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Prime Video inicia el rodaje de ‘Todo arde’, basada en el bestseller de Juan Gómez-Jurado

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La adaptación cinematográfica de Todo arde amplía el universo de Reina Roja y cuenta con un reparto estelar encabezado por Aura Garrido

Prime Video ha comenzado el rodaje de ‘Todo arde’, su próxima película Original española basada en el exitoso thriller de Juan Gómez-Jurado, autor de la trilogía superventas compuesta por ‘Todo arde’, ‘Todo vuelve’ y ‘Todo muere’. Esta nueva producción promete convertirse en un fenómeno cinematográfico, ampliando el universo de la popular serie ‘Reina Roja’.

Una historia trepidante de acción, venganza y sororidad

En ‘Todo arde’, Aura Reyes, interpretada por Aura Garrido (‘Un asunto privado’, ‘Daniela Forever’), está al borde del abismo: a punto de ingresar en prisión por un delito que no cometió, tras ser una poderosa inversora en banca. Con sus hijas pequeñas como única motivación, trazará un arriesgado plan para mantenerse en libertad: asaltar un casino clandestino. Pero no lo hará sola.

La acompañan en esta misión imposible Mari Paz Celeiro, una exlegionaria con un pasado traumático interpretada por Victoria Teijeiro (‘La isla de las mentiras’, ‘Nowhere’) y Sere Quijano, una hacker antisistema y esotérica encarnada por María Rodríguez Soto (‘Los días que vendrán’, ‘Casa en llamas’). Juntas formarán un trío explosivo dispuesto a enfrentarse al sistema que las ha aplastado.

Reparto de lujo y conexiones con Reina Roja

El elenco de ‘Todo arde’ se completa con grandes nombres del cine y la televisión española: Silvia Abascal (‘La Catedral del Mar’, ‘Reina Roja’ T2) como la Comisaria Romero, Francesc Orella (‘Merlí’, ‘El buen patrón’) como Ponzano, Emma Suárez (‘Julieta’, ‘La ardilla roja’), quien retoma su papel de Laura Trueba, conectando directamente esta historia con la exitosa adaptación de Reina Roja,

Esta estrategia refuerza el ambicioso universo narrativo que Prime Video está construyendo en torno a las novelas de Gómez-Jurado, uno de los autores españoles más leídos de los últimos años.

Dirección y producción de primer nivel

Todo arde está dirigida por Samantha López Speranza (‘Sin huellas,’ ‘Todos los lados de la cama’) y escrita por Laura Sarmiento (‘El cuerpo en llamas’, ‘Intimidad’), una dupla creativa que garantiza tensión narrativa, profundidad de personajes y una puesta en escena vibrante.

La producción corre a cargo de Oslodije, con Eneko Gutiérrez y Aritz Cirbián como productores, y se está rodando íntegramente en Madrid.

Prime Video apuesta por el thriller femenino

Con ‘Todo arde’, Prime Video refuerza su compromiso con la producción nacional y las historias con protagonismo femenino. Este thriller con toques de drama social y acción promete conquistar tanto a los fans del libro como a quienes buscan nuevas historias en plataformas de streaming.

La película todavía no tiene fecha oficial de estreno, pero se espera que llegue a Prime Video en 2026, ampliando el fenómeno literario de Juan Gómez-Jurado en la pantalla y consolidando su universo como una de las franquicias más potentes del audiovisual español.

Crítica: ‘Dept. Q’

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Pasa el test del polígrafo y adapta manteniendo la verdad del original

‘Los casos del Departamento Q’ ya son conocidos en España tras sus seis películas estrenadas que surgen de las 10 novelas escritas por Jussi Adler-Olsen. El reparto cambió tras la cuarta, también el director y guionistas pero más o menos la sintonía se mantuvo aunque se perdió el toque neo noir. Ahora tenemos una nueva interpretación bajo la mirada del director Scott Frank (guionista de ‘Logan’ y autor de ‘Gámbito de dama’) y la guionista Chandni Lakhani (escritora de las nada desdeñables ‘Vigil’ y ‘Dublin Murders’) que retoma la oscuridad inicial.

El detective Carl Mørck y su asistente Assad son los protagonistas habituales en este thriller de suspense policíaco. La serie que estrena Netlix el 29 de mayo y cuenta con la cara más conocida de todas las adaptaciones hasta la fecha, Matthew Goode (‘Watchmen’, ‘The imitation game’) como Carl Mørck. Y en esta ocasión quien interpreta a su ayudante es Alexej Manvelov, a quien puede que hayáis visto en otra adaptación televisiva de novelas como ‘Jack Ryan’. Nota para los lectores de las novelas, este es el personaje de Assad pero le han cambiado el nombre a Akram Salim. Este cambio se produce en el ámbito de una nueva versión ambientada en Edimburgo, Escocia, en lugar de Dinamarca. Modificación en el contexto como parte de la adaptación cultural y geográfica, lo cual, es una estrategia para acercar la historia a una audiencia angloparlante. Y esto se consigue sin desdibujar la esencia y los personajes de Adler-Olsen. El toque escocés mantiene la oscuridad, el frío, los colores apagados y los cielos grises, aportando solo ciertos matices culturales.

La serie rebobina las películas y vuelve al punto de partida, adaptando de nuevo la primera novela, ‘La mujer que arañaba las paredes’ y con ello nos cuenta el origen de la relación de Mørck con el Departamento Q, una sección la policía destinada a un sótano que se encarga de casos irresolutos y que a menudo se utiliza como cortina de humo en un sistema policial bastante exiguo y que el protagonista se toma como una manera de mandarle a la nevera. Retornamos a las mismas temáticas por lo que ‘Dept. Q’ acierta en su planteamiento. La ineficiencia y la burocracia policial, la redención personal, la resistencia psicológica en condiciones extremas, las relaciones interpersonales entre opuestos y la siempre delgada línea que separa venganza de justicia son las temáticas recurrentes.

‘Dept. Q’ mantiene fielmente el espíritu del primer libro, combinando una narración en dos tiempos: por un lado, la investigación oficial, por otro, los angustiosos pasos de la mujer desaparecida, lo que aporta tensión constante. Desde la primera escena, impactante y directa, se nota una apuesta por elementos visuales modernos, como ciertos usos del found footage, que actualizan el tono sin traicionar el suspense escandinavo original. Matthew Goode, acostumbrado a papeles de galán, sorprende gratamente con un cambio de registro: interpreta a Carl Mørck como un profesional brillante pero emocionalmente destrozado, al estilo del House más misántropo o del Sherlock de Cumberbatch, con ese encanto malhumorado que lo lleva a ser sarcástico, destructivo y, sin embargo, entrañable, del tipo que aparca en la plaza de discapacitados sin remordimiento, pero que igual se hace querer.

La clave del éxito radica en el carisma de los protagonistas y la relación tipo Holmes-Watson entre Carl y su compañero que aporta calidez, ingenio y un pasado misterioso que los fans de los libros reconocerán. Su relación empieza con frialdad: Carl se muestra cínico y desconfiado, pero Assad —o Akram, en esta versión— se gana su respeto poco a poco, a base de intuición, trabajo y sentido del humor. Esa tensión entre personalidades opuestas, sumada al ácido sarcasmo con el que enfrentan los casos, es lo que hace tan única esta pareja. Ojalá Netflix no cancele la serie y podamos ver cómo se desarrollan más historias del Departamento Q, porque lo que han sembrado aquí promete mucho.

En resumen. Se mantiene el carácter de los personajes principales, se respeta el tono sombrío y emocional, se traslada el conflicto personal y psicológico del caso central y se conserva la crítica al sistema y la narrativa dual. ‘Dept. Q’ pasa el test del polígrafo.

Por gustarme me ha gustado hasta el opening, conciso, corto y toda una declaración de intenciones. Si te gusta tanto como a mí, aquí tienes una guía enumerando las películas sobre ‘Los casos del Departamento Q’:

  • Misericordia (Kvinden i buret, 2013)
  • Profanación (Fasandræberne, 2014)
  • Redención (Flaskepost fra P, 2016)
  • Expediente 64 (Journal 64, 2018)
  • El efecto Marcus (Marcoeffekten, 2021) – reinicio con nuevo reparto.
  • Sin límites (Den grænseløse, 2024) – continuación con el reparto introducido en la quinta película.

