente el actor británico encaja con la imagen que muchos aficionados tienen del héroe de Eternia, pero donde realmente destaca es en aquellos momentos donde el guion le permite abrazar el lado más ingenuo y hasta ridículo del personaje. Sin embargo conviene recordar que la dinámica entre Adam y He-Man funcionaba de manera muy parecida a la existente entre Clark Kent y Superman. Aquí se cargan la transformación y la aptitud no muta tanto como el físico.
Jared Leto sorprende con un Skeletor mucho más eficaz de lo que muchos esperaban. El actor suele cargar con una fama poco agradecida dentro del cine comercial, siendo señalado con frecuencia como una especie de gafe o revienta proyectos. Sin embargo su voz dota a Skeletor de una presencia correcta. Lo más inteligente es por otro lado que la película evita convertirlo en un villano exclusivamente oscuro. Igual que sucedía en la serie animada, este Skeletor alterna momentos genuinamente intimidantes con situaciones absurdas y cómicas que respetan completamente la esencia original del personaje. Personalmente, sigo pensando que Mark Hamill habría sido de nuevo una elección ideal para interpretar al señor de la Montaña Serpiente, pero he quedado congratulado.
El problema del isekai, las prisas y qué pasa tras tantas concesiones
Si hay un elemento que me genera ciertas reservas es la decisión de apostar por una estructura claramente isekai. (término japonés define aquellas historias donde un personaje procedente de nuestro mundo termina inmerso en un universo fantástico). Es una fórmula trillada desde tiempos inmemoriales y la hemos visto en obras y películas como ‘La historia interminable’, ‘Súper Mario Bros’ o las recientes ‘Monster Hunter’ y ‘Minecraft’ e incluso la versión de ‘Masters del Universo’ que vimos en los 80. Bien es cierto que de este modo se da pie a muchos gags, pero también es cierto que esto ya lo hizo en su día Martin Lawrence con ‘El caballero negro’. Esto también me lleva a recordar otras adaptaciones como ‘Flash Gordon’ pero en ese sentido se transmite una energía positiva, puesto que también está presente el guitarrista de Queen, Brian May y la película tiene un temazo suyo, el cual, suena quizá con demasiada frecuencia.
No todo es perfecto. Existen algunos problemas de continuidad evidentes. Determinados detalles rompen el racord y ciertos personajes aparecen y desaparecen de ciertas escenas tratando de agilizar la trama. La reconexión entre Adam y sus amigos de Eternia, por ejemplo, carece de explicación alguna. El caso más evidente es probablemente el que se observa con el personaje de Beast Man, cuyo tamaño parece variar de una escena a otra sin demasiada explicación.
Las dos escenas extra (una durante los créditos y otra al finalizar completamente la proyección) no solo funcionan como recompensa para los espectadores más pacientes. También representan una declaración de intenciones bastante transparente. Una de ellas es una sorpresa de la que se ha estado hablando y la otra casi que se percibe evidente.
‘Masters del Universo’ es puro fanservice. Un fanservice ejecutado sin complejos, sin pedir disculpas y apostándolo absolutamente todo a la nostalgia. Aunque quedan muchos personajes y tramas por explotar de los cómics originales parece que se ha llegado a un punto del que es difícil partir para progresar con la franquicia manteniendo la fidelidad. No obstante, contra todo pronóstico, deja la sensación de que se ha conseguido el equilibrio entre construir una aventura entretenida, imaginativa y sorprendentemente consciente de sí misma. Travis Knight entiende que el mejor modo de adaptar He-Man no era modernizarlo ni avergonzarse de él, sino aceptar toda su extravagancia y convertirla en virtud. Y ahí reside precisamente el poder de Grayskull.
Ficha de ‘He-Man y los Masters del Universo’
Estreno en España: 5 de junio de 2026. Título original: Masters of the Universe. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: Travis Knight. Guion: Chris Butler. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Fabian Wagner. Reparto principal: Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Alison Brie, James Purefoy, Morena Baccarin, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Charlotte Riley, Kristen Wiig, Jared Leto, Idris Elba. Producción: Amazon MGM Studios, Escape Artists, Mattel Studios, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, aventura, adaptación. Web oficial.
Fue una de las series que nos dieron la vida en los últimos estertores del confinamiento por la pandemia del COVID-19 y por fin ha regresado. La segunda temporada de ‘Dorohedoro’ llega tras una espera inusualmente larga dentro del ecosistema anime contemporáneo (casi seis años), y lo hace sin renunciar a nada de lo que convirtió a la primera tanda en una obra de culto: violencia gráfica, humor negro y una narrativa deliberadamente fragmentada. Desde su estreno global el 1 de abril de 2026 (con un inusual arranque de tres episodios simultáneos), la serie producida por MAPPA no solo reafirma su identidad, sino que la radicaliza. Ya era rara dentro del género cyberpunk o el anime más extraño pero consigue ir más allá.
Lo primero que conviene señalar es que ‘Dorohedoro’ sigue siendo profundamente incómoda (y no busca lo contrario) además de quedarse abierta para una tercera entrega. Hay que tener en cuenta que el manga original consta de 23 volúmenes. La clasificación de contenido ya advertía de una violencia “severa” y escenas intensas que rozan lo grotesco, pero en esta segunda temporada esa cualidad se convierte en lenguaje propio. No hay concesiones: cuerpos mutilados, experimentos aberrantes y un universo donde la muerte es casi un trámite burocrático. Sin embargo, lejos de caer en el exceso vacío, la serie articula esta brutalidad como parte de su discurso estético (una especie de punk visual donde el caos es la norma, no la excepción).
