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Crítica: ‘Blue moon’

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Sinopsis

En la noche del 31 de marzo de 1943, el legendario letrista Lorenz Hart se enfrenta a su dañada autoestima en el bar Sardi mientras su antiguo compañero creativo Richard Rodgers acoge la noche inaugural de su exitoso musical ¡Oklahoma!

Antes de que la noche acabe, Hart se habrá enfrentado tanto a un mundo que ya no valora su talento como a la aparente imposibilidad del amor.

Crítica

Todo un interrogatorio a la memoria cultural

Hay artistas cuyo nombre se desvanece mientras sus obras siguen resonando durante décadas. Figuras esenciales, pero invisibles, eclipsadas por los intérpretes que ponen voz o rostro a sus creaciones. Durante buena parte del siglo XX, los escritores y compositores eran arquitectos del espectáculo, auténticas fuerzas creativas del showbusiness, respetadas, escuchadas y hasta deseadas. Con el tiempo, muchos de ellos quedaron relegados a la nota a pie de página de un programa, a un espacio secundario en la memoria colectiva. ‘Blue moon’, la nueva película de Richard Linklater, se sumerge precisamente en ese territorio: el de un genio cuyos versos moldearon la cultura popular, pero cuya presencia física se perdió entre bambalinas.

Y lo hace desde la palabra, desde unos diálogos, por momentos auténticos soliloquios, que reconstruyen no tanto la vida de Lorenz Hart como el carácter satírico, irónico y vulnerable que dio forma a sus obras. Ethan Hawke soporta casi todo el peso del relato, llenando cada plano con una interpretación que no solo aguanta estos torrentes verbales cargados de sinceridad, sino que los vuelve hipnóticos. Linklater sitúa la cámara al servicio de la voz, del ingenio y del desgaste interior de Hart, permitiendo que el propio discurso se convierta en la columna vertebral del filme más allá de los rostros conocidos. Y lo hace con la simpleza de una obra teatral que se inspira únicamente en las cartas que Hart mantenía con su amor platónico.

La película muestra a Hart como un letrista brillante pero atormentado, sin ocultar su alcoholismo y sin reducir su figura al cliché del genio herido. Es por eso que nos ofrece momentos de soberbia y falsedad pero también de humildad y honestidad. El director incorpora detalles sobre su influencia cultural, desde la forma en que sus letras impregnaron generaciones hasta sus contactos con cineastas como George Roy Hill, responsable de ‘Dos hombres y un destino’ o posibles coincidencias con figuras de la talla del ensayista Elwyn Brooks White, el cual para muchos sentó cátedra. Son gestos discretos, pero reveladores, que recuperan la dignidad de un talento a menudo olvidado.

‘Blue moon’ también se detiene en temas universales: el ocaso de la fama, la amistad que se deshace por los errores, la pérdida de profesionalidad y un público que ya no valora la complejidad. Para mi esto último es lo más valioso pues interpela con el espectador. Es una defensa abierta de las obras que exigen algo más que consumo pasivo. Linklater parece recordarnos que el espectáculo no siempre fue un producto acelerado y gratuito: hubo un tiempo en que el público reclamaba densidad, y los creadores, respeto. El largometraje parece todo un interrogatorio a nuestra memoria cultural y ciertamente, si lo pensamos bien, esta película no podrá hacerse igual dentro de unas décadas, no desde la nostalgia por un patrimonio mejor, quizá desconsolados por haber permitido que generaciones crezcan con vagos entretenimientos y no con obras más intelectualmente sugerentes.

En paralelo, el filme juega con trucos visuales para ajustar la estatura de Hawke (1,80 m) a la del verdadero Hart, que rondaba 1,50 m. Perspectivas, vestuario, escenografía, desenfoques… una coreografía técnica constante que, aunque ingeniosa, a veces desvía la atención de unos textos que ya son lo suficientemente poderosos por sí mismos. No empaña la experiencia, pero sí introduce un pequeño ruido visual dentro de un relato dominado por la palabra.

El resultado de ‘Blue moon’ es una película íntima, discursiva y profundamente humana. Un homenaje a un creador discreto cuyo legado, lejos de encoger, sigue expandiéndose cada vez que alguien escucha una de sus líneas. ‘Blue moon’ no solo rescata a Hart del olvido: reivindica el valor de quienes construyen desde las sombras.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de noviembre de 2025. Título original: Blue moon. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Richard Linklater. Guion: Robert Kaplow. Música: Graham Reynolds. Fotografía: Shane F. Kelly. Reparto principal: Ethan Hawke, Margaret Qualley, Bobby Cannavale, Andrew Scott. Producción: Sony Pictures Clasics, Renovo Media Group, Detour Pictures, Wild Atlantic Pictures, Cinetic Media, Not to be Seen Productions, Under the Influence Productions, Concord Originals. Distribución: Sony Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.sonyclassics.com/film/bluemoon/

Crítica: ‘Wicked: parte II’

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Sinopsis

And now whatever way our stories end, I know you have rewritten mine by being my friend …

El fenómeno cinematográfico y cultural del año pasado, que se convirtió en la adaptación a la gran pantalla más exitosa de todos los tiempos de un musical de Broadway, despliega su épico, apasionante y emotivo final en ‘Wicked: parte II’.

Crítica

Una secuela tan ambiciosa y arriesgada como el musical que cuestiona héroes y villanos

Se acabó la espera que hemos mantenido durante dos años. ‘Wicked: Parte II’ se estrena en cines y se presenta como una continuación más oscura, más madura y más emocional que su predecesora. Es un trayecto narrativo que abandona en buena parte la ligereza cómica del primer filme para adentrarse en territorios dramáticos, donde las consecuencias de las decisiones pesan con una gran intensidad.

Desde sus primeros compases, esta segunda parte marca un cambio de tono palpable. Jon M. Chu reconoce que, si la primera entrega era, en sus palabras, un “coming of age” sobre elecciones, esta segunda se adentra en un terreno de consecuencias, de preguntas más complejas sobre identidad, poder y verdad. El guion, firmado por Winnie Holzman (responsable también del libreto del musical original) y Dana Fox, conserva momentos de ligereza, sobre todo gracias a Ariana Grande como Glinda. Pero estas pinceladas de humor ya parecen menos frecuentes y más contenidas, pues la película busca avanzar sin depender tanto del respiro cómico. Eso no quita que Grande siga siendo, en muchos instantes en los que explota el carácter más bobalicón y presumido de su personaje, la que mejor actúa en este filme.

Uno de los aciertos más evidentes es cómo se profundiza en la amistad entre Elphaba (Cynthia Erivo) y Glinda. No es solo un vínculo superficial, sino una relación compleja, extremadamente cambiante, frágil y poderosa. Chu ha hablado de lo difícil que fue filmar esa conexión: a diferencia de un romance, la amistad no tiene un final previsible, sube y baja, exige presencia constante. Y eso se percibe en el filme que en varias ocasiones dispone un verdadero caos emocional que hace que nos cuestionemos cómo cambian de bando tan rápido y en una sola escena varios personajes.

Hay que reconocer que esta entrega es, también, más “ñoña” en lo romántico y lo sentimental. Pero quizá el tema más fascinante de ‘Wicked: parte II’ es ese juego de apariencias. A lo largo de la película queda claro que los héroes más luminiscentes no son necesariamente los más genuinos. Glinda, ensalzada como símbolo de bondad para todo Oz, vive cómodamente en el palacio de la Ciudad Esmeralda, disfrutando del favor popular. Mientras tanto, Elphaba, demonizada por el Mago y convertida en la Bruja Malvada del Oeste, lidera desde el exilio una lucha por la justicia. Este contraste no es casual: Chu habla de propaganda, de cómo los poderosos construyen imágenes para manipular al pueblo, insertando referencias visuales propias de iconografía bélica, llegando incluso a imitar a través de Jeff Goldblum a ‘El gran dictador’ de Chaplin. En ese sentido, la oscuridad narrativa es también una invitación a cuestionar los roles tradicionales de “bueno” y “malo”. La autenticidad, sugiere la película, reside en quienes han sido etiquetados como villanos.

Visualmente, ‘Wicked: parte II’ es deslumbrante. El CGI se emplea de forma ambiciosa, especialmente en la representación de los paisajes, animales, las masas y ciertos momentos épicos. Dicho esto, no todo funciona: algunas escenas pecan de artificio, y es difícil olvidar que estamos ante imágenes generadas por ordenador, sobre todo cuando aparecen criaturas parlantes o entornos brillantes demasiado perfectos. Uno de los momentos más logrados desde el punto de vista técnico es el plano de Ariana Grande cantando frente a una serie de espejos. No es solo la voz pues no es de los temas más exigentes: es el montaje digital y el juego de cámaras. Un ejercicio complejo que demuestra ambición y pericia. Curiosamente, no todo es digital, esto no es Marvel. Tanto el personaje de la Bruja del Oeste como el Hombre de Hojalata y el Espantapájaros combinan prótesis, cabello real y un diseño artesanal que rinde homenaje a los clásicos.

A pesar de su respeto por el musical, la película no se refugia en la nostalgia de ‘El Mago de Oz’. De hecho, rompe con las expectativas tradicionales: el león es cero antropomórfico y el Hombre de Hojalata tiene matices que recuerdan a una figura más propia de un slasher barato. Esto no significa que la narrativa deje de ser emocional o íntima: ‘Wicked: parte II’ sigue siendo, en el fondo, una historia de amistad entre dos mujeres cuya relación, podría haber inspirado incluso series modernas como ‘Miércoles’, dicho sea de paso, por ese balance entre compañerismo y diferencia tonal.

Jon M. Chu ha dejado claro que este segundo filme no es solo un cierre de cuento de brujas, sino una reflexión sobre la desinformación, la propaganda y la construcción del odio. En tiempos donde la verdad se cuestiona y las identidades se politizan, su película se convierte en un espejo, partiendo de un universo fantástico para hablar de migración, miedo al diferente y discursos autoritarios. Pero hace trampa, una trampilla si nos ponemos literales. No creo que yo abra a estas alturas ningún debate que no haya surgido ya en los corrillos a la puerta del Teatro Gershwin de Nueva York. Aunque está muy bien mostrar que no todo es blanco y negro y estamos en un mundo de grises, no deja de ser injusto el trato hacia la película original. Es una historia clásica de arquetipos del bien y el mal y… ¿se suponen que ahora hemos de sentirnos mal por alegrarnos de que la villana de la historia muriese? Parece que a los autores de esta nueva versión si les ha dado cierto reparo y han parcheado el final, igual que el del musical y muy al estilo de ‘El Caballero Oscuro’.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: Wicked: For Good. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Jon M. Chu. Guion: Winnie Holzman, Dana Fox. Música: Stephen Schwartz, John Powell. Fotografía: Alice Brooks. Reparto principal: Cynthia Erivo, Ariana Grande, Jonathan Bailey, Ethan Slater, Bowen Yang, Marissa Bode, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum. Producción: Universal Pictures, Marc Platt Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: musical, drama, comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/wickedmovie/

Crítica: ‘The Running Man’

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Sinopsis

En una sociedad de un futuro cercano, The Running Man es el programa de mayor audiencia de la televisión: una competición mortal en la que los concursantes, conocidos como runners, deben sobrevivir 30 días mientras son perseguidos por asesinos profesionales. Cada movimiento es retransmitido a un público sediento de sangre y cada día que sobreviven aumenta la recompensa económica.

Desesperado por salvar a su hija enferma, Ben Richards (Glen Powell), un hombre de clase trabajadora es convencido por el encantador, pero despiadado productor del programa, Dan Killian (Josh Brolin), para participar en el juego como último recurso. Pero la rebeldía, el instinto y la determinación de Ben lo convierten en un inesperado favorito de los fans y en una amenaza para todo el sistema. A medida que se disparan los índices de audiencia, también lo hace el peligro, y Ben debe burlar no sólo a los runners, sino a una nación adicta a verle caer.

Crítica

Tan divertida, imprevisible e incendiaria como un monólogo de Ricky Gervais

Nueva adaptación de una novela de Stepen King, este año está siendo prolífica la cosa. ‘The Running Man’ es una obra de cuando King escribía bajo el pseudónimo de Richard Bachman, al igual que el reciente y recomendable estreno ‘La larga marcha’. Además estamos hablando de un remake y seguro que todos tenemos en mente la película de Arnold Schwarzenegger, sino ya se han encargado de refrescárnosla con la promoción en la que el actor ha participado. Evidentemente esta nueva obra tiene puntos en común con la película de Paul Michael Glaser, pero la capacidad de dirigir y de mover las cámaras magistralmente hacen que el espectáculo sea mayor. ‘The Running Man’ supone otra lección de rodaje y montaje de Édgar Wright. Además el enfoque es mucho más cómico y lleno de acción sin cesar. Es tan divertida, imprevisible y explosiva como un monólogo de Ricky Gervais.

Lo primero que destaca es la distancia respecto a la cinta de 1987, que en España conocimos como ‘Perseguido’. La nueva versión se ciñe con mayor fidelidad al espíritu de la novela original, aunque por razones obvias el final ha tenido que ser modificado y aprobado por King. El tiempo se expande más allá de una única noche, la motivación del protagonista se preserva intacta y la crítica hacia los poderes fácticos adopta un peso sustancial dentro del relato. Wright no solo quiere ofrecer acción; quiere desenmascarar el entretenimiento tramposo que adormece a las masas. Quiere sacudir al espectador tanto como el propio concurso sacude a sus participantes hasta tal punto que esta e una película bastante incendiaria.

Aunque se percibe que ha habido cierta prisa a la hora de rodar la película y no se recrea en excesivas filigranas técnicas como pudimos ver en ‘Última noche en el Soho’, el cineasta convierte esta distopía en un festival visual, en otra lección de rodaje y montaje, demostrando una vez más su capacidad para mover la cámara como si formara parte del propio concurso. La película es pura energía revolucionaria, una pieza que rebosa humor negro, ritmo impecable y un sentido eleva el material original sin ridiculizarlo. Aquí la acción no es solo vertiginosa, es cómica, estratégica y coreografiada.

La ambientación cyberpunk envuelve todo con una estética que se siente sucia, saturada, hipertecnológica y al mismo tiempo plenamente reconocible. Y es que, aunque exagerado, este futuro recuerda al presente: a los concursos donde parece que “todo vale”, a las audiencias que consumen violencia emocional por inercia, a la lógica del pan y circo que ha sobrevivido desde Roma hasta nuestros televisores. Wright entiende que ‘The Running Man’ no es solo una persecución, es un espejo incómodo en el que mirarse.

En ese sentido, Glen Powell firma aquí una interpretación que lo coloca desde ya en la lista de favoritos del público. Carismático, agotado, irónico y feroz, sostiene la película incluso cuando todo alrededor se vuelve un caos calculado. Y bajo la batuta de Wright, ese caos se convierte en un placer cinematográfico.

‘The Running Man’ es un espectáculo que combina sátira, explosiones, crítica social y carcajadas, una obra que respeta la novela al tiempo que aprovecha el cine para amplificar su mensaje. Edgar Wright demuestra una vez más que sabe transformar cualquier historia en un festival de estilo.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: The Running Man. Duración: 133 min. País: Reino Unido. Dirección: Edgar Wright. Guion: Michael Bacall, Edgar Wright. Música: Steven Price. Fotografía: Chung Chung-hoon. Reparto principal: Glen Powell, William H. Macy, Lee Pace, Michael Cera, Emilia Jones, Daniel Ezra, Jayme Lawson, Sean Hayes, Katy O’Brian, Colman Domingo, Josh Brolin. Producción: Complete Fiction, Genre Films, Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.facebook.com/RunningManMovie

Crítica: ‘Ahora me ves 3’

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Sinopsis

Los Cuatro Jinetes regresan junto a una nueva generación de ilusionistas en una extraordinaria aventura que contiene giros asombrosos, sorpresas alucinantes y trucos de magia nunca vistos en la gran pantalla. ‘Ahora me ves 3’ vuelve a reunir el elenco original de la saga mientras incorpora nuevos rostros jóvenes y una villana de altos vuelos, Veronika Vanderberg, interpretada por la nominada al Oscar® Rosamund Pike (‘Perdida’, ‘La corresponsal’).

Crítica

Probablemente esta es una de las sagas con más ex machina que he visto y abusa de ello

Tras Louis Leterrier (‘The Transporter’) y Jon M. Chu (‘Wicked’), ahora es Ruben Fleischer quien recoge el testigo en la tercera entrega de esta saga de ilusionistas modernos. El director de ‘Zombieland’ y ‘Venom’ vuelve a coincidir con Jesse Eisenberg y Woody Harrelson, en una apuesta que intenta revitalizar la franquicia con su característico pulso entre acción y humor. Sin embargo, ‘Ahora me ves 3’ acaba siendo un espectáculo tan vistoso como vacío, donde la ilusión se impone a la coherencia y el espectáculo eclipsa a la lógica.

La saga ‘Now You See Me’ siempre ha jugado con la fascinación por el truco bien ejecutado, pero también con el riesgo de parecer un número demasiado tramposo. Lo que en la primera entrega resultaba fresco y sorprendente, ese juego de prestidigitación a gran escala, mitad robo perfecto y mitad acto de magia, terminó derivando en un desfile de giros imposibles y explicaciones inverosímiles. Y esta tercera parte no solo no escapa de ese patrón, sino que lo lleva al extremo. Y aunque hay que reconocer que el giro final no se ve venir, no deja de ser excesivamente facilón. Probablemente esta es una de las sagas con más ex machina que he visto y abusa de ello.

Fleischer imprime ritmo, sí, y un estilo visual vibrante, lleno de travellings y planos que giran como cartas de póker en el aire, en la línea de las anteriores. Pero el artificio termina revelando su propio truco demasiado pronto. Cada secuencia parece diseñada para el aplauso inmediato, sin importar lo que haya detrás del telón. Y cuando llega la explicación de cada “milagro”, lo que debería asombrar provoca más bien un suspiro resignado: demasiados ases sacados de la manga, demasiadas casualidades que rozan la omnisciencia. Si algo de irreprochable tiene esta franquicia es que todas las películas parecen dirigidas por el mismo autor.

Al fin y al cabo, la saga ‘Ahora me ves’ sufre la misma decepción que cuando nos destripan los propios trucos de magia: cuanto más elaborados parecen, más se desmoronan al descubrir el truco. Los protagonistas, esos “jinetes” que en teoría actúan como Robin Hoods modernos usando como arma el ilusionismo, se han convertido en poco menos que superhéroes con poderes de precognición. Ya no engañan al público: lo que hacen pertenece directamente al terreno de lo imposible con dotes como la omnipresencia o el teletransporte. Para más inri traiciona su lore y la idea de “El Ojo”, esa logia de magos que mueve los hilos desde las sombras, se expande hasta adquirir un aire de Illuminati con presupuesto de blockbuster, pero sin aportar verdadera intriga o misterio. De hecho, se olvidan del punto en que se quedaron los protagonistas para con esa organización, todo ello debido al casting con el que han podido contar. A colación de ello, una curiosidad: es la segunda vez que se cuenta con un actor que previamente ha interpretado a un mago. Para esta entrega se ha fichado a Justice Smith (‘Dragones y Mazmorras’) y en anteriores entregas con Michael Caine (‘El truco final (El prestigio)’) con Daniel Radcliffe (‘Harry Potter’).

‘Ahora me ves 3’ es una película para quienes disfrutan más con las lentejuelas que con un guion bien armado. Su encanto superficial, su reparto de caras conocidas y su montaje buscan enganchar a fans de películas como la saga ‘Ocean’s’ y para ellos puede que el truco funcione en ciertos instantes. Pero al final uno se da cuenta de que todo era humo y espejos. Fleischer logra entretener, pero no sorprender.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de noviembre de 2025. Título original: Now You See Me: Now You Don’t. Duración: 112 min. País: EE.UU. Dirección: Ruben Fleischer. Guion: Seth Grahame-Smith, Michael Lesslie, Rhett Reese. Música: Brian Tyler. Fotografía: George Richmond. Reparto principal: Woody Harrelson, Rosamund Pike, Jessie Eisemberg, Dave Franco, Isla Fisher, Morgan Freeman, Dominic Sessa, Justice Smith, Ariana Greenblatt. Producción: Epic Films, Lionsgate, Reese Wernick Productions, Summit Entertainment, The Fuion Media. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, suspense. Web oficial: https://nowyouseeme.movie/

Crítica: ‘The Home’

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Sinopsis

Max (Pete Davidson) es un joven problemático que acepta cumplir servicios comunitarios en un asilo de ancianos tras un altercado con la ley. Lo que comienza como una tarea rutinaria se convierte pronto en pesadilla cuando Max descubre que el lugar oculta oscuros secretos. Los residentes parecen esconder algo aterrador.

Crítica

Sencilla cinta de terror que funciona sin complicarse

Otra más de nuestra cosecha del Festival de Sitges llega a nuestras pantallas gracias a Selecta Vision y Cinesa Cines con un estreno en exclusiva. ‘The Home’, dirigida por James DeMonaco, no es ninguna novedad, pero logra entretener y se sostiene bien sus 97 minutos.

La historia es simple, un chaval problemático, Max, es detenido una vez más, sus padres adoptivos hartos de todo, consiguen que haga trabajos sociales en vez de ir a la cárcel. Termina trabajando en una gran residencia de ancianos, donde todo se vuelve turbio.

James DeMonaco, creador de ‘La Purga’, las cuales ha escrito y algunas ha dirigido, nos trae una cinta curiosa. Donde nada es lo que parece.

Una de las cosas que más miedo da son los niños y los ancianos, y aquí tiramos de éstos últimos para lograr perturbarnos. Si este año se estrenó ‘La ley de Penny Lane’, este año nos adentramos en esta residencia bastante diferente. Más bien una pequeña urbanización, en la que conviven personas de la tercera edad, con bastante buena salud, muy buen rollo y que no hacen más que celebrar cada dos por tres la vida con grandes fiestas.

Pero donde hay tanta felicidad, tanta juerga y tanto amor, siempre esconde algo oscuro. Y es que de repente las cosas se ponen complicadas cuando Max descubre que la cuarta planta del edificio no es tan maravillosa y que las personas que están en esa planta no lo están pasando nada bien.

Pete Davidson (‘Bodies, bodies, bodies’), es el encargado de dar vida a Max, este joven con sus propios traumas que intentará velar por la vida de los ancianos. Pues piensa que los trabajadores no están haciendo bien su trabajo.

En el reparto encontramos a John Glover, Mugga, Adam Cantor, Bruce Altman, Denise Burse, Stuart Rudin, Ethan Phillips, Nathalie Schmidt, Mary Beth Peil, Victor Williams o Marilee Talkington, entre muchos otros.

Si que me ha gustado la fotografía de la cinta, sencilla y oscura. Además de todo el diseño de producción, que sí, que es sencillo, pero nos separa perfectamente ese lugar idílico que es esta residencia, con su cuarta planta que nos muestran un lado totalmente tenebroso. Y logran crear una gran diferencia entre estos dos ambientes.

‘The Home’, pese a ser una historia ya vista, logra entreteneros y sorprendernos en alguna de sus soluciones, originales y distintas.

 Ficha de la película

Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: The home. Duración: 97 min. País: Estados Unidos. Dirección: James DeMonaco. Guion: James DeMonaco, Adam Cantor. Música: Nathan Whitehead. Fotografía: Anastas N. Michos. Reparto principal: Pete Davidson, John Glover, Mugga, Adam Cantor, Bruce Altman, Denise Burse, Stuart Rudin, Ethan Phillips, Nathalie Schmidt, Mary Beth Peil, Victor Williams o Marilee Talkington. Producción: Man in a Tree, Miramax. Distribución: Selecta Vision. Género: Terror. Web oficial: https://www.selecta-vision.com/catalogos/the-home/

Análisis de ‘Superman’ en Blu-ray

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El nuevo hombre de acero ya tiene formato doméstico

La película ‘Superman’ (2025), dirigida y escrita por James Gunn, supone el renacimiento del héroe más emblemático de DC Studios y el inicio del nuevo universo cinematográfico conocido como ‘Capítulo Uno: Dioses y Monstruos’. Gunn ofrece una visión renovada y humana de Clark Kent, interpretado por David Corenswet, acompañado por Rachel Brosnahan como Lois Lane y Nicholas Hoult como un carismático y calculador Lex Luthor.

Este reinicio busca equilibrar la épica superheroica con los conflictos personales del protagonista, explorando su dualidad entre la herencia kryptoniana y su identidad humana. Con fotografía de Henry Braham y música de John Murphy y David Fleming, el filme combina acción espectacular con una sensibilidad emocional poco habitual en el género.

Estrenada mundialmente en julio de 2025, ‘Superman’ recaudó más de 600 millones de dólares en taquilla global, convirtiéndose en uno de los títulos más exitosos de DC en los últimos años. Aunque su presupuesto y campaña publicitaria fueron elevados, el respaldo de la crítica y el entusiasmo del público consolidaron su papel como punto de partida del nuevo DCU.

En España, Arvi Licensing edita la película en formato Blu-ray y 4K UHD, disponible desde el 15 de octubre. La edición física incluye más de 90 minutos de contenidos adicionales, entre ellos documentales sobre la creación del personaje, el proceso de rodaje y el legado cinematográfico del Hombre de Acero, así como un corto de Krypto que comentamos en la siguiente sección.

Con esta obra, Gunn no solo redefine a Superman para una nueva generación, sino que devuelve a DC Studios la confianza del público tras años de altibajos. Su propuesta mezcla esperanza, humanidad y acción, reafirmando al héroe como símbolo de integridad en tiempos inciertos.

La caja del Blu-ray contiene un solo disco libre de región. Los menús a través de los que navegamos y seleccionamos si queremos ver la película, los extras o saltar a alguna escena solo están disponibles en inglés. El audio se puede alternar entre Castellano DTS-HD Master Audio 5.1, Inglés Audiodescriptivo Dolby Digital 5.1, Inglés Dolby Atmos, Inglés Dolby Digital 5.1, Italiano DTS-HD Master Audio 5.1. En el caso de los subtítulos se pueden elegir en Castellano, Danés, Finés, Inglés para sordos, Italiano para sordos, Noruego, Sueco.

Extras (1h 49 min. aprox.)

Aventures in the making of Superman (58:58 min.)

Tal es la implicación de Gunn con esta nueva etapa para Superman y para ele universo de DC que esta sección es un documental en el que él y su equipo dedican casi una hora para tocar todos los pormenores que han tenido que afrontar, desde el vestuario de todos los personajes hasta los drones con los que grabaron las distintas escenas de vuelo, contando incluso con los nietos de Jerry Siegel, creador del personaje. Repleta de pequeños secretos de rodaje, incluyendo la discusión entre Gunn y Corensweet al rodar la escena del climax.

Breaking News: the Daily Planet returns (5:26 min.)

Personajes y escenografía que han hecho falta para crear el emblemático periódico en el que trabaja Clark Kent.

Lex Luthor: the mind of a master villain (5:22 min.)

El villano siempre ha sido el talón de Aquiles de las película de superhéroes. Elegir a un correcto Lex Luthor era un punto vital para el nuevo DCU. Nicolas Hoult tiene sobre sus hombros el peso de ser el nuevo Luthor para toda una generación. Para conseguir su imponente presencia nos cuentan cómo le han rodeado de poderosos secuaces.

Justice Gang (10:31 min.)

Muy divertido ver las pruebas de pelucas de Nathan Fillion para su Guy Gardner (Green Lantern), pero sin duda es un apartado estupendo para ver cómo se han interpretado a los personajes que ocupan el Hall of Justice.

Paws to pixels: Krypto is born (5:48 min.)

Rodando El Escuadrón Suicida James Gunn perdió a su perro. En una protectora encontró  a Ozu, un simpático perro con la oreja siempre levantada. Le adoptó y destrozó su casa (incluyendo su portátil). Esa es la historia del perro del director, el cual, se ha usado tanto en aspecto como en comportamiento para la película. De los extras más divertidos.

The ultimate villain (5:08 min.)

Ultraman y Lex Luthor ha sido una combinación arriesgada pero ha funcionado. Para aquellos que se quejan de que Superman recibe muchos palos en esta película, aquí encontrarán explicación.

Icons Forever: Supereman’s enduring legacy (6:07 min.)

El legado de Superman, según los artífices de la película, gira en torno a el trío formado por Superman, Lex Luthor y Lois Lane. Aquí se analizan las relaciones entre los personajes en la película.

A new era: DC takes off (4:43 min.)

Lo mejor de este reportaje son los primeros segundos: Ryan Reinols y monos tuiteando, eso lo resume todo. Pero a parte de esa broma es un espacio para pensar cual es el nuevo punto de partida para DC por parte de sus nuevos rostros.

Kryptunes; the music of Superman (6:34 min.)

Recuperar la partitura de John Williams para este nuevo Superman para muchos es un truco barato y para otros un ejercicio de justicia y nostalgia que le da cierta oficialidad al personaje. John Murphy y David Fleming hablan de eso pero también de cómo han conseguido nuevos sonidos para según qué personaje y escena vemos, como el uso de los Cristales Baschet.

Krypto short: school bus scuffle (5:33 min.)

Cortometraje animado, muy al estilo Cartoon Network y con una vis cómica a lo Hanna-Barbera y completamente mudo. Ryan Kramer (‘Tito Yayo’) ha dirigido este corto en el que ni Superman ni Krypto tienen el aspecto del filme de James Gunn.

Crítica: ‘Orang Ikan (Monster Island)’

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Sinopsis

Ambientada en el Pacífico, 1942. Un soldado japonés y un prisionero de guerra británico están atrapados en una isla desierta, perseguidos por una criatura mortal. Dos enemigos mortales deben unirse para sobrevivir a lo desconocido.

Crítica

Aventura pulp con monstruo de goma y trasfondo bélico

‘Orang Ikan’, también conocida como ‘Monster Island’, es una curiosa propuesta del director Mike Wiluan que se adentra en el terreno del cine de monstruos de serie B con un marco histórico poco habitual: la campaña del Pacífico en la Segunda Guerra Mundial. La historia enfrenta a un soldado estadounidense y a un militar japonés, rivales naturales por el contexto bélico, que se ven obligados a cooperar en una isla inhóspita para sobrevivir a una amenaza mucho mayor: una criatura marina ancestral con un instinto depredador implacable.

La película recuerda inevitablemente a ‘Enemigo mío’, aquel clásico en el que dos combatientes de bandos opuestos terminaban forjando una alianza en un entorno hostil. Sin embargo, aquí la fórmula se lleva a un terreno más pulp, con un monstruo anfibio que encarna la naturaleza salvaje y primigenia. La tensión no solo proviene de la enemistad de los protagonistas, sino también de la incertidumbre de cuándo el “hombre pez” volverá a atacar.

El reparto está encabezado por Dean Fujioka, conocido por dar vida a Roy Mustang en el live action de ‘Fullmetal Alchemist’, y Callum Woodhouse, recordado por su papel en ‘Los Durrell’. Su duelo interpretativo es el parte del motor de la película, aunque el guion no aprovecha al máximo la carga dramática que podría desprender el choque cultural y bélico entre ambos.

En lo visual, el filme no esconde a su criatura, lo que resulta refrescante en un género acostumbrado a sugerir más que mostrar. El diseño combina influencias claras de ‘Creature from the Black Lagoon’ con un aire caricaturesco que recuerda a los murlocs de ‘World of Warcraft’. El monstruo, creado con prótesis y máscaras de goma, oscila entre lo fascinante y lo carnavalesco, algo que puede restar tensión a las escenas de terror pero que mantiene un encanto artesanal.

‘Orang Ikan’ funciona como aventura ligera y entretenimiento directo, pero se queda corta en otros aspectos. Su presupuesto limitado justifica parte de sus carencias técnicas, pero no la falta de ambición narrativa. La cinta evita reflexionar sobre el trasfondo histórico o profundizar en la psicología de los personajes, quedándose en una superficie plana y predecible. En definitiva, aporta un nuevo monstruo al imaginario del género, pero no una voz propia que la distinga más allá de su estética.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Orang Ikan. Duración: 123 min. País: Singapur. Dirección: Mike Wiluan. Guion: Mike Wiluan. Música: Akihiko Matsumoto. Fotografía: Asep Kalila. Reparto principal: Dean Fujioka, Callum Woodhouse. Producción: Gorylah Pictures, Infinite Studios, SC Films Internationa, Tigon Pictures, Yaman Films, Zao Wei Films. Distribución: por determinar. Género: terror. Web oficial: https://scfilmsinternational.com/current-films-live-action-titles/orang-ikan/

Crítica: ‘Vieja loca’

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Sinopsis

En una noche de tormenta, Laura conduce por la autopista mientras mantiene una extraña conversación telefónica con su madre, Alicia. Inquieta por la reacción que ha tenido y sin poder localizar a la cuidadora, Laura pide ayuda a su exnovio Pedro, para que cuide de Alicia esa noche. Cuando Pedro llega a la casa se enfrenta a una noche aterradora en la que Alicia le propone practicar un sádico juego.

Crítica

Carmen Maura es la piedra angular de esta locura con atmósfera decrépita

‘Vieja loca’ aterriza en la cartelera envuelta en un aura de suspense heredado de los clásicos y con un aval de peso: J.A. Bayona como productor. No es un detalle menor, ya que el director de ‘El orfanato’ y ‘La sociedad de la nieve’ se adentra de nuevo en el terreno del género fantástico que tanto ha cultivado, pero esta vez desde la retaguardia. Bayona ejerce aquí de padrino y avalista, apoyando a un cineasta con el que ya había colaborado en diálogos para su último éxito.

La trama escrita por Martín Mauregui parte de una premisa sencilla que pronto se transforma en un viaje demencial. Una madre soltera, desbordada por el cuidado de su hija y de una madre que oscila entre la senectud y la locura, recurre a su expareja para que se haga cargo de la anciana. Ese gesto desencadena una de esas situaciones que, más que suponer un descenso progresivo a la locura, se convierten en un baño directo en lo demencial. Pedro (Daniel Hendler) queda atrapado en un escenario surrealista donde la cordura y los recuerdos fragmentados de Alicia (Carmen Maura) convierten la convivencia en un terreno minado.

La ambientación es uno de los grandes logros de ‘Vieja loca’. El caserón en el que transcurre gran parte de la acción es en sí mismo un personaje: paredes agrietadas, suelo crujiente, muebles desfasados y una loza que parece haber sobrevivido a otra época. Es un espacio cargado de atmósfera lúgubre, en el que uno no sabe qué tiene más goteras, si el techo de la casa o la mente de la protagonista. Pero lo que realmente eleva esta puesta en escena es la dirección de fotografía. La cámara juega con sombras, con zonas borrosas y detalles fuera de plano, generando incomodidad y sugiriendo que la verdadera locura siempre está en lo que se oculta, no en lo que se muestra abiertamente.

La película propone un pulso constante entre la cordura y la demencia. La confusión de Alicia contagia a quienes la rodean, como si sus recuerdos oxidados fueran un virus que se extiende lentamente por la memoria. Esta tensión desemboca en una dinámica que recordará a todo el mundo a ‘Misery’: el cautivo no tiene que escribir una novela, pero sí debe interpretar y seguir los delirios de su captora. En apenas media hora de metraje se establecen los códigos del subgénero de secuestros psicológicos: bucles de memoria, lagunas mentales, juegos retorcidos y escapes frustrados. El problema es que, como ocurre en muchas películas de este tipo, la reiteración de estos elementos acaba por rozar lo tedioso. Da la sensación que se pretende que la prisión mental de la protagonista sea contagiosa, pero nos podemos llegar a sentir excesivamente atrapados en una trama que no acaba de desenredarse. Hay, además, dos elementos que quedan desdibujados o mal integrados en la trama: el viaje para conocer al padre de la niña y el enigmático secreto del sótano, que no alcanzan la relevancia que parecían prometer. A ello le sumamos un final que más bien nos dice poco.

En el apartado interpretativo, el desequilibrio es evidente. Daniel Hendler no logra transmitir la desesperación y el dolor de un personaje sometido a una situación asfixiante y fuera de toda lógica. Su presencia es más plana de lo deseable en un rol que exigía matices de terror, resignación y furia contenida. En cambio, Carmen Maura está mucho más convincente. Su interpretación de Alicia, con un acento argentino resuelto con mayor o menor solvencia, se sostiene sobre la delgada línea entre la locura y la ternura. Lo hace sin caer en la parodia ni en lo histriónico, y eso convierte su trabajo en la auténtica piedra angular de la película.

‘Vieja loca’ no revoluciona el género ni aporta grandes novedades, pero sí logra construir un microcosmos inquietante en el que se mezclan las ruinas de la memoria y la tensión claustrofóbica de un secuestro emocional. Como carta de presentación para Martín Mauregui, funciona. Y como regreso indirecto de Bayona al terreno fantástico, sirve para recordar que aún tiene olfato para detectar proyectos en los que la atmósfera y la sugerencia pesan más que los golpes de efecto o los manidos scare jumps.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Título original: Vieja loca. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Martín Mauregui. Guion: Martín Mauregui. Música: Pedro Osuna. Fotografía: Julián Apezteguia, Marc Gómez del Moral. Reparto principal: Carmen Maura, Daniel Hendler, Tamara Rocca. Producción: Bambú Producciones, La Unión de los Ríos, Películas la Trini, Primo Content, Studiocanal S.A.S. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/vieja_loca

Crítica: ’13 días, 13 noches’

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Sinopsis

Kabul, agosto de 2021. Mientras las tropas estadounidenses se preparan para abandonar el país, los talibanes asaltan la capital y toman el poder. En medio del caos, el comandante Bida intenta garantizar la seguridad de aquellos que se encuentran en el único refugio que queda en la ciudad, la embajada francesa. Con cientos de vidas en juego, Bida negocia con los talibanes con el fin de organizar un convoy hacia el aeropuerto. Comienza entonces una carrera contrarreloj para huir del infierno de Kabul antes de que sea demasiado tarde.

Crítica

Convierte un episodio real en puro suspense rescatándolo de la memoria reciente

‘13 días, 13 noches’ es una de esas películas que llegan para recordarnos lo que muchos prefieren olvidar. Dirigida por Martin Bourboulon, cineasta que ya sorprendió con la reciente y sobresaliente adaptación de ‘Los Tres Mosqueteros’, el filme nos transporta a un Kabul de 2021 marcado por el caos y el abandono tras la retirada de las tropas de Estados Unidos. Nos espera una película fidedigna en muchos sentidos de la palabra.

La cinta está protagonizada por Roschdy Zem, actor con una trayectoria sólida que hemos visto en títulos como ‘La fría luz del día’ o ‘El profesor de esgrima’. Aquí interpreta a Mohamed Bida, comandante en la embajada francesa durante aquellos angustiosos días en los que cientos de personas buscaban una salida del país. Junto a él brilla la talentosa Lyna Khoudri, a quien muchos seguimos desde su excelente trabajo en ‘Papicha’. Su presencia en pantalla aporta frescura y una enorme capacidad de transmitir vulnerabilidad y fuerza a la vez. El reparto se completa con Sidse Babett Knudsen, actriz reconocida por el gran público gracias a producciones como ‘Westworld’, ‘Inferno’ o ‘Club Zero’, que aquí ofrece una interpretación firme y carismática, consolidándose como un pilar más para el caleidoscopio de la narración.

El guion, basado en el libro del mismo Mohamed Bida, no se limita a reproducir una memoria militar, sino que construye un relato que busca concienciar, conmemorar y recordar. La historia se adentra en un episodio reciente y doloroso: la retirada norteamericana de Afganistán, considerada una de sus salidas más deshonrosas, que trajo consigo el regreso de la barbarie y un retroceso especialmente brutal para las mujeres del país.

Aunque el marco es histórico y real, Bourboulon consigue envolver la narración en una estructura de suspense, lo que convierte a ‘13 días, 13 noches’ en un thriller tenso y angustiante con ligeras dosis de acción en su tramo final. El espectador siente de cerca la desesperación de quienes intentaban huir, los miedos a infiltrados afganos entre los refugiados, las amenazas constantes de atentados del DAESH, la escasez de recursos, los conflictos de intereses y el dilema moral de cada decisión tomada. Este enfoque convierte la película en algo más que un simple recuento de hechos: se convierte en una experiencia donde la incertidumbre y la presión son palpables.

El filme pone el foco tanto en las emociones de sus protagonistas como en la magnitud de un acontecimiento que cambió la geopolítica mundial. ‘13 días, 13 noches’ se suma a producciones recientes como la última temporada de ‘La Unidad’ o el documental ‘Hollywoodgate’, en ese esfuerzo de rescatar un episodio histórico que no debería borrarse de la memoria y con el que aún tiene occidente una asignatura pendiente. El resultado es un filme sólido, que combina rigor con tensión cinematográfica, y que nos recuerda la fragilidad de la diplomacia y la crudeza de las decisiones políticas. En definitiva, es una película necesaria, valiente y profundamente humana, que invita a reflexionar sobre cómo el abandono de un país puede marcar el destino de millones de vidas.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de septiembre de 2025. Título original: 13 jours, 13 nuits. Duración: 120 min. País: Francia. Dirección: Martin Bourboulon. Guion: Martin Bourboulon, Alexandre Smia. Música: Guillaume Roussel. Fotografía: Nicolas Boldu. Reparto principal: Roschdy Zem, Lyna Khoudri, Sidse Babett Knudsen. Producción: Chapter 2, Logical Content Ventures, Pathé, M6 Films, Umedia, Canal+, Cinémage 19, Disney+, uFund. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense, hechos reales. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/13_dias_13_noches

Crítica: ‘Karate Kid: Legends’

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Sinopsis

Karate Kid: Legends reúne a los icónicos maestros de las artes marciales de una de las películas más queridas de todos los tiempos, para contar una historia completamente nueva llena de acción y emoción.  Cuando el prodigio del kung fu Li Fong (Ben Wang) se traslada a Nueva York con su madre para comenzar en una nueva y prestigiosa escuela, encuentra consuelo en la amistad con una compañera de clase y su padre. Pero su tranquilidad dura poco una vez que, sin buscarlo, atrae la atención del formidable campeón de kárate local. Impulsado por el deseo de defenderse, Li se embarca en un viaje para participar en la competición definitiva de kárate. Guiado por la sabiduría de su profesor de kung fu, el Sr. Han (Jackie Chan), y del legendario Karate Kid, Daniel LaRusso (Ralph Macchio), Li fusiona sus estilos únicos para prepararse para un épico enfrentamiento de artes marciales.

Crítica

El legado del Sr. Miyagi regresa en una cinta que combina acrobacias modernas con la esencia clásica del karate cinematográfico

El universo de ‘Karate Kid’ se expande con ‘Karate Kid: Legends’, una película que abraza el legado de la saga mientras busca nuevos horizontes en la narrativa y en su forma de representar la acción. Dirigida por Jonathan Entwistle, esta entrega se presenta como un ambicioso crossover que une a dos grandes referentes del cine de artes marciales: Jackie Chan, leyenda viva y poseedor de un Oscar honorífico, y la entrañable figura del Sr. Miyagi, eternamente interpretado por Pat Morita. La cinta logra establecer un puente emocional entre generaciones y conectar directamente con la secuela original (haciéndonos olvidar que hubo entregas con Hilary Swank y Jaden Smith), sirviéndose de la nostalgia sin caer en el homenaje vacío o la lágrima fácil.

Desde los primeros minutos, el espectador es recibido con referencias visuales, diálogos evocadores y una clara voluntad de conexión con los fans veteranos y los nuevos adeptos que llegaron a través de ‘Cobra Kai’. La relación entre Han Shifu (Chan) y el legado de Miyagi no solo tiene peso dramático, sino que se convierte casi en el eje temático del filme: el traspaso del conocimiento, el respeto al maestro y la evolución del aprendiz. Lo que fue una película considerada un clásico menor se convirtió en la actualidad en todo un fenómeno y la conexión que se establece en este filme es plausible y desde luego fiel al espíritu original.

Uno de los grandes aciertos de ‘Karate Kid: Legends’ es su apuesta por una acción mucho más acorde a los tiempos actuales, sin perder el tono familiar de la saga. Las coreografías beben directamente del estilo de Jackie Chan: acrobacias imposibles, defensas originales, bufonadas físicas y coreografía tan milimétrica como veloz. En estas secuencias, la película encuentra su mejor forma. La acción no solo entretiene, también rinde culto al cine de artes marciales clásico, homenajeando a figuras como el propio Chan y a un tipo de cine que marcó a generaciones enteras.

Ben Wang, quien encarna al joven protagonista, cumple con solidez en las escenas de combate, donde muestra una sorprendente agilidad. La dinámica del nuevo torneo van en sintonía con lo que vemos en su habitación: un póster del Tekken, clara señal de que la película quiere conectar también con el universo gamer y los códigos de la cultura pop actual. No obstante, fuera del combate, a Wang aún le queda recorrido en lo interpretativo. Un detalle menor que se nota más por contraste con un villano algo descafeinado: Aramis Knight tiene físico, tiene técnica, pero le falta carisma como antagonista, cayendo en el mismo pecado de entregas anteriores. Paradójicamente, fue de lo más salvable en ‘El juego de Ender’, pero aquí no termina de despegar.

En cuanto a estructura, la película se ajusta a los patrones clásicos de la saga: el matón de turno, el entrenamiento especial en busca de un golpe ganador y el torneo como clímax. Todo ello reciclado, pero con un envoltorio moderno y algunos personajes secundarios que aportan nuevas perspectivas al mundo de los deportes de contacto. A pesar de que repite clichés, sabe renovarlos con cierta elegancia y da lugar a unos pocos diálogos más elaborados que en anteriores entregas. Lástima que la historia de amor con el personaje de Sadie Stanley (porque en todo ‘Karate Kid’ hay romance) esté mal fundamentada y entre un poco con calzador.

‘Karate Kid: Legends’ no revoluciona el género, pero sí honra su historia. Con una dirección funcional, buenos momentos de acción y una carga emocional eficaz en un par de escenas, se posiciona como una secuela digna que, sin duda, puede satisfacer tanto a los nostálgicos como a una nueva generación. Lo que si que se puede augurar es que de paso a más series o películas de una franquicia que está viviendo una segunda juventud.

Por último, apartado para la curiosidad. Se ha perdido la ocasión de hacer un guiño a otro videojuego, en concreto ‘Street Fighter’. La actriz que ejerce como madre del protagonista, Ming-Na Wen, fue quien interpretó a Chun Li en la película de 1994 dirigida por Steven E. de Sozua y protagonizada por Jean-Claude Van Damme.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de agosto de 2025. Título original: Karate Kid: legends. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Jonathan Entwistle. Guion: Rob Lieber. Música: Dominic Lewis. Fotografía: Justin Brown. Reparto principal: Jackie Chan, Ralph Macchio, Ben Wang, Joshua Jackson, Sadie Stanley. Producción: Columbia Pictures, Sunswept Entertainment, Jerry Weintraub Productions, TSG Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, drama. Web oficial: https://karatekid.movie/

Crítica: ‘Quinografía’

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Sinopsis

Conocemos a Quino, su obra y su mundo con imágenes y testimonios inéditos.Con la última entrevista que Quino ofreció y con el testimonio de amigos, familiares y expertos en la historia del cómic, repasamos la vida y el enorme legado del creador de Mafalda.

Recorremos, junto a él, su biografía, sus orígenes y el largo camino recorrido para convertirse en una celebridad mundial y para volver al fin a su Mendoza natal, viudo y casi ciego, para despedirse de la luz de su infancia.

Quinografía intenta, además, plantear una reflexión sobre las formas artísticas de abordar un archivo, sobre el modo en que dialogan el presente y el pasado, bajo una certeza mafaldiana: los adultos no tienen la menor idea de lo que hacen con el mundo.

Crítica

Radiografía profunda del filósofo del chiste corto

Mafalda no fue solo una niña contestataria. Fue ,y sigue siendo, un espejo lúcido y humorístico de la sociedad moderna. Creada en 1964 por Joaquín Salvador Lavado, más conocido como Quino, la tira cómica fue traducida a más de treinta idiomas y ha formado parte de generaciones de lectores que vieron en ella algo más que humor: una herramienta crítica que desafiaba injusticias, autoritarismos y absurdos cotidianos. Mafalda, nacida en Argentina pero con alma universal, fue el canal más puro por el que Quino vertió su genialidad humanista. Pero el historietista fue mucho más que eso.

‘Quinografía’, el documental de Mariano Donoso y Federico Cardone, no se contenta con repasar su obra. Va más allá: ofrece un retrato afectivo, introspectivo y, sobre todo, humanizado de un autor que cambió la manera en que millones de personas entendían la política, la infancia y el mundo.

A través de su última entrevista póstuma y material inédito, dibujos originales, fotografías familiares, testimonios, el filme nos invita a viajar por los lugares donde Quino vivió y dejó huella: Buenos Aires, Milán, París, Madrid. Esta geografía afectiva, más que una biografía al uso, funciona como un mapa de su sensibilidad artística. En esos lugares cultivó y dio rienda suelta a un ingenio, camuflado de inocencia infantil con Mafalda, que descubría verdades en el espacio que otorgaba una sola tira cómica.

Testigos de excepción como Joan Manuel Serrat, Milena Busquets, Álex Grijelmo o Jorge Valdano, entre otros muchos incluyendo a sus sobrinos, aportan una mirada personal al hombre que, con aparente timidez, supo dar voz a las angustias sociales más profundas. Especialmente reveladora resulta su faceta como exiliado: hijo de republicanos españoles, Quino heredó no solo el compromiso político, sino también una mirada europea crítica sobre la historia y el presente.

Lejos de la hagiografía complaciente, ‘Quinografía’ muestra sus contradicciones: su pudor ante los premios, su rechazo a la monarquía incluso cuando aceptó el Príncipe de Asturias, su preocupación por el resurgir de la derecha en Europa. Con lo azote que fue para la ultraderecha y contra las injusticias sociales hoy no le faltaría trabajo y le sacaría los colores a más de uno, tanto en Argentina como en Europa. Quino fue un hombre coherente, incómodo para los poderosos y entrañable para los comunes.

La mayor virtud del documental radica en su capacidad para transmitir sin solemnidad el peso cultural de Quino. Su humor, tan mendocino como andaluz, tan argentino como planetario, ha conseguido algo inédito: que una niña ficticia como Mafalda sea estudiada en lo más recóndito del mundo, como en cátedras de filosofía en Taiwán. Esa es la medida de su universalidad. ‘Quinografía’ no es solo un retrato; es un homenaje profundo y necesario. Una clase de historia, arte y conciencia política con alma de viñeta.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de junio de 2025. Título original: Quinografía. Duración: 75 min. País: Argentina, España. Dirección: Mariano Donoso, Federico Cardone. Guion: Mariana Guzzante. Música: Mauro Marquet, Alejandro Fiore. Fotografía: Mariano Donoso, Isabel Ruiz. Reparto principal: Quino, Joan Manuel Serrat, Jorge Valdano, Milena Busquets, Álex Grijelmo. Producción: El Gatoverde Producciones, Curandero Producciones, INCAA (Argentina), el ICAA (España), RTVE. Distribución: ME LO CREO. Género: documental. Web oficial: https://elgatoverdeproducciones.com/peliculas/quinografia/

Crítica: ‘Misión: Imposible – sentencia final’

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Sinopsis

Nuestras vidas son la suma de nuestras decisiones. Tom Cruise es Ethan Hunt en ‘Misión: Imposible- Sentencia Final’.

Crítica

Una proeza del cine de acción contemporáneo

En su octava entrega, ‘Misión: Imposible – Sentencia Final’ se erige como una proeza del cine de acción contemporáneo. Bajo la dirección de Christopher McQuarrie y con la siempre inquebrantable dedicación de Tom Cruise, la película ofrece una experiencia cinematográfica que desafía las expectativas y lleva la adrenalina al límite. Vuelven las clásicas máscaras, los saltos de fe y los artilugios tecnológicos que como siempre se sacan de la manga de la manera más forzada. Pero esta nueva es capaz de seguir sorprendiendo y de ir más allá.

La narrativa arranca con un montaje rapidísimo, ágil que repasa momentos clave de la franquicia, llevando al espectador por una montaña rusa de escenarios y personajes. Para algunos puede ser un arranque alborotado y precipitado, pero no se me ocurre mejor manera de plantear el entuerto que deben resolver. Durante casi la primera hora y media, la película salta de un lugar a otro con una energía frenética, estableciendo las bases para una segunda mitad repleta de acción ininterrumpida. Este ritmo vertiginoso mantiene al público al borde de su asiento, sin dar tregua al aburrimiento.

Sin John Connor hubiese conocido a Ethan Hunt la saga ‘Terminator’ habría terminado pronto. Se nos plantea una carrera a contrarreloj por acabar con la IA malvada conocida como La Entidad. La franquicia siempre ha respondido a ciertas inquietudes actuales que actualizaban los episodios creados por Bruce Geller. Pero este argumento resuena más que nunca con preocupaciones contemporáneas sobre la tecnología y su impacto en nuestros destinos. La inteligencia artificial irrumpe como un dictador que unilateralmente y de manera fría y calculadora va a imponer su criterio. Esta alcanza el estatus de problema mundial y lo que nos propone ‘Misión: Imposible – sentencia final’ es un cometido a escala global con una sincronización que como siempre se percibe como imposible. Todo para culminar en un clímax que son realmente cuatro a la vez. Casi tres horas de filme para que suceda todo en un parpadeo (cuatro parpadeos en realidad) y consiguen que funcione. Y como un parpadeo se pasa la película, no da tiempo a aburrirse, ya sea porque requiere nuestra atención a la hora de establecer las conexiones con las anteriores películas, ya sea por seguir el hilo de la enrevesada trama tecnológica que se han inventado o ya sea por mantenernos con la adrenalina al máximo. Y con todo y con esto, para mí, la escena más original ha sido la que transcurre más lenta y bajo el agua con un submarino haciendo la croqueta.

Uno de los aspectos más destacados y que a estas alturas es algo consabido por el espectador, es el compromiso de Cruise con las escenas de riesgo. El actor a sus 62 años es conocido por     realizar sus propias acrobacias, lleva su cuerpo al límite en secuencias que desafían la lógica y la física. Desde colgarse de aviones en pleno vuelo hasta sumergirse en profundidades peligrosas. Cruise demuestra una vez más su dedicación al realismo y la autenticidad en cada escena. Su entrega es tal que, durante el rodaje de una escena aérea, llegó a desmayarse debido a la falta de oxígeno, evidenciando el nivel de exigencia física al que se sometió. Es evidente que trucos generados por ordenador hay. Pero se notan mucho las escenas que se han hecho de manera práctica y llega el momento en el que hay que plantearse quién está más loco, si Tom Cruise por jugarse el tipo para hacer estas proezas del entretenimiento o si el personaje que interpreta al arriesgar su vida en lances que son prácticamente un suicidio.

Durante el filme, incorporan elementos de las anteriores entregas, ya sea para darle coherencia a la cinta o para incluir sorpresas, algunas de ellas francamente inesperadas. Es importante en este sentido la interacción de Cruise con el resto del reparto, que tiene más que nunca presencia y peso en la trama, hasta llegar a una conclusión tan elegante como emotiva. Destaca el desarrollo del personaje de Hayley Atwell, cuyo devenir aporta frescura a la dinámica del equipo y rompe con las clásicas relaciones que suele tener Etan Hunt. Sin embargo, el villano interpretado por Esai Morales resulta menos convincente. Su actuación, aunque intensa, cae en la caricatura, recordando a los antagonistas más exagerados de la saga de James Bond.

A pesar de que el título sugiere un cierre definitivo, ni Cruise ni McQuarrie han confirmado que esta sea la última entrega de la franquicia. Ambos han dejado abierta la posibilidad de futuras películas, dependiendo de la recepción del público y el desempeño en taquilla. Y supongo que ahora o próximamente llegará el momento en que den carpetazo, dependerá también de los achaques de la edad. Lo que si que está claro es que no hay en el horizonte un sucesor, como han sugerido recientemente franquicias como ‘007’ o ‘John Wick’.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de mayo de 2025. Título original: Mission: Impossible – The Final Reckoning. Duración: 169 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher McQuarrie. Guion: Christopher McQuarrie, Bruce Geller, Erik Jendresen. Música: Lorne Balfe, Max Aruj, Alfie Godfrey. Fotografía: Fraser Taggart. Reparto principal: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Esai Morales, Pom Klementieff, Henry Czerny, Holt McCallany, Janet McTeer, Nick Offerman, Hannah Waddingham, Tramell Tillman and Angela Bassett, Shea Whigham, Greg Tarzan Davis, Charles Parnell, Mark Gatiss con Rolf Saxon, Lucy Tulugarjuk. Producción: Paramount Pictures, Skydance Media, TC Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, suspense, ciencia ficción. Web oficial: https://www.missionimpossible.com/

Crítica: ‘Hellboy: El hombre retorcido’

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Sinopsis

Hellboy (Jack Kesy) y una agente novata del AIDP (Agencia para la investigación y defensa paranormal) se quedan varados en los Apalaches rurales de los años 50 y descubren una pequeña comunidad embrujada, liderada por el Hombre Retorcido.

Crítica

La versión de Hellboy más folk horror y fanmade hasta la fecha

La presencia del autor original en una adaptación cinematográfica puede parecer, a priori, una garantía de fidelidad o incluso, de calidad. Pero la historia del cine basado en cómics está llena de ejemplos que desmontan esa suposición. Frank Miller estuvo detrás de las exitosas ‘300’ y ‘Sin City’, mientras que Todd McFarlane presenció el descalabro de su ‘Spawn’ en 1997, con un nuevo intento aún más fallido junto a Jamie Foxx que nunca vio la luz. Mark Millar (‘Kick-Ass’), Bryan Lee O’Malley (‘Scott Pilgrim’) o John Ostrander (‘El Escuadrón Suicida’) también han estado involucrados en mayor o menor medida en las versiones fílmicas de sus creaciones, con resultados dispares. Marvel es otro universo, con sus propios códigos, cameos y fórmulas.

Todo esto sirve como contexto para entender ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’, una película donde Mike Mignola, por primera vez, ha tenido un peso real en la adaptación. Y eso se nota, al menos en un aspecto: esta es, sin duda, la película más cercana al espíritu del cómic original en cuanto a tono. Aquí se respira folk horror por los cuatro costados, un ambiente rural, oscuro, y cargado de misticismo que por fin hace justicia a un fragmento tan particular del universo Hellboy.

Si con Guillermo del Toro se exploraba la vertiente más romántica y melancólica del personaje, ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ decide sumergirse en la mitología pura de Mignola. Con el director Brian Taylor por fin se respeta el horror de raíz, el folklore profundo, el cuento de advertencia en clave sobrenatural. Y eso, sin duda, es lo mejor que ofrece esta adaptación. Pero lamentablemente, la fidelidad al tono no basta y esta vez ni una versión salvaje y sin censura, como fue el caso de Neil Marshall, salvaría los muebles. El resto de la película es un despropósito técnico. El CGI es pobre, más digno de una producción de The Asylum que de un estreno con aspiraciones serias. Las escenas de acción parecen sacadas de un proyecto universitario sin presupuesto o de un fanmade y la dirección no logra aprovechar los pocos momentos de tensión que propone el guion. Todo parece deslavazado, maquillado en exceso para camuflar carencias, lo cual perjudica a la atmósfera.

El casting tampoco ayuda. El nuevo Hellboy (Jack Kesy) carece de fuerza, de carisma, y sobre todo de presencia. No transmite la mezcla de cansancio existencial, ironía seca y brutalidad contenida que definía al personaje. Lo que queda es una figura desinflada, incapaz de sostener la película sobre sus hombros. Que sus lances suenen al son de soul y a música lounge no siempre le sienta bien pues redunda en el tópico de las campiñas de la Virginia de los sesenta.

‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ es una paradoja: cuando por fin se consigue capturar la esencia más oscura y particular del universo de Mignola, todo lo demás —producción, actuación, dirección— se desmorona. Es fiel, sí. Pero también es floja, torpe y olvidable. Una oportunidad perdida… Quizá la tercera entrega del Del Toro habría llegado a este nivel de oscuridad y suciedad, quizá al Hellboy David Harbour le faltaba este nivel de aventura local y episódica… Quizá debamos montarnos en nuestras mentes la mezcla perfecta para tener la película que este pilar del cómic contemporáneo se merece.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de febrero de 2026. Título original: Hellboy: The Crooked Man. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Brian Taylor. Guion: Mike Mignola, Christopher Golden, Brian Taylor. Música: Sven Faulconer. Fotografía: Ivan Vatsov. Reparto principal: Jack Kesy, Jefferson White Adeline Rudolph, Leah McNamara, Suzanne Bertish, Joseph Marcell, Martin Bassindale. Producción: Bulgarian National Film Center, Campbell Grobman Films, Dark Horse Comics, Millennium Media, Nu Boyana, Telepool. Distribución: Vértice Cine. Género: adaptación, terror, aventura. Web oficial: https://millennium-media.net/mf-films/hellboy-crooked-man/

CutreCon 14, día 9 de febrero

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Kamehameha múltiple que terminó épicamente esta edición

Finalizó la ecimocuarta edición de CutreCon con una maratón de películas sobre Dragon Ball, algo que los fans llevaban pidiendo tiempo dados los diversos live actions que existen y fragmentos vistos en ocasiones anteriores. Seguidamente tenéis comentarios de los cuatro títulos vistos pero antes toca dar buenas y esperadas noticias.

Un año más ha sido una semana con múltiples proyecciones llenas hasta la bandera incluso cuando se ha doblado el número de salas. 2025 ha supuesto un año de récord en el que se han proyectado más películas que nunca y los asistentes han elevado el medidor de decibelios con sus cánticos, risas y running gags festivaleros. Es por eso que los responsables de CutreCon, entre los que se encontraban Carlos “Oso” Palencia, Pedro J. Mérida o Juan Pérez de la Torre han anunciado algo que tenía que pasar antes o después. CutreCon tendrá ediciones en Canarias y Barcelona. En la capital condal se está trabajando para hacer una edición en colaboración con el Festival B-Retina y Cotxeres de Sants. En el archipiélago canario CutreCon tendrá presencia tanto en Tenerife como en Las Palmas de Gran Canaria con una edición que será este mismísimo 2025.

Y no podía faltar el anuncio que cierra cada edición. Cada convocatoria de esta fiesta del cine cutre tiene su leitmotiv. Si este año ha sido el cine de épica medieval y el anterior fueron los vampiros, para 2026 será el cine de acción el que protagonizará la programación. Quien sabe, quizá veamos “comedias” como ‘Ekipo JA’, versiones a lo ‘El cuervo’ como ‘Adam Chaplin’, el ‘Far Cry’ de Uwe Boll, la bizarrada de ‘Eliminators’, la adaptación del manga ‘Riki-Oh: the story of Ricky’ o ‘Steel, un héroe de acero’ aquella película de acción protagonizada por Shaquille O’Neal. Lo que está claro es que fijo que tendremos mercenarios, ninjas y muchas explosiones. Ya sabemos que CutreCon intenta siempre ofrecernos títulos nuevos, pero siendo el quince aniversario no nos importaría volver a ver niñas bonitas del festival como ‘Action Jackson’ o ‘Samurai Cop’.

‘Dragonball evolution’

Una de las grandes muestras de porqué no hay que intentar cambiar la esencia de un producto tan longevo como Dragon Ball. Ya sea por soberbia al intentar hacerlo mejor que el original o ya sea por falta de conocimiento y occidentalización de una producción asiática lo que se hizo con este flime es flagrante. Un desastre a la altura de la última versión de ‘Street Fighter’ que modifica el canon desde el minuto cero y a pesar de tener ritmo resulta aburrida. Un sinfín de tópicos que deslucen la gran herencia de una historia que ha hecho escuela. Inmerecida completamente, incluso el nombre está mal escogido ya que ni siquiera vemos una evolución de saiyan. Con razón su protagonista cayó en el olvido de los secundarios televisivos

 Comentado por Vicky Carras.

‘Dragon Ball: the magic begins’

Con menos presupuesto, con menos talento, con menos efectos especiales que la versión norteamericana, con menos derechos de autor y casi veinte años antes esta película taiwanesa consigue ser más fiel al espíritu de Toriyama. El espíritu burlón y aventurero de Dragon Ball está presente. Otra cosa es que los actores actúen de manera exagerada e incluso excesivamente infantiloide, como si estuviesen en un teatro de títeres. Las maneras orientales de hacer cine o su obsesión con el mundo de los espíritus/zombies no le hacen mucho favor pues los efectos de sonido o la música pueden resultar cargantes. Hay personajes inventados y la trama dista de ser fiel al canon pero al menos personajes como el Duende Tortuga nos divierte. Su fuente de inspiración es ‘Dragon Ball: La leyenda del dragón Xeron’.

Comentado por Furanu.

‘Dragon Ball Zero’

Un año antes que en Taiwán se estrenó esta película que supuso el primer live action sobre Dragon Ball. Una película en la que Goku está interpretado por Heo Sung-tae, uno de los actores de la primera temporada de ‘El juego del calamar’. Es quizá la película que tiene más elementos canónicos de las cuatro proyectadas en la CutreCon. Pero por desgracia es la que se va perdiendo más según avanza y termina cansando hasta el público más resistente. Un Mutenroshi que parece Santiago Segura, un Goku peinado a lametón de vaca, cabezudos y peluches parlanchines y fumadores, peleas más interminables que en la serie… Un vía crucis que solo es recomendable ver sin expectativas y acompañado.

 Comentado por Vicky Carras.

‘Son Goku Súper Detective’

Secuela realizada solo un año después y contando con el mismo protagonista. Presentada como ‘Son Goku Súper Detective’ pero en su versión original sería algo así como ‘Gundaman Fight’. Los fans de la cultura japonesa sabrán porqué solo con ver el cartel. Goku con 13 años, de traje, con robots (cosa que también tenían las dos anteriores) que parecen sacados de una convención fan y cuatro enemigos a batir, a cada cual más bizarro. ¿Lo más flagrante es que Goku convierte sus manos en armas o se transforma en mecha? Que va, hay más, como la torpeza de sus enfrentamientos o el pegajoso peinado de Goku que seguro que hace las veces de buen atrapamoscas.

Comentado por Furanu.

CutreCon 14, día 8 de febrero

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La mejor peor épica fantasiosa muy lejos de ser fantástica

Penúltimo día de CutreCon 2025. Los amantes el cine chusco se han mudado al mk2 Palacio de Hielo para maratonear hasta el punto en que su cerebro no pueda más. La jornada ha arrancado con la denominada “Espadas y bigotones”, seguida de la bizarrada de ‘Robot holocaust’ y culminar con dos “anti-clásicos” del cine de capa y espada: ‘Dragones y mazmorras’ y ‘Red Sonja’.

Tenía que llegar antes o después. Este ha sido el día en el que Moviementarios ha animado una de las sesiones, como llevamos haciendo desde hace casi diez años. Para esta ocasión hemos teñido las bocas de los participantes de azul y animado la proyección con mensajes que han hecho más llevadero el visionado de ‘Dragones y mazmorras’. Y como no podría ser de otra manera hemos celebrado un sorteo cuyo ganador anunciaremos en una próxima actualización de esta entrada. El ganador es: Román Núñez Soria @roman.nsoria. Gracias por tus respuestas tan graciosas.

‘La venganza de sansón’

Conocida en su versión original como ‘Samson dan Delilah’ es una producción bíblica indonesa que reinterpreta el mito. Película de bajo presupuesto de los 80 que no es precisamente divina. Lo único mínimamente valorable son las localizaciones, aunque estas a veces están un poco mal disimuladas. Las peleas están coreografiadas con el entusiasmo de una clase de yoga para principiantes. Por si fuese poco el actor que interpreta a Sansón que parece más interesado en posar que en interpretar. Los diálogos son tan épicos como una lista del supermercado y la escena del platano… mejor verla que describirla. Sansón mezclado con soldados franceses vestidos como en el siglo XIX, no hay que decir más.

 Comentado por Vicky Carras.

‘Tarkan contra los vikingos’

Desde Turquía y retrocediendo a 1971. Basada en un cómic se aleja mucho de cualquier superproducción marvelita aunque tras verla estamos seguros que había mucho más entusiasmo. El presupuesto evidentemente era escaso y es por eso que las armas o los vehículos distan de parecer reales. Pero cuando vemos el pulpo de plasticorro flotando y sin ningún ánimo de ser animado está claro que más que presupuesto lo que faltaba era criterio. Es una historia de venganza cuya sinopsis podría parecerse a ‘El hombre del norte’ o ‘John Wick’, siento haberos dados esas grandes referencias, este filme está diametralmente en una posición contraria.

Comentado por Furanu.

‘Robot holocaust’

Sesión de castigo proyectada en hora de siesta. Si no fuese por el ruido del filme más de un ronquido se habría oído. Si alguna vez te has preguntado cómo sería una película postapocalíptica filmada en el patio trasero de alguien, ‘Robot Holocaust’ tiene la respuesta. Imagina un mundo devastado donde los héroes visten atuendos que parecen salidos de una fiesta de disfraces improvisada, y los villanos hablan con acentos tan exagerados que ni los propios actores pueden tomárselos en serio. La trama, si es que se le puede llamar así, sigue a un grupo de héroes improbables que atraviesan un páramo para enfrentarse al temible «Oscuro» y su ejército de robots, que parecen más cajas de cartón con luces parpadeantes. El tema de las máscaras parece que han cogido latas de conservas y las han entremezclado en una trituradora.

 Comentado por Vicky Carras.

‘Dragones y mazmorras’

Fiasco de la misma productora de ‘El Señor de los Anillos’, con casi el mismo presupuesto y estrenada solo un año antes. El sueño de un fan que poseía los derechos convertido en una pesadilla para cualquier fan del cine de épica fantástica. Poco respeto al canon original, tópicos a cascoporro, inicio de la época woke y la peor elección de casting posible, incluyendo a un Jeremy Irons sobreactuado. Quizá lo más llamativo sean los efectos especiales. El presupuesto se les fue en algún que otro caché y en empeñarse en hacer digitalmente elementos que por entonces no estaban del todo bien controlados, ni de lejos quedaban creíbles. La secuencia final, que no puede llegar y concluir de manera más atropellada, puede derretirte los ojos por su calidad. Recomendamos verla en pequeñas dosis.

Comentado por Furanu.

‘El guerrero rojo: Red Sonja’

Si ‘Conan el Bárbaro’ era un filete jugoso, Red Sonja es una hamburguesa recalentada con queso plástico. Brigitte Nielsen, con su permanente ochentera y su espada más grande que su rango de expresión facial, interpreta a Sonja, una guerrera en busca de venganza. Arnold Schwarzenegger, al que claramente engañaros para aparecer en una secuela encubierta de Conan, se pasea por la película con la energía de alguien que olvidó por qué aceptó el papel.

Los villanos parecen sacados de una obra de teatro escolar con presupuesto para brillantina, y la acción es tan coreografiada que hasta los extras dudan antes de caer al suelo. El niño emperador roba escenas, pero solo porque grita tanto que es imposible ignorarlo.

Aun así, Red Sonja es gloriosa en su cutrez: espadas, magia, y diálogos que suenan como si los escribiera alguien con fiebre. Perfecta para una noche de risas y nostalgia ochentera. Esperemos que el nuevo filme que se prepara con Matilda Lutz sea más afín a los cómics.

 Comentado por Vicky Carras.

‘Sukeban boy’

‘Sukeban Boy’ es lo que pasa cuando alguien mezcla acción, comedia y un delirio febril en una batidora y lo sirve sin filtro. La trama, si es que importa, sigue a un chico con cara de chica que se disfraza de colegiala para infiltrarse en una escuela de pandilleras. Sí, es tan absurdo como suena.

Las peleas son ridículas, la ropa dura menos que un castillo de arena en un tsunami, y la lógica se fue de vacaciones. Las actuaciones oscilan entre el exceso teatral y el «no sé qué estoy haciendo aquí». Pero, sinceramente, ¿quién ve esto esperando Shakespeare?

Entre explosiones de ropa, violencia exagerada y diálogos que desafían la cordura, ‘Sukeban Boy’ es un festín de locura. Ideal para los que disfrutan del cine «qué diablos acabo de ver», como siempre tras salir de CutreCon.

Comentado por Furanu.