Crítica: ‘Hellboy: El hombre retorcido’

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Sinopsis

Hellboy (Jack Kesy) y una agente novata del AIDP (Agencia para la investigación y defensa paranormal) se quedan varados en los Apalaches rurales de los años 50 y descubren una pequeña comunidad embrujada, liderada por el Hombre Retorcido.

Crítica

La versión de Hellboy más folk horror y fanmade hasta la fecha

La presencia del autor original en una adaptación cinematográfica puede parecer, a priori, una garantía de fidelidad o incluso, de calidad. Pero la historia del cine basado en cómics está llena de ejemplos que desmontan esa suposición. Frank Miller estuvo detrás de las exitosas ‘300’ y ‘Sin City’, mientras que Todd McFarlane presenció el descalabro de su ‘Spawn’ en 1997, con un nuevo intento aún más fallido junto a Jamie Foxx que nunca vio la luz. Mark Millar (‘Kick-Ass’), Bryan Lee O’Malley (‘Scott Pilgrim’) o John Ostrander (‘El Escuadrón Suicida’) también han estado involucrados en mayor o menor medida en las versiones fílmicas de sus creaciones, con resultados dispares. Marvel es otro universo, con sus propios códigos, cameos y fórmulas.

Todo esto sirve como contexto para entender ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’, una película donde Mike Mignola, por primera vez, ha tenido un peso real en la adaptación. Y eso se nota, al menos en un aspecto: esta es, sin duda, la película más cercana al espíritu del cómic original en cuanto a tono. Aquí se respira folk horror por los cuatro costados, un ambiente rural, oscuro, y cargado de misticismo que por fin hace justicia a un fragmento tan particular del universo Hellboy.

Si con Guillermo del Toro se exploraba la vertiente más romántica y melancólica del personaje, ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ decide sumergirse en la mitología pura de Mignola. Con el director Brian Taylor por fin se respeta el horror de raíz, el folklore profundo, el cuento de advertencia en clave sobrenatural. Y eso, sin duda, es lo mejor que ofrece esta adaptación. Pero lamentablemente, la fidelidad al tono no basta y esta vez ni una versión salvaje y sin censura, como fue el caso de Neil Marshall, salvaría los muebles. El resto de la película es un despropósito técnico. El CGI es pobre, más digno de una producción de The Asylum que de un estreno con aspiraciones serias. Las escenas de acción parecen sacadas de un proyecto universitario sin presupuesto o de un fanmade y la dirección no logra aprovechar los pocos momentos de tensión que propone el guion. Todo parece deslavazado, maquillado en exceso para camuflar carencias, lo cual perjudica a la atmósfera.

El casting tampoco ayuda. El nuevo Hellboy (Jack Kesy) carece de fuerza, de carisma, y sobre todo de presencia. No transmite la mezcla de cansancio existencial, ironía seca y brutalidad contenida que definía al personaje. Lo que queda es una figura desinflada, incapaz de sostener la película sobre sus hombros. Que sus lances suenen al son de soul y a música lounge no siempre le sienta bien pues redunda en el tópico de las campiñas de la Virginia de los sesenta.

‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ es una paradoja: cuando por fin se consigue capturar la esencia más oscura y particular del universo de Mignola, todo lo demás —producción, actuación, dirección— se desmorona. Es fiel, sí. Pero también es floja, torpe y olvidable. Una oportunidad perdida… Quizá la tercera entrega del Del Toro habría llegado a este nivel de oscuridad y suciedad, quizá al Hellboy David Harbour le faltaba este nivel de aventura local y episódica… Quizá debamos montarnos en nuestras mentes la mezcla perfecta para tener la película que este pilar del cómic contemporáneo se merece.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de febrero de 2026. Título original: Hellboy: The Crooked Man. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Brian Taylor. Guion: Mike Mignola, Christopher Golden, Brian Taylor. Música: Sven Faulconer. Fotografía: Ivan Vatsov. Reparto principal: Jack Kesy, Jefferson White Adeline Rudolph, Leah McNamara, Suzanne Bertish, Joseph Marcell, Martin Bassindale. Producción: Bulgarian National Film Center, Campbell Grobman Films, Dark Horse Comics, Millennium Media, Nu Boyana, Telepool. Distribución: Vértice Cine. Género: adaptación, terror, aventura. Web oficial: https://millennium-media.net/mf-films/hellboy-crooked-man/

