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Acerca de Furanu

De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.

Entrevista a Kim Yong-hoon director de ‘Nido de víboras’

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«Los personajes que se ven abocados a un sistema capitalista»

El 3 de diciembre llega a cines otra película coreana llamada a conquistar a los espectadores. ‘Nido de víboras’ (crítica aquí) está dirigida por Kim Yong-hoon y es un filme coral, con personajes miserables. Un largometraje mitad comedia negra mitad suspense con un entramado muy criminal y a merced del azar o las malas decisiones. En esta historia una bolsa de dinero aparece ante un modesto trabajador de un pequeño establecimiento. Todo gira en torno a ese botín y a aquellos que lo buscan o se cruzan en su camino.

El debutante Kim Yong-hoon es también el guionista de esta obra que surge de la novela de Keisuke Sone. Hemos tenido oportunidad de hablar con él y preguntarle por este nuevo estreno que nos acerca Festival Films.

¿Qué te atrajo de la novela para convertirla en la que además es tu primera película?

Era interesante que los personajes en situaciones desesperadas se vieran sacudidos por la codicia de un momento y se convirtieran en bestias, y que se resolvieran en una estructura no lineal que no seguía el orden cronológico.

Los personajes de la historia son del tipo oportunista y perdedor. ¿Cómo puede sobrevivir alguien a un nido de víboras como este?

Los personajes eran gente corriente en el pasado, y se encontraban en un estado en el que los cimientos de la vida no estaban rotos. Sin embargo, debido a sus propios defectos o a las circunstancias, se convirtieron en personas dispuestas a agarrarse a un clavo ardiendo después de haber caído al suelo y haberse visto obligadas a arrinconarse. Cuando estos personajes se convierten en bestias por la codicia del momento, creo que funciona la ley de la selva, que es el principio básico del mundo de las bestias. Creo que en el mundo de las bestias sobrevive el depredador más feroz.

Tu película tiene cierto grado de violencia, háblame de cómo está vista la violencia cinematográfica en Corea.

En Corea, la reacción estuvo dividida. Hubo gente que pensó que había menos violencia de la esperada y para algunos, era demasiado violenta y se sentían incómodos. Personalmente, pensé que era necesaria para desarrollar la historia. Es que no considero esta película como una película que sólo muestra violencia.

El cine coreano siempre nos ha traído buenas obras, pero… ¿por qué cree que ahora tiene tanto éxito fuera de sus fronteras?

Creo que es una combinación de varios factores. Corea comenzó a formar el sistema de la industria cuando el capital de las grandes empresas se apresuró a entrar, y gracias a esto, la buena mano de obra está entrando en la industria. Además, se han producido constantemente películas de bajo presupuesto que persiguen la originalidad, lo que ha contribuido a crear grandes cineastas.

En especial, creo que directores como BONG Joon-ho (‘Parásitos’), PARK Chan-wook (‘Old boy’), KIM Ki-duk (‘Hierro 3’), KIM Ji-woon (‘Dos hermanas’) y HONG Sang-soo (‘Ahora sí, antes no’), que han construido su propio mundo y estilo, han influido mucho en el cine coreano desde principios del 2000.

¿Crees que la buena acogida internacional de esta película guarda relación con otros éxitos violentos o llenos de miseria como ‘Old boy’, ‘Parásitos’ o ‘El juego del calamar’?

Parecen tener similitudes en cuanto al tratamiento de personajes que se ven abocados a un sistema capitalista.

Viendo la película me han venido a la cabeza películas como ‘Pulp Fiction’ y ‘Quemar después de leer’. ¿Son Tarantino y los Coen referentes para ti?

Personalmente, son directores que admiro. Creo que ver sus películas una y otra vez me afectó de alguna manera y salió en la película.

¿Ha servido la bolsa de dinero como objeto metafórico del sueño de ser director que sientes tú mismo?

Si consideras la bolsa de dinero como el medio de querer agarrarte a un clavo ardiendo, puede que lo veas así. Pero yo no me lo planteé desde esa razón mientras hacía la película.

Muchas gracias a Kim Yong-hoon por una película que nos a agradado tanto y por su tiempo al responder a estas preguntas.

Análisis del Blu-ray de ‘Tiempo’

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No perdáis el tiempo si os gustó en cines

Para muchos el thriller fantástico ‘Tiempo’ supuso la vuelta del Shyamalan misterioso y tenso, pero para otros resultó ser una película episódica y demasiado reiterativa en su final, excesivamente explicativa. Sea como fuere acaparó muchos seguidores que ahora se alegrarán de poder comprarla en formato físico.

El filme sale del cómic titulado ‘Castillos de arena’ una obra que ni se menciona en los extras pero que sirve de base clara. La película acaba teniendo un toque más de ciencia ficción distanciándose del mensaje de fábula de la obra en formato papel pero igualmente abraza la fugacidad de la vida y el carpe diem.

La película está protagonizada por un elenco de actores nada pequeño que además tiene sus otras versiones. Si no habéis visto el filme no tardaréis en descubrir a qué se debe esto. Desde luego no volveréis a mirar una cala, por paradisiaca que sea, de la misma manera.

En el menú del filme podemos ver el cartel que nos muestra un plano cenital de una de las protagonistas con su gorro a la orilla de la playa. Es un menú sencillo, fácil de manejar, aunque luce los ya clásicos iconos para movernos entre opciones, extras o escenas, un poco ambiguos. El disco de la película está serigrafiado con el mismo cartel, no es habitual ya tener el disco con una imagen grabada.

Con esta edición se puede ver la película en 2.39:1 widescreen pudiendo escoger audios en inglés Dolby Atmos, Castellano, Francés e Italiano Dolby Digital Plus 7.1. Los subtítulos están habilitados para Inglés para sordos, Castellano, Francés, Italiano, Portugués, Danés, Holandés, Finés, Noruego y Sueco.

Extras (40 min. aprox.)

Escenas eliminadas (8:16 min.)

Un clásico entre los extras del formato físico. Escenas que no entraron en el montaje final, como una nueva escena más parecida al cómic o distintos encontronazos. Hasta un total de 10 escenas.

Pesadillas en el paraíso (7:27 min.)

La localización para esta película llevo al equipo de producción a patearse todo el mundo. Una vez en el escenario natural, irónicamente, el tiempo (cronológico y medioambiental) corrió en contra del equipo de rodaje. Toda una pesadilla para director y productores. Muy bonito el tema de los perros.

Un momento en familia (6:18 min.)

Una de las escenas de pérdida fue vivida con mucha intensidad por el reparto, si habéis visto la película probablemente sepáis a cuál me refiero.

La playa como escenario (9:37 min.)

Shyamalan es muy meticuloso con la preparación de sus películas. Con ‘Tiempo’ una obra que transcurre totalmente en un escenario natural no quería dejar nada al azar… pero… no puede hacer nada para evitar las improvisaciones.

Negocios de la familia Shyamalan (8:05 min.)

Shyamalan cuenta el objetivo de su película, el cómo cree que es necesario transmitir el mensaje de vivir el momento. Tras sus palabras conocemos las impresiones de Ishani Shyamalan la cual ha ejercido de segunda en la dirección.

Nominados a los Feroz 2022

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El ‘Buen patrón’, ‘Maixabel’ y ‘Madres paralelas’ las más nominadas

Durante el día de ayer se anunciaron los nominados a los Premios Feroz 2022. Se celebró una rueda de prensa en el Auditorio de Zaragoza, lugar que acogerá la ceremonia de entrega de los galardones el próximo 29 de enero. Al acto acudieron la presencia de la vicealcaldesa de Zaragoza, Sara Fernández, y la presidenta de la Asociación de Informadores Cinematográficos de España, María Guerra. Junto a ellas los encargados de leer la lista, que fueron los actores Elena Rivera y Brays Efe.

