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Crítica: ‘Frankie Freako’

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Sinopsis

La monótona vida del adicto al trabajo Conor se ve sacudida cuando tropieza con el anuncio de la línea de fiestas de Frankie Freako con un extraño duende danzante. ¿Será su entrada a la emoción?

Crítica

Nos divierte añadiendo nuevos miembros al imaginario de los monstruitos

Si alguna vez te preguntaste qué pasaría si ‘Gremlins’ tuviera un hijo ilegítimo con ‘Roger Rabbit’ tras una borrachera en Las Vegas, ‘Frankie Freako’ es la respuesta. Un derroche de marionetas y prótesis que haría llorar de emoción a Jim Henson y temblar a cualquier contable de efectos prácticos. Desde su primera escena, la película deja claro que no se va a tomar en serio a sí misma, apostando por un caos cuidadosamente orquestado que recuerda a los excesos de los 80. Cada criatura es una pequeña obra de arte del cine artesanal, con texturas y expresiones que superan con creces a cualquier monstruo digital moderno.

La película parece un capítulo perdido de ‘Pesadillas’ de R.L. Stine, pero con más resaca y menos supervisión parental. Aquí no hay moralejas edulcoradas ni finales reconfortantes, solo un torbellino de situaciones absurdas que funcionan gracias a un guion que, aunque tarda excesivamente en arrancar, abraza el disparate sin miedo. Los personajes, aunque caricaturescos, tienen el suficiente carisma para sostener el delirio en el que se ven envueltos, y Frankie Freako, en particular, se roba la pantalla con una personalidad tan insoportable como magnética. Eso sí, saldrás imitando al personaje que al igual que Groot solo articula una palabra, en este caso “Shabadoo”.

La moraleja es clara: si eres un workaholic estirado, te mereces que un gremlin de mercadillo te arruine la vida. Y es que ‘Frankie Freako’ es básicamente la versión sobrenatural de una despedida de soltero descontrolada, con la energía caótica de ‘Resacón en Las Vegas’ y diálogos que harían que Lisa Simpson dejase de llamar a la «Línea de Corey». ¿Por qué esto último? Pues porque el filme parte de un hecho real que no es otro que las party lines, esas llamadas multiconferencias que se podían hacer en los 80 y se usaban para ligar.

Apartado especial para su director, el cual es un especialista en efectos especiales. Con sus películas Steven Kostanski está rindiendo al cine de efectos prácticos un homenaje similar al que le rinde David Leitch al de acción con especialistas. Títulos como ‘El vacío’ o ‘Psycho Goreman’ hacen fans al instante y ya son clásicos de culto. Además, ha tenido el detallazo darle a uno de los protagonistas el apellido de John Carl Buechler, artista al que le debemos los efectos de películas como ‘Re-Animator’, ‘Torok, el troll’, ‘Hatchet’, ‘Ghoulies’ o incluso algunos detalles de ‘Indiana Jones y la última cruzada’.

En resumen, un festín de nostalgia ochentera que mezcla terror, comedia y una cantidad absurda de efectos prácticos. No cambiará tu vida, pero es el tipo de locura que merece existir. Es un recordatorio de que el cine de género puede ser puro desenfreno sin renunciar a un cariño evidente por sus influencias. Por cierto, ¿la aceptamos como película navideña? Porque si ‘Jungla de Cristal’ y ‘Gremlins’ entran en la categoría, ‘Frankie Freako’ también merece un hueco en las maratones decembrinas.

Frankie Freako es un homenaje desatado a la serie B, a los ochenta y a las comedias disparatadas, casi cartoon. La película se nos escapó en Sitges pero la vimos en el Festival CutreCon en comunión con el ciclo fantástico Aeterna y con eso queda claro que este filme rinde culto a películas trash pero que tienen buen gusto a la hora de hacer crecer el imaginario colectivo en lo que a monstruitos se refiere. Pese a su aire de gamberrada sin control, es evidente que hay un amor genuino por este tipo de cine, con un cuidado sorprendente en su diseño de producción y en la forma en la que Frankie interactúa con el mundo que lo rodea. Es el momento de dejarse llevar y gritar eso de It’s time to get Freako!

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de febrero de 2025. Título original: Frankie Freako. Duración: 85 min. País: Canadá. Dirección: Steven Kostanski. Guion: Steven Kostanski. Música: Blitz//Berlin. Fotografía: Pierce Derks. Reparto principal: Conor Sweeney, Kristy Wordsworth, Adam Brooks, Matthew Kennedy, Meredith Sweeney, Rich Evans, Rob Schrab, Patrick Baxter, Kate Freund, Mike Stoklasa. Producción: Hangar 18 Media. Distribución: Amazon. Género: fantástico, comedia. Web oficial: comprar en Blu-ray

Crítica: ‘The Witcher: Sirenas de las profundidades’

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Sinopsis

Geralt de Rivia, un brujo mutante y cazador de monstruos a sueldo, recibe el encargo de investigar una serie de ataques que han alterado la paz de un pequeño pueblo costero. Sin esperarlo, se ve inmerso en un conflicto que ha enfrentado a humanos y sirenas durante siglos. Para desentrañar el misterio y evitar que la hostilidad entre ambos reinos desate una guerra sin retorno deberá apoyarse en sus amigos de siempre y en aliados inesperados.

Crítica

The Witcher meets La Sirenita

Os voy a resolver lo primero de todo la curiosidad por la que probablemente hayáis entrado a leer esta crítica. Esta nueva película de animación basada en las obras de Andrzej Sapkowski (que no es la primera ya que se estrenó ‘La pesadilla del lobo’ en 2021) no cuenta con la voz de Henry Cavill. Pero en su sustitución tampoco con la de Liam Hemsworth. Prestan sus voces Anya Chalotra, Joey Batey, Emily Carey, Christina Wren, Mallory Jansen, Brittany Ishibashi… Todos ellos ya conocidos por la audiencia de la serie. Pero a Geralt de Rivia le dobla Doug Cockle. Una especie de acto de justicia ya que este excelente doblador de personajes de videojuegos es quien ha doblado al protagonista en los juegos. Eso sí, en la versión en español vuelve a ser Guillermo Romero, doblador habitual de Henry Cavill.

Dicho esto comentemos esta nueva aventura del brujo de pelo plateado. ‘The Witcher: Sirenas de las profundidades’ es una película episódica, sin ningún evento trascendental en la historia de Geralt de Rivia y si con mucho trasfondo para el cargante y fiel Jaskier. Es una historia que transcurre tras eventos como el de la niña de la sorpresa (Ciri), tras el encuentro con el Djinn o la aventura con el hombre lobo. Pero transcurre antes de visitar Caingorn y darse la masacre, como bien sabrán los conocedores de esta franquicia. Bien intuirán también los lectores que esta película de animación se basa en ‘Un pequeño sacrificio’, el relato incluído en ‘La espada del destino’.

Como tantas otras historias e ‘The Witcher’, razón por la que un servidor consideró los libros bastante vagos, la base un cuento clásico. En esta ocasión la aventura que bien tiene elementos también en común con ‘Aquaman’ se basa en ‘La sirenita’. ¡Llegan hasta cantar y no solo Jaskier! Buena parte del metraje es una historia la mar de arquetípica, nunca mejor dicho. Pero si metes una buena tijera a esa parte y nos quedamos con las historias y acción de Geralt y Jaskier, resulta que ‘The Witcher: Sirenas de las profundidades’ se queda en un entretenimiento, del tipo historia de cortes y corsarios. Por supuesto también tenemos el cuento de Hans Christian Andersen popularizado por la Disney embadurnado de monstruos, en esta ocasión de criaturas de las profundidades y el clasicazo del kraken.

