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Crítica: ‘Tela de araña’

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Sinopsis

En los años 70, el director Kim está obsesionado por el deseo de volver a rodar el final de su película recién terminada ‘Cobweb’, pero el caos y la confusión se apoderan del plató con la interferencia de los censores y las quejas de los actores y productores que no pueden entender la reescritura del final. ¿Será Kim capaz de encontrar un camino a través de este caos para cumplir sus ambiciones artísticas y completar su obra maestra?

Crítica

Kim Jee-woon teje su ejercicio de metacine acercándose a ‘Birdman’ o a ‘The Studio’

Con ‘Cobweb (Tela de araña)’, el surcoreano Kim Jee-woon demuestra una vez más su virtuosismo para reinventar géneros y rendir homenaje a la historia del cine sin caer en la nostalgia vacía. El director de títulos tan dispares como ‘El bueno, el malo y el raro’, ‘Encontré al diablo’ o ‘2 hermanas’, se adentra esta vez en el terreno del metacine, entregando una obra tan autoconsciente como lúdica, tan sofisticada en su artificio como entrañable en su fondo humano.

La premisa es sencilla, aunque vertiginosa: Un director veterano, interpretado por el siempre brillante Song Kang-ho (‘Parásitos’, ‘Memories of Murder’), está obsesionado con rehacer el final de su última película, convencido de que una nueva conclusión la convertirá en una obra maestra. Sin embargo, los obstáculos son muchos: la censura surcoreana de los años 70, un equipo que no comparte su entusiasmo, y un sistema de producción que bordea el caos. Así, ‘Tela de araña’ se convierte en una sátira sobre los límites del autor, una reflexión sobre la creación cinematográfica y una comedia negra sobre la frustración artística.

Como en ‘Birdman’ de Iñárritu o ‘¡Ave, César!’ de los hermanos Coen, el relato navega entre el drama de quien desea trascender y el absurdo del sistema que lo contiene. Jee-woon monta una función de múltiples capas: vemos la película dentro de la película, el rodaje de esa película, y los entresijos emocionales de los actores y técnicos que participan en ella. La doble narración —la historia del film ficticio y la del rodaje— genera una tensión dramática bien dosificada, donde el caos del plató se entrelaza con las emociones contenidas del guion que se está filmando. La resolución de ambos relatos, como cabría esperar, ocurre de forma paralela y culmina con una brillante fusión entre realidad y ficción, mostrando la maestría de Kim para estructurar el relato sin perder el control ni ceder al artificio gratuito.

Visualmente, ‘Tela de araña’ es una delicia: su ambientación de los años 70, con decorados que remiten tanto al cine noir como al melodrama clásico coreano, está cuidada al milímetro. La paleta de colores, las texturas del celuloide recreado, y la iluminación tenue que contrasta con los estallidos emocionales de los personajes, construyen un ambiente que es a la vez homenaje y pastiche, celebración y crítica.

Lo más interesante de ‘Tela de araña’ es cómo, sin necesidad de discursos explícitos, lanza dardos sobre la censura institucional, la rigidez de los estudios y la dificultad de innovar cuando se está atrapado en los moldes del pasado. El cine coreano, que lleva años demostrando una madurez imponente, parece haber alcanzado ese punto en que puede mirarse a sí mismo con ironía, afecto y lucidez. Otra prueba de ello es ‘Smugglers’. Y al igual como éxitos recientes, como la serie ‘The Studio’, ‘Tela de araña’ no es solo cine sobre cine: es también una revisión identitaria, un ajuste de cuentas con el legado artístico de un país que hoy domina festivales y taquillas internacionales.

Song Kang-ho brilla como un Quijote del séptimo arte, encarnando con ternura y desesperación a un hombre que lucha contra molinos de celuloide. Su interpretación trasciende el guion, elevando un personaje que podría haber sido caricaturesco a un nivel trágico y conmovedor.

‘Tela de araña’ no es perfecta: su metraje puede sentirse excesivo, su ritmo, por momentos, errático. Pero como los grandes experimentos cinematográficos, su valor reside en el riesgo, en la ambición desmedida y en esa voluntad de hacer arte incluso cuando todo parece en contra. Jee-woon no ha hecho solo una película sobre el cine: ha tejido una compleja red de amor, frustración, obsesión y humor que merece ser explorada con atención.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de mayo de 2025. Título original: Geomijip. Duración: 135 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kim Jee-woon. Guion: Shin Yeon-shick. Música: Mowg. Fotografía: Kim Ji-yong. Reparto principal: Song Kang-ho, Lim Soo-jung, Oh Jung-se, Jeon Yeo-been, Krystal Jung, Park Jeong-su. Producción: Barunson Studio, Anthology Studios, Luz y Sonidos. Distribución: Filmin. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.anthology.kr/projects-6

Crítica: ‘Anzu, gato fantasma’

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Sinopsis

¿Volveremos a vernos en algún lugar?”

“Quiero ver a mi madre”. A partir de este deseo, un gato fantasma y una niña que ha perdido a su madre se embarcan en un viaje que les lleva al mismo Infierno.

En medio de un fuerte aguacero, un monje encuentra a un gatito al que bautiza como Anzu y cría con esmero. Sin embargo, 30 años después, el gatito no solo no ha muerto, sino que se ha convertido en un “gato fantasma” que habla y vive como un ser humano. A sus 37 años, viaja en ciclomotor y trabaja a tiempo parcial como masajista. Un día, el anciano monje le pide a Anzu que cuide de Karin, su nieta de 11 años que ha sido abandonada por su padre, y este acepta a regañadientes. Al principio, sus personalidades enérgicas chocan y saltan chispas, pero poco a poco empiezan a entenderse. Entonces, Karin le pide un favor a Anzu, quiere volver a ver a su madre fallecida. Ese es el punto de partida para un dramático viaje que les llevará hasta el mismísimo Infierno.

Crítica

Comunión con la naturaleza y retos de la infancia en un filme con identidad propia y mucha simpatía

‘Anzu, gato fantasma’, dirigida por la directora novel Yôko Kuno (animadora habitual de Shin-chan) y Nobuhiro Yamashita, es una obra visualmente encantadora que ofrece una mezcla equilibrada de humor y ternura, con una historia que invita a la reflexión sobre la naturaleza y la vida. La película parte de una obra del mangaka Takashi Imashiro, tiene un marcado carácter rural y puede recordar en algunos aspectos a títulos como ‘El verano de Kikujiro’.