Crítica: ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’

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Sinopsis

En un Japón repleto de Kaiju, Kafka Hibino trabaja como limpiador de monstruos. Tras reencontrarse con su amiga de la infancia, Mina Ashiro, una joven promesa de las Fuerzas de Defensa que luchan contra los Kaiju, decide intentar cumplir su antiguo sueño de unirse a las Fuerzas… cuando de repente se transforma en el poderoso Kaiju nº 8. Con la ayuda de un colega más joven, Reno Ichikawa, Kafka oculta su identidad mientras lucha por cumplir el sueño de su vida: aprobar el examen de las Fuerzas de Defensa y así poder estar al lado de Mina. Pero cuando un misterioso Kaiju inteligente ataca una base de las Fuerzas de Defensa, Kafka se enfrenta a una decisión crucial en una situación desesperada…

Crítica

Un pack básico pero sin profundidad

Realizada por Production I.G. y Toho, ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’ adapta al formato cinematográfico la exitosa serie que surgió del manga de Naoya Matsumoto que hoy en día está en curso y que comenzó su andadura en 2020. La propuesta no puede evitar recordar a referentes del género como ‘Pacific Rim’ o, evidentemente, a algunas versiones de ‘Godzilla’. En este mundo, la humanidad ya está curtida frente a ataques de kaijus y se entrena de forma específica para hacerles frente. Esta premisa remite, inevitablemente, a ‘Ataque a los titanes’, aunque el diseño de los trajes recuerda sospechosamente al de ‘Gantz’. El resultado es un batiburrillo de ideas prestadas que, aunque puede seducir al público más joven, no ofrece realmente nada nuevo.

Quizá lo más llamativo sea el protagonista, que tiene la peculiar capacidad de convertirse en uno de esos monstruos versión reducida, como si de una versión moderna de ‘Guyver’ se tratase. Esta transformación, además, parece estar lejos de ser casual, como sugiere el hecho de que su nombre sea Kafka, toda una referencia velada a la metamorfosis literaria.

La película, en sí misma, no es más que una condensación de la primera temporada del anime en apenas 90 minutos. 12 episodios de unos 25 minutos resumidos con cierta torpeza y coronados con un capítulo extra que, francamente, aporta poco: un simple gag durante un día de descanso en la rutina de Hoshina. Como suele ocurrir con este tipo de productos recopilatorios, el ritmo sufre. Los esquemas narrativos se repiten hasta el agotamiento y, además, hay saltos temporales y carencias de elipsis que descolocan más que guían. La progresión de los personajes se diluye y el espectador pierde la conexión emocional que probablemente si se encontrará en la serie.

En ese sentido, el filme parece pensado para los ya iniciados que buscan revivir la historia o para quienes quieren un resumen rápido antes de engancharse al manga o a las próximas temporadas del anime. ¿Es suficiente gancho el incluir un capítulo post-créditos? Probablemente no.

Visualmente, no se le puede reprochar demasiado. La acción está bien llevada, con explosiones de sangre a borbotones brotando de criaturas que podrían haber salido del catálogo de los Gormiti, con ese aire colorido y de formas híbridas. Como en tantos otros animes, el humor es simple, casi tontorrón, y entra por los ojos más que por la cabeza.

En última instancia, ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’ funciona porque bebe del videojuego en su estructura: desafíos crecientes, nivel de combate a trabajar, enemigos finales. También porque su historia conecta con esos sentimientos universales de sueños truncados, anhelos pasados y supervivencia a toda costa. Pero eso no lo hace una obra original ni especialmente destacada. Solo entretenida. Y, para algunos, eso puede ser suficiente.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: Kaiju No. 8: Mission Recon. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Shigeyuki Miya, Tomomi Kamiya. Guion: Ichirō Ōkōchi. Música: Yuta Bando, OneRepublic. Fotografía: Eiji Arai. Reparto principal (doblaje original): Ai Fairouz, Masaya Fukunishi, Tesshô Genda, Wataru Kato, Kengo Kawanishi, Keisuke Kômoto, Kenta Miyake, Sayaka Senbongi, Hiroyuki Yoshino. Producción: Production I.G. Distribución: Crunchyroll. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial: https://www.crunchyroll.com/es-es/series/GG5H5XQ7D/kaiju-no-8?