En los apartados de cine, la película de Fernando León de Aranoa ‘El buen patrón’ suma nueve nominaciones, igualando así el récord establecido por ‘La novia’ en la edición de 2016. ‘El buen patrón’ aspira a los premios a mejor comedia, dirección y guion (ambos de León de Aranoa), actor protagonista (Javier Bardem), actores de reparto (Celso Bugallo, Manolo Solo y Almudena Amor), música original (Zeltia Montes), y tráiler (Maurits Malschaert, Mick Aerts).

Le siguen de cerca ‘Madres paralelas’, de Pedro Almodóvar; y ‘Maixabel’, de Icíar Bollaín, ambas con ocho candidaturas como mejor película dramática, dirección, actrices protagonistas (Penélope Cruz y Blanca Portillo, respectivamente) y música original, ambas de Alberto Iglesias. En el caso de la cinta de Almodóvar, también aspiran a la estatuilla Aitana Sánchez-Gijón y Milena Smit como actrices de reparto, así como mejor tráiler (Alberto Leal) y cartel (Javier Jaén). Mientras, el largometraje de Bollaín opta a mejor guion (escrito por la propia directora junto a Isa Campo), actor protagonista (Luis Tosar) y de reparto (Urko Olazabal) así como mejor tráiler (Rafa Martínez).

‘Libertad’, de Clara Roquet, ha logrado cuatro nominaciones: mejor película dramática, dirección, guion (ambos firmados por Clara Roquet) y cartel (Jordi Trilla). Con tres candidaturas figuran dos películas: ‘El amor en su lugar’, de Rodrigo Cortés, también nominada a mejor dirección, guion (del propio Cortés y el escritor alemán David Safier) y música (Víctor Reyes); y ’Tres’, de Juanjo Jiménez, que compite por los galardones de mejor película dramática, actriz (Marta Nieto) y guion (obra de Jiménez junto a Pere Altimira).

En los apartados de series, dos comedias lideran la competición con cuatro nominaciones cada una: ‘Reyes de la noche’, de Adolfo Valor y Cristóbal Garrido, que además de mejor comedia aspira a mejor actor (Javier Gutiérrez), mejor actriz y actor de reparto (Itsaso Arana y Alberto San Juan); y ‘Venga Juan’, de Diego San José, cuya anterior entrega, ‘Vamos Juan’, logró el Feroz a mejor comedia en la pasada edición. Su protagonista, Javier Cámara (Feroz al mejor actor por la primera temporada, ‘Vota Juan’), también compite por el galardón como protagonista junto a María Pujalte y Adam Jezierski  como mejores actores de reparto.

Completan las candidaturas a mejor serie de comedia ‘Maricón perdido’, de Bob Pop, que también ha merecido nominaciones para Candela Peña y Miguel Rellán como actores de reparto; y ‘Vida perfecta’, de Leticia Dolera, con la que Enric Auquer vuelve a competir por el Feroz a mejor actor de reparto que ya obtuvo hace dos años. La categoría incluye cuatro títulos en lugar de los cinco habituales porque las reglas de los premios limitan el número de candidatas al estar inscritas menos de 20 series en este apartado.

Los títulos finalistas a la mejor serie dramática son ‘Cardo’, de Ana Rujas y Claudia Costafreda, que aspira también a ganar el Feroz a la mejor actriz con la propia Ana Rujas y a mejor actriz de reparto con Yolanda Ramos; ‘La Fortuna’, de Alejandro Amenábar, que ha conseguido además nominaciones para Ana Polvorosa como actriz protagonista y Karra Elejalde como actor de reparto; ‘Historias para no dormir’, de Alejandro Ibáñez y David García; ‘El tiempo que te doy’, de Nadia de Santiago, Pablo Santidrián e Inés Pintor, que también consiguen nominaciones como mejor actriz y actor protagonistas, la propia Nadia de Santiago y Álvaro Cervantes; y ‘Hierro’, de Pepe Coira, que también tiene a sus dos actores principales nominados, Candela Peña –que ya obtuvo el Feroz con la primera temporada de esta serie y Darío Grandinetti.

Mejor película dramática

‘Espíritu sagrado’. Producida por Miguel Molina, Leire Apellaniz, Marina Perales, Enes Erbay
‘Libertad’. Producida por Sergi Moreno, Maria Zamora, Tono Folguera, Stefan Schmitz
‘Madres paralelas’. Producida por Agustín Almodóvar, Esther García
‘Maixabel’. Producida por Koldo Zuazua, Juan Moreno, Guillermo Sempere
‘Tres’. Producida por Luisa Romeo

Mejor película de comedia

‘El buen patrón’. Producida por Fernando León de Aranoa, Jaume Roures, Javier Méndez Zori
‘Chavalas’. Producida por Miguel Torrente Gómez, Bin Fang
‘El cover’. Producida por Kiko Martínez
‘Sis dies corrientes’. Producida por Miriam Porté
‘Un efecto óptico’. Producida por Juan Cavestany, Alicia Yubero

Mejor dirección

Pedro Almodóvar por ‘Madres paralelas’
Icíar Bollaín por ‘Maixabel’
Rodrigo Cortés por ‘El amor en su lugar (Love Gets a Room)’
Fernando León de Aranoa por ‘El buen patrón’
Clara Roquet por ‘Libertad’

Mejor actriz protagonista de una película

Tamara Casellas por ‘Ama’
Penélope Cruz por ‘Madres paralelas’
Petra Martínez por ‘La vida era eso’
Marta Nieto por ‘Tres’
Blanca Portillo por ‘Maixabel’

Mejor actor protagonista de una película

Roberto Álamo por ‘Josefina’
Javier Bardem por ‘El buen patrón’
Ricardo Gómez por ‘El sustituto’
Eduard Fernández por ‘Mediterráneo’
Luis Tosar por ‘Maixabel’

Mejor actriz de reparto de una película

Almudena Amor por ‘El buen patrón’
Anna Castillo por ‘La vida era eso’’
Aitana Sánchez-Gijón por ‘Madres paralelas’
Milena Smit por ‘Madres paralelas’
Carolina Yuste por ‘Chavalas’

Mejor actor de reparto de una película

Celso Bugallo por ‘El buen patrón’
Urko Olazabal por ‘Maixabel’
Pere Ponce por ‘El sustituto’
Chechu Salgado por ‘Las leyes de la frontera’
Manolo Solo por ‘El buen patrón’

Mejor guión

Rodrigo Cortés, David Safier por ‘El amor en su lugar (Love Gets a Room)’
Fernando León de Aranoa por ‘El buen patrón’
Clara Roquet por ‘Libertad’
Isa Campo, Icíar Bollaín por ‘Maixabel’
Juanjo Giménez, Pere Altimira por ‘Tres’

Mejor música original

Víctor Reyes por ‘El amor en su lugar (Love Gets a Room)’
Zeltia Montes por ‘El buen patrón’
Vetusta Morla por ‘La hija’
Alberto Iglesias por ‘Madres paralelas’
Alberto Iglesias por ‘Maixabel’

Premio Feroz Cinetools al mejor tráiler

Miguel Ángel Trudu por ‘La abuela’
Maurits Malschaert, Mick Aerts por ‘El buen patrón’
Miguel Ángel Sanantonio por ‘Las leyes de la frontera’
Alberto Leal por ‘Madres paralelas’
Rafa Martínez por ‘Maixabel’

Mejor cartel

Octavio Terol, Jorge Alvariño por ‘La abuela’
Beatriz Riber, Santiago Cubides por ‘Destello bravío’
Pablo Sánchez por ‘Dos’
Jordi Trilla por ‘Libertad’
Javier Jaén por el cartel A de ‘Madres paralelas’

