Archivo de la etiqueta: Director

Diario del Sombra Madrid 2024. 14 de marzo

Posted on por
Responder

Día de películas angustiosas

La mañana (y parte e la noche) del segundo día de Sombra Madrid hay que calificarla de angustiosa pues hemos visto el corto ‘Angustias’ de Aída Cordero y la más que angustiosa película ‘La mesita del comedor’ de Caye Casas, la cual, ha causado sensación allí por donde ha pasado y no podía faltar en este festival. Las proyecciones han tenido lugar en el mismo salón de la Facultad de Ciencias de la Información de la UCM donde arrancó el festival.

Simultáneamente en FNAC Callao ha tenido lugar la charla titulada Laboratorios de Creación y Desarrollo: Guía de Supervivencia. Elena Muñoz y Óscar Martín, artífices de ‘Amigo’, han trasladado sus experiencias vividas de primera mano sobre el mundo de la producción, financiación y estrenos cinematográficos.

Por la tarde nos hemos repartido entre la Sala Berlanga de la SGAE y los mk2 Cines Paz para ver las propuestas, nuevas y rescatadas del recuerdo, que tenía la programación reservada para nosotros. El final el día ha sido similar al de la mañana, tenso y angustioso por lo bien planteada que está la película coreana ‘Sleep’.

‘Angustias’ (cortometraje)

Comedia negra llena de vampirismo. Humor macabro made in spain con sorna y guiños hacia todo aquello que rodea a los chupasanges. Aída Cordero Domínguez dirige este divertido cortometraje que tiene sabor a fantaterror y a las ‘Historias para no dormir’. ¿Lo mejor? Cómo juega con las sombras y su carácter burlesco.

Comentado por Furanu.

‘La mesita el comedor’ (crítica completa)

El director Caye Casas nos ha hecho pasar los mejores peores momentos en una sala de cine de los últimos años con ‘La mesita del comedor’. Este filme más que una película es una experiencia pues su repercusión en el espectador es demoledora, transmite una tremenda angustia. Se rodó en diez días y tiene ya casi una treintena de premios internacionales, eso debería indicarle a los académicos y miembros de la industria que se están dejando pasar una joya de nuestro cine.

Nos lleva a conocer a una pareja en la que él, interpretado por David Pareja, toma una decisión que se tornará en la peor de su vida. Es una obra que nos habla de cómo en un abrir y cerrar de ojos la vida puede convertirse en una pesadilla. Su relato no necesita elementos fantásticos ni toques de terror ya que está revestido de una cotidianidad y pertenece a una crónica de sucesos que nos llama a la puerta con una crudeza tremendamente real. Gran trabajo de guión y grandísimas interpretaciones de Pareja, Estefanía de los Santos y Josep Riera.

Si pensabas que estabas insensibilizado tras años y años de ver películas gore, de vivir todo tipo de giros de guión o de ver violencia en los telediarios yo te digo que te atrevas con esto pues quizá dentro de ti aún seas muy impresionable. Hay que emplear el término arriesgado pero eso no quiere decir que sea una película malsana, que podría confundirse sobre todo por mezclar drama, tragedia y comedia negra.

Comentado por Furanu.

‘Tenebre’

Para muchos esta es realmente la mejor película de Darío Argento. Yo sigo prefiriendo ‘Suspiria’, ‘Phenomena’, ‘Rojo oscuro’ o incluso ‘Los ojos del diablo’. Aún así esta película se puede meter dentro del mismo saco que todas aquellas que sentaron cátedra y fueron precursoras de géneros como el slasher. Un clásico entre los títulos del giallo que se centra más que nunca en la historia y menos que de costumbre en resaltar los artificios estéticos del género.

Novelesca y detectivesca. La historia de ‘Tenebre’ nos mantiene en suspense como las mejores novelas policiales o las series de investigadores más intrincadas. El guión no es parco en giros y resulta tan sugerente como la música, como no, obra de Simonetti y los Goblin.

Comentado por Furanu.

‘The Uncle’

Una familia se prepara para recibir a un tío que viene desde Alemania para celebrar la Navidad. Un familiar al que aman, temen y respetan por igual. La situación que viven es asfixiante y el ambiente está enrarecido, más aún cuando experimentamos un anacronismo que nos introduce smartphones en un ambiente ochenteno, más propio de la época de los últimos coletazos de la URSS que de la era postpandemia. Los nervios y la tensión por tener todo perfecto pasan a convertirse en una fiesta teñida de rojo sangre. Bien podría ser esta una metáfora de la tensión que vivían los ciudadanos contra un régimen que se supone que existía para ellos pero les tenía sofocados entre tanta norma. Y es que la relación tóxica y patriarcal es tan extraña que vive esta familia yugoslava tenía que explotar en algún momento. Y lo hace por motivos evidentes pues la rutina navideña de esta familia es peor que el día de la marmota.

Seguir la senda de directores controvertidos como Haneke o Lanthimos ni es fácil ni está exento de riesgo. La dupla formada por David Kapac y Andrija Mardesic ha orquestado una película incómoda y con una narrativa peculiar, quizá habría que decir que muy dirigida al público de su cultura. Un filme con personajes fríos pero no exento de algo de comedia, de la extraña también hay que decir. Este es un filme en el que se percibe cierta intencionalidad y va más allá de lo meramente recreativo, pero le falta universalidad.

Comentado por Furanu.

‘We are zombies’

Los directores de ‘Turbo kid’ y ‘Verano del 84’, regresan con esta divertida película de zombies. En un mundo en el que humanos y no muertos conviven, unos estafadores tendrán que luchar para salvar a su abuela de una gran corporación que intenta mancillar el nombre de los zombies.

Con una idea muy buena, seguimos a nuestros tres protagonistas en esta aventura en la que los zombies son un colectivo pacífico y vulnerable. Algunos humanos luchan por su integración social. La Madre Teresa, prostitutas, cocineros, todos ellos zombies que intentan vivir su vida lo más normal posible.

El maquillaje es de lo mejor que he visto en mucho tiempo y algunos zombies tuneados parecen sacados de nuestras peores pesadillas, aun siendo buena gente.

‘We are zombies’ sorprende en un género muy explotado y eso es algo bueno en un mundo con pocas ideas originales. Ojalá que estos chicos sigan haciendo películas y no se les terminen sus maravillosas ideas. Y que estrenen pronto la película para que la podáis ver, pues la lleva A Contracorriente.

Comentado por Vicky Carras.

‘Sleep’

Un joven matrimonio a punto de ser padres, comienza a ver dañada su estabilidad por culpa de los hábitos de sueño del marido. Poco a poco vamos viendo como el pobre hombre comienza a tener un comportamiento bastante peligroso para toda la familia.

Decir que me ha gustado, es poco. Me ha mantenido en tensión desde el primer momento y logra que ese nerviosismo no se te vaya durante los 95 minutos de duración de la cinta.

‘Sleep’ nos muestra los peligros de no dormir y de las obsesione y pesadillas que se pueden crear a partir del poco descanso.

La película está muy bien rodada, utilizando una pequeña casa como una protagonista más, creando una localización bastante claustrofóbica y tenebrosa en un lugar que debería ser el sitio más seguro del mundo para una familia.

Comentado por Vicky Carras.

Diario de Sombra Madrid 2024. 13 de marzo

Posted on por
Responder

Por fin Madrid aplaca su hambre de fantástico

La semana pasada el Festival Sombra arrancó en Murcia y ayer ha empezado su andadura en Madrid. Durante toda la semana los amantes del fantástico transitarán los trayectos que separan la Facultad de Ciencias de la Información Universidad Complutense de Madrid, la Sala Berlanga de la SGAE y el mk2 Cines Paz ávidos de vivir experiencias terroríficas y fantasiosas. Sombra Madrid llega para recuperar el fantástico en la capital española y volver a reunir a aquellos que aman el género con los artistas que generan las mejores historias.

Sombra Murcia ha alcanzado su edición 13 y precisamente el 13 de marzo de 2024 da sus primeros pasos por Madrid. Para comenzar esta nueva aventura del evento que coge el testigo del Festival Nocturna nos han citado en la UCM. Durante la mañana se celebró allí competición de cortometrajes teniendo lugar dos sesiones de hora y media repletas de historias. Han sido tres horas de acceso gratuito durante las cuales vimos trabajos de lo más interesantes. Los encargados de decidir quiénes serán los ganadores son el productor José Luis Alemán y la actriz Almar G. Sato.

La noche terminó con una proyección en los céntricos cines Paz. ‘Club Zero’, protagonizada por Mia Wasikowska fue el primer largometraje proyectado en esta nueva edición madrileña. Una película sobre los peligros de la autofagia que irónicamente sació o sirvió de entrante para los fans del cine fantástico.

Durante la semana iremos viendo títulos tanto dentro como fuera de sección oficial, tanto nuevos como reposiciones. El jurado para la sección oficial de largometrajes para este año está compuesto por el director Koldo Serra, el también director Ioan Big y el actor y músico Adán Latonda.

‘Sección oficial de cortometajes’

‘Intercanvi’: si eres seguidor del cine de Paco Plaza no te cogerá desprevenido. No obstante tiene sus virtudes, alojadas sobre todo en lo bien que se mueve la cámara o la puesta en escena.

‘Nap’: una especie de ‘Juego del Calamar’ patrocinado por Pikolin. Una de esas propuestas que aunque sean sencillas o escuetas son capaces de alojar alegatos.

‘Dolores’: otro corto que pone en relevancia otro de nuestro males sociales sistémicamente ocultos. Con un guiño a ‘Juego de Tronos’ que sabe a justicia vengativa.

‘Silencio’: capaz de transportarnos a otra época con solo un bosque, el vestuario y simbolismo religioso. Por desgracia es demasiado críptico.

‘Alicia’: escueto pero eficiente. Jugando con la infancia, los miedos y la imaginación.

‘Mortelli, un cas perdut’: talentoso corto de animación en el que todo parece estar hecho de recortes de papel. Cine negro detectivesco con ciencia ficción, humor negro y muy buen texto. Muy pulp.

‘Apotemnofilia’: el título lo dice todo. Una historia de psiquiatra con mucho gore. Duele ver las escenas de lo bien que están hechos los prostéticos.

‘La última caja’: una sencilla caja de cartón sirve de excusa para desarrollar una disertación sobre la influencia y presión del mundo digital en un mundo en el que el los monstruos se esconden cada vez con más facilidad.

‘Bookworm (ratón de biblioteca)’: basado en un manga de Amagappa Shoujogun y superando todo lo que ha hecho Netflix con su serie sobre la obra de Junji Ito. Una fantasmagórica historia con un crudo mensaje y un aún más descarnado final.

‘Bebé’: pequeña idea que bebe mucho el slasher americano tan recuperado ahora por ‘Terrifier’. Con poca moraleja pero con mucho sentido de lo macabro.

‘Mi zona’: caras conocidas en un cortometraje que trata acerca de confiar en desconocidos. Perderse en medio de la nada puede ser aterrador, pero también el hecho de no saber con quién estás hablando o de pensar que vivimos en un mundo en el que, de antemano, desconfiamos del buen samaritano.

‘El padrastro’: animación tipo Adult Swim con todo lo que ello conlleva: trazo irregular, escenas asquerositas, palabrotas… Como si al  Patrick Bateman de Christian Bale se le hubiese ido la olla contra sí mismo.

‘Leviticus 20:13’: literalmente una hostia contra ese sector para el que muchos marcan la casilla en su declaración de la renta. Aunque el audio hace incomprensibles algunas frases el mensaje es alto y claro.

‘Turno de noche: El lugar equivocado’: Juanjo Avi, también productor de ‘El padrastro’, amplía el mundo de su corto de 2018. La matanza de Texas en plan Street Fighter. Con un cierre que promete tercera entrega. ¿Crowdfunding para cuando?

‘Evil Dinner’: gran homenaje al cine de monstruitos de los años ochenta. Sobredosis de esa época que rememora a películas como ‘Gremlins’ o ‘Los Critters’.

Comentado por Furanu.

‘Club Zero’

La profesora Novak entra a trabajar en un internado internacional para impartir clases sobre “alimentación consciente”. Para ella comer menos es más saludable, algo que va calando poco a poco en sus alumnos. Con todo esto, van saltando las alarmas entre los profesores y padres.

Mindfulness, medioambiente y fanatismo healthy son los temas principales que se tratan en esta cinta dirigida por Jessica Hausner y protagonizada por una estupenda Mia Wasikowska.

Una película bastante oscura en su trasfondo, pero muy luminosa en su forma. Con colores apastelados y a la vez muy llamativos, ‘Club Zero’ se adentra también en las sectas y en cómo se va lavando el cerebro a gente sin que estos se den cuenta.

Admito que no me ha entusiasmado demasiado, la idea está bien, pero le da demasiadas vueltas a todo y al final termina siendo bastante repetitiva. Pero es cierto, que está muy bien rodada y el reparto en general está fantástico.

Pero como siempre digo, hay que darles una oportunidad a todas las películas, ya que esto, al fin y al cabo, es mi opinión, así que el 22 de marzo, tendréis esa oportunidad en los cines.

Comentado por Vicky Carras.

Crítica: ‘Tratamos demasiado bien a las mujeres’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver Tratamos demasiado bien a las mujeres

Sinopsis

[toggle]

Remedios Buendía defiende su patria y luchará por ello por encima de todos. Este fatídico día del otoño del 45, un grupo de maquis a la fuga ha tenido la mala idea de tomar la estafeta donde Remedios, ilusionada, se prueba su vestido de novia. Hoy será el día en el que Remedios demostrará hasta donde puede llegar defendiendo sus valores. Y nadie podrá pararla. Ni siquiera este batallón de rebeldes con fusiles humeantes y puños en alto.

[/toggle]

Crítica

Se agradece la ausencia de dogmatismo y su carácter paródico

Podría haber encabezado este texto con una frase de adulación o reconocimiento hacia Carmen Machi. Pero creo que sería caer en lo evidente. Además he hablado tantas veces bien de su versatilidad como actriz que ya me estoy repitiendo. Aquí tiene un papel con muy mala baba pero que hace que la queramos. Lo mismo puedo decir de Antonio de la Torre y su compañero de reparto Isak Ferriz. Ellos tres mantienen un gran nivel en esta comedia negra que demuestra que por fin estamos madurando y conviviendo con las heridas que algunos no dejan que terminen de sanar.

‘Tratamos demasiado bien a las mujeres’ es un remake de la película francesa ‘On est toujours trop bon avec les femmes’ (1971), que a su vez es una adaptación de la novela de Raymond Queneau. Es una historia sobre los fanatismos, las condescendencias y los recelos que tiene su propio caballo de Troya. Los republicanos que lucharon infructuosamente contra el fascismo, aunque fracasados, se han llevado siempre el reconocimiento y gloria por mantener una causa que el tiempo y la civilización han reconocido como justa. A pesar de ello, no eran santos. En todas casas cuecen habas y quien esté libre de pecado que tire la primera piedra. ‘Tratamos demasiado bien a las mujeres’ utiliza a un grupo de maquis para dar vida a esas dos expresiones. Subvierte los tópicos del cine circunciso a la Guerra Civil. En torno al cine español siempre ronda el comentario aquel que dice con bastante hartazgo… “otra película sobre la Guerra Civil”. Pero al igual que con ‘Malnazidos’ o como dijimos en su día con ‘El laberinto del fauno’ podemos decir que la película de Clara Bilbao es un título muy diferente al resto.

Clara Bilbao dirige su primer largometraje. Quien se ha dedicado hasta ahora al diseño de vestuario en títulos como ‘Zorro’ o ‘Maixabel’, ha trabajado en otros títulos ambientados en el pasado y en los que había que hacer un trabajo de documentación importante para que el espectador se traslade a otra época. Con ‘Tratamos demasiado bien a las mujeres’ cumple de nuevo gracias a la labor de Maite Tarilonte, con quien ya trabajó en ‘Tiempo después’. Sus quehaceres como directora no impiden que gocemos de una buena traslación, especialmente cuando tenemos a una protagonista ataviada de novia. El papel de Julián Villagrán se percibe como un tierno guiño hacia su profesión.

En las interpretaciones paródicas y en los diálogos divagantes, sobre todo en los de Óscar Ladoire, es donde reside la principal gracia de ‘Tratamos demasiado bien a las mujeres’. Es un discurso sobre la mezquindad, el odio, la manipulación y la violencia que no nos descubre nada nuevo, pero que emplea al menos una perspectiva diferente.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de marzo de 2024. Título original: Tratamos demasiado bien a las mujeres. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Clara Bilbao. Guion: Miguel Barros. Música: Nacho Masttreta, Marina Sorín. Fotografía: Imanol Nabea. Reparto principal: Carmen Machi, Antonio de la Torre, Luis Tosar, Isak Férriz, Oscar Ladoire, Julián Villagran, Diego Anido, Cris Iglesias, Camilo Rodríguez, Oleg Kricunova, Ayax Pedrosa, Gonzalo De Castro, Iván Marcos, Nicolas Grandhomme, Felipe Pirazán, Juan Luis Cano. Producción: Ficcion Producciones, Noodles Production, Xunta de Galicia, TVG, RTVE, Prime Video. Distribución: Filmax. Género: comedia negra. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/tratamos-demasiado-bien-a-las-mujeres.281

Crítica: ‘Imaginary’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver Imaginary

 

Sinopsis

[toggle]

Cuando Jessica vuelve con su familia a la casa de su infancia, Alice, su hijastra más pequeña, comienza a desarrollar un extraño apego hacia Chauncey, un oso de peluche que encuentra en el sótano.

En un primer momento, Alice y Chauncey se entretienen con juegos aparentemente divertidos que, poco a poco se volverán más siniestros y peligrosos. A medida que el comportamiento de Alice se torna más inquietante, Jessica decide intervenir, pero cuando lo hace se da cuenta de que Chauncey es mucho más que un inofensivo oso de peluche.

[/toggle]

Crítica

Con sus aciertos y sus errores me ha parecido una película muy palomitera

Jessica decide volver a la casa de su infancia, un lugar en el que fue feliz y que quiere compartir con su nueva familia. Alice, su hijastra más pequeña, comienza a hablar con Chauncey, un oso de peluche que había en la casa. A partir de este momento, las cosas pasan de ser tiernas a tenebrosas.

Antes de nada, deciros que, pese a sus fallas, ‘Imaginary’ ha conseguido entretenerme. Es una película con una buena premisa y tiene un giro bastante curioso. Pero, es cierto que no es lo que me esperaba. Con el argumento y el final que tiene podría ser una cinta muy buena de terror, y no lo consigue. Es más, hemos tenido momentos de risas que por supuesto, no eran escenas de comedia. Si no que el reparto de la película no ayuda demasiado ha hacer la película seria.

Es una pena, me ha recordado a ‘Los mundos de Coraline’, bastante, pero lo dicho, bastante más floja que esta.

Si que tiene cosas buenas, como su imaginativa, el CGI, es bastante curioso y hay un momento en el que nos adentramos en un mundo de “diversión” lleno de todo tipo de locuras que puede pensar un niño y está muy bien ambientado. Mola, porque pasas de lugares llenos de luz y felicidad a grandes pesadillas. Esta es por una de las cosas que no suspendo la película. Eso, y que creo que al igual que me pasó con ‘Smile’ que tampoco era algo novedoso, viéndola en el cine la disfruté un montón. Y creo que ‘Imaginary’ es de estas películas que creo que van a ganar con una sala llena de gente pegando saltos con los sustos fáciles que nos ofrecen, pero muy efectivos.

DeWanda Wise, Taegen Burns y Pyper Braun, son las tres protagonistas principales. Lo dicho, tampoco es que sean lo mejor del mundo. Mencionar a la joven Pyper, que bueno, su extraña amistad con Chauncey da bastante mal rollo y es la que mejor está.