Viendo este anime Ghibli se pasa a menudo por nuestra cabeza. Al igual que en las obras de Miyazaki, ‘Anzu, gato fantasma’ presenta una conexión profunda con los personajes desvalidos, la espiritualidad y la infancia. El personaje de Anzu, un gato fantasma, recuerda a los espíritus protectores que aparecen en títulos como ‘Mi vecino Totoro’, ya que no sólo encarna lo sobrenatural, sino también una fuerza benévola y despreocupada que guía a los personajes. Pero este filme se alía más con el público actual evitando la mojigatería o ponerse intensito. Y es que Anzu cocina, conduce en moto sin carnet, se tira pedos comiendo y mea por los rincones del templo en que vive. Y todo esto sin parar de reírse “¡miaujajaja!”. Además Kuno y Yamashita optan por un tono más contemporáneo. La sutileza y simpatía con la que abordan los temas emocionales es su fortaleza, haciendo de ‘Anzu, gato fantasma’ una experiencia que consigue ser más íntima de lo que parece. Es imposible no hacerse amigo de este gato antropomórfico que rompe con lo tradicional.

‘Anzu, gato fantasma’ destaca no solo por cómo nos conmueve y divierte a partes iguales, también por su inaudito estilo de animación para tratarse de un filme nipón. Fusiona técnicas tradicionales con enfoques contemporáneos. Aunque como he dicho, el Japón rural y espiritual animado nos puede recordar siempre a Ghibli, la obra mantiene una identidad propia. La película fue filmada inicialmente en acción real, sobre la cual se aplicó la técnica de rotoscopia, pintando directamente sobre las imágenes filmadas. Esta metodología aporta una autenticidad y calidez únicas a la narrativa, enriqueciendo la experiencia visual. La colaboración entre los estudios Shin-Ei Animation y Miyu Productions resultó en una obra que combina lo mejor de ambas tradiciones animadas. El uso de la rotoscopia no solo añade una dimensión artística distintiva, sino que también refuerza la conexión emocional con los personajes y su entorno, ofreciendo al espectador una experiencia inmersiva y memorable.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Bakeneko Anzu-chan. Duración: 97 min. País: Japón. Dirección: Nobuhiro Yamashita, Yôko Kuno. Guion: Shinji Imaoka. Música: Keiichi Suzuki. Fotografía: Masato Makino. Reparto principal (doblaje original): Mirai Moriyama, Noa Gotô, Munetaka Aoki, Miwako Ichikawa, Keiichi Suzuki. Producción: Miyu Productions, Shin Ei Animation. Distribución: SelectaVisión. Género: aventura, fantástico. Web oficial: https://ghostcat-anzu.jp/

Crítica: ‘Cuckoo’

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Sinopsis

Gretchen viaja a Alemania con su padre y su madrastra. En el pueblo en el que se alojan, se topa con oscuros secretos. Escucha ruidos extraños y tiene visiones aterradoras de una mujer que la persigue.

Crítica

Con una buena premisa no termina de cuajar

Tilman Singer dirige esta curiosa cinta, que tiene una premisa bastante chula, pero que no logra de cuajar y deja un poco indiferente. Conocemos a Gretchen, una joven estadounidense, que se muda a Alemania a vivir con la familia de su padre. Ella no está para nada conforme con la situación y además se añade que comienza a escuchar ruidos extraños en el bosque y ve como una persona la persigue en diferentes momentos de su vida.

Hunter Schafer, es la encargada de dar vida a esta joven a la que le están pasando terribles cosas. El reparto en general está muy bien dirigido. El sufrimiento psíquico y físico de Gretchen lo vemos gracias a la actuación de Hunter Schafer que logra crear un personaje muy real.

Junto a ella encontramos a Dan Stevens, que nos presenta a un personaje muy misterioso y que siente una atracción sobre Gretchen que no sabemos muy bien hacía donde quiere llegar. El está fenomenal.

En el resto del reparto encontramos a Jan Bluthardt, Marton Csokas, Jessika Henwick, Proschat Madani, Mila Lieu y las españolas Astrid Bergés-Frisbey y Greta Fernández. Esta última con un papel algo distinto a lo que estamos acostumbrados a verla y la verdad que está estupenda, dando vida a una de las amigas de Gretchen.

Otra de las cosas buenas que tiene ‘Cuckoo’ es su fotografía. Durante la cinta vamos viendo como resaltan unos colores u otros, el verde, amarillos son bastante utilizados y eso logra una mayor atmósfera tenebrosa.

Hay monstruo y es bastante curioso y ruidoso. Me ha gustado mucho toda la historia sobre este ser, pero como comento, el desenlace es bastante flojo para toda la tensión que se logra durante toda la cinta. Eso es un logro, porque estás pegado a la butaca todo el rato y además Tilman Singer, consigue mantenernos interesados por todo lo que está ocurriendo, pero no logra terminar la película como se merece y al final pierde todo el atractivo.

Aun así, como siempre os digo, merece la pena el visionado, no todas las películas son para todo el mundo y quizás vosotros la veis y os guste. Tiene cosas buenas y curiosas y ya solo por toda la tensión que crea merece la pena echarle un vistazo.

 Ficha de la película

Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: Cuckoo. Duración: 102 minutos. País: Alemania. Dirección: Tilman Singer. Guion: Tilman Singer. Música: Simon Waskow. Fotografía: Paul Faltz. Reparto principal: Hunter Schafer, Jan Bluthardt, Marton Csokas, Jessika Henwick, Dan Stevens, Mila Lieu, Greta Fernández, Proschat Madani, Astrid Bergès-Frisbey, Konrad Singer, Kalin Morrow. Producción: Fiction Park, Waypoint Entertainment, Neon. Distribución: Max. Género: Terror. Web oficial: https://www.max.com/tw/en/movies/cuckoo/69fd6890-f94b-4409-b3d7-1b805ece9d51

Crítica: ‘La evaluación’

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Sinopsis

En un futuro cercano donde la paternidad está estrictamente controlada, la evaluación de siete días de una pareja para obtener el derecho a tener un hijo se convierte en una pesadilla psicológica, obligándolos a cuestionar los fundamentos de su sociedad y lo que realmente significa ser humano.

Crítica

Fleur Fortune debuta con una mirada clínica y pesimista hacia la humanidad

‘La evaluación’ es el debut cinematográfico de Fleur Fortune, quien sorprende al ponerse tras las cámaras con una propuesta inquietante y poderosa. Para su primera película ha contado, ni más ni menos, con un reparto de lujo encabezado por Alicia Vikander, Elizabeth Olsen y Himiesh Patel. Todos ellos entregan interpretaciones sólidas, contenidas y perfectamente calibradas para el tono clínico y emocionalmente asfixiante que propone el filme. Vikander, especialmente, brilla en un papel que exige tanto intensidad emocional como frialdad estratégica.

La historia puede emparentarse espiritualmente con títulos como ‘La mano que mece la cuna’ o incluso con ‘The Servant’, por su capacidad para introducir una figura invasiva y desestabilizadora en la intimidad de un hogar. Sin embargo, ‘La evaluación’ lleva ese conflicto doméstico a un terreno mucho más inquietante: el de la ciencia ficción social y distópica, planteando dilemas éticos sobre la selección artificial de la paternidad como herramienta para preservar la raza humana tras un cataclismo climático.

Fortune construye un universo frío, minimalista, donde cada elemento escenográfico (desde los uniformes hasta los muebles) refuerza esa sensación de control, vigilancia y despersonalización. No es casual que la estética del filme recuerde a obras como ‘Gattaca’ o incluso ‘THX 1138’, donde la sociedad ha asumido que la eficiencia está por encima de la empatía. A lo largo del metraje se respira una tensión contenida, más psicológica que física, pero igualmente perturbadora.

Resulta curioso que esta producción, pese a tener un enfoque íntimo, haya requerido varios años de preparación y que su guion haya pasado por múltiples versiones para encontrar el equilibrio entre la denuncia social y el componente especulativo. La propia directora ha reconocido en entrevistas que se inspiró en conversaciones reales sobre la sobrepoblación, la crisis climática y la maternidad impuesta por normas sociales. De hecho, el título, ‘La Evaluación’, es tan impersonal como sugiere el sistema que retrata: un juicio frío sobre quién merece reproducirse y quién no.

Una vez más, el cine contemporáneo se instala en la visión más pesimista de la humanidad. El filme deja un poso amargo, no tanto por su desenlace (que evita efectismos) sino por el camino emocional que plantea. ‘La evaluación’ no solo critica el sistema ficticio que presenta, sino que invita a cuestionar nuestros propios esquemas sociales actuales. ¿Hasta qué punto la presión por formar una familia, tener hijos y seguir un molde normativo no está ya presente en nuestra realidad?

Es una película que incomoda, que agobia y que irrita deliberadamente. Te deja harto. Harto del mundo que insiste en dictar cómo, cuándo y por qué tener hijos. Harto de la crianza irresponsable, de los niños maleducados que solo parecen existir para desgastar a su entorno y de los adultos que no están preparados, pero aun así lo hacen. ‘La evaluación’ molesta hasta ponerte a prueba y lo hace porque se propone molestar. Y en eso, sin duda, cumple con creces su cometido.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de mayo de 2025. Título original: The assessment. Duración: 114 min. País: Reino Unido. Dirección: Fleur Fortune. Guion: John Donnelly, Nell Garfath Cox, Dave Thomas. Música: Emilie Levienaise-Farrouch. Fotografía: Magnus Nordenhof Jønck. Reparto principal: Alicia Vikander, Elizabeth Olsen, Himesh Patel. Producción: Augenschein Filmproduktion, Number 9 Films, Project Infinity, ShivHans Pictures, Tiki Tane Pictures. Distribución: Prime Video. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: http://www.augenschein-filmproduktion.de/de/filme/detail/the-assessment.html

Crítica: ‘Grand Theft Hamlet’

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Sinopsis

Dos actores en apuros encuentran consuelo a su aislamiento escenificando Hamlet en Grand Theft Auto Online (2013), luchando contra enemigos mientras conectan a través de William Shakespeare.

Crítica

Shakespeare con metralletas y lag existencial

Hay ideas que, en principio, parecen condenadas al desastre: como montar ‘Hamlet’ en medio del videojuego más caótico y desenfrenado que existe. Pero cuando dos actores sin trabajo, con mucho tiempo y pocas certezas, deciden hacer precisamente eso en GTA Online, el resultado es tan inesperado como… conmovedor. ‘Grand Theft Hamlet’ es una mezcla imposible de drama clásico, humor absurdo y caos digital que no debería funcionar, pero lo hace. Y lo hace muy bien.

La gracia está en el contraste. Por un lado, el lenguaje elevado, los dilemas existenciales, la traición, la venganza. Por el otro, jugadores con nombres imposibles, tiroteos aleatorios, coches voladores y momentos troll dignos de la pesadilla de un adolescente sin Wi-Fi. La escena más trágica puede interrumpirse por un NPC cruzando la calle o un desconocido lanzando granadas porque sí. Y aun así, o quizás gracias a eso, la emoción no desaparece. Solo se cuela por las grietas del absurdo.

‘Grand Theft Hamlet’ está plagada de momentos delirantes: actores ensayando a través de micrófonos distorsionados, intentos de hacer monólogos interrumpidos por tiroteos, muertes accidentales provocadas por compañeros de reparto que nunca habían jugado a GTA… Pero debajo de esa capa de gamberrismo hay algo profundamente honesto. No es una parodia, ni una burla a Shakespeare. Es un homenaje raro, sí, pero sincero. Porque incluso cuando la cámara tiembla, el servidor se cae o un avatar hace dab en medio de un soliloquio, hay algo auténtico que se mantiene en pie.

El contexto lo explica todo: pandemia, confinamiento, teatros cerrados, incertidumbre total. ¿Dónde seguir creando cuando el escenario desaparece? En un mundo virtual que parece lo opuesto al teatro, y que sin embargo se convierte en un refugio. Hay algo casi poético en ver a estos dos actores aferrarse a un texto clásico mientras todo lo demás se desmorona. Como si decir “ser o no ser” desde un avatar pixelado fuese una forma de resistir. Y de seguir vivos.

‘Grand Theft Hamlet’ no solo es una marcianada brillante: también es un retrato sincero de lo que significó ese momento extraño que todos vivimos. Es una carta de amor al teatro, al juego, a la necesidad de expresarse incluso cuando todo parece ridículo. Y, por raro que suene, es una de las versiones más humanas de ‘Hamlet’ que se han visto en mucho tiempo. Con o sin lanzacohetes.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Grand Theft Hamlet. Duración: 89 min. País: Reino Unido. Dirección: Sam Crane, Pinny Grylls. Guion: Sam Crane, Pinny Grylls. Música: Jamie Perera. Reparto principal: Sam Crane, Mark Oosterveen, Pinny Grylls, Jen Cohn, Tilly Steele, Lizzie Wofford, Jeremiah O’Connor, Sam Foster, Dipo Ola, Gareth Turkington. Producción: Altitude Film Entertainment, BFI Doc Society Fund, Project 1961, Grasp The Nettle Films, Park Pictures. Distribución: Mubi. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.undiscoveredcountryfilm.com/

Crítica: ‘La noche eterna (Night call)’

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Sinopsis

Esta noche es como todas las demás para Mady, estudiante de día, cerrajero de noche. Per Claire, la enigmática joven a la que ayuda esa noche, no es quien dice ser. Mady sólo tiene una noche para demostrar su inocencia en una ciudad convulsa.

Crítica

Un thriller trepidante e interesante

La ópera prima de Michiel Blanchart (aquí tenéis el vídeo de la presentación de Night Call en el Festival de Sitges), es una verdadera locura. Un thriller que no nos trae nada nuevo, pero que está tan bien rodado, interpretado y dirigido que saldréis del cine de los nervios por nuestro protagonista.

Mady, es un joven cerrajero que pasa la peor noche de su vida. Tras un encargo que le hace una chica, se ve envuelto en un asesinato y un robo por el que deberá huir por las calles de Bruselas intentando que no acaben con su vida.

Como comento, ‘La noche eterna (Night call)’ es un thriller maravilloso, no para ni un segundo y sufres por el protagonista. Sus aciertos, equivocaciones y su buena fe, hace que durante la hora y media que dura ‘La noche eterna (Night call)’ estés totalmente pegado al asiento.

Una película con un trabajo muy físico para todos los actores, sobre todo para el protagonista y sus perseguidores. Además de todo el equipo, pues tiene movimientos de cámaras increíbles. Una de las persecuciones en el metro es una verdadera fantasía.

Para mi sin duda fue una de las grandes sorpresas del Festival de Sitges 2024. En el reparto encontramos a Jonathan Feltre, el protagonista de la cinta, al que esta noche de trabajo le pasara factura para toda su vida. Una de las caras conocidas es el gran Romain Duris, que como siempre está estupendo.

Sam Louwick, Jonas Bloquet, Thomas Mustin, Natacha Frief, son parte del reparto de esta historia tan rauda, que como digo, no te deja descansar ni un segundo tranquilo.

Uno de sus puntos fuertes es que no se encierra en ningún sitio en concreto. Vamos pasando por diferentes lugares de la ciudad, edificios, metro, discotecas, toda la ciudad se convierte en una gran yincana que Mady tiene que pasar para no morir. Bruselas se convierte en una protagonista más. Cada rincón puede ser un gran escondite o un lugar en el que puede quedar atrapado.

Michiel Blanchart, maneja perfectamente la acción, la tensión y la historia, en este trepidante thriller que deja huella. Un primer largometraje estupendo y con el que esperemos comience una gran carrera en el cine de acción.

Ficha de la película

Estreno en España:  Sin fecha. Título original: Night call. Duración: 97 min. País: Bélgica. Dirección: Michiel Blanchart. Guion: Michiel Blanchart. Fotografía: Sylvestre Vannoorengerghe. Música: Tanguy Destable. Reparto principal: Jonathan Feltre, Romain Duris, Natacha Krief, Jonas Bloquet, Thomas Mustin, Sam Louwyck, Guillaume Kerbusch, Claire Bodson. Producción: Formosa Productions, A Private View, Daylight Films, Quad. Distribución:  Género: Thriller. Web oficial: https://www.gaumont.com/en/movie/night-call

 

Cartel y fecha de estreno de ‘Call me Paul (Llámame Paul)’

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Paul Naschy regresa a la gran pantalla gracias a este documental

El próximo 4 de abril llegará a nuestras salas de cine ‘Call me Paul (Llámame Paul)’. El noveno largometraje de Víctor Matellano, que tuvo su estreno en el Sitges Film Festival, en septiembre de 2024 (aquí tenéis una reseña que hicimos en el festival). En el nos habla de Paul Naschy.

Call Me Paul (Llámame Paul) indaga en la personalidad y el carácter creativo del mítico cineasta madrileño Jacinto Molina, quien con el pseudónimo de Paul Naschy, se convirtió en una figura fundamental del cine fantástico mundial, primero como guionista y actor, y después también como director.

Con guion de Ángel Sala junto al propio Matellano, la película está contada por la actriz inglesa Caroline Munro, quien trabajó con Naschy en ‘El aullido del diablo’; el actor norteamericano Jack Taylor, que compartió con él proyectos como ‘Dr. Jekyll y el hombre lobo’ o ‘La venganza de la momia’; el productor Sergio Molina y coprotagonista de varias películas suyas como ‘Mi amigo el vagabundo’ o la propia ‘El aullido del diablo’; y el actor de doblaje Héctor Cantolla, quien aquí pone voz a Naschy, tal y como hizo en la mayoría de sus películas.

Rodada en inglés y español, en Reino Unido y España, cuenta con montaje de Abián Molina, fotografía de David Cortázar, sonido de Manuel Cora, vestuario de Marta Fenollar, ayudantía de dirección de Felipe Arguello y música de Javier de la Morena.

Os dejamos el cartel de la cinta y la sinopsis de la misma.

Sinopsis.

Agosto de 1991. El cineasta Jacinto Molina, más conocido como Paul Naschy, está sufriendo un infarto. Mientras que es llevado a quirófano, todos sus recuerdos pasan por su mente como una película. Le vienen a la cabeza buenos y malos momentos, y una película en la que volcó sus filias y sus fobias, ‘El aullido el diablo’. Y todos los recuerdos de su niñez que le dejaron impronta en su cine, un claro símbolo de autoría. Mientras, como una ensoñación, un niño es perseguido por un lobo en el bosque…

Crítica: ‘Amor a lo bestia’

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Sinopsis

Una joven descubre que no está sola en su habitación: un extraño y aterrador ser vive en su armario. Pero a medida que lo conoce, lo que parecía una amenaza se convierte en algo más complejo.

Crítica

Una mezcla de géneros que funciona perfectamente

No esperéis una comedia romántica al uso, la venden así, pero sin duda una comedia romántica no. ‘Amor a lo bestia’ (‘Your monster’ en su versión original) es un drama con toques de humor y amor. Y sobre todo es la vida real, pese al elemento fantástico, es una chica que está pasando de todo y que, aunque piensa que está superando todo, no es así. Y todo el recorrido de la película y el final, sin duda uno de los mejores que podría tener, es una forma de ver que no ha superado nada.

Laura Franco es una joven actriz de musicales a la que la vida no la trata nada bien, una ruptura terrible y una enfermedad se le vienen encima cuando es apartada del papel de su vida. Los primeros minutos de ‘Amor a lo bestia’ me parecen increíbles. Como Caroline Lindy logra contarnos todo el terror que pasa esta chica y a la vez te logra sacar una sonrisa. Esto también es gracias a Melissa Barrera que está increíble.

Pero entonces diréis, ¿Dónde está el punto fantástico de la cinta? Es que cuando nuestra protagonista llega al fondo de su vida, se encuentra que en su casa de la infancia vive un monstruo que no le va a poner las cosas fáciles. O si, porque al final ‘Amor a lo bestia’ es una historia de amor un poquito a ‘La Bella y la Bestia’.

No puedo contar mucho, pero comentaros que tiene un final inesperado, que, en mi caso, no me esperaba para nada y no puedo negaros que me encantó el sorpresón.

‘Amor a lo bestia’ es la primera película que rueda Caroline Lindy. Esta historia viene de uno de sus cortos. Muchas veces cuando ocurre esto, se nota mucho que son cortos alargados y este no es el caso. La película avanza con fuerza y no hay ningún momento que pienses que sobre.

Melissa Barrera está perfecta. Solo la había visto en ‘Scream’ y no sabía ni lo bien que canta, ni todos los registros que es capaz de realizar. Es sin duda la estrella de la película y es que es un personaje tan real, con sus defectos y virtudes, con sus errores tan humanos que hará daño al único ser que le importa.

Su química con Tomy Dewey, Monstruo, es tremenda. Las escenas en las que están ellos en casa me parecen tan perfectas y bonitas.

Edmund Donovan, Meghann Fahy, Kayla Foster, Ikechukwu Ufomadu, Megan Haley o Brandon Victor Dixon son parte del reparto de esta historia tan diferente.

La fotografía de la película es muy bonita, sencilla y con detalles muy cotidianos del día a día. Al igual que el vestuario, nada especial, si no, un vestuario que nos lleva a cualquier día de una persona normal. Que al final es lo que nos quiere mostrar la directora.

‘Amor a la bestia’ es sin duda una de esas pequeñas sorpresas que se estrenan en cines sin apenas publicidad y que supongo y deseo que cuando llegue a plataformas la gente se anime a verla, porque la verdad merece mucho la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Your Monster. Duración: 98 min. País: Estados Unidos. Dirección: Caroline Lindy. Guion: Caroline Lindy. Música: Tim Williams. Fotografía: Will Stone. Reparto principal: Melissa Barrera, Tommy Dewey, Edmund Donovan, Meghann Fahy, Kayla Foster, Ikechukwu Ufomadu, Megan Haley, Brandon Victor Dixon, Taylor Trensch, Lana Young, Brian McCarthy, Katy Grenfell, Woody Fu, Jawan Jackson. Producción:  Bombo Sports & Entertainment, Mermade Films, TBD Post. Distribución: Version digital. Género: comedia. Web oficial: https://www.yourmonstermovie.com/

Crítica: ‘Frankie Freako’

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Sinopsis

La monótona vida del adicto al trabajo Conor se ve sacudida cuando tropieza con el anuncio de la línea de fiestas de Frankie Freako con un extraño duende danzante. ¿Será su entrada a la emoción?

Crítica

Nos divierte añadiendo nuevos miembros al imaginario de los monstruitos

Si alguna vez te preguntaste qué pasaría si ‘Gremlins’ tuviera un hijo ilegítimo con ‘Roger Rabbit’ tras una borrachera en Las Vegas, ‘Frankie Freako’ es la respuesta. Un derroche de marionetas y prótesis que haría llorar de emoción a Jim Henson y temblar a cualquier contable de efectos prácticos. Desde su primera escena, la película deja claro que no se va a tomar en serio a sí misma, apostando por un caos cuidadosamente orquestado que recuerda a los excesos de los 80. Cada criatura es una pequeña obra de arte del cine artesanal, con texturas y expresiones que superan con creces a cualquier monstruo digital moderno.

La película parece un capítulo perdido de ‘Pesadillas’ de R.L. Stine, pero con más resaca y menos supervisión parental. Aquí no hay moralejas edulcoradas ni finales reconfortantes, solo un torbellino de situaciones absurdas que funcionan gracias a un guion que, aunque tarda excesivamente en arrancar, abraza el disparate sin miedo. Los personajes, aunque caricaturescos, tienen el suficiente carisma para sostener el delirio en el que se ven envueltos, y Frankie Freako, en particular, se roba la pantalla con una personalidad tan insoportable como magnética. Eso sí, saldrás imitando al personaje que al igual que Groot solo articula una palabra, en este caso “Shabadoo”.

La moraleja es clara: si eres un workaholic estirado, te mereces que un gremlin de mercadillo te arruine la vida. Y es que ‘Frankie Freako’ es básicamente la versión sobrenatural de una despedida de soltero descontrolada, con la energía caótica de ‘Resacón en Las Vegas’ y diálogos que harían que Lisa Simpson dejase de llamar a la «Línea de Corey». ¿Por qué esto último? Pues porque el filme parte de un hecho real que no es otro que las party lines, esas llamadas multiconferencias que se podían hacer en los 80 y se usaban para ligar.

Apartado especial para su director, el cual es un especialista en efectos especiales. Con sus películas Steven Kostanski está rindiendo al cine de efectos prácticos un homenaje similar al que le rinde David Leitch al de acción con especialistas. Títulos como ‘El vacío’ o ‘Psycho Goreman’ hacen fans al instante y ya son clásicos de culto. Además, ha tenido el detallazo darle a uno de los protagonistas el apellido de John Carl Buechler, artista al que le debemos los efectos de películas como ‘Re-Animator’, ‘Torok, el troll’, ‘Hatchet’, ‘Ghoulies’ o incluso algunos detalles de ‘Indiana Jones y la última cruzada’.

En resumen, un festín de nostalgia ochentera que mezcla terror, comedia y una cantidad absurda de efectos prácticos. No cambiará tu vida, pero es el tipo de locura que merece existir. Es un recordatorio de que el cine de género puede ser puro desenfreno sin renunciar a un cariño evidente por sus influencias. Por cierto, ¿la aceptamos como película navideña? Porque si ‘Jungla de Cristal’ y ‘Gremlins’ entran en la categoría, ‘Frankie Freako’ también merece un hueco en las maratones decembrinas.

Frankie Freako es un homenaje desatado a la serie B, a los ochenta y a las comedias disparatadas, casi cartoon. La película se nos escapó en Sitges pero la vimos en el Festival CutreCon en comunión con el ciclo fantástico Aeterna y con eso queda claro que este filme rinde culto a películas trash pero que tienen buen gusto a la hora de hacer crecer el imaginario colectivo en lo que a monstruitos se refiere. Pese a su aire de gamberrada sin control, es evidente que hay un amor genuino por este tipo de cine, con un cuidado sorprendente en su diseño de producción y en la forma en la que Frankie interactúa con el mundo que lo rodea. Es el momento de dejarse llevar y gritar eso de It’s time to get Freako!

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de febrero de 2025. Título original: Frankie Freako. Duración: 85 min. País: Canadá. Dirección: Steven Kostanski. Guion: Steven Kostanski. Música: Blitz//Berlin. Fotografía: Pierce Derks. Reparto principal: Conor Sweeney, Kristy Wordsworth, Adam Brooks, Matthew Kennedy, Meredith Sweeney, Rich Evans, Rob Schrab, Patrick Baxter, Kate Freund, Mike Stoklasa. Producción: Hangar 18 Media. Distribución: Amazon. Género: fantástico, comedia. Web oficial: comprar en Blu-ray

Primeras imágenes de ‘La Vida de Chuck’

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Mike Flanagan regresa a la gran pantalla

Basada en el relato de Stephen King, que encontramos en su libro ‘La sangre manda’, dirigida por el gran Mike Flanagan, responsable de ‘Misa a medianoche’. ‘La vida de Chuck’ pinta a convertirse en uno de los estrenos más fuertes que llegan este año.

Solo se ha podido ver en el Festival de Toronto y está protagonizada por Tom Hiddleston, Mark Hamill, Chiwetel Ejiofor, Karen Gillan y Jacob Tremblay, entre muchos otros.

Ganó el Premio del Público en el Festival de Cine de Toronto 2024. Aun sin fecha de estreno os dejamos con las primeras imágenes de la película y su sinopsis.

Sinopsis

‘La vida de Chuck’ es una historia dividida en tres actos, narrados en orden inverso, que explora la vida de Charles Krantz, un hombre común, cuya existencia adquiere un significado cósmico y profundo.

La historia comienza con un mundo a punto de desaparecer, mientras las estrellas explotan, las ciudades se desmoronan y las tecnologías dejan de funcionar, aparecen misteriosos anuncios con la frase “¡Gracias, Chuck, por 39 grandiosos años!”.

A medida que esta historia retrocede, descubrimos fragmentos de la vida de Chuck: su trabajo, su amor por la música, sus luchas personales… Un relato que entrelaza elementos realistas, con toques de fantasía, para explorar la importancia de los momentos individuales en la vida y cómo cada persona deja su huela en el universo.

Crítica: ‘Bodegón con fantasmas’

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En qué plataforma ver Bodegón con fantasmas

Sinopsis

Rodeados por viñedos y tierras de cereales, los habitantes de un pueblo de La Mancha pasas sus días con normalidad. Unos, los vivos, luchando contra los aprietos de la vida. Otros, los fantasmas, lidiando con los sinsabores de la muerte.

Crítica

Surrealista, divertida y entrañable

Me encanta encontrarme todos los años pequeñas joyas. Digo pequeñas, porque son películas especiales, de las que entras para reírte un rato y son de las que te dejan un gusto y un recuerdo tan bueno que quieres que todo el mundo la vea. Pero que, a la vez, sé que son películas que por desgracia, mucha gente pasa por alto a la hora de elegir comprar una entrada de cine. Y ojalá no pase eso con ‘Bodegón con fantasmas’

Antes de nada, no, ‘Bodegón con fantasmas’ no es una tremenda obra maestra, tampoco es lo que intenta y es que es una película en la que nos vamos a un pueblo de la Mancha, en donde viviremos situaciones en la que la vida y la muerte conviven de una manera natural y sencilla. Una película costumbrista con fantasmas y que sin duda va a gustar a muchos.

‘Bodegón con fantasmas, se divide en 5 cortos, que suceden en el mismo pueblo, pero distintas familias y es cierto, que alguno me gustó mas que otros, pero también para eso están, no todo puede salir redondo, como la vida, y quizás el corto que a mi me haya gustado menos a otra persona es el que más le gusta.

Hay situaciones que son tan españolas que dudo mucho que la cinta se entienda fuera. Un homenaje a las Caras de Velmez y ver una güija bordada en un mantel. Pero no solo eso, los comportamientos. Esos vecinos que se conocen todos los pormenores de todo el pueblo. Una mujer que fingió su desaparición hasta que se olvidase lo que hizo un familiar en su día, para poder vivir tranquila, cosas que desde fuera se ve y dices, que locura, pero tan reales como la vida misma.

No había visto nada de Enrique Buleo, y sin duda tengo mucha curiosidad de encontrar sus cortometrajes, porque ‘Bodegón con fantasmas’ me ha encantado. Ese humor tan absurdo que consigue que te rías y además cojas mucho cariño a los personajes que aparecen en las distintas historias.

En el reparto nos encontramos con Jordi Aguilar, Eduardo Antuña, Enric Benavent, Patty Bonet, José Carabias, Ferran Gadea, Cristina García, Bianca Kovacs, Gloria Martínez, Pilar Matas, Nuria Mencía, Fernando Sansegundo y Consuelo Trujillo.

El trabajo técnico de la película me ha gustado mucho y es que la música, el sonido que tiene es fabuloso. Y la fotografía igual, es super sencilla, pero enmarcando todos los detalles que el director planta en la película. También el vestuario está muy trabajado, con colores poco llamativos y que se mezclan con las casas.

Sin duda, ‘Bodegón con fantasmas’ es una cinta muy entrañable, llena de surrealismo que a muchos les va a recordar las visitas al pueblo. Además de tener un contenido sobrenatural muy de la casa.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de febrero de 2025. Título original: Bodegón con fantasmas. Duración: 87 min. País: España, Serbia. Dirección: Enrique Buleo. Guion: Enrique Buleo. Música: Sergio Bertran. Fotografía: Gina Ferrer García. Reparto principal: Consuelo Trujillo, Fernando Sansegundo, Enric Benavent, Gloria Martínez, Eduardo Antuña, Patty Bonet, Cristina García, Pilar Matas, Bianca Kovacs, Nuria Mencía, Jordi Aguilar, José Carabias. Producción: Cuidado con el Perro, Quatre Films, Sideral Cinema, This and That Productions. Distribución: Género: Web oficial: https://www.sideralcinema.com/estreno/bodegonconfantasmas

Crítica: ‘Memorias de un caracol’

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En qué plataforma ver Memorias de un caracol

Sinopsis

En la Australia de los años 70, la vida de Grace está marcada por la desgracia y la pérdida. Cuando su unidad familiar se desmorona y es separada de su hermano gemelo, Gilbert, desarrolla una afición a coleccionar adornos de caracoles para calmar su soledad. Grace encuentra esperanza cuando desarrolla una amistad con una anciana excéntrica, Pinky, quien la inspira a salir de su caparazón y dejar de lado las cosas que alborotan su hogar y su mente.

Crítica

Un talentoso stop motion chocando con una historia para nada animada

‘Memorias de un caracol’ es una obra que, aunque visualmente está muy elaborada y entra por la vista, sobre todo se queda grabada por como profundiza en cuestiones humanas de una forma sombría y desgarradora. Dirigida por Adam Elliot, la película aborda temas como la soledad, el duelo y el bloqueo que impide avanzar por adversidades autoimpuestas. La protagonista, Grace, se convierte en un símbolo del encierro emocional y la búsqueda de liberación, encapsulada en la analogía del caracol y su caparazón. Es una historia que invita a reflexionar sobre cómo los seres humanos procesan sus cicatrices y encuentran fortaleza en sus conexiones con los demás.

La relación de Grace con Pinky, una anciana excéntrica y maternal, brilla como el eje emocional de la trama. Pinky no solo actúa como mentora, sino que también ofrece una perspectiva optimista frente al dolor, ayudando a Grace a enfrentar sus propias limitaciones. Esta dinámica es la única en la que el espectador encuentra algo de luz. Esta relación está muy bien interpretada por Sarah Snook y Jacki Weaver, cuyos matices vocales llenan de vida y profundidad emocional a los personajes. Sin embargo el resto del filme nos embadurna de depresión y pesadumbre, cuidado si buscáis un título optimista porque ‘Memorias de un caracol’ está muy lejos de ser algo así.

El filme no se conforma con explorar el duelo desde un punto de vista tradicional. Desde los conflictos internos de Gilbert, el hermano de Grace, hasta la representación de un mundo opresivo que asfixia a sus protagonistas, la película ahonda en una visión cruel de la realidad. Las tragedias que enfrentan, desde el abuso hasta la pérdida, no son solo giros argumentales, sino vehículos para subrayar la resiliencia y miseria humana. En particular, el final (que también es el comienzo), donde Grace encuentra motivación en las palabras finales de Pinky, es un recordatorio de que avanzar, aunque lento y arduo como el andar de un caracol, sigue siendo el único camino posible.

A pesar de su riqueza emocional, la narrativa puede resultar pesada por momentos, lo que hace que algunos espectadores puedan desear un ritmo más ágil. Si bien esta lentitud puede considerarse un defecto, también refuerza la atmósfera reflexiva de la obra. Si eres de los que disfrutan el stop motion puedes tener momentos de gran poder visual y complejidad ya que esta película no tiene nada que envidiar a las que surgen de factorías como Aardman o Laika. Por otro lado si eres fan de Tim Burton encontrarás en ‘Memorias de un caracol’ una digna sucesora.

En última instancia, ‘Memorias de un caracol’ es una película que, aunque no apta para quienes buscan entretenimiento ligero o animado, ofrece una experiencia visual y emocional profunda. Es un recordatorio de que el stop motion sigue siendo un medio poderoso para explorar las emociones humanas y los temas universales que nos conectan a todos, prueba de ello es su presencia en Annecy o los próximos Globos de Oro.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de enero de 2025. Título original: Memoir of a Snail. Duración: 95 min. País: Australia. Dirección: Adam Elliot. Guion: Adam Elliot. Música: Elena Kats-Chernin. Fotografía: Gerald Thompson. Reparto principal (doblaje original): Jacki Weaver, Sarah Snook, Charlotte Belsey¸ Agnes Davison, Mason Litsos, Daniel Agdag, Eric Bana, Saxon Wright, Dominique Pinon¸ Selena Brennan, Adam Elliot. Producción: Arenamedia, Screen Australia, Snails Pace Films. Distribución: Alfa Pictures, Mader Films. Género: drama, comedia. Web oficial: https://alfapictures.com/sp/amy_movie/memorias-de-un-caracol/

Crítica: ‘A Different Man’

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Sinopsis

Edward, un aspirante a actor sin éxito profesional ni amoroso, se somete a una operación para cambiar su aspecto. El nuevo Edward es, a simple vista, un triunfador, pero el reencuentro con un antiguo amor platónico y la aparición de un misterioso desconocido comienzan a resquebrajar esa fachada.

Crítica

Misteriosa, curiosa y sin duda diferente

Siempre que A24 anuncia una película, sabemos que estamos ante un gran proyecto. No hace falta que sea una cinta con grandes efectos visuales, acción o terror. No, simplemente una película que nos va a dar para debate al finalizarla, que va a dar que pensar y hacer un poco más social la experiencia al salir del cine. Y esto es lo que ocurre con ‘A different man’.

Es la primera película que veo de Aaron Schimberg y sinceramente me ha parecido muy curiosa. Si, puedo decir muchas cosas de ‘A different Man’ pero sobre todo es curiosa, diferente y con un fondo del que muchos deberían de aprender. Su manera de estar rodada también me gusta mucho, no se si es a propósito, pero me daba la sensación de que fuese una obra de teatro, con muchos escenarios diferentes, pero con esa esencia que tiene el teatro.

Conocemos a Edward, un aspirante a actor el cual piensa que no tiene éxito en su vida por culpa de su físico. Edward por culpa de una afección tiene el rostro deformado. Consigue que le operen y cambia de aspecto, algo que le hace comenzar a triunfar como actor, se reencuentra con su amor platónico, pero en el fondo se siente vacío. En el momento que Edward comienza a ser una “persona normal” entra en su vida a Oswald, un hombre misterioso que le irá quitando todo lo que más quiere. Un hombre que, como él, tiene una deformación en el rostro, pero una manera de ser arrolladora.

‘A different man’ tiene un gran trasfondo, en donde se nos habla sobre la importancia del físico, pero no solo de vista al exterior, sino en nuestro propio interior. De la importancia de querernos a uno mismo y aceptarnos. De como la seguridad hace mucho más que una operación. Y también por supuesto el ser buena persona.

Sebastian Stan y Adam Pearson se miden en un pulso actoral increíble. Ambos están maravillosos, uno interpretando a un personaje con un gran pesimismo y malestar por todo en general mientras que el otro representa el lado positivo, lleno de energía, comiéndose su mundo y el de Edward. Me parece fabuloso todo lo que hacen ambos.

Hace poco fue la entrega de los Globos de Oro y Sebastian Stan se llevó la estatuilla por esta película y la verdad echo en falta las nominaciones para Adam Pearson, porque se lo merece muchísimo. Está estupendo, se come la cámara con su carisma. No le había visto en ninguna película y quizás aquí se abre el debate, pues por triste que parezca seguramente sea por su aspecto. He escuchado alguna que otra pregunta en entrevistas un tanto impertinentes en cuanto a este tema.

En fin, ‘A different man’ nos habla muchos de la importancia que le damos a las apariencias, de como no procesamos que personas “diferentes” sean capaces de lograr grandes cosas y que una persona “normal” no lo logre. De esa frustración que se crea al no conseguir triunfar pese a tener un gran físico.

 Ficha de la película

Estreno en España: 31 de enero de 2025. Título original: A Different Man. Duración: 112 min. País: Estados Unidos. Dirección: Aaron Schimberg. Guion: Aaron Schimberg. Música: Umberto Smerilli. Fotografía: Wyatt Garfield. Reparto principal: Sebastian Stan, Renate Reinsve, Adam Pearson, Lawrence Arancio, Neal Davidson, Christopher Spurrier. Producción: A24, Grand Motel Films, Killer Films. Distribución: Vértigo Films. Género: Drama. Web oficial: https://vertigofilms.es/movie/a-different-man/

Tendremos secuela de ‘Apocalipsis Z: el principio del fin’

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Manel y Lúculo regresan a la pequeña pantalla gracias a Prime Video

‘Apocalipsis Z: el principio del fin’ (aquí nuestra crítica escrita) se ha convertido en la película original internacional más vista en la historia de Prime Video. Durante su primer fin de semana la película se convirtió en un éxito rotundo, situándose en el número 2 del Top 10 de los títulos más vistos en Prime Video, incluyendo el Top 3 en países como EE.UU., Reino Unido, Alemania, Francia, Brasil, México y Australia, y el Top 4 en Canadá y la India.

Prime Video ha anunciado que la secuela de Apocalipsis Z. ‘Apocalipsis Z: los días oscuros’, producida por Nostromo Pictures, está actualmente en desarrollo y continuará el exitoso universo creado por Manel Loureiro. La segunda película estará disponible en exclusiva en Prime Video en más de 240 países y territorios de todo el mundo como parte de la suscripción Prime.

“Apocalipsis Z de Manel Loureiro es una poderosa historia de perseveracia y estamos increíblemente orgullosos de la recepción que ha tenido”, declaró María Contreras, Head of Spanish Movies and Scripted TV. “Nos encanta ver cómo una audiencia internacional ha conectado con la historia de Manel y Lúculo y estamos ansiosos por seguir construyendo este universo, que ha mantenido al mundo entero al borde de sus asientos”.

“Siempre es emocionante ver cómo una historia local puede atraer a una audiencia internacional, demostrando una vez más que el contenido en español tiene la capacidad de viajar y deleitar a una audiencia global”, afirma James Farrell, VP International Originals al Prime Video & Amazon MGM Studios. “Estamos encantados de poder ofrecer a los fans la secuela de esta emocionante historia y continuar brindándoles un catálogo de Originales en Español atractivo y amplio con historias cautivadoras que resuenen en Prime Video a nivel mundial”.

‘Apocalipsis Z: el principio del fin’ está protagonizada por Francisco Ortiz como Manel. José María Yazpik, Berta Vázquez, María Salgueiro, Amalia Gómez, Marta Poveda, Iria del Río, Yuri Mikhaylychenko y Oriol Ruiz completan el reparto.

Os dejamos a continuación nuestra opinión en vídeo de ‘Apocalipsis Z: el principio del fin’.

 

Tráiler de ‘Bodegón con fantasmas’

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En cines el 24 de enero

El 24 de enero tendremos el placer de volveros a hablar de esta película. ‘Bodegón con fantasmas’ (mini-reseña aquí) llega en esa fecha a cines de toda España y no dudéis que vamos a darle mucho bombo. Sin duda fue una de las películas que más nos sorprendió en el último Festival de Sitges y que más nos divirtió por su apuesta disparatada. Junto con ‘Escape’ y ‘El llanto’ conforman el ranquing de los mejores títulos españoles vistos en el festival de cine fantástico de catalunya.

Enrique Buleo dirige este filme que ha sido nominado a Mejor Película de Comedia en los Premios Feroz 2025. Nos lleva a Castilla la Mancha, a sus tierras labriegas y sus vaciados pueblos. Allí conoceremos a sus personajes, unos vivos y otros muertos, en lo que se ha convertido en una absurda e insalubre existencia. Evidentemente estamos hablando de una comedia que tenemos que agradecer a la distribuidora Sideral que vaya a estar en carteleras.

Protagonizan Consuelo Trujillo, Pilar Matas, Fernando Sansegundo, Eduardo Antuña, Enric Benavent, Jordi Aguilar, Nuria Mencía, Pepe Carabias, Bianca Kovacs y Patty Bonet, entre otros.

‘Bodegón con fantasmas’ es una producción de AmoraFilms (Alejandra Mora), Cuidado con el perro (Alicia Yubero, Juan Cavestany, Alvaro F. Armero), en coproducción con Sideral (Roberto Butragueño, Nuria Landete) y This and That (Snezana van Houwelingen).