Acerca de Furanu

De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.

Análisis del magnífico pack de ‘Gaua’ en Blu-ray

Un lanzamiento imprescindible para amantes del cine fantástico y las obras tratadas con mimo

Es una suerte compartir generación y momento cinematográfico actual con un cineasta como Paul Urkijo Alijo. Es de esos artistas que dentro de una década a o dos estará solicitado y encumbrado a más no poder y ver como paso a paso materializa su sueño es todo un privilegio para los que somos cinéfilo. Pero es que además se ha convertido en uno de los estandartes de la recuperación del folclore haciéndolo formar parte imprescindible del cine fantástico, el cual, vive un momento especialmente interesante en España

Pocas propuestas lo representan con tanta personalidad como ‘Gaua’, la obra dirigida por Paul Urkijo Alijo. Con una marcada identidad visual y un profundo respeto por la mitología vasca, la película se ha consolidado como una pieza de culto dentro del género. Ahora, de la mano de Divisa Films, llega una edición física que no solo hace justicia a la película, sino que eleva la experiencia a un nivel claramente pensado para coleccionistas.

Una edición física que apuesta por el formato premium

En un contexto dominado por el consumo digital, esta edición de ‘Gaua’ reivindica el valor del formato físico como objeto cultural y medio para expandir el conocimiento cinematográfico. No estamos ante un lanzamiento convencional, sino ante un producto cuidadosamente diseñado para quienes valoran tanto la obra como su presentación.

El conjunto viene presentado en un estuche exterior que protege y realza el contenido, dando paso a una edición interna igualmente elaborada. Este tipo de planteamiento convierte la compra en algo más que adquirir una película: es incorporar una pieza de colección a la estantería.

En el interior encontramos un segundo estuche en formato tríptico, que actúa como núcleo de la edición. Este diseño no solo resulta visualmente atractivo, sino también funcional, organizando de forma clara todos los elementos incluidos. El contenido se distribuye de la siguiente manera: un disco con la película, un disco adicional dedicado exclusivamente a los extras, un libro con abundante información y fotografías del proceso de creación a todo color y una tarjeta que sirve de tarjeta de presentación para la versión en blanco y negro. Por supuesto todo con textos en español y en euskera.

El libro merece una mención especial, ya que aporta contexto, detalles de producción y material gráfico que enriquecen enormemente la experiencia. No es un simple añadido, sino un complemento que amplía el universo de ‘Gaua’ y permite al espectador profundizar en su propuesta artística sin ni siquiera haber pulsado aún el play.

El cuidado de Paul Urkijo Alijo: una garantía de calidad

Uno de los aspectos más destacables de esta edición es el evidente mimo puesto en su desarrollo. Se percibe claramente la implicación de Paul Urkijo Alijo, quien ha demostrado estar muy encima del producto final, asegurando que cada elemento esté a la altura de la obra original.

Este nivel de implicación no es habitual en la industria y se traduce en un resultado que transmite pasión por el cine y respeto por el espectador. El conjunto es, sencillamente, una gozada para cualquier aficionado que valore el formato físico y las ediciones cuidadas.

Aunque recomendamos ver la película en su versión original podéis disponer de los siguientess idiomas: Castellano y Euskera 5.1 DTS-HD MA y 2.0 Estéreo; Audiocomentarios director Castellano y Euskera; Audiodescripción Castellano Discapacidad Visual con mezcla película Castellano y Euskera; Lenguaje Signos Discapacidad Auditiva.

Extras en disco de la película

Edición en blanco y negro de la película

El cuidado estético del director en cada una de sus películas es digno de elogio. En concreto con ‘Gaua’ es la dificultad de rodar tanto de noche lo que ha hecho que este título sea aún más meritorio. A menudo Paul Urkijo recibe el elogio de ser comparado con Robert Eggers en su fotografía. Ahora más que nunca, nos deja pasmados con una versión en blanco y negro que lleva más allá la experiencia de este filme.

Extras en disco de extras

Making of

Clásico reportaje o documental en el que vais a apreciar la pasión con la que el equipo se enfrenta a las dificultades de la noche y podréis apreciar aún más el arte de producir una película como esta, descubriendo capa a capa su concepción.

Breakdowns de VFX

El despliegue de efectos especiales de ‘Gaua’ no tiene nada que envidiar a una superproducción. Cromas y animatróncos conviven en esta obra haciendo gala de una buena simbiosis entre artesanía y últimas tecnologías.

Cómo se hizo: Los grabados de Gaua

Como siempre, Paulo Urquijo al hijo introduce su película con una secuencia que sirve a modo prólogo en el cual, como siempre, nos deja boquiabiertos. En este caso, ha realizado a mano un retablo que nos sirve de minicuento y que aquí podemos ver cómo se elaboró completamente a mano.

Construcción del bosque

Storyboard, platós, localizaciones. El bosque juega un papel vital en esta historia. A Urkijjo le encantan los entornos vivos y en ellos intenta siempre emplazar sus historias. Pero en ‘Gaua’ ha jugado de tal manera que ha hecho falta hacer uso de algún que otro artificio más.

Galerías

Fotografías, arte conceptual previo al rodaje, instantáneas durante la filmación o storyboards que sirven de pequeña masterclass sobre cómo concebir una obra como esta.

Timelapses de maquillaje

Como decíamos, Urkijo Alijo gusta siempre de recurrir a lo tangible. Por desgracia para sus actores y para gusto de los espectadores esto conlleva maquillar y recubrir de prostéticos a aquellos que interpretan sus criaturas. El trabajo es laborioso y a modo de timelapse vemos como se hicieron seres como Inguma, Akerbeltz, Kattalin o Maritxu.

Tráiler y teaser

En sus versiones en V.O., V.E. y V.O.S.E. podéis ver estos tráilers que a diferencia de otros, no destripan la historia en dos minutos y son buen gancho para la fantasía que os espera.

Análisis del pack con Sisu 1 y 2 en Blu-ray

Dos entregas que son literalmente inmortales

Decir que Sisu es inmortal es hablar con dobles sentidos pues además de tratar sobre un personaje imbatible hablamos de un tipo de humor que perdurará en el tiempo y que seguro que permanecerá en tu estantería pasando de una generación a otra. El fenómeno de ‘Sisu’ se ha consolidado como una de las propuestas más contundentes del cine de acción europeo reciente. Con su mezcla de violencia estilizada, ambientación bélica y un protagonista implacable, la saga dirigida por Jalmari Helander ha conseguido ganarse un hueco entre los aficionados al género.

Ahora, gracias a Arvi Licensing, llega al mercado un pack que reúne las dos películas publicadas hasta la fecha, convirtiéndose en una opción ideal tanto para nuevos espectadores como para aquellos que siguen este filme desde su proyección en festivales.

Un lanzamiento que reúne la saga completa hasta la fecha

Este pack de Sisu ofrece la oportunidad de disfrutar de las dos entregas disponibles en una única edición. Se trata de una propuesta especialmente atractiva para quienes buscan tener la colección completa en formato físico, algo cada vez más valorado en un contexto dominado por plataformas digitales pues antes o después las películas desaparecen de los catálogos.

La figura de Aatami Korpi, ese buscador de oro convertido en máquina de guerra, se consolida a lo largo de ambas películas como uno de los personajes más icónicos del cine de acción contemporáneo, elevando la saga a un estatus de culto.

Presentación y formato: sencillez funcional para el coleccionista

A diferencia de otras ediciones más recargadas, este pack apuesta por una presentación más funcional, reuniendo ambas películas en un mismo estuche y un interior a modo de libro alojando ambas películas en discos independientes. Y aunque la caja sea la clásica amaray al menos ambos blu-rays están serigrafiados con el cartel del filme.

Datos técnicos

Audios: Alemán DTS HD Master Audio 5.1, Castellano Dolby Digital 5.1, Inglés DTS HD Master Audio 5.1, Italiano DTS HD Master Audio 5.1

Calificación: No recomendada para menores de dieciséis años

Formato: Blu-ray

Formato de imagen: 2.40:1

Subtítulos: Alemán, Castellano, Estonio, Holandés, Inglés, Italiano, Letón, Lituano, Portugués, Turco

Zona: FREE

Extras en Sisu (25 min. aprox.)

Making of (24:25 min.)

Por suerte en estos extras se habla mucho más que en la película. Casi media hora de reportaje hablando sobre la concepción de este personaje y los retos que representa. Una película de guerra contra nazis en Finlandia es un rara avis, pero no es el único hándicap que el equipo de rodaje manejó para dar vida a esta especie de Chuck Norris europeo. Materializar escenas cada vez más locas, generar acción en un terreno baldío, dar vida a un héroe “creíble”, conectar con algún que otro elemento histórico…

Superar los límites de la realidad: los efectos visuales de Sisu (10:48 min.)

Que lo del aguante de Rambo en sus aventuras no es realista lo tenemos asumido. Pero lo de ‘Sisu’ traspasa la realidad hasta lo sobrenatural y surrealista. Para hacer todo esto más allá de contar con buenos especialista ha habido que tirar de efectos digitales capaces de mostrar en pantalla escenas completamente demenciales.

Extras en Sisu 2 (4 min. aprox.)

Subiendo la apuesta (3:03 min.)

Básicamente es una especie de tráiler en el que se sacan a relucir dos elementos claves: la acción va mucho más allá, sin límite alguno. Y se suman actores de la talla de Stephen Lang como antagonista de un héroe que gana trasfondo.

Escenas eliminadas (00:41 min.)

Una única escena en la que se realiza un pago y en la que por supuesto Aatami no pronuncia palabra.

Crítica: ‘Super Mario Galaxy: la película’

En qué plataforma ver Super Mario Galaxy: la película

Referencias y sabor a gran franquicia por encima de ambición narrativa

Con ‘Super Mario Galaxy: la película’, el trío formado por Aaron Horvath, Michael Jelenic y Pierre Leduc da un paso más allá en la consolidación del universo cinematográfico de Nintendo. No es casual: vienen de trabajar en productos tan reconocibles como ‘Teen Titans Go!’, el entorno animado de Batman o la maquinaria de éxitos de ‘Gru’. Sin embargo, el verdadero eje creativo aquí es el guionista Matthew Fogel, responsable de títulos como ‘La LEGO película 2’, ‘Minions: el origen de Gru’ o ‘Esta abuela es mi padre’. Su firma se nota: estructura clásica, ritmo ágil y una tendencia clara a priorizar el gag sobre la profundidad narrativa.

La película parte con una premisa ambiciosa: trasladar la escala cósmica del videojuego ‘Super Mario Galaxy’ al cine. El resultado es, en términos visuales, apabullante. La animación de Illumination vuelve a demostrar un dominio absoluto del color, las texturas, la iluminación y la expresividad de los personajes. Cada planeta, cada galaxia y cada criatura está diseñada para ser reconocible por el fan y accesible para el espectador casual. El salto del pixel al 3D que muchos personajes ya han dado en las consolas no afecta para nada el espíritu original.

Sin embargo, este despliegue técnico tiene un coste: la narrativa queda subordinada a la construcción de franquicia. Lo que debería ser una aventura autocontenida se percibe más como una pieza intermedia dentro de un engranaje mayor. Hay una clara intención de sentar las bases de algo más grande, y eso afecta al equilibrio interno del filme, que se entretiene mucho en ciertas pates.

Humor, referencias y una clara orientación hacia el público infantil

Confieso que esperaba una evolución similar a la saga de ‘Sonic the Hedgehog’ en el cine, donde cada entrega ha ido afinando su tono hasta conectar mejor con el público adulto. En este caso, aunque ‘Super Mario Galaxy: la película’ no decepciona de forma contundente, sí resulta menos divertida para ese espectador que busca capas adicionales.

Gran parte de esta sensación viene de una decisión llamativa: la ausencia de un número musical destacado de Jack Black. Tras el impacto cultural de su interpretación en la anterior entrega, su falta de protagonismo musical aquí se siente como una oportunidad perdida. El humor sigue presente y de hecho su personaje es de los más divertidos, pero en general el filme está más orientado al slapstick y a la inmediatez, con menos ironía o doble lectura.

Eso sí, el largometraje funciona como un festival de referencias. Para los seguidores de Nintendo, es un auténtico deleite: criaturas, escenarios, power-ups, melodías clásicas y hasta detalles como cambios de look o sonidos icónicos aparecen integrados con notable fidelidad. Esta acumulación de guiños, lejos de ser anecdótica, es uno de los pilares del atractivo de la película.

Además, la relación de Illumination con Universal Pictures permite introducir referencias externas bastante evidentes. Hay secuencias que evocan el espectáculo de ‘Jurassic World’, reforzadas por la presencia de Chris Pratt en el doblaje de Mario, y otras que recuerdan al icónico puente de ‘King Kong’ en la versión de Peter Jackson, donde curiosamente también participó Jack Black.

¿El inicio de un universo cinematográfico al estilo Nintendo?

El aspecto más discutible (y a la vez más revelador) de ‘Super Mario Galaxy: la película’ es su clara vocación de expansión. Si Disney tiene su universo Marvel y Warner sus personajes de DC, quizás el gran universo para Universal no va a ser el universo de monstruos, sino el de Nintendo. Hay dos elementos que apuntan directamente hacia la construcción de un universo compartido. El primero es la introducción del concepto de múltiples princesas, una decisión que abre la puerta a explorar personajes y líneas argumentales más allá de la clásica Princesa Peach. Teniendo en cuenta que Mario celebra ya cuatro décadas de historia, el material disponible es prácticamente inagotable.

El segundo elemento, mucho más significativo, es la aparición de un personaje ajeno al universo principal de Mario. Sin entrar en spoilers, su inclusión parece diseñada para preparar el terreno hacia un evento mayor, algo que inevitablemente remite a la posibilidad de un ‘Super Smash Bros.’ cinematográfico. No es una idea descabellada: el modelo de universo compartido ha demostrado su eficacia en otras casas.

El problema es que este enfoque tiene consecuencias narrativas. La trama principal pierde fuerza, algunos gags no terminan de ir más allá de lo ñoño o lo tontorrón y una de las escenas post-créditos es más un anuncio que un cierre satisfactorio.

Ficha de ‘Super Mario Galaxy: la película’

Estreno en España: 1 de abril de 2026. Título original: Super Mario Galaxy: the movie. Duración: 98 min. País: EE.UU. Dirección: Aaron Horvath, Michael Jelenic. Guion: Matthew Fogel. Música: Brian Tyler. Reparto principal: Chris Pratt, Anya Taylor-Joy, Charlie Day, Jack Black, Donald Glover, Keegan Michael Key, Kevin Michael Richardson, Brie Larson, Ben Safdie, Luis Guzman, Issa Rae. Producción: Universal Pictures, Nintendo, Illumination Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: Web oficial.

Crítica: ‘Noise’

Hacía mucho que una película de terror no me recordaba al clásico j-horror

‘Noise’, de Kim Soo-jin, irrumpe como una obra que, con menos brillanteces técnicas de las que esperaba, apuesta por el sonido como eje narrativo. La película se sitúa en esa tradición del terror asiático que entendía el miedo como una grieta emocional antes que como un espectáculo, la misma que encumbró títulos como ‘The Eye’, y que aquí encuentra una inesperada reactivación.

La premisa es aparentemente sencilla: una mujer con problemas de audición se traslada al apartamento de su desaparecida hermana y comienza a percibir sonidos inexplicables que parecen conectar con una presencia maligna. Kim Soo-jin, en su debut en el largometraje, demuestra una comprensión de las obsesiones y la locura. Esto se nota sobre todo cuando consigue incomodar desde lo invisible. Y es que el uso del sonido está ahí no como simple recurso de susto, sino como elemento narrativo central, capaz de sostener la atmósfera de principio a fin.

El sonido como amenaza: cuando el silencio deja de ser refugio

Uno de los grandes aciertos de ‘Noise’ es su capacidad para convertir un problema cotidiano como es el ruido de los vecinos en un dispositivo de terror. El fenómeno del “ruido entre pisos”, una cuestión social real en Corea del Sur, sirve como base para una historia que explora la ansiedad urbana y la alienación contemporánea. Este detalle, lejos de ser anecdótico, dota a la película de una textura casi documental que refuerza su credibilidad.

La protagonista (interpretada por Lee Sun-bin) no solo lucha contra una amenaza externa, sino contra sus propias limitaciones sensoriales. Aquí es donde la comparación con ‘The Eye’ resulta inevitable: ambas comparten esa idea de un cuerpo “defectuoso” que, paradójicamente, abre la puerta a lo sobrenatural. Pero mientras aquella jugaba con la visión, ‘Noise’ apuesta por el oído… o por su ausencia.

El film utiliza el silencio y los ruidos molestos como arma. En un género saturado de estridencias, aquí los momentos más inquietantes son aquellos en los que no ocurre nada audible. O, mejor dicho, en los que el espectador duda si ha escuchado algo. Esa ambigüedad genera una tensión sostenida que se apoya en una puesta en escena minimalista: pasillos estrechos, paredes que parecen respirar, apartamentos que se convierten en cajas de resonancia emocional.

Luces y sombras de un debut prometedor

No obstante, ‘Noise’ no es una obra exenta de fisuras. Su tramo final explota de manera un tanto predecible y ofrece pocas respuestas. Esto sucede mucho en el terror cuando se juguetea con lo sobrenatural y se quiere dejar puertas abiertas a una secuela o hay miedo a ofrecer soluciones concretas.

Aun así, estos tropiezos no empañan el conjunto. Si algo logra ‘Noise’ es reconectar con una forma de entender el terror que parecía olvidada: aquella que no busca el sobresalto inmediato, sino la inquietud persistente. La película se inscribe así en una tradición que va desde el J-horror más atmosférico hasta el thriller psicológico contemporáneo, pero lo hace con identidad propia.

Visualmente sobria, yendo del pastel a lo mugriento, ‘Noise’ es, en última instancia, una buena experiencia. Una película que obliga al espectador a escuchar, de verdad, y a enfrentarse a la incomodidad de no poder confiar en sus propios sentidos.

Ficha de ‘Noise’

Estreno en España: 1 de abril de 2026. Título original: Noijeu. Duración: 95 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kim Soo-jin. Guion: Lee Je-hui. Fotografía: Hong-Gyu Jeon. Reparto principal: Lee Sum-bin, Kim Min-seok, Han Su-a, Ryu Kyung-soo, Jeon Ik-ryung. Producción: Finecut, KC Ventures. Distribución: Marmitako Films. Género: terror. Web oficial.

Crítica: ‘Superman: man of tomorrow’

En qué plataforma ver Superman: man of tomorrow

Un origen reinventado que no termina de despegarse de lo de siempre

Hablar de ‘Superman: man of tomorrow’ es volver a confirmar una idea que se ha repetido durante años: el Universo DC siempre ha funcionado mejor en la animación que en imagen real. Mientras el llamado Snyderverse dejaba sensaciones encontradas (especialmente con personajes como Martian Manhunter, cuyo potencial quedó en nada), esta película apuesta por un enfoque más contenido, directo y, sobre todo, coherente con la esencia del personaje.

Nos encontramos ante una reinterpretación del origen de Superman que, sin romper con la tradición, introduce matices interesantes, aunque poco explotados. La historia se sitúa en un mundo con tintes retrofuturistas, una elección estética que no es casual. Este entorno mezcla tecnología avanzada con una sensibilidad visual que remite a la América de mediados del siglo XX, lo que encaja perfectamente con el simbolismo del personaje: un ideal clásico enfrentado a un mundo cambiante.

La animación es, sin duda, uno de los puntos fuertes. El trazo es limpio, dinámico y muy “americano” en el mejor sentido del término: musculatura marcada, acción clara y una narrativa visual que prioriza el espectáculo a la brillantez visual.

Una premisa potente… que se diluye

La película parte de una idea muy potente: ¿qué ocurriría si la identidad extraterrestre de Superman se viera expuesta demasiado pronto? La llegada de otras razas alienígenas, entre ellas el carismático Lobo, introduce un conflicto que podría haber redefinido completamente la percepción pública del héroe.

Sin embargo, aquí es donde ‘Superman: man of tomorrow’ empieza a perder fuerza. Lo que se plantea como un “what if” interesante, una exploración alternativa del mito, termina resolviéndose de forma bastante convencional. La narrativa opta por caminos seguros, desaprovechando el potencial dramático de un Superman que podría haber sido visto como una amenaza desde el primer momento.

El villano principal, aunque funcional, carece del peso necesario para sostener el conflicto, a pesar de sus dimensiones de kaiju. Aquí es donde entra en juego Lex Luthor, presentado como una figura ultratecnológica que anticipó versiones más modernas del personaje, en línea con lo que posteriormente desarrollaría James Gunn en su nueva visión del universo DC. Este enfoque es interesante, pero queda algo superficial en esta entrega.

Personajes secundarios y valor como puerta de entrada

Uno de los mayores aciertos de la película es su galería de personajes secundarios. La inclusión de Lobo no solo aporta dinamismo, sino que sirve como una excelente carta de presentación para el público general. Su personalidad irreverente y su brutalidad contrastan perfectamente con la moralidad de Superman, generando algunos de los momentos más entretenidos del metraje.

Por otro lado, la presencia de Martian Manhunter funciona casi como una compensación para los fans que esperaban más del personaje en otras adaptaciones. Aquí, aunque su papel no es central, al menos se le concede una relevancia narrativa que lo dignifica.

En este sentido, la película también adquiere un valor estratégico: sirve como introducción accesible a personajes que probablemente ganen protagonismo en futuros proyectos, incluyendo la esperada conexión con el universo de Supergirl. Este tipo de sinergias no son casuales y refuerzan la sensación de que sin llegar a formar parte de la misma narrativa estamos ante una pieza dentro de un plan mayor que se mantiene vivo gracias a la animación.

Ficha de ‘Superman: man of tomorrow’

Estreno en España: 2020. Título original: Superman: man of tomorrow. Duración: 86 min. País: EE.UU. Dirección: Chris Palmer. Guion: Tim Sheridan. Música: Kevin Riepl. Reparto principal (doblaje original): Darren Criss, Alexandra Daddario, Zachary Quinto, Ryan Hurst, Ike Amadi. Producción: DC Entertainment, Warner Bros. Animation. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción. Web oficial.

Crítica: ’53 domingos’

En qué plataforma ver 53 domingos

La tragedia cínica de no soportar a tu propia familia

Cesc Gay vuelve a apoyarse en su mayor fortaleza: los actores en espacios íntimos y reducidos. En ‘53 domingos’ reúne a un cuarteto de intérpretes que funcionan como un mecanismo de relojería dramática. Carmen Machi y Javier Cámara vuelven a interpretar juntos, algo que ya de por sí despierta expectativas, y lo hacen acompañados por dos pesos pesados como Javier Gutiérrez y Alexandra Jiménez.

Es precisamente Jiménez quien articula la película desde su arranque. Rompiendo la cuarta pared con naturalidad y mala leche, su personaje se convierte en catalizador del conflicto familiar, exponiendo sin filtros las miserias de una familia política marcada por el reproche y el doble sentido. Desde esa posición, marca el ritmo del relato, como si levantara la batuta de una orquesta en la que los demás ejecutan cada réplica cargada de intención.

El guion, fiel al estilo de Gay, convierte los diálogos en auténticos duelos verbales. Los hermanos protagonistas, atrapados en una dinámica de resentimientos larvados, se lanzan pullas con una mezcla de cinismo apenas disimulado y sinceridad hiriente. No hay grandes giros argumentales, pero sí una tensión constante que mantiene viva la película.

Del teatro al cine: una adaptación que mantiene su esencia

‘53 domingos’ nace de una obra teatral previa del propio director, estrenada en Cataluña en 2020. Aunque la ciudad de Madrid aparece reconocible, ese origen se percibe en su estructura y en su puesta en escena: espacios cerrados, protagonismo absoluto de la palabra y una economía narrativa que se apoya en la interpretación. En su versión en castellano, actualmente representada en el Teatro Pavón, el papel que aquí encarna Cámara es interpretado por Julián López, lo que evidencia la flexibilidad del texto y su capacidad para adaptarse a distintos registros actorales.

Lejos de esconder ese origen teatral, Gay lo abraza. La cámara no intenta “abrir” artificialmente la historia, sino que se sitúa como un testigo privilegiado de las conversaciones, subrayando gestos a escondidas y desaprobaciones veladas. Esta decisión refuerza la sensación de estar asistiendo a algo incómodamente real, casi como si el espectador estuviera sentado en el sofá de ese salón familiar donde todo se dice… y todo se guarda.

Curiosamente, dentro de la filmografía del director, esta podría considerarse una de sus propuestas más luminosas desde el punto de vista visual. El etalonaje apuesta por una paleta de colores más viva de lo habitual, en contraste con la densidad emocional de lo que se cuenta. Ese color parece dialogar con el caos interno de los personajes: cuanto más vibrante es la imagen, más evidentes resultan las grietas.

Humor ácido, crueldad soterrada y el peso de los vínculos familiares

En el núcleo de ‘53 domingos’ hay una cuestión tan universal como incómoda: qué hacer con un padre que empieza a perder la cabeza. La película no convierte este conflicto en un melodrama, sino en un campo de batalla moral donde afloran egoísmos, culpas y responsabilidades compartidas o más bien evitadas.

Gay aborda este tema con su habitual sarcasmo e ironía, construyendo escenas donde el humor emerge de lo incómodo. Las discusiones no buscan tanto resolver el problema como posponerlo, disfrazarlo o trasladarlo al otro. En ese sentido, la película habla del “amor obligatorio”, ese que se presupone entre familiares pero que, en la práctica, está lleno de fisuras.

Hay también un trasfondo particularmente incómodo en la forma en que se retrata la vejez. Sin caer en lo explícito, la película sugiere una realidad cruel: el momento en que un progenitor deja de ser figura de autoridad para convertirse en una carga. Esta idea recorre la historia como un eco constante, aportando una capa de gravedad que contrasta con la ligereza aparente del tono. Y, sin embargo, probablemente estemos ante una de las películas más accesibles de Gay. No porque suavice su mirada (que sigue siendo incisiva), sino porque el humor actúa como vía de entrada. El espectador se ríe, pero lo hace reconociendo verdades incómodas.

‘53 domingos’ es una obra que confirma la coherencia autoral de Cesc Gay: un cine de palabras, de actores y de conflictos íntimos que, sin necesidad de grandes artificios, logra interpelar directamente al espectador. Una película que, como esas comidas familiares interminables, deja un regusto agridulce: incómoda, reconocible y, en última instancia, profundamente trágica.

Ficha de ’53 domingos’

Estreno en España: 27 de marzo de 2026. Título original: 53 domingos. Duración: 78 min. País: España. Dirección: Cesc Gay. Guion: Cesc Gay. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Andreu Rebés. Reparto principal: Carmen Machi, Javier Cámara, Javier Gutiérrez, Alexandra Jiménez. Producción: Imposible Films. Distribución: Netflix. Género: drama, comedia. Web oficial.

Crítica: ‘Invincible T4’

En qué plataforma ver Invincible

La madurez de un superhéroe atrapado entre la épica cósmica y el desgaste emocional

La cuarta temporada de ‘Invincible’, adaptación del cómic de Robert Kirkman (‘The Walking Dead’, ‘Marvel Zombies’), confirma algo que ya se intuía: esta serie animada no tiene intención de frenar su ambición. Con la vista puesta en alcanzar entre siete y ocho temporadas (e incluso con margen para diez si la popularidad lo permite), esta nueva entrega se siente como una pieza clave en la arquitectura global del relato.

Uno de los grandes aciertos de la temporada reside en su expansión del lore viltrumita. Durante el segundo capítulo la trama se detiene en el pasado de Omni-Man, construyendo una suerte de crónica histórica interestelar que recuerda, en su densidad y ambición, a las mejores tradiciones de la ciencia ficción clásica. Este enfoque no solo satisface una demanda latente de los fans, sino que redefine el conflicto central: ya no estamos ante una simple lucha entre héroes y villanos, sino ante una civilización con sus propias reglas, jerarquías y contradicciones morales, una suerte de kriptonianos.

En paralelo, la serie mantiene su sello distintivo: una galería de enemigos tan variopinta como impredecible. Regresan los inquietantes sequids, claros herederos de los invasores de ‘Ultracuerpos’ o ‘The Faculty’, mientras que nuevas amenazas como un villano con estética de dinosaurio o una valkiria verde obsesionada con la energía amplían el catálogo de rarezas. La reaparición de Conquest aporta ese peso dramático que solo los antagonistas más brutales pueden ofrecer y que todos los espectadores podían preeveer. Y vuelve el Satán doblado por Bruce Campbell en uno de los mejores episodios de lo que va de serie.

Todo ello se articula con una fina capa de sátira hacia el género superheroico. ‘Invincible’ sigue jugando a deformar los códigos de franquicias más conocidas, rozando a veces la parodia sin perder su identidad. Es precisamente en ese equilibrio donde la serie encuentra uno de sus mayores ganchos.

El dilema moral de Mark y la sensación de déjà vu

Si hay un elemento que genera sensaciones encontradas, es el arco del protagonista. Mark Grayson continúa atrapado en un bucle narrativo: entra y sale de los Guardianes, duda de Cecil Stedman, y vuelve a cuestionar su lugar en el mundo. Aunque estos conflictos son inherentes al personaje, la reiteración empieza a evidenciar cierto desgaste.

No obstante, la temporada introduce un matiz interesante: el debate sobre cruzar la línea de matar. Esta cuestión, que inevitablemente remite a dilemas clásicos asociados a figuras como Batman, se convierte en el eje moral de varios episodios. ¿Es lícito sacrificar a alguien para salvar a muchos? ¿Puede un héroe seguir siéndolo tras mancharse las manos de forma irreversible?

A nivel estructural, se agradece un guion más ágil y chispeante. Los diálogos ganan en frescura, los gags se multiplican y las tramas paralelas resultan más dinámicas. La presencia de Allen, con la voz del siempre eficaz Seth Rogen, aporta un contrapunto humorístico que funciona especialmente bien en medio de tanta densidad dramática.

Sin embargo, no todo suma. Las subtramas familiares, especialmente las relacionadas con los padres de Atom Eve y la madre de Mark, ralentizan el ritmo hasta el tedio. Son segmentos que parecen anclados en una versión más melodramática y menos interesante de la serie, rompiendo la inercia de los episodios más potentes, aquellos que se regodean en el fantástico.

Entre lo grotesco y lo infantil: una estética que divide… y engancha

Uno de los aspectos más discutibles y a la vez más fascinantes de ‘Invincible’ sigue siendo su apartado visual. La cuarta temporada insiste en ese contraste casi esquizofrénico entre diseños que rozan lo infantil y una violencia explícita que no escatima en desmembramientos ni lenguaje soez.

Algunos extraterrestres parecen sacados de una estética simplificada, como ese dragón que podría confundirse con la ilustración de una barraca de feria de bajo presupuesto. Y, sin embargo, esta aparente disonancia se convierte en uno de los mayores atractivos de la serie. La inocencia visual actúa como un caballo de Troya que amplifica el impacto de la brutalidad, generando una experiencia incómoda pero adictiva.

En este sentido, ‘Invincible’ demuestra una vez más su capacidad para romper convenciones. No busca la coherencia estética tradicional, sino provocar al espectador, obligarle a reconciliar dos lenguajes aparentemente incompatibles.

La temporada también amplía el foco sobre personajes secundarios, aunque con resultados desiguales. Mientras algunos ganan profundidad, otros quedan desdibujados. El caso de Oliver, por ejemplo, es especialmente llamativo: su cambio de tonalidad (mucho menos morado que en la temporada anterior) genera desconcierto, pero por el contrario es un personaje menos irritante. En ese sentido esta cuarta temporada no es perfecta, pero sí representa un paso adelante en ambición narrativa y riqueza temática, dando alas a sus vertientes cósmica y satánica.

Peter Jackson presenta por sorpresa un film que explorará los pasajes olvidados de El Señor de los Anillos

Un regreso inesperado al mundo de Tolkien y aún a la espera de la película de Gollum

El universo de la Tierra Media podría expandirse con una nueva película (al margen del filme en solitario que se prepara sobre Gollum) que promete recuperar algunos de los pasajes más olvidados de la obra de J. R. R. Tolkien. Según la información desvelada recientemente, Stephen Colbert estará trabajando como guionista principal en ‘The Lord of the Rings: Shadows of the Past’, un proyecto que ha sido presentado de forma inesperada por Peter Jackson.

La noticia ha generado un gran revuelo entre los fans, especialmente por el perfil de Colbert, conocido no solo por su carrera televisiva, sino también por su profundo conocimiento del universo Tolkien. Durante años, el presentador ha demostrado ser un auténtico experto en el legendarium, lo que ha alimentado la expectativa sobre su implicación creativa.

Tom Bombadil y el Bosque Viejo: lo que nunca vimos en cine

El proyecto se centraría en adaptar un tramo concreto de ‘La Comunidad del Anillo’ que quedó fuera de las películas originales: desde el capítulo “Tres es compañía” hasta “Niebla en las Quebradas de los Túmulos”. En este recorrido aparecen elementos icónicos como el Bosque Viejo, los Tumularios y, sobre todo, Tom Bombadil, uno de los personajes más enigmáticos de toda la obra.

La inclusión de Bombadil supone uno de los mayores atractivos del proyecto, ya que su ausencia fue una de las decisiones más debatidas en las adaptaciones cinematográficas de principios de los 2000. Su peculiar relación con el Anillo y su naturaleza casi ajena al conflicto central podrían aportar un tono completamente distinto al relato.

Una historia que conecta pasado y legado

Según las informaciones disponibles, la película no sería una simple adaptación literal, sino que incorporaría una estructura narrativa más compleja. La historia se situaría años después de los acontecimientos principales, con personajes como Sam, Merry y Pippin revisitando los primeros pasos de su aventura.

En paralelo, nuevas tramas ampliarían el universo, incluyendo secretos ocultos que podrían recontextualizar la Guerra del Anillo. Este enfoque permitiría combinar nostalgia y expansión narrativa, algo clave para mantener el interés del público actual sin traicionar la esencia original.

Más proyectos en marcha en la Tierra Media

Este posible desarrollo se enmarca dentro de una estrategia más amplia por parte de Warner Bros. para revitalizar la franquicia. Entre los proyectos confirmados se encuentra ‘The Hunt for Gollum’, dirigida por Andy Serkis y prevista para 2027, con el regreso de nombres clave como Ian McKellen y Elijah Wood.

Además, la implicación de Philippa Boyens, pieza fundamental en las trilogías originales, refuerza la continuidad creativa del proyecto.

La silla lanza tráiler y cartel: un thriller psicológico que promete tensión extrema

Jaime Lorente protagoniza lo nuevo de Ángel de la Cruz

Ya está disponible el tráiler oficial de ‘La silla’, el nuevo largometraje del director gallego Ángel de la Cruz, conocido por su trayectoria en la animación y ganador de cuatro premios Goya. Con esta película, el cineasta da un paso más en su carrera con un thriller psicológico que se adentra en los rincones más oscuros del ser humano.

La propuesta supone su quinta producción y marca un cambio de registro hacia un tono más adulto, íntimo y perturbador. El propio director define la película como una historia cargada de simbolismo, donde la culpa, el remordimiento y la redención se convierten en los ejes centrales del relato.

Un reparto centrado en la tensión emocional

El film está encabezado por Jaime Lorente, que interpreta a Daniel Lonces, un escritor de novelas de misterio cuya vida aparentemente perfecta se transforma en una pesadilla. Junto a él, completan el reparto Christina Ochoa y Eva Rufo, en una historia donde los personajes se enfrentan a situaciones límite.

El tráiler ya deja entrever una interpretación física y emocional exigente por parte de Lorente, con gran parte del metraje centrado en un espacio reducido, lo que refuerza la sensación de claustrofobia y angustia.

Una premisa inquietante y minimalista

La historia gira en torno a Daniel, un escritor de éxito que, en el transcurso de una prueba para una de sus novelas, queda accidentalmente atado a una silla sin posibilidad de liberarse. Lo que comienza como un incidente aparentemente controlable evoluciona rápidamente hacia una situación desesperada.

A partir de ese punto, la película desarrolla una espiral de tensión creciente, donde el protagonista deberá enfrentarse no solo a sus limitaciones físicas, sino también a sus propios miedos y decisiones pasadas. Este enfoque minimalista, centrado en un único conflicto, refuerza el carácter psicológico del relato.

Estreno en cines y apuesta por el suspense español

‘La silla’ llegará a los cines españoles el próximo 12 de junio, distribuida por AF Pictures. La película forma parte de una producción en la que participan varias compañías del sector audiovisual, consolidando una apuesta por el thriller de corte autoral dentro del panorama nacional. Está basada en una novela de David Jasso editada por Apache Libros.

Con su atmósfera opresiva y su planteamiento narrativo directo, la película se perfila como una de las propuestas más intensas del cine español en 2026, apostando por una experiencia emocional que combina suspense, drama y reflexión.

Crítica: ‘Shelter: El protector’

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Un título repetido para una historia mil veces contada

Hay algo casi irónico y desde luego revelador, en el hecho de que ‘Shelter: El protector’ llegue a nuestras carteleras con un título que parece reciclado de una cadena de montaje. No es la primera vez que vemos algo así: en su día con Stallone, Dolph Lundgren, Denzel Washington, Liam Neeson e incluso con Banderas y hasta con Santiago Segura y su ‘Torrente 3’ ya tuvimos un “protector”. De hecho, ‘Homefront’ (2013) y ‘Beekeeper’ (2024) ya se tradujeron en España como ‘El protector’. Estamos ante una fórmula harto explotada, que demuestra que lo de Jason Statham ya no es pasión por hacer cine sino ir en piloto automático.

En este contexto, el filme de Ric Roman Waugh no solo no intenta diferenciarse, sino que parece abrazar sin complejos el piloto automático. No estamos ante una revisión del arquetipo, ni siquiera ante una variación especialmente ingeniosa: es, sencillamente, otra iteración. Y eso se nota desde el primer minuto.

El cine de acción contemporáneo ha encontrado en esta plantilla un refugio seguro, quizá el título es ‘Shelter’. Se sienten cómodos dentro de la misma receta: protagonista masculino, pasado oscuro, intento fallido de vida calmada y una espiral de violencia que lo arrastra de nuevo a lo que mejor sabe hacer para salvar a alguien y alcanzando a una organización criminal. ‘Shelter: El protector’ no solo encaja en este molde, sino que lo reproduce con una fidelidad casi académica.

Jason Statham y el héroe funcional

El rostro visible de esta maquinaria es Jason Statham, quien lleva años perfeccionando un tipo de personaje que aquí alcanza su forma más depurada (o más vacía, según se mire). En esta ocasión, su profesión alternativa roza lo pintoresco: farero, una elección que parece diseñada más por su carga simbólica que por su credibilidad narrativa. Al final va a conseguir interpretar más profesiones que Homer Simpson. Creo que esta broma ya la había hecho, pero si Statham se puede permitir repetir una y otra vez lo mismo, ¿por qué yo no?

Y sí, hay perro. Un detalle que, en el cine de acción contemporáneo, funciona casi como un presagio: si alguien amenaza a ese animal, la violencia posterior estará no solo justificada, sino emocionalmente amplificada. Es un recurso tan eficaz como previsible.

Statham cumple, como siempre. Su presencia física, su economía gestual y su capacidad para transmitir amenaza siguen intactas. Pero también lo está su falta de evolución. El actor británico no parece interesado, ni quizá necesitado, de salir de esta zona de confort, y ‘Shelter: El protector’ no le exige lo contrario.

Ric Roman Waugh y el agotamiento del modelo

Si hay un responsable último de esta sensación de déjà vu constante, ese es su director. Ric Roman Waugh lleva años orbitando este tipo de cine, con títulos como ‘Angel Has Fallen’ dentro de la conocida saga de acción institucional. Su filmografía revela una clara inclinación por relatos de hombres al límite enfrentados a sistemas corruptos o amenazas desproporcionadas.

En ‘Shelter: El protector’, esa tendencia alcanza un punto de saturación. No hay riesgo formal, no hay búsqueda estética ni narrativa. Todo está calculado para funcionar dentro de unos parámetros conocidos: ritmo constante, escenas de acción eficaces pero intercambiables y una progresión dramática que avanza sin sorpresas.

Algunas curiosidades de producción, como el énfasis en realizar escenas de acción con el menor uso posible de efectos digitales o la insistencia de Statham en ejecutar personalmente muchas de sus secuencias físicas, aportan cierto valor artesanal. Sin embargo, estos detalles, que podrían enriquecer la experiencia, quedan diluidos en un conjunto que nunca aspira a ser más que correcto. Es una película que no ofende, pero tampoco entusiasma ni defiende un género que hoy en día busca nuevos códigos para reivindicarse. Funciona como entretenimiento inmediato, pero carece de cualquier tipo de resonancia. Es cine de consumo rápido, diseñado para ser olvidado con la misma facilidad con la que se ve.

Ficha de ‘Shelter: El protector’

Estreno en España: 27 de marzo de 2026. Título original: Shelter. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Ric Roman Waugh. Guion: Ward Parry. Música: David Buckley. Fotografía: Martin Ahlgren. Reparto principal: Jason Statham, Bill Nighy, Bodhi Rae Breathnach, Naomi Ackie, Daniel Mays. Producción: Black Bear, CineMachine Media Works, Eastern Film, Fire Hawk Productions, Punch Palace Productions, Quebec Film and Television Tax Credit, RVK Studios, Stampede Ventures. Distribución: Diamond Films. Género: acción. Web oficial.

Crítica: ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’

En qué plataforma ver Peaky Blinders: el hombre inmortal

Un crepúsculo con menos profundidad y más ruido

Tras seis temporadas que redefinieron el drama criminal televisivo hasta el punto de ser comparada con gigantes como ‘El padrino’ o ‘Los Soprano’, Peaky Blinders da el salto definitivo al cine con ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’, una película dirigida por Tom Harper (‘Wild Rose’) y escrita por su creador original, Steven Knight. Rodada en 2024, esta clausura cinematográfica no solo busca cerrar tramas o servir de relevo, sino encapsular el legado de una de las ficciones británicas más influyentes del siglo XXI.

Un regreso marcado por la guerra y la decadencia

La película retoma la historia de Tommy Shelby (uno de los papeles más icónicos de Cillian Murphy) en un momento de retiro autoimpuesto. Alejado del poder, escribe sus memorias mientras contempla los restos de un imperio que ya no reconoce como propio. Este punto de partida conecta directamente con el tono crepuscular que impregna todo el filme, ambientado en plena Segunda Guerra Mundial, donde la violencia ya no es solo un instrumento de poder, sino una consecuencia inevitable del derrumbe moral. Y con este toque histórico llega otro hecho, la serie ha llevado a sus personajes más allá de lo que fueron en la realidad, con este largometraje les otorga las sombras a las que la historia les condenó.

Harper y Knight optan por una narrativa más introspectiva, en la que el enemigo (como en cada temporada) vuelve a mutar, aunque aquí se diluye en una amenaza más abstracta y sistémica, profundamente ligada al contexto bélico europeo. Ya no hay una mafia concreta que derribar, el antagonista es el propio tiempo, la búsqueda de paz interior, la historia y el peso de las decisiones pasadas.

Visualmente, la película mantiene la estética que convirtió a la serie en un referente: encuadres estilizados, uso simbólico de la cámara lenta y una banda sonora anacrónica pero eficaz. Sin embargo, el paso al formato cinematográfico también impone limitaciones. Lo que antes se cocía a fuego lento ahora debe resolverse en poco más de dos horas, lo que afecta especialmente al desarrollo de conflictos secundarios y del desarrollo de nuevos personajes.

Un reparto ampliado para una despedida ambiciosa

Siguiendo la tradición de incorporar grandes nombres en cada temporada, esta película eleva la apuesta con la presencia de Rebecca Ferguson, Tim Roth, Sophie Rundle y Barry Keoghan, entre otros. A ellos se suma el regreso de Stephen Graham, consolidando un elenco de enorme peso interpretativo.

Especial mención merece Keoghan, quien da vida a Erasmus “Duke” Shelby en una versión más adulta del personaje. Su presencia no es anecdótica: Duke se convierte en una pieza clave del relato, representando la herencia más cruda y peligrosa de los Shelby. Su interpretación aporta una energía impredecible que contrasta con el agotamiento emocional de Tommy, generando un interesante relevo generacional.

No obstante, el filme también evidencia ciertas carencias estructurales. La progresiva desaparición de miembros clave de la familia Shelby obliga a introducir nuevos personajes y conflictos que, en algunos casos, se resuelven con giros que rozan lo telenovelesco. Esta sensación de urgencia narrativa impide que algunos secundarios alcancen la profundidad que sí tenían en la serie.

Entre la épica y la melancolía: un cierre imperfecto pero digno

‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’ es, ante todo, una elegía. Un relato sobre el desgaste, la culpa y la imposibilidad de escapar del propio legado. La película insiste en los temas que definieron la serie (familia, poder, traición y redención) pero los aborda desde una perspectiva más sombría y definitiva.

Uno de los aspectos más interesantes, es el esfuerzo por mantener más que nunca la autenticidad histórica: parte del vestuario se confeccionó utilizando técnicas tradicionales de sastrería británica, algunos exteriores se rodaron en localizaciones reales afectadas por bombardeos durante la guerra y la trama principal se basa en un hecho real de la II Guerra Mundial. Se refuerza así esa sensación de mundo en ruinas.

Sin embargo, la película no logra escapar del todo a la sensación de condensación. La psique de Tommy Shelby, uno de los personajes más complejos de la televisión reciente, ya había sido ampliamente explorada, y aquí se encuentra en una fase más contemplativa que transformadora. Esto puede resultar anticlimático para quienes esperaban una conclusión más explosiva, restando incluso emoción al cierre.

Aun así, el filme acierta al no traicionar su esencia. No busca un final complaciente, sino coherente con el universo que ha construido durante años. El precio del poder, parece decirnos, no es la muerte, sino la supervivencia. ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’ no alcanza del todo la grandeza sostenida de la serie, pero sí ofrece un cierre digno, cargado de simbolismo y con momentos de gran intensidad. Es una despedida que, como su protagonista, avanza entre las cenizas: imperfecta, agotada, pero imposible de ignorar.

Ficha de ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’

Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Título original: Peaky Blinders: The Immortal Man. Duración: 112 min. País: Reino Unido. Dirección: Tom Harper. Guion: Steven Knight. Música: Antony Genn, Martin Slattery. Fotografía: George Steel, Ben Wilson. Reparto principal: Cillian Murphy, Rebecca Ferguson, Tim Roth, Sophie Rundle, Barry Keoghan, Stephen Graham. Producción: Netflix, BBC. Distribución: Netflix. Género: drama, suspense. Web oficial.

Clip exclusivo de ‘Maigret y la muerte del embajador’

Primer vistazo al nuevo caso del mítico inspector que llega a cines el 27 de marzo

La adaptación cinematográfica de ‘Maigret y la muerte del embajador’ calienta motores antes de su llegada a salas, y tenemos la suerte de poder brindaros un clip exclusivo que adelanta el tono y la atmósfera de este nuevo caso protagonizado por el legendario comisario creado por Georges Simenon.

La película se estrenará en cines el próximo 27 de marzo de la mano de ADSO Films, tras su paso por la Sección Mosaico: Panorama Internacional del Festival de Málaga, que se celebró del 6 al 15 de marzo.

Un regreso al crimen clásico con el sello de Pascal Bonitzer

El encargado de dirigir esta nueva adaptación es Pascal Bonitzer, cineasta con una sólida trayectoria en el cine europeo y reconocido en festivales internacionales. Bonitzer recupera la esencia más pura del personaje de Maigret, alejándose del thriller moderno para apostar por una investigación más introspectiva y psicológica.

En palabras del propio director, la figura de Maigret representa “el fin de un mundo”, una forma de investigar previa al dominio de la tecnología forense y digital. Por ello, la historia se sitúa en un tiempo anterior a la omnipresencia de los smartphones e Internet, reforzando ese carácter clásico.

Denis Podalydès encabeza un reparto de alto nivel

El protagonista de la película es Denis Podalydès, quien da vida al icónico inspector en esta ocasión. El actor, nominado en cuatro ocasiones a los premios César, aporta una interpretación sobria y cargada de matices. Le acompañan nombres destacados del cine francés como Irène Jacob, Olivier Rabourdin, Anne Alvaro, Manuel Guillot, Dominique Reymond, Laurent Poitrenaux y Micha Lescot.

Un caso de intrigas diplomáticas y pasiones ocultas

Basada en la novela ‘Maigret et les Vieillards’, la trama arranca con el asesinato de un antiguo embajador francés. La investigación conducirá a Maigret a un entorno de secretos, relaciones ocultas y tensiones sociales, marcado por la relación sentimental entre la víctima y una princesa recientemente viuda.

Este nuevo caso promete recuperar la esencia del noir europeo más clásico, donde la psicología de los personajes es tan importante como la resolución del crimen.

Ya puedes ver el clip exclusivo de ‘Maigret y la muerte del embajador’

Un primer vistazo imprescindible para los amantes del cine policiaco clásico y de las adaptaciones literarias con personalidad propia.

Crítica: ‘Elon Musk al descubierto’

El sueño eléctrico del tecnofeudalismo y sus ovejitas

Dirigido por Andreas Pichler y conocido internacionalmente como ‘Elon Musk Unveiled: The Tesla Experiment’, este filme no es un retrato complaciente del magnate, sino una disección incómoda de la figura de Elon Musk y, sobre todo, del sistema que ha contribuido a construir. Lejos de la narrativa heroica que suele rodear al fundador de Tesla o SpaceX, la película se adentra en un territorio más cercano al cyberpunk distópico que al relato de innovación que tantas veces se ha vendido.

Una narrativa que desmonta el mito tecnológico

Pichler no intenta narrar el nacimiento del coche eléctrico, de hecho, se encarga de subrayar que Tesla no inventó esta tecnología, sino que centra su enfoque en algo mucho más inquietante: el control. El documental expone cómo una empresa puede moldear el discurso público, presionar instituciones y redefinir los límites de lo aceptable en nombre del progreso y a costa del rebaño que le sigue fielmente.

En este sentido, ‘Elon Musk al descubierto’ funciona como una advertencia. La acumulación masiva de datos (hablamos de volúmenes que superan con creces el concepto tradicional de Big Data) convierte a los vehículos en nodos de vigilancia permanente. Cada trayecto, cada frenada, cada error humano o mecánico se transforma en información procesable. Lo que el filme sugiere, apoyándose en testimonios y material documental, es que esta recolección no solo busca mejorar la tecnología, sino consolidar una posición de poder sin precedentes.

El material se nutre de filtraciones internas y testimonios recogidos durante años, en ocasiones bajo condiciones de anonimato. Este detalle refuerza la sensación de estar ante una obra que no solo informa, sino que revela. Y es que todo el reportaje gira en torno a una muerte, un accidente o fallo de sistema que desde el año pasado ha puesto en jaque la fiabilidad del famoso Autopilot.

Voces desde dentro: el coste humano del progreso

Uno de los mayores aciertos del documental es dar voz a empleados y ex-empleados de Tesla. Sus testimonios construyen un retrato de Musk alejado del visionario carismático: lo describen como alguien obsesionado con la perfección tecnológica, especialmente en proyectos vinculados a SpaceX, pero profundamente desconectado en lo humano hasta el punto de ser incapaz de hacer amigos de verdad.

Las declaraciones coinciden en un patrón: jornadas extenuantes, presión constante y una cultura corporativa donde el error no es una posibilidad, sino un paso necesario en un proceso de ensayo y error llevado al extremo. El problema, como subraya el film, es que ese “error” no siempre se queda en un laboratorio. En ocasiones, se traslada a la carretera.

Aquí es donde el documental golpea con más fuerza. Casos de “frenada fantasma” y “aceleración involuntaria”, fenómenos ampliamente discutidos por usuarios, son presentados con pruebas y testimonios. No como fallos anecdóticos, sino como síntomas de un sistema que experimenta en tiempo real con sus propios clientes. La idea es inquietante: los usuarios no son solo consumidores, sino participantes involuntarios en un experimento a escala global para mejorar un producto.

Tecnofeudalismo y legado: la historia que no se contará

‘Elon Musk al descubierto’ trasciende la figura de su protagonista para plantear una reflexión más amplia: vivimos en una era que podría definirse como tecnofeudalismo. Grandes corporaciones tecnológicas acumulan poder económico, informativo y político hasta niveles que rivalizan o superan ya a los estados.

El documental deja una pregunta en el aire: ¿cómo será recordado Elon Musk? Probablemente, como el impulsor del coche eléctrico moderno y una figura influyente en la política global, con conexiones que han llegado hasta Donald Trump en su etapa de presidente de los Estados Unidos. Pero lo que difícilmente aparecerá en los libros de historia son las historias individuales: trabajadores quemados, usuarios afectados, vidas alteradas por decisiones tomadas en despachos donde la ética parece secundaria frente a la innovación.

Pichler construye así un relato incómodo pero necesario. No demoniza la tecnología, pero sí cuestiona el sistema que la impulsa. Y en ese cuestionamiento reside su mayor valor: obligar al espectador a replantearse hasta qué punto estamos dispuestos a ceder control a cambio de progreso.

Ficha de ‘Elon Musk al descubierto’

Estreno en España: 20 de marzo de 2026. Título original: Elon Musk Unveiled: The Tesla Experiment. Duración: 90 min. País: Alemania. Dirección: Andreas Pichler. Guion: Andreas Pichler, Christian Beetz, Anne von Petersdorff. Música: Henning Fuchs. Fotografía: Tom Bergmann, Jakob Stark. Reparto principal: Elon Musk, John Bernal, Lukasz Krupski, Esben Pedersen. Producción: Beetz Brothers Film Production. Distribución: Filmin. Género: documental. Web oficial.

10 años de Moviementarios

Moviementarios, una década viviendo el cine desde dentro

Cumplir diez años en internet no es solo una cifra redonda: es una declaración de resistencia, constancia y, sobre todo, pasión. En Moviementarios llevamos una década sumergidos en el universo del cine y las series, construyendo un espacio que ha crecido sin renunciar a sus principios y llegando a los mismos lugares a los que muchos medios de comunicación solo llegan a través del dinero o a base de vender su objetividad periodística.

Una década dedicados al entretenimiento sin descanso

Si algo define este recorrido es el volumen y la dedicación. Durante estos diez años hemos visto centenares de películas cada año, explorando desde los grandes estrenos comerciales hasta propuestas independientes, cine de autor, festivales y plataformas.

No ha sido simplemente consumir contenido: ha sido analizarlo, reflexionarlo y compartirlo con una comunidad que también entiende el audiovisual como algo más que entretenimiento pasajero. Cada crítica, cada entrevista y cada cobertura ha sido fruto de horas de visionado y viajes con un criterio que hemos ido afinando con el tiempo. Y esta constancia y meticulosidad nos ha llevado a formar parte misma del cine en España participando de algún proyecto y siendo, por ejemplo, patrocinadores y/o jurados en CutreCon o CortoEspaña.

Llevar a cabo un repaso completo con todo lo que hemos vivido se nos hace inabarcable. Hemos hecho un vídeo con aquellos artistas que nos han marcado de alguna manera y a los que hemos conocido de manera estrecha. Pero hay muchos má. Mucho que podéis descubrir a través de los más de 9000 artículos publicados aquí y todo el contenido de nuestros canales o redes sociales.

Codo con codo con la industria audiovisual

Uno de los mayores privilegios de Moviementarios ha sido poder estar cerca de lo mejor del mundo audiovisual. A lo largo de estos años hemos coincidido con actores, actrices, directores y profesionales del sector que forman parte del presente y el futuro del cine.

Festivales, premieres, entrevistas y eventos nos han permitido no solo ver el cine desde fuera, sino también comprender cómo se construye desde dentro. Ese contacto directo ha enriquecido nuestra perspectiva y ha dado profundidad a los contenidos que publicamos.

Principios claros en un entorno que premia lo contrario

En una era dominada por la inmediatez y la viralidad, hemos tomado decisiones que no siempre juegan a favor del crecimiento rápido, pero sí de la coherencia.

Cero spoilers

  • Respetar la experiencia del espectador siempre ha sido una prioridad. Creemos que el cine debe vivirse sin interferencias, sin adelantar giros ni arruinar momentos clave.

Sin clickbait

  • Nunca hemos apostado por titulares engañosos o estrategias diseñadas para atraer clics a cualquier precio. Cada contenido intenta responder a lo que promete, sin trampas.

Fuera de polémicas artificiales

  • En un ecosistema donde generar conflicto suele traducirse en visibilidad, hemos optado por no entrar en guerras innecesarias ni debates vacíos diseñados únicamente para generar ruido.

¿El precio de mantener los principios?

Es posible que esta forma de hacer las cosas tenga una consecuencia evidente: no somos virales en el sentido más actual que tanto explotan los «creadores de contenido». No protagonizamos polémicas, no generamos controversias diseñadas para explotar en redes y no buscamos el impacto inmediato a cualquier coste.

Y quizá por eso no somos “famosos” en el ecosistema digital actual. Pero también es cierto que hemos construido algo más sólido: credibilidad, coherencia y una comunidad que valora precisamente eso. En un entorno donde todo es efímero, mantenerse fiel a una identidad durante diez años es, en sí mismo, un logro.

Mirando al futuro

Este décimo aniversario no es un punto final, sino un checkpoint para mirar atrás y tomar impulso. Seguiremos viendo cine, descubriendo historias y compartiendo contenido con el mismo enfoque que nos ha traído hasta aquí. Porque si algo hemos aprendido en esta década es que el verdadero valor no está en el ruido, sino en la constancia. Y en Moviementarios, eso nunca ha estado en duda.

A los que nos seguís, gracias por vuestro apoyo. A los que han intentado atacarnos en algún momento, lo de siempre, gracias por los insultos y perdón por el respeto.

mk2 cine Paz será el primero en proyectar ‘Kill Bill’ en 70mm

El cine madrileño se convierte en la única sala en programar la película de Tarantino

El emblemático mk2 Cine Paz da un paso histórico al convertirse en la primera sala de Madrid en proyectar películas en formato de 70mm, una tecnología que ofrece una calidad de imagen muy superior al estándar tradicional. Con esta iniciativa, el cine refuerza su apuesta por una experiencia cinematográfica más auténtica, combinando proyecciones digitales con el regreso del celuloide.

Fundado en 1943, el Cine Paz ya fue pionero en su momento en la exhibición en gran formato, y ahora recupera ese espíritu innovador posicionándose como un referente para los cinéfilos más exigentes de la capital. La iniciativa lo sitúa además como uno de los pocos espacios en toda España que mantienen vivo este tipo de proyección.

Kill Bill: The Whole Bloody Affair inaugura el formato

El arranque de estas sesiones especiales llegará con una proyección muy esperada: ‘Kill Bill: The Whole Bloody Affair’, la versión definitiva que unifica las dos entregas de la saga dirigida por Quentin Tarantino, el cual, acaba de estrenar una escena en el videojuego Fornite. Esta edición no solo presenta la historia como una única película, sino que incorpora metraje adicional nunca visto en salas, ofreciendo la visión más completa del director.

La proyección, distribuida por Elastica Films, supone un evento cinematográfico en sí mismo, especialmente al poder disfrutarse en 70mm, un formato que potencia la textura, el color y la profundidad de la imagen de manera única. Las entradas estarán disponibles a partir del 20 de marzo, mientras que las sesiones comenzarán el 10 de abril en versión original subtitulada.

Más títulos en camino, incluido lo nuevo de Christopher Nolan

La apuesta por el 70mm no se limitará a este título. Entre los próximos estrenos confirmados destaca ‘La Odisea’, el nuevo proyecto del aclamado director, conocido por su defensa del celuloide y de los formatos de gran resolución. Además, mk2 ha adelantado que su programación incluirá tanto clásicos como futuros estrenos en 70mm y 35mm, consolidando una oferta que combina innovación tecnológica con respeto por la tradición cinematográfica.

Una experiencia para cinéfilos en busca de autenticidad

La iniciativa refuerza el posicionamiento de mk2 como uno de los circuitos más comprometidos con la diversidad cultural y la experiencia en sala. Su lema, “Otra idea de cine”, cobra especial sentido con este tipo de propuestas, que buscan diferenciarse en un contexto dominado por el consumo digital.

Con esta apuesta, el mk2 Cine Paz no solo recupera una forma de ver cine prácticamente desaparecida, sino que la acerca a nuevas generaciones, convirtiéndose en un punto de encuentro imprescindible para quienes buscan redescubrir el séptimo arte en su forma más pura.