El lema promocional de esta temporada, nos sugiere sumergirnos en el caos y no es casual. La dirección vuelve a apostar por una puesta en escena sucia, cargada de texturas digitales que simulan lo orgánico, lo viscoso, lo podrido. Y ahí reside una de sus virtudes: el mundo de Hole y el reino de los hechiceros no son solo escenarios, sino organismos en descomposición constante.
Caimán y la identidad como eje narrativo
Si la primera temporada planteaba el misterio de Caimán, esta segunda lo disecciona. El personaje deja de ser únicamente un vehículo para la acción (un antihéroe amnésico con cabeza de reptil) y se convierte en el núcleo temático de la serie. Su búsqueda de identidad ya no es solo una excusa argumental, sino una exploración casi existencial.
Recordemos que Caimán es un ser marcado por la pérdida de memoria y la deformación física, producto de la magia de los hechiceros. En esta nueva entrega, la narrativa se fragmenta aún más para ofrecer distintas capas de su pasado, jugando con la percepción del espectador (¿quién fue realmente?, ¿cuántas versiones de sí mismo existen?). Este enfoque multiplica la sensación de desconcierto, pero también enriquece el relato.
Pero aquí es donde la temporada da un paso más interesante: aunque el relato pivota claramente sobre Caimán como protagonista, la serie se permite expandirse con generosidad hacia sus secundarios. No se limita a utilizarlos como meros acompañantes o contrapuntos, sino que construye verdaderas historias paralelas que aportan profundidad al mundo. Personajes como En, Shin, Ebisu o Noi no solo ganan tiempo en pantalla, sino también capas psicológicas y contexto histórico. Sus motivaciones, relaciones y conflictos internos se desarrollan con una riqueza que equilibra el foco central de la narrativa.
Este enfoque coral refuerza la sensación de universo vivo. Cada personaje parece tener su propia historia fuera de cámara, su propio pasado y sus propias reglas. Incluso figuras que en la primera temporada podían parecer excéntricas o anecdóticas adquieren aquí un peso dramático inesperado. Es una decisión narrativa arriesgada (porque dispersa la atención), pero coherente con la naturaleza caótica de la serie.
Además, el guion se detiene más en las relaciones entre personajes, especialmente en la conexión entre Caimán y Nikaido, que gana en ambigüedad emocional. No es una relación sentimental al uso, sino una alianza forjada en la supervivencia y el trauma compartido.
Un anime más punk, más caótico y sorprendentemente más humano
Lo que diferencia a esta segunda temporada de otras secuelas es su negativa a “ordenarse”. En lugar de simplificar su narrativa o hacerla más accesible, ‘Dorohedoro’ abraza el caos como principio estructural. Las subtramas proliferan, los personajes secundarios adquieren mayor peso, y la historia se convierte en un mosaico de perspectivas que rara vez encajan de forma convencional.
Sin embargo, en ese aparente desorden emerge algo inesperado: humanidad. La serie encuentra belleza en lo grotesco y convierte a sus personajes en figuras trágicas atrapadas en un sistema violento que no controlan. Incluso los antagonistas poseen motivaciones complejas, alejadas del maniqueísmo.
Técnicamente, la animación mantiene el híbrido entre CGI y dibujo tradicional que tanto dividió al público en su momento. Aquí se percibe más pulido, más integrado en la estética general, aunque sigue siendo una apuesta arriesgada. Esa textura visual, casi sucia, sigue siendo clave para transmitir la identidad de la obra. Desde luego, en mi opinión, la calidad de la animación de esta serie no tiene pega alguna.
En última instancia, esta temporada 2 de ‘Dorohedoro’ es una intensificación de todo lo que la define: violencia, humor absurdo, caos narrativo, una obsesión casi filosófica por la identidad y un descomunal trabajo de animación. Pero además, añade una dimensión coral que enriquece el conjunto, demostrando que el mundo de la serie es mucho más amplio que su protagonista. No es una serie para todos, pero precisamente ahí radica su valor. Es una anomalía fascinante.
Documenta Madrid cerró su 23ª edición premiando a Lee Anne Schmitt y Carlos Casas
Documenta Madrid puso punto final a su 23ª edición con una gala celebrada en la sala Azcona de Cineteca Madrid en la que se dieron a conocer los ganadores de las distintas secciones competitivas del certamen. El festival, organizado por el Ayuntamiento de Madrid a través de Cineteca Madrid, volvió a consolidarse como una de las principales citas españolas dedicadas al cine de no ficción, reuniendo obras procedentes de cerca de una veintena de países.
Entre las 1.650 películas inscritas en esta edición, ocho trabajos resultaron premiados por los distintos jurados, que destacaron tanto la innovación formal como la capacidad de las obras para abordar cuestiones sociales, históricas y humanas desde perspectivas originales.
‘Krakatoa’ se impone en la Competición Nacional
La película ‘Krakatoa’, dirigida por Carlos Casas y coproducida entre España, Reino Unido y Francia, se alzó con el Premio del Jurado a Mejor Película Nacional, dotado con 10.000 euros. El jurado destacó la ambición técnica y estética de una obra que combina elementos de la no ficción con la tradición mitológica y el cine de aventuras, reivindicando además la experiencia cinematográfica en sala.
Por su parte, el Premio Fugas Nacional, destinado a reconocer la innovación y la voluntad de romper fronteras narrativas, fue para ‘Atlas de la desaparición’, de Manuel Correa. La película también consiguió el Premio del Público de la competición nacional, convirtiéndose en uno de los títulos más destacados del palmarés.