Crítica: ‘Devil May Cry’

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Amplía el lore a través de un Dante menos maduro y en una etapa menos sombría

Cuando Netflix anunció su adaptación animada de ‘Devil May Cry’, las expectativas quedaron marcadas por dos factores clave en extremos opuestos: el historial de fracasos en adaptaciones de videojuegos de la industria norteamericana y el éxito de ‘Castlevania’, una serie con la que comparte estudio de animación y showrunner, Adi Shankar. La saga de Capcom ya había tenido otros intentos previos en televisión, como la serie de 2007 y otra en 2013, ambas con ligera aceptación por los fans. Ahora, con un equipo más experimentado y un público más receptivo a este tipo de proyectos, ¿logra ‘Devil May Cry’ redimirse en el formato animado?

Netflix estrena esta serie el 3 de abril con 8 episodios de media hora cada uno. Desde los primeros segundos, la serie deja clara su intención de jugar con el factor nostalgia. Nada más empezar, nos regala un guiño a ‘Masters del Universo’ y otros clásicos Capcom de los 90, como ‘Captain Commando’ o ‘Resident Evil’. El opening, con la versión censurada de Rollin’ de Limp Bizkit, es una declaración de intenciones: nos sitúa en ese ambiente de finales de los 90 y principios de los 2000, justo antes del nacimiento de la saga. A lo largo de los episodios la banda sonora sigue esta línea con temas remezclados de Rage Against the Machine, Papa Roach, Evanescence y otros contemporáneos, lo que refuerza el carácter caótico y desenfadado de la serie.

En cuanto a la historia, la serie se ambienta alrededor de los eventos de ‘Devil May Cry 3’, uno de los juegos más queridos de la franquicia. Introduce nuevos demonios y recupera otros conocidos, ofreciendo contexto y, en algunos casos, relleno en las bios de ciertos personajes, especial y evidentemente sobre Dante. Se introducen elementos de física cuántica como parte del lore demoníaco, algo que, hasta donde sé, no había sido mencionado en la saga, pero que aquí se usa como una interpretación más de la naturaleza del inframundo. No es un problema grave, pero puede desconcertar a los fans más puristas.

Uno de los aspectos más discutibles de la serie es su tono visual. Studio Mir apuesta por un estilo más colorido que choca con la estética lúgubre y oscura de los juegos, especialmente si recordamos los gráficos de PlayStation. Esto le resta parte de la sensación de terror y opresión que caracterizaba a los primeros ‘Devil May Cry,’ a cambio de reforzar el componente cómico de la serie, algo que en los juegos solía recaer exclusivamente en la actitud descarada de Dante. El episodio 6 es un claro ejemplo de esta dualidad: su uso de diversos estilos de animación es visualmente impresionante y emotivo, pero se aleja bastante del tono de la saga. Aún así, si reducimos la serie a mínimos, es un chorreo de acción sangrienta repleta de bosses.

En el apartado del doblaje, la gran sorpresa es Johnny Yong Bosch como la voz de Dante. Bosch, conocido por ser el Power Ranger negro, Kaneda en ‘Akira’, Ichigo Kurosaki en ‘Bleach’ y Ken en ‘Street Fighter’ (para el cual hay guiño nostálgico en la serie), ya tenía relación con la franquicia al haber sido la voz de Nero en los videojuegos. Su fichaje como Dante resulta curioso y viene tras la salida de Reuben Langdon, quien había interpretado al personaje durante 19 años. Langdon, actor, luchador en artes marciales y especialista en captura de movimiento, se distanció de Capcom por cuestiones políticas, lo que llevó al estudio a optar por un cambio de voz. También es notable el homenaje en el primer episodio a Kevin Conroy, legendario actor de voz de Batman, quien aquí interpretaba a VP Baines.

A nivel de referencias, la serie cumple con creces. Elementos icónicos como la Force Edge de Sparda, las pistolas Ebony e Ivory y la espada Rebellion… están presentes, y la acción mantiene el espíritu frenético de los videojuegos. Aunque algunos cambios pueden generar debate entre los seguidores más veteranos, sobre todo los que humanizan a los demonios y les ponen en un contexto que parece responder a inquietudes actuales con las crisis migratorias. A este ‘Devil May Cry’ le falta la madurez, el dramatismo y la tragedia de la saga y le sobra algo de socarronería, pero no olvidemos que surge a partir de la que fue una gran precuela y el protagonista aún no tiene ese punto de madurez. Si obviamos eso, hay que reconocer que consigue capturar la esencia de ‘Devil May Cry’.