Mejor serie dramática

‘Cardo’. Creada por Ana Rujas, Claudia Costafreda
‘La Fortuna’. Creada por Alejandro Amenábar
‘Hierro’. Creada por Pepe Coira
‘Historias para no dormir’. Creada por Alejandro Ibáñez, Victor García
‘El tiempo que te doy’. Creada por Nadia de Santiago, Pablo Santidrián, Inés Pintor

Mejor serie de comedia

‘Maricón perdido’. Creada por Bob Pop
‘Reyes de la noche’. Creada por Adolfo Valor, Cristóbal Garrido
‘Venga Juan’. Creada por Diego San José
‘Vida perfecta’. Creada por Leticia Dolera

Mejor actriz protagonista de una serie

Candela Peña por ‘Hierro’
Ana Polvorosa por ‘La Fortuna’
Ana Rujas por ‘Cardo’
Nadia de Santiago por ‘El tiempo que te doy’
Maribel Verdú por ‘Ana Tramel. El Juego’

Mejor actor protagonista de una serie

Javier Cámara por ‘Venga Juan’
Álvaro Cervantes por ‘El tiempo que te doy’
Darío Grandinetti por ‘Hierro’
Daniel Grao por ‘Hit’
Javier Gutiérrez por ‘Reyes de la noche’

Mejor actriz de reparto de una serie

Itsaso Arana por ‘Reyes de la noche’
Najwa Nimri por ‘La casa de papel’
Candela Peña por ‘Maricón perdido’
María Pujalte por ‘Venga Juan’
Yolanda Ramos por ‘Cardo’

Mejor actor de reparto de una serie

Enric Auquer por ‘Vida perfecta’
Karra Elejalde por ‘La Fortuna’
Adam Jezierski por ‘Venga Juan’
Miguel Rellán por ‘Maricón perdido’
Alberto San Juan por ‘Reyes de la noche’

Premio Feroz Arrebato de Ficción
[Fecha de anuncio: 21 de diciembre]
Premio Feroz Arrebato de No Ficción
[Fecha de anuncio: 21 de diciembre]

Tráiler de ‘DC Liga de Supermascotas’

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Dwayne Johnson pone voz a Krypto

Dar vida al personaje Black Adam no es lo único que Dwayne Johnson va a hacer para el matrimonio DC/Warner. También pone voz a Krypto, el Superperro. Y lo hace en la nueva película de animación ‘DC Liga de Supermascotas’, el largometraje de acción y aventuras dirigido por Jared Stern el guionista de películas como ‘Los amos del barrio’ o ‘Batman: la LEGO película’.

Este filme que fue anunciado durante el último DC Fandome llegará a cines el 20 de mayo de 2022 para contar como Krypto el Superperro usa los mismos poderes de para salvar al hombre de acero. Para ello convence a una pandilla callejera de lo más heterogénea (Ace el Bati-sabueso, CV la Cerdita Vietnamita, Merton la Tortuga y Chip la Ardilla). Entre todos han de salvar a todos los superhéroes de Metrópolis.

‘DC Liga de Supermascotas’ está producida por Patricia Hicks, Dwayne Johnson, Dany García, Hiram García y Jared Stern. Los productores ejecutivos son John Requa, Glenn Ficarra, Nicholas Stoller, Allison Abbate, Chris Leahy, Sharon Taylor y Courtenay Valenti. El equipo creativo de Stern incluye al diseñador de producción Kim Taylor y los montadores David Egan y Jhoanne Reyes. La música es obra de Steve Jablonsky.

Crítica: ‘La casa de Gucci’

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Sinopsis

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Inspirada en la impactante historia real del emporio familiar tras la legendaria firma de moda italiana, ‘La casa de Gucci’ nos descubre, a lo largo de tres décadas de amor, traición, decadencia, venganza y, en último término, asesinato, el verdadero significado de un apellido, su valor y lo lejos que puede llegar una familia para hacerse con su control.

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Crítica

‘Falcon Crest’ en plan caro

Ridley Scott vuelve a salirse de la ciencia ficción y la fantasía y nos cuenta una historia real como ya hizo en ‘Todo el dinero del mundo’. Me temía que al ser una historia llena de ostentación y extravagancia cayese en los errores de aquella aberración que se llamó ‘El consejero’ pero en ‘La casa de Gucci’ domina más la elegancia.

Mauricio Gucci y Parrizia Reggiani son los protagonistas de la historia de un imperio devorado por elegantes hienas con alma de camorrista. Una guerra que se alarga a hoy en día pues la esposa y verdugo de Mauricio está disputándose el legado contra sus propias hijas. La historia de ‘La casa de Gucci’ parece de telenovela pero ocurrió así. Las traiciones, desamores o acciones emprendidas por los personajes de la película tuvieron lugar en la realidad. Una familia tipo ‘Dinastía’, con sus abuelos, tíos y parejas se disputan un multimillonario patrimonio, haciendo lo que sea para no caer en la miseria.

Igual de multimillonario es el reparto y por desgracia ahí vienen los problemas del filme. La película es más bien una herramienta divulgativa, no tiene enjundia ni es punzante. Personalmente solo me parece interesante cuando nos alejamos del salseo sentimental y el filme se inclina a lo meramente empresarial. Y me imagino que para poder poner ahí el logo de Gucci han tenido que llegar a un acuerdo comercial, y claro, no puedes morder la mano que te da de comer. Una prueba de ello son los anuncios que Jared Leto ha hecho para la marca. Sin duda esta producción en manos independientes habría tenido más mordiente y realismo.

Ciertamente la película tiene mucho sabor italiano y más que habría tenido de haberse rodado con actores del país con firma de bota. Si la hubiese hecho Scorsese probablemente estaríamos hablando de una cinta mucho más centrada en las maneras de la vieja escuela de la que viene Gucci y también en lo delictivo además de que sería más larga, aún más. Ese sabor a la Italia de la Toscana nos lo da sobre todo Lady Gaga. La cantante hace una interpretación para nominaciones. No me la imaginaba convertida en toda una señorona italiana de los ochenta. Pero además se alza como la gran villana de ‘La casa de Gucci’. Si no conoces la historia real piensas con sentimiento de culpa y prejuicios que es una buscona o una lagarta que tiene un clarísimo plan en mente. Pero tanto el largometraje como los hechos reales que se han dado en los últimos años te dan la razón.

Otro que igualmente está para lanzarle estatuillas sin parar es Leto. También con un trabajazo de acento y aún más de maquillaje interpreta al excéntrico Paolo Gucci. Un papel de lo más raro y complejo que le viene como anillo al dedo y tras el que se esconde sin ser reconocido, a no ser que leas su nombre en los créditos. Con ese personaje vivimos otras de las incongruencias de ‘La casa de Gucci’. ¿Es un biopic serio o es paródico? Me parecen ridículas algunas de las escenas de Paolo y toda la parte de Salma Hayek, pero claro, son indispensables en esta historia que si tiene momentazos o frases a recordar, la mayoría de las mejores para Pacino. A veces da la impresión de que Scott solo quiere reírse de este clan indispensable en la moda del siglo XX pero en otras parece que quiere mantener un hermetismo excesivamente respetuoso.

Obviamente Adam Driver acapara mucha parte de la película, si no el que más. Su personaje aboga por una vida sencilla, no sé si sería así realmente, pero acaba defendiendo su herencia como un perro acorralado. Aunque no se le parece el actor tiene la elegancia y el porte que pide tan sofisticado apellido.