Tiene un pequeño homenaje a ‘Pesadilla en Elm Street’, y es que la casa se encuentra en Elm St en Springwood. Al final tiene mucho que ver con el mundo imaginario.

Así que, sin más, os animo a verla, al final yo la apruebo, pero creo que hay que vivirla en el cine y adentrarte en ese mundo imaginario que nos ofrece Jeff Wadlow. Este próximo 12 de marzo la tendréis en las salas. 

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de marzo de 2024. Título original: Imaginary. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: Jeff Wadlow. Guion: Greg Erb, Bryce McGuire, Jason Oremland, Jeff Wadlow. Música: Bear McCreary. Fotografía: James McMillan. Reparto principal: DeWanda Wise, Tom Payne, Taegen Burns, Pyper Braun, Veronica Falcón, Betty Buckley, Matthew Sato. Producción: Blumhouse Pruductions, LionsGate Films, Tower of Babble Entertainment. Distribución: Vertice 360. Género: Terror. Web oficial: https://vertice360.com/es/ficha/0/imaginary

Crítica: ‘Perezoso amoroso’

Posted on por
Responder

En que plataforma ver Perezoso amoroso

Sinopsis

[toggle]

Un adorable perezoso se convierte en un maníaco homicida sediento de venganza en este divertidísimo ‘slasher’ ambientado en una hermandad universitaria, un lugar gobernado por las redes sociales y la popularidad a cualquier precio y sumido en el critiqueo, las falsedades y el alcohol.

[/toggle]

Crítica

Divertido slasher con un perezoso homicida muy cuqui

Durante el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, CutreCon, tuvimos la oportunidad de poder ver en primicia y en pantalla grande ‘Perezoso amoroso’, un divertidísimo slasher, en el que el asesino es una adorable perezosa llena de venganza.

Conocemos a Emily, una joven adolescente que necesita ser la presidenta de su hermandad. En una época donde las redes sociales son tan importantes, necesita una inmensa cantidad de seguidores para lograr su fin. Después de conocer a un extraño hombre en un centro comercial, se le ocurre que comprar un adorable perezoso para lograr seguidores. Animal cuqui, lento y muy suave.

Lo admito, iba a que me gustase y no me decepcionó en ningún momento. Es de estas películas que no se toman en serio para nada y lo que hacen es que disfrutemos desde el principio y no se cortan en ningún momento con las chorradas. Alfa, la perezosa vengativa, conduce, comparte fotos en redes y por supuesto, se integra perfectamente a la vida universitaria.

‘Chucky’ y ‘E.T.’ son grandes referentes para esta película, con grandes homenajes a ambas. Es muy divertida, no solo nos demuestran que un argumento tan chorra puede funcionar, si no que además, estás todo el rato queriendo que la perezosa aniquile a más gente. Es una película muy canalla, a la que le da igual el raccord y la lógica.

El reparto, pues ni tan mal, lo dicho, es una película en la que no necesitas ver grandes actuaciones, simplemente quieres ver a esa perezosa y sus ideas homicidas. Como curiosidad, podemos ver a Stefan Kapicic, actor que interpretó a el Coloso de las películas de ‘Deadpool’.

El perezoso, pues oye, no está ni tan mal hecho la verdad. Sabemos que es un peluche, si, pero es un peluche bien hecho, también- Da el pego perfectamente y coges mucho apego a este animal.

‘Perezoso amoroso’ llega a nuestras casas gracias a Movistar Plus+ este próximo 12 de marzo y es un plan estupendo para ver con amigos en casa.

 Ficha de la película

Estreno en España: 12 de marzo de 2024. Título original: Slotherhouse. Duración: 93 min. País: Estados Unidos. Dirección: Matthew Goodhue. Guion: Bradley Fowler, Katie Lanigan. Música: Sam Ewing. Fotografía: Mark David. Reparto principal: Lisa Ambalavanar, Sydney Craven, Bianca Beckles-Rose, Olivia Rouyre, Tiff Stevenson, Stefan Kapicic, Grace Patterson, Milica Vrzic, Jelena Kosara, Juliana Sada. Producción: Talking Wolf Productions, Buffalo Speedway Film Company, Cinema Relics Productions. Distribución: Cinetel. Género: Comedia, slasher. Web oficial: https://www.movistarplus.es/cine/perezoso-amoroso/ficha?tipo=E&id=3226489

Palmarés del Festival de Málaga 2024

Posted on por
Responder

‘Segundo premio’ se lleva los premios principales

Desde el Festival de Málaga siempre obtenemos recomendaciones cinematográficas para lo que resta de año. A lo largo de este 2024 y comienzos del año próximo se irán estrenando nuevos largometrajes impulsaos por los premios obtenidos en la edición que se acaba de clausurar. Ya se ha anunciado la lista de ganadores del festival más grande de aquellos dedicados al cine español.

Los títulos a tener en cuenta son ‘Segundo premio’, ‘Radical’, ‘Los pequeños amores’, ‘La mujer salvaje’, ‘Pájaros’ o ‘Descansar en paz’. A continuación podéis leer cómo se han repartido los múltiples premios.

SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES

El Jurado de la Sección Oficial de Largometrajes de la 27 edición del Festival de Málaga, integrado por Alejandro Loayza Grisi, Antonia Zegers, Claudia Piñeiro (Presidenta), Daniela Fejerman, Javier Ruiz Caldera y José Luis Rebordinos, emite el siguiente fallo:

BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA, dotada con 8.000 euros
Segundo premio, de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez.

BIZNAGA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA, dotada con 8.000 euros
Radical, de Christopher Zalla.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO
Los pequeños amores, de Celia Rico.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN
Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez por Segundo premio.

BIZNAGA DE PLATA ‘HOTEL AC MÁLAGA PALACIO’ A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA
Lola Amores por su interpretación en La mujer salvaje.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA
Ex aequo a Luis Zahera por su interpretación en Pájaros y a Joaquín Furriel en Descansar en paz.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA DE REPARTO
Adriana Ozores por su interpretación en Los pequeños amores.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA DE REPARTO
Gabriel Goity por su interpretación en Descansar en paz.

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR GUION
Álex Montoya y Joana M. Ortueta por La casa.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR MÚSICA
Fernando Velázquez por La casa.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR FOTOGRAFÍA
Juan Carlos Martínez por Golán.

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR MONTAJE                                                                                                                                                      
Javi Frutos por Segundo premio.

Asimismo, se conceden los siguientes premios complementarios:

BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO DE LA CRÍTICA
El Jurado de la Crítica de la Sección Oficial de Largometrajes a concurso de la 27 edición del Festival de Málaga, integrado por Alberto Rey, Laia Portaceli, María Esther Beltrán, Matías Rebolledo y Moisés Rodríguez, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO DE LA CRÍTICA a Nina, de Andrea Jaurrieta.

El jurado ha considerado que la película habla de un tema sensible en nuestra sociedad de manera valiente, denunciando los abusos sexuales y los silencios cómplices y encubridores, con una estructura narrativa y cinematográfica muy elaborada que recupera los arquetipos del cine clásico en forma de un poderoso western moderno, en el que el color y la música juegan un papel destacado, como parte fundamental del film.
Además, NINA está llena de referencias cinéfilas, con guiños constantes al Cine Clásico, plasmados de forma brillante por la directora en poderosos diálogos y escenas.

El Festival de Málaga, en una decisión promediada al 50% entre el voto del público asistente a la sala y el Jurado Popular de la Sección Oficial de Largometrajes del 27 Festival de Málaga, formado por David Correa, Laura Sánchez, María José Bueno, Miguel Caffarena, Miguel Núñez y Pedro Monzón, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO ‘iryo’ a La casa, de Álex Montoya.

SECCIÓN OFICIAL ZONAZINE

El Jurado Oficial de la Sección ZonaZine de la 27 edición del Festival de Málaga, integrado por Ernesto Daranas, Itziar Atienza y Luisa Mayol, emite el siguiente fallo:

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR PELÍCULA ESPAÑOLA, dotada con 4.000 euros
La hojarasca, de Macu Machín.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA, dotada con 4.000 euros
Los tonos mayores, de Ingrid Pokropek.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN
Macu Machín por La hojarasca.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA
Sofía Clausen por su interpretación en Los tonos mayores.
 
BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA
Diego Solís por su interpretación en Lumbrensueño.

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA DE ESTA SECCIÓN, elegida por votación del público asistente a la sala, es para Orgullo Vieja, de Chema Rodríguez.

SECCIÓN OFICIAL DE DOCUMENTALES

El Jurado de la Sección Oficial de Documentales de la 27 edición del Festival de Málaga, integrado por María Gisèle Royo, Santiago Fillol y Valentina Baracco, emite el siguiente fallo:

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR DOCUMENTAL, dotada con 4.000 euros para Salvaxe, salvaxe, de Emilio Fonseca. Por repensar la categoría de Salvaje desde nuestro apocalipsis climático, reinventando una sensibilidad híbrida donde ojo y oído se vuelven medio animal medio humano medio técnico, para invitarnos a reeducar nuestra capacidad de asombro, ternura y conciencia interespecie.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO a la película Hasta que se apague el sol, de Jonas Brander.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN Ex aequo a Carlos Essmann por Artefacto 71, y Jonas Brander por Hasta que se apague el sol. A Carlos Essman por las risas frescas de una obra que logra una profunda teoría del arte, celebrando el juego y la amistad que crean formas. Y a Jonas Brander por retratar a una comunidad de guerreros sin armas, de asumir el riesgo de poner la cámara junto a los excluidos del desolador conflicto armado de Colombia.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO a Lucija Stojevic por Pepi Fandango.

El Jurado Joven Documental de la Universidad de Málaga (UMA), integrado por Alejandro Rivero, Alejandra Rosa, Andrea Cruz, Carmen Rodríguez, Carolina Aracoeli Sánchez, Claudia Mónica Díaz, Daniel Gutiérrez, Eva Villodres, Ignacio Cabrera, María Fernández, Marta Luna, Natalia Ortiz, Rafael José Barrionuevo, Rubén Da Palma y Sergio Guerrero, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO a Saturno, de Daniel Tornero.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES DOCUMENTALES
El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes Documentales de la 27 edición del Festival de Málaga, integrado por María Gisèle Royo, Santiago Fillol y Valentina Baracco, otorga la BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL, dotado con 2.000 euros, a Els buits (Los vacíos), de Sofia Esteve, Isa Luengo y Marina Freixa Roca. Por retratar con norme delicadeza la historia de un estado que intentó reprogramar el cuerpo de una mujer, reprimiendo y torturando. En esta obra única, una hija, junto a sus amigas cineastas, crea un espacio fílmico que permite a su madre transmitir una historia de sufrimiento y superación que nos habla de un pasado que sigue resonando en nuestro presente.

MENCIONES ESPECIALES DEL JURADO para Un mergulho em agua fría (Un salto en agua fría), de Raquel Marques y Those Next To Us, de Benhard Hetzenauer.

El Jurado Joven Documental de la Universidad de Málaga (UMA), integrado por Alejandro Rivero, Alejandra Rosa, Andrea Cruz, Carmen Rodríguez, Carolina Aracoeli Sánchez, Claudia Mónica Díaz, Daniel Gutiérrez, Eva Villodres, Ignacio Cabrera, María Fernández, Marta Luna, Natalia Ortiz, Rafael José Barrionuevo, Rubén Da Palma y Sergio Guerrero, otorga la BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL a Viaje alrededor de mi ordenador, de Daniel Natoli.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES DE FICCIÓN
El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes de Ficción, integrado por Itziar Miranda, Jota Linares y Lucas Figueroa, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN, dotada con 2.000 euros, para El trono, de Lucía Jiménez.

MENCIÓN ESPECIAL para Rutina, de Roberto López, por ser una carta de amor a la comedia romántica y por recordarnos la necesidad de relacionarnos aunque seamos desconocidos.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN a David Pérez Sañudo por Agrio.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA Ex-aequo a Roser Rendon Ena y Rasvely Lissette Donaire Restituyo por su interpretación en Cura sana. Por construir ambas el corazón de la historia y por la escucha de ambas tan generosa.

BIZNAGA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA a Manu Baqueiro por El trono.

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA de esta sección, elegida por votación del público asistente a la sala, es para Troleig (Troleo), de Luis E. Pérez Cuevas.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES ANIMAZINE
El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes Animazine, integrado por Itziar Miranda, Jota Linares y Lucas Figueroa, otorga la BIZNAGA DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN, dotado con 2.000 euros, a Homework, de Nacho Arjona.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO para Cafuné, de Lorena Ares y Carlos F. de Vigo.

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELICULA DE ESTA SECCIÓN elegida por votación del público asistente a la sala es para, Homework, de Nacho Arjona.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES MÁLAGA
El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes Málaga, integrado por Itziar Miranda, Jota Linares y Lucas Figueroa, otorga los siguientes premios:

PREMIO AL MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN, dotado con 1.000 euros, a Alicia, de Tony Morales.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO para Los horrores de la guerra, de Manolo Orellana Naranjo, por su originalidad y por mostrar un particular universo lleno de verdad y de arroz con leche.

PREMIO AL MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL, DE ANIMACIÓN O EXPERIMENTACIÓN, dotado con 1.000 euros, a Ciao Bambina, de Afioco Gnecco y Carolina Yuste.

La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELICULA DE ESTA SECCIÓN elegida por votación del público asistente a la sala es para Los horrores de la guerra, de Manolo Orellana Naranjo.

SECCIÓN OFICIAL MOSAICO: PANORAMA INTERNACIONAL
La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA de esta sección, dotada con 8.000 euros a la distribuidora en España y elegida por votación del público asistente a la sala, es para Stella, víctima y culpable (Stella. A Life), de Kilian Riedhof.

SECCIÓN OFICIAL SERIES
La BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO para la compañía productora de la serie más votada de la sección es para Nos vemos en otra vida, de Jorge Sánchez-Cabezudo.

PREMIOS MÁLAGA CINEMA
BIZNAGA MÁLAGA CINEMA OFICIOS DEL CINE para Rafael Robles (Rafatal).
BIZNAGA MÁLAGA CINEMA A LA MEJOR ACTRIZ para Stephanie Magnin.
BIZNAGA MÁLAGA CINEMA AL MEJOR ACTOR para Carlos Scholz.

AYUDAS A LA PRODUCCIÓN
Aire comprimido, de Virginia Muñoz e Isa Sánchez (5.000 euros)
Desde Nueva York, de Irene Téllez (4.000 euros)
Escenario invisible, de Juan Rueda (4.000 euros)
Eugenio y yo, de Víctor Samaniego (3.500 euros)
La hora escrita, de Coke Arijo (6.000 euros)
No estamos locos, de Lucía Criado Rosas (6.000 euros)
No Limits, de Alicia Torrent (6.000 euros)
Romance de la Luna, Luna, de Jimena R. Herrera (3.500 euros)
Roshni, de Rohit Bhagwan Narwani (6.000 euros)
Tarde y mal, de Nuria Cabello y Marga Dorao (5.000 euros)

PREMIOS AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES

BIZNAGA DE PLATA PRIMER PREMIO AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES
No me dejes así, de Ceres Machado.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO ESPECIAL DEL JURADO AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES
La mujer ilustrada, de Isabel Herguera.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO AFIRMANDO LOS DERECHOS DE LAS MUJERES AL MEJOR DOCUMENTAL a Camino Roya. Un mapa de ida y vuelta, de Rocío Rodríguez Cruz.

BIZNAGA DE PLATA MUJERES EN ESCENA AL MEJOR TRABAJO DE FICCIÓN
Ex aequo a Sampo, de Marziyeh Riah, y Lava, de Carmen Jiménez

BIZNAGA DE PLATA MUJERES EN ESCENA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN
Ana de Alva por su interpretación en Algo permanente.

BIZNAGA DE PLATA MUJERES EN ESCENA AL MEJOR DOCUMENTAL
La ilusión de la abundancia, de Erika González Ramírez y Matthieu Liataert.

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO MUJERES EN ESCENA
Amarradas, de Carmen Córdoba.

PREMIOS CINEMA COCINA

El Jurado Oficial de la sección Cinema Cocina de la 27 edición del Festival de Málaga, formado por José Miguel Herrero Velasco, Leonor García-Agua, Luis Suárez de Lezo y Sacha Hormaechea, emite el siguiente fallo:

BIZNAGA DE PLATA ‘CERVEZAS VICTORIA´ AL MEJOR LARGOMETRAJE, dotado con 4.000 euros
Binu, historia de dues estrellas (Binu, historia de dos estrellas), de Guillem Cabra y Mar Clapés.

BIZNAGA DE PLATA ‘GUSTO DEL SUR´ AL MEJOR CORTOMETRAJE, dotado con 2.000 euros
Oro rojo, de Milton Ferreira.

El Jurado Popular de la sección Cinema Cocina, integrado por Manuel F. Duarte, Manuel Lucas Rodríguez, Remedios Reina y Rosario Alba Gaitán, otorga los siguientes premios:

BIZNAGA DE PLATA PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR LARGOMETRAJE DE CINEMA COCINA
Villa Málaga. El tiempo de vino, de Eterio Ortega Santillana.

BIZNAGA DE PLATA “CONSEJO REGULADOR DE LAS DENOMINACIONES DE ORIGEN MÁLAGA, SIERRAS DE MÁLAGA Y PASAS DE MÁLAGA” PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTOMETRAJE DE CINEMA COCINA
Big Red, de Carlos González de la Peña.

OTROS PREMIOS

PREMIO ESCUELAS DE CINE AL MEJOR LARGOMETRAJE DE ZONAZINE
El Jurado Escuelas de Cine de la Sección Oficial de Largometrajes, integrado por Alejandro Navarro, Ana Timonet, Andrea Jercau, Ignacio Ruiz, Martín Moza y Pablo Elvira, otorga el premio a La zona vacía, de Kurro González.

PREMIO JURADO JOVEN DE LA UMA AL MEJOR LARGOMETRAJE DE SECCIÓN OFICIAL
El Jurado Joven de la Sección Oficial de Largometrajes, integrado por Aitana Águila, Daniel Rovira, Jaime Romero Lidia Báez, Roberto Martínez, otorga el premio a La casa, de Álex Montoya.

PREMIO ASECAN ÓPERA PRIMA DE LA SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES
El jurado formado por, José Antonio Díaz Domínguez, Jaime Cristian Noguera Martín y Eduardo Parra González miembros de la Asociación de Escritoras y Escritores Cinematográficos de Andalucía (ASECAN), otorga el premio a la película Tratamos demasiado bien a las mujeres, de Clara Bilbao, obra que de manera sorprendente combina cine bélico, drama, fantástico y comedia, dejando también paso a la reflexión y, sobre todo, a la diversión.

PREMIO FEROZ PUERTA OSCURA 2024 AL MEJOR LARGOMETRAJE DE SECCIÓN OFICIAL
Los miembros de la Asociación de Informadores Cinematográficos de España acreditados como Prensa en el 27 Festival de Málaga han elegido en votación secreta que el premio es para La casa, de Álex Montoya.

PREMIO SIGNIS
La Organización Católica Mundial para los Medios de Comunicación, a través de su jurado compuesto por Teresa Ekobo, María del Mar Navarrete, Mari Carmen Alonso y Rafael Pérez Pallarés, ha decidido otorgar el premio SIGNIS a la película Radical, de Cristopher Zalla.

El jurado quiere destacar que, en una edición del Festival de Málaga que ha querido centrarse en las edades no productivas, Radical es una película que nos hace ser conscientes de la infancia más desfavorecida, los niños y niñas que afrontan cada día la dureza del entorno, las dificultades familiares, la soledad no deseada, el desarraigo, la pobreza… Y nos recuerda el deber de socorrer, o hacer como el protagonista de la película, todo lo que está en nuestra mano para ayudar y a la vez recibir la luz que tienen también cada uno de esos pequeños.

Además, el jurado realiza una MENCIÓN ESPECIAL a La casa, de Álex Montoya, valorando el trabajo coral de los actores y la luz de verano en su fotografía. Refleja el amor familiar en generaciones. Nos hace vivir rivalidades, nostalgia, arrepentimiento, las ganas de futuro, la fuerza de la memoria y honra respecto a nuestros ancianos y su soledad.

Crítica: ‘El clan de hierro’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver El clan de hierro

Sinopsis

[toggle]

Basada en la vida de los inseparables hermanos Von Erich, que hicieron historia en el competitivo mundo de la lucha libre profesional a principios de la década de los 80. A través de la tragedia y el triunfo, bajo la sombra de su dominante padre y entrenador, los hermanos buscan la inmortalidad en el escenario más importante del deporte.

[/toggle]

Crítica

Una familia con tanta cohesión y mal augurio que podríamos bautizarles como los Kennedy del cuadrilátero

‘El clan de hierro’ (‘The iron claw’ en versión origial) es el relato en la gran pantalla de la vida de los hermanos texanos Von Erich. Estos fornidos deportistas ejercieron la lucha libre sometidos a los dictados de su exigente y competitivo padre, como tantos otros deportistas tipo Schwarzenegger o las Williams. Sufrieron varapalos, presión, escarnio y tragedia hasta tal punto de hablar de maldición familiar. Casi siempre que hablamos de historias así, provenientes de los Estados Unidos, nos vienen con un giro de los acontecimientos que hacen de esta otra narración de éxito norteamericano. Sin embargo ‘El clan de hierro’ sigue otros derroteros alejados de ese tipo de ensalzamientos yanki.

Esa diferenciación nos la garantiza como siempre A24. ‘El clan de hierro’ se diferencia de películas sobre el ring como ‘Rocky’ y sus derivadas o de dramas más modernos como ‘El luchador’ (2008) para parecerse más a ‘Foxcatcher’ (2015). Es un drama familiar que bucea detrás de esos personajes que se camuflan de machacahuesos ataviados solo con unos slips. Sobre todo es una historia de profunda fraternidad. Es el relato de una familia con tanta cohesión y a la vez mal augurio que podríamos bautizarles como los Kennedy del cuadrilátero. ‘El clan de hierro’ rememora a unas figuras clave de este tipo de shows, de hecho su título original alude al golpe especial que caracterizaba a esta familia, pero a través de valores como la hermandad y de mostrar qué sucede cuando nos negamos a aceptar lo que la vida nos depara.

Para conocer con bastante exactitud cuál fue el devenir de este clan que ahora figura en el Salón de la Fama de la WWE escucharéis nombres como la NWA o la WCCW. Y es que todo esto sucedió a finales de los 70 y principios de los 80, en los tiempos de autógrafos y no de selfies, anteriores a Tbe Undertaker, Hulk Hogan, El Poli Loco y compañía. Los que sean versados en el tema del wrestling reconocerán a luchadores como Harley Race, Rick Flair, Fabulous Freebirds o el promotor Sam Muchnick. Y por supuesto movimientos como el doble dropkick, el crossbody, el clothesline, el suplex, el headlock y the iron claw por supuesto.

Pero la película de Sean Durkin no se centra en el show o espectáculo violento que como todos sabemos está impregnado de teatralidad. El autor de ‘Inseparables’ construye una historia de cuatro hermanos con una vida dedicada al wrestling pero lejos de ser un alarde de venas hinchadas y testosterona luce una sensibilidad magnífica. Y eso que tenemos a un Zac Efron con músculos de mastodonte hasta tal punto que podría hacer perfectamente un live action de He-Man. Si queréis quitaros de la mente su imagen happy de los tiempos de High School Musical esta es la película. La secuencia en la que coge a su hermano en volandas me parece una de las más emotivas de este año. Física e interpretativamente va a sorprender a muchos.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de marzo de 2024. Título original: The iron claw. Duración: 130 min. País: Reino Unido. Dirección: Sean Durkin. Guion: Sean Durkin. Música: Richard Reed Parry. Fotografía: Mátyás Erdély. Reparto principal: Zac Efron, Jeremy Allen White, Harris Dickinson, Stanley Simons, Lily James, Holt McCallany. Producción: A24, Access Entertainment, Access Industries, BBC Film, House Productions. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: hechos reales, drama. Web oficial: https://www.youplanetpictures.com/the-iron-claw/

Crítica: ‘Damsel’

Posted on por
Responder

En que plataforma ver Damsel

Sinopsis

[toggle]

Tras acceder a casarse con un príncipe muy guapo, una damisela obediente descubre que la familia real solo la quiere como sacrificio para saldar una antigua deuda. Arrojada a la cueva de un dragón escupefuego, la joven debe recurrir a toda su astucia y voluntad para sobrevivir.

[/toggle]

Crítica

Princesa y dragona se enfrentan en este cuento renovado

Para el día de la mujer nos llega ‘Damsel’, un cuento moderno en el que la princesa no necesita ningún salvador, sino que lucha para poder salir adelante ella sola.

Elodie, una damisela casadera, tiene que abandonar su pueblo para salvarlo. Casándose con un príncipe y así poder conseguir la dote para que su pueblo no muera de hambre. Todo parece muy bonito, un reino soleado, con una familia perfecta y un futuro marido joven y guapo. El problema, que la quieren para saldar una antigua deuda con una dragona, a partir de ahí, tienen que salvar su vida de las temibles garras de este gran monstruo.

‘Damsel’ tiene un argumento bastante sencillo y tampoco nos trae nada nuevo. Pero aun así, logra entretener, que es lo importante. Además la película, está muy bien dirigida. Tiene unos planos muy buenos y las persecuciones en la cueva entre dragona y doncella están muy estudiadas. Juan Carlos Fresnadillo es el encargado de este trabajo y como digo, crea una atmósfera de cuento moderno que va a gustar a muchos.

Por supuesto, contamos con Millie Bobby Brown como actriz principal, saliéndose un poco de todo lo que ha hecho hasta ahora. Lo da todo en la película, tiene bastantes escenas de acción y se nota que se ha preparado para ello. En el resto del reparto vemos a Nick Robinson, a Robin Wright, Angela Bassett o Ray Winstone. Entre muchos otros. 

El diseño de la dragona me ha encantado, tiene un estilo muy diferente a los dragones que estamos acostumbrados y la verdad que es bastante temible. Si que es cierto, que aunque el CGI es bastante bueno, los movimientos de la dragona, sobre todo cuando la vemos volar, son algo torpes. Son bastante planos y se nota que hay poca naturalidad. En cambio, cuando la vemos en suelo, los movimientos están bastante cuidados.

La fotografía, realizada por Larry Fong, es oscura y llena de colores azules y verdes, dando una sensación de atmósfera fantasmal y terrorífica en la cueva en la que se encuentra la dragona. En cambio, vemos la luz brillante en ese supuesto reino de ensueño al que llevan a la joven Elodie. Unos contrastes muy bien diferenciados.

‘Damsel’ va a gustar a los jóvenes fans de Millie Bobby Brown y también a los que les guste la fantasía. Como he comentado, no es nada novedosa, pero sí que consigue demostrarnos que las princesas no siempre son débiles.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de marzo de 2024. Título original: Damsel. Duración: 108 min. País: Estados Unidos. Dirección: Juan Carlos Fresnadillo. Guion: Dan Mazeau. Música: Jane Antonia Cornish. Fotografía: Larry Fong. Reparto principal: Millie Bobby Brown, Ray Winstone, Robin Wrigth, Angela Bassett, Shohreh Aghdashloo, Nick Robinson, Sam Sharma, Brooke Carter. Producción: PCMA Productions, Roth/Kirschenbaum Films. Distribución: Netflix. Género: Fantasía. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/80991090

Crítica: ‘Kung Fu Panda 4’

Posted on por
Responder

En que plataforma ver Kung Fu Panda 4

Sinopsis

[toggle]

Después de tres peligrosas aventuras desafiando a la muerte y derrotando a supervillanos con su inigualable coraje y su impresionante dominio de las artes marciales, Po, el Guerrero del Dragón (con voz en VO del nominado a los Globos de Oro Jack Black y de Florentino Fernández en la versión doblada al español) se encuentra con que el destino le llama… a tomarse un respiro. Más concretamente, le ofrecen convertirse en el líder espiritual del Valle de la Paz.

La propuesta le plantea un par de problemas obvios. Primero, Po sabe tanto de liderazgo espiritual como de dietas, y segundo, necesita encontrar y entrenar lo más rápido posible a un nuevo Guerrero del Dragón antes de poder ocupar su prestigioso y flamante nuevo cargo.

Por si fuera poco, últimamente ha aparecido una malvada y poderosa hechicera llamada la Camaleona (Viola Davis en VO, ganadora del Premio Oscar®), una diminuta sabandija que puede transformarse en cualquier criatura, grande o pequeña. Y la Camaleona ha puesto sus codiciosos y minúsculos ojos de canica en el Báculo de la Sabiduría de Po, que podría darle el poder de invocar a todos los maestros villanos que Po derrotó y desterró en su día al reino de los espíritus.

[/toggle]

Crítica

Una cuarta entrega que sigue dando el mejor kung fu

Dirigida por Mike Mitchell (‘Trolls’) y codirigida por Stephanie Ma Stine (‘She-Ra y las princesas del poder’), la película nos trae de nuevo a nuestras salas de cine a Po, esta vez para enfrentarse a una gran enemiga que se lo va a poner muy difícil.

La película comienza con un gran problema para nuestro gran oso panda y es que debe buscar su relevo como Guerrero del Dragón y así poder ser un gran líder espiritual del Valle de la Paz. Algo que no le hace demasiada gracia a Po. Mientras tiene que resolver este pequeño asunto, una despiada hechicera, Camaleona, quiere hacerse con el dominio del mundo. Pero Po, no estará solo, conocerá a la astuta ladrona, Zhen, un ejemplar de zorro corsac, que le ayudará a salvar todo su mundo conocido.

Jonathan Aibel y Glenn Berger (guionistas de toda la saga ‘Kung Fu Panda’) junto con Darren Lemke (‘Shrek 4’) firman un guion muy divertido y con muchos nuevos personajes, pero también recuperan antiguos villanos de las anteriores películas.

No pierden el espíritu de la saga, donde conocemos un Po entusiasta por todo, muy positivo y al que le gusta su trabajo como Guerrero del Dragón. Pero también sigue siendo bueno y por ello muchas veces se deja engañar de la manera más fácil.

La película nos habla de la amistad, de esa que aparece de repente y sin pensarlo y también del aprendizaje, de saber terminar las cosas, aunque nos encanten y dar un paso hacia una nueva aventura.

La película la hemos visto con el doblaje en castellano, en la que escuchamos a Florentino Fernández como el gran oso panda. En el doblaje original encontramos las fantásticas voces de Jack Black, como Por, Awkwafina, como Zhen y Viola Davis como la malísima Camaleona.

La música vuelve a estar en manos de Hans Zimmer esta vez junto a Steve Mazzaro, los cuales crean una banda sonora bastante divertida y nueva. Por supuesto con canciones de las anteriores películas, pero sin repetir demasiado.

En el ámbito de la animación, algo que me gusta cuando veo diferentes secuelas, es como va mejorando ésta. En este caso vemos la perfección de los pequeños detalles, el pelo de los animales, los movimientos, se hacen más gráciles y reales.

En general me lo he pasado genial viendo ‘Kung Fu Panda 4’. Muchas veces cuando hay tantas secuelas suelen perder fuerza y sin duda esta ha sido la excepción. La película llega el próximo 8 de marzo y ya no solo la recomiendo a los más pequeños, sino también a los mayores. Además, aunque sea la cuarta entrega no hace falta haber visto el resto de películas y eso se agradece.

 Ficha de la película

Estreno en España: 8 de marzo de 2024. Título original: Kung Fu Panda 4. Duración: 94 min. País: Estados Unidos. Dirección: Mike Mitchell, Stephanie Ma Stine. Guion: Jonathan Aibel, Glenn Berger y Darren Lemke. Música: Hans Zimmer y Steve Mazzaro. Reparto principal: Jack Black, Awkwafina, Viola Davis, Dustin Hoffman, Bryan Cranston, James Hong, Ian McShane, Ke Huy Quan. Producción: DreamWorks Animation, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: Comedia. Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/kung-fu-panda-4

Crítica: ‘Vincent debe morir’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver Vincent debe morir

Sinopsis

[toggle]

De la noche a la mañana, Vincent empieza a ser atacado por personas desconocidas sin motivo aparente. Cuando las agresiones se descontrolan, se ve obligado a huir. Pero ¿a dónde?

[/toggle]

Crítica

Capaz de desconcertar al espectador y al protagonista con su repentina violencia

Se acaba de estrenar ‘Dream Scenario’ con Nicolas Cage como protagonista. Una película de la cual se pueden extraer múltiples lecturas, una de ellas guarda una estrecha relación con ‘Vincent debe morir’. Y es que ambos protagonistas, así sin comerlo ni beberlo, empiezan a sufrir una ofensa en público. En ambos filmes podemos establecer una metáfora con nuestra actualidad, con nuestra realidad digital. Y es que muchas veces en las redes sociales se apalea verbalmente y se acosa a personas, por desgracia estamos acostumbrados a las ya popularmente llamadas “cancelaciones”. Muchas veces el disparador que da voz a los ofendiditos es algo a priori trivial, en otras las personas que son el foco del odio anónimo ni siquiera saben de dónde viene esa oleada de ataques. Todos sabemos que es muy fácil cargar contra una persona escondiéndose en el anonimato y el amparo de la turba. Por eso lo que ‘Vincent debe morir’ nos pide es que no cedamos ante esa especie de desahogos malsanos y procuremos antes conocer a las personas y la historia que hay detrás, fomentando así una sociedad más sana.

Stéphan Castang intenta transmitirnos eso y más a través de una historia de vertiente fantástica en la que el protagonista comienza a sufrir ataques esporádicos y violentos allá donde va. Metáfora, humor negro y algo acción que va muy lentamente in crescendo son las herramientas de esta incómoda y enigmática película. Vincent se encuentra rodeado de peligro por todas partes, a lo Keanu Reeves (perseguido por los asesinos de John Wick o por las múltiples posesiones de cuerpos del Agente Smith). Eso hace que nos transmitan que prácticamente no hay cobijo cuando todo se vuelve inexplicablemente en contra tuya. No es difícil ponerse en la piel del protagonista.

‘Vincent debe morir’ empieza rápido pero le cuesta mantener el ritmo, quizá porque intenta ser introspectiva y no ser otro filme postapocalíptico más. La espiral de odio aparece pronto y crece poco a poco pero no aprovecha la tensión acumulada o el impacto de algunas escenas duras y reales que injerta en el montaje. La agresividad es un recurso fácil y contagioso, por eso parece que ser un hater es cada vez algo más común y aceptado. Igual sucede con la violencia explícita que se reproduce gratuitamente en nuestros smartphones. Es algo que todos sabemos que está mal y nos parece incomprensible que suceda, ese mismo desconcierto siente Vincent. Es una película sencilla pero con medios bien empleados, si consigue transmitirte eso mismo digo yo que habría que considerarla por lo menos como una película que debería tener una buena vida en las salas de cine y no sufrir ningún escarnio como el que experimenta su protagonista, obligado a huir a lo más recóndito.

Eso sí, por muchas interpretaciones que le puedas dar ‘Vincent debe morir’ cierra sin ser implícita, se acota demasiado a al subtexto. Nos podemos quedar conque esto consiste en dotar de algo de comicidad negra a una reflexión sobre la violencia y la condición humana. Pero toda reflexión debe llevar a una conclusión, aquí no la vemos.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de marzo de 2024. Título original: Vincent doit morir. Duración: 115 min. País: Francia. Dirección: Stéphan Castang. Guion: Mathiew Naert. Fotografía: Manuel Dacosse. Reparto principal: Karim Leklou, Vimala Pons, François Chattot, Jean-Rémi Chaize, Ulysse Genevrey, Karoline Rose Sun. Producción: Capricci Films, Bobi Lux, Gapbusters, Arte France Cinema, Auvergne Rhône-Alpes Cinéma. Distribución: La Aventura. Género: drama, comedia, fantástico. Web oficial: https://laaventuracine.com/vincent-debe-morir/

Crítica: ‘El astronauta’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver El astronauta

Sinopsis

[toggle]

A los seis meses de una solitaria misión de investigación en los confines del sistema solar, el astronauta Jakub (Adam Sandler) se desespera cuando se da cuenta de que su matrimonio quizá no aguante hasta su regreso a la Tierra. Pero en las entrañas de la nave anida un misterioso ser ancestral que lo ayudará a arreglar las cosas con su mujer, Lenka (Carey Mulligan). La criatura, llamada Hanuš (con la voz de Paul Dano en la versión original), repasa con Jakub los escollos de su relación antes de que sea demasiado tarde.

[/toggle]

Crítica

Tediosa sesión de psicólogo pseudocientífico de una tristeza constante

‘Spaceman of Bohemia’, el libro de Jaroslav Kalfar, sirve de base para ‘El astronauta’. Para esta adaptación se ha mantenido el origen del protagonista, la República Checa, e incluso se le ha brindado un ambiente propio de la Checoslovaquia soviética. Es una obra donde el escritor volcó muchas inquietudes de su pasado y el director Johan Renck ha mantenido el toque intimista. La propuesta parece sobria y aburrida y el resultado es tal y como suena. Era de esperar la parsimonia que presenta el montaje, pues este director ha trabajado en series como ‘Breaking Bad’ o ‘Chernobyl’, pero lo que mata a ‘El astronauta’ es su continuo carácter meditabundo, filosófico, pseudocientífico y ante todo, triste.

A muchos les chocará ver a Adam Sandler en una película tan apesadumbrada, pero alguno de los últimos trabajos que ha hecho para Netflix, ‘Diamantes en bruto’ o ‘Garra’, ya auguraban que el actor se encuentra en la fase más “seria” de su carrera. En esta ocasión se mete en la piel de un cosmonauta checo que se haya en una misión por nuestro sistema solar. A bordo de la nave Jan Hus 1 viaja para investigar la nube Chopra, la cual ha aparecido en el firmamento de la Tierra y se haya más allá de Júpiter. Parece que el nombre de la nube hace alusión a los discursos del escritor indio Deepak Chopra, también creyente de la pseudociencia que tan presente está en ‘El astronauta’, pues todo gira en torno a la búsqueda del lugar donde empiezan los pensamientos, de a qué debemos prestar atención en la vida y de cómo nuestra mente puede sanarnos en todo los aspectos. Es un viaje tan lento y agotador que cuando termina nuestros pensamientos realmente ya se hayan en otra parte.

Metafóricamente o no el guía y psicólogo del protagonista está materializado por Hanuš, una araña gigante que parece hija de Ella-Laraña, con mejoras de CGI inherentes a los progresos de la tecnología. Se comunica a través telepatía y el doblaje de Paul Dano y con esto llego a lo que más me ha gustado de ‘El astronauta’, las voces. Desde el trabajado acento que emplea Sandler hasta la manera en cómo Paul Dano controla su tono con moderación, de un modo similar a lo que hizo con Acertijo en ‘The Batman’, los diálogos son lo mejor del filme. Y quizá es cosa de que pertenezco a una generación desengañada con el neoliberalismo y el capitalismo, pero otro acierto que se ve de respagilón es el mostrar como el ser humano es capaz de meter publicidad hasta en el espacio, aun cuando se trata de comunicarse con alguien que está completamente aislado a millones de kilómetros. Mostramos así más frialdad y vacío que el propio espacio, pero sobre todo egoísmo.

El egoísmo es un tema importante en la película. Las decisiones que hacen huir de los problemas, romper promesas y perder la confianza de los allegados a veces llegan de una manera premeditada. Ese tipo de contradicciones están voluntariamente plasmadas en el guion para desarrollar un discurso sobre el individualismo y el miedo. El diván cósmico sobre el que se tumba el protagonista junto a su arácnido acompañante durante su misión redentora hace surgir miedos subyacentes pero también nuestros bostezos. Y se abordan también los intereses propios cuando surge una ruptura por vídeomensaje a distancia y sin posibilidad de respuesta.

‘El astronauta’ puede recordarles a muchos algunos aspectos de películas como ‘Moon’ o ‘Ad Astra’. Es lenta, meditabunda e intimista a más no poder. Paul Dano ya se ha embarcado en introspecciones similares, como fue ‘Swiss army man’. Lástima que aquí no aparezca la gracia de los Daniels.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de marzo de 2024. Título original: Spaceman. Duración: 106 min. País: EE.UU. Dirección: Johan Renck. Guion: Colby Day. Música: Max Richter. Fotografía: Jakob Ihre. Reparto principal: Adam Sandler, Paul Dano, Carey Mulligan, Kunal Nayyar, Lena Olin, Isabella Rossellini. Producción: Free Association, Stillking Films, Tango Entertainment. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, drama, romance. Web oficial: ver en Netflix.

¿Es posible un mundo en blanco y negro como el de Dune: parte 2?

Posted on por
2

¿Podría la escena en escala de grises responder a una explicación física?

La segunda parte del Dune de Denis Villeneuve está dejando a todos atónitos (crítica aquí). Una de las virtudes de esta película es su capacidad para desarrollar un mundo en el que los mayores extremos de la religión y la tecnología conviven en el mismo ambiente. Por supuesto también está ganándose a los adeptos a las novelas de Frank Herbert por su fidelidad para con el espíritu de la historia. Pero sin duda otra razón por la que nos ha cautivado a los que ya la hemos visto es su poder visual.

Entre desérticas escenas y futuristas escenarios Villeneuve nos ha colado una escena en blanco y negro. Muchos le atribuyen un sentido artístico o poético al más puro estilo Zack Snyder, que es algo que nadie puede negar. Pero otros le encuentran un sentido dentro de la “física de la ciencia ficción”. Y es que en dicha escena que transcurre en el planeta Giedi Prime, propiedad de los Harkonnen y donde el sol es negro, se ve todo en escala de grises. Ahí presenciamos una vibrante escena protagonizada por Austin Butler y Stellan Skarsgård al más puro estilo cine clásico de gladiadores, tan clásico que está en blanco y negro. Pero esto solo sucede cuando los personajes están al aire libre. Por el contrario, cuando en ese planeta se hayan en un interior, bajo la influencia de luz artificial, todo se ve en color. Por lo tanto hay algo en la luz solar, los materiales o la atmósfera que produce este efecto.

Partamos de lo básico. En la Tierra vemos el mundo a todo color gracias a la luz solar. El color real de nuestro astro rey es el blanco. Esa La luz blanca que emite es el resultado de la combinación o superposición de todos los colores, lo que llamamos el espectro visible. Cada color posee un rango de radiación magnética emitida con su característica longitud de onda. Sucede que podemos distinguir colores en los objetos debido a las longitudes de onda que rebotan en ese objeto. En otras palabras, los objetos absorben todas las longitudes (o colores) menos una. Ese color que no atrapan y que rebotan es el color que nuestro ojo capta. Si queréis saber más os lo explica en profundidad CuriosaMente.

Si aceptamos esto como una regla física presente en la saga Dune solo podría existir un mundo en escala de grises si considerásemos algunas remotas posibilidades. Una de ellas es que ese mundo estuviese hecho de materiales que absorban todas las longitudes de onda o ninguna. Habría que asumir que el material biológico, los minerales o los metales de ese planeta están compuestos de sustancias que rebotan toda la luz o que la absorben por completo. Por lo tanto sería un mundo en blanco y negro, no en escala de grises. La segunda hipótesis supondría que los rayos que emite el venerado sol negro de Giedi Prime no portasen el espectro de color dentro de ellos. Por lo tanto los objetos pueden tener propiedades que en otros ambientes emiten color, pero bajo la influencia de esos rayos solo pueden transmitir tonalidades blancas, negras o grisáceas. Podríamos atribuir este triste ambiente a algo más biológico y comprobable. Los encargados de recibir la luz en nuestro ojo son los fotorreceptores, que se dividen entre conos y bastones. Los conos se ocupan de transmitir la información del color, mientras que los bastones registran la intensidad. Si la luz del sol negro fuese capaz de anular nuestros conos solo podríamos distinguir la intensidad de los colores, pero no su tonalidad, veríamos en blanco y negro. Por último, está la opción de la atmósfera. Podría ser que los gases que componen la atmósfera de ese planeta repeliesen todo el espectro de color de nuevo al espacio dejando pasar hasta la superficie solo los tonos más oscuros y claros, hasta tal punto que todo se ve en tonalidades grisáceas. Teniendo en cuenta que en las novelas nos explican que ese planeta es industrial hasta el punto de haber acabado con casi toda la flora y fauna, se antoja como la opción más cercana a los libros. Quizá lo que hemos encontrado oculto en esta escena es un alegato ecologista.

Todo esto es evidentemente es una serie de postulaciones que solo cabe concebir dentro de un mundo de ciencia ficción. A día de hoy no se ha encontrado un mundo, una atmósfera o una luz con similares propiedades, pero no sería la primera vez que una película adelanta un descubrimiento científico ¿verdad?

Crítica: ‘Dune: Parte 2’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver Dune: Parte 2

Sinopsis

[toggle]

Se adentrará en el viaje mítico de Paul Atreides cuando se une a Chani y a los Fremen en una guerra de venganza contra los conspiradores que destruyeron a su familia. Tendrá que elegir entre el amor de su vida y el destino del universo conocido mientras lucha por evitar un horrible futuro que solo él puede prever.

[/toggle]

Crítica

Más completa y espectacular que la primera y pidiendo tercera

Tenemos a un príncipe caído en desgracia al que se le abre un mundo que hasta entonces le era desconocido, la profecía de un elegido y una historia de amor más que pronosticable. Los pasos que sigue ‘Dune’ no dejan de ser arquetípicos y el libro, a mi gusto es más que mejorable. Estamos ante uno de esos casos en los que la película mejora el material original siendo mucho más dinámica, menos espesa y por otro lado mucho más espectacular de lo que podríamos ser capaces de imaginar a través de las líneas de la novela. No estamos hablando de que se amolde más a los gustos actuales, es que es una opinión más que extendida que la primera parte de ‘Dune’ (novela) se hace bola por lo poco que progresa y la narrativa que tiene. Otra razón por lo que esta película se antoja como uno de los mayores logros de Denis Villeneuve es lo beneficiada que sale con las comparativas con la película de David Lynch o la que iba a hacer Jodorowsky. Pero no olvidemos que estas películas no habrían sido lo mismo ni de lejos si no fuese por la música (o sonidos) de Hans Zimmer y la fotografía de Greig Fraser.

La aportación de Zimmer pesa más en la primera parte. En esta continuación el trabajo del compositor se hace notar pero no juguetea tanto con el sonido. Su banda sonora es reconocible completamente pues introduce sus famosos tic tacs y sus efectos sonoros pero la fotografía gana de calle en esta segunda parte. Y es que ‘Dune: parte 2’ tiene fotogramas que son un sueño húmedo para los fans de la ciencia ficción. Sobre todo al mostrar determinados escenarios y principalmente cuando los vehículos Harkonnen llenan la pantalla con formas que recuerdan a las de Giger. El diseño de armamento, atrezo, escenografía y vestuario son impresionantes. Por otro lado está la licencia artística que nos trae una secuencia en escala de grises que además de ser un gustazo estético responde a la hipotética existencia de un sol negro capaz de arrojar luz sin el colorido especto que conocemos, solo con las longitudes de onda blancas y negras. Hablando de estética, los tocados que luce Florence Pugh en el papel de la hija del Emperador recuerdan mucho al que lucía la Emperatriz infantil de ‘La Historia Interminable’, preciosos ambos.

Antes comentaba que esta película es más dinámica que la novela pero con todo y con eso tiene momentos en los que la trama se adormece o redunda en exceso sobre los mismos puntos. Villeneuve ha querido cimentar bien la guerra de guerrillas y toda la parte religiosa de la obra. Probablemente eso le traiga algunos de los pocos malos comentarios que va a tener este filme. En parte por lo que decía, el ritmo se ve perjudicado y en parte porque puede salir más de un islamófobo. Y es que esta es una historia de religión y fanatismos con muchas influencias de oriente medio. Gran parte de los lectores conoce el hecho de que la Revuelta Árabe pudo inspirar a Frank Herbert de igual modo que a R.R. Martin le sirvió de base ‘La Guerra de las Dos Rosas’.

Este filme se siente aún más parte de la saga de Herbert. No solo por todo lo que se desarrolla su parte mediática. También porque se distingue algo más la auténtica magnitud y profundidad. Es la antesala de una saga galáctica llena de personajes, familias y planetas y después de verla cruzo los dedos para que Warner de luz verde a la tercera entrega. Aunque con ‘Dune: parte 2’ se finiquita el primer libro, con unas cuantas licencias argumentales, nos entran ganas de ver una conclusión que cierre absolutamente del todo la trama. También por aprovechar algo más a los gusanos de arena, que al fin y al cabo son la marca de la franquicia.

Además de todo el poder técnico en esta segunda parte se agradece la irrupción de nuevos personajes. Casi todos los partícipes del filme han tenido que trabajar una buena evolución para sus personajes y eso está interesante pero hay aire fresco con incorporaciones como la ya mencionada Florence Pugh, el emperador que interpreta Christopher Walken y sobre todo Austin Butler. El actor ahora archiconocido por su papel como Elvis hace un papel tremendamente físico y además de esos en los que ha de parecer un psicópata, nada fácil. Como válvula de escape hemos tenido a un Bardem imponente que a veces parecía que estaba  parafraseando ‘La Vida de Brian’ o las palabras del Walter Sánchez de Les Luthiers.

Como sorpresa ya destripada por las premieres, Anya Taylor-Joy aparece en esta película antes de figurar en otra desértica película de Warner como es ‘Furiosa’.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de marzo de 2024. Título original: Dune: part 2. Duración: 166 min. País: EE.UU. Dirección: Denis Villeneuve. Guion: Jon Spaihts, Denis Villeneuve, Craig Mazin. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Oscar Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Dave Bautista, Christopher Walken, Léa Seydoux, Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling, Javier Bardem, Souheila Yacoub, Alison Halstead. Producción: Legendary Entertainment, Warner Bros. Pictures, Villeneuve. Distribución: Waner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/dune-part-two

Crítica: ‘Historias de Tokio’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver Historias de Tokio

 

Powered by JustWatch

 

Sinopsis

[toggle]

Historias de Tokio es un film sobre una de las ciudades más reconocidas mundialmente por su creatividad. La película cuenta las historias de los artistas y personas que han hecho Tokyo famosa por su impulso ilimitado por lo nuevo e innovador, haciendo de esta ciudad una de las más vibrantes e interesantes del planeta.

[/toggle]

Crítica

Nos hace sentir parte o admiración de una cultura centenaria en constante evolución

El Ashmolean Museum sirve como hilo conductor para ‘Historias de Tokio’. Más en concreto en la exposición de 2021 llamada Tokio: Arte y Fotografía. A través de esa exitosa muestra el documental recorre 400 años de historia artística, cubriendo todo tipo de ámbitos. Para conformar una idea completa de porqué Tokio es lo que es hoy en día hay que conocer grabados antiguos, xilografías, el manga, la fotografía, la decoración o el audiovisual contemporáneo. Esta película complementa dicha exposición y sirve de decálogo decálogo para todo aquel que diga que le gusta el arte japonés.

Exhibition on Screen es una productora que tiene como meta llevar el arte a todo el mundo, transportar a los espectadores a museos, exposiciones o muestras que no les son accesibles. Con ‘Historias de Tokio’ cumplen la doble función de mostrarnos cuán completa fue esa exposición celebrada en Oxford y a la vez crearnos una enorme necesidad de ir a Japón y absorber todos y cada uno de los matices que ha ido adquiriendo a lo largo de su historia. Todos hemos dicho siempre eso de “Japón combina muy bien tecnología y tradición” y es en su arte donde más se suele ver reflejado. Las calles de neon aún respiran el espíritu de los shogunatos, la arquitectura aún rezuma la poesía de antaño, el manga salta a la calle a través de la moda y viceversa… Desde los templos más antiguos hasta los edificios más cableados del mundo, este reportaje no se deja ningún rincón. Evidentemente este repaso sirve como clase de historia.

El documental salta por dos ubicaciones diferentes dividido por bloques temáticos. En su mayoría está rodado en la capital nipona pero retorna de vez en cuando a la exposición con diferentes planos y entrevistas para usarla como hilo conductor. Nos hablan las comisarias de dicha exposición Clare Pollard y Lena Fritsch además del director del Ashmolean, Alexander Sturgis y por supuestos dichos artistas cuya obra ha sido allí expuesta. A partir de obras nuevas, tesoros de archivo e imágenes de obras clásicas se nos ofrece una amplísima visión. El documental se siente tan vibrante y cambiante como casi todos percibimos que es Tokio. El caos armonioso de la ciudad encuentra su orden a través de la exposición y el análisis de esta película.

A la exposición le costó llegar a mucho público debido a la pandemia, de hecho su celebración coincidió con la celebración retrasada de los Juegos Olímpicos de Tokio. A través de este documental tendrá su justa visualización. Además que durante este mes de febrero también se cumplen dos efemérides: el 11 de febrero fue el día de la Fundación Nacional de Japón y el 23 de febrero será el Día del Emperador. ‘Historias de Tokio’ llega en el momento oportuno para hacernos sentir parte o admiración de una cultura centenaria en constante evolución.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de febrero de 2024. Título original: Exhibition on Screen: Tokyo Stories. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: David Bickerstaff.  Guion: David Bickerstaff, Phil Grabsky. Música: Asa Bennet. Fotografía: David Bickerstaff, Hugh Hood. Reparto principal: David Bickerstaff, Clare Pollard, Lena Fritsch, Alexander Sturgis, Moriyama Daido, Keiichi Tanaami, Mika Ninagawa, Enrico Isamu Oyama, Yuko Mohri. Producción: Seven Art Productions, Exhibition on Screen. Distribución: A Contracorriente films. Género: documental. Web oficial: https://acfeventos.com/historias-de-tokio/

Crítica: ‘Guardianes del museo’

Posted on por
Responder

En qué plataforma ver Guardianes del museo

Sinopsis

[toggle]

En el museo Hermitage hay un escuadrón de felinos que protegen las obras de los roedores desde hace siglos. La casualidad lleva al gato Vincent hasta allí tras sufrir un accidente, pero no llega solo, ¡sino acompañado de un ratoncito llamado Maurice! Su pequeño amigo le ha salvado la vida, por lo que se ve envuelto en una encrucijada: los felinos del museo quieren acabar con él, pero Vincent está en deuda con su pequeño amigo, por lo que decide esconderlo, aun a sabiendas de que Maurice es un apasionado devorador de arte, literalmente… Todo se complica ante la llegada de una de las obras maestras más famosas de la historia, La Gioconda. Nadie sospecha que en realidad no es precisamente este ratón su mayor peligro, ¡alguien pretende robarla! ¿Qué hará Vincent para protegerla?

[/toggle]

Crítica

Una historia de amistad que vende muy bien al Hermitage

El prestigioso museo ruso del Hermitage tiene unos curiosos custodios, unos gatos. Y es que ni esa prestigiosa institución está a salvo de una indeseada visita. No me refiero a la masificación de turistas armados con peligrosos palos selfie o a británicos beodos, sino a las ratas. La llegada de un ratón devorador de arte (literal) no es el mejor augurio para recibir una de las obras de arte más admiradas por el ser humano, La Gioconda. En la encrucijada de defender a su amigo ratón o de anteponer otro tipo de intereses se ve el gato protagonista de la película, que se llama Vincent, en homenaje a Van Gogh.

Sin duda esta es una película dirigida al público más joven. ‘Guardianes del museo’ es una obra sobre la amistad y la concordia que tiene como telón de fondo el arte pictórico y escultórico. Una fórmula que siempre ha funcionado bien, desde series como ‘Érase una vez… los inventores’ hasta películas como ‘Noche en el museo’. A través de la narración en primera persona con la voz en off del protagonista, varias rupturas de la cuarta pared y algo de acción mezclada con comedia consigue entretener moderadamente. Sin duda a espectadores infantiles puede encandilarles a través de su diversidad de simpaticones personajes, colores y el indudable encanto de los clásicos del arte. Los momentos de humor físico y aquellos en los que los cuadros cobran vida, a lo recortables de los Monty Python o Hogwarts, son los más divertidos.

El museo que sirvió de hogar a varias emperatrices de Rusia es ahora uno de los emplazamientos culturales más visitados del mundo. La película sirve de panfleto que le vende estupendamente, ahora que Rusia tiene tan mala fama a causa de la guerra que mantiene contra Ucrania. Evidentemente la película no esgrime ningún argumento relacionado con el conflicto armado. Pero si tiene que ver con la tolerancia a los que son distintos y lo irracional que es defender un territorio basándose en un pasado muerto y los prejuicios. Ojalá fuese profeta en su tierra. Además explota una curiosidad real, la presencia de gatos en el museo desde el siglo XVIII, para hacernos pasear por el arte de Amadeo Modigliani, Da Vinci, Aleksandr Pushkin, Gauguin…

‘Guardianes del museo’ cuenta con el guionista Gerry Swallow y el diseñador de personajes Robin Joseph. Entre ambos cubren títulos como ‘Ice Age 2’, ‘Mascotas’ o ‘Gru: mi villano favorito’. Pero han ido a parar a una producción gráficamente muy inferior a las que figuran en su currículum. El diseño de personajes es de serie de televisión o de película 3D de hace más de 20 años, de los tiempos de ‘Shrek’. Los gatos parecen peluches de supermercado y están mucho mejor elaborados los escenarios. Antes decía que el nombre del protagonista podía proviene de un homenaje al pintor impresionista pero también podría hacer alusión a Vicent Price. No lo digo por el terror, aunque bastante miedo puede darnos que un roedor devore obras magnas y tesoros históricos. Lo digo porque el actor solía hacer películas de bajo presupuesto y en este caso la calidad de la animación denota falta de recursos. Puede recordar a los primeros pasos de ‘La Patrulla Canina’, pero por supuesto no olvidemos que no se puede agraviar a un filme por la dimensión de su producción. Si uno es consciente de a qué público va dirigida ‘Guardianes del museo’ y los límites que tiene su animación no saldrá nada defraudado de pasar el rato en familia en el cine, sobre todo si aprecia los valores artísticos y fraternales que pretende inculcar.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de febrero de 2024. Título original: Koty Ermitazha. Duración: 80 min. País: Rusia. Dirección: Vasiliy Rovenskiy. Guion: Elvira Bushtets, Fyodor Derevyanskiy, Vasiliy Rovenskiy, Gerry Swallow. Música: Anton Gryzlov. Reparto principal (doblaje original): Roman Kurtsyn, Polina Gagarina, Pavel Priluchnyy, Diomid Vinogradov, Aleksandr Gavrilin, Anton Eldarov. Producción: Licensing Brands. Distribución: VerCine. Género: comedia, aventuras. Web oficial: https://fragmanizlesene.com/kediler-muzede-filmi/