Vuelve la Cthulhuton

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El 29 de marzo en el mk2 Palacio de Hielo

Los seguidores de H.P. Lovecraft tienen una nueva oportunidad para disfrutar de su universo en pantalla grande con la segunda edición de CTHULHUTON, la muestra de cine dedicada al maestro del horror cósmico. El evento se celebrará el sábado 29 de marzo a partir de las 16:30 horas en el cine mk2 Palacio de Hielo (C. de Silvano, 77, Madrid) y ofrecerá una selección de películas inspiradas en sus relatos. Entre lo más destacado de la programación, se proyectará la restauración en 4K de “Re-Animator” (1985), el clásico de Stuart Gordon, que conmemora su 40 aniversario como una de las adaptaciones lovecraftianas más influyentes del cine de terror.

“Desde hace eones, los fans de Lovecraft han buscado un lugar recóndito y oscuro donde poder reunirse y celebrar su más famosa creación, los ‘Mitos de Cthulhu‘”, señalan los organizadores del evento. Es por eso que han creado “la CTHULHUTON, donde se proyectarán las mejores obras audiovisuales sobre sectas, brujería, fantasía lovecraftiana y horror cósmico”.

H.P. Lovecraft figura entre los narradores de terror más venerados del siglo XX, gracias a relatos como “En Las Montañas De La Locura” o “La sombra sobre Innsmouth”, entre otros muchos. Su huella es palpable en algunos de los artistas más reputados de la actualidad, como el prolífico escritor Stephen King o el oscarizado cineasta Guillermo del Toro (“La Forma Del Agua”, “El Laberinto Del Fauno”), por citar dos de los ejemplos más conocidos.

La programación de esta segunda edición de CTHULHUTON arranca a las 16:30 con “El Torreón” (The Keep, 1983), la segunda película de Michael Mann, una fascinante fusión de terror y fantasía ambientada en la Segunda Guerra Mundial. Basada en la novela superventas de Francis Paul Wilson, la historia sigue a un grupo de soldados nazis que, al ocupar una fortaleza en los Cárpatos, despiertan por error a Molasar, una entidad maligna de origen desconocido. Su atmósfera inquietante se ve reforzada por la icónica banda sonora de Tangerine Dream y los efectos visuales de Wally Veevers, veterano de títulos como “Lawrence de Arabia”, “La batalla de Inglaterra” y “The Rocky Horror Picture Show”. En su reparto de lujo, destacan Ian McKellen, Scott Glenn y Gabriel Byrne, atrapados en un conflicto donde el verdadero horror no es humano.

A las 18:30, CTHULHUTON ofrece una sesión doble con dos de los mediometrajes más destacados jamás realizados sobre la obra de H.P. Lovecraft. Se proyectarán “Aire Frío” (Cool Air, 1999) de Bryan Moore y “La Llamada de Cthulhu” (The Call of Cthulhu, 2005) de Andrew Leman, dos adaptaciones fieles de los relatos originales, que logran capturar su atmósfera inquietante con un estilo marcadamente vintage. Consideradas auténticas joyas de culto, ambas películas han sido raramente exhibidas en España, convirtiendo esta proyección en una oportunidad única para los seguidores del escritor de Providence.

A las 21:00, CTHULHUTON concluye con “Re-Animator” (1985) de Stuart Gordon, una de las adaptaciones más emblemáticas de H.P. Lovecraft y un referente del cine de terror con humor macabro. Para celebrar su 40 aniversario, la película podrá verse en una edición restaurada en 4K, recuperando todo su esplendor en pantalla grande. Esta sesión especial contará con la participación de Paco Fox y Ángel Codón Ramos, de Tiempo de Culto Podcast, quienes participarán en un coloquio posterior donde desgranarán los entresijos del rodaje, el impacto del filme y su influencia en las siguientes adaptaciones del escritor de Providence.

PROGRAMA DE CHTULHUTON

16:30 – EL TORREÓN (The Keep, 1983, Michael Mann)

Durante la Segunda Guerra Mundial, un destacamento del ejército alemán se defiende de las tropas aliadas en un paraje montañoso en Rumanía. Allí se acuartelan en una misteriosa fortificación romana, ignorando las advertencias de los lugareños.

18:30 – SESIÓN DOBLE: Mediometrajes lovecraftianos.

AIRE FRÍO (Cool Air, 1999, Bryan Moore): Verano de 1925. Randolph Carter se muda a una pensión miserable donde se hace amigo de un misterioso doctor que lo revive tras sufrir un ataque al corazón casi letal. Poco después, Carter descubre la terrible verdad sobre el médico y la frágil línea que separa la vida y la muerte.

LA LLAMADA DE CTHULHU (The Call of Cthulhu, 2005, Andrew Leman): Tras la muerte en extrañas circunstancias de un profesor de la Universidad de Miskatonik, se inicia una investigación que relaciona el caso con el tenebroso culto a un Dios acuático, cuyos seguidores le llaman Cthulhu… The Call of Cthulhu (La llamada de Cthulhu) es una película muda de 2005 que adapta el famoso relato homónimo de Lovecraft, escrito en 1926. Su rodaje fue impulsado y producido desde la Sociedad Histórica H.P. Lovecraft de Estados Unidos. El rodaje usó modernas técnicas de grabación y elementos vintage para reproducir la estética de los filmes de la década de 1920.

21:00 – RE-ANIMATOR (Re-Animator, 1985, Stuart Gordon) – Sesión Tiempo de Culto

Herbert West estudia en Europa métodos regenerativos junto a un conocido científico, que muere en extrañas circunstancias. Herbert viaja a EEUU, donde se matricula en la Miskatonic University. Allí continúa con sus experimentos, que tienen la intención de alcanzar la fórmula que permita reanimar a los muertos. Su compañero de piso Dan y la novia de éste, Megan, se verán envueltos en el macabro proyecto.

ENTRADAS YA A LA VENTA

Las entradas para CTHULHUTON, que se celebrará el sábado 29 de marzo a partir de las 16:30 horas en el cine mk2 Palacio de Hielo de Madrid, ya están a la venta en taquilla y en la web oficial del recinto. Asimismo, también hay abonos disponibles para aquellos espectadores que quieran visionar todas las películas de la programación.

CTHULHUTON está organizado por la productora A.D.J. Proyectos Audiovisuales S. L., responsable del Festival Internacional de Cine Trash de Madrid, la Cutrecon, o de las muestras de cine de culto TDC Weekend, celebradas en Madrid y Sevilla.

Reseña: ‘Mickey7’

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Argumento

Mickey Barnes es un Prescindible, encarnado en la séptima réplica de su cuerpo, que vive (y muere) rodeado de sus colegas colonizadores en Niflheim, un planeta helado y casi inhabitable. Hay quien lo considera inmortal. O tros lo ven como una monstruosidad sin alma. Durante los últimos nueve años ha realizado toda clase de tareas peligrosas y ha sido el conejillo de Indias de experimentos que ponen a prueba los límites de la resistencia humana.

Ha sacrificado su humanidad por un bien mayor. En el transcurso de una misión de reconocimiento, Mickey7 cae herido y es abandonado a una muerte segura. Sin embargo, una especie autóctona de Niflheim lo rescata. Cuando regresa a la base, Mickey7 se topa con su siguiente réplica, Mickey8. Ninguno de los dos está dispuesto a saltar a la recicladora, pero si alguien descubre que existen múltiples Mickeys ambos serán sacrificados? y Mickey9 nunca verá la luz. No obstante, su prematuro hermano gemelo no es el único secreto que esconde Mickey7.

Reseña

Una reflexión existencial con sabor a ciencia ficción

Sumamos a muestra biblioteca personal una distopía con algo de space opera, ’Mickey7’ de Edward Ashton. Una propuesta que combina la aventura espacial con una meditación filosófica sobre la identidad, la mortalidad y la conciencia. La novela se centra en Mickey Barnes, un “prescindible” en una misión de colonización interplanetaria, cuyo trabajo consiste en morir repetidamente y ser regenerado con sus recuerdos intactos. Es para muchos una simple herramienta sacrificable y recuperable y para otros un monstruo sin alma. Sin embargo, cuando el Mickey número siete sobrevive inesperadamente y se encuentra con su propia versión más reciente, la historia toma un giro intrigante que recuerda tanto al libro ‘El hombre duplicado’ de José Saramago como a la película ‘El sexto día’ protagonizada por Arnold Schwarzenegger.

El gran acierto de ‘Mickey7’ radica en su tono ligero pero perspicaz. Ashton escribe con un humor seco que aligera los temas filosóficos subyacentes. En este sentido, su narrativa se asemeja al trabajo de Andy Weir (‘The Martian’), donde la ciencia y la lógica estructuran el conflicto sin entorpecer la fluidez de la historia. La novela plantea preguntas fascinantes: ¿qué significa ser una persona si puedes ser reemplazado? ¿Dónde reside la identidad cuando los recuerdos pueden ser transferidos? ¿Hasta qué punto es ético el sacrificio humano incluso cuando este es voluntario? Estas cuestiones, aunque no nuevas en la ciencia ficción, son exploradas con frescura gracias a la voz sarcástica y autocrítica de su protagonista.

Sin embargo, ‘Mickey7’ no se aventura demasiado en lo filosófico ni en la construcción de un mundo profundamente desarrollado. Ashton se enfoca más en el ritmo narrativo y en la interacción de Mickey con su tripulación o la amenaza que representa el nuevo planeta, lo que mantiene la historia ágil pero sin la profundidad de otros referentes del género.

La inminente adaptación cinematográfica de Bong Joon-ho, ‘Mickey 17’, protagonizada por Robert Pattinson, genera expectativas altísimas. El cineasta surcoreano es conocido por su capacidad para combinar crítica social con entretenimiento (‘Parásitos’, ‘Snowpiercer’), y su enfoque podría añadir capas de significado a la historia de Ashton. A juzgar por la filmografía de Bong, es probable que la película amplifique la tensión existencial y la crítica al capitalismo inherente a la trama.

Si bien Ashton ofrece una exploración entretenida y accesible de la clonación y la identidad, Bong Joon-ho podría transformar la historia en una parábola más oscura y satírica sobre la explotación y la deshumanización en un sistema tecnocrático. Si el director logra expandir los temas de la novela sin perder su esencia, ‘Mickey 17’ podría convertirse en una de las adaptaciones más estimulantes de la ciencia ficción contemporánea.

Ficha del cómic

Autor: Edward Ashton. Editorial: Minotauro (St. Martin’s Press). Datos técnicos: 368 pags., tapa blanda, 23x15cm. Publicación: 2022 (2025 España). Precio: 18€.

Crítica: ‘La lección de piano’

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Sinopsis

Una lucha por el destino de un piano heredado amenaza con destrozar a una familia en este drama basado en la obra ganadora del premio Pulitzer de August Wilson.

Crítica

El hijo menor de Denzel Washington debuta con una adaptación que desconozco si mantiene el espíritu original, pero desde luego tiene alma propia

Recuerdo hace dos años, estando alojado en el Hotel Edison de Nueva York, el tener en frente el Barrymore con una obra en su marquesina protagonizada nada más y nada menos que por Samuel L. Jackson, John David Washington y Danielle Brooks. Recuerdo la rabia de tener ese reparto tan cerca y el no haber entradas disponibles. Ahora al menos puedo resarcir mi curiosidad y ver en qué consistía la historia pues Netflix estrena la adaptación cinematográfica basada en una obra de August Wilson ganadora del Pulitzer.

Dos hijos de Denzel Washington están involucrados en este proyecto. Por un lado su hijo mayor, David, conservando uno de los papeles protagónicos. Tras las cámaras su hijo menor, Malcolm, dirigiendo y conservando el carácter teatral que no nos saca en casi ningún momento del salón en el que está instalado el piano que se disputan cada uno de los personajes. En ese sentido ha seguido los pasos de su padre cuando trasladó hace pocos años la obra ‘Fences’. Y hay que reconocer que también lo ha hecho mejor que su padre consiguiendo un drama con más dinamismo que una obra teatral y con una carga dramática y emocional muy lograda.

Un piano que es la piedra angