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Acerca de Furanu

De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.

Crítica: ‘Forbidden fruits’

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En qué plataforma ver Forbidden fruits

Una provocación que se queda en la superficie

Hay películas que aunque parezcan banales consiguen que uno salga de la sala pensando en ellas durante horas. Y luego está ‘Forbidden Fruits’, que en mi caso consigue algo bastante más sencillo: preguntarme cuándo va a empezar aquello que promete ser. La película de Meredith Alloway, adaptación de la obra teatral ‘Of the Woman Came the Beginning of Sin and Through Her We All Die’, escrita por Lily Houghton, se presenta como una comedia de terror alrededor de un grupo de trabajadoras de una boutique que, cuando el centro comercial cierra, se transforma en el escenario de un aquelarre.

¿Comedia teenager subida de tono? ¿Folkhorror de centro comercial? No es nada de eso. El problema es que la propuesta tarda demasiado en encontrar su razón de ser. Durante buena parte del metraje asistimos a una sucesión de conversaciones, rituales y conflictos de grupo que pretenden construir una sátira sobre la feminidad, la pertenencia y determinadas dinámicas sociales, pero que a mí me resultan bastante más irritantes que mordaces. La estética de Free Eden, con su mezcla de bohemia prefabricada, ropa de princesita moderna y esa imagen de feminidad cuidadosamente empaquetada, pretende ser parte de la crítica. La boutique es ficticia, pero está directamente basada en Free People, algo que la propia película convierte prácticamente en una broma privada para quien conozca la referencia.

Y ahí es donde encuentro una de las mayores dificultades de ‘Forbidden Fruits’: parece confiar demasiado en que la identificación de sus referentes convierta automáticamente su sátira en algo inteligente. Su retrato de esa feminidad de escaparate, de los cuerpos imposiblemente estilizados y de la estética de jóvenes que quieren parecer modernas mientras reproducen códigos perfectamente reconocibles, podría haber sido un material estupendo para una comedia negra mucho más incisiva.

Mucha pose y poco mordiente

La película tiene además una curiosa relación con el espacio. Todo sucede principalmente en un centro comercial. El escenario resulta apropiado: pasillos, escaparates y tiendas convertidos en una especie de templo capitalista donde las protagonistas construyen su pequeña religión.

La idea funciona sobre el papel. El problema es que ‘Forbidden Fruits’ parece más interesada en anunciar constantemente lo que quiere decir que en encontrar una forma cinematográfica de decirlo. La sátira feminista, el culto, la brujería, la crítica al consumo y las relaciones de poder se acumulan, pero rara vez terminan de adquirir la contundencia necesaria para que el conjunto resulte verdaderamente divertido o perturbador.

Y eso es especialmente problemático en una película de terror. Porque el terror llega, sí, pero llega tarde. Muy tarde. Cuando finalmente se inaugura el kill count, apenas quedan unos trece minutos para terminar. Es entonces cuando aparece, por fin, una energía que hasta ese momento había echado muchísimo de menos. La sangre, la violencia y la sensación de peligro consiguen despertar una película que hasta entonces se me había hecho extraordinariamente larga.

Un fruto que llega demasiado tarde

Hay elementos interesantes en ‘Forbidden Fruits’. La procedencia teatral explica en parte su dependencia del diálogo y de los personajes, mientras que el hecho de que esta sea la primera película de Meredith Alloway como directora de largometrajes convierte el proyecto en una carta de presentación ambiciosa. También resulta significativo que sea su primer guion de largometraje producido junto a Houghton, responsable de la obra original.

Pero una buena idea no siempre se convierte en una buena película. Y aquí encuentro una distancia demasiado grande entre lo que ‘Forbidden Fruits’ parece querer ser y lo que finalmente consigue. La película tiene conceptos potencialmente muy aprovechables: un aquelarre instalado en una tienda de ropa, una jerarquía femenina construida alrededor de la exclusión, la religión convertida en ritual de grupo y un centro comercial como representación de una sociedad basada en el consumo y la apariencia. Y con algún gag te ríes, pero en general no termina de funcionar, ni siquiera con su escena post-créditos.

Sin embargo, todo eso me parece más interesante como planteamiento que como resultado. La película necesita demasiado tiempo para llegar al terreno del terror y, cuando por fin lo hace, ya está prácticamente terminando. ‘Forbidden Fruits’ quiere ser provocadora, divertida, feminista, sangrienta y satírica al mismo tiempo. En mi caso, no consigue ninguna de esas cosas con suficiente fuerza como para compensar el tedio de buena parte del metraje. Una fruta prohibida que, al menos para mí, resulta mucho menos sabrosa de lo que promete su envoltorio.

Ficha de ‘Forbidden fruits’

Estreno en España: por determinar. Título original: Forbidden fruits. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Meredith Alloway. Guion: Meredith Alloway, Lily Houghton. Música: Anna Drubich. Fotografía: Karim Hussain. Reparto principal: Lili Reinhart, Lola Tung, Victoria Pedretti, Alexandra Shipp, Emma Chamberlain. Producción: MXN Entertainment, 100 ZEROS, Bright Panic Pictures, Lollipop Woods, Madhouse Films, Quadrant Motion Pictures. Distribución: por determinar. Género: comedia, terror. Web oficial.

Crítica: ‘Corporate retreat’

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Un retiro del que el propio espectador se quiere retirar

Hay ocasiones en las que una película genera unas expectativas que después no sabe cumplir. ‘Corporate Retreat’ es un buen ejemplo. Aaron Fisher se rodea en su segundo largometraje de un reparto que, sobre el papel, debería proporcionar unas garantías muy superiores a las de su debut, ‘Inside the Rain’, estrenado en 2019. Alan Ruck, Rosanna Arquette, Odeya Rush, Sasha Lane, Benjamin Norris, Ashton Sanders y Kirby Johnson son algunos de los nombres que forman el elenco, al que se suma además Omar Sharif Jr., nieto del mítico Omar Sharif. El reparto reúne intérpretes con experiencia en producciones tan conocidas como ‘Speed’, ‘Twister’, ‘Twisters’, ‘Pulp Fiction’, ‘Lady Bird’, ‘Moonlight’, ‘Andor’ o ‘The Possession of Hannah Grace’…

Sobre el papel, por tanto, Fisher da un salto considerable respecto a su primera película. El problema es que ese salto parece haberse producido fundamentalmente para los créditos. ‘Corporate Retreat’ demuestra unas carencias que terminan siendo demasiado evidentes. Y es una lástima, porque la premisa tenía posibilidades: un retiro corporativo para estrechar lazos entre empleados que acaba transformándose en una especie de escape room mortal en el que los participantes deben luchar por sobrevivir. Es lógico que se haya proyectado en el Festival de Sitges dentro de Midnight X-Treme ya que como el propio festival dice, promete comedia negra y torture porn.

La película arranca, además, con una declaración de intenciones musical bastante atractiva. El surf rock y el soul jazz aportan personalidad desde los primeros compases y dejan claro que Aaron Fisher y su hermano Josh Fisher, responsable también de la fotografía, tienen bastante buen gusto musical. Es probablemente uno de los aspectos en los que la película consigue llamar la atención. El problema es que ese criterio parece inversamente proporcional al que encontramos en el montaje y en la elección de planos.

Cuando el montaje convierte un encierro en una condena

El ritmo debería ser fundamental en una película que basa buena parte de su propuesta en encerrar a un grupo de personas y someterlas progresivamente a situaciones cada vez más violentas. Sin embargo, ‘Corporate Retreat’ tiene fallos de ritmo desde prácticamente el comienzo. Hay una extraña desconexión entre la energía que aporta su música y la manera en que Fisher construye las escenas.

El problema no está únicamente en que sepamos hacia dónde va la historia. Es que el guion apenas hace demasiado por ocultarlo. El retiro corporativo se convierte en una trampa, los ejercicios de trabajo en equipo adquieren una dimensión siniestra y los personajes quedan atrapados en una dinámica de supervivencia en la que las reglas resultan bastante evidentes. La película se acerca así a ese territorio del escape room cinematográfico donde el espectador puede anticipar con demasiada facilidad cuál será el siguiente paso.

Y cuando una película de este tipo no consigue sorprender, necesita al menos compensarlo con tensión, humor negro, personajes interesantes o una puesta en escena particularmente imaginativa. ‘Corporate Retreat’ tampoco termina de encontrar ahí su salvación.

Actuaciones que no están a la altura

Pero donde más sorprende ‘Corporate Retreat’ es en sus interpretaciones. No porque el reparto carezca de experiencia, sino precisamente porque algunos momentos parecen exigir más intensidad o un compromiso con el tono del filme que los actores no terminan de encontrar. Hay actuaciones excesivamente carentes de sentimiento, hasta el punto de rozar en determinados instantes lo amateur.

El ejemplo más evidente es el momento de la jeringa. La idea y la interpretación resultan tan impostadas que parecen sacadas de una actuación de colegio de primaria. Es difícil tomarse en serio una situación que necesita que el espectador crea en el miedo de sus protagonistas cuando la emoción parece estar ausente. Si por lo menos hubiese intención de hacernos reír, pero es que parce que el filme ni siquiera se esfuerza en ello.

No saber qué hacer con lo que tienes entre manos

‘Corporate Retreat’ acaba siendo una oportunidad desaprovechada. Tiene un concepto sencillo pero potencialmente efectivo, un reparto con nombres conocidos y un escenario que ya lo querría yo para mi próxima escapada romántica o con amigos. Sin embargo, quizás al intentar alinearse con ciertos subgéneros, el libreto es demasiado pueril, descuidando el tono exigiendo muy poco a sus intérpretes.

Me parece increíble que la productora de esta película haya estado inmiscuida en filmes como ‘Ruido de fondo’. ‘Corporate Retreat’ termina demostrando que reunir buenos ingredientes no sirve de mucho cuando la receta falla. Y en un retiro del que se supone que nadie debería salir con vida, lo verdaderamente preocupante es que el espectador sea quien esté deseando escapar.

Ficha de ‘Corporate retreat’

Estreno en España: por determinar. Título original: Corporate retreat.  Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Aaron Fisher. Guion: Aaron Fisher, Kerri Sohn. Música: Anna Drubich. Fotografía: Josh Fisher. Reparto principal: Alan Ruck, Odeya Rush, Sasha Lane, Benjamin Norris, Kirby Johnson, Omar Sharif Jr. Producción: Passage Pictures. Distribución: por determinar. Género: comedia, terror. Web oficial.

Festival de Sitges 17/10/26: nos quedamos con la picaresca y el encanto de ‘Wicker’

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La 59ª edición va clausurando anunciando sus ganadores

El Festival de Sitges ha preparado el cierre de su 59ª edición con la proyección de ‘Wicker’, una fábula sobre el sexo, el matrimonio y las convenciones sociales. Uno de los momentos destacados ha sido la entrega del Gran Premio Honorífico a Amy Irving, actriz de películas como ‘Carrie’ y ‘The Fury’. Irving ha agradecido el reconocimiento recordando el trabajo de las actrices en ‘Carrie’ y bromeando con que se sentía como si King Kong le hubiera dado una palmada en el hombro.

Como es tradicional en la penúltima jornada del festival se ha dado a conocer el listado de premios en cada una de las secciones. La película francesa ‘Sanguine’, de Marion Le Corroller, se ha alzado con el premio a Mejor Película de la Sección Oficial Fantàstic a Competició del 59.º Festival de Sitges. El palmarés también ha reconocido a Joko Anwar como Mejor Director por ‘Ghost in the Cell’, a Jasmine Trinca como Mejor Actriz por ‘The Spiral’ y a Benoît Magimel como Mejor Actor por ‘Historias de la noche (The Birthday Party)’. El Premio Especial del Jurado ha recaído en ‘Drag’, de Greg Yagolnitzer y Raviv Ullman, mientras que ‘Buddy’ ha obtenido el galardón al Mejor Guion.

En el resto de las secciones destacan ‘Hen’, de Nico Scheepers, como Mejor Película de Noves Visions, y ‘Gummy’, de Javi Prada, como ganadora de Òrbita. La animación, el cine europeo fantástico y el documental también han tenido su espacio en una edición que ha repartido premios entre numerosas propuestas internacionales. Por su parte, el público ha elegido ‘Wildwood’, de Travis Knight, como su película favorita de la Sección Oficial Fantàstic, mientras que ‘The Fox’, ‘Kung Fu Deadly’, ‘No Salgas’ y ‘Blades of the Guardians: Wind Rises in the Desert’ se han impuesto en sus respectivas categorías.

La dirección del festival también ha agradecido la labor de todas las personas que hacen posible el certamen, que ha aumentado su asistencia un 6 %. Además, ha rendido homenaje a Manuel Pérez-San Julián, referente del arte fantástico y la ilustración de ciencia ficción y espada y brujería, fallecido recientemente. Su figura ya había sido homenajeada en Sitges con el documental ‘San Julián: El poder de la ilustración’.

‘Freaks parte II’

‘Freaks Part II’ recupera el universo de la película de 2018 y refuerza sus semejanzas con ‘X-Men’ (en concreto con ‘Los nuevos mutantes’): personas con poderes que son marginadas, perseguidas y tratadas como amenazas por una sociedad incapaz de aceptar lo diferente centrándose en niños que saben que nunca tendrán una vida normal. Esta vez, el gobierno va mucho más lejos y convierte su exterminio en una política de Estado, con una propaganda de odio que recuerda a las persecuciones fascistas de la historia.

La película apuesta por una acción mucho más directa y una violencia especialmente bestia en su tercer acto. Sin embargo, me sobran algunas partes dramáticas y echo en falta una evolución más clara de Chloe, ahora interpretada por Lorelei Olivia Mote tras el relevo de Lexy Kolker. La incorporación de otra niña con poderes podría haber servido para explorar el aprendizaje y la responsabilidad, pero la historia apenas aprovecha esa posibilidad.

‘Freaks Part II’ amplía el universo de la original y resulta más brutal, aunque no siempre más sólida. Su denuncia de la persecución institucionalizada funciona, pero sus personajes no progresan tanto como deberían.

Comentado por Furanu.

‘Wicker’

Basada en un relato de Úrsula Willis, ‘Wicker’ nos cuenta la historia de una pescadera marginada en un pueblo mediocre que se creen Mejor que ella. Una mujer soltera y totalmente independiente que después de una boda y ser la mofa de todo este pueblucho decide pedirle al cestero que le cree un hombre de mimbre. A partir de ese momento una preciosa historia de amor, celos y envidias se convertirá en un pequeño cuento fantástico.

Una historia muy bonita, con una atmósfera bien creada con mucho color y a la vez gris cuando las cosas no se ponen bien.

Me ha recordado en parte, al episodio de Los Simpsons, cuando Apu tiene que implorar el perdón de Manjula y se convierte en el hombre ideal, cosa que a los ciudadanos de Springfield no les hace mucha gracia.

Esto es igual, pero al final, tenemos a un ser creado a partir de mimbre que solo tiene ojos para esta pescadera que le ha robado el corazón. Un cuento de amor muy bonito y como todo cuento de amor, tiene sus sombras y sus malas víboras en el camino.

Comentado por Vicky Carras.

‘V/H/S Mixtape’

La novena entrega de ‘V/H/S’ convierte la música y el sonido en fuentes de terror, con GWAR como anfitriones de una antología irregular que mezcla found footage, animación y videoclips sangrientos.

En ‘Dance, Dance, Dance, Dance’, Renee Zhan utiliza marionetas de Jim Henson’s Creature Shop y a Barbara Crampton para convertir un programa infantil en una pesadilla grotesca que parece querer profanar nuestros recuerdos de infancia.

‘Another Cabin’, de Flying Lotus, es un cortísimo experimento en stop motion, macabro y grosero, pero bastante pobre en ideas.

‘Heartbeat’, de David Moreau, sigue a unos youtubers que se cuelan en una instalación militar y aprovecha el silencio de las cámaras anecoicas para explorar una vía de terror poco habitual.

‘The Music of Mr. Sze’, de Ernest Dickerson, es una rallada cósmica alrededor de un violinista y un joven que documenta su vida, aunque el uso de las gafas con cámara integrada aporta poco.

‘Premature Burial’, dirigido por Tobias Forge (Ghost), funciona como un videoclip de metal extremo en formato 4:3, muy bestia pero con escaso desarrollo narrativo.

‘Death Tone’, de RZA, es uno de los episodios más originales: una joven obsesionada con honrar a su padre convierte la búsqueda del sonido perfecto en una espiral criminal.

Comentado por Furanu.

‘Malnombre’

 Creada por Alfonso Cortés–Cavanillas estamos ante una serie de 6 episodios que nos han presentado en Sitges Festival como una película de 2 horas. El montaje no estaba nada mal, se nota algún detalle suelto de la historia, pero en general lo he disfrutado bastante.

Eva regresa a su pueblo natal del que marcho hace años. Allí comienza a trabajar de noche en una gasolinera. La noche es larga y en Malnombre hay muchos misterios. Asesinatos, desapariciones, gente extraña de noche. Nada es lo que parece en Malnombre. Además, que en sí, ya la gente del propio pueblo es bastante hostil.

Uno de los detalles a resaltar, son los efectos especiales, los cuales, para ser una producción española, en formato serie, están muy logrados. Además del trabajazo de vestuario y localizaciones. Me he quedado con ganas de ver el formato serie la verdad que por lo que nos han mandado en la respectiva nota de prensa, llegará a nuestras casas el próximo 2027.

Comentado por Vicky Carras.

‘Furia desatada (Ikatan darah)’

‘Furia desatada’, título español de ‘Ikatan Darah’, es una película de acción indonesia dirigida por Sidharta Tata y producida por Iko Uwais. La historia sigue a Mega, una antigua practicante de pencak silat que debe volver a luchar para salvar a su hermano de una banda criminal y de sus deudas.

La primera mitad tarda en desplegar todo su potencial, pero la acción acaba convirtiéndose en su principal atractivo. La barriada superpoblada en la que transcurre buena parte del relato, con sus callejones y viviendas amontonadas, ofrece un escenario perfecto para las escaramuzas.

Hay muebles que se rompen con cada golpe, machetazos, patadas acrobáticas y enfrentamientos que aprovechan cada rincón. Livi Ciananta e Ismi Melinda destacan en unas coreografías físicas que mantienen vivo el espectáculo. El humor también está presente, aunque algunos momentos provocan más sonrisas involuntarias que carcajadas.

‘Furia desatada’ no reinventa el cine de artes marciales, pero sabe qué ofrece: criminales, personajes acorralados y peleas contundentes. Cuando la acción arranca, los muebles tienen pocas posibilidades de sobrevivir.

Comentado por Furanu.

‘Crawlers’

Pero que película tan divertida, como ha dicho el propio director, tan palomitera y lo bien hechas que están las malditas arañas. ‘Crawlers’ es un film que si se hubiese estrenado en los 80 estaríamos aplaudiendo con las orejas. Aunque yo viéndola en la actualidad, admito que me lo he pasado pipa. Un edificio se queda en cuarentena por una plaga de arañas, pero no arañas cualquiera, si no unas que atacan a humanos y que tienen sed de sangre.

Me encanta como utilizan los planos para ver como acechan las arañas a sus víctimas. Vemos a través de estos seres y me ha parecido divertidísimo. Además, como se preparan para pillar desprevenidos a cualquiera que pase cerca. Y es que como bien dice la película, hay arañas por todos lados y más cerca de lo que creemos. Aunque es cierto que los personajes tienen decisiones absurdas y que alguno que otro merece la muerte, no me importa, porque realmente es lo gracioso de la película, que no se toma en serio y al a vez si, ya que como digo, las arañas me parecen super bien hechas. Un divertimento que sinceramente volvería a repetir en una sala de cine con amigos.

Comentado por Vicky Carras.

‘Fantasy art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya’

Luis Royo y Rómulo Royo llevan décadas demostrando que la fantasía puede ser mucho más que un género destinado a las estanterías de coleccionistas. El documental de Mirella R. Abrisqueta entra en su estudio, muestra su proceso creativo, sus influencias y la relación artística entre padre e hijo mientras siguen las huellas de Francisco de Goya. Pero lo más importante, deja ver que su arte y el de muchos ilustradores de hoy en día comienza a verse como debería, como arte digno de un museo.

La película está vertebrada por el proyecto que establece un diálogo entre los dos artistas y el Goya más fantástico, oscuro y grotesco. Una conexión estimulante que permite reivindicar una disciplina que ha influido a generaciones de ilustradores, lectores y creadores visuales. Habría sido interesante contar con más expertos y profundizar mucho más en ese Goya fantástico, pero es una reivindicación necesaria para un arte que lleva mucho tiempo demostrando que la imaginación moderna también merece estar en los museos, porque su calidad pictórica está a la altura de los grandes maestros.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘Furia desatada (Ikatan darah)’

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Un filme en el que tanto personas como muebles son víctimas de las artes marciales

A veces basta con que los protagonistas de una película sepan repartir golpes, que los enemigos estén dispuestos a recibirlos y que el mobiliario del escenario no sobreviva a la pelea. ‘Furia desatada’, título con el que llegará a España ‘Ikatan Darah’ de la mano de A Contracorriente Films, reúne todos esos ingredientes. Producida por Iko Uwais, es una historia de criminales, personajes humildes acorralados por las circunstancias y artes marciales capaces de convertir cualquier espacio en un campo de batalla.

La injusticia como combustible

La película de Sidharta Tata nos presenta a Mega, una antigua practicante de pencak silat que dejó atrás su carrera deportiva debido a una lesión. Su hermano se mete en un problema con una banda criminal y queda atrapado en una espiral de deudas y violencia. Mega tendrá que volver a poner a prueba sus habilidades para intentar salvarlo.

No estamos ante una premisa especialmente original, pero sí ante una que encaja perfectamente con la tradición del cine de acción indonesio. Los protagonistas suelen ser personas con pocos recursos, empujadas a situaciones extremas por organizaciones criminales que se aprovechan de su vulnerabilidad. Cuando la injusticia se convierte en el detonante de la historia, la violencia aparece como una respuesta desesperada, aunque eso no significa que sus consecuencias sean pequeñas.

La película tarda un poco en desplegar todo su arsenal. Su primera mitad no está tan cargada de acción como otras producciones asociadas a Iko Uwais ni alcanza desde el principio la intensidad de títulos recientes como ‘The Furious’, aunque no su calidad y constancia. Cuando llegan los enfrentamientos, queda claro dónde están sus prioridades. El argumento funciona como una excusa para llevar a los personajes de una situación límite a otra, mientras la protagonista se abre paso entre quienes pretenden impedirle que proteja a su familia.

Una barriada convertida en ring

Uno de los grandes aciertos está en el escenario. Buena parte de la acción transcurre en una barriada pobre, superpoblada y construida sin demasiado orden, con callejones estrechos, viviendas amontonadas y espacios en los que apenas parece haber sitio para moverse. La imagen recuerda a las favelas de Río de Janeiro, aunque aquí el entorno tiene una identidad propia. No es simplemente un decorado: sus pasajes, habitaciones y rincones ofrecen obstáculos y oportunidades para que cada pelea encuentre una nueva forma de complicarse.

Y vaya si se complican. Hay muebles que se hacen añicos con cualquier golpe, machetazos en la cabeza y patadas de todo tipo. Los cuerpos salen despedidos, los objetos cotidianos se convierten en armas improvisadas y los enfrentamientos se desarrollan con una contundencia física que hace que cada choque parezca capaz de dejar el escenario irreconocible. Es ese tipo de acción oriental que entiende que una buena pelea no consiste únicamente en lanzar golpes, sino en aprovechar el espacio y encadenar movimientos que mantengan al espectador pendiente de lo que ocurrirá a continuación.

Además, buena parte del atractivo recae en sus dos protagonistas femeninas. Livi Ciananta e Ismi Melinda aportan energía a una película que encuentra en sus enfrentamientos uno de sus mayores reclamos. Cuando las coreografías se ponen en marcha, la historia deja de necesitar demasiadas explicaciones: lo importante es seguir el movimiento, anticipar el siguiente golpe y comprobar cuánto más puede aguantar cada adversario.

La acción por encima de todo

‘Furia desatada’ también intenta introducir humor entre tanta violencia. Algunas situaciones funcionan como alivio cómico, aunque otras provocan más una sonrisa involuntaria que una carcajada buscada. No diría que la comedia sea su principal virtud, ni tampoco que necesite serlo. La película encuentra su identidad cuando se concentra en la acción y deja que los personajes se expresen mediante patadas, puñetazos y destrozos.

La producción de Iko Uwais se nota en esa prioridad excesiva por el combate físico y en la importancia de las coreografías. Si buscas una historia compleja, no será la opción más adecuada. Si lo que quieres es ver cómo una barriada entera se convierte en un ring y cómo los muebles pagan las consecuencias de cada combate, aquí tienes material de sobra.

Ficha de ‘Furia desatada’

Estreno en España: por determinar. Título original: Ikatan Darah. Duración: 119 min. País: Indonesia. Dirección: Tata Sidharta. Guion: Rifki Ardisha, Tata Sidharta. Música: Fajar Ahadi. Fotografía: Ferry Rusli. Reparto principal: Livi Ciananta, Derby Romero, Ismi Melinda, Teuku Rifnu, Lydia Kandou, Abdurrahman, Rama Ramdhan, Agra Piliang, Dimas Anggara. Producción: Uwais Pictures, Legacy Pictures, KG Pictures, Kebon Studio. Distribución: A Contracorriente Films. Género: acción, suspense. Web oficial.

Crítica: ‘V/H/S/Mixtape’

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Cuando el sonido se convierte en una pesadilla

La saga ‘V/H/S’ llega a su novena entrega con una propuesta que convierte la música y el sonido en el hilo conductor de sus pesadillas. Por supuesto, seguimos ante una antología de found footage, aunque esta vez la conexión entre los segmentos no depende únicamente de unas cintas encontradas: todo queda envuelto por las apariciones de GWAR, la banda de shock metal que ejerce de anfitriona de este particular espectáculo. El problema es que, como suele ocurrir en estas recopilaciones, hay ideas mucho más interesantes que otras y no todas consiguen convertir sus experimentos sonoros en auténtico terror.

‘Dance, Dance, Dance, Dance’: la infancia ha dejado de ser inocente

Renee Zhan abre la antología con una historia protagonizada por marionetas creadas por Jim Henson’s Creature Shop y una ejecutiva interpretada por la mítica Barbara Crampton. La intención de recuperar un antiguo programa infantil acaba convirtiéndose en una pesadilla de canciones retorcidas, muñecos asesinos y violencia desatada. Lo que empieza con una apariencia casi entrañable termina convirtiéndose en una de esas historias que parecen querer profanar nuestros recuerdos de infancia. La canción se te queda en la cabeza, pero todavía más las cosas que suceden mientras suena. Es una propuesta grotesca que juega a convertir lo infantil en algo repulsivo, hasta alcanzar un nivel de humor que recuerda a esos personajes de canadienses ‘South Park’. No es precisamente sutil, pero sabe dónde quiere golpear.

‘Another Cabin’: una pesadilla demasiado pequeña

Flying Lotus firma este brevísimo segmento en stop motion, una especie de pesadilla macabra y grosera que rompe con la estética del resto de la película. Su apariencia artesanal tiene cierto encanto, pero el resultado me parece bastante pobre en ideas.

‘Heartbeat’: el terror de escuchar demasiado

David Moreau, director de ‘MadS’, propone una de las ideas más interesantes de la película. Dos youtubers se cuelan en una instalación militar rusa abandonada, relacionada con experimentos acústicos, y terminan atrapados en un lugar donde el sonido se convierte en una amenaza. Lo más llamativo es que el episodio no necesita apoyarse en la música: trabaja con el sonido y, sobre todo, con su ausencia. Las cámaras anecoicas, diseñadas para absorber los ecos y reducir las reflexiones acústicas, ofrecen una vía de terror que el cine ha explorado mucho menos de lo que cabría esperar. Cuando desaparece el ruido exterior, el propio cuerpo puede convertirse en una fuente de sonidos inquietantes. El concepto me parece muy potente y demuestra que no hace falta recurrir a una melodía maldita para jugar con nuestros oidos. Es una de las aportaciones más interesantes de esta entrega, aunque su premisa podría haberse desarrollado todavía más.

‘The Music of Mr. Sze’: una rallada cósmica

Ernest Dickerson nos introduce en la vida de un violinista peculiar a través de un joven que documenta lo que sucede a su alrededor. La música abre la puerta a una experiencia cada vez más extraña, con imágenes y situaciones que terminan derivando hacia lo cósmico. Es una auténtica rallada. La película también juega aquí con la tecnología de las gafas que incorporan cámaras, un dispositivo cada vez más reconocible en nuestra vida cotidiana. Sin embargo, ese elemento no me parece especialmente aprovechado, porque buena parte de lo que vemos podría haberse grabado igualmente con una GoPro o una cámara similar.

‘Premature Burial’: un videoclip sangriento

El segmento dirigido por Tobias Forge, líder de Ghost, es prácticamente un videoclip de metal extremo presentado en formato 4:3. Quiere recuperar la suciedad visual de ciertos vídeos musicales de otras décadas. Tiene su gracia como interludio musical y cuenta con la curiosidad de estar ligado a Forge, una figura muy reconocida dentro del metal contemporáneo. Pero, como episodio de terror, me ofrece poco más.

‘Death Tone’: la música necesita sangre

RZA cierra la tanda con uno de los episodios que más me interesan. Una joven quiere honrar el legado de su difunto padre, un productor musical, creando una pista que esté a la altura de su trabajo. Para lograrlo, acaba recurriendo a métodos cada vez más extremos y convierte la búsqueda del sonido perfecto en una espiral criminal. La idea tiene mucho gancho porque transforma el proceso creativo en una obsesión que va borrando cualquier límite moral. La violencia no aparece como un simple adorno, sino como parte del material que la protagonista pretende utilizar para componer. Puede que el desarrollo sea algo reiterativo, pero la premisa tiene personalidad y lleva hasta sus últimas consecuencias la relación entre sonido, creación y horror. Para mí, es uno de los segmentos más originales de esta entrega.

Ficha de ‘V/H/S/Mixtape’

Estreno en España: por determinar. Título original: V/H/S/Mixtape. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Ernest R. Dickerson, Flying Lotus, Tobias Forge, David Moreau, RZA, Renee Zhan. Guion: Zoe Cooper, Ernest R. Dickerson, Matt Landsman, David Moreau, RZA. Música: GWAR, Flying Lotus, Tobias Forge (Ghost), RZA, Renee Zhan, md3beats. Reparto principal: Producción: Be Afraid Media, Bloody Disgusting, Cinepocalypse Productions, Image Nation Films, Shudder, Speed Demon, Spooky Pictures. Distribución: por determinar. Género: terror, antología. Web oficial.

Crítica: ‘Fantasy Art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya’

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Reivindicación justa y necesaria para que el arte fantástico y actual tenga su lugar en los museos

La obra de los Royo lleva décadas hablando por sí misma demostrando una grandiosidad que en otras épocas habría sido tratada con mucha más importancia a nivel popular. Luis Royo y Rómulo Royo pertenecen a esa categoría a la que pertenecieron muchos maestros pictóricos, aunque ‘Fantasy Art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya’ de Mirella R. Abrisqueta parte precisamente de una reivindicación que todavía parece necesaria: ¿por qué una ilustración fantástica debería conformarse con ocupar una estantería de coleccionista cuando podría estar colgada en una galería o un museo?

El documental se acerca a dos creadores cuya influencia ha traspasado ampliamente las fronteras españolas y que han marcado a generaciones de ilustradores, lectores, publicistas y aficionados a la cultura visual. Y lo hace desde un lugar especialmente cercano: entrando en su estudio, observando cómo trabajan, descubriendo sus referencias y siguiendo el proceso mediante el que una idea termina convirtiéndose en una imagen. No se limita, por tanto, a enseñar el resultado final, sino que permite comprender el modus operandi de quienes llevan décadas haciendo de la fantasía una forma de expresión artística.

Goya como espejo

Todo el documental está vertebrado por un proyecto común: Luis Royo y Rómulo Royo viajan hasta Italia mientras desarrollan una aproximación propia al universo de Francisco de Goya. No se trata de copiar a su paisano aragonés, sino de jugar con sus obsesiones, sus monstruos, sus pesadillas y esa capacidad para encontrar lo grotesco y lo fantástico dentro de la realidad.

Ahí aparece una relación especialmente estimulante entre padre e hijo. Dos generaciones, dos sensibilidades y dos maneras de entender la creación que dialogan entre sí mientras buscan un punto de encuentro con un artista separado de ellos por más de dos siglos. El proyecto permite además comprender hasta qué punto las influencias artísticas no funcionan como compartimentos estancos: el cine, el cómic, la pintura, la literatura y la ilustración terminan alimentándose mutuamente.

Y es precisamente aquí donde el documental podría haber ido todavía más lejos. La conexión entre los Royo y Goya resulta fascinante, pero el llamado Goya fantástico merecía una investigación más profunda. Los Caprichos, Los Disparates o las Pinturas Negras ofrecen material suficiente para construir una auténtica genealogía que conecta con el fantástico español de entonces y de ahora. La película deja la sensación de que apenas estamos entrando en una habitación que podría ser muchísimo más grande, en ese sentido. Recordamos que ese proyecto es solo usado como una excusa para plasmar una vez más, y de ese modo rompiendo el desconocimiento de el público general, que estamos entre dos artistas de talla mayúscula.

Del coleccionismo al museo

Porque la verdadera reivindicación de ‘Fantasy Art’ está en otro lugar: en cuestionar la frontera entre arte considerado culto y arte considerado popular. Durante demasiado tiempo, la ilustración fantástica ha sido contemplada como un producto ligado al cómic, las portadas, los libros roleros o el heavy metal. Sin embargo, basta mirar algunas de las obras que han surgido de este ámbito para comprobar que existen imágenes con una potencia visual y técnica que no desmerecerían en una institución dedicada a las bellas artes. Hay ilustraciones que uno podría imaginar perfectamente colgadas en el Prado.

Y el reconocimiento internacional demuestra que esa frontera empieza a quedarse antigua. El universo de los Royo ha circulado mucho más allá de España y el documental recuerda también la presencia de este tipo de creación en instituciones y espacios vinculados al arte narrativo contemporáneo. La reciente apertura del Lucas Museum of Narrative Art en Los Ángeles, por ejemplo, representa precisamente esa ampliación del concepto de qué puede formar parte de un museo. Obras de artistas españoles vinculados a este ámbito han llegado ya a su colección.

También resulta interesante observar cómo ha cambiado la percepción de estos artistas en España. Lo que durante determinadas épocas podía contemplarse como una manifestación menor o estrictamente vinculada a un entretenimiento casi marginal ha ido adquiriendo otra consideración. Y si algo consigue ‘Fantasy Art’ es dejar claro que detrás de una ilustración aparentemente destinada a satisfacer la imaginación de un lector existe composición, técnica, referencias, narrativa, estudio de la anatomía, tratamiento de la luz y, sobre todo, una concepción artística.

La antípoda a vanalizar el arte moderno

La película de Abrisqueta, rodada durante dos años siguiendo este proyecto, funciona así como un puente entre generaciones y disciplinas. Pero también como una reivindicación que trasciende a sus protagonistas: la ilustración o el cómic no necesita pedir permiso para ser arte, es ARTE con mayúsculas.

Su principal limitación es precisamente la amplitud de todo aquello que plantea. Habrían sido necesarias más voces de expertos, historiadores del arte o especialistas capaces de contextualizar con mayor profundidad esa relación con Goya y explicar por qué el fantasy art ha ocupado durante tanto tiempo una posición periférica dentro de determinados circuitos artísticos. El documental aporta algunas voces externas, pero uno termina deseando más.

Aun así, ‘Fantasy Art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya’ cumple una función importante: conseguir que miremos de otra manera imágenes que quizá llevamos décadas mirando en librerías y convenciones. Y recordar que la fantasía ha formado siempre parte de nuestro arte. Si me permitís, como fan de la fantasía y de la obra de Royo, me siento congratulado de saber de este documental y de intentar contribuir a que en España se ubique su obra en los museos y libros de historia, como ya se hace en el extranjero donde, por ejemplo, se le ha dado un lugar en la galería de los Uffizi.

Ficha de ‘Fantasy Art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya’

Estreno en España: por determinar. Título original: Fantasy Art. Luis Royo, Romulo Royo, Goya. Duración: 71 min. País: España. Dirección: Mirella R. Abrisqueta. Guion: Mirella R. Abrisqueta. Música: Pablo Urcola. Fotografía: Javier Gracia. Reparto principal: Luis Royo, Rómulo Royo, Sara Frazetta, Ciruelo Cabral, Juan Royo. Producción: Sintregua Comunicación, Cosmos Fan, Aragón TV, Laberinto Gris, Gobierno de Aragón, Ayuntamiento de Zaragoza. Distribución: por determinar. Género: documental, fantástico. Web oficial.

Palmarés de Sitges 2026: todos los ganadores

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‘Sanguine’ gran triunfadora

El Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña ha anunciado el palmarés completo de su 59ª edición, con ‘Sanguine’, de Marion Le Corroller, como Mejor Película de la Sección Oficial Fantàstic a Competició. El certamen vuelve a reconocer así algunas de las propuestas más destacadas del cine fantástico internacional, junto a trabajos de otras secciones dedicadas al terror, la animación, el cine de autor y el documental.

El premio a la Mejor Dirección ha recaído en Joko Anwar por ‘Ghost in the Cell’, película que también ha obtenido el Premio del Jurado Carnet Jove a la Mejor Película de la Sección Oficial. Por su parte, Jasmine Trinca ha sido reconocida como Mejor Actriz por ‘The Spiral’, mientras que Benoît Magimel ha recibido el premio a Mejor Actor por ‘Historias de la noche (The Birthday Party)’.

El Premio Especial del Jurado de la Sección Oficial Fantàstic ha sido para ‘Drag’, de Greg Yagolnitzer y Raviv Ullman. En las categorías técnicas, ‘Buddy’, de Casper Kelly y Jamie King, ha ganado el premio al Mejor Guion; ‘Océano Titánico’, de Raphaël Vandenbussche, el de Mejor Fotografía; ‘River’, de Mondo Boys, el de Mejor Música; y ‘Colony’, de Hong Jeong-ho, el de Mejores Efectos Especiales, Visuales o de Maquillaje. El Premio Citizen Kane al Director Revelación ha recaído en ‘Leviticus’, de Adrian Chiarella.

‘Hen’ gana en Noves Visions y ‘Gummy’ en Òrbita

La sección Noves Visions ha premiado a ‘Hen’, de Nico Scheepers, como Mejor Película. El reconocimiento a la Mejor Dirección se ha concedido ex aequo a ‘La muerte de Drácula’, de Fernando Martínez y Juan González, conocidos como Burnin’ Percebes, y ‘Familia teme enfrentar una nueva noche de terror’, de Cristian Ponce.

En la categoría de cortometrajes Noves Visions Petit Format, el premio también se ha compartido entre dos obras: ‘Snakes in Lace’, de Martina Pavlíková, y ‘NOIZE’, de Javier Rodríguez Pino.

Por su parte, ‘Gummy’, de Javi Prada, ha obtenido el premio a Mejor Película de la sección Òrbita, dedicada a propuestas de género con especial atención al thriller y la acción.

La animación también tiene sus ganadores

La sección Anima’t ha reconocido dos trabajos. ‘We Are Aliens’, de Kohei Kadowaki, ha ganado el premio al Mejor Largometraje de Animación, mientras que ‘The Flesh Dress’, de Joachim Hérissé, ha sido distinguido como Mejor Cortometraje de Animación.

Los premios Méliès reconocen al fantástico europeo

Los galardones Méliès también han distinguido varias producciones destacadas del género. ‘Feels Like Home’, de Gábor Holtai, ha ganado el Méliès de Oro a la Mejor Película de Género Fantástico, mientras que el premio al Mejor Cortometraje ha sido para ‘The Old Lady and the Eternity’, de Marc Martínez Jordán.

En los premios Méliès de Plata, ‘The Spiral’, de Paolo Strippoli, ha sido reconocida como Mejor Película de Género Fantástico. El galardón al Mejor Cortometraje Europeo ha recaído en ‘El moribundo’, de Laura Guerricaechevarría.

La sección Brigadoon, dedicada al cine fantástico y de terror, ha concedido el Premio Paul Naschy al Mejor Cortometraje a ‘The Last Snow’, de Rodolphe Bouquet-Populus.

‘Dernsie’, ‘The Incomer’ y los premios de la crítica

En el apartado documental, ‘»Dernsie» La vida increíble de Bruce Dern’, de Mike Mendez, ha sido elegida Mejor Película de Sitges Documenta.

El jurado de la crítica FIPRESCI ha otorgado el Premio José Luis Guarner a ‘The Incomer’, de Louis Paxton.

Los premios SGAE Nueva Autoría distinguen a nuevos talentos

El palmarés incluye también los Premios SGAE Nueva Autoría, destinados a reconocer el trabajo de estudiantes y nuevos creadores audiovisuales. Los tres galardones han recaído en:

Mejor Dirección-Realización: ‘Dissecció d’una incoherència en crisi’, de Nausica Serra.

Mejor Guion: ‘Amor comestible’, de Diana Magallón.

Mejor Música Original: ‘Amber Lights’, de Pablo Garayoa y Lídia Grau.

El público elige ‘Wildwood’ como su favorita

Los espectadores también han tenido un papel protagonista en el palmarés de Sitges 2026. ‘Wildwood’, de Travis Knight, ha ganado el Gran Premio del Público a la Mejor Película de la Sección Oficial Fantàstic, patrocinado por La Vanguardia.

El resto de los premios del público han reconocido a las siguientes películas:

Panorama: ‘The Fox’, de Dario Russo.

Midnight X-Treme: ‘Kung Fu Deadly’, de Fergal Costello.

Blood Window: ‘No Salgas’, de Victoria Linares.

Focus Asia: ‘Blades of the Guardians: Wind Rises in the Desert’, de Yuen Woo-ping.

Con este palmarés, el Festival de Sitges pone el broche a su 59ª edición, una cita que vuelve a reunir cine fantástico, terror, animación y propuestas de género de diferentes países, junto a reconocimientos a nuevos talentos y premios elegidos directamente por el público.

Palmarés completo de Sitges 2026

Sección Oficial Fantàstic a Competició

Mejor Película: ‘Sanguine’, de Marion Le Corroller.

Premio Especial del Jurado: ‘Drag’, de Greg Yagolnitzer y Raviv Ullman.

Mejor Dirección: Joko Anwar por ‘Ghost in the Cell’.

Mejor Interpretación Femenina: Jasmine Trinca por ‘The Spiral’.

Mejor Interpretación Masculina: Benoît Magimel por ‘Historias de la noche (The Birthday Party)’.

Mejor Guion: ‘Buddy’, de Casper Kelly y Jamie King.

Mejor Fotografía: ‘Océano Titánico’, de Raphaël Vandenbussche.

Mejor Música: ‘River’, de Mondo Boys.

Mejores Efectos Especiales, Visuales o de Maquillaje: ‘Colony’, de Hong Jeong-ho.

Premio Citizen Kane al Director Revelación: ‘Leviticus’, de Adrian Chiarella.

Noves Visions

Mejor Película: ‘Hen’, de Nico Scheepers.

Mejor Dirección (ex aequo): ‘La muerte de Drácula’, de Fernando Martínez y Juan González (Burnin’ Percebes), y ‘Familia teme enfrentar una nueva noche de terror’, de Cristian Ponce.

Mejor Cortometraje Noves Visions Petit Format (ex aequo): ‘Snakes in Lace’, de Martina Pavlíková, y ‘NOIZE’, de Javier Rodríguez Pino.

Otras secciones y premios

Òrbita, Mejor Película: ‘Gummy’, de Javi Prada.

Anima’t, Mejor Largometraje de Animación: ‘We Are Aliens’, de Kohei Kadowaki.

Anima’t, Mejor Cortometraje de Animación: ‘The Flesh Dress’, de Joachim Hérissé.

Méliès de Oro, Mejor Película: ‘Feels Like Home’, de Gábor Holtai.

Méliès de Oro, Mejor Cortometraje: ‘The Old Lady and the Eternity’, de Marc Martínez Jordán.

Méliès de Plata, Mejor Película: ‘The Spiral’, de Paolo Strippoli.

Méliès de Plata, Mejor Cortometraje Europeo: ‘El moribundo’, de Laura Guerricaechevarría.

Brigadoon Paul Naschy, Mejor Cortometraje: ‘The Last Snow’, de Rodolphe Bouquet-Populus.

Sitges Documenta, Mejor Película: ‘»Dernsie» La vida increíble de Bruce Dern’, de Mike Mendez.

Premio FIPRESCI José Luis Guarner: ‘The Incomer’, de Louis Paxton.

Premio del Jurado Carnet Jove a la Mejor Película de la Sección Oficial: ‘Ghost in the Cell’, de Joko Anwar.

Premios del público

Gran Premio del Público a la Mejor Película de la Sección Oficial Fantàstic: ‘Wildwood’, de Travis Knight.

Mejor Película de Panorama: ‘The Fox’, de Dario Russo.

Mejor Película de Midnight X-Treme: ‘Kung Fu Deadly’, de Fergal Costello.

Mejor Película de Blood Window: ‘No Salgas’, de Victoria Linares.

Mejor Película de Focus Asia: ‘Blades of the Guardians: Wind Rises in the Desert’, de Yuen Woo-ping.

Crítica: ‘Rogue Trooper’

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La acidez distópica y bélica de 2000 AD recibe un justo tributo de manos de Duncan Jones

Duncan Jones me ganó en su día con ‘Moon’ al igual que conquistó al público del Festival de Sitges. Siempre le he tenido como un cineasta bastante inteligente a pesar incluso del batacazo de ‘Warcraft’. Ahora se atreve con otra adaptación de un universo de nicho, aunque esta vez no se trata de trasladar un videojuego, se adentra en un clásico de la revista británica 2000 AD, la misma publicación que dio origen a ‘Juez Dredd’. El resultado es una aventura de ciencia ficción bélica visualmente espectacular, bastante gamberra y con una sátira de la guerra que funciona mejor de lo que muchos de sus de tractores estarán reacios a reconocer.

Un cómic de 1981 con conciencia propia

‘Rogue Trooper’ adapta el cómic creado por Gerry Finley-Day y Dave Gibbons en 1981. Su protagonista es un soldado genéticamente modificado que sobrevive en un planeta devastado por una guerra interminable. Tras una emboscada que acaba con su unidad, debe cumplir una misión acompañado por las conciencias de tres compañeros fallecidos, conservadas en chips que lleva consigo e instaladas en su rifle, su casco y su mochila.

La idea de poder usar recipientes como cuerpos u objetos para depósito de una conciencia recuerda a ‘Altered Carbon’. Gunnar, Bagman y Helm siguen teniendo personalidad, opiniones y capacidad para discutir con Rogue, de modo que el equipo nunca está realmente solo. La muerte se convierte así en una presencia constante, pero también en una fuente de humor y camaradería.

Adelantándome a los espectadores actuales que buscarán el chiste rápido y fácil merece la pena recordar: el cómic original ya jugaba con la idea de cuerpos azules creados para combatir en condiciones extremas mucho antes de que ‘Avatar’ popularizara sus propios habitantes azules. Y si hablamos de Dave Gibbons, resulta inevitable pensar en el Doctor Manhattan de ‘Watchmen’, otra figura de apariencia azul asociada a una transformación radical de la condición humana. Consciente o no de ello, cuando el protagonista de esta película torna blancos sus ojos es clavadito al personaje que hemos visto en los cómics y en la adaptación de Zack Snyder..

La guerra como espectáculo excesivo y absurdo

Uno de los mayores aciertos de la película es su combinación de acción militar, comedia y crítica bélica. Los soldados obedecen órdenes, sobreviven como pueden y se ven atrapados en un conflicto cuya lógica parece haberse perdido hace mucho tiempo. La guerra funciona como una maquinaria que consume vidas mientras alguien sigue encontrando motivos para mantenerla en marcha.

En ese sentido, ‘Rogue Trooper’ puede recordar a ‘Starship Troopers’, por su capacidad para convertir el espectáculo bélico en una sátira, o a ‘Borderlands’, por el tono gamberro, los personajes estrafalarios y la violencia desatada. No diría que la película tenga la misma carga política que se puede encontrar en otras obras de ciencia ficción militar. El cómic original tenía referencias a conflictos históricos, incluida la Guerra de Secesión estadounidense, pero aquí el discurso se concentra más en el absurdo de la guerra y en el coste humano de un enfrentamiento interminable que en establecer paralelismos políticos concretos.

Y eso no significa que la crítica desaparezca. La película sabe reírse de la lógica militar, de la mercantilización del conflicto y de una sociedad que convierte a sus soldados en recursos reemplazables. Lo hace sin renunciar a la diversión ni convertir cada escena en un sermón. La sátira y la comedia funcionan como parte del espectáculo, no como un añadido que interrumpe la aventura.

Una inevitable sensación de videojuego

Visualmente, ‘Rogue Trooper’ es una pasada. Los colores radiactivos, los paisajes apocalípticos y las atmósferas contaminadas construyen un mundo que parece sacado de una partida de videojuego. La animación tiene una estética digital muy marcada, con personajes y escenarios que por momentos recuerdan a una cinemática de gran presupuesto. Para las nuevas generaciones, la película puede funcionar como un episodio largo de ‘Love, Death & Robots’ o de ‘Secret level’ con su mezcla de ciencia ficción adulta, violencia y experimentación visual.

El proyecto se apoyó inicialmente en Unreal Engine 5, aunque durante la producción Jones y su equipo tuvieron que recurrir también a otras herramientas para conseguir el resultado que buscaban. Es un detalle relevante: más que una película hecha exclusivamente con un motor de videojuegos, estamos ante una producción que explora las posibilidades de esa tecnología dentro de una animación cinematográfica híbrida.

También resulta interesante el reparto. Los protagonistas no son necesariamente nombres conocidos para el gran público, pero entre las voces secundarias aparecen intérpretes tan reconocibles como Sean Bean, Hayley Atwell, Matt Berry y Diane Morgan. Sus interpretaciones ayudan a dar personalidad a un universo en el que incluso una mochila o un casco pueden convertirse en compañeros de aventuras.

‘Rogue Trooper’ no necesita ser una revolución narrativa para funcionar: tiene acción, humor, una crítica bélica efectiva y una identidad visual arrolladora. Lo mejor es que todo ese despliegue parte de un cómic de 1981 que todavía tiene ideas capaces de sorprender con potencial además de crossovers. Ojalá que como mínimo se convierta en saga.

Ficha de ‘Rogue Trooper’

Estreno en España: por determinar. Título original: Rogue Trooper. Duración: 125 min. País: Reino Unido. Dirección: Duncan Jones. Guion: Duncan Jones. Música: Bear McCreary. Fotografía: Daniel Atherton. Reparto principal (doblaje original): Aneurin Barnard, Alice Lowe, Jack Lowden, Hayley Atwell, Sean Bean,  Peter Serafinowicz, Matt Berry, Asa Butterfield, Jemaine Clement, Diane Morganv, Daryl McCormack, Reece Shearsmith, Tanya Moodie, Adrian Edmondson. Producción: Liberty Films Entertainment, Rebellion Developments Ltd., Treehouse Digital. Distribución: por determinar. Género: ciencia ficción. Web oficial.

Crítica: ‘The Spiral’

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Muy bien armada, te gustará si eres fan de giros a lo Shyamalan u Oriol Paulo

En ‘The Spiral’, Paolo Strippoli construye una fábula oscura en la que los secretos, los pactos y las trampas al destino terminan convirtiendo la aparente perfección familiar en una pesadilla. Una historia con ecos bíblicos y de cuento maldito que juega con una idea tan antigua como efectiva: nada sale gratis cuando jugamos con lo sobrenatural al intentar cambiar lo que nos ha tocado vivir.

Una familia perfecta y demasiados secretos

La película consiste en la confesión de una madre a una hija ya adulta. Años atrás, tras un accidente que puso en peligro la pierna de la niña, selló un pacto con una misteriosa desconocida. Lo que parecía una solución milagrosa acabará pasando factura a toda la familia. Ya simplemente con la sinopsis tenemos un sabor a cuento. Por otro lado, aunque se sugiere constantemente el componente sobrenatural no dejo de resistirme a mantener abierta la posibilidad de que todo sea una locura de la madre para conseguir explicar todo lo que le ha sucedido a lo largo de su vida.

Teorías mías aparte. Strippoli divide el relato en cuatro capítulos que van reconstruyendo los acontecimientos desde diferentes momentos y perspectivas. La estructura retrospectiva permite que cada nueva pieza de información modifique lo que creíamos saber, mientras la imagen de esa familia aparentemente perfecta se va desmoronando, cayendo en espiral, ahí está una de las explicaciones al cambio del título original (‘L’estranea’).

El planteamiento tiene algo de fábula bíblica, con su combinación de culpa, tentación y castigo, pero también remite a una tradición muy reconocible del terror. El mecanismo recuerda a ‘La pata de mono’, ‘Cementerio de animales’ o ‘Wishmaster’: alguien intenta esquivar una desgracia, obtener algo que parece imposible o corregir un error, pero las condiciones del trato terminan revelándose mucho más perversas de lo esperado.

El misterio no siempre basta

La estructura en capítulos es uno de los elementos más interesantes de ‘The Spiral’, porque dosifica la información y convierte la historia familiar en un puzle. Sin embargo, ese mismo recurso también puede dar la sensación de que la película depende demasiado de sus revelaciones hasta hacerse limítrofe con el cine de Shyamalan o de Oriol Paulo, dos yonkis de los plot tuist en la prórroga.

Uno de los puntos que más me alejan de la película por mucho que el armazón sea bueno es el personaje interpretado por Valeria Bruni Tedeschi. Se supone que debe conservar un halo de misterio, y revelar demasiado pronto su naturaleza sería perjudicar el desarrollo de la historia. El problema es que, en mi caso, esa indefinición no termina de traducirse en una presencia verdaderamente inquietante. Me cuesta creerme al personaje y echo en falta una fuerza, una extrañeza o una amenaza que justifique mejor el peso que tiene dentro del relato. Quizá influya que hablamos de una actriz reconocida, de la que esperaba una interpretación mayor. Por el contrario, Jasmine Trinca, me parece soberbia asimilando todo el protagonismo que le da el libreto.

Una espiral que no termina de atraparme

Cada intento de corregir lo sucedido abre nuevas grietas y empuja a los personajes hacia consecuencias cada vez más difíciles de controlar. La película tiene ingredientes para construir un relato de terror adulto, con resonancias de las viejas fábulas morales y una historia que utiliza el misterio para hablar de la culpa, las decisiones y el precio de intentar controlar el destino. Pero una buena premisa no garantiza una experiencia redonda. Incluso su gancho nostálgico con la historia reciente se me queda corto, excesivamente local.

Que Italia haya escogido ‘The Spiral’ para representarla en los Oscar es un dato llamativo, pero no hace que la película me convenza más. Personalmente, no la veo a la altura de otras candidatas como ‘La bola negra’. Strippoli propone un juego de pactos y consecuencias con posibilidades, pero la espiral en la que nos introduce no termina de atraparme.

Ficha de ‘The Spiral’

Estreno en España: por determinar. Título original: L’estranea. Duración: 115 min. País: Italia. Dirección: . Guion: Paolo Strippoli, Salvatore de Chirico. Música: Robin Coudert. Fotografía: Cristiano Di Nicola. Reparto principal: Jasmine Trinca, Romana Maggiora Vergano, Adriano Giannini, Valeria Bruni Tedeschi. Producción: Propaganda Italia, Dinamo Film, Rai Cinema, Kazak Productions, Tarantula, Shelter Prod, BeTV, Orange, Proximus, MiC, Natixis Coficiné. Distribución: La Aventura. Género: drama, suspense. Web oficial.

Crítica: ‘Salmokji Whispering Water’

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Otro fantasma más bajo el agua

El terror asiático lleva décadas demostrando que un fantasma de pelo largo, una cara blanca emergiendo de la oscuridad y una cámara que registra aquello que el ojo humano no percibe pueden seguir funcionando. El problema es que también llevamos décadas viendo exactamente lo mismo. ‘Salmokji: Whispering Water’, de Lee Sang-min, parece llegar al cine desde una máquina del tiempo que se hubiese quedado detenida a principios de los años 2000. Metraje encontrado, apariciones espectrales, doppelgängers, lugares encantados y una fotografía tan oscura que en ocasiones cuesta distinguir qué está ocurriendo. Todo ello con la peculiaridad de incorporar cámaras 360, GoPros y otras herramientas contemporáneas que no consiguen evitar la sensación de estar ante una producción bastante low cost.

El título hace referencia al embalse real de Salmokji, situado en el condado de Yesan, en la provincia de Chungcheong del Sur, Corea del Sur. Un escenario que podría haber servido para construir una atmósfera verdaderamente inquietante, pero que termina siendo prácticamente otro decorado para una colección de recursos que el cine de terror oriental lleva explotando durante demasiado tiempo. Dado el resultado dudo que haya una peregrinación como la que hubo en su día a Aokigahara.

Tecnología moderna para un terror de segunda mano

La película intenta enfrentar lo rural con lo urbano, el escepticismo con la superstición y la tecnología moderna con las creencias ancestrales, pero ninguna de estas ideas alcanza suficiente profundidad como para sacar a ‘Salmokji: Whispering Water’ de la mediocridad.

Resulta curioso que una película que pretende servirse de tecnología actual tenga una factura tan modesta. Las cámaras 360 y las GoPros ofrecen posibilidades interesantes para introducir al espectador dentro del espacio y convertirlo en testigo directo de los acontecimientos, pero el recurso termina siendo más llamativo por su presencia que por el uso intermitente que se hace de él.

‘Salmokji: Whispering Water’ recurre a prácticamente todo el catálogo del terror asiático contemporáneo: oscuridad, silencios, apariciones repentinas, grabaciones inquietantes, cuerpos que aparecen donde no deberían y, cómo no, fantasmas con el cabello cubriendo parcialmente el rostro. El problema no es utilizar estos recursos, sino que apenas existe una personalidad detrás de ellos. Son herramientas que hemos visto tantas veces que necesitan una puesta en escena especialmente inspirada para volver a provocar miedo.

La excepción se encuentra prácticamente al final, con una secuencia subacuática que consigue elevar momentáneamente el nivel de la propuesta. El agua proporciona una sensación de amenaza mucho más efectiva y permite que el espacio se convierta realmente en algo opresivo. Es probablemente el momento en el que ‘Salmokji: Whispering Water’ demuestra lo que podría haber hecho con mayor imaginación durante el resto del metraje.

Entre la superstición y el escepticismo

Uno de los elementos que más posibilidades ofrecía era el enfrentamiento entre dos mundos. Por un lado, tenemos a personajes procedentes de un entorno urbano y acostumbrados a confiar en cámaras, dispositivos y explicaciones racionales. Por otro, el embalse pertenece a un espacio rural en el que las leyendas y las creencias ancestrales tienen todavía un peso considerable.

La película juega también con el contraste entre lo actual y lo arcaico. La tecnología sirve para registrar aquello que sucede, pero no necesariamente para comprenderlo. Es una idea apropiada para una historia de metraje encontrado: podemos grabar un fantasma, pero eso no significa que sepamos qué es ni por qué está allí.

Pero tampoco esta dimensión termina de salvar la película. La oposición entre lo rural y lo urbano, entre creyentes y escépticos, podría haber servido para construir una reflexión más interesante sobre la desaparición de las tradiciones o sobre nuestra obsesión contemporánea por registrar absolutamente todo. En cambio, queda principalmente como un recurso argumental más.

Ficha de ‘Salmokji Whispering Water’

Estreno en España: por determinar. Título original: Salmokji. Duración: 135 min. País: Corea del Sur. Dirección: Lee Sang-min. Guion: Lee Sang-min. Reparto principal: Kim Hye Yoon, Lee Jong Won, Kim Joon Han, Kim Young Sung, Oh Dong Min, Yoon Jae Chan, Jang Da Ah. Producción: The Lamp. Distribución: por determinar. Género: terror.

Crítica de ‘The Terror: Devil in Silver’

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Huele a papelón de Dan Stevens en un regreso que promete mantener el nivel

Después de varios años de ausencia, ‘The Terror’ regresa con una nueva historia y un cambio de escenario que acerca su horror más que nunca a nuestra realidad. El Festival de Sitges nos ha permitido ver el primer episodio de la tercera temporada de la antología producida por Ridley Scott, la cual, abandona las expediciones históricas y los episodios traumáticos del pasado para internarse en un hospital psiquiátrico contemporáneo, un lugar donde la sociedad aparta a quienes no encajan en sus normas y donde la frontera entre la enfermedad, el miedo y lo sobrenatural puede volverse peligrosamente difusa.

‘The Terror: Devil in Silver’ se estrena en España el 19 de octubre en AMC+ y consta de seis episodios. Chris Cantwell y Victor LaValle ejercen como guionistas y showrunners, con LaValle adaptando además su propia novela. El primer episodio está dirigido por Karyn Kusama, una cineasta que ya ha demostrado su habilidad para crear atmósferas incómodas en ‘La invitación’ y que también ha trabajado en ‘Yellowjackets’. Quizás su mano autoral no se percibe pero el arranque está a su altura..

Encerrado por sus propios demonios

El protagonista es Pepper, interpretado por Dan Stevens, un trabajador de clase obrera que se gana la vida haciendo mudanzas y que termina ingresado contra su voluntad en el hospital psiquiátrico New Hyde. Una combinación de mala suerte y mal carácter lo lleva a una situación que parece desproporcionada, y de repente se encuentra encerrado en una institución donde tendrá que convivir con otros pacientes, médicos que esconden secretos y unas reglas que no siempre parecen tener sentido.

Pepper no se presenta como el típico protagonista que llega a un lugar siniestro porque busca respuestas o porque ha cometido un crimen que debe pagar. Su encierro es precisamente el punto de partida del conflicto: ¿hasta qué punto alguien puede perder su libertad por un arrebato, por resultar incómodo o por no saber comportarse como los demás esperan? La serie juega con la vulnerabilidad de un hombre que no parece pertenecer a ese lugar, aunque sus impulsos y su temperamento tampoco lo conviertan en un personaje intachable.

Dan Stevens asume el peso de la historia y se enfrenta a un papel que exige moverse entre la rabia, la desconfianza y el desconcierto. El actor, conocido por trabajos tan diferentes como ‘Downton Abbey’ o ‘La bella y la bestia’, vuelve a demostrar su afinidad con el género fantástico y de terror. Aquí su personaje debe aprender a sobrevivir en un entorno en el que la amenaza no procede únicamente de lo que pueda esconderse en los pasillos.

Una institución que también da miedo

El hospital New Hyde es mucho más que un escenario lúgubre. Es una institución deteriorada que parece haber dejado de cumplir su función de cuidar a los pacientes. Entre sus paredes hay personas con historias dolorosas, trabajadores que no ofrecen todas las respuestas y una estructura que convierte el aislamiento en una forma de control. La serie utiliza ese espacio para cuestionar cómo tratamos a quienes se encuentran fuera de los márgenes de la normalidad y qué sucede cuando la atención sanitaria se transforma en una forma de castigo pero también una manera de lavarse las manos.

Sobre esa base se construye la dimensión sobrenatural. En el hospital podría habitar una entidad demoníaca, una presencia que se alimenta del sufrimiento de quienes están encerrados. Pero la amenaza funciona precisamente porque no desplaza la crítica social: el posible diablo no llega a un lugar inocente, sino a uno en el que la crueldad, el abandono y la deshumanización ya han preparado el terreno.

La propuesta conecta así con una tradición del terror que encuentra sus monstruos en las instituciones humanas. El encierro, la pérdida de autonomía y la imposibilidad de que alguien crea tu versión de los hechos pueden resultar tan aterradores como cualquier aparición.

El regreso de una antología inquietante

Las dos primeras temporadas de ‘The Terror’ exploraron escenarios históricos muy distintos: una expedición británica atrapada en el hielo mientras buscaba el paso del Noroeste y el sufrimiento vivido en los campos de internamiento de japoneses estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial. Esta tercera entrega traslada el horror al presente, pero mantiene el interés de la antología por las situaciones en las que las personas quedan atrapadas en sistemas que las superan.

‘The Terror: Devil in Silver’ promete, por tanto, una mezcla de terror psicológico, crítica institucional y presencia sobrenatural. Su arranque promete estar a la altura y así será si el hospital en que transcurre se sale de los tópicos. Aún así la pregunta importante no es si hay una criatura escondida entre sus paredes, sino por qué una sociedad que presume de cuidar a los más vulnerables permite que algunos de sus espacios de atención se conviertan en lugares de los que nadie parece estar correctamente atendido.

Crítica: ‘Future tense’

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Plantea con acierto como la nostalgia climática está cada vez más cerca

Ha llegado la nostalgia climática. En un futuro cercano en el que el planeta se encuentra al borde del colapso medioambiental, los más privilegiados pueden permitirse viajar en el tiempo para escapar de un mundo que se desmorona. Ya no basta con añorar la infancia, idealizar otras épocas o fantasear con una vida más sencilla: ahora el pasado se convierte en un destino turístico y la naturaleza intacta, en un lujo reservado para quienes pueden pagarlo. ‘Future Tense’, de Jenna Cato Bass, parte de esta idea de ciencia ficción para construir una reflexión ecologista que señala directamente a las raíces coloniales de nuestra sociedad.

Un viaje al pasado para escapar del futuro

Lwando y Tara son una pareja interracial que vive en una Sudáfrica amenazada por la catástrofe climática. Ambos consiguen una estancia temporal en 1647, cuando el territorio todavía no ha sufrido la colonización europea que marcaría su historia. Lo que parece una escapada romántica a un mundo natural sin contaminar esconde, sin embargo, intenciones muy diferentes.

La premisa resulta especialmente sugerente porque convierte el viaje temporal en una especie de turismo de lujo. Quienes pueden permitírselo escapan de las consecuencias de un modelo de vida insostenible, mientras el resto permanece atrapado en un presente cada vez más inhabitable. La desigualdad no desaparece con la tecnología, sino que encuentra nuevas formas de manifestarse. Incluso la posibilidad de visitar un pasado sin devastación ambiental se transforma en otro privilegio económico.

Bass no necesita grandes exhibiciones de tecnología futurista para desarrollar esta idea. La ciencia ficción funciona como marco para una historia mucho más íntima, en la que las diferencias entre los protagonistas terminan siendo tan importantes como el conflicto histórico que los rodea. ¿Es posible salvar el mundo sin destruir aquello que uno tiene más cerca? ¿Hasta qué punto podemos imponer nuestra visión del futuro a los demás?

El colonialismo también tiene consecuencias climáticas

El corazón político de ‘Future Tense’ está en su revisión del colonialismo europeo y de sus consecuencias, es decir, esta película es de corte determinista. La película relaciona la devastación medioambiental con un proceso histórico en el que territorios, personas y recursos naturales fueron sometidos a los intereses de quienes llegaban con la intención de apropiárselos.

No se trata únicamente de lamentar lo que sucedió siglos atrás. La película plantea que el presente no puede entenderse sin mirar esas estructuras de poder y que la crisis ecológica tampoco es un accidente aislado de la historia. La explotación de la naturaleza y la de las poblaciones colonizadas forman parte de una misma lógica: extraer todo lo posible sin asumir las consecuencias para quienes vienen después.

En ese sentido, el viaje al pasado es una fantasía cargada de contradicciones. Los turistas quieren disfrutar de paisajes vírgenes, pero esa posibilidad existe precisamente porque el pasado se ha convertido en un producto comercial. La película también introduce de soslayo la brecha entre ricos y pobres: unos tienen recursos para huir de la catástrofe, mientras otros ni siquiera pueden elegir dónde vivir.

La historia de la humanidad dentro de una pareja

Pese a sus ambiciones políticas, ‘Future Tense’ no pierde de vista a sus dos protagonistas. La relación entre la pareja sirve como reflejo emocional de los conflictos que plantea el relato. Ambos viajan juntos, pero no persiguen necesariamente el mismo destino. Sus diferencias van más allá de sus expectativas para las vacaciones y ponen en cuestión qué significa compartir un futuro con otra persona cuando ni siquiera se está de acuerdo sobre cómo debería ser ese futuro.

Jenna Cato Bass, que ya exploró las huellas del pasado sudafricano en ‘Good Madam’, vuelve a combinar elementos de género con cuestiones históricas y sociales. Aquí la ciencia ficción no se utiliza para construir un espectáculo de paradojas temporales, sino para acercarse a la culpa, la identidad y la posibilidad de reparar el daño heredado. El componente emocional es fundamental: las grandes ideas adquieren sentido cuando repercuten en las decisiones y los vínculos de personas concretas.

Ficha de ‘Future tense’

Estreno en España: por determinar. Título original: Future tense. Duración: 95 min. País: Sudáfrica. Dirección: Jenna Cato Bass. Guion: Jenna Cato Bass. Fotografía: Jared Paisley. Reparto principal: Lawrence Maleka, Kristen Raath, Qondiswa James. Producción: AmorFortuna, Causeway Films, Dancing Fox, Fox-Fire Films, The National Films and Video Foundation of SA. Distribución: por determinar. Género: ciencia ficción. Web oficial.

Crítica: ‘Wildwood’

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En qué plataforma ver Wildwood

Una maravilla artesanal que parece imposible

La nueva aventura de Laika dirigida por supuesto por Travis Knight, pertenece a esas obras que asombran por su potencial técnico, a niveles de maestría artesanal. El stop-motion alcanza aquí una fluidez asombrosa: los movimientos resultan tan naturales, los cambios de escenario están tan integrados y los elementos meteorológicos se comportan con tanta precisión que, por momentos, cuesta creer que estemos viendo marionetas y decorados físicos en lugar de animación generada por ordenador.

Para apreciar la verdadera dimensión del trabajo hay que fijarse en los detalles, en la cantidad de elementos que se mueven simultáneamente y en cómo cada plano parece tener vida propia. No es solo una cuestión de perfección técnica, sino de una artesanía que convierte cada escena en un pequeño milagro. La producción ha requerido años de trabajo y una complejidad extraordinaria, mientras Knight compaginaba el proyecto con ‘Masters del Universo’. El resultado es una demostración de hasta dónde puede llegar una técnica que, lejos de quedarse anticuada, sigue encontrando nuevas formas de asombrarnos.

Un bosque mágico en el corazón de Portland

A diferencia de ‘Kubo y las dos cuerdas mágicas’, que construía una aventura de inspiración mitológica en un mundo fantástico, ‘Wildwood’ parte de un lugar reconocible. La historia transcurre en Portland, Oregón, ciudad vinculada a la identidad del estudio Laika, y se adentra en los bosques que esconden una civilización secreta. Cuando una bandada de cuervos secuestra al hermano pequeño de Prue, la protagonista se interna en ese territorio desconocido para intentar rescatarlo, acompañada por su amigo Curtis.

El bosque no es simplemente un escenario bonito por el que avanzar de una peripecia a otra. Es un mundo con sus propias reglas, poblado por animales parlantes, criaturas peculiares y comunidades que han desarrollado una vida al margen de la sociedad moderna. Se recupera así ese concepto de bosque repleto de secretos que hemos visto en tantas y tantas historias.

La elección de Portland como punto de partida refuerza la sensación de que la magia puede encontrarse al otro lado de una frontera cotidiana. La ciudad y su entorno verde no son una postal intercambiable, sino el origen de una fantasía que parece crecer desde el propio paisaje. En ese sentido, resulta curioso que el título remita a un bosque salvaje cuando ese mismo bosque alberga una civilización organizada, con jerarquías, conflictos y tradiciones propias.

Ecos de los cuentos clásicos

El imaginario de ‘Wildwood’ mezcla animales antropomórficos y bosques de cuento con una estética que evoca la Europa de los siglos XVIII y XIX, entre vestimentas de aire antiguo, nombres, personajes excéntricos y una fantasía que parece beber de leyendas populares. Hay algo de los relatos asociados a Baba Yaga y a otras figuras del folclore eslavo, con ese equilibrio entre fascinación y amenaza que convierte el bosque en un lugar donde cualquier cosa puede suceder.

En cuanto al guion, sin embargo, la película no resulta tan revolucionaria como su despliegue visual. Su viaje iniciático, sus alianzas inesperadas y la lucha por rescatar a un ser querido recuerdan a clásicos de la aventura fantástica como ‘Dentro del laberinto’, ‘Las crónicas de Narnia’ o ‘Willow’. Laika demuestra una vez más su capacidad para construir universos envolventes, pero la estructura narrativa se apoya en caminos bastante familiares. La originalidad reside menos en el recorrido que en la forma de hacerlo tangible.

La música de Dario Marianelli contribuye a dar personalidad a este universo, mientras que The Decemberists, la banda liderada por Colin Meloy, autor de la novela original junto a la ilustradora Carson Ellis, aporta canciones que conectan la película con sus raíces literarias y musicales. Esa combinación ayuda a que el bosque tenga una identidad propia, entre la fantasía clásica y una sensibilidad contemporánea.

‘Wildwood’ puede no reinventar el cuento de aventuras, pero convierte sus referencias en una experiencia visual extraordinaria. Cada criatura, cada textura y cada cambio de luz parecen reclamar que nos detengamos a observarlos. Es una obra de arte artesanal que recuerda que la animación no necesita abandonar lo físico para alcanzar lo imposible. Al contrario: aquí son precisamente las huellas del trabajo manual, multiplicadas hasta niveles casi inconcebibles, las que hacen que la magia parezca real.

Ficha de ‘Wildwood’

Estreno en España: 23 de octubre de 2026. Título original: Wildwood. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: Travis Knight. Guion: Chris Butler. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Caleb Deschanel. Reparto principal (doblaje original): Peyton Elizabeth Lee, Jacob Tremblay, Carey Mulligan, Mahershala Ali, Awkwafina, Angela Bassett, Jake Johnson, Charlie Day, Jemaine Clement, Richard E. Grant. Producción: Laika Studios. Distribución: Beta Fiction Spain. Género: fantástico, adaptación. Web oficial.

Festival de Sitges 14/10/26: Llegan Eggers y Affleck

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Un día de mucho cine y photocalls  

Robert Eggers ha sido uno de los grandes protagonistas de la jornada en el Festival de Sitges. El director, convertido en una de las voces más personales del cine fantástico actual gracias a títulos como ‘La bruja’, ‘El faro’ o ‘Nosferatu’, ha estado presente en el certamen. Donde ha posado para nuestras cámaras y ha recibido el premio Màquina del Temps, uno de los reconocimientos más destacados del festival. Pero su visita no se ha quedado ahí, ya que también hemos podido disfrutar de un fragmento de su próxima película, ‘Werwulf (Licántropo)’, un adelanto que pinta muy bien y que nos ha dejado con ganas de descubrir mucho más. Eggers vuelve a despertar nuestra curiosidad con un proyecto que promete dar que hablar entre los aficionados al género. Más abajo, en este mismo artículo, encontraréis nuestras primeras impresiones sobre lo que hemos podido ver, con las sensaciones que nos ha dejado este primer vistazo.

Esta jornada de ecuador del festiva también nos ha dejado la visita de Casey Affleck, que ha pasado por el certamen para presentar ‘Company’, película que dirige y en la que también participan sus dos hijos (Indiana y Atticus). Le ha acompañado Caylee Cowan que es su actual pareja y también aparece en el filme. El actor, ganador del Oscar por ‘Manchester frente al mar’ y conocido por trabajos como ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’, se pone detrás de las cámaras en un proyecto que cuenta con un componente especialmente personal al compartir experiencia cinematográfica con su familia. Su presencia en Sitges nos ha permitido acercarnos a esta nueva faceta de Affleck, que compagina su reconocida trayectoria interpretativa con la dirección.

Presentación de Werwulf y premio a Eggers

Durante la presentación de su nueva película, Eggers nos ha dado un pequeño coloquio junto a Angel Sala, director del Festival de Sitges, en el que nos ha hablado sobre su amor hacia el folkhorror (aquí vídeo) y también los monstruos. Además nos ha contado acerca de que sus películas siempre sean de época y es que según él ‘Creo que es más duro creer en la actualidad que tu vecino sea un hombre lobo cuando le ves todos los días cortando el cesped. Pero en la Inglaterra victoriana, todos tienen un mundo religioso muy extremo y creen en las supersticiones».

A continuación os dejamos el vídeo de la entrega de el premio Màquina del Temps a Robert Eggers y su pequeña presentación al público de Sitges de su cinta ‘Werwulf’.

Os dejamos una pequeña galería del día de hoy, donde veréis al gran Robert Eggers, Casey Affleck, Norma Vila, Nagore Aranburu, Chino Darín y otros muchos.

‘Werwulf’ (visionado previo de un fragmento)

Realmente no podemos decir mucho sobre lo que hemos visto. Robert Eggers nos ha presentado con mucha ilusión un fragmento de la película que llegará a nuestros cines gracias a Universal Pictures el día de Navidad. Y que mejor manera que celebrarlo con una gran dosis de terror y como bien le gusta a él una historia de un monstruo universal, como es el hombre lobo. Sin duda, al ver el fragmento, sabemos perfectamente que es de Eggers, sus colores tan desaturados y a la vez sus sombras tan contrastadas. Me parece una maravilla la fotografía que tiene siempre este hombre en sus películas.

Lo dicho, en lo poquito que hemos visto, sus bosques, sus personajes oscuros y misteriosos, las historias de terror clásicas y los diálogos llenos de terror de manos de gente que no entendía por la época, están ahí.

Comentado por Vicky Carras.

‘Kakeru, Sheep in the box’ (crítica extendida)

Mientras Elon Musk imagina un futuro en el que robots humanoides como Optimus formen parte de nuestra vida cotidiana, ‘Kakeru’, de Hirokazu Koreeda, utiliza esa misma tecnología desde un lugar mucho más íntimo. Una pareja que ha perdido a su hijo recibe un humanoide idéntico al niño fallecido. La premisa recuerda inevitablemente a ‘El hombre bicentenario’, pero Koreeda está mucho más interesado en el duelo que en la inteligencia artificial.

El robot funciona como un electrodoméstico diseñado para suplir una ausencia imposible de reparar. Y ahí aparece el verdadero debate: ¿puede servir como terapia para quienes no consiguen superar una pérdida o se convierte en un parche carísimo que alimenta una dependencia emocional e impide aceptar la muerte? El título internacional, ‘Sheep in the Box’, remite a ‘El principito’ y a aquello que permanece invisible dentro de la caja, aludiendo no a lo que vemos si no a lo que nos gustaría encontrar dentro.

Fábula profundamente japonesa en sus formas pero deliberadamente universal en su discurso. Frente a aproximaciones más vinculadas a la realidad demográfica del país, como ‘Plan 75’, Koreeda prefiere hablar de algo mucho más universal: nuestra incapacidad para despedirnos de quienes amamos. No falla pero sí se extiende en exceso.

Comentado por Furanu.

‘The mouths’ (crítica extendida)

Shimizu regresa a nuestras pantallas con una película de terror. Cuatro jóvenes deciden marchar a un cementerio donde hay un supuesto árbol maldito. Después de este reto que hacen las cosas se ponen bastante feas, entre ellas la desaparición de una joven y un detective comienza a investigar lo sucedido.

La película está contada por los distintos interrogatorios de la policía, o eso parece, pero luego vamos viendo que no todo es lo que parece en pantalla. Se hace muy amena, vas conociendo los distintos puntos de vistas de todos los jóvenes que han acudido en diferentes momentos a ese reto de tocar el árbol maldito. Me encanta el terror japonés y me gusta mucho Shimizu, no es su mejor película pero si que esta historia bien podría contarse en una reunión de cuentos de terror. Además al finalizar la película, hace algo gracioso, que es colocarnos una encuesta, para que nos demos cuenta que todos tenemos las mismas dudas al terminar la historia y es que al final, los buenos cuentos de terror, no suelen tener una explicación completa, sino que siempre quedan pequeñas dudas que nunca se van a responder.

Comentado por Vicky Carras.

‘Peleliu: Guernica of paradise’ (crítica extendida)

Goro Kuji, convierte una de las batallas menos recordadas de la Segunda Guerra Mundial en una contundente reflexión antibélica. Ambientada en la isla tropical de Peleliu en 1944, sigue a jóvenes soldados japoneses atrapados en un combate que transforma un paraíso en un infierno. El título evoca el ‘Guernica’ de Picasso para transmitir desde el principio el horror que encierra la historia.

Su mayor contraste está en la animación: los personajes tienen un diseño sencillo, casi chibi, que podría hacer pensar en una producción infantil. Sin embargo, el filme no escatima en muerte, violencia y drama. Esa combinación recuerda al cine de Alberto Vázquez, especialmente a ‘Unicorn Wars’, aunque aquí el horror nace de un episodio histórico real y respeta el estilo del manga de Kazuyoshi Takeda.

Con ecos de ‘Cartas desde Iwo Jima’ y de la resistencia desesperada de los últimos de Filipinas, la película reivindica la memoria de quienes quedaron atrapados en una guerra absurda.

Comentado por Furanu.

‘Salitre’

Que curiosa me ha parecido ‘Salitre’, que bien tratada y que bien dirigida. Norma Vila ha presentado su película en un Auditori lleno advirtiéndole a su madre que esta no era una película sobre la historia de ambas. Y menos mal esta declaración, porque en ‘Salitre’ no hay nada sano entre esta madre e hija.

La película nos habla de la desesperación por parte de una madre de la partida de su hija a Barcelona para lograr cumplir sus sueños de estudiar en el mejor lugar. De como no procesa el despedirse de su hija y poco a poco se va adentrando en una oscuridad demasiado profunda. Llena de sombras y un toque fantástico que vemos a través de un ser que de vez en cuando viene a perturbar la poca tranquilidad que tiene esta mujer.

‘Salitre’ me ha gustado mucho, me ha sorprendido su historia, su imaginario y también las actuaciones de estas dos mujeres. Nagore Aranburu y Haizea Carneros están de 10 y la verdad que la evolución de ambos personajes me ha parecido muy bien trabajada.

Comentado por Vicky Carras.

‘Wash away’

Takuya Miyahara, convierte una escapada romántica junto a un lago en una pesadilla alrededor de un culto obsesionado con el poder purificador del agua. La pareja protagonista descubre que el complejo turístico al que ha viajado esconde secretos y conspiraciones, mientras las tensiones sentimentales entre ambos avanzan en paralelo al misterio.

Se supone que hay una amenaza constante que se construye lentamente. El problema es que la película abusa de sus recursos atmosféricos. El murmullo del agua y los silencios generan cierta inquietud, pero tantas escenas recreándose en ellos terminan por adormecer la trama y la película muere por hiperhidratación.

Como en algunas historias de Junji Ito, parece que la acumulación de indicios conducirá a una explosión de horror. Sin embargo, ese estallido apenas llega y la oscuridad visual tampoco ayuda. ‘Wash Away’ tiene una premisa sugerente, pero no consigue asustar, inquietar de forma sostenida ni construir una mitología suficientemente original.

Comentado por Furanu.

‘Sicko’

El kazajo Aitore Zholdaskali crea una sátira mordaz sobre un sistema que convierte la desesperación económica en una oportunidad de negocio. Una pareja ahogada por las deudas decide fingir una enfermedad terminal para recaudar dinero mediante una campaña de donaciones. La mentira funciona demasiado bien y pronto los introduce en una espiral de ambición, delincuencia y violencia.

La película mezcla drama, humor negro y momentos criminales bastante crudos para retratar un mundo en el que la desgracia ajena puede ser rentable. Las redes sociales, el endeudamiento y la necesidad de aparentar éxito se convierten en herramientas de un capitalismo que parece alimentarse de sus propias víctimas.

También cuestiona al hombre obsesionado con conservar su papel de «rey de la casa», aunque la realidad desmonte su autoridad. ‘Sicko’ no necesita monstruos sobrenaturales para dar miedo: le basta con mostrar a personas contra las cuerdas, dispuestas a degradarse para sobrevivir. Una película muy divertida por momentos y especialmente incisiva en su crítica social.

Comentado por Furanu.

‘Boorman and the devil’ (crítica extendida)

‘Boorman and the Devil’ analiza cómo John Boorman terminó dirigiendo una de las secuelas más controvertidas del terror, ‘Exorcist II: The Heretic’. Y el propio director no se esconde aunque no podrá negar que aprovecha el documental tal para excusarse. La película habla sobre su carrera, su ambición y de cómo una producción aparentemente destinada al éxito acabó convirtiéndose en un desastre.

Buena parte tiene aspecto de making of de DVD, pero Kittredge profundiza en las razones del fracaso. Richard Burton y sus problemas personales aparecen como uno de los grandes obstáculos, mientras Rospo Pallenberg, responsable de numerosas reescrituras, contribuye a explicar el caos del guion. Las opiniones de Linda Blair, Louise Fletcher, Mike Flanagan, Karyn Kusama, Joe Dante y numerosos críticos y profesionales completan una autopsia llena de nombres conocidos.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘Kakeru’

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En qué plataforma ver Kakeru

Un robot para reparar lo irreparable

Elon Musk quiere que los robots humanoides formen parte de nuestra vida cotidiana. Tesla presenta Optimus como una máquina capaz de ayudarnos con tareas domésticas y recados, mientras Musk ha llegado a plantear su comercialización para el público antes de finales de 2027. Es una visión tecnológica, industrial y comercial del futuro. ‘Kakeru’, de Hirokazu Koreeda, parte de una idea parecida pero se encuentra en las antípodas de ese carácter comercial y megalómano: aquí un humanoide no llega para hacer la compra ni para limpiar la casa, sino para ocupar el lugar de alguien que ya no está. Está claro que si alguien sabe dialogar con las máquinas desde los sentimientos esos son los japoneses.

Estamos en un futuro en el que se pueden hacer por encargo niños y un pareja que perdió a su vástago de 7 años ve en ello el parche perfecto. La premisa podría parecer una versión japonesa y contemporánea de ‘Inteligencia artificial’ o de ‘El hombre bicentenario’, especialmente por su exploración de los vínculos afectivos entre humanos y criaturas artificiales, pero Koreeda desplaza rápidamente el interés desde la inteligencia artificial hacia algo mucho más antiguo: el duelo.

Porque el verdadero conflicto no es si Kakeru puede comportarse como un ser humano. La cuestión es qué ocurre cuando alguien que hemos perdido vuelve a presentarse ante nosotros con el mismo rostro. Otone encuentra en él una oportunidad para recuperar la vida que le fue arrebatada, mientras Kensuke mantiene una distancia mucho mayor. El robot se convierte así en el punto de fractura de una pareja que ya estaba viviendo el duelo de maneras diferentes.

El electrodoméstico que ocupa el lugar de un hijo

Una de las mejores decisiones de Hirokazu Koreeda consiste en tratar al humanoide como un producto de consumo. Una empresa puede reconstruir la imagen y el comportamiento de un ser querido a partir de fotografías, vídeos y otros datos para entregar un sustituto artificial. Es, en cierto modo, un electrodoméstico diseñado para suplir una ausencia que a priori la humanidad nunca ha podido reparar.

Y ahí aparece el auténtico debate de ‘Kakeru’. ¿Puede la tecnología funcionar como terapia ante una pérdida que el ser humano nunca ha sabido solucionar? ¿Puede facilitar el proceso de duelo ofreciendo una presencia que permita recuperar temporalmente aquello que se ha perdido? ¿O simplemente crea una dependencia emocional que convierte el duelo en una obsesión y aplaza indefinidamente la aceptación de la muerte?

Koreeda no necesita convertir estas preguntas en un debate tecnológico convencional. Su interés está en observar cómo cambia la relación entre los personajes. Kakeru consigue que la madre vuelva a sonreír, pero también puede impedir que acepte que su hijo murió. El padre, en cambio, intenta recordar constantemente que aquella criatura no es su hijo. La misma máquina puede ser interpretada como una herramienta terapéutica, un milagro, una estafa emocional o un parche carísimo.

Es una cuestión especialmente coherente con la trayectoria del director de ‘Un asunto de familia’, uno de los cineastas japoneses contemporáneos con mayor reconocimiento internacional. Koreeda lleva años explorando las relaciones familiares, la ausencia, los vínculos que se construyen más allá de la sangre y aquello que convierte a un grupo de personas en una familia. En ‘Kakeru’, la inteligencia artificial simplemente proporciona una nueva herramienta para continuar preguntándose lo mismo.

La oveja que no podemos ver

El título internacional, ‘Sheep in the Box’, proporciona una de las claves más bonitas de la película. La referencia procede de ‘El principito’, concretamente del momento en que el narrador, incapaz de dibujar la oveja que le pide el pequeño príncipe, dibuja una caja y le explica que el animal está dentro. La película utiliza esa imagen como metáfora del propio Kakeru: podemos verlo por fuera, pero nunca podemos saber qué hay realmente dentro.

Kakeru es simultáneamente un robot, un recuerdo, una proyección de los deseos de sus padres y un niño que está descubriendo el mundo por primera vez. Ahí está probablemente la mayor virtud conceptual del filme: aquello que los personajes ven en él depende de aquello que necesitan encontrar.

El problema es que, precisamente por querer convertir su reflexión en una fábula humanista y universal, ‘Kakeru’ se aleja de una posible lectura más concreta sobre la sociedad japonesa. Japón tiene una población muy envejecida y lo último que necesita es cambiar a sus niños por máquimnas. En ese sentido, ‘Plan 75’, de Chie Hayakawa, resulta una aproximación más directamente vinculada a las tensiones demográficas y sociales del Japón contemporáneo. Y no es que la película no tenga un altísimo componente de cultura japonesa. Es altamente nipona tanto en su sensibilidad como en su manera de observar las relaciones familiares. pero su discurso pretende ser tan universal que en ocasiones pierde la oportunidad de profundizar en aquello que hace específicamente japonesa su premisa.

Kore-eda no está realmente hablando de robots. Está hablando de nosotros. De nuestra incapacidad para aceptar la desaparición de quienes amamos y de nuestra tendencia a construir sustitutos, recuerdos y rituales para mantenerlos presentes. Y esa puede ser la cuestión más incómoda que deja ‘Kakeru’: si pudiéramos tener delante una copia perfecta de alguien que hemos perdido, ¿estaríamos recuperando a esa persona o simplemente comprando una manera de no aceptar que se ha ido?

Ficha de ‘Kakeru’

Estreno en España: 16 de octubre de 2026. Título original: Hako no naka no hitsuji. Duración: 126 min. País: Japón. Dirección: Hirokazu Koreeda. Guion: Hirokazu Koreeda. Música: Taku Matsushiba. Fotografía: Ryûto Kondô. Reparto principal: Daigo, Rimu Kuwaki, Haruka Ayase. Producción: Gaga Communications Inc, Toho Studios, AOI Pro. Distribución: Vértigo Films. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial.