Cerramos el festival con ambiciosas producciones orientales
Antes o después tenía que llegar esta entrada. Concluyó el último día de Sitges 2025, concluyó la 58 edición del Festival Internacional de Cinema Fantastic de Cayalunya. Y como siempre nos guardamos algunas recomendaciones para el final pero sobre todo cabe recordar que hemos visto alrededor de setenta películas sobre las cuales tenéis ya críticas en la web y en nuestros diarios. Así mismo tenéis el palmarés del festival publicado en esta entrada. Con todo ello podéis haceros una idea de qué es lo que se viene próximamente en cuanto a género fantástico y por si fuese poco dentro de unos días tendréis en nuestro canal de Youtube un programa especial.
Aún desconocemos la fecha y el leitmotiv para Sitges 2026 pero lo comunicaremos en cuanto se haga oficial. ¡Nos vemos en la siguiente edición!
‘Cesium fallout’
Nos vamos a Hong Kong, donde un incendio masivo va a destapar una trama de contrabando ilegal de basura. Por culpa de esto, tendrán una crisis de radiación y los bomberos tendrán que vérselas con el fuego para mitigar el gran desastre que se avecina.
Una película con más política que acción, algo que le perjudica un poco al durar casi 2 horas y media y ver que todo avanza lentamente. Me ha recordado mucho a la serie de ‘Chernobil’, no es el mismo caso, pero si que podemos ver muchas de las situaciones que se vieron en la serie.
Una película que critica mucho el tema de como las empresas no reciclan, si no que realmente se deshacen de la basura de la peor manera posible que es simplemente echándola en algún lugar donde no se vea. Esto puede crear grandes desastres como el que vemos en la cinta y es un poco pesimista, pero es algo que podría ocurrir en la realidad.
El juego de el equipo de bomberos es imprescindible en ‘Cesium Fallout’ y de hecho, al terminar la película se da las gracias a estos héroes por el trabajo que realizan diariamente y por todo lo que les han enseñado para poder rodar la cinta. Una película entretenida pero que bien podría haber durado algo menos.
‘Trapped’ es un western chino ambientado a finales de los noventa en Mangya, un pueblo minero en decadencia atrapado por el desierto. Con cuatreros, un botín escondido, ley casi ausente y un salón regentado por una mujer, la película evoca los clichés del oeste pero trasplantados a un paisaje hostil y asiático. La fotografía de Wang Jie-hong, con tonos tierra y tormentas de arena casi táctiles, refuerza la sensación de vacío y resistencia. La tensión se construye tanto en silencios como en enfrentamientos, logrando una atmósfera opresiva y fronteriza. Sin embargo, sus 131 minutos se convierten en su mayor lastre: el ritmo decae, los conflictos secundarios se alargan y la épica se diluye. Aunque Bai Ke aporta solidez al protagonista y los villanos evitan la caricatura, muchos personajes quedan desaprovechados. ‘Trapped’ convence por su ambientación y potencia visual, pero se pierde en su propia longitud, quedando como un prometedor ejercicio más atmosférico que narrativo.
El cine surcoreano sigue demostrando su capacidad para reinventar géneros y conectar con audiencias globales. Con ‘Hi-Five (Haipaibeu)’, Kang Hyeong-cheol ofrece una especie de “Chronicle coreano”, pero filtrado por humor, color y un aire comiquero. La historia se centra en cinco personajes que obtienen poderes a través de trasplantes de órganos, una premisa ingeniosa que da lugar a situaciones cómicas y épicas a partes iguales. La película combina efectos especiales coloridos, fotografía vibrante y una banda sonora dinámica que realzan tanto la acción como la comedia. El carácter coral de los protagonistas permite que cada uno brille en su momento, favoreciendo la conexión con el público. ‘Hi-Five’ confirma la versatilidad del cine surcoreano y su creciente capacidad para rivalizar con Hollywood.
Penúltimo día de Sitges 2025 y como cada año se ha dado a conocer le palmarés. Nos hemos llevado alegrías por Rose Byrne, ‘Exit 8’ o ‘The Furious’. Podéis consultar la lista completa aquí. El Festival de Sitges 2025 cerró su 58ª edición con proyecciones esperadas y un homenaje a la productora Gale Anne Hurd, reconocida con el Gran Premio Honorífico WomanInFan por su trayectoria en el cine fantástico y de terror.
La clausura incluyó la proyección de ‘La larga marcha’ (crítica aquí), adaptación de la novela de Stephen King dirigida por Francis Lawrence, que emocionó al público con su crítica distópica. Entre los títulos más comentados estuvieron ‘The Ice Tower’ de Lucile Hadzihalilovic, ‘La sonrisa del mal’ de Paolo Strippoli y la película sorpresa ‘The Restoration at Grayson Manor’ de Glenn McQuaid.
Como hemos dicho, ha sido el día en que se ha podido ver ‘La larga marcha’, película basada en la obra de Stephen King que cuenta cómo unos jóvenes se someten a una prueba mortal en la que solo puede quedar uno en un futuro distópico. Suena a ‘Los juegos del hambre’ y el director es exactamente el mismo, Francis Lawrence. Y por otro lado, otro King, su hijo Joe Hill, ha visto otra obra suya adaptada, ‘Abramham’s boys’ que es una revisión del mito de Drácula en forma de secuela siguiendo los pasos de los Van Hellsing tras lo sucedido en la novela de Stocker. Tanto padre como hijo han tenido más presencia en el festival con películas como ‘La vida de Chuck’ o ‘The Black Phone 2’.
Stephen King, nos trajo hace muchos años un futuro distópico, donde tenemos un concurso de televisión en el que acompañamos a unos chavales que tienen que acabar una gran marcha y solo puede quedar uno. Si van perdiendo ritmo, si se paran o se van del camino, mueren.
Lo que uno espera de este tipo de historias es que todos en general se odien, pero no es así, es una historia de camaradería. Muy Stephen King, no os voy a engañar. Si que surge algún adversario que otro, pero también es porque el miedo se adueña de ellos, según van llegando a la meta.
‘La larga marcha’ me ha gustado mucho, es simple, sencilla y muy cruda. El reparto está de maravilla. Aunque han realizado otros trabajos, muchos son casi desconocidos y la verdad que están muy bien. Por supuesto teniendo a la cabeza a Mark Hamill, cualquiera puede darlo todo delante de la cámara.
Todo esto, se acompaña de una buena dirección, sí que es cierto que al final es ver a un montón de gente caminando, pero tenemos todo tipo de planos para mostrarnos el sufrimiento de estos chicos.
Una cinta que nos habla sobre la amistad y sobre la vida. Del rencor y el perdón, ya que cada uno de estos personajes, lleva una mochila llena de experiencias que es la que les hace andar para lograr el gran premio.
Otra sorpresa más que hemos tenido la oportunidad de ver en Sitges es ‘Thinestra’ y sin duda me ha gustado mucho. Una cinta un tanto desagradable, pero muy entretenida. Un body horror, al que el único pero que le pongo, es que a la gente le puede recordar un poco en base a ‘La Sustancia’ y seguramente comparen. Pero me parece muy buen producto, bien dirigido, actuado y con una buena fotografía. Eso sí, muy oscura.
Una mujer acepta unas pastillas de una supermodelo para adelgazar, a partir de ahí, sus noches serán un tanto extrañas y cada mañana verá poquito a poco cumplir su sueño, perder los kilos que quería perder.
‘Thinestra’ no intenta agradar, es gore y os recomiendo no ir con el estómago muy lleno. Es una gran crítica hacia esta nueva moda en las que los medicamentos te quitan toda la grasa del cuerpo para devolverte una figura impresionante. Una crítica a esas dietas rápidas que de poco sirven y también, a este mundo que, si no tienes un cuerpo normativo, te hace la vida un tanto imposible.
En los últimos años, el terror del Sudeste Asiático ha buscado abrirse a Occidente, con Joko Anwar como gran referente. En ese contexto aparece ‘Halabala’, de Eakasit Thairatana, que mezcla mitología tailandesa, suspense y horror corporal en un relato donde la selva se convierte en protagonista.
La trama sigue al inspector Dan, un policía marcado por la culpa, enviado a la jungla de Halabala. Allí deberá enfrentar tanto a un criminal que busca venganza como a los rumores de la tribu Batow, supuestos caníbales que rinden culto a un demonio.
El film brilla en su atmósfera: la vegetación, los sonidos y la luz crean un entorno que respira. Sin embargo, el ritmo irregular y un clímax sobrecargado debilitan su fuerza. Chantavit Dhanasevi logra transmitir el tormento del protagonista, mientras Vi, su esposa embarazada, aporta humanidad. ‘Halabala’ es un ejercicio ambicioso, irregular pero sugestivo, que combina lo moderno y lo ancestral en clave de terror.
Tras la muerte de Drácula, Abraham Van Helsing, decide escapar con sus hijos a Estados Unidos. Intentar vivir una vida normal, pero el pasado siempre regresa, aunque sea por los traumas que conlleva.
No me he leído el relato de Joe Hill, pero tengo ganas, ya que la idea es muy interesante, pero creo que más que para una película, esto debería de haber sido un corto. Durante el visionado de la cinta, tenemos más silencios que diálogos, miradas penetrantes, que tampoco nos dicen demasiado y esto hace que sea bastante tediosa.
En general la producción está bastante bien, vestuario, dirección, música, fotografía, pero la gran falla es el guion y el cómo está contado todo lo que vamos viendo.
Hoy ha sido otro día maravilloso, hemos tenido la oportunidad de tener a nuestra vera a los hermanos Muschietti, los cuales entre risas han comentado que solo nos han puesto los 10 primeros minutos de ‘It: bienvenido a Derry’ en Sitges por que no se fían de las filtraciones. Recordaban la última vez que estaban en Sitges, desde ‘Mamá’. “nuestro sueño es traer un nuevo largo a Sitges” comenta Bárbara. “La serie que hicimos es una exploración dentro de los grandes misterios que tiene el libro” aseguró Andy.
También hemos estado con la famosa productora Gale Anne Hurd, la cual nos ha contado varias anécdotas sobre su carrera. Recordar que viene a recibir el Gran Premio de Honor WomanInFan y es que esta mujer ha producido cintas como ‘The Terminator’, ‘The Abbys’ o ‘The Walking Dead’ por mencionar unas cuantas. Además de ser la guionista de ‘The Terminator’.
Y que deciros del gran honor de Terry Gilliam. Actor y cineasta británico conocido mundialmente por ser uno de los miembros del grupo humorístico Monty Python. Ha contado muchas cosas, entre que no le gusta la fantasía “Lo que me interesa es la imaginación, que es mucho más libre y no tiene reglas”. También le han preguntado acerca de la inteligencia artificial, a lo que ha respondido “Con la IA robando tantos oficios, recomiendo que abandonéis la ida de haceros cineastas, mejor haceros fontaneros o electricista. Así tendréis un trabajo seguro”.