Además, el jurado concedió una Mención Especial a ‘OAO’, de RocíoMesa, mientras que el Premio Joven CineZeta recayó en ‘No hay camino’, de Luciana Espinoza Hoempler.
‘Evidence’ lidera la competición internacional
En la sección internacional, la gran vencedora fue ‘Evidence’, de la cineasta estadounidense Lee Anne Schmitt, que obtuvo el Premio del Jurado a Mejor Película Internacional, también dotado con 10.000 euros.
El jurado destacó la capacidad de la película para conectar lo íntimo con cuestiones de alcance global, así como la profundidad de su investigación y su propuesta visual.
El Premio Fugas Internacional fue para ‘The Recce’, de DanielMann, mientras que la Mención Especial recayó en ‘Lloyd Wong, Unfinished’, dirigida por Lesley Loksi Chan.
‘Escribir nuestro nombre y seguir’ conquista Corte Final
La sección Corte Final, dedicada a proyectos en fase avanzada de montaje, reconoció a ‘Escribir nuestro nombre y seguir’, de Fernando Vílchez Rodríguez y Lili Albornoz.
El proyecto obtuvo tanto el Premio Corte Final, dotado con 4.000 euros, como el Premio Agencia Freak a la Distribución, valorado en 6.000 euros y destinado a facilitar su recorrido por festivales una vez finalizada la película.
Los espectadores también eligieron a sus favoritas
El público de Documenta Madrid también tuvo voz en el palmarés. En la competición internacional, el Premio del Público fue para ‘El príncipe de Nanawa’, de Clarisa Navas. En el apartado nacional, los espectadores coincidieron con el jurado al premiar a ‘Atlas de la desaparición’.
Clausura con estreno exclusivo de Juan Cavestany
La ceremonia de clausura incluyó además el estreno de ‘Vial Matadero’, una película inédita dirigida por Juan Cavestany y realizada específicamente para esta edición del festival. La obra ofrece una reflexión sobre Matadero Madrid como símbolo de transformación urbana y cultural de la capital.
Bajo el lema ‘Tomar el pulso’, Documenta Madrid 2026 ha desarrollado una programación centrada en la observación directa de la realidad y el cine documental contemporáneo, reforzando su papel como espacio de encuentro para cineastas, profesionales y espectadores.
HBO presenta un nuevo adelanto de la esperada entrega, que llegará el 22 de junio con ocho episodios
HBO ha lanzado el tráiler oficial de la tercera temporada de ‘La Casa del Dragón’, la serie basada en el universo creado por George R. R. Martin. La nueva tanda de episodios se estrenará el próximo 22 de junio y estará compuesta por ocho capítulos, que se emitirán de forma semanal hasta el desenlace de temporada previsto para el 10 de agosto.
La producción continúa explorando los acontecimientos narrados en ‘Fuego y Sangre’, la novela que relata la historia de la dinastía Targaryen dos siglos antes de los sucesos de ‘Juego de Tronos’.
La Danza de los Dragones entra en una nueva fase
Tras los acontecimientos que marcaron el final de la segunda temporada, la guerra civil conocida como la Danza de los Dragones parece encaminada hacia su fase más devastadora. El avance publicado por HBO muestra nuevas batallas, enfrentamientos políticos y el creciente protagonismo de los dragones en un conflicto que amenaza con destruir a la familia Targaryen desde dentro.
La serie se ha consolidado como una de las producciones más importantes de la televisión contemporánea y uno de los mayores éxitos de HBO desde el final de ‘Juego de Tronos’, gracias a su combinación de intrigas palaciegas, luchas de poder y espectaculares secuencias de fantasía épica.
Ryan Condal y George R. R. Martin continúan al frente del proyecto
La tercera temporada vuelve a contar con Ryan Condal como cocreador, showrunner y productor ejecutivo. George R. R. Martin mantiene también su implicación como cocreador y productor ejecutivo, acompañado por Sara Hess, Melissa Bernstein, Kevin de la Noy, Vince Gerardis, David Hancock y Philippa Goslett.
La ficción sigue adaptando los acontecimientos recogidos en ‘Fuego y Sangre’, obra que profundiza en la historia de la Casa Targaryen y los conflictos que marcaron el destino de Poniente mucho antes del nacimiento de Daenerys Targaryen.
Regresa el reparto principal de la serie
El elenco de esta nueva temporada estará encabezado nuevamente por Matt Smith, EmmaD’Arcy, Olivia Cooke, Steve Toussaint, Rhys Ifans, Fabien Frankel, Ewan Mitchell y TomGlynn-Carney.
Junto a ellos regresan Sonoya Mizuno, Harry Collett, Bethany Antonia, Phoebe Campbell, Phia Saban, Jefferson Hall y Matthew Needham, además de incorporaciones y personajes que seguirán ampliando el complejo tablero político de Poniente.
Con el estreno fijado para el 22 de junio, HBO prepara el regreso de una de las franquicias más populares de la fantasía televisiva, que promete elevar todavía más la escala del conflicto entre los distintos bandos Targaryen.
Stallone cede el relevo de Rambo para una precuela
La franquicia de Rambo prepara su regreso a los cines con una propuesta muy distinta a las últimas entregas protagonizadas por Sylvester Stallone. La nueva película, titulada ‘John Rambo’, funcionará como una precuela ambientada antes de los acontecimientos de ‘First Blood’ (‘Acorralado’ en España) y mostrará la juventud del personaje durante la Guerra de Vietnam. El proyecto estará dirigido por Jalmari Helander, cineasta que llamó la atención internacional gracias al éxito de ‘Sisu’ y su mezcla de violencia extrema, acción clásica y estética bélica.