La película a veces tiene esa distinción del imperio italiano y quizá por eso su mayoría guarda demasiado las formas. Tiene trapos sucios, intrigas, manipulación, pero como comentaba son más propias de ‘Falcon Crest’ o ‘Dinastía’. La película no tiene méritos cinematográficos más allá de las interpretaciones que he comentado, alguna escena como el primer cara a cara entre Irons y Pacino y el diseño de vestuario que se postula frente a ‘Spencer’ como uno de los candidatos al Oscar.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Título original: House of Gucci. Duración: 150 min. País: EE.UU. Dirección: Ridley Scott. Guion: Roberto Bentivegna, Becky Johnson. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Dariusz Wolski. Reparto principal: Lady Gaga, Adam Driver, Jared Leto, Al Pacino, Jeremy Irons, Salma Hayek, Jack Huston, Reeve Carney, Camille Cottin, Youssef Kerkour, Madalina Ghenea. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer, Scott Free Productions, Bron Studios. Distribución: Universal Pictures. Género: hechos reales, drama. Web oficial: https://www.unitedartistsreleasing.com/house-of-gucci/

Tráiler de ‘Belfast’

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Estreno el 28 de enero

Ya podemos ver el tráiler de ‘Belfast’. Una película que nos vuelve a traer al actor Kenneth Branagh tras las cámaras después de haber estrenado ‘El último acto’, ‘Asesinato en el Orient Express’ y estar preparando ‘Muerte en el Nilo’. El propio Branagh define ‘Belfast’ como su trabajo más personal.

‘Belfast’ está protagonizada por Jamie Dornan, Caitriona Balfe, Jude Hill, Judi Dench y Josie Walker. Recientemente ganó el premio del público del Festival de Toronto tras su presentación en el Festival de Telluride y ha clausurado el Festival Europeo de Cine de Sevilla.

Universal Pictures  la estrenará en cines españoles el 28 de enero.

Sinopsis oficial: 

En el verano de 1969, Buddy, un muchacho de nueve años, sabe exactamente quién es y cuál es su lugar. Es un niño de clase obrera, del norte de Belfast, que se siente feliz, amado y seguro. Su mundo es un torbellino de vida y diversión en las calles de una comunidad que ríe y permanece unida.

Una comunidad donde todos sus familiares viven en la misma calle y donde es imposible perderse, porque todo el mundo en Belfast se conoce, o al menos eso parece. Y, en cada minuto de tiempo libre que tiene, la oscuridad de los cines o el televisor proyectan las películas y los programas estadounidenses, que son la embriagadora divisa que hace viajar la vida interior y los sueños de Buddy.

Pero, cuando los años sesenta tocan su fin, mientras el hombre llega a la mismísima luna, un caluroso mes de agosto convierte los sueños de infancia de Buddy en una pesadilla. El descontento social acumulado de pronto estalla en la propia calle de Buddy y la situación se intensifica rápidamente. Primero, un ataque enmascarado, luego disturbios y, por último, un conflicto que se extiende por toda la ciudad, avivando las llamas más allá de la capital. Católicos contra protestantes, los que hasta hace un instante eran vecinos cordiales y amorosos, se convierten de pronto en enemigos mortales.

Buddy intentará entender el caos y la histeria de una nueva situación de aislamiento poblada de héroes y villanos que hasta entonces solo había conocido en la gran pantalla, pero que ahora amenaza con corromper todo lo que conoce y ama en un enfrentamiento épico en su propio entorno.

Su madre trata de lidiar con la situación mientras su padre trabaja lejos de casa, en Inglaterra, tratando de ganar lo suficiente para mantener a la familia. Se impone la ley de las patrullas urbanas, y las vidas inocentes se ven amenazadas. Buddy sabe lo que esperar de sus héroes; se ha pasado horas viendo westerns como ‘Solo ante el peligro’ y ‘El hombre que mató a Liberty Valance’, pero ¿podrá ser su padre ese héroe que él necesita? ¿Sacrificará su madre su pasado para proteger el futuro de la familia? ¿Cómo podrán sus queridos abuelos mantenerse a salvo? ¿Y cómo podrá amar a la chica de sus sueños?

Buddy hallará las respuestas a lo largo de un fascinante, divertido, conmovedor y descorazonador viaje a través de disturbios, violencia, la alegría y la desesperación de las relaciones familiares, junto con la agonía del primer amor… Todo ello acompañado de un nivel de baile, música y risa que solo los irlandeses son capaces de desplegar cuando el mundo se pone del revés.

Porque… ¿Qué otra cosa puede hacer Buddy? Este es su único mundo. Esto es Belfast.

Movistar+ estrenará ‘The Responder’, con Martin Freeman

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La historia de un policía en sus cada vez más tensos turnos nocturnos

‘The Responder’ es un drama centrado en temas universales como la moral, el amor, la pérdida y la adversidad, con Martin Freeman como nunca antes lo habíamos visto, en un personaje muy diferente a otros que haya interpretado anteriormente.

Este drama de seis episodios está inspirado en las experiencias reales del ex policía y escritor Tony Schumacher. La acción se desarrollará a lo largo de una semana de turnos nocturnos, cada vez más tensos y que les cambiará la vida a él y a su nueva compañera novata (Adelayo Adedayo, ‘Londres: distrito criminal’)..

Junto a Martin Freeman (‘Fargo’, ‘El Hobbit’, ‘Sherlock’) y Adelayo Adedayo (‘Londres: ciudad criminal’, ‘Timewasters’; ‘The Capture’), la miniserie cuenta con un reparto de talla mundial, entre los que se encuentran: Ian Hart (‘Tin Star’, ‘The Last Kingdom’, ‘The Terror’); MyAnna Buring (‘Muerte en Salisbury’, ‘The Witcher’, ‘Ripper Street’); Kerrie Hayes (‘Tin Star’, ‘Un juego de caballeros’, ‘The Mill’); Warren Brown (‘Luther’, ‘Liar’, ‘Strike Back’); David Bradley (‘Afterlife’, ‘Brittania’, ‘Broadchurch’, ‘The Strain’) y Rita Tushingham (‘Ridley Road’, ‘El misterio de Pale Horse’, ‘In the Flesh’) junto a los recién llegados Josh Finan y Emily Fairn.

‘The Responder’ está escrita por Tony Schumacher y producida por Dancing Ledge Productions, parte de Fremantle, originalmente para BBC One. Está dirigida por Tim Mielants (‘The Terror’, ‘Legión’, ‘Peaky Blinders’) y producida por Rebecca Ferguson (‘El escándalo de Christine Keeler’, ‘Cold Feet’, ‘Next of Kin’). Laurence Bowen, ganador del premio BAFTA, es el productor ejecutivo de Dancing Ledge Productions, junto con Chris Carey, y Mona Qureshi para BBC One.

La miniserie de seis episodios se estrenará en Movistar+ a comienzos de 2022.

Sinopsis oficial:

Chris (Martin Freeman) es un agente de emergencias poco convencional, moralmente comprometido, que afronta una serie de turnos nocturnos en las peligrosas calles de Liverpool. Noche tras noche se enfrenta a la delincuencia, la violencia y la adicción, mientras lucha contra sus demonios personales que amenazan con desestabilizar su trabajo, su matrimonio y su salud mental. Mientras intenta mantenerse a flote tanto personal como profesionalmente, Chris se ve obligado a contratar a una nueva compañera novata, Rachel (Adelayo Adedayo). Ambos pronto descubren que la supervivencia en este implacable mundo nocturno dependerá de que se ayuden o se destruyan mutuamente.

José Sacristán recibirá el Goya de Honor 2022

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La Academia rendirá homenaje a uno de sus fundadores

Con sus gestos, silencios, posturas y palabras comunica su pasión por contar historias, por ponerse la máscara como cuando se divertía de niño. José Sacristán, que lleva más de sesenta años «jugando con responsabilidad» en cine, teatro y televisión, recibirá el Goya de Honor el próximo 12 de febrero en Les Arts de València.

«Mi carrera ha sido el gozo del crío que ha visto cumplido su propósito, el de hacer creer a la gente que era el estudiante, el pregonero, el recluta, el emigrante, el abogado, el médico… y que la gente se lo creyera. Y la suerte de que en todo este recorrido mis mejores amigos y la gente más querida para mi, al margen de mi familia, está en la profesión. ¡Qué más puedo pedir!», manifestó el actor al conocer la noticia.

La Junta Directiva de la Academia ha decidido otorgar este premio honorífico al veterano y querido actor «por ser un modelo de entrega, pasión, ética y profesionalidad para todos los cineastas jóvenes. Por ser el rostro y la voz del cine español de las últimas seis décadas. Por saber representarnos de forma única en tantos títulos inolvidables que forman parte de nuestra memoria íntima. Y por haber sabido adelantar desde el reflejo que nos ha devuelto en la pantalla algunos de los grandes cambios que hemos vivido en nuestro cine y en nuestra sociedad».

Sacristán, que fue uno de los fundadores de la Academia hace ahora 36 años, confesó que lo primero que pensó, cuando le comunicaron el premio, fue «en la reunión que en 1985 nos propuso el señor Matas –el productor Alfredo Matas–  y lo que salió de allí y todo lo que hubo que trabajar después. Recordé los comienzos, mis tiempos de vicepresidente, la lucha… Me siento muy orgulloso del punto en el que está ahora la Academia».

«Muy emocionado» por el Goya de Honor –»la cosecha está siendo buena. Van pasando los años y me pone muy contento porque algo informa de que el camino no estaba tan equivocado»–, tiene «más o menos» previsto el discurso que pronunciará en Valencia. Y da una pista: «echaré una ojeada al sitio y a la gente de donde vengo».

La continuidad en el trabajo es el gran éxito de Sacristán (Chinchón, 1937), un profesional con discurso y compromiso político que se siente joven porque tiene curiosidad y conserva esa parte del juego y del trabajo en equipo que es el cine. «Lo de la continuidad me lo enseñó Fernando Fernán-Gómez. Luego, cuantos más reconocimientos y más cosas tengas, mejor, pero lo fundamental es la aprobación o no de mi trabajo por la gente que lo compra».

Sabe que la profesión es insegura y reconoce que «sería un miserable si me quejase porque nunca me ha faltado trabajo. En ocasiones, lo que ganaba no era suficiente para cubrir mis obligaciones, pero ese era mi problema. Me lo he currado, pero hay un factor suerte que me ha acompañado. Reconozco y agradezco el privilegio, no se me escapa», subraya.

En el año en que celebramos el centenario de los maestros Berlanga y Fernán-Gómez, llega el Goya de Honor para este actor que creó para ambos personajes inolvidables, y que también compartió su talento con tantos otros grandes nombres del cine español.

Debutó en el cine con Fernando Palacios en La familia… y uno más, y, hasta el momento, su última aparición en la gran pantalla es con Fernando Colomo en Cuidado con lo que deseas. Y entre Palacios y Colomo ha trabajado con Mario Camus, Roberto Bodegas, Pedro Olea, Gonzalo Suárez, José Luis Garci, Adolfo Aristarain, Pilar Miró, Eloy de la Iglesia, Manuel Gutiérrez Aragón, Pedro Lázaga, Mariano Ozores, Jaime Camino, Gillo Pontecorvo, Pedro Masó, Francisco Regueiro, David Trueba…Una extensa lista a la que se suman nuevas generaciones de cineastas como Javier Rebollo, Pau Durà, José Skaf, Kike Maíllo, Isaki Lacuesta, Carlos Vermut y Bernabé Rico.

Sacristán ha participado en más de 125 películas, algunas de ellas muy populares como Don erre que erre, La tonta del bote, Soltera y madre en la vida, Vente a Alemania, Pepe, El abuelo tiene un plan…»que fueron mi escuela de trabajo y de vida. Ahí aprendí lo poco o mucho que sé», ha manifestado el actor, que también se ha puesto detrás de la cámara en Soldados de plomo, Cara de acelga y Yo me bajo en la próxima, ¿y usted? .

Ha sido reconocido con el Premio Nacional de Cinematografía, dos Conchas de Plata del Festival de San Sebastián, el Goya al Mejor Actor Protagonista (El muerto y ser feliz), el Cóndor de Plata de Honor, el Premio Feroz de Honor, la Medalla de Honor del Círculo de Escritores Cinematográficos, la Medalla al Mérito de las Bellas Artes y varios Fotogramas de Plata. El Goya de Honor 2022 está de gira con Señora de rojo sobre fondo gris, obra de teatro que representará hasta junio del próximo año, cuando también tiene en cartera un espectáculo en Mérida. «Mientras la madre naturaleza lo autorice, ahí seguiremos, jugando», apostilla. «Con responsabilidad», precisa.

Crítica: ‘Resident Evil: bienvenidos a Raccoon City’

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Sinopsis

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Volviendo a los orígenes de la tremendamente popular franquicia ‘Resident Evil’, Johannes Roberts, fan y cineasta, vuelve a dar vida a los juegos para una completa nueva generación de seguidores. En ‘Resident Evil: bienvenidos a raccoon city’, la que fue una pujante ciudad sede del gigante farmacéutico Umbrella Corporation, Raccoon City, es ahora un pueblo agonizante del Medio Oeste. El éxodo de la compañía dejó a la ciudad convertida en un erial… con un gran mal gestándose bajo la superficie. Cuando ese mal se desata, un grupo de supervivientes deben unirse para destapar la verdad detrás de Umbrella y sobrevivir a la noche.

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Crítica

Mucho mejor ambientada, pero muy atropellada

Johannes Roberts es el director de esta nueva versión cinematográfica de ‘Resident Evil’ que fue anunciada cuando aún estábamos viendo en cines ‘Resident Evil: El capítulo final’. Podríamos decir que este es un reboot pero la verdad es que las adaptaciones de la saga de videojuegos ‘Resident Evil’ se han estado orientando por otros derroteros desde el mundo de la animación. Esas películas con dibujos hechos por ordenador son mucho más canonicas que todas las que han surgido de acción real, incluida esta última.

El director de ’47 meters down’ o ‘Los extraños: cacería nocturna’ es el encargado de intentar lograr mayor similitud con los videojuegos. Y en parte lo consigue, pero no del todo. Me imagino a los directores de casting y los miembros de las productoras partiéndose la caja con la decisión de no escoger actores parecidos a los personajes del juego y el marketing viral que se les hace solo en las redes. Pero tendrían que haber pensado si el reparto va a cumplir con cierto nivel, que aunque esto sea la adaptación de un juego de matar zombies hay cierto fandom al que satisfacer y espectadores que respetar. Hay aciertos en el casting como Robbie Amell en la piel de Chris Redfield, Lily Gao como Ada Wong, la caracterización de Lisa Trevor e incluso compro a Tom Hopper como Wesker (muy apropiado pasando de ‘The Umbrella Academy’ a las filas de Umbrella). Pero tiene incongruencias grandes para con los juegos como Avan Jogia en el rol de Leon, no solo por su inexistente parecido, más bien por el carácter de pardillo que le ponen cuando él es de los más eficientes cuando estás con el mando en las manos.

La ambientación si que está mucho más conseguida que en las películas de Paul W.S. Anderson. Reconocemos la Mansión Spencer y la comisaría de la primera y segunda entrega respectivamente. Agradezco que la película no se centre en encerrar a los personajes en una sola localización pues habría pecado de demasiado típica, para eso ya tenemos ‘Amanecer de los muertos’ o ‘Train to Busan’. Lo que sucede es que aunque los jugadores quedamos congratulados con la escenografía y con la gran cantidad de detalles del juego que hay (como algunos nombres e incluso puzles), estos pasan demasiado rápido y la historia se diluye, no tenemos el suficiente trasfondo. Un background que además agradecerían los profanos de la franquicia de Capcom pues verán en ‘Resident Evil: bienvenidos a Raccoon City’ una película más de zombies, como un episodio caro de ‘The Walking Dead’.

De igual manera que el elenco de protagonistas ha quedado demasiado apelotonado y precipitado en un mismo sitio, como si esto fuese ‘Friends the reunion’, aparecen las bestias del juego. Desde los típicos zombies hasta los famosos Lickers y dobermans. El Boss, pues es el Birkin del segundo juego interpretado por Neal McDonough, pero se lo ventilan en un pis pas. Por lo menos en este caso no tenemos algo tan calamitoso como lo de su Bison en ‘Street fighter’ pues fue calamitoso.

Tales han sido las ganas de meter personajes que se han tergiversado bastante sus trasfondos individuales. Pero en líneas generales si tenemos la historia de esa corporación que es Umbrella, omnipresente, malvada y falible. La empresa del logo rojiblanco envenena a la ciudad y surge el estallido zombie de 1998. Hay algún que otro fallo, como que el boss final se dedique a llamar a Chris Redfield sin saber que estaba en la misma estancia, pero al menos la historia tiene mucha acción y una pizca, solo una pizca, de terror.

Hay que reconocer que esos juegos que cogían el testigo del ‘Alone in the dark’ daban miedo o nerviosismo por esa mezcla de neoclásico y revival gótico. Pero sobre todo por la interfaz para cambiar armas y la torpeza de movimiento de los jugadores, equiparable a la de un zombie. Era la época. La música también inquietaba y en este caso Mark Korven (‘El faro’, ‘La bruja’, ‘Cube’) consigue algunos momentos dignos, aunque la cancioncilla infantil que se repite de fondo queda ridícula. Aquí solo hay un par de escenas para tenernos atemorizados. Se nota en esos momentos que Johannes Roberts quiere hacernos pasar miedo con buenos planos, en ocasiones con unos movimientos de cámara, zooms y colores que nos recuerdan al horror de los ochenta, sobre todo de Carpenter.

Se clavan instantes como el primer encuentro con zombies del juego o el recuerdo de Alexia y Alfred Ashford. ‘Residente Evil: bienvenidos a Raccoon City’ tiene muchos regalos para el recuerdo de los gamers y emociones para los no jugadores. Sería una película más de zombies si no fuese por esos huevos de pascua. Quedaos a los post-créditos porque parece que quieren seguir con esto.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Título original: Resident Evil: Welcome to Raccoon City. Duración: País: EE.UU. Dirección: Johannes Roberts. Guion: Johannes Roberts. Música: Mark Korven. Fotografía: Maxime Alexandre. Reparto principal: Kaya Scodelario, Hannah John-Kamen, Robbie Amell, Tom Hopper, Avan Jogia, Neal McDonough, Donal Logue, Chad Rook, Lily Gao, Nathan Dales, Stephannie Hawkins, Josh Cruddas, Marina Mazepa. Producción: Constantin Film, David Films. Distribución: Sony Pictures. Género: adaptación, acción, terror. Web oficial: https://www.sonypictures.com/movies/residentevilwelcometoraccooncity

Crítica: ‘La hija’

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Sinopsis

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Irene tiene quince años y vive en un centro para menores infractores. Se acaba de quedar embarazada y está decidida a cambiar de vida gracias a Javier, uno de los educadores del centro. Javier le ofrece vivir con él y su mujer Adela en la casa que tienen en un paraje aislado y agreste de la sierra para que pueda llevar a buen término su embarazo. La única condición a cambio es que acepte entregarles al bebé que lleva en sus entrañas. Este débil pacto puede verse comprometido cuando Irene empiece a sentir como suya esa vida que lleva en su interior.

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Crítica

Mucho talento y poca chicha

El reparto de ‘La hija’ incluye a dos grandes actores de nuestro panorama actual, Javier Gutiérrez y Patricia López Arnaiz. Junto a ellos, ya que este es un filme de protagonismo repartido a tres bandas, está Irene Virgüez. Los dos primeros interpretan a un matrimonio que vive aislado en parajes jienenses y que acoge en su casa a una quinceañera conflictiva que está embarazada. Al poco de empezar el filme ya sabes qué intenciones tienen unos y otros y en ese momento es en parte cuando me han perdido.

Quizá mi opinión de esta película sea impopular, el tiempo y la audiencia dirán. Quizá pase como cuando digo que tampoco me gusta Vetusta Morla, que interpreta el tema principal de la película. Yo lo siento pero no entro en esas películas que alargan sus secuencias y planos de manera innecesaria, sin que estos aporten matices a la trama. Sobre todo cuando no cabe aguardar más giros o cuando he podido predecir el juego y “sorpresas”. No me voy a hacer el listo pues el ultimísimo giro no me lo esperaba. Es un remate que estaba entre lo poco probable y aunque este llegue tarde le da algo de emoción a los últimos minutos.

La otra parte en la que me han perdido es con la elección de Irene Virgüez. No me he podido creer su personaje al no parecerme natural. Casi siempre y casi para cada frase que tiene luce una sonrisa impostada que impide que parezca esa muchacha que está en un momento crucial y ha sido castigada por la vida. Su guión no es fácil pues ejecuta a alguien con un profundo dilema. Pero le pasa factura la falta de tablas, tanto actoralmente como por edad.

‘La hija’ tiene cosas a rescatar. Es indudable el penetrante colorido de la naturaleza que explota el filme o el partido que le sacan a la fotografía cuando esta se tiñe de grises. Pero si hablamos de momentos contemplativos es López Arnaiz quien nos da algunas miradas en las que aguanta el plano transmitiéndonos mucho. Con los duelos entre ella y Virgüez nos llega un discurso moral importante, pero escasamente explorado.

Es una pena que con todo lo que me gustó ‘El autor’ la nueva película de su director me haya defraudado. Quizá tirar más de humor negro o de sátira se le dé mejor que el generar un thriller. En ‘La hija’ juega mucho con los deseos de sus personajes pero estira una idea que si hubiese tenido más sorpresas o se hubiese mojado con temas actuales habría tenido mucho más jugo que extraer. Como decía al principio, en el reparto hay talento, pero el guión no nos expone gran cosa.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Título original: La hija. Duración: 122 min. País: España. Dirección: Manuel Martín Cuenca. Guion: Alejandro Hernández, Manuel Martín Cuenca. Música: Vetusta Morla. Fotografía: Marc Gómez del Mora. Reparto principal: Javier Gutiérrez, Patricia López Arnaiz, Irene Virgüez, Sofian Elben, Juan Carlos Villanueva, María Morales. Producción: La Loma Blanca PC, Mod Producciones, Movistar+, TVE, ICAA, Canal Sur Televisión. Distribución: Caramel Films. Género: suspense, drama. Web oficial: http://lalomablanca.com/la%20hija/

Crítica: ‘Lamb’

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Sinopsis

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María e Ingvar viven aislados con su rebaño de corderos en una isla de Islandia. Cuando descubren un misterioso recién nacido, deciden quedárselo y criarlo como su propio hijo. Esta nueva perspectiva trae mucha felicidad a la pareja, pero la naturaleza les tiene reservada una última sorpresa…

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Crítica

Cine mayúsculo, con intencionalidad, con arte y con sentimiento

La última ganadora del Festival de Sitges no podía tardar más tiempo en llegar a cines. ‘Lamb’ es un filme de Valdimar Johannsson que pese a su “estilo nórdico” (como acuñamos en nuestro directo sobre la última edición del festival de cine fantástico) logra atraparnos e incentivar nuestra atención. Una película extraña, metafórica y cargada de mensaje.

Un matrimonio formado por Noomi Rapace y Hilmir Snær Guðnason vive en una granja viviendo de sus bovinos. Durante la Navidad dan a luz muchos de sus animales e insólitamente uno de ellos pare a un híbrido, una niña mitad humana mitad carnero. Todo esto sucede en un escenario que se nos muestra a veces con parsimonia, en los siempre impresionantes parajes de Islandia. ‘Lamb’ desarrolla a su ritmo y a su manera un discurso sobre la pérdida, la maternidad y la naturaleza. Los actores interpretan tan bien la aflicción que sienten que además de tener una película interesante por todas las cuestiones que planeta es una obra artísticamente rica.

El guión nos dispone situaciones escasas de diálogos, pero esta es una historia animalista, en varios sentidos, en lo que se refiere al método usado para contarnos la historia se refiere a que tenemos que entender a los personajes de igual manera que a nuestros animales, haciendo más caso a sus expresiones no verbalizadas.

El hecho de que todo suceda en Navidad, que la protagonista se llame María o que el cartel nos recuerde a alguna Virgen de las Rocas nos dice que puede haber un pequeño componente o símil religioso. Pero Jóhannsson nos proporciona una historia que pugna por la evolución, tanto humana como personal.

El componente fantástico de la película es una herramienta útil para desarrollar las pretensiones del director. Ese elemento raro, hay que reconocer que es muy raro, sirve para algo más que diferenciarse de otras historias tipo folk horror. Hay que echarle paciencia pues cuando llega su final, sus últimos cinco minutos, nos explota la cabeza y vais a oír más de un “¿paro qué…?”. Es un peculiar cuento bien desarrollado que terminará derrumbando todos los escepticismos que haya podido generar. Cine mayúsculo, con intencionalidad, con arte y con sentimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Título original: Lamb. Duración: 106 min. País: Islandia. Dirección: Valdimar Jóhannsson. Guion: Sjón Sigurdsson, Valdimar Jóhannsson. Música: Þórarinn Guðnason. Fotografía: Eli Arenson. Reparto principal: Noomi Rapace, Björn Hlynur Haraldsson, Hilmir Snær Guðnason, Ester Bibi. Producción: Black Spark Film & TV, Film I Väst, Go to Sheep, Madants. Distribución: Vértigo Films. Género: fantástico, drama. Web oficial: https://a24films.com/films/lamb

Crítica: ‘Espíritu sagrado’

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Sinopsis

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José Manuel y el resto de miembros de la asociación ufológica Ovni-Levante se reúnen semanalmente para intercambiar información sobre mensajes extraterrestres y abducciones. Julio, su líder, muere inesperadamente, dejando a José Manuel como el único conocedor del secreto cósmico que puede alterar el porvenir humano. Mientras tanto en España se busca a una niña que desapareció hace semanas.

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Crítica

Para aquellos que disfrutan programas tipo Cuarto Milenio con ojos incrédulos

Cuando vi el primer material de la película de Chema García pensaba que iba a visionar una ficción tan burlesca como ‘Pirámides murcianas’ o algo tan excéntrico como ‘The Mystery of the Pink Flamingo’. Seguro que os suenan a títulos raros y desconocidos. Es que es así. ‘Espíritu sagrado’ se mete de lleno en el saco de esas películas sencillas y a la vez extrañas que consiguen dejarnos pizcuetos pero también mostrar pasión por algo y a la vez darnos una bofetada final.

Este es el primer largometraje de Chema García Ibarra tras trabajos como ‘Nebulosa-5’, ‘Protopartículas’, ‘Misterio’, ‘La disco resplandece’, ‘Leyenda dorada’ y ‘Uranes’. Títulos muy peculiares con los que ya ha recorrido festivales internacionales como la Quincena de Realizadores de Cannes. Su cine se acota siempre entre lo muy raro y muy levantino, sin que una cosa tenga que ver con la otra. Ha narrado el capítulo de un astronauta perdido en un barrio del levante español, el mensaje cósmico llegado a oídos de una trabajadora del calzado a través de la nuca de un chico poseído por la Virgen, un sólido drama familiar durante una invasión extraterrestre… sobra decir que originalidad no le falta y se nota pues le da de sí para los noventa y siete minutos de la película.

Puede que el propio largometraje o lo que yo he escrito hasta este párrafo eche para atrás a muchos. Pero os animo a seguir. Porque esta es ciencia ficción casera, mundana, misteriosa. Si te gusta Cuarto Milenio y lo ves con ojos incrédulos seguro que pasas un buen rato con ‘Espíritu Sagrado’. Se ambienta en la España del calzado, la horchata y el juguete. Allí la población está preocupada por la desaparición de una niña. Y mientras unos buscan a la chiquilla los miembros de la Asociación Ufológica OVNI Levante rastrean señales y pruebas de vida alienígenas. Por supuesto ambas historias confluyen, la “gracia” es ver de qué manera.

Además de con su misterio e insólita cotidianidad os enganchará con su muy abundante comedia negra. Los personajes protagonistas son inadaptados, un poco enajenados y conspiranoicos. Y se trata aparentemente sin sentimiento alguno con los dramas que viven así como con su realidad. Y es que ‘Espíritu sagrado’ es altamente naturalista, casi documental, pero sobre todo paródica y mundana. Cuenta con actores no profesionales. Se nota, recitan las frases muy de memoria, sin incorporarlas con naturalidad. Pero esto nos hace bajar a pie de calle.

A parte de con su sarcástico momento silencioso del final de vez en cuando suelta alguna que otra perla de critica actual o regional como a los trabajos caseros y en negro del mundo calzado, a las triquiñuelas de las inmobiliarias, a los prejuicios contra la gente del este… Sobra decir que el filme es un disparate, por eso nos encontramos a una periodista que habla cambiando las expresiones a lo borrachos de ‘Año Mariano’, anuncios de un recital de poesía cósmica, cuadros con pirámides despegando con propulsores, una versión techno rumbera del Zombie de Cranberries (Los Sobraos)… Debéis saber todo esto para evitar pensar que se están riendo de vosotros.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de noviembre de 2021. Título original: Espíritu sagrado. Duración: 97 min. País: España, Francia Turquía. Dirección: Chema García Ibarra. Guion: Chema García Ibarra. Fotografía: Ion de Sosa. Reparto principal: Nacho Fernández, Llum Aques, Joanna Valverde, Rocío Ibáñez. Producción: Jaibo Films, Apellaniz y de Sosa, La Fábrica Nocturna CInéma, Teferruat Film. Distribución: La Aventura. Género: drama, suspense, comedia negra. Web oficial: https://laaventuracine.com/espiritu-sagrado/

Crítica: ‘Till death. Hasta que la muerte nos separe’

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Sinopsis

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Después de una velada romántica, Emma (Megan Fox) se despierta esposada a su difunto esposo (Eoin Macken). Atrapada y aislada en pleno invierno, en su apartada casa del lago, Emma tendrá que luchar contra unos asesinos a sueldo para sobrevivir y escapar del retorcido plan de su marido.

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Crítica

Festivalera, más entretenida de lo que parece

Por mucho que Megan Fox sea una actriz de poco talento interpretativo y por mucho que esta no sea una superproducción no vamos a decir que ‘Till death. Hasta que la muerte nos separe’ es una mala película. Bien es cierto que Fox lleva tiempo sin aparecer en una película de gran calado (por lo menos comercialmente hablando) y que está haciendo lo que va cogiendo aquí y allá. Pero la premisa de este filme de S.K. Dale es lo suficientemente atractiva como para acercarnos a él.

‘Till death’ (me niego a poner todo el título que le han puesto en España) la pifia en varias ocasiones. Ya de entrada, sin haber visto la película, adivinamos que el cartel muestra el final de esta historia. Y la trama también se hace un poco plomiza al principio, un poco empalagosa y frenada tras su primer giro sorprendente. Pero tiene instantes lo suficientemente “burros” como para que sigamos esperando a ver cómo termina esta joven.

La historia nos cuenta el cómo una pareja en crisis intenta avivar las llamas del amor en medio de la nieve, en una romántica cabaña junto a un congelado lago. Lo que distingue a este filme es que aquí no hay un conflicto de pareja basado en discusiones e incluso maltrato para desarrollar la base de la ruptura. No, aquí la separación se busca a través de objetos cortantes y de arrastrar el uno del otro ya que la Emma (Megan Fox) se despierta una mañana en el brete de tener que cargar con el cadáver de la persona a la que está esposada, literalmente a él.

Tanto el personaje como la actriz intentan luchar contra su imagen de mujer objeto. Una lo consigue mejor que la otra, pero lo que yo agradezco en estas propuestas en una franca apuesta por el cine de género. ‘Till death’ es de esos títulos a los que se les atribuye el adjetivo de “festivalera”. Películas que por su carácter violento, surrealista o fantasioso suelen tener más vida y mejor acogida en circuitos de festivales de terror o acción.

En la historia van entrando en juego de manera muy oportuna distintos factores, pero sin aportarnos sorpresa alguna. La propuesta está limitada de escenarios y tal vez por eso se marea un poco la perdiz. Pero se agradece que lo violento se sobrepone a lo sentimentaloide y al final la sangre abunda en su justa medida.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de noviembre de 2021. Título original: Till Death. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: S.K. Dale. Guion: Jason Carvey. Música: Walter Mair. Fotografía: Jamie Cairney. Reparto principal: Megan Fox, Lili Rich, Callan Mulvey, Eoin Macken, Jack Roth, Aml Ameen, Stefanie Rozhko, Teodora Djuric, Julian Balahurov. Producción: Brave Carrot, Campbell Grobman Films, Millenium Media. Distribución: Vértice Cine. Género: thriller. Web oficial: https://screenmediafilms.net/film/3313/Till-Death

Crítica de ‘Rumbo al infierno (Hellbound)’

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La inquisición en la Corea del siglo XXI

Viral es aquello que se convierte en mundialmente conocido por circular por las redes a toda velocidad tras ser compartido en masa. Los confinamientos de 2020 nos han hecho partícipes de muchos retos o momentos que se han transformado en virales, extendiendo su concepto. ‘The ring’ ya trataba ya en 1998 un fenómeno viral, el boca a boca hacia pasar la cinta maldita. El que le daba al play a su VHS veía un extraño vídeo y recibía la llamada de Sadako. A los días esta se le presentaba para matarle. Algo así pasa en ‘Rumbo al infierno (Hellbound)’, donde unos coreanos comienzan a recibir la visita de un supuesto ángel y tiempo después unas despiadadas criaturas van a ajusticiarle.

La violencia es lo primero que llama la atención de esta historia. Cuando esta tiene lugar es bastante burra y sanguinolenta, aunque no llega al gore. Pero la misteriosa índole del fenómeno paranormal y asesino es el mayor aliciente para seguir con la serie que Netflix estrenó el 19 de noviembre. Sin seguir con su saga de zombies Yeon Sang-ho, el director de ‘Train to Busan’, nos resarce con más terror oriental tras la mala secuela que fue ‘Peninsula’. Nos da una nueva historia sangrienta y fantasiosa que como en otras de sus narraciones descarga su peso en conceptos como la redención o el sacrificio. La grandísima faena es que decepciona sin mucho progreso en la trama, hasta el punto de dejarnos sin explicación y abiertos a una segunda temporada, por la cual reconozco que tengo ya curiosidad pues la serie se cierra con un desconcertante cliffhanger. Ya tengo claro que lo de explicar el origen o fundamento de sus monstruos no es algo que se le dé bien a Sang-ho.

La historia tiene seis episodios y en sus tres primeros seguimos a unos policías. Ellos andan tras la pista de esas bestias pardas del infierno y para ello tienen que sumergirse en las entrañas de una nueva religión. El líder puede recordar a Light de ‘Death note’. De hecho el culto a la muerte que generaban los actos de los shinigamis en esa historia se percibe como una influencia en esta serie. También tienen varios giros de guión bastante… cabroncetes. No quiero llevar a equívocos, en ese aspecto se parece pero la historia es muy diferente. ‘Hellbound’ no tiene ese guión inteligente basado en estratagemas. De igual modo que se nota la influencia de las nuevas tecnologías como sucedió en ‘Llamada perdida’. Internet se convierte en una puerta a un martirio infernal retransmitido casi en streaming. Y como otras producciones que hemos visto juega con el peligro e histeria que a veces se genera en la red de redes.

El foco está en la locura religiosa y los cambios a conveniencia más dignos de la Edad Media, cuando la Iglesia católica tenía su brazo armado o cuando su inquisición actuaba impunemente impartiendo su “justicia divina”. Se produce un pacto de miedo y adoración casi inconsciente o ciego, como el que se le rinde al vampiro de ‘Misa de medianoche’ o como el que se tiene al dictador del país vecino. Pero ‘Rumbo al infierno’ se ríe de las religiones emergentes y falsas. Salvando las distancias no he podido evitar acordarme de la solución final del Dr. Manhattan de ‘Watchmen’. El miedo hace que la gente se comporte bien o caiga en la inacción a través del conocimiento de un ente superior que puede castigar de manera implacable.

Al fin y al cabo, como pasa en relatos como ‘La niebla’, todo trata a cerca de la interpretación de los hechos, en confundir la justicia divina con la humana. Queda claro también que la buena salud de las producciones coreanas le está abriendo las puertas por todo el mundo. Falta ver cuántos huevos de oro tiene en su interior esta nueva gallina audiovisual. Por lo pronto creo que no fallaré al decir que ‘Rumbo al infierno’ no alcanzará las cotas de éxito de ‘Train to Busan’ o el reciente bombazo de ‘El juego del calamar’.

MultiVersus, un juego gratuito que mezcla múltiples franquicias

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Gratuito y con inscripción a beta disponible

Warner Bros. Games ha anunciado MultiVersus, un nuevo videojuego gratuito, de lucha de plataformas en formato de equipos 2 contra 2, combinado con un reparto de personajes emblemáticos y universos legendarios en constante expansión.

Desarrollado por Player First Games, está previsto que MultiVersus se lance en todo el mundo en 2022 para las consolas PlayStation®5 (PS5™) y PlayStation®4, Xbox Series X|S y Xbox One, y PC, con compatibilidad total multiplataforma, netcode retrospectivo basado en servidores dedicados y temporadas repletas de contenido. Ya está disponible la preinscripción para las inminentes pruebas de juego (betas) en MultiVersus.com.

MultiVersus presentará todo un abanico de adorados héroes y celebridades con los que formar equipo o contra los que competir en épicas batallas, entre los que se incluyen Batman, Superman, Wonder Woman y Harley Quinn (superhéroes y supervillanos de DC); Shaggy (Scooby-Doo); Bugs Bunny (Looney Tunes); Arya Stark (Juego de Tronos); Tom y Jerry; Jake el perro y Finn el humano (Hora de aventuras); Steven Universe y Granate (Steven Universe); una extraordinaria y original criatura llamada Perreno y muchos más.

Las partidas pondrán mucho énfasis en el juego cooperativo online, y cada luchador estará equipado con un complejo conjunto de mecánicas de combate que serán el buque insignia del renovado enfoque del sistema de juego de lucha 2 contra 2. Este aspecto permite a los combatientes hacer alarde de conjuntos de movimientos que se combinan de forma dinámica con otros personajes mientras luchan por la supremacía.

Desde el ataque del Lazo de la Verdad de Wonder Woman asociándose de forma inesperada con el proyectil de emparedado de Shaggy, hasta usar la habilidad para cambiar de rostro de Arya Stark como complemento de la visión láser de Superman. Lo imposible puede hacerse realidad mediante combinaciones de equipos y enfrentamientos sorprendentes. Los divertidos combates multijugador del juego se pueden disputar frente a diversos entornos rediseñados para servir de telón de fondo de mundos asombrosos, como la Batcueva de Batman, el Fuerte del Árbol de Jake y Finn y muchos otros.

MultiVersus también incluye intensos enfrentamientos 1 contra 1 y un modo de batalla campal de 4 jugadores todos contra todos, donde solo un luchador se alzará con la victoria.