Quizá la animación sea lo más digno de mención de esta pildorita que nos mantiene vivo al personaje hasta la llegada del menor de los Hemsworth. Studio Mir, los mismos de ‘La leyenda de Korra’, ‘DOTA: Sangre de dragón’ o la próxima versión del ‘Devil may cry’, son los responsables coreanos de este anime que sería más correcto llamar aeni. Su estilo se asemeja al de otras producciones de Netflix, véase ‘Castlevania’, por ejemplo. Las escenas de combate son dinámicas, con movimientos bien coreografiados y mezclas entre ataques y defensas, algo que Studio Mir ha perfeccionado en trabajos anteriores. La paleta de colores es sombría, con tonos fríos y contrastes marcados, lo que refuerza el tono adulto de la historia a pesar de que se base en un cuento infantil. Esto encaja con la atmósfera oscura y realista del universo The Witcher. Geralt tiene un aspecto más estilizado que en los videojuegos, con facciones más marcadas y una armadura detallada. Los diseños de las sirenas combinan elementos fantásticos con un enfoque casi mitológico e incluso lovecraftiano. Aunque predominan los trazos en 2D, algunos efectos de agua, iluminación y magia parecen apoyarse en CGI, lo que añade profundidad sin desentonar con el estilo general. En general ‘The Witcher: Sirenas de las profundidades’ aporta un estilo visual impactante y una ambientación fiel al mundo de Lobo Blanco.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de febrero de 2025. Título original: The Witcher: Sirens of the Deep. Duración: 90 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kang Hei Chul. Guion: Rae Benjamin, Mike Ostrowski. Música: Joseph Trapanese. Reparto principal (doblaje original): Doug Cockle, Anya Chalotra, Joey Batey, Emily Carey, Christina Wren, Mallory Jansen, Brittany Ishibashi. Producción: Hivemind, Netflix, Platige Image, Stuio Mir. Distribución: Netflix. Género: fantasía, aventuras. Web oficial: https://www.netflix.com/title/81484026?s=i&trkid=258593161

Crítica: ‘El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei’

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Un golpe mediático a los secretos mejor guardados del Opus Dei

‘El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei’ es una serie documental de cuatro episodios de 50 minutos, producida por THE MEDIAPRO STUDIO para Max en España, creada y dirigida por la periodista Mònica Terribas. Ya se encuentra disponible en Max desde el 7 de febrero.

El Opus Dei es una institución que si bien está por todo el mundo (como los masones o los mormones) es bien desconocida para mucha gente (como los masones o los mormones). ‘El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei’ ofrece una mirada inédita sobre las experiencias de trece mujeres procedentes de diferentes países, principalmente España, América Latina, Irlanda o Reino Unido. Ellas vivieron dentro del Opus Dei como numerarias, numerarias auxiliares o agregadas (no entraré a explicar este detalle que deberíais ver en el documental). Relatan su posterior ruptura con la organización que opera bajo el amparo del Vaticano, el cual no hace no mucho rebajó sus privilegios. Estas mujeres narran, en primera persona, cómo fueron captadas en la adolescencia, sometidas a un lavado de cerebro con técnicas propias de las multinacionales actuales, anuladas bajo un régimen de estricta obediencia y finalmente forzadas a realizar trabajos no remunerados bajo la justificación de su entrega a Dios.

Los testimonios se complementan de una manera tan curiosa como escalofriante a través de recreaciones interpretadas por la actriz Claudia Traisac, bajo la dirección de Laura Sisteró y cuyo rodaje presenciaron las propias entrevistadas. A parte de esta búsqueda de verosimilitud la docuserie incorpora el análisis de expertos en la materia, como el periodista británico Gareth Gore, autor de ‘Opus’ (Editorial Crítica), Antonia Cundy, periodista del Financial Times, el psicólogo John Paul Lennon, especializado en abusos religiosos y sectas o el abogado Sebastián Sal, defensor del ‘caso de las 43’, exnumerarias auxiliares en Argentina y otros países de América Latina. Todos ellos contextualizan y respaldan los testimonios aportando un cómo y un por qué que resulta alarmante en pleno siglo XXI.

A pesar de que el Opus Dei ha sido objeto de críticas desde los años setenta por sus dinámicas coercitivas, esta es la primera serie documental que aborda el tema con múltiples casos y testimonios coincidentes. La directora Mònica Terribas ha declarado que ‘El minuto heroico’ pone ante el espejo al Opus Dei, reflejando las vivencias de mujeres que denuncian haber sufrido abusos psicológicos y espirituales dentro de la organización. Sin embargo, la producción no está exenta de controversia y podría haber sido incluso más completa o valiente, aunque desconozco si lo ha intentado HBO Max nos ha permitido ver el último episodio y en el indican que el Opus se ha negado a participar en el documental. La ausencia de voces defensoras del Opus Dei da lugar a una perspectiva parcial. Haber contado con miembros actuales de esta organización, tachada muchas veces de secta, podría haber servido para dar más empaque al documental e incluso para que ello mismos se retratasen como quisiesen.

En términos de producción, la serie podría parecer sencilla, pero el tema de las recreaciones genera un impacto inesperado. La estructura es correcta y uno devora los cuatro episodios con avidez según se va deshojando esta cebolla que nos puede hasta hacer llorar. ‘El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei’ es un relato impactante que, sin duda, dará de qué hablar en el debate sobre los límites entre la fe, el peso de la familia y el control institucional.

Crítica: ‘Black box diaries’

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Sinopsis

Nominado al Óscar, el relato en primera persona de la periodista Shiori Ito sobre la investigación de su propia agresión sexual por parte de un alto cargo de la televisión japonesa.

Crítica

Fuerza y valentía es lo que nos muestra este documental

Shiori Itô, nos cuenta su propia historia en este documental en el que deja todo su ser al descubierto. ‘Black box diaries’ nos cuenta la odisea de esta mujer para que su violador no quedase impune.

Estamos hablando de una mujer japonesa, en un país muy adelantado para unas cosas, pero para otras, aún sigue siendo un país bastante retrogrado. En el tema de la mujer y los abusos sexuales, aun se tiene que luchar mucho y sin duda ver todo lo que tiene que pasar Shiori Itô para que la hagan caso es descomunal. Un compañero periodista la violó en un hotel cuando ella había bebido y al no estar demostrado el no consentimiento comienza una terrible pesadilla para ella.

Desde la policía intentando convencerla para que lo deje pasar, por su propia carrera, pues la dicen que al ser periodista la van a hundir y dejar sin trabajo. Y también por la sociedad. La llaman oportunista, y un sinfín de insultos que aquí no voy a enumerar. Pero no solo hombres, si no que también provienen de mujeres. Esto es por lo comentado anteriormente, y es que es una cultura bastante machista. En la que muchas mujeres están a favor de ese tipo de tratos y que creen que callar siempre es lo mejor.

Me gusta mucho los pasos que va dando la directora, al final el ser periodista también hace que su manera de buscar la información le haya sido bastante más fácil y el ser la víctima, pues haya podido acceder a todas las personas que la vieron aquella noche. Desde el conductor que les llevó al hotel, las cámaras de vigilancia y los policías que la atendieron son clave en toda esta investigación.

Este documental está realizado como una manera de cura, una manera de sanar las heridas internas que le han quedado. Su familia también sufrió por el deshonor y al igual, todo esto entra dentro de esa cultura tan tradicional. La periodista sufre por todos lados, pero tiene unos grandes amigos que están ahí para ayudarla en todo. Cosa que vemos durante la hora y media que dura este documental.

Pero además de denunciar, Shiori Itô hizo algo mucho más valiente, y es que dio una rueda de prensa, mostró su cara y respondió todas las preguntas que le hacían. Además de asistir a todos y cada uno de los juicios que tuvieron desde que denunció por primera vez.

La violación ocurrió en 2015 y hasta 2022 no consiguió ganar por fin. Ver como dentro de un coche, se entera por fin de que esta terrible etapa se termina, bailando ‘I Will Survive’ da un poco de esperanza en este mundo tan loco. Gracias a todo lo ocurrido, a ser precursora del movimiento Mee too en Japón, muchas mujeres comenzaron a hablar. Y en 2023, se aprobó una reforma de la ley que incluya la falta de consentimiento como clave en los delitos sexuales y también el cambio de la edad mínima para el consentimiento sexual, de 13 años a 16.

Un paso agigantado para una sociedad muy cerrada en sí misma y a sus antiguas leyes. Una sociedad que lincha a una mujer a la que han agredido y defiende al agresor. La rueda de prensa que da el periodista también me parece un documento tremendo para este documental.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de febrero de 2025. Título original: Black Box Diaries. Duración: 99 min. País: Japón. Dirección Shiori Itô. Guion: Shiori Itô. Música: Mark De Gil Antoni. Fotografía: Yuta Okamura, Keke Shiratama, Hanna Aqvilin. Reparto principal: Shiori Itô. Producción: Cineric Creative, HannasH Film, Spark Features, Star Sands. Distribución: Filmin. Género: Drama. Web oficial: https://prensa.filmin.es/estrenos/black-box-diaries

Crítica: ‘Maria Callas’

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Sinopsis

‘María Callas’, la nueva película dirigida por Pablo Larraín, narra los últimos días de vida de la legendaria soprano María Callas en el París de los años 70. La película, protagonizada por Angelina Jolie, sigue un enfoque similar al de otras obras de Larraín, como Jackie y Spencer, explorando momentos específicos y cargados de emoción en la vida de estas icónicas mujeres.

Crítica

Jolie espléndida. Larraín anclado en el homenaje contemplativo basado en su propia imaginación

El cine de Pablo Larraín ha establecido una marca distintiva en el género biográfico, con una fijación casi obsesiva por desmenuzar a figuras icónicas, humanizarlas y al mismo tiempo, rendir homenaje a su legado. ‘Maria Callas’, protagonizada por Angelina Jolie, se suma a este corpus como un estudio íntimo y melancólico sobre los últimos días de la diva de la ópera, pero con un enfoque que, aunque admirable, se siente algo distante y poco efectivo, sin embargo, lejos de lo desastroso que fue ‘Spencer’.

Angelina Jolie encarna a Maria Callas con un porte elegante y un aire trágico que captura la fragilidad emocional de la soprano. Jolie no intenta imitar a Callas de manera literal (como comprobamos con las imágenes de los créditos), sino que interpreta su esencia con una profundidad emotiva que resulta conmovedora. Sin embargo, la película tiende a apoyarse demasiado en la presencia magnética de Jolie, dejando que la narrativa se deslice en una contemplación que a veces roza lo estático. Aunque el trabajo de Jolie es notable, no alcanza el nivel transformador de Natalie Portman en ‘Jackie’, donde Larraín parecía estar en completa sintonía con sus protagonistas. Aún así el enfoque psicológico aporta un matiz interesante a buena parte de la película, empleando metáforas y un poco de imaginería. Sin embargo, esta decisión también subraya un problema narrativo: la película parece preocupada por construir un homenaje atmosférico y subrayar como fantasmas los conflictos internos de La Callas, pero carece de hilo y es redundante.

En términos visuales, Maria Callas es un deleite, como es habitual en el cine de Larraín. La fotografía evoca tanto la opulencia de la ópera como la soledad de los escenarios vacíos. El filme parece gritar que las arias y cantos líricos que entonan tenores y sopranos también están dirigidos proféticamente a un arte que caerá en el olvido o el menosprecio. Prueba de ello es la mismísima secuencia inicial, la cual supone un repaso más propio de un epílogo que de un prólogo. Con muchos planos kubrickianos y ensalzando una opulencia muerta, las imágenes, a veces también de una grandiosidad que nos achica, amedrentan cualquier espíritu alegre u optimista con el que hayamos podido entrar a la sala. ‘Maria Callas’ es un filme triste y nostálgico.

La comparación con otros biopics de Larraín es inevitable. En ‘Jackie’, la viuda de Kennedy se enfrenta al duelo mientras navega por un panorama político implacable, brindándonos una oportunidad única de explorar una parte menos considerada en un momento tan histórico como el recogido por la cinta zapruder. En ‘Spencer’, Diana de Gales experimenta una crisis existencial en un entorno sofocante y una semana decisiva. Ambas películas presentan a mujeres atrapadas en jaulas doradas, pero ‘Maria Callas’ lo que hace es intentar elevar la intensidad psicológica a través de traumas y divagaciones imbuidas por medicamentos. Mientras que ‘Jackie’ y ‘Spencer’ se desarrollan en momentos críticos de las vidas de sus protagonistas, ‘Maria Callas’ opta por un enfoque más reflexivo y menos narrativamente dinámico, lo que podría desilusionar a algunos espectadores. En cuanto a su comparación con ‘Neruda’ y ‘El Conde’, este largometraje tiene mejor ritmo que la cinta sobre el poeta y carece absolutamente por completo del toque satírico o crítico de la experimentación empleada en la obra sobre el dictador. Larraín utilizó elementos metaficcionales y surrealistas para explorar a los personajes chilenos, pero en ‘Maria Callas’ adopta un enfoque más convencional y respetuoso. Si bien esto es apropiado para el personaje, también limita las posibilidades creativas de la película. No obstante, lo que queda claro es que Larraín se encuentra cómodo rellenando con su imaginación episodios y momentos íntimos de celebridades que nos dejaron.

Uno de los aspectos más interesantes de ‘Maria Callas’ es como retrata el aislamiento que acompaña a la grandeza, los anhelos por controlar la vida propia y una obsesión inmoladora por el canto. Larraín muestra a Callas como una mujer atrapada entre su arte y aquellos que facilitaron sus vicios y necesidades, lo cual empieza a ser un tema recurrente en su filmografía. Sin embargo, mientras que en ‘Spencer’ o ‘Jackie’ este cautiverio se traduce en un drama urgente, aquí se siente más como un retrato estático, como si Larraín estuviera más interesado en observar a Callas desde la distancia, sin prisas por rendirle homenaje.

En última instancia, ‘Maria Callas’ es una obra visualmente impresionante y emocionalmente resonante, pero no alcanza el impacto de las mejores películas de Larraín. Angelina Jolie ofrece una interpretación digna de admiración, pero la película, aunque sólida, carece de la chispa innovadora que caracteriza los trabajos más audaces del director chileno. Es una pieza que probablemente será apreciada por los amantes de la ópera y los seguidores tanto de Callas como de Jolie, pero que podría dejar a otros anhelando una conexión más profunda y visceral o por lo menos un chorreo de información más sugerente.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de febrero de 2025. Título original: Maria. Duración: 124 min. País: Italia, Alemania. Dirección: Pablo Larraín. Guion: Steven Knight. Fotografía: Edward Lachman. Reparto principal: Angelina Jolie, Pierfrancesco Favino, Alba Rohrwacher, Haulk Bilginer, Kodi Smit-McPhee, Stephen Asfield. Producción: The Apartment, Komplizen Film, Fabula. Distribución: Diamond Filmas. Género: drama, biográfica. Web oficial: https://www.komplizenfilm.de/en/movies/maria

Crítica: ‘Fuera de la ley’

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Sinopsis

Will (Himesh Patel) y Terry (Joseph Gordon-Levitt) son dos agentes de policía que se ven envueltos en un escandaloso crimen. Con el descubrimiento de un millón de dólares, los problemas se multiplican para los agentes. Los habitantes del pueblo, tan peculiares como codiciosos, también quieren adueñarse del botín.

Todos ellos irán tomando una serie de decisiones cada vez más equivocadas y al margen de la ley que pondrá patas arriba toda la hasta ahora pacífica comunidad.

Crítica

Bebe acertadamente de fuentes como los hermanos Coen y la ficción criminal televisiva

‘Fuera de la ley’ (‘Greedy People’) es una película dirigida por Potsy Ponciroli, que se adentra en el género de la comedia negra con tintes criminales. Larga es la sombra de los hermanos Coen pues parece que Ponciroli, influenciado por tan influyentes cineastas, realiza en ‘Fuera de la ley’ un filme tragicómico y coral que sigue la senda de películas como ‘Ladykillers’, ‘Quemar después de leer’ o incluso ‘Fargo’ en cierta medida. Todo es un desfile de personajes pintorescos e incluso cómicos hasta que la trama se torna tremendamente oscura. Al igual que muchas historias de los Coen transcurre en una pequeña localidad de la américa tradicional y profunda en la que lo mundano se entrelaza con lo macabro.

La trama se sitúa en una pequeña localidad isleña. Los protagonistas son un reciente y atípico dúo policial en el que Josep Gordon-Levitt interpreta a un policía impulsivo y con sus vicios mientras que Himesh Patel es un estresado padre en ciernes que llega a la nueva comisaría. Este contraste entre personalidades establece una dinámica interesante y divertida. Pero pronto se produce un punto disruptivo que torna el filme en un enredo constante de ominosa solución.

El filme presenta una serie de personajes pintorescos que aportan momentos de humor y tensión a partes iguales. Sin embargo, a medida que la trama progresa, la acumulación de eventos violentos y decisiones erróneas transforma la comedia inicial en una narrativa más sombría. Esta transición tonal tiene un punto claro de cambio (que no desvelaré) y desbarata por completo las impresiones iniciales. Es una apuesta tan ambiciosa como indica su propio título original y al contrario que le sucede a sus propios protagonistas Ponciroli y su guionista Mike Vukadinovich (‘Kidding’) salen airosos pues las sensaciones que deja son buenas, a pesar de ser extremadamente discordantes con sus intenciones.

La película se administra bien en cuanto a incorporar personajes, añadir running gags o dejar ingredientes o misterios pendientes. No es que ‘Fuera de la ley’ plantee un puzle complejo, pero si genera interés por cómo va a resolverse tan intrincado enredo. Y todo esto no lo hace solo a base de acompañar a los dos policías por su truculenta situación, sino con una estructura episódica. Ahora que están tan de moda series tipo ‘Crimen en el paraíso’, ‘Padre Brown’ y demás producciones churreras surgidas de ‘CSI’, esta película llega para atraer al cine al público televisivo.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de febrero de 2025. Título original: Greedy People. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Potsy Ponciroli. Guion: Mike Vukadinovich. Música: Jordan Lehning. Fotografía: Eric Koretz. Reparto principal: Himesh Patel, Josep Gordon-Levitt, Lily James, Uzo Aduba, Tim Blake Nelson, Simon Rex, Nina Arianda. Producción: Boies Schiller Entertainment, Hideout Pictures, Limelight. Distribución: Filmax, Twelve Oaks Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://hideoutpictures.com/greedy-people/

Crítica: ‘Bodegón con fantasmas’

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Sinopsis

Rodeados por viñedos y tierras de cereales, los habitantes de un pueblo de La Mancha pasas sus días con normalidad. Unos, los vivos, luchando contra los aprietos de la vida. Otros, los fantasmas, lidiando con los sinsabores de la muerte.

Crítica

Surrealista, divertida y entrañable

Me encanta encontrarme todos los años pequeñas joyas. Digo pequeñas, porque son películas especiales, de las que entras para reírte un rato y son de las que te dejan un gusto y un recuerdo tan bueno que quieres que todo el mundo la vea. Pero que, a la vez, sé que son películas que por desgracia, mucha gente pasa por alto a la hora de elegir comprar una entrada de cine. Y ojalá no pase eso con ‘Bodegón con fantasmas’

Antes de nada, no, ‘Bodegón con fantasmas’ no es una tremenda obra maestra, tampoco es lo que intenta y es que es una película en la que nos vamos a un pueblo de la Mancha, en donde viviremos situaciones en la que la vida y la muerte conviven de una manera natural y sencilla. Una película costumbrista con fantasmas y que sin duda va a gustar a muchos.

‘Bodegón con fantasmas, se divide en 5 cortos, que suceden en el mismo pueblo, pero distintas familias y es cierto, que alguno me gustó mas que otros, pero también para eso están, no todo puede salir redondo, como la vida, y quizás el corto que a mi me haya gustado menos a otra persona es el que más le gusta.

Hay situaciones que son tan españolas que dudo mucho que la cinta se entienda fuera. Un homenaje a las Caras de Velmez y ver una güija bordada en un mantel. Pero no solo eso, los comportamientos. Esos vecinos que se conocen todos los pormenores de todo el pueblo. Una mujer que fingió su desaparición hasta que se olvidase lo que hizo un familiar en su día, para poder vivir tranquila, cosas que desde fuera se ve y dices, que locura, pero tan reales como la vida misma.

No había visto nada de Enrique Buleo, y sin duda tengo mucha curiosidad de encontrar sus cortometrajes, porque ‘Bodegón con fantasmas’ me ha encantado. Ese humor tan absurdo que consigue que te rías y además cojas mucho cariño a los personajes que aparecen en las distintas historias.

En el reparto nos encontramos con Jordi Aguilar, Eduardo Antuña, Enric Benavent, Patty Bonet, José Carabias, Ferran Gadea, Cristina García, Bianca Kovacs, Gloria Martínez, Pilar Matas, Nuria Mencía, Fernando Sansegundo y Consuelo Trujillo.

El trabajo técnico de la película me ha gustado mucho y es que la música, el sonido que tiene es fabuloso. Y la fotografía igual, es super sencilla, pero enmarcando todos los detalles que el director planta en la película. También el vestuario está muy trabajado, con colores poco llamativos y que se mezclan con las casas.

Sin duda, ‘Bodegón con fantasmas’ es una cinta muy entrañable, llena de surrealismo que a muchos les va a recordar las visitas al pueblo. Además de tener un contenido sobrenatural muy de la casa.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de febrero de 2025. Título original: Bodegón con fantasmas. Duración: 87 min. País: España, Serbia. Dirección: Enrique Buleo. Guion: Enrique Buleo. Música: Sergio Bertran. Fotografía: Gina Ferrer García. Reparto principal: Consuelo Trujillo, Fernando Sansegundo, Enric Benavent, Gloria Martínez, Eduardo Antuña, Patty Bonet, Cristina García, Pilar Matas, Bianca Kovacs, Nuria Mencía, Jordi Aguilar, José Carabias. Producción: Cuidado con el Perro, Quatre Films, Sideral Cinema, This and That Productions. Distribución: Género: Web oficial: https://www.sideralcinema.com/estreno/bodegonconfantasmas

Crítica: ‘Memorias de un caracol’

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Sinopsis

En la Australia de los años 70, la vida de Grace está marcada por la desgracia y la pérdida. Cuando su unidad familiar se desmorona y es separada de su hermano gemelo, Gilbert, desarrolla una afición a coleccionar adornos de caracoles para calmar su soledad. Grace encuentra esperanza cuando desarrolla una amistad con una anciana excéntrica, Pinky, quien la inspira a salir de su caparazón y dejar de lado las cosas que alborotan su hogar y su mente.

Crítica

Un talentoso stop motion chocando con una historia para nada animada

‘Memorias de un caracol’ es una obra que, aunque visualmente está muy elaborada y entra por la vista, sobre todo se queda grabada por como profundiza en cuestiones humanas de una forma sombría y desgarradora. Dirigida por Adam Elliot, la película aborda temas como la soledad, el duelo y el bloqueo que impide avanzar por adversidades autoimpuestas. La protagonista, Grace, se convierte en un símbolo del encierro emocional y la búsqueda de liberación, encapsulada en la analogía del caracol y su caparazón. Es una historia que invita a reflexionar sobre cómo los seres humanos procesan sus cicatrices y encuentran fortaleza en sus conexiones con los demás.

La relación de Grace con Pinky, una anciana excéntrica y maternal, brilla como el eje emocional de la trama. Pinky no solo actúa como mentora, sino que también ofrece una perspectiva optimista frente al dolor, ayudando a Grace a enfrentar sus propias limitaciones. Esta dinámica es la única en la que el espectador encuentra algo de luz. Esta relación está muy bien interpretada por Sarah Snook y Jacki Weaver, cuyos matices vocales llenan de vida y profundidad emocional a los personajes. Sin embargo el resto del filme nos embadurna de depresión y pesadumbre, cuidado si buscáis un título optimista porque ‘Memorias de un caracol’ está muy lejos de ser algo así.

El filme no se conforma con explorar el duelo desde un punto de vista tradicional. Desde los conflictos internos de Gilbert, el hermano de Grace, hasta la representación de un mundo opresivo que asfixia a sus protagonistas, la película ahonda en una visión cruel de la realidad. Las tragedias que enfrentan, desde el abuso hasta la pérdida, no son solo giros argumentales, sino vehículos para subrayar la resiliencia y miseria humana. En particular, el final (que también es el comienzo), donde Grace encuentra motivación en las palabras finales de Pinky, es un recordatorio de que avanzar, aunque lento y arduo como el andar de un caracol, sigue siendo el único camino posible.

A pesar de su riqueza emocional, la narrativa puede resultar pesada por momentos, lo que hace que algunos espectadores puedan desear un ritmo más ágil. Si bien esta lentitud puede considerarse un defecto, también refuerza la atmósfera reflexiva de la obra. Si eres de los que disfrutan el stop motion puedes tener momentos de gran poder visual y complejidad ya que esta película no tiene nada que envidiar a las que surgen de factorías como Aardman o Laika. Por otro lado si eres fan de Tim Burton encontrarás en ‘Memorias de un caracol’ una digna sucesora.

En última instancia, ‘Memorias de un caracol’ es una película que, aunque no apta para quienes buscan entretenimiento ligero o animado, ofrece una experiencia visual y emocional profunda. Es un recordatorio de que el stop motion sigue siendo un medio poderoso para explorar las emociones humanas y los temas universales que nos conectan a todos, prueba de ello es su presencia en Annecy o los próximos Globos de Oro.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de enero de 2025. Título original: Memoir of a Snail. Duración: 95 min. País: Australia. Dirección: Adam Elliot. Guion: Adam Elliot. Música: Elena Kats-Chernin. Fotografía: Gerald Thompson. Reparto principal (doblaje original): Jacki Weaver, Sarah Snook, Charlotte Belsey¸ Agnes Davison, Mason Litsos, Daniel Agdag, Eric Bana, Saxon Wright, Dominique Pinon¸ Selena Brennan, Adam Elliot. Producción: Arenamedia, Screen Australia, Snails Pace Films. Distribución: Alfa Pictures, Mader Films. Género: drama, comedia. Web oficial: https://alfapictures.com/sp/amy_movie/memorias-de-un-caracol/

Crítica: ‘La acompañante’

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En qué plataforma ver La acompañante

Sinopsis

La muerte de un multimillonario desencadena una serie de acontecimientos para Iris y sus amigos durante un viaje de fin de semana a su finca junto al lago.

Crítica

Repleta de cuestiones actuales… y sangre

En ‘La acompañante’, Drew Hancock nos entrega un filme que, lejos de limitarse al terror enlatado, apuesta por un convertir su relato en una aventura sangrienta con materia a tratar. La película plantea preguntas incómodas sobre las dinámicas de poder en las relaciones, el papel del individuo en una sociedad cada vez más dependiente de la tecnología y lo que realmente significa ser humano en un mundo que nos reduce a meros consumidores o acompañantes. Sin entrar en detalles específicos, el relato aborda temas como el empoderamiento y la resistencia en una sociedad que, a menudo, cosifica y deshumaniza tanto a las mujeres como a aquellos que dependen sentimental o económicamente de sus parejas.

Sophie Thatcher, a la que pudimos ver recientemente en ‘Heretic’, registra una actuación que sorprenderá a muchos. Su interpretación es sutil, compleja y cargada de matices. Logra transmitir una mezcla de vulnerabilidad y fuerza que eleva la película de un simple ejercicio de terror a un relato que aborda sentimientos y conciencia. Hancock aprovecha su talento al máximo, dándole escenas que son emocionalmente limite sin perder de vista el horror y diversión que subyace en la narrativa.

El casting nos proporciona, desde un simpático boy scout a una versión rusa de Charlie Sheen, ofreciéndonos el abanico de posibilidades de esos survival horror o slasher en los que sabes que va a morir hasta el apuntador, pero no sabes cómo o en qué orden. Quien busque un divertimento sanguinolento debe recordar que este director ha sido guionista en series de Adult Swim como ‘Mr. Pickles’, a si es que lo tiene asegurado. Quien busque terror quizá se decepcionará porque el propio cartel del filme vende más miedo del que realmente hay. Pero la película tiene más que ofrecernos, mucho más que no hay que leer entre líneas precisamente.

A partir de aquí hablaré en clave de spoiler ya que los propios tráilers de Warner Bros. mostraban abiertamente lo que vamos a tratar.

Precedentes como ‘Muñeco diabólico (Child’s play)’ o ‘Pequeños guerreros’ son el germen moderno de películas como ‘La acompañante’, pero estamos ante un cine que se atreve o se ve obligado incluso a desarrollar otros argumentos, ya sea por evitar la repetitividad o por poner sobre la mesa otras cuestiones. Recientemente hemos tenido nuevas versiones de Chucky, la muñeca bailarina de ‘M3gan’ o siguiendo con ese nombre la película que protagonizaba hace unos meses Megan Fox (‘Alice. Subservience’). Lógicamente en ‘La acompañante’ también está aquel miedo que sembró en su día ‘Terminator’, el cual, hoy por hoy se ha tornado real entre los artistas con el creciente uso de las inteligencias artificiales. Por supuesto están muy presentes las leyes de la robótica de Asimov y el hecho de que vivimos en un mundo con coches y casas automatizadas. A esto hay que añadirle que pasamos por una época en la que el entretenimiento audiovisual no parece tener límites y quién mejor para protagonizar una película que contiene connotaciones sexuales y violencia que uno de los protagonistas de ‘The Boys’ como Jack Quaid. Toda esta serie de referencias o símiles no suponen el nacimiento de esta película de Drew Hancock pero sí nos ponen contexto y precedentes suficientes. Llegamos con ello a una de las lecturas que extraemos de ‘La acompañante’, que no es otra es que el ser humano tiene una naturaleza violenta y el hombre en concreto es visto como un maltratador. No creo que el director haya querido retratar a todos los hombres como artífices de violencia de género pero sí, mostrar que estamos ante una generación que cree que puede controlar a sus parejas simplemente con un teléfono móvil. Esa lectura es escalofriantemente real y al margen del entretenimiento sangriento y cómico que supone ‘La acompañante’ hemos de saber apreciarla.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de enero de 2025. Título original: Companion. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Drew Hancock. Guion: Drew Hancock. Música: Hrishikesh Hirway. Fotografía: Eli Born. Reparto principal: Sophie Thatcher, Jack Quaid, Harvey Guillén, Rupert Friend, Megan Suri, Lukas Gage, Marc Menchaca.  Producción: BoulderLight Pictures, New Line Cinema, Vertigo Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: terror. Web oficial: https://www.instagram.com/boulderlightpictures/

Crítica: ‘Los 30 (no) son los nuevos 20’

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Sinopsis

Los 30 (no) son los nuevos 20 cuenta la historia de David, quien ha cumplido los temibles 30 y lo celebra de una forma diferente: con sus amigos en el pueblo, pero también con algunos actores y un equipo de rodaje. A pesar de las ganas de juntarse, la distancia y los años lo han cambiado todo. La fiesta termina por convertirse en un manifiesto de la generación millennial.

Crítica

Nos mueve entre los 30 y el desencanto con una mirada franca

Juan Vicente Castillejo irrumpe en el panorama cinematográfico con su cortometraje ‘Los 30 (no) son los nuevos 20’, un retrato íntimo y sincero de la generación millennial, con el cual ha sido capaz de colarse entre los nominados a los Premios Goya 2025. En este trabajo, el director utiliza la celebración de un cumpleaños como hilo y contexto para explorar las dinámicas de amistad y la sensación de incertidumbre que caracteriza a esta generación, atrapada entre expectativas sociales de éxito y un momento de libertinaje similar al que experimentaron algunas generaciones anteriores.

El corto, filmado en un entorno rural, no solo destaca por su autenticidad narrativa dentro de lo que muchas veces se percibe como ficcionado, sino también por su capacidad para conectar con experiencias universales de madurez temprana. Castillejo combina momentos aparentemente banales con lo que parecen reflexiones sobre el paso del tiempo, los cambios de perspectiva y la desconexión emocional, todo ello con un enfoque que de soslayo retrata a las generaciones de desplazados conocidos como provincianos.

El director explora la identidad y comunidad a través de la empatía y la franqueza. La propuesta es más que personal y logra conectar con aquellos treintañeros y cuarentones que han perdido el contacto con sus amigos de la adolescencia pero que aun así intentan mantener vivo con su propio ser púber. Aunque la obra se apoya en una mirada nostálgica, también es un testimonio de resiliencia actual y de cómo esta quinta ha experimentado un boom sexual.

A modo de analizarlo como documental el discurso puede resultar limitado, sobre todo para quienes buscan una perspectiva más estructural o analítica sobre los desafíos de los millennials. El mérito de Castillejo radica en capturar, con honestidad y sin pretensiones, la insondabilidad emocional (si se me permite el palabro) de quienes navegan entre los 30 y el desencanto.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Los 30 (no) son los nuevos 20. Duración: 20 min. País: España. Dirección: Juan Vicente Castillejo. Guion: Juan Vicente Castillejo, Alba Pino, Tamara Santos Iglesias. Música: Delson Aravena. Fotografía: Gloria Gutiérrez Asia. Reparto principal: Inma Almagro, Miguel Santillana. Producción: LaBonica Films, Pasajes Invisibles. Distribución: BTeam Pictures. Género: documental. Web oficial: https://labonicafilms.com/los30/

Crítica: ‘La fiebre de los ricos’

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Sinopsis

Un virus mortal empieza a infectar a las personas más ricas del mundo, justo cuando Laura está en su etapa profesional más exitosa y en ascenso. El virus solo parece afectar al principio a los multimillonarios, pero pronto se expande hasta abarcar riquezas más modestas, lo cual obliga a todo el mundo a deshacerse de sus fortunas. El problemas es que ya no queda nadie a quien venderlas… Lucha de clases y ciencia ficción pandémica se dan la mano en esta distopía del director de la multipremiada ‘El Hoyo’.

Crítica

Una dura crítica a nuestra sociedad

Galder Gaztelu-Urrutia llega a la gran pantalla con ‘La fiebre de los ricos’ y es que después de su gran éxito ‘El hoyo’ vuelve a darnos que pensar de esta sociedad en la que vivimos.

No tiene ninguna complejidad, un extraño virus acosa a las personas millonarias. Éstas deben huir y hacer desaparecer todas sus riquezas si no quieren morir.

Admito que, en mi caso, la película me ha parecido un poco pesada, está muy bien dirigida y muy bien contada. Sobre todo, porque sabes que el autor quiere mostrarte esa eterna lucha de clases y el sufrimiento que se crea con ello. En este caso es al revés. Los ricos deben huir en pequeños botes por el mar para poder lograr sobrevivir. Deben de marchar en donde no hay nada, para comenzar de nuevo y ser libres. Pero, nos muestra la cara más terrible del ser humano y son las trampas, la manera en la que estos ricos, se la quieren jugar a sus subdítos y como les cuesta dejar atrás todas sus pertenencias. Pese a pasar por tanto dolor, pérdidas humanas y sufrimiento.

Es un gran reflejo de la sociedad de hoy en día, donde da igual quien muere en el mar, porque no es cosa nuestra, da igual quien tenga mas o menos, porque al final el individualismo es lo que cuenta en esta sociedad que se ha olvidado de colaborar y conseguir ser mejor como conjunto.

Sin duda el punto fuerte es el pedazo de reparto que tiene la película y es que ya la protagonista, Mary Elizabeth Winstead, hace que veamos que sin duda han apuntado fuerte. Pero no solo ella, tenemos a Timothy Spall, Lorraine Bracco, Jonah Hauer-King, Rafe Spall o Richard Sammel entre otros.

Como he comentado, la película se me hizo bastante tediosa, y es que entiendo que querían mostrar todo el camino a la inversa que sufren millones de personas al día por intentar escapar de la pobreza, por intentar conseguir una vida nueva, pero admito que llega un momento que termina cansando, y no significa que no me importe, si no que pone absolutamente todos los casos que le pueden ocurrir a estar personas y llega a ser aturdidor.

Pero pese a mi opinión, admito que no es una mala película. Está muy bien dirigida, escrita y contada, además de que como digo, las actuaciones son estupendas. Mary Elizabeth Winstead está increíble, la coges una manía impresionante según avanza la película y es que sin duda es el reflejo de la codicia. Una persona que después de todo lo que le está pasando a ella y al mundo le da igual todo, ella solo quiere sus cosas, solo le importa ella y nadie más. Y es que lo hace fenomenal. 

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: Rich Flu. Duración: 119 minutos. País: España. Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia. Guion: David Desola, Pedro Rivero, Galder Gaztelu-Urrutia. Música: Aránzazu Calleja. Fotografía: Jon D. Dominguez. Reparto principal: Mary Elizabeth Winstead, Rafe Spall, Lorraine Bracco, Timothy Spall, Dixie Egerickx, César Domboy. Producción: Nostromo Pictures, Fabula, Basque Films, Mamma Team Productions, Canary Pictures Vehicles. Distribución: Filmax. Género: Thriller. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/la-fiebre-de-los-ricos.306

Crítica: ‘Canina’

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Sinopsis

Una mujer, pausa su carrera profesional para ejercer de madre y ama de casa, pero pronto su nueva vida doméstica da un giro surrealista.

Crítica

Inocente y animal, así es la maternidad

Llega ‘Canina’ a nuestras casas gracias a Disney Plus. Una película que se realizó para ir directa a plataformas, pero que en Estados Unidos dio el salto a la gran pantalla. Y la verdad pienso que no hubiese estado mal un estreno en cines, pues ya solo con el papel de Amy Adams, merece la pena.

Conocemos a una madre (su personaje no tiene nombre) que ha dejado toda su carrera artística para cuidar de su hijo mientras su marido se labra una gran vida laboral. En un momento clave de su vida ve como su cuerpo comienza a sufrir cambios, no solo externos, si no internos. Su instinto animal crece y poco a poco ve como va convirtiéndose en un perro.

La película la verdad que es muy graciosa y dura. Es una cinta que habla sobre la maternidad, sobre lo bonito y lo malo. Sobre la soledad que muchas mujeres sienten por no hablar, por no involucrar al marido o simplemente pensar en no molestar. También de los terribles cambios físicos que sufren muchas al ser madres y de como no se habla de eso, de las inseguridades y de que también necesitan un poco de confianza en si mismas. Todo ello adornado con la narración de esta madre un tanto desesperada que adora a su hijo y a su marido, pero que añora su anterior vida. No quiere entablar amistad con más madres, ella quiere conversaciones más inteligentes, que le aporten en su día a día y no tener que estar en cuentacuentos o parques.

Cuando su instinto animal aparece, veremos de lo que es capaz una madre llena de desesperación. Pero como digo, esto parece un dramón, pero lo cuentan de una manera muy divertida y amena. Y logran que entiendas a esta mujer y por lo que está pasando. Admito que una de las cosas que me ha gustado que en el fondo no culpa de todo al marido como terminan siendo muchas de estas películas. Un poco sí, pero realmente ves, que es ella la que muchas veces ser cierra puertas como madre protectora.

La directora, Marielle Heller, juega muy bien con la ciencia ficción en esta cinta tan profunda a la vez que inocente. Amy Adams está maravillosa. Tiene un papel muy tierno y lleno de matices. Pero también cuando muestra su lado más animal, recordamos lo gran actriz que es.

‘Canina’ es una película del resurgir de una madre a adulta funcional de nuevo. La recuperación de su salud y sus ilusiones pasan por darse cuenta de que la maternidad no es terminar con lo que una mujer es, si no que es complementario y de ello también se puede aprender nuevas cosas y poder utilizarlas en la vida.

 Ficha de la película

Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: Nightbitch. Duración: 98 min. País: Estados Unidos. Dirección: Marielle Heller. Guion: Marielle Heller, novela de Rachel Yoder. Música: Nate Heller. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: Amy Adams, Scott McNairy, Mary Holland, Ella Thomas, Kerry O’Malley, Jessica Harper, Michaela Baham, Stacey Swift. Producción: Annapurna Pictures, Fox Searchlight, Archer Gray, Bond Group Entertainment, Defiant By Nature. Distribución: Disney Plus. Género: Comedia. Web oficial: https://www.disneyplus.com/es-es/movies/canina/1bJ7ZEWN86LX

Crítica: ‘Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela’

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En qué plataforma ver Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela

Sinopsis

Cuando ‘M’, un joven holgazán y quejica, descubre que su abuela sufre una enfermedad terminal, decide dejar a un lado su precaria carrera como streamer para cuidar de ella. Eso sí… Con la mirada puesta en su patrimonio multimillonario. Pero ganarse a la abuela no es fácil. Resulta ser una mujer de armas tomar, exigente, rigurosa y muy difícil de complacer. Y, por si fuera poco, ‘M’ no parece ser el único sucesor bienintencionado. ¡Tendrá que sacar a relucir sus mejores virtudes si quiere proclamarse el beneficiario de la herencia!

No obstante, a medida que pasen los días, ‘M’ comenzará a ver más allá de su propio interés y empezará a valorar la oportunidad de reconectar con su abuela en sus últimos momentos.

Crítica

De esas obras que a poco que seas humano vas a recordar con cariño

Personalmente me parece forzado y vago cuando las comedias dramáticas se inclinan hacia el cinismo o el sentimentalismo excesivo, siempre he pensado que destrozan todo lo construido y buscan la lágrima fácil. En el caso de ‘Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela’ podemos decir que emerge como una obra refrescante y auténtica, sincera y a la cara. Y eso que su título original viene a significar algo así como «déjame ir». Representando a Tailandia como su candidata a los premios Oscar, esta película logra equilibrar un humor entrañable con una exploración profunda de las dinámicas familiares y los conflictos generacionales, es de esas obras que a poco que seas humano vas a recordar con cariño.

La trama gira en torno a “M”, un joven ambicioso atrapado entre las expectativas de su familia y sus propias aspiraciones. Este streamer, un nini casi hikikomori, idea un plan disparatado para alcanzar la riqueza antes de que su abuela, el pilar emocional y financiero de la familia, fallezca. Desde esta premisa aparentemente ligera, la película se expande hacia una narración que no solo invita a sonreír tiernamente, sino que también plantea preguntas serias sobre el legado, la unidad familiar y los sacrificios intergeneracionales.

El director, Pat Boonnitipat, cuya sensibilidad queda patente en cada encuadre, utiliza el humor amable como herramienta para revelar verdades profundas. Las situaciones cómicas generadas a través del enfrentamiento entre la picardía de ambos protagonistas no son meros gags aislados, sino el resultado natural de las interacciones entre los personajes. La abuela, interpretada con una mezcla de calidez y autoridad inquebrantable, se convierte en el corazón de la historia. A través de sus gestos y frases cargadas de sabiduría popular, transmite una visión del mundo que contrasta con la obsesión de “M” por los atajos hacia el éxito. Esta tensión genera momentos únicos, como cuando los planes de “M” se desmoronan por ambiciones de sus otros familiares o el choque de tradiciones con la modernidad. Sin embargo, el verdadero logro de la película radica en su capacidad para encontrar el drama en los pequeños detalles. Las conversaciones aparentemente banales entre generaciones revelan un abismo de expectativas no expresadas, frustraciones acumuladas y amor genuino.

Visualmente, la película captura con destreza la vida en una comunidad tailandesa, desde los mercados bulliciosos hasta los momentos de calma en el hogar familiar. La fotografía evita exotizar los paisajes y, en su lugar, los utiliza como reflejo de los trasuntos de los personajes. La música, un delicado balance entre instrumentos tradicionales y arreglos contemporáneos, refuerza esta conexión entre pasado y presente.

En su totalidad, ‘Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela’ es mucho más que una comedia dramática; es una celebración de la familia, con sus imperfecciones y fortalezas. Es ante todo un ultimátum para que disfrutemos sinceramente de los nuestros. Su capacidad para tejer risas y lágrimas con tanta naturalidad la convierte en una digna representante de Tailandia en los Oscar, y un recordatorio de que el cine puede ser a la vez divertido y profundamente humano.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: Lahn mah. Duración: 126 min. País: Tailandia. Dirección: Pat Boonnitipat. Guion: Thodsapon Thiptinnakorn, Pat Boonnitipat. Música: Jaithep Raroengjai. Fotografía: Boonyanuch Kraithong. Reparto principal: Producción: GDH 559, Jor Kwang Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.gdh559.com/post/lahnmahMoive/

Crítica: ‘Azrael’

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Sinopsis

Muchos años después del apocalipsis, un culto de fanáticos mudos y violentos persigue a una joven llamada Azrael que se ha fugado de una prisión. Capturada de nuevo por la secta con la idea de sacrificarla para calmar la existencia de un mal ancestral, la joven no se detendrá ante nada para asegurar su propia supervivencia.

Crítica

Una película que no da un respiro, con una estupenda Samara Weaving

Una de las películas que sin duda más me entusiasmó el pasado Festival de Sitges de 2024, fue ‘Azrael’. Sin diálogos, sin duda lo que más me sorprendió fue su simplicidad. Estamos dentro de un bosque, donde una joven pareja es interceptada por un grupo, que sigue una especie de culto, y son obligados a esperar como una criatura viene para matarlos. La joven escapa y aquí comienza todo.

Está claro que a Samara Weaving le encanta pasarlo mal. Al igual que en ‘Noche de bodas’ la veremos huir, esta vez por un bosque, de un montón de personas y criaturas dispuestas a terminar con su vida. Y por supuesto, ella no se va a quedar quieta y sabemos de sobra que sabe defenderse.

E.L. Katz director de episodios de ‘Teacup’ o ‘Swamp Thing’, nos trae una película trepidante y con un punto terrorífico que funciona desde el minuto uno hasta su final. Y es que ‘Azrael’ no para, es una película muy dinámica y llena de acción y tenebrismo. La historia viene de la mano de Simon Barrett, guionista de ‘The Guest’ y de la actual ‘Godzilla x Kong: The New Empire’.

Como comento la dirección me parece de lo mejor, tanto de día como de noche, las escenas son muy ágiles y bien dirigidas. La imagen es nítida y muy cuidada. Es una pena que no se vaya a estrenar en salas de cine, porque merece mucho la pena, ya que tiene imágenes muy potentes y realmente merecían su visionado en una gran pantalla.

Como he comentado la protagonista de la película es Samara Weaving, ella, sin diálogo ninguno se encarga de ofrecernos una gran actuación. Es una actriz que sin duda trabaja muy bien con su cuerpo. Además de ser muy expresiva y logra transmitir mucho con el rostro.

En la película también encontramos a Nathan Stenwart–Jarret, Eero Milonoff que da bastante mal rollo, Sebastian Bull, Rea Lest, Phong Giang o Katariina Unt entre otros.

El diseño de las criaturas que aparecen en la película es muy sencillo pero eficaz. Se camuflan muy bien en el bosque y algún que otro susto nos llevamos a lo largo de la película.

La música que acompaña toda la historia está muy bien, ya que no cansa y va teniendo altibajos, al igual que la protagonista. Y la fotografía está muy cuidada. Es una cinta bastante oscura, pese a que tenemos la claridad del día durante mucho tiempo, el tramo final es de noche y sin duda es lo más importante. Está muy bien realizada, logra que esa oscuridad no lo sea tanto y podamos fijarnos en todo tipo de detalles.

En general ‘Azrael’ como he comentado, pese a ser muy simple, logra mantener al espectador totalmente enganchado a la silla y eso es gracias a todo el trabajo de dirección, actuación y guion. Sin duda una película que no os podéis perder.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: Azrael. Duración: 85 min. País: Estados Unidos. Dirección: E.L. Katz. Guion: Simon Barrett. Música: Tóti Guðnason. Fotografía: Mart Taniel. Reparto principal: Samara Weaving, Nathan Stewart-Jarrett, Johhan Rosenberg, Eero Milonoff, Vic Carmen Sonne, Sebastian Bull, Rea Lest, Phong Giang, Katariina Unt.  Producción: C2 Motion Picture Group, Homeless Bob Production. Distribución: Movistar Plus+. Género: terror. Web oficial: https://c2motionpictures.com/project/azrael/

Crítica: ‘The Brutalist’

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Sinopsis

Huyendo de la Europa de la posguerra, el visionario arquitecto László Tóth llega a Estados Unidos para reconstruir su vida, su obra y su matrimonio con su esposa Erzsébet tras verse obligados a separarse durante la guerra a causa de los cambios de fronteras y regímenes. Solo y en un nuevo país totalmente desconocido para él, László se establece en Pensilvania, donde el adinerado y prominente empresario industrial Harrison Lee Van Buren reconoce su talento para la arquitectura. Pero amasar poder y forjarse un legado tiene su precio…

Crítica

Apabullante e impresionante

‘The Brutalist’ llega para quedarse en nuestras cabezas, ya sea de buena manera o mala, pero sin duda no va a dejar indiferente a nadie. Brady Corbet (‘Vox Lux’), consigue una obra inmensa que en mi caso, me ha gustado mucho. Es una de esas películas que hay que digerir antes de hablar de ella. No por nada, si no por el simple hecho que cuenta más de lo que parece, que al final no es simplemente el desencanto por el sueño americano, que lo es, si no que va mucho más allá. Y, aunque tienes 215 minutos para ir viendo todo lo que te están contando, aun así, terminas con demasiada información en tu cabeza y con muchos sentimientos acerca de todo lo que ocurre en la cinta.

Lásló Tóth es un famoso arquitecto que huye de la potguerra en Europa y se dirige a un lugar maravilloso llamado Estados Unidos. Allí, poco a poco tiene que adaptarse, a su manera de vivir, actuar e incluso de trabajar. Tiene la suerte de conocer a un extravagante millonario que ama la arquitectura y que decide contar con él para un gran proyecto.

Este sería el gran resumen, donde nuestro protagonista tendrá altibajos, conocerá lo bueno y lo malo de Estados Unidos. A sus habitantes y a personas que como él tuvieron que dejar su hogar y labrarse uno nuevo. Y ver como esas personas se han adaptado a la vida estadounidense que simplemente se han olvidado de donde vienen, o sin ningún tapujo, reniegan de donde vienen. Y ahí está el debate, ¿Qué debe de hacer?, seguir en sus trece y continuar con sus costumbres o avanzar en una sociedad que en el fondo no le gusta. ¿Pero, realmente en esa sociedad le respetan? ¿O solo se aprovechan?

Toda esta historia está contada mientras nos envuelven en arte, de todas las maneras posibles, ya sea gracias a los edificios que vemos, impresionantes o ya al trabajo de fotografía y dirección de la película. Todo tipo de planos, cortos, largos, con inclinaciones exageradas. La llegada a Estados Unidos con un gran plano secuencia terminando en una Estatua de la Libertad boca abajo me parece la mejor manera para comenzar esta película llena de simbolismo.

Como digo, todo es arte en ella, y sin duda el trabajo en equipo que se realiza me parece espectacular. La música de Daniel Blumberg, es brutal, hay veces que llega a molestar, pero es necesario para lo que nos está contando. También sirve para que nos demos cuenta que hemos pasado a una época distinta sin necesidad de mostrarnos la cantidad de años que han transcurrido de un suceso a otro. Otra manera de que veamos el paso del tiempo es gracias al uso de los time-lapse, que no siempre los utiliza para esto, cuidado, pero es un elemento más. Además, por supuesto del maquillaje, vamos viendo envejecer a nuestros protagonistas poco a poco.

La fotografía de la película me parece increíble. Sin esta fotografía, ‘The Brutalist’ no sería igual y es que es además de bonita, es colosal en todos los sentidos. El uso de las sombras y las luces tan extremas, dándonos la sensación de lo pequeño que es el ser humano y de las grandes cosas que somos capaces de crear dentro de nuestra desesperación. Esto es gracias a Lol Crawley (‘Ruido de fondo’).

Y por último y no más importante, el reparto. Lo de Adrien Brody y Guy Pearce es de otro nivel. Ambos personajes tienen una evolución bastante parecida y a la vez muy distinta. Pero juntos, avanzan hacia un camino irreparable para ambos y que sin duda destrozarán sus almas. El resto del reparto y no menos importante, encontramos a Felicity Jones, Joe Alwyn, Raffey Cassidy, Stacy Martin, Alessandro Nivola o Isaach de Bankole, son algunos de los actores que logran representar perfectamente a esta sociedad llena de contrastes.

Quería comentar una pequeña anécdota de friki de la historia del arte, el protagonista de la película se llama Lásló Tóth, si buscáis en Google, os va aparecer un hombre que en 1972 destrozó parte de La Piedad de Miguel Ángel, que nada tiene que ver con el protagonista de nuestra historia. Pero la curiosidad también parte de que, en la película, van a una cantera de mármol que es justo de donde Miguel Ángel sacó el material para su Piedad. No sé si ha sido casualidad o no, pero ahí dejo el dato, que a mi me ha resultado llamativo

Como he comentado, ‘The Brutalist’ está llena de simbolismos y sin duda es una película que no va a dejar a nadie indiferente. Va a gustar más o menos, pero después de verla, puedo decir, que comprendo perfectamente todos los premios que se ha llevado y aunque haya que darle un tiempo para darte cuenta de lo que has visto, merece la pena pasar estas 3 horas y 35 minutos en la sala de cine. No os vais arrepentir. Eso sí, comentaros que a la hora y cuarenta minutos la proyección se detiene para darnos 15 minutos de descanso.

 Ficha de la película

Estreno en España:  24 de enero de 2025.  Título original: The Brutalist. Duración: 215 min. País: Estados Unidos. Dirección: Brady Corbet. Guion: Brady Corbet y Mona Fastvold.  Fotografía: Lol Crawley. Música: Daniel Blumberg. Reparto principal:  Adrien Brody, Felicity Jones, Guy Pearce, Joe Alwyn, Raffey Cassidy, Stacy Martin, Isaach Bankole, Alessandro Nivola, Emma Laird, Jonathan Hyde, Jaymes Butler, Peter Polycarpou. Producción: Brookstreet Pictures, Andrew Lauren Productions (ALP), Carte Blanche, Intake Films, Killer Films, Yellow Bear Films, Three Six Zero Group, Proton Cinema.  Distribución: Universal Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/brutalist