Hemos podido presenciar la llegada del equipo de ‘Rafaela y su loco mundo’. En nuestra galería tenéis fotos de David Verdaguer, Ingrid Garcia-Jonsson, Carlos Areces, Joaquín Reyes, Arturo Valls, Carmen Ruiz y Aníbal Gómez.
También hemos conocido la Sesión Sorpresa del Festival, ‘The Restoration at Grayson Manor’, dirigida por Glenn McQuaid y coproducida por Fantastic Films. La película, que se presentará el 18 de octubre a las 22:30 en el Auditori del Hotel Meliá. Supone el regreso de McQuaid a la producción irlandesa en un cuento de terror que aborda la cuestión de la represión queer en un contexto doméstico.
Por otra parte, conocemos también las tradicionales maratones de clausura para el domingo 19 de octubre de este Sitges 2025.
Marató Matinée Auditori (10.00h)
New Group de Yûta Shimotsu
Chien 51 de Cédric Jimenez
Drácula de Luc Besson.
Marató Auditori (15.30 h.)
Primate de Johannes Roberts
Gaua de Paul Urkijo Alijo
No other choice de Park Chan-wook
The Plague de Charlie Polinger
The Furious de Kenji Tanigaki
‘It: bienvenidos a Derry’
‘It: Bienvenidos a Derry’ promete arracar con fuerza y sin rodeos, devolviéndonos al universo de Stephen King bajo la mirada de Andy y Bárbara Muschietti. Ambientada en 1962, la serie mantendrá el estilo de las películas, pero con un enfoque más coral y misterioso. El elenco y los tráilers ya adelantan que volveremos con elementos como los niños desaparecidos, adultos indiferentes y un mal antiguo que vuelve a despertar. Pennywise volverá con ese terror que llega sin que este se muestre del todo, mientras la historia explorará los orígenes del terror y ampliar el universo King con guiños a otras de sus obras. Derry está a punto de volverse aún más grande y aterradora.
A parte de del adelanto visto en el festival Sitges 2025, HBO Max nos ha permitido ver online ya 5 episodios de 8, pero hasta el día 22 de octubre no podremos publicar opinión alguna. Permaneced atentos a a nuestra web y a nuestras redes.
A priori podría parecer raro que Yorgos Lanthimos haya decidido embarcarse en el remake de una película coreana moderadamente reciente, ‘Save the green Planet!’, estrenada en 2003. Pero después de haberla visto queda claro que el proyecto le viene como anillo al dedo al director griego, estando muy en consonancia con sus últimos trabajos, especialmente ‘Kind of kindness’.
En ‘Bugonia’ recupera a dos de sus protagonistas de la cinta previamente citada. Jesse Plemons es Teddy, un hombre convencido de que los extraterrestres se han camuflado entre los humanos y que pide ayuda a su primo para secuestrar a Michelle (Emma Stone, ya convertida en musa de Lanthimos), sospechosa de ser alienígena. El plan, en su mente, es sencillo. Obligarla a confesar su identidad y lograr que les conduzca ante los líderes extraterrestres, para obligarles a abandonar el planeta Tierra.
La película está llena de momentos impactantes (como ver a una Emma Stone rapada al cero para que no pueda contactar con sus jefes del espacio usando su pelo) y un humor made in Lanthimos, es decir, entre la crueldad y el esperpento. Y lo cierto es que funciona a las mil maravillas. ‘Bugonia’ no tiene la ambición de otros títulos de su filmografía como ‘Pobres criaturas’ o ‘La favorita’. Eso es porque en realidad nos encontramos ante un simple pero efectivo divertimento, en el que el director vuelve a mostrarnos las miserias del ser humano al tiempo que lanza algunas ideas interesantes que, todo sea dicho, deberían hacernos reflexionar.
‘Si pudiera te daría una patada’
En ‘Si pudiera te daría una patada’, Mary Bronstein ofrece un asfixiante retrato de la maternidad y el agotamiento emocional. Rose Byrne está estupenda, digna de premio, en el papel de una mujer al borde del colapso, atrapada por una hija que nunca vemos pero cuya presencia domina cada escena. El uso de planos cerrados, cámara en mano y montaje nervioso transmite su ansiedad constante.
Aislada, sin apoyo y rodeada de relaciones tóxicas (incluida la que está dotada de los diálogos más ingeniosos, con su psicólogo interpretado por Conan O’Brien), la protagonista se hunde lentamente en un pozo interior que Bronstein materializa con un misterioso agujero en el techo y otros muchos detalles. El resultado es una película intensa, inquietante y profundamente humana: el retrato de una mente fracturada que busca respirar en medio del caos. Una nueva obra existencialista para Sitges 2025.
Una mujer servicial se ve entre la espada y la pared al ver que su dueño decide secuestrar a una joven para sustituirla. La película es bastante turbia, Anne, la protagonista de la cinta, está completamente cegada, después de a saber cuanto tiempo leva siendo esclavizada y sodomizada por este hombre. Ha sido tan humillada que simplemente se conforma con recibir premios como chocolate para saber que todo está bien.
Louiza Zouzias es la encargada de dirigir, escribir el guion y protagonizar esta cinta. Rodada en blanco y negro, tiene una fotografía bastante sencilla, al igual que la localización, una casa en medio de la nada. Las interpretaciones están bastante bien y nos dejan ver lo sufrido de esta situación en la que se encuentran.
Cortometraje muy bien dirigido, en el que Jamie tiene que ir a recoger la casa de su madre para vaciarla. Allí un gran armario parece esconder un secreto tenebroso. Después de sentir una extraña presencia decide llamar a su pareja para que vaya a por ella.
Dirigido por Dan Abramovici, ‘Heirlooms’ está muy bien tratado y con una buena fotografía. Todo muy lúgubre y triste, que nos hace ver como realmente está el personaje interpretado por Chloe van Landschoot (‘From’). Tiene una puesta en escena muy cuidada, donde vemos una mudanza. Una casa llena de cajas y trastos por todos lados, con los que el director trabaja super bien y aprovecha para darnos sustos a partir de sombras, juego de luces y también objetos que al final parecen que están y realmente no están ahí.
‘Heirlooms’ ha sido una pequeña sorpresa, que te deja con ganas de conocer toda la historia detrás de esas apariciones y ese armario tan espeluznante.
William Fichtner (‘Prison Break’) recibe su premio Màquina del Temps
Un día con mucho entretenimiento y películas curiosas. Además hemos visto al equipo de ‘Redux Redux’, también el equipo del corto de ‘Terapias y Mazmorras’ (aquí podéis ver el vídeo de su entrada a Auditori). Y por supuesto, hemos visto al equipo de ‘Talamasca’, la nueva serie de AMC+ que llega a nuestras pantallas el próximo 27 de octubre. Mark Johnson, productor de la serie y William Fichtner, actor de la serie y también premiado con la Màquina del Temps en el festival.
El actor de ‘Prison Break’, ‘El caballero oscuro’ o ‘Armageddon’, uno de los mejores secundarios que nos ha dado Hollywood, ha comentado parte de su carrera y nos habla del su trabajo en ‘Contact’ “Creo que el día más feliz de mi vida profesional fue cuando Robert Zemeckis me fichó para ‘Contact’. Hacía de científico ciego, algo muy distinto a los papeles que solían darme, que eran de policía o tipo duro o algo por el estilo». También sabemos que ya han llegado a Sitges, Andrés Muschietti que viene a presentar ‘IT: Bienvenidos a Derry’ y el gran Terry Gilliam, que va a recibir el Gran Premio Honorífico en el Festival.
Delivery Run
En 2020 tuvimos la ocasión de ver ‘Tailgate (Bumperkleef)’ y ‘Salvaje’, en esta última aparece Russel Crowe. En estas cintas vemos como un conductor provoca a otros con un comportamiento extremadamente correcto al volante. La cosa es que cuando estos hacen alguna infracción cambia su comportamiento y decide ir como un loco hacia ellos para darles una lección.
Algo así le ocurre a Lee Shaw, un repartidor que no está teniendo su mejor día y se convierte en la presa de un perturbado conductor de una máquina de quitanieves. Junto a su pequeño pez al que lleva en una bolsa, Lee tendrá que conducir lo mejor que pueda para escapar de una futura terrible muerte.
La película es bastante simpática, no te mete demasiados rollos, te presenta al protagonista, como digo, te muestra su terrible día y ya comenzamos con la locura de persecución en la que se ve envuelto. Es divertida y con unas imágenes bastante oscuras. Algo que le da un poco de realidad ya que conducir de noche en medio de la nada, es lo que tiene, que apenas se pueda ver nada.
Pocas productoras han dejado una huella tan distintiva en el cine de terror como Hammer Films. Desde sus humildes inicios en Londres hasta convertirse en un icono del género, la compañía transformó el terror en una experiencia visual y emocional que sigue inspirando a cineastas actuales. ‘Hammer: Heroes, Legends and Monsters’, dirigido por Benjamin Field, narra esta historia con la voz profunda de Charles Dance, combinando entrevistas, fragmentos de películas y material de archivo que sumergen al espectador en el proceso creativo.
El documental destaca no solo a directores y actores, sino también a maquilladores, diseñadores de sets y editores que, con ingenio y recursos limitados, crearon mundos creíbles y eludieron la censura. Revela datos sorprendentes para los profanos en el tema, como que Enrique Carreras, un español, fue uno de los fundadores de Hammer, y su hijo y nieto continuaron su legado. La serie ‘Quatermass’ se muestra como pieza clave en la diversificación del estudio.
Con testimonios de Tim Burton, John Carpenter o Joe Dante, entre otros y muy variados especialistas o miembros de sus películas, el documental celebra la pasión y creatividad de Hammer, un legado vivo del cine de terror.
Basada en la novela de Gu Byeong-mo. ‘The old woman with the knife’ nos trae la historia de una legendaria asesina de sesenta años especializada en eliminar la escoria del mundo. Un joven aparece en su vida para poner todo patas arriba y hacer que su pasado vuelva a por ella.
La película la verdad que me ha gustado bastante, la acción está muy bien rodada y la historia es bastante profunda. Conocemos a esta mujer, vemos como termina siendo la asesina que es, sus fortalezas y debilidades. Además, que las escenas de lucha están muy bien dirigidas.
Lee Hye-young es la encargada de dar vida a esta mujer y nos demuestra lo ágil que está. Sus escenas son cruentas y llenas de movimiento algo que hace que la película tenga un gran atractivo.
Dirigida por William Kaufman y escrita por Paul Reichelt, es un ejercicio de ciencia ficción y acción en clave serie B que recicla fórmulas conocidas. Un grupo de soldados es abducido en Siria y despierta en una nave espacial, donde descubre que ha sido convertido en presa de una cacería alienígena. Con ecos de ‘Skyline 2: Beyond’, ‘Doom’ y ‘Alien’, y con criaturas que recuerdan a los Locust del ‘Gears of War’, la película apuesta por escenarios limitados y trucos de producción como rodajes en almacenes. La acción está bien filmada, con un aire de cinemática de shooter, y los efectos son aceptables. Sin embargo, la trama no ofrece nada nuevo y se corta cuando empieza lo interesante. Ni siquiera la presencia de Linda Hamilton, testimonial, consigue elevar un producto del montón.
De metros japoneses infinitos, pasando por la fiereza de Sisu para llegar al Drácula más «imaginativo» de la historia
Hoy ha sido una jornada donde los encuentros con maravillosos artistas nos han dado mucho de si. Carmen Cuba, directora de Casting como ‘Stranger Things’, ‘The Apprentice’ o ‘Annete’, por nombrar unas cuantas, nos ha deleitado con una charla muy interesante.
También hemos estado con el gran Luc Besson. El director nos ha contado como lo que realmente quería era una historia de amor en palabras del director «No me gustan las películas de terror. Es sobre la historia de amor». También comentó como seguramente no guste a todo el mundo y que sin duda a sus haters les dice que «les quiero». Quería plasmar en la cinta «La historia de amor de este hombre que espera 400 años solo porque quiere decir adiós a su esposa».
También ha pasado por el Festival hoySean S. Cunningham, director de ‘Viernes 13’, el cual ha sido el destinatario de otros de los Premi Màquina del Temps.
‘Sisu: camino a la venganza’
Después del gran éxito de la primera entrega «el hombre que se niega a morir» regresa con una nueva entrega en la que ya no hay capacidad para la sorpresa pero en el que la diversión sigue intacta. En esta ocasión el protagonista regresa a su hogar (una cabaña situada en lo que ya es territorio soviético) con la intención de desmontarla y reconstruirla. Pero los rusos (los malos de la función sustituyendo a los nazis) no están muy por la labor de dejarle en paz, lo que le obligará a volver a usar todo su arsenal de trucos en una orgía de violencia y sangre.
Una cosa que se agradece mucho de «Sisu, camino a la venganza» es que sus responsables saben perfectamente lo que el público espera de ella y lo ofrecen con alegría y sin complejos. Hay una mínima historia de trasfondo (Stephen Lang, el villano de la función fue quien asesinó a la familia del protagonista) pero en realidad es una excusa para disfrutar de más carnicería y muertes espectaculares.
División por capítulos, el protagonista que no habla, su perro que parece igual de inmortal… Todo continúa igual en el universo de ‘Sisu’ y no creo que nadie se queje por ello. Quizás ligeramente más contenida que la primera parte, sin descanso y enseñándonos cómo esquivar el ataque de un avión, cómo hacer que un tanque dé varias vueltas de campana o cómo esconder armas de forma creativa. Lo dicho, un divertimento con mayúsculas que merece mucho la pena.
‘Eye for an eye’
En Estados Unidos tenemos muchas leyendas macabras y una de ellas es The Sandman, un monstruo que llega en los sueños y acaba con tu tranquilidad.
En ‘Eye for an eye’ este monstruo viene a vengar a los acosadores y es que la cinta se centra en el bullying y en como si quieres venganza solo tienes que escribir el nombre de tu acosador en un árbol y esperar a que ocurra la magia, bueno, más bien las pesadillas.
La película no nos trae nada original, pero me lo he pasado bastante bien. Tiene muy bien hilada la historia y las muertes que vemos en pantalla son bastante crueles. El CGI en general está bien, pero es cierto que cuando sale el monstruo deja un poquito que desear. El diseño está bastante trabajado, pero el conjunto final, no termina de funcionar.
Aun así, ‘Eye for an eye’ es una película bastante entretenida y que no pierde el ritmo en ningún momento, algo que es de admirar. Esto es gracias a Colin Tilley, que, aunque sea su primera película, ha dirigido muchísimos videoclips y supongo que al final es algo que le ha dado muchas tablas y recursos para que el espectador siempre mantenga los ojos en la pantalla.
La adaptación cinematográfica del videojuego ‘The Exit 8’ logra trasladar exitosamente la inquietante experiencia a la gran pantalla. El original, un walking simulator minimalista ambientado en un metro japonés hiperrealista, destacaba por su tensión psicológica y la búsqueda de anomalías para hallar la salida. La película reproduce esa atmósfera opresiva con un diseño de producción minucioso y una notable interpretación de Kazunari Ninomiya, capaz de transmitir confusión y terror creciente.
El filme añade capas propias: terror psicológico, jump scares y anomalías inéditas que sorprenden incluso a quienes conocen el juego. Además, otorga al protagonista una historia personal, inexistente en la obra base, que convierte el laberinto en metáfora de la rutina urbana y del miedo al cambio. Con planos secuencia que refuerzan la inmersión y un trasfondo ampliado, ‘Exit 8’ no se limita a copiar, sino que amplifica y reinterpreta, ofreciendo una experiencia desconcertante y rica en lecturas. Llevan más allá los juegos de encontrar las siete diferencias y los déjà vu que en su día se asociaron en la cultura popular a un fallo en ‘Matrix’.
Madre mía Luc Besson, todos esperábamos esta sorpresa como locos y para nada es lo que esperábamos. Este Drácula es muy complicado, una película que se asemeja tremendamente a ‘Drácula de Bram Stoker’ pero sin su romanticismo y buen hacer.
Pese a que no me ha gustado, he de decir, que ‘Drácula: a love tale’ tiene una gran producción. Vestuario, localizaciones, el trabajo de maquillaje, peluquería, todo a nivel técnico me parece muy trabajado. Pero la historia y las interpretaciones son otra historia. Y es que pese a tener una base tan buena como es la novela original o incluso la cinta de Coppola, Luc Besson nos lleva por unos derroteros bastante diferentes y se le va un poco de madre todo.
Mi opinión es, que no era la película que me esperaba, está claro que, si se hubiese ido hacia una parodia de la película de Coppola, hubiese triunfado bastante. ¿Por qué digo esto?, por qué al principio parecía eso. Ya nos iba anunciando con el cartel, una copia del ‘Nosferatu’ de Eggers y después con un sinfín de escenas sacadas de la película de Francis Ford Coppola, que esto iba a ser una parodia, pero al final, la película se toma muy en serio y al menos en mi caso, deja bastante mal sabor de boca. Lo dicho, una pena, ya que a nivel visual es una gozada.
Mark Anthony Green debuta con ‘Opus’ mezclando sátira, thriller psicológico y comedia negra en un retrato afilado de la fama y sus cultos. La historia sigue a Alfred Moretti (John Malkovich), un músico legendario que, tras tres décadas de silencio, reaparece con un evento exclusivo en su finca. Ariel Ecton (Ayo Edebiri), periodista en busca de su gran oportunidad, descubre que lo que parecía un simple listening party es, en realidad, una experiencia inquietante sobre manipulación y devoción absurda hacia los ídolos.
Malkovich brilla como un mesías pop: excéntrico, ególatra y magnético. El detalle curioso es que grabó con su propia voz los temas de su personaje, dando lugar incluso a un álbum real, ‘OPUS: The Moretti’. Es un papel hecho a medida, a medio camino entre lo cómico y lo perturbador, tan fascinante como incómodo.
La película funciona como sátira y parodia del artisteo, cercana a los ecos de culto que ‘Los Simpson’ ya ridiculizaron con los movimentarios. Aunque el guion tropieza a veces en clichés, su magnetismo visual y su reflexión sobre cómo el artisteo gobierna el mundo actual la convierten en una ópera prima tan irregular como hipnótica, con un final que deja un eco inquietante en la mente del espectador.
Nuevas estrellas y grandes premiados han presentado hoy sus películas
El día de hoy ha arrancado con un maestro como Park Chan-wook y su nuevo trabajo, ‘No other choice’ (crítica aquí). Pero también con estrellas emergentes como el trío formado por Peter Cilella, Justin Benson y Aaron Moorhead que presentan ‘Descendent’ o los artífices de ‘Luger’, la nueva comedia de acción española. También ha llegado al festival a presentar ‘Bulk’ el director Ben Wheatley, autor también de ‘Megalodón 2’.
Wheatley defendió la diversidad de escalas de producción y dijo que le gusta trabajar con presupuestos variados: “No creo que haya un buen filme con más dinero o un mal filme con menos dinero”. El director ha recibido el Premio Màquina del Temps y reconoció que “me gusta la ciencia ficción de los 60, la franquicia de Marvel o jugar a videojuegos. Me lo paso bien con todo”.
‘Descendent’ es el debut como director de Peter Cilella, habitual en los filmes de Justin Benson y Aaron Moorhead, quienes también producen junto a Mark Ward (‘Hatchet’). La película se centra en Sean Bruner, un vigilante escolar atrapado entre la frustración laboral y la inminente paternidad. Tras un misterioso encuentro con una luz en el cielo, comienza a sufrir visiones, desarrolla un oído extraordinario y una inesperada habilidad para la pintura.
El planteamiento evita clichés: no seguimos a un profesor o alumno, sino a un trabajador común que enfrenta el miedo de repetir el trágico destino de su padre. El filme combina ciencia ficción, drama y thriller psicológico para explorar la herencia del trauma y la sombra del suicidio como amenaza intergeneracional.
Con ritmo pausado y un uso ambiguo de lo visual y sonoro, ‘Descendent’ propone una experiencia inquietante más cercana a la reflexión existencial que al espectáculo alienígena.
Si el año pasado ya sufrimos con los ancianos en ‘La ley de Penny Lane’, este año nos adentramos en un asilo un tanto peculiar. Una pequeña urbanización llena de fiestas y muy buen rollo
Aquí es donde entra nuestro protagonista después de varios avisos por parte de la policía de terminar en la cárcel. Su padre consigue que le dejen hacer trabajos sociales y así poder redimirse.
Pero, no todo es lo que parece en este lugar “feliz” y es que como todos los lugares tienen un gran secreto y esto ocurre en la cuarta planta, donde no todo es tan divertido como debería. A partir de este momento la vida de Max comienza a parecer una verdadera pesadilla.
‘The home’ es bastante entretenida, tiene una premisa interesante y el giro es bastante curioso. Además, cuando se pone rara es cuando más divertida es.
Comedia negra con corazón, donde un hombre despedido tras décadas de servicio se convierte en un villano torpe y desesperado, decidido a eliminar a su competencia laboral. Con esto ya os puedo adelantar que la ambigüedad moral y la comedia negra se acerca a ‘Breaking Bad’. Lee Byung-hun destaca al mostrar esa mezcla de solemnidad casi imponente (a lo Mads Mikkelsen) y torpeza absurda, mientras Son Ye-jin aporta al filme la tensión emocional: su madre/esposa funciona casi como brújula moral entre la sospecha y la complicidad. El enredo recuerda al estilo de Woody Allen, con entrevistas de trabajo que se vuelven rituales, malentendidos, e incluso humor slapstick, pero el suspense late fuerte bajo la superficie. El tema social es doloroso: la presión de mantener el empleo, el miedo de perderlo, la autoexigencia, temas que en Asia se reflejan también en alarmantes tasas de suicidio laboral. Quizá la película habría ganado fuerza si fuera algo más breve, concentrada, pero su ambición la convierte en uno de los trabajos más juguetones de Park Chan-wook.
Ai, una joven estudiante japonesa, comienza a observar comportamientos extraños de sus compañeros de clase. Tanto los alumnos como los profesores se convierten en una especie de secta que hace que las rutinas de gimnasia, se conviertan en una gran pesadilla.
Junji Ito, podría ser la mente pensante de esta locura. Tenemos una pirámide humana gigante moviéndose por todos lados, gente haciendo figuras intentando atrapar a quien no piensa como ellos.
Al final es una gran metáfora de la falta de individualismo que tiene últimamente nuestra sociedad. Donde no hay nada original y todo el mundo termina haciendo lo mismo. Ya sea por modas o simplemente no quedarse atrás o ser un marginado. La película está entretenida, aunque la esperaba algo más sangrienta.
Cumberbach recibe el Premio Máquina del Tiempo con una inconmensurable ovación
Emocionante el día de hoy es decir poco. Al margen de películas que hemos visto durante la jornada, cuyas mi-críticas tenéis en los párrafos tras la galería de fotos, hemos estado en compañía de gran talento francés y británico. Para empezar hemos acudido a la rueda de prensa sobre ‘El hombre menguante’, la nueva película que adapta la novela clásica. Para continuar hemos estado con un mítico actor francés como Dominique Pinon, presente en series actuales como ‘Outlander’ o ‘The walking dead’ y en clásicos como ‘Alien 4’ o ‘Amelie’. Y por último la gran estrella mediática del día Benedict Cumberbach acompañado del director de ‘Esa cosa con alas’.
En la presentación de ‘El hombre menguante’ contamos con su protagonista Jean Dujardin, su director Jan Kounen y su productor Alain Goldman. Todos remarcaron que esta película no es un remake de la película de Jack Arnold, sino una nueva adaptación de la novela de Richard Matheson. Pese a los avances de la época está hecha con efectos prácticos. Dujardin ha dicho al respecto que «le fue poco cómodo estar solo sin replicas de otros actores. Tuve que ser paciente y obedecer mucho. Nunca hubo araña o pelota de tenis como referencia, no diré que tenía para guiarme. Únicamente que la araña representa simbólicamente para mi los miedos, la angustia, las dificultades de la vida Pero en el rodaje no conté con nada de eso. Por su parte Kounen contó como contaron con la tecnología para rodar diferentes escalas del mismo espacio, pero todo desde lo práctico: «hemos hecho una película a la antigua, haciendo homenaje a Jack Arnold (soy gran fan de su obra) conectando con sus retos». Las referencias que el director tomó para inspirarse fueron «El naufrago o El planeta de los simios. Y la idea con el sonido era recordar que todo es muy grande, no él muy pequeño. Alexandre Desplat es un compositor al que le gusta proponer, íbamos en sintonía con el hilo que me presentó, intentando encajar con algo como los cuentos de Hans Christian Andersen» finalizó para transmitirnos cómo de sensorial es el filme.
Con Dominique Pinon revivimos películas míticas. En Sitges 2025 se proyectará ‘Delicatessen’ en 4k a si es que era ineludible tratarla en el encuentro que tuvimos con ellos: «fue una película diferente, loca. Y es que está llena de personajes locos. Fue la primera película para mucha gente, actores y técnicos. El sentimiento era el de estar en un rodaje especial. Desde el guion. Fue el primer proyecto que vi que contaba con storyboard». Sobre ‘Alien resurrection’: recibí la llamada de Jean-Pierre Jeunet, es lo primero que recuerdo siempre. Estaba por entonces en Francia en una obra de teatro. Me comentó que tenía algo para mí desde Hollywood, para Alien. Ok, muy bien. Con Sigourney Weaver. ¡¿Como?! Muy bien. Nunca pensé que un francés pudiese formar parte de una producción de ese tipo. Nunca imagine que pudiese ser yo». Y por supuesto le preguntamos por su participación en el live action de Mortadelo y Filemón: «fue divertido. fue difícil para mi por las frases en español y un trabalenguas que tenía que decir en catalán. Fesser me decía, que hablase más rápido siempre. Fesser es muy simpático y muy español. Había mucha gente amateur como Benito Pocino, que era un cartero de un pueblo catalán. Eso sumado a mis problemas de idioma… Fue muy divertido».
Benedict Cumberbatch y Dylan Southern protagonizaron el momento más multitudinario de la jornada. Vienen a presentar ‘Esa cosa con alas’, una adaptación de la novela de Max Porter sobre el duelo y el desconsuelo. Una obra que el director había leído hacía ya diez años y para cuya criatura realizada con prostéticos contó hasta cuatro artistas. El actor, que hace en el filme un gran trabajo de introspección ha señalado que «El duelo es una experiencia que forma parte de la naturaleza del ser humano. Y es importante poder hablar abiertamente de ello». La mayor ovación llegó cuando Cumberbatch finalizó su discurso sobre el arte declarando que «se trata de intentar hacer buen arte, no importa donde sea. Ya sea una obra de bajo presupuesto, ya sea algo de Hollywood». Poco antes de este encuentro el actor recibió el Premi Màquina del Temps. Pronto tendréis todo el encuentro subido en nuestro canal de Youtube.
‘Death of a Unicorn’
Un padre y una hija atropellan a un unicornio salvaje en su camino hacia una importante reunión con el jefe de una empresa farmacéutica. Lo que parecía un fin de semana de negocios se convierte en algo mucho peor.
‘Death of a unicorn’ no desfasa, pero sí que tiene las suficientes muertes macabras para divertir. Es como si fuese una película infantil pero que se les va de las manos. Lo digo, por la manera en la que está contada la cinta. Tenemos personajes un tanto tontos intentando cazar unicornios y realmente es como un pequeño cuento.
La película, como digo, es entretenida sin más, pero merece la pena su visionado ya solo por el diseño que tienen estas criaturas. El CGI, quizás a veces deja un poquito que desear. Supongo que esa es la razón para llevarla directamente a plataformas y no estrenarla en cines.
La ópera prima de Alex Scharfman es un divertimento simple con unas cuantas dosis de salvajes muertes que logra una mezcla un tanto peculiar.
Un documental que transita entre el documental real y el cine fantástico, haciendo que los directores de esta película se vean incluidos dentro de la propia trama de la cinta.
Es extraña y bastante curiosa, tiene sus altibajos y creo que es porque al final lo han alargado en exceso, pero no quita que sea un documental muy interesante. Además, podéis conocer ‘Arrebato’ y ver como estaba tan en paralelo con su propia realidad.
No conocía la figura de Iván Zulueta y una de las grandes cosas que hace ‘El último arrebato’ es devolvernos a este artista a la vida y lograr que veamos partes de ‘Arrebato’, su última película que se estreno en el cine Azul de Madrid el 9 de junio de 1980. Una cinta que sigue siendo uno de los grandes enigmas del cine español.
Marta Medina y Enrique López Lavigne son los encargados de dirigir este curioso documental y como digo, nos han devuelto a esta figura tan desconocida para muchos. Para mí conocer a uno de los grandes diseñadores de carteles del cine español ha sido una de las mejores cosas de ‘El último arrebato’. Los carteles de películas como ‘El Verdugo’, ‘Viridiana’, ‘Asignatura pendiente’ o ‘Matador’, salieron de su cabeza y sin duda es algo increíble.
Desde su arranque con una escena de body horror, ‘The Surrender’ de Julia Max marca el tono de una propuesta inquietante y visceral. Pronto queda claro que no se trata solo de terror físico, sino de un relato donde rituales, creencias y hechicería desafían tanto la ciencia como la cordura. Kate Burton interpreta a una madre que se aferra a prácticas homeopáticas y vudú para retrasar lo inevitable, mientras Colby Minifie encarna a una hija atrapada entre la lógica médica y la herencia de un mundo ancestral. El título juega con varios niveles: la resistencia filial, la negación materna ante la muerte y un giro que no puede desvelarse. Con ecos de Relic, la película combina drama familiar y terror metafísico, explorando el miedo a rendirse cuando un ser querido se transforma o desaparece. Julia Max firma un debut irregular pero poderoso, cargado de tensión y atmósfera malsana.
‘Together’, debut de Michael Shanks, se adentra en el body horror para explorar las relaciones de pareja desde lo grotesco y lo íntimo. La historia sigue a Millie (Alison Brie) y Tim (Dave Franco), una pareja desgastada cuya mudanza al campo deriva en un proceso insólito: sus cuerpos empiezan a fusionarse. Lo que podría ser simple efecto visual se convierte en metáfora del miedo al compromiso, la pérdida de individualidad y el deseo de pertenecer por completo al otro. Shanks combina horror y ternura, incomodidad y lirismo, en un relato que recuerda que el amor puede ser refugio o prisión. Con un desenlace perturbador y abierto a múltiples lecturas, la película confirma el buen momento del género y supone un arriesgado y prometedor debut.
Nos vamos de campamento, donde chavales adolescentes pasan parte del verano. Todo esto puede ser maravilloso, pero también un infierno para ciertas personas que puedan sufrir algún caso de bullying. ‘La plaga’ es eso, esa manera de contagiarte y terminar siendo marginado por la sociedad. En este caso, esa sociedad son adolescentes a los que nadie guía y actúan como animales.
Lo de guiar, es que es tremendo como los monitores, profesores, pasan totalmente de todo, no se dan cuenta de nada. Y claro, esto es al final, bastante real y nos hace darnos cuenta de lo desprotegido que están muchas veces estos niños y que no tienen ciertas herramientas para salir de esto ellos solos. La película es muy buena, realmente me ha dejado un poco fría, porque me esperaba algún elemento fantástico, pero una vez ya sabiendo lo que he visto, admito que me ha gustado bastante y los chavales están de 10.
Ópera prima de Ratchapoom Boonbunchachoke, es una fábula fantástica sobre el duelo, la memoria y el olvido. Tras morir por una enfermedad causada por la contaminación, Nat regresa como espíritu en una aspiradora, obligando a su marido a convivir con el pasado de forma literal. La propuesta, de tono absurdo y poético, recuerda por momentos al humor surrealista de José Luis Cuerda o Quentin Dupieux, jugando con la delgada línea entre la risa y la melancolía.
Boonbunchachoke crea un universo en el que los objetos conservan emociones y los fantasmas representan tanto pérdidas personales como olvidos sociales. Sin embargo, la película peca de olvidarse de su propia vis cómica en su tramo central, volviéndose más contemplativa que divertida. Aun así, su originalidad visual y su delicado equilibrio entre lo íntimo y lo político la convierten en una de las propuestas más sugerentes del cine tailandés reciente.
En 1957 ya se hizo una versión de la novela de Richard Mathenson y tengo que decir que me parece maravillosa, tiene mucho ritmo y unos grandes efectos. Desde Francia, nos llega una nueva versión de la novela y al igual que la anterior, me ha gustado, de manera diferente, pero creo que es una gran adaptación.
La cinta nos cuenta como un hombre normal comienza a encoger después de un suceso extraño pero nada llamativo en el cielo. Día a día ve como su ropa le queda grande y como su mujer se va convirtiendo en una persona más alta. Con una premisa muy sencilla, la película nos trae una historia llena de filosofía y con un gran mensaje.
Si que es cierto que esta adaptación no tiene mucho ritmo, es una película pausada, pero creo que le viene de perlas con la novela de Mathenson, con su escritura que parece poesía y sus frases que dan tanto para pensar. Además el tema de efectos especiales está de maravilla, la mayoría de ellos son prácticos. Y por supuesto Jean Dujardin está muy bien, la película recae sobre sus hombros y lo aguanta con soltura.
‘Luger’, ópera prima en la dirección para Bruno Martín (productor de ‘Os Reviento’), es un thriller de acción puro y duro, inspirado en los buddy movies de los ochenta y las películas de directores como Tarantino o Guy Ritchie. En un único día, dos buscavidas, el astuto Rafa (David Sanz) y el fornido Toni (Mario Mayo), se ven envueltos en una misión que escala rápidamente en violencia cuando descubren una reliquia de la Segunda Guerra Mundial en un coche robado. La película transcurre únicamente en un polígono industrial, lo que ofrece variedad escénica pese a los límites del espacio, y cada golpe duele, cada herida deja huella que no se cura al instante como sucede con la mayoría de personajes de acción hollywoodienses.
Aquí no hay un personaje bondadoso, todo es calaña. La relación de amor-odio entre los dos protagonistas aporta calor humano, chistes constantes con referencias y ese descaro callejero que sorprende. Luger no evade la crudeza ni la convicción del género: los personajes están manchados de violencia, pero no de indiferencia. No es solo adrenalina, sino también lealtad, traición y redención. Una nueva pieza que consolida al cine de acción en España como algo más que fuegos artificiales: con pulso, corazón y puñetazos.
Me ha tenido intrigada y a la vez aburrida. Una cinta un tanto repetitiva y que la verdad hace que pierdas bastante el hilo. En la cinta encontramos un antiguo espía jubilado que comienza a sentir curiosidad por la mujer que está en la habitación de al lado.
Antes de seguir, admito que tengo un problema con el cine italiano y me cuesta entrar bastante, no se el por qué, pero me pasa a menudo. Siguiendo con esto, la película es bastante interesante, tira de varios recursos y otra cosa no, no para, tiene un ritmo vertiginoso. Que como he dicho, en mi caso, ha hecho perderme. No quiere decir que ‘Reflection in a dead Diamond’ sea mala ni mucho menos, simplemente no es mi tipo de cine. Como virtudes, su fotografía, es increíble, tiene unos decorados super cuidados y nada está puesto gratuitamente.
‘It Ends’, dirigida por Alex Ullom, es una de esas películas que, bajo la apariencia de un coming of age clásico, esconde una mirada más profunda sobre el tránsito a la madurez. Un grupo de jóvenes viaja por una carretera que parece no tener fin, símbolo de una generación que busca sentido en un mundo que se repite y se desgasta. Teniendo cerca el estreno de ‘La larga marcha’ recordará a muchos a historias de Stephen King. Lo sorprendente es que Ullom y su equipo, con apenas experiencia profesional y un presupuesto obtenido en partidas de póker online, logran una obra coherente, sensible y visualmente envolvente. Su tono contemplativo, su ritmo pausado y su sinceridad emocional le otorgan un peso inusual dentro del cine independiente reciente. ‘It Ends’ habla de lo que se pierde al crecer y de lo poco que entendemos sobre nosotros mismos mientras seguimos conduciendo hacia la nada. Un debut que, por madurez y ambición, merece ser escuchado.
Día de contrastes y con muchos artistas junto a nosotros
Hoy ha sido un día muy especial y es que después de demostrar lo gran artista que es, acogedor y amable, Joe Dante ha recibido su premio Honorifico en el Festival de Sitges. El director ha sido arropado por todo el público del Auditori.
Además de asistir al estreno de ‘Silencio’ la nueva serie de Movistar +Plus, dirigida por Eduardo Casanova, hemos tenido la ocasión de estar en la rueda de prensa que se ha realizado dentro del Festival de Sitges. Allí, el director iba acompañado de Leticia Dolera, Omar Ayuso, Lucía Díez, Mariola Fuentes y Carolina Rubio. Allí nos han hablado de muchas cosas entre ellas, el director nos ha comentado lo involucrado que está con el poder hablar del VIH, que como ha dicho se estrena a partir del día 1 de diciembre, día internacional de la lucha contra el VIH. Nos ha comentado acerca del trabajo de maquillaje junto a Oscar del Monte, “El diseño de producción que hicimos en cuanto al maquillaje de prostéticos para enfatizar el paralelismo aquellas personas que en aquella época del pasado morían o sufrían de SIDA era hacer unas vampiras que recordasen a eso”. También nos ha hablado de los que le gusta la comedia, aunque siempre se vaya al drama, “La comedia siempre ayuda a sobrellevar traumas”. Aquí tenéis un pequeño vídeo de la rueda de prensa.
Además de la rueda de prensa de la película ‘Exit 8’, también hemos estado charlando un poco con Paul Urkijo y hemos visto a Ben Loenberg. Una de las noticias del final del día, ha sido que al final no podremos contar con Scott Derrickson en el Festival. Una pena, pues venía a presentar, ‘Black Phone 2’ y sin duda hubiese sido una maravilla poder charlar con el. Pero Sitges continua y se sigue disfrutando igual.
Dirigida por Dylan Southern y protagonizada por Benedict Cumberbatch, es un drama introspectivo que aborda el duelo desde el desconsuelo, esa fase en la que la tristeza deja de ser emoción y se vuelve paisaje. Inspirada en el tono gótico de Allan Poe y con ecos de ‘Un monstruo viene a verme’, la película combina lo simbólico y lo íntimo para hablar de la aceptación y el consuelo compartido.
Cumberbatch brilla en un papel contenido y honesto, interpretando a un artista que busca curarse mediante la palabra y el arte. Southern filma con una ternura melancólica, sin dramatismos, explorando cómo las pérdidas nos obligan a reaprender a convivir con los demás. Una película que no consuela, pero sí comprende.
Un relato corto de Stephen King, es lo nuevo que nos trae Mike Flanagan. Sin duda, es uno de los mejores directores que adaptan a King, ya sea con su beneplácito o con enormes homenajes como pudo ser ‘Misa a Media Noche’.
Esta vez se enfrasca en el relato corto de ‘La vida de Chuck’, un cuento dividido en tres partes y que comienza por el final. Un extraño cartel comentando lo mucho que echaran de menos a un tal Chuck, aparece por toda la ciudad, todo se va desmoronando en el mundo, pero esos carteles aparecen sin parar. Así comienza esta historia que nos adentra en la historia de un hombre normal, un contable que no sobresale en nada y que simplemente es uno más en este loco mundo.
El reparto me parece perfecto, el miedo, desesperación y aceptación, es lo que vamos viendo en cada uno de estos personajes que van apareciendo en ‘La vida de Chuck’. Una película llena de reflexiones y que sin duda da para un gran debate al final y es que el sentido de la vida siempre es algo difícil de explicar.
Gabriele Mainetti vuelve a arriesgar con ‘La città proibita’, una mezcla de cine social y artes marciales que viaja de la China de la política del hijo único a la Roma multicultural. La historia sigue a Mei, interpretada con fuerza por Yaxi Liu, una mujer marcada por el pasado que llega a Italia en busca de su hermana.
Mainetti construye en ella a una auténtica heroína de acción europea: sus combates no son mero espectáculo, cada golpe refleja supervivencia, justicia y amor fraternal. La película brilla en sus coreografías y en su retrato de los marginados, enfrentando a Mei con mafias que trafican mujeres y explotan a inmigrantes.
Aunque algo extensa en duración, ‘La città proibita’ destaca por su ambición y por ofrecer una Roma distinta, lejos de la postal turística, donde conviven lucha, dolor y esperanza. Imperfecta, sí, pero emocionante y valiente.
Alberto Gastesi nos trae una interesante película en la que conocemos a Diana y Martín. Quienes después de la muerte de su hijo, hace ya 12 años, deciden reencontrarse en su antigua casa del lago. Cuando un joven aparece por la casa, salen a la luz antiguos secretos.
Una cinta bien contada, que no ha gustado a todo el mundo. Una cinta que aunque se repite, logra sorprender gracias a varios giros que vamos teniendo a lo largo del metraje. La Inteligencia Artificial y el duelo de una muerte, se aúnan en este drama en el que Patricia López Arnaiz y Javier Rey son los protagonistas.
Se nota la buena producción de la película, tiene algún que otro efecto bastante bien realizado. Sin duda aprovecharon bien la oportunidad, ya que esta cinta se ha podido hacer gracias a que en 2019, el proyecto consiguió el premio Pitchbox de Sitges.
‘Decorado’, de Alberto Vázquez, es una fábula oscura que recuerda a ‘El show de Truman’ en algunas partes, pero con un enfoque más existencialista y cruel. Protagonizada por animales antropomórficos, la historia refleja una vida en ruinas: trabajo precario, matrimonio fallido y la sospecha de vivir en un decorado fabricado por la megacorporación ALMA. La película cuestiona el consumismo, la manipulación de las corporaciones y la fragilidad de la salud mental en un mundo alienante.
Visualmente deslumbrante gracias a la dirección de arte de José Luis Ágreda, mezcla colores vivos con una atmósfera sombría. La comedia se entrelaza con la tragedia en una obra que incomoda y fascina a partes iguales. ‘Decorado’ no ofrece consuelo: transmite pesadumbre, pero también lucidez. Es un retrato feroz de nuestra sociedad y un recordatorio de que la autenticidad está en peligro de extinción.
‘La leyenda de Ochi’, de Isaiah Saxon y A24, es visualmente deslumbrante: la saturación cromática y los animatrónicos logran crear una isla escandinava que parece sacada de un cuento en technicolor. Sin embargo, más allá de lo estético, la película apenas ofrece innovación narrativa. La historia de la niña que se hace amiga de Ochi, un híbrido entre mono y vampirillo, se siente predecible y repetitiva, con paralelismos evidentes con ‘Cómo entrenar a tu dragón’.
El ritmo es excesivamente lento y la fábula de convivencia humano-monstruo nunca alcanza profundidad emocional. Peor aún, Emily Watson y Willem Dafoe (actores capaces de grandes matices dramáticos) quedan desaprovechados, reducidos a decorado en un relato que depende únicamente de su estética. En definitiva, ‘La leyenda de Ochi’ resulta aburrida, superficial y visualmente fascinante, pero narrativamente decepcionante.
Qué decir de ‘They call her death’. Odio hablar mal de las películas, ya que al final tienen un trabajo inmenso por detrás. Y muchas veces salen mal por la falta de presupuesto, tiempos y mil cosas más. Pero es que ‘They call her death’ parece sacada de un trabajo final de universidad y no termina de enganchar ni de entusiasmar.
La película nos presenta a una mujer a la que le matan a su marido, un ladrón que es buscado y daban una alta recompensa por él. Después de todo esto, levanta una gran trama de corrupción y busca venganza. Las actuaciones son bastante amateurs, al igual que sus efectos. Pero esto realmente no me importaría, si no fuese porque el guion también es bastante flojo. Es una película bastante cortita y se hace muy larga y creo que si se la hubiesen tomado un poco menos en serio podría haber sido divertida. No esperaba una comedia, pero sí que, si hubiese sido un poco más macarra, quizás el tono le hubiese beneficiado.
Ion de Sosa firma ‘Balearic’ una cinta super corta, 74 minutos y menos mal. La cinta nos lleva a la víspera de San Juan, un día propicio para la magia. En este día, un grupo de amigos se cuelan en una mansión y son atacados por tres perros feroces. Al otro lado, en otra mansión, unos ricos celebran el comienzo del verano.
No se que decir, de verdad. Hoy está claro que no ha sido mi día en el tema cine, y es que está claro que no he entendido la película, ya que según el director y una de las actrices, la cinta tiene muchas metáforas, que os puedo asegurar no he visto. Lo único a destacar, es que aparece Christina Rosenvinge.
Nicolás Postiglione nos lleva a un hogar alemán en pleno Chile, en Valdivia, 1957. Allí, Daniel, un niño que acaba de perder a su madre, conoce a la familia alemana de su padre quienes se harán cargo de el durante una temporada. Aislado, al no conocer el idioma ni sus costumbres, Daniel se hará amigo en Ema, una niña del servicio. Los secretos oscuros de esta familia le harán llegar a la venganza.
Una película muy lenta, con buena dirección, buenas actuaciones, pero que realmente no cuenta demasiado. Vamos viendo los dramas de esta familia, sin casi ningún interés, solo y únicamente que termine la película. Una pena, porque creo que le podría haber sacado más chicha. Además no tienen ningún elemento fantástico y al principio parecía que si.
Con ‘Silencio’, Eduardo Casanova lleva su universo estético y su ironía incómoda al mito del vampiro. Combina terror, melodrama y sátira queer para hablar del miedo social y el estigma. Rodada en 16 mm alterna entre la peste negra y la crisis del VIH en los 80, mostrando cómo la marginación se repite con distintos nombres. Visualmente impactante y emocionalmente brutal, convierte lo grotesco en arte y la comedia en denuncia. Casanova usa la música popular y su habitual marca estética para contar una historia sobre la exclusión, la libertad y el deseo. Y aun con todo su mensaje sabe ser tan cómica como un capítulo de ‘Lo que hacemos en las sombras’. Una gran metáfora que aporta visualización tanto por las mujeres con VIH como con los personajes femeninos vampíricos.
La película de Majid Al Ansari, es un terror psicológico que mezcla lo sobrenatural y lo psicológico con un drama familiar para explorar la poligamia sin consentimiento. Con una atmósfera opresiva, espacios cargados de tensión y algunas buenas decisiones con las lentes y los movimientos de cámara, la película captura el horror emocional. La actuación de Bdoor Mohammed da credibilidad a un conflicto que va más allá de lo doméstico: dolor, identidad femenina, y la traición de expectativas.
Sin embargo, la película tropieza: la resolución se siente excesiva, algo demasiado explícita comparada con la sutileza del desarrollo y muy sujeta a estereotipos del cine oriental. Además, si bien los temas culturales aportan profundidad, algunas capas emocionales no se exploran al máximo. Aun así y con sus ideas un tanto inocentes a la hora de buscar el susto, ‘The Vile’ es una propuesta valiosa, especialmente para quienes buscan terror con significado. No alcanza la grandeza, pero consolida a Al Ansari como director promesa en el horror que reflexiona.
Acción y gore se unen hoy en la noche de la Zombie Walk
Hoy en nuestro tercer día, hemos tenido la ocasión de ver un montón de películas y disfrutar de nuevos momentos en este gran festival. También hemos tenido la ocasión de ver a Hugo Stiglitz, que ha recibido el Premio Nosferatu, por toda su carrera. El actor mexicano, conocido por cintas como ‘Noche de pánico’, ‘Seducción y muerte’ o ‘El fantasma del lago’ ha sido recibido con el gran cariño del público. También hemos visto a la directora y protagonistas de ‘La hermanastra fea’. Emilie Blichfeldt, LeaMyren y Thea Sofie Loch, han sido super simpáticas y muy emocionadas por la gran acogida de su película. Y otro de los grandes momentos del día ha sido poder conocer a Kenji Tanigaki y a Miao Xie, director y actor de ‘The Furious’, que han disfrutado de lo lindo en la proyección de su película.
El equipo de ‘Gaua’ al completo también ha estado disponible durante el festival, ya sea para la presentación de su película, en el photocall y para declaraciones.
Durante el día de hoy también se ha dado el I Premio Josefina Molina de Guion de Largometraje Fantástico de Autoría Femenina a Ángeles Huerta, por su obra ‘Lampreas’. Seleccionada entre 31 propuestas internacionales por su mirada femenina, calidad literaria y originalidad dentro del género. También se han dado los premios SGAE Nova Autoria, a la Mejor Dirección-Realización y Mejor Guion Original ha sido para ‘Furia’ de Fran Moreno Blanco y Santi Pujol (ESCAC). Mejor Música Original se lo ha llevado Sergio Rojas por ‘Matcha’.
Y por supuesto ha sido la Zombie Walk, ese día tan especial en que toda la ciudad de Sitges se viste con sus mejores galas y sale a caminar cual muerto viviente. Con unos maquillajes espectaculares, las calles se han convertido en una gran pesadilla para los viandantes vivos.
Un giro más a las distintas versiones de ‘La Cenicienta’ y esta vez seguimos a Elvira, una de las hermanastras, que su único sueño es ser el amor del príncipe.
Invitadas al baile para que el príncipe elija con quien casarse, Elvira, se somete a un sinfín de chapuzas estéticas, que realmente le dan resultado, pero que al ser en una época un tanto antigua, son algo desagradables de ver. Además de otras ayudas extras para conseguir mantener un tipo de escándalo.
La tiranía de la belleza se impone en esta historia, como digo, con escenas algo desagradables, pero todas llenas de sentido, en un cuento un tanto macabro, en lo que lo importante es verse la más bella del reino, para conseguir su gran objetivo. Cambian cosas en cuanto al cuento original, pero en general es bastante fiel.
‘La hermanastra fea’ es un entretenimiento bastante gore pero al que le falla un poco su ritmo lento. Pero aun así, recomiendo su visionado, una apuesta algo distinta a lo que estamos acostumbrados.
‘Orang Ikan’, también conocida como ‘Monster Island’, combina cine bélico y de monstruos en plena Segunda Guerra Mundial. Un soldado estadounidense y un militar japonés, enemigos naturales, deben cooperar en una isla para sobrevivir al ataque de una criatura marina. La premisa recuerda a ‘Enemigo mío’, aunque con un enfoque pulp y un villano anfibio que encarna la lucha primigenia por la vida.
Protagonizada por Dean Fujioka (‘Fullmetal Alchemist’) y Callum Woodhouse (‘Los Durrell’), la película apuesta más por la acción que por la carga dramática de su conflicto. El monstruo, claramente inspirado en ‘Creature from the Black Lagoon’ y con regusto a los murlocs de ‘World of Warcraft’, se presenta sin tapujos mediante prótesis y máscaras de goma, logrando un efecto artesanal, pero a veces carnavalesco.
‘Orang Ikan’ resulta entretenida y directa, aunque plana en personajes y sin aprovechar su contexto histórico. Una curiosidad de serie B para amantes del género.
‘Gaua’, de Paul Urkijo Alijo, es un filme fantástico-histórico que retrata la España rural del siglo XVII a través de un prisma oscuro, mitológico y reivindicativo. Desde su apertura, similar a ‘Errementari’, con ilustración y voz en off contando una historia antigua, el filme instala una atmósfera de misterio y escalofrío que perdura. La trama sigue a Kattalin, mujer que huye de su marido, se adentra en un bosque nocturno, y encuentra mujeres que comparten cuentos de miedo, y en los relatos ella misma acabará siendo parte de ellos rememorando a mujeres que en pasado sufrieron historias similares.
El vestuario de época impresiona, tan auténtico como los escenarios, y la iluminación trabaja la noche como territorio propio. La fotografía salta a la altura de la de Robert Eggers: momentos de belleza visual épica pero también terrorífica. ‘Gaua’ no es sólo terror, es una alegoría contra el odio, la envidia, el tradicionalismo más rancio. Con su frase final adquiere carácter reivindicativo. Urkijo vuelve a demostrar que la mitología vasca tiene voz y fuerza en la pantalla grande cumpliendo el objetivo propuesto de inmortalizar en medios modernos aquellas historias de la tradición oral.
Un arma estadounidense cae por error en la isla de Tasmania. Miles de personas mueren por culpa de un campo magnético y cientos de voluntarios marchan para ayudar a recuperar los cuerpos. Ava va en busca de su marido sabiendo que hay cadáveres que se están levantando.
La premisa me ha gustado mucho, aunque parezca lo mismo de siempre, está muy bien tratado, como los voluntarios van yendo ayudando a sacar cadáveres o avisando si alguno se levanta. Pero me pasa como en muchas historias de “zombies” y es que a mitad de la película me cambia un poco el chip, que se termina recuperando al final. Por cierto, con cierto humor, bastante irónico.
En general, ‘We bury the dead’ nos plantea situaciones bastante curiosas y maquillaje, fotografía, dirección, están muy bien, se nota mucho el trabajo el trabajo en equipo.
La visión de Kenichiro Akimoto es una vibrante re-interpretación del manga que inspiró ‘Al filo del mañana’. En un futuro dominado por una presencia alienígena gigantesca y un ataque por sorpresa, su protagonista revive una y otra vez la misma batalla, atrapada en un bucle temporal que combina acción y humor.
Akimoto apuesta por un estilo visual angular y colorido, más cercano a la novela gráfica europea que al anime japonés. Su narrativa, lejos de caer en la monotonía, convierte la repetición en una forma de aprendizaje y autodescubrimiento.
Centrada en la perspectiva femenina, la historia adquiere un tono más emocional y reflexivo sobre la resiliencia, la identidad y sobre todo a cerca del sentido de la vida. ‘All you need is kill’ no solo adapta fielmente y con licencias el manga original, sino que potencia su mirada hacia lo humano, consolidándose como una de las obras más imaginativas de la ciencia ficción bélica moderna.
Un total de siete cortometrajes, ha sido una de las sesiones en las que hemos estado hoy. Sin duda, es un gustado poder acudir a pequeñas maratones así, ya que ves trabajos muy diferentes y con animaciones diversas.
En este caso, hemos tenido la oportunidad de ver ‘Sisowath Quay’, ‘First Light’, ‘Todos los futuros’, ‘Amarelo banana’, ‘The gnawer of rocks’, ‘Dreamwalker’ y ‘Signal’. No voy a comentar todos, pero me quedo con la simpleza y bondad de ‘First Light’ con una historia conmovedora y que llega de lleno al corazón. Y con ‘The gnawer of rocks’, un cortometraje en stopmotion que nos narra un cuento inuit, super chulo y con un diseño precioso.
Tenemos ante nosotros una de las mejores cintas de artes marciales del año. Si, lo sé, es mucho decir, pero es que ‘The Furious’ es increíble. Una mafia que trafica con niños, pero esta vez, han dado con la niña equivocada, su padre va a ir a buscarla hasta el fin del mundo. Junto a él se une un periodista que busca a su pareja y que desapareció mientras investigaba el mismo caso.
Todo esto, da igual, lo que importa que desde el minuto uno ya vemos patadas, puñetazos y un sin fin de personas en el suelo después de recibir una gran paliza por parte de este padre mudo. Tiene unas coreografías increíbles, que puedo decir cuando parte del reparto ha aparecido en ‘The Raid’. Es una pasada. Sobre todo si os gustan las artes marciales.
Octava entrega de la antología de películas que cada año reúne a directores entorno a una temática, el metraje encontrado y el terror. En esta ocasión el leitmotiv es la festividad de Halloween, transcurriendo en el país que más la ha popularizado, Estados Unidos, pero con un segmento que sucede en España dirigido por Paco Plaza y escrito por Alberto Marini. V/H/S centra su acción en material que ficticiamente se ha encontrado en cintas de vídeo. En el caso del episodio español se trata de dos: una grabación del móvil de un adolescente y el material captado por personal de la policía. Original historia que os hará plantearos si colaros en un caserón y si coger ciertas llamadas.
Pero ha habido historias que también nos han llamado la atención y divertido sobremanera. ‘Fun size’ es el más gracioso y uno de los que tiene el ritmo más frenético. Con un macabro personaje y muchos dulces, Casper Kelly (guionista de ‘Mandy’) nos plantea una fábrica de pesadillas y un castigo más que desorbitado. Por otro lado, Micheline Pitt nos quita las ganas de meternos en una casa del terror factoría casera en un pasaje muy gore que recorre algunos clásicos de la noche de brujas.
Mitos como Dante, Kaufman, Crampton y Band reciben sus justos aplausos del fandom
Hoy ha sido el día en el que nuestra niño y adolescente interior se han reencontrado. Hemos coincidido con Joe Dante (‘Gremlins’), Lloyd Kaufman (‘El vengador tóxico’) y BarbaraCrampton (actriz) y Richard Band (compositor) de ‘Re-animator’. Con todos ellos hemos tenido encuentros muy de cerca y podemos aseguraros que son francamente cercanos a pesar del gran legado que han dejado en el fantástico.
Lloyd Kaufman nos ha concedido una entrevista que podréis ver pronto en nuestro canal de Youtube. El artífice de las películas de la Troma además ha estado en un encuentro con fans. Hemos comprobado como las películas que ha hecho siempre son fiel reflejo de su personalidad. Es una persona que no sabe responder a una pregunta sin tener un chiste en la boca. Muy divertido, muy sensato y muy consciente de que hay que agradecer a todo lo que rodea al cine independiente y a festivales por dar voz a su cine. Es un un chorro de energía con patas. “Hago muchas bromas, pero de verdad estoy agradecido al festival y a Angel Sala por estar aquí” dijo en varias ocasiones. “La comedia es subjetiva, lo que hace gracia en California a lo mejor no hace gracia en España” comentó. “El vengador es una re-imaginación a la que el público general le puso las pilas. Pero ahora surgen talentos de la escuela de la Troma como James Gunn, quien ha hecho historia. Hacía mis películas y ahora tiene su estudio, hace ‘Superman’…” dijo orgulloso. Sus películas se han basado siempre en usar efectos prácticos y le preguntaron al respecto: “el CGI o la IA son grandes herramientas. Si te gustan… Hay quienes van a los Oscar diciendo, “no usen IA” (con tono burlón). El punto es, que no quieren competencia. Creo en la mezcla de ambas técnicas”. Ya fuera de micro Kaufman nos ha contado que tiene o tuvo un acuerdo con Santiago Segura para rodar una película de El Vengador Tóxico.
Por otro lado hemos estado en otro encuentro con público con Joe Dante, podéis encontrar algunos fragmentos en los shorts de nuestro canal de YouTube y en nuestras redes sociales. Recibió preguntas sobre si tenía futuros proyectos, reiterando qeu está retirado. Evidentemente surgió la pregunta ¿qué pasa con Gremlins? Pero el tema se derivó más hacia las nuevas tecnologías que hacia una tercera entrega o a la bastante ignorada serie de HBO: «normalmente me preguntan por la 3. El tema de la IA para recrear gremlins es interesante. Se está usando bastante en política y anuncios. Puedes hacer una película entera en unos días con un ordenador. Es el futuro» atajó. Cabe señalar que previamente, en su primera declaración, se declaró en contra de Trump y todo el tema del Nobel de la Paz. Durante la charla se habló de ‘The ‘Burbs’ y su relación con , su live action con los Looney Tunes, de las lecciones que extrajo en su época con Roger Corman, de cómo contribuyó a la serie ‘Police squad’ de la cual surgió ‘Agárralo como puedas’. Y quizá ahí llegó la declaración más dolorosa o llamativa, rechazó en su día dirigir ‘Airplane’, conocida en España como ‘Aterriza como puedas’.
Sin duda una de las películas que más esperaba de este Sitges Festival y por supuesto de este año y qué deciros, que me ha gustado. Es una cinta que no da para mucho, de ahí su duración y sin duda la estrella es Indy, ese perro que ve presencias y que solo quiere intentar alejarlas de su dueño.
La cinta está bien dirigida, además juega muy bien con el entorno, una casa vieja llena de recovecos y con un montón de materiales por todos lados capaces de crear infinidad de sombras. Además, como digo, está Indy, este perro es una maravilla y es que actúa muy bien. Para ello han contado con más de 3 años de rodaje para que el animal pudiese tener sus descansos y poder sacar lo mejor de él como actor y es que Indy es el compañero del propio director y por supuesto nadie quería que sufriese estrés.
‘Good Boy’ os va a gustar si no esperáis demasiado de ella y disfrutáis con una buena dosis de tensión y algún susto que otro.
Qué maravilla y que locurón. Un slasher en el que el asesino es un chimpancé que pertenecía a una familia. La rabia siempre ha sido protagonista de muchas películas y aquí la vemos más desatada que nunca. Increíble cinta llena de violencia y muertes salvajes. Con unos increíbles efectos especiales. El mono es una pasada, está súper bien hecho.
Una de las cosas que más me ha gustado ha sido que la película dura muy poquito y aún así va al grano. Con una leve presentación de personajes, lo suficiente para que los conozcas un poquito y no les cojas demasiado cariño, después de esto, preparaos para la fiesta. Sin duda una de las grandes sorpresas del festival y ya os digo, sorpresa de 2026 pues llega a cines en enero gracias a Paramount Pictures.
‘Rabbit Trap’, dirigida por Bryn Chainey, se mueve entre el desconcierto y la fascinación. Protagonizada por Dev Patel, supone un giro extraño en su carrera tras ‘Monkey Man’ y sus colaboraciones con Wes Anderson. Aquí encarna a un obsesivo del sonido que, junto a Rosy McEwen (magnética y con un aire a Nicole Kidman) explora grabaciones que van más allá del ASMR hasta rozar lo ancestral.
El filme combina folk horror, psicofonías, traumas y rituales, con imágenes hipnóticas donde las ondas sonoras se funden con bandadas de pájaros. Sin embargo, el montaje confuso y el exceso de simbolismo dejan demasiadas preguntas abiertas, frustrando parte de su potencial.
Es un experimento visual y poético difícil de ignorar y también de aprobar que está más cerca del terror elevado que del folk horror. Arriesgada, críptica y perturbadora, confirma a McEwen como revelación y coloca a Patel en una de las etapas más desconcertantes de su carrera.
Después de liarla tras robar el oro de la peligrosa banda de criminales liderada por Sugarman, Tornado se ve envuelta en una terrible lucha de supervivencia. Cuando asesinan a su padre, ella intentará vengarse. ‘Tornado’ ha sido una grata sorpresa. No me esperaba mucho de este western y la verdad que está muy bien dirigido. Con un reparto lleno de estrellas, Tim Roth, Takehiro Hira, Jack Loeden o Rory McCann. La película es ágil y tiene unas imágenes bastante intensas.
John Maclean, director y guionista de la cinta, nos muestra que a día de hoy se pueden hacer buenas películas sin mucha complicación. En la fotografía encontramos a Robbie Ryan, encargado de darnos unas imágenes preciosas llenas de fuerza y con muchos detalles de los verdes bosques de Escocia, donde está ambientada la cinta. Un gran acierto al ser un lugar distinto con el que pueden jugar con la naturaleza que hay alrededor. ‘Tornado’ es una propuesta interesante y diferente.
‘Xana y el secreto del tiempo (The Girl Who Stole Time)’ es un film de animación chino que deslumbra por su calidad técnica: partículas, pelos, materiales y paisajes con un nivel casi hiperrealista. No obstante, los protagonistas tienen un acabado plástico que resta expresividad emocional.
La película propone una aventura con resonancias de Tintín, Indiana Jones o Lara Croft, combinando objetos mágicos, amistad, viajes y un componente de ciencia ficción gracias al viaje en el tiempo, evocador de ‘Prince of Persia’ o ‘Flash’.
El mayor acierto es su escala visual y la imaginación del guion; el mayor defecto, cierta rigidez expresiva en momentos importantes. En definitiva, una aventura cautivadora, visualmente sorprendente, para quienes valoran tanto la fantasía como la animación oriental.
‘Blazing Fists’ (también conocido como ‘Blue Fight: The Breaking Down of Young Blue Warriors’) es una película decente, con momentos memorables, sobre todo para quienes disfrutan del Takashi Miike más emocional y menos inclinado al exceso grotesco. Pero si esperas algo del Miike que rompe expectativas constantes, muy cargado de fantasía absurda o violencia radical sin filtro, este no es el momento. Es más un drama sobre la identidad, la culpa, la lealtad, envuelto en peleas sangrientas y espectáculos juveniles. Si te acercas con ese ánimo, puede funcionar. Pero sobre todo ten en cuenta que el filme parece hecho para un público muy fan y muy juvenil pues tiene varias escenas un tanto videoclipistas, enseñando cacho y sobretodo recreándose con el rostro de los protagonistas. De hecho, hay en el reparto varios idols como Gackt o Kaname Yoshizawa.
Sexo, violencia y cantidad ingentes de sangre es lo que vemos en las películas de la Troma. Cintas como ‘El Vengador Tóxico’ o ‘Tromeo y Julieta’ son parte de su catálogo. Cine independiente que necesita cierto presupuesto para poder seguir existiendo. De ahí está esta incursión a Cannes en busca de distribución para su último trabajo, ‘Return to Return to Nuke ‘Em High’’.
En el documental vemos cómo van poco a poco van liándola por la ciudad francesa mostrando cómo son ellos y su cine, con pancartas, su personaje de Toxie, su gente desnuda corriendo… Por supuesto todo en nombre del arte, algo que a la policía francesa no hizo nada de gracia. El documental es un poco queja de cómo se trata al cine independiente. Y también es una carta de amor hacia el trabajo de esta compañía.
Homenajes y triunfos de directoras y actrices para iniciar Sitges 2025
Sitges 2025 ha arrancado con maratones y proyecciones en todas sus salas y por supuesto con la gala de inauguración tras la que hemos visto el cortometraje ‘Señuelo’ de Martha Ayerbe producido por CUPRA y ESCAC, y con el acompañamiento creativo de J.A. Bayona. Y por supuesto con la película inaugural, ‘Alpha’. Para todo esto se contó con la presencia de Julia Ducornau, autora de ‘Crudo’ y ‘Titane’. ‘Alpa’ viene de estar nominada en Cannes y otros festivales cosechando críticas muy variadas. Podéis leer nuestra pequeña opinión en este artículo o en su versión ampliada aquí.
“El mundo se ha convertido en una distopía de terror desde la última vez que estuve aquí (Sitges). Cuando era nilo tenía miedo de todo. Pero cuando descubrí el género terror al principio me tapaba los ojos, pero conseguí ver una película entera, me dio la sensación de ser mas valiente y más fuerte. El terror es un medio con el que conquistamos miedos y también para portar más empatía y comprensión. Ahora más que nunca portar esperanza con el terror es un acto de resistencia. El terror es un medio sano y poético, pero también un modo para entrar en el horror y la desgracia humana”. Esas fueron las palabras con más peso pronunciadas antes de dar paso a su último filme que ha sido el pistoletazo de salida del festival.
Carmen Maura recibió el Premio Honorífico de manos de los directores de este Sitges 2025. Tras decir eso de “¡viva el terror!” agradeció a los espectadores que la han visto en películas y que en general van al cine, con o que ha invitado a todo el mundo a vivir de nuevo la fiesta que supone ir a las salas. Mary Harron ha recogido el premio Premio WomanInFan. Con este galardón el festival ha querido homenajear a quien ha sido artífice de films como ‘American Psycho’, ‘Bettie Page’ o ‘Yo disparé a Andy Warhol’: “Es el festival más abierto de miras que conozco. No pude estar aquí cuando presentamos ‘American Psycho’ pero puedo decir que para el equipo es el festival preferido” declaró durante su discurso de agradecimiento.
Durante la maratón de inauguración hemos visto películas Como ‘Mermaid’, ‘The surrender’ o ‘13 days till summer’. los artífices de esta última estuvieron presentes para presentar este slasher que supone la segunda presencia del director Bartosz M. Kowalski en Sitges tras ‘Night silence’ (2024). De estos títulos y de algunos más que hemos visto tenéis mini-críricas más abajo.
El festival, que ya era una presencia constante en la ciudad de Sitges, ha encontrado otra manera de estar siempre en la memoria de todos los sitgetanos. Se ha inaugurado una estatua en piedra caliza en Carrer de Ramon Planes con Carrer de la Punta de les Mabres. Su autor ha sido Antoni Parera Buxeres y mide unos tres metros de altura. Por supuesto está coronada por Kong, en la misma pose que el logotipo del festival.
‘Vieja loca’ llega con el aval de J.A. Bayona como productor, apoyando a Martín Mauregui en un thriller psicológico de atmósfera enrarecida. La historia sigue a Pedro (Daniel Hendler), atrapado en el cuidado de Alicia (Carmen Maura), una anciana cuya mente se mueve entre la ternura y la locura, transformando la convivencia en un secuestro emocional. Los pormenores que nos sumergen en el decrépito caserón donde transcurre la acción son de los mayores aciertos pues es decadente, oscuro y cargado de simbolismo. La fotografía potencia la sensación de amenaza mediante sombras y desenfoques, reforzando la idea de que la verdadera locura está en lo oculto. Aunque la trama repite recursos y el desenlace resulta flojo, destaca la interpretación magnética de Maura, que sostiene una película irregular pero inquietante, ideal como carta de presentación para su director.
‘Alpha’ consolida a Julia Ducournau como una autora valiente y provocadora. Es una película más lograda y con un mensaje más claro que ‘Titane’, una fábula corporal sobre contagio, miedo y la negación a la pérdida que parece salida de la era del cine quinqui o de los tiempos de la confusión sanitaria del VIH y el COVID. Con una atmósfera asfixiante y un tono de pornodrama emocional, Ducournau ofrece una experiencia tan hipnótica como agotadora. Mélissa Boros y Tahar Rahim brillan, pero es Golshifteh Farahani quien aporta humanidad y equilibrio. ‘Alpha’ deslumbra por su poder visual y por su ambición, aunque peca de dramatismo y de exceso simbólico. Una película que se siente, tanto que agota.
Me encanta pasar miedo y con ‘Shelby Oaks’ lo he pasado. Una cinta muy sencilla, con recursos muy usados en el cine de terror y lo bueno es que sigue sorprendiendo y logrando que te quedes pegado a la butaca. Me encanta la manera en la que utiliza el falso documental con material sacado de YouTube y de cómo poco a poco vamos descubriendo imágenes más escabrosas acerca del caso que tenemos encima.
Y es que no os he explicado, en ‘Shelby Oaks’ estamos buscando a Riley y que ha desaparecido después de ir a un pueblo fantasma. Ya que junto a 3 amigos, se encargan de ir a lugares “encantados” en busca de fenómenos paranormales. De verdad, verla. Y si podéis ir a verla sin ver el tráiler, mejor que mejor. Pronto tendréis críticas completa en nuestra web y canal de YouTube.
Uno de los regresos de Sitges 2025. Bartosz M. Kowalski estuvo el año pasado y vuelve con un slasher adolescente que recoge todos los clichés del género: abusones, mobbing, asesino enmascarado, muertes violentas, jóvenes desconectados cuando no tienen el móvil….Pero los ejecuta con mayor intensidad que su película anterior. La historia arranca con Antek, un chico acosado, su hermana mayor que organiza una fiesta, amigos, tensión, y un hogar inteligente que traiciona a sus habitantes cuando el asesino cierra puertas, ventanas y seguridad digital. La dirección, el diseño visual, la atmósfera claustrofóbica y la máscara del villano funcionan muy bien. No todos los personajes están bien desarrollados, pero la suma de ritmo, la sangre y un final que puede pillar a más de uno desprevenido, son sus virtudes.
Sitges 2025 ha visto nacer la iniciativa The Dream Makers que han llevado a cabo Cupra y la ECAC. La ganadora del concurso ha podido rodar bajo la tutela de J.A. Bayona y este es el resultado. Trata de como un viaje para enseñar a un niño a cazar se convierte en una pesadilla. Original, divertido y muy bien rodado. Sin duda su directora Martha Ayerbe ha aprovechado la oportunidad. Se nota el alto presupuesto porque tenemos criatura y es una pasada el diseño y por supuesto el resultado que da en la pantalla.
Un ser de otro planeta es obligada a permanecer en la Tierra para investigar a otro de sus congéneres y ver que está planeando. Un thriller lento, curioso y con ideas muy interesantes.
Su uso de la luz, los colores, hace que ‘Infinite Husk’ tenga una fotografía preciosa. Llena de vida, energía y que tengamos la sensación continua de estar en ese espacio del que nuestros protagonistas vienen.
La película podría ser una gran cinta si no fuese por la gran cantidad de “finales” que comienza a tener. Llega un momento que ya te cansas de ver tantas posibilidades, sabiendo a dónde quieren ir desde el principio. Una pena, porque es cierto que en general la película se disfruta mucho. Aun así, no es ninguna pérdida de tiempo acercarse a ‘Infinite Husk’ donde las lecciones de ciencia están muy bien explicadas.
La novela de Joseph Conrad es de nuevo adaptada, pero esta vez nos vamos a Brasil, con su violencia, sus favelas, sus mafias, drogas y tiranos. Increíble cinta de animación, que embauca desde el minuto uno, con su música, sus movimientos extraños y sus diferentes animaciones, oscuras y otras llenas de colores.
‘Heart of darkness’ me ha parecido una gran adaptación además de una gran película. Juega muy bien sus bazas y demuestra que aún hoy, por desgracia, cualquier corazón puede corromperse. Pero también nos muestra como la bondad existe desde los lugares menos esperados. Con la voz principal de Vincent Cassel hace que le dé un toque de tremenda realidad al personaje.
Tyler Cornack mezcla lo grotesco con lo emocional. Bajo la superficie de un relato sobre una criatura asesina, late una ligera reflexión sobre la adicción, la pérdida y las relaciones enfermizas. El director emplea una metáfora de la dependencia, donde lo monstruoso sirve más como espejo que como amenaza.
Con rostros conocidos como Johnny Pemberton, Robert Patrick o un fugaz Tom Arnold en la apertura y de Kevin Dunn al final, la película propone situaciones que podrían rozar la comedia, pero su tono se hunde en una tristeza narcótica, alimentada por la apatía psicotrópica del protagonista. ‘Mermaid’ no busca asustar, sino incomodar emocionalmente: un retrato oscuro de cómo el deseo y la soledad pueden volverse la peor de las mareas. Sin duda una de las películas más tristes de Sitges 2025.
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