El papel protagonista recaerá en Noah Centineo, quien tomará el relevo de Sylvester Stallone para interpretar a una versión joven de John Rambo. La elección del actor ha generado bastante conversación entre los seguidores de la saga, ya que supone una reinterpretación completa de uno de los héroes más icónicos del cine de acción.
David Harbour será el nuevo Trautman
Otro de los grandes atractivos del proyecto es la presencia de David Harbour, que dará vida al Mayor Trautman, personaje originalmente interpretado por Richard Crenna en la saga clásica. Harbour continúa consolidándose como uno de los rostros más habituales del cine comercial y parece una elección lógica para aportar dureza y veteranía militar al relato.
La película buscará profundizar en la experiencia traumática de Rambo durante Vietnam y mostrar cómo el personaje terminó convertido en el soldado roto y violento que el público conoció en los años ochenta. Según las primeras informaciones, la producción se ha rodado en Tailandia y apostará por un tono mucho más bélico y realista que otras entregas recientes.
James Franco regresa a una gran producción
La noticia que más comentarios ha provocado en los últimos días ha sido la incorporación de James Franco al reparto. Diversos medios internacionales aseguran que el actor tendrá un papel secundario relacionado con el antagonismo de la historia, aunque todavía no se han confirmado detalles oficiales sobre su personaje.
Este proyecto marcaría además el regreso de Franco a una gran producción de Hollywood tras varios años alejado de los grandes estudios después de las acusaciones de conducta sexual inapropiada surgidas en 2018. El actor llevaba tiempo trabajando principalmente en producciones independientes y europeas.
¿Cuándo se estrenará ‘John Rambo’?
Lionsgate ya ha puesto fecha al estreno de John Rambo, que llegará a los cines el 4 de junio de 2027. Aunque Sylvester Stallone no aparecerá delante de las cámaras, sí participará como productor ejecutivo del proyecto, algo que tranquiliza a parte de los seguidores más clásicos de la saga. También se sabe que ha estado cerca del nuevo director indicándole cómo tiene que ir orientada la película a la hora de tratar al personaje.
Con Helander detrás de las cámaras y un reparto que mezcla nuevas caras con nombres muy conocidos, la película apunta a convertirse en uno de los regresos más curiosos del cine de acción contemporáneo. Queda por ver si el público aceptará una versión joven de John Rambo sin Stallone como protagonista, pero todo indica que Lionsgate quiere convertir esta precuela en el inicio de una nueva etapa para la franquicia.
La comedia funeraria creada por Laura y Alberto Caballero cerrará su historia con seis nuevos episodios
Netflix anunció la fecha de estreno y las primeras imágenes de la cuarta y última temporada de ‘Muertos S.L.’, la comedia creada por Laura y Alberto Caballero, responsables de éxitos como ‘Machos Alfa’, ‘La que se avecina’ y ‘Aquí no hay quien viva’. La serie llegará a la plataforma el próximo 7 de agosto de 2026 con una tanda final de seis episodios que pondrán fin a una de las propuestas más peculiares del catálogo español reciente.
Un último caos en la funeraria Torregrosa
La nueva temporada arrancará con una pregunta clave dentro de la funeraria: quién ocupará el puesto de director. Según ha adelantado Netflix, Chemi encontrará una solución aparentemente temporal proponiéndose para el cargo “solo un ratito”, con la idea de dejar su sello antes de pasar el relevo a Dámaso.
Sin embargo, la situación no tardará en generar tensiones dentro del negocio funerario. Dámaso se verá atrapado entre sabotear a su nuevo jefe o intentar ganarse su favor, mientras Chemi comenzará a implantar medidas y estrategias empresariales que, probablemente, funcionarían mejor en cualquier otro entorno que no fuera un tanatorio.
La serie seguirá apostando por su humor absurdo, situaciones incómodas y sátira laboral, elementos que han definido la identidad de ‘Muertos S.L.’ desde su estreno.
Carlos Areces lidera el reparto final
El reparto volverá a estar encabezado por Carlos Areces, acompañado por Amaia Salamanca, Salva Reina, Diego Martín, Adriana Torrebejano, Ascen López, Aitziber Garmendia, Gerald B. Fillmore, Roque Ruiz, Bárbara Santa-Cruz, Lorea Intxausti, Manolo Cal y Lucía Quintana.
La producción correrá nuevamente a cargo de Contubernio Films, con dirección de Laura Caballero y guiones escritos por Alberto Caballero, Daniel Deorador, Julián Sastre y Nando Abad.
La despedida de una de las comedias españolas más singulares de Netflix
Con esta cuarta temporada, ‘Muertos S.L.’ cerrará definitivamente una etapa marcada por su mezcla de humor negro, crítica social y retrato disparatado del mundo funerario. Desde su estreno, la serie se convirtió en una de las apuestas más reconocibles de la ficción española reciente dentro de Netflix, especialmente entre los seguidores del estilo de los hermanos Caballero.
La plataforma ya ha comenzado a promocionar el desenlace de la serie con las primeras imágenes oficiales, anticipando un cierre cargado de conflictos internos, rivalidades laborales y nuevas situaciones surrealistas en la funeraria Torregrosa.
Película de Tomohiko Ito, basada en el best seller de Keigo Higashino
Vértigo Films ha lanzado el tráiler oficial doblado al castellano de ‘El guardián del árbol de alcanfor’ (‘Kusunoki no Bannin’), la nueva película de animación dirigida por Tomohiko Ito, conocido por trabajos como ‘Silver Spoon’ y ‘Sword Art Online’.
La cinta llegará a los cines españoles el próximo 12 de junio y se perfila como uno de los grandes estrenos de anime del año gracias a su combinación de drama emocional, misterio y elementos sobrenaturales. La película adapta la novela homónima del exitoso escritor japonés Keigo Higashino, uno de los autores de misterio más populares de Japón y responsable de numerosos best sellers internacionales. La obra original ha superado el millón de copias vendidas.
Una historia de redención marcada por el misterio
Ambientada en Tokio, ‘El guardián del árbol de alcanfor’ sigue la historia de Reito, un joven que toca fondo tras una cadena de malas decisiones y tragedias personales. Después de perder a su madre y quedarse sin trabajo, su vida termina precipitándose hacia la delincuencia y finalmente la cárcel. Sin embargo, cuando todo parece perdido, un misterioso abogado vinculado a un poderoso imperio familiar le ofrece una inesperada oportunidad de recuperar su libertad. La única condición será aceptar un extraño y enigmático papel: convertirse en el Guardián del Árbol de Alcanfor.
La película mezcla elementos sobrenaturales con un relato profundamente humano sobre la culpa, la redención y las segundas oportunidades, apoyándose además en una cuidada puesta en escena y una animación de gran nivel visual.
Presencia en Tribeca y Annecy
Antes de su llegada a las salas españolas, la película tendrá una destacada presencia internacional dentro del circuito de festivales. ‘El guardián del árbol de alcanfor’ celebrará su estreno internacional en el prestigioso Tribeca Festival y también formará parte de la Sección Oficial del Annecy International Animation Film Festival, considerado uno de los certámenes de animación más importantes del mundo.
La selección en ambos festivales refuerza las expectativas alrededor de una producción que ya apunta a convertirse en uno de los títulos japoneses más destacados del año dentro del panorama de la animación internacional.
Tomohiko Ito vuelve al largometraje emocional
Tomohiko Ito es una de las figuras más reconocidas de la animación japonesa contemporánea, especialmente por su trabajo en adaptaciones de anime de enorme éxito como ‘Sword Art Online’. Con ‘El guardián del árbol de alcanfor’, el director apuesta por una historia más intimista y emocional, alejada de la acción fantástica de sus trabajos más conocidos, pero manteniendo una fuerte carga visual y un importante componente psicológico. La película busca conectar tanto con el público habitual del anime como con espectadores interesados en relatos dramáticos y de misterio con sensibilidad adulta.
‘X-Men ’97’ prepara su regreso tras el éxito de la primera temporada
Marvel Studios y Disney+ han lanzado el primer tráiler y el nuevo póster oficial de la segunda temporada de ‘X-Men ’97’, la continuación directa de la mítica serie animada de los años noventa que se convirtió en uno de los grandes fenómenos televisivos de animación superheroica.
La nueva temporada se estrenará en exclusiva en Disney+ el próximo 1 de julio y contará con un total de nueve episodios. Tras el enorme éxito de su primera entrega, la producción se ha consolidado como una de las series animadas originales más vistas de la plataforma a nivel global.
Además de la respuesta del público, ‘X-Men ’97’ también recibió una gran acogida por parte de la crítica especializada, manteniendo actualmente el sello “Certified Fresh” y un 99% de valoración en Rotten Tomatoes.
Los mutantes vuelven divididos y atrapados en el tiempo
La segunda temporada retomará la historia justo después de los acontecimientos de la anterior entrega. Los X-Men aparecerán ahora separados y dispersos a través de diferentes épocas temporales, obligados a encontrar la forma de regresar a casa mientras el mundo sigue deteriorándose en su ausencia.
Paralelamente, la sociedad de los años noventa comenzará a mostrar un rechazo cada vez más agresivo hacia los mutantes, mientras nuevas amenazas emergen en distintos frentes.
La serie continuará explorando algunos de los grandes temas clásicos de los cómics de los X-Men: la discriminación, la identidad, el miedo a lo diferente y las tensiones políticas alrededor de los mutantes.
Un reparto de voces repleto de nombres históricos
El reparto principal en versión original volverá a reunir a muchas de las voces asociadas históricamente a los personajes. Ross Marquand interpretará al Profesor X, mientras que Matthew Waterson dará voz a Magneto.
También regresan Ray Chase como Cíclope, Jennifer Hale como Jean Grey, Alison Sealy-Smith como Tormenta, Cal Dodd como Lobezno, Lenore Zann como Pícara y George Buza como Bestia.
Marvel mantiene el equipo creativo de la serie
En plena tormenta por los despidos de artistas gráficos Disney mantiene a sus grandes cabezas productores y vuelve a contar con nombres clave del Universo Marvel como Kevin Feige, Brad Winderbaum y Beau DeMayo, junto a los veteranos creativos de la serie original Julia y Eric Lewald. Jake Castorena ejercerá nuevamente como supervisor de producción, mientras que la dirección episódica recaerá en Emmett Yonemura y Chase Conley.
Con esta nueva temporada, Marvel continúa apostando por recuperar el espíritu clásico de la animación noventera de los mutantes, combinándolo con una narrativa más serializada y moderna que ha conseguido conectar tanto con los seguidores veteranos como con nuevas generaciones de espectadores.
Un clásico del cómic franco-belga que vuelve a adaptarse
La distribuidora YouPlanet ha presentado el tráiler oficial de ‘Marsupilami’, la nueva comedia familiar dirigida y protagonizada por Philippe Lacheau, que llegará a los cines españoles el próximo 12 de agosto tras convertirse en uno de los grandes fenómenos de taquilla en Francia.
La película superó los seis millones de espectadores en salas francesas, consolidándose como uno de los mayores éxitos comerciales del año en el país vecino. Con una mezcla de aventuras, humor físico y ritmo desenfrenado, la cinta busca conquistar también al público español durante la temporada estival.
Los orígenes de Marsupilami
El personaje de Marsupilami nació en 1952 de la mano del legendario dibujante belga André Franquin, uno de los autores más importantes de la historieta europea y figura clave de la llamada Escuela de Marcinelle. La criatura apareció por primera vez en las páginas de la popular serie ‘Spirou y Fantasio’.
Marsupilami es un extraño animal selvático de color amarillo con manchas negras y una larguísima cola prensil, capaz de realizar hazañas imposibles. Desde su debut, el personaje destacó por su carácter hiperactivo, su simpatía y su capacidad para conectar tanto con lectores infantiles como adultos.
Con el paso de los años, Marsupilami terminó convirtiéndose en un icono propio dentro del cómic franco-belga, protagonizando sus propias aventuras y expandiéndose posteriormente a series de animación, videojuegos y adaptaciones televisivas por parte de Disney y Marathon.
Una aventura familiar llena de caos y humor
En ‘Marsiupilami’, David acepta una peligrosa misión para salvar su trabajo en un zoológico: recuperar un misterioso paquete en Sudamérica. Sin embargo, todo se complica durante un crucero en el que viaja acompañado por su exmujer, su hijo y un compañero especialmente torpe.
El caos comienza cuando accidentalmente liberan a un bebé marsupilami, desencadenando una sucesión de situaciones disparatadas que obligarán a la familia a permanecer unida para intentar recuperarlo.
El reparto está encabezado por el propio Philippe Lacheau (‘Super ¿quién?’) junto a Jamel Debbouze, conocido internacionalmente por ‘Amélie’; Elódie Fontan, Tarek Boudali (‘Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?’) y el veterano Jean Reno (‘Los visitantes’).
Philippe Lacheau continúa su idilio con la taquilla
El cineasta francés Philippe Lacheau se ha convertido en uno de los grandes referentes de la comedia comercial europea gracias a títulos como ‘Alibi.com’, »Super ¿quién?’ o ‘Nicky Larson y el perfume de Cupido’. Su estilo, marcado por el slapstick, las referencias pop y el humor visual, ha conectado especialmente bien con el público familiar.
Con ‘Marsupilami’, el director vuelve a apostar por una producción de gran escala basada en un personaje muy popular dentro de la cultura francobelga, manteniendo el tono desenfadado y aventurero que caracteriza buena parte de su filmografía.
El nuevo evento reunirá cine, videojuegos, cómic, experiencias inmersivas y grandes figuras del género
Madrid tendrá por fin su gran festival internacional dedicado al terror y la fantasía oscura. Bajo el nombre de MADHORROR, el nuevo evento celebrará su primera edición del 30 de octubre al 2 de noviembre de 2026en IFEMA MADRID con una ambiciosa propuesta que mezclará festival de cine, convención, experiencias inmersivas y celebración multitudinaria de Halloween.
La presentación oficial contó con la presencia de Álex de la Iglesia, que ejercerá como padrino del festival, junto a responsables de IFEMA y el director artístico del evento, Mike Hostench.
Con más de 25.000 metros cuadrados dedicados al género fantástico, MADHORROR quiere consolidarse como uno de los grandes encuentros europeos para fans del terror contemporáneo.
Un festival de cine con películas llegadas desde Sitges o Fantastic Fest
Uno de los grandes pilares del evento será el MADHORROR International Film Festival, que proyectará diez de las películas de terror más destacadas del circuito internacional reciente.
La selección incluirá títulos procedentes de certámenes como Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Fantastic Fest o Toronto Midnight Madness, además de encuentros con cineastas, actores y profesionales invitados.
Exposiciones, túneles del terror y homenaje al fantaterror español
MADHORROR apostará fuerte por las experiencias inmersivas y las exposiciones dedicadas al género. Entre las muestras más destacadas estará ‘DDT efectos especiales: 35 años en el laberinto del fantaterror’, centrada en el trabajo de Montse Ribé y DavidMartí, ganadores del Oscar por ‘El laberinto del fauno’.
También habrá una gran exposición dedicada al 40 aniversario de ‘Aliens’, con piezas originales de la saga creada por Ridley Scott y continuada por James Cameron.
El terror español tendrá un espacio protagonista con ‘Chicho Ibáñez Serrador: sus terrores favoritos’, homenaje al creador de ‘Historias para no dormir’, ‘La residencia’ y ‘¿Quién puede matar a un niño?’.
Linda Blair, Robert Englund y Bayona, entre los primeros invitados
La organización confirmó además una potente primera lista de invitados internacionales. Entre los nombres destacados figuran Linda Blair, protagonista de ‘El exorcista’; Robert Englund, el mítico Freddy Krueger; Michael Biehn, estrella de ‘Aliens’ y ‘Terminator’; y Malcolm McDowell, icono de ‘La naranja mecánica’.
También participará Juan Antonio Bayona, que celebrará el 20 aniversario de ‘El orfanato’, además del creador de ‘Dead Space’, Glen Schofield. Y por si fuese poco Álex de la Iglesia aseguró en la rueda de prensa que estará también presente Fede Álvarez.
Gaming, cosplay y una gran celebración de Halloween
El evento contará con una enorme zona gaming llamada Playable Nightmares, áreas de cosplay, talleres, masterclasses, podcasts en directo y actividades masivas como una Zombie Walk o un desfile del Día de los Muertos.
La organización promete convertir IFEMA en una experiencia inmersiva total donde el cine, los videojuegos, el cómic y el terror convivan durante cuatro días pensados para fans del género.
La película será la única producción íntegramente española con estreno mundial en la programación del certamen neoyorquino Tribeca
El cine español volverá a tener presencia destacada en el Festival de Tribeca gracias a ‘Dante’, el nuevo largometraje escrito y dirigido por Hugo Ruiz, que celebrará su estreno mundial el próximo 7 de junio en Nueva York. Tras conquistar el certamen en 2023 con ‘Una noche con Adela’, el realizador regresa a Tribeca con un thriller oscuro y asfixiante protagonizado por Chino Darín y Ester Expósito.
La cinta formará parte de la sección ‘Escape from Tribeca’, dedicada al cine de género y a propuestas de alto impacto cinematográfico. Además, ‘Dante’ será la única película española seleccionada para estreno mundial dentro de una edición que contará con 118 largometrajes, de los cuales 103 serán premieres absolutas.
Un thriller nocturno marcado por la culpa y la tensión
‘Dante’ se presenta como un viaje opresivo a través de la culpa, las decisiones extremas y el azar. La historia sigue a Eduardo, un técnico de emergencias interpretado por Chino Darín, atrapado en una noche donde nada resulta ser lo que parece. El actor argentino, conocido por trabajos como ‘Argentina, 1985’, ‘El reino’ o ‘La odisea de los giles’, afronta aquí uno de sus papeles más intensos, enfrentándose a un personaje al límite tanto física como emocionalmente.
Por su parte, Ester Expósito interpreta a Mak, una figura clave dentro del conflicto interno del protagonista. La actriz continúa ampliando su trayectoria en el thriller y el fantástico tras títulos como ‘Venus’, ‘El llanto’ o la serie ‘Élite’. El reparto se completa con Vicente Romero, Enrique Arce y una colaboración especial de Asier Etxeandia.
Hugo Ruiz vuelve a Tribeca tras el éxito de ‘Una noche con Adela’
El regreso de Hugo Ruiz al Festival de Tribeca tiene un significado especial. En 2023, el director obtuvo allí el premio a Mejor Director Novel gracias a ‘Una noche con Adela’, una película que sorprendió por su intensidad visual y narrativa.
En aquella edición, el jurado destacó su “visión audaz y singular” y su capacidad para asumir riesgos dentro del thriller contemporáneo. Ahora, ‘Dante’ parece continuar esa línea estilística con una propuesta cargada de tensión, atmósferas nocturnas y personajes moralmente ambiguos.
Tres proyecciones oficiales en Nueva York
Antes de su estreno oficial, la película participará en un pase previo exclusivo para prensa y crítica organizado por el propio festival el 29 de mayo en el Tribeca Film Center.
Posteriormente, ‘Dante’ contará con tres proyecciones oficiales en Nueva York:
7 de junio — Estreno mundial
8 de junio — Segunda proyección
12 de junio — Último pase oficial
La película está producida por Gilda Productions y Eterno Island en coproducción con Sissi Films y Jarana Films.
Explora el amor clandestino entre dos mujeres en la España franquista
El director valenciano Alberto Evangelio continúa consolidando su trayectoria dentro del cine español de autor y género con ‘Cel Meu Infern Teu’, un drama romántico con elementos de thriller psicológico ambientado en la España de los años 60 y 70. La película aborda una historia de amor imposible entre dos mujeres marcada por la clandestinidad, la represión social y el miedo en plena dictadura franquista.
La cinta sigue la relación entre Adela y Victoria, dos mujeres que intentan mantener vivo su vínculo sentimental a pesar del rechazo de la sociedad y las consecuencias legales de la época. A través de diferentes saltos temporales, la historia explora cómo ambas luchan contra la imposibilidad de olvidar aquello que les fue arrebatado.
Un romance marcado por la represión franquista
‘Cel Meu Infern Teu’ sitúa su relato en una Valencia profundamente conservadora, donde la homosexualidad seguía perseguida social y legalmente. El enfoque de la película no solo busca reconstruir el contexto histórico, sino también conectar ese pasado con debates contemporáneos sobre identidad, libertad y memoria.
La combinación entre melodrama romántico y thriller psicológico parece una de las grandes apuestas del proyecto. La tensión emocional y el peso del secreto funcionan aquí como motores narrativos de una historia atravesada por el dolor y la imposibilidad de vivir el amor con normalidad.
Un reparto encabezado por Tània Fortea y Sandra Cervera
El reparto principal está liderado por Tània Fortea y Sandra Cervera, acompañadas por Víctor Palmero, además de Vicent Domingo, Rosanna Espinòs, Antonio Hortelano y Enric Benavent.
Precisamente Palmero ha sido uno de los primeros nombres destacados del recorrido de la película tras recibir recientemente el Premio Lola Gaos a Mejor Actor de Reparto por su interpretación.
Un recorrido creciente por festivales
La película comenzó su circuito internacional con su estreno en el Outshine Film Festival y posteriormente tuvo su presentación nacional en la sección Endimaris del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.
Desde entonces, ‘Cel Meu Infern Teu’ ha empezado a acumular reconocimiento en festivales especializados, incluyendo el Premio del Público en el Marere Film Festival.
Alberto Evangelio sigue ampliando su universo cinematográfico
El nombre de Alberto Evangelio lleva años vinculado al fantástico y al thriller dentro del panorama español independiente. Su debut en el largometraje, ‘Visitante’, fue estrenado en Sitges y obtuvo una nominación a Mejor Película en los Premios Gaudí.
Además de sus cortometrajes, seleccionados en festivales internacionales como Clermont-Ferrand, Fantasia o BIFAN, el director también ha trabajado en televisión con series como ‘Diumenge Paella’, ‘L’Alqueria Blanca’ o ‘Malnombre’.
El cineasta ya prepara además nuevos proyectos. Este verano rodará ‘Selectivitat’, una nueva película respaldada por HBO, TVE y À Punt.
Zendaya y Pattinson encuentran terreno fértil para demostrar su madurez interpretativa
Hablar de ‘El drama’ implica necesariamente situarse en la mente (retorcida, incómoda y a menudo brillante) de Kristoffer Borgli, responsable de la inclasificable ‘Dream Scenario’. Si en aquella exploraba la viralidad, la fama y el absurdo desde lo onírico, aquí se adentra en un terreno aparentemente más reconocible: la relación de pareja. Pero que nadie se equivoque. ‘El drama’ no es una comedia romántica al uso, ni siquiera una de esas que pretenden subvertir el género desde la ironía ligera. Borgli opta por algo más incómodo: desmontar el concepto mismo de intimidad emocional.
En este sentido, la película se alinea con corrientes recientes como ‘Materialistas’, no solo por reunir un elenco famoso, sino por el denominador común de hacer que el amor deje de ser un refugio idealizado para convertirse en un espacio de negociación, tensión y en ocasiones, auténtico vértigo moral. Aquí no hay rastro de pasteleo ni de melodrama complaciente. Lo que hay es una disección fría (aunque revestida de humor negro) de las expectativas que proyectamos sobre quienes creemos conocer. No esperaba menos carácter innovador de una producción de A24.
La premisa es tan sencilla como devastadora: ¿qué es más perturbador, descubrir un secreto escabroso del pasado de tu pareja o darte cuenta de que, en realidad, no has llegado a conocerla del todo? Borgli no responde de forma explícita, pero articula toda la narrativa en torno a esa pregunta, convirtiendo cada escena en un ejercicio de incomodidad progresiva.
Zendaya y Pattinson: madurez, ansiedad y verdad emocional
El peso de ‘El drama’ recae en evidentemente sobre sus dos protagonistas, Zendaya y RobertPattinson, dos intérpretes que llevan años intentando trascender su asociación con productos mainstream y franquicias masivas. Aquí encuentran un terreno fértil para demostrarlo.
Zendaya construye un personaje contenido, pero profundamente inestable. Su interpretación se basa tics nerviosos y miradas que uno no sabe del todo lo que esconden. Pattinson, por su parte, abraza el nerviosismo como motor dramático: su personaje parece vivir en un estado constante de alerta emocional, como si cada conversación pudiera detonar una crisis.
Ambos logran transmitir una ansiedad que va mucho más allá de los típicos nervios previos a una boda (contexto en el que se sitúa el relato). Borgli utiliza ese punto de partida para introducir elementos imprevistos: confesiones surgidas entre copas, comentarios aparentemente triviales que terminan adquiriendo un peso devastador. Uno de ellos en concreto es el que detona toda la relación y la película, pero evidentemente no lo voy a desvelar. Es en esos momentos donde la cinta alcanza su mayor potencia, porque transforma lo cotidiano en algo profundamente inquietante.
Como curiosidad que encaja con el enfoque del director, Borgli trabajó con amplios márgenes de improvisación en ciertas escenas clave, buscando capturar reacciones genuinas de los actores ante giros narrativos que no siempre conocían en detalle. Este recurso (habitual en el modus operandi de muchos directores) refuerza la sensación de incomodidad y autenticidad que atraviesa toda la película.
Confianza, perdón y la fragilidad de lo que creemos sólido
Más allá de su apariencia de comedia negra, ‘El drama’ es, en esencia, una película sobre la fragilidad de los vínculos humanos. Borgli plantea la confianza no como un estado estable, sino como un equilibrio precario que puede romperse con una sola frase mal entendida o una verdad revelada en el momento equivocado.
Hay catarsis pero no redención fácil. En su lugar, propone un recorrido emocional donde el espectador se ve obligado a cuestionar sus propias ideas sobre el amor, el perdón y la identidad dentro de una pareja. Mucho cuidado con repetir con vuestras parejas el juego que llevan a cabo Robert Pattinson, Zendaya, Alana Haim y Momodou Athie, podéis salir escaldados.
Uno de los mayores aciertos del filme es su capacidad para generar incomodidad sin caer en el cinismo absoluto. Aunque el tono es ácido, incluso cruel por momentos, nunca pierde de vista la humanidad de sus personajes. Esto es clave para que la historia funcione: no estamos ante caricaturas, sino ante individuos que intentan torpemente sostener algo que se desmorona. Puede que no sea una película cómoda ni complaciente (‘Sick of myself’ ya es bastante advertencia de que a Borgli le gusta removernos de la butaca), pero precisamente ahí reside su valor: en obligarnos a mirar de frente aquello que normalmente preferimos ignorar.
Ficha de ‘El drama’
Estreno en España: 29 de mayo de 2026. Título original: The drama. Duración: 106 min. País: EE.UU. Dirección: Kristoffer Borgli. Guion: Kristoffer Borgli. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Arseni Khachaturan. Reparto principal: Zendaya, Robert Pattinson, Alana Haim, Mamoudou Athie. Producción: A24, Live Free or Die Films, Square Peg. Distribución: Diamond Films. Género: comedia, drama. Web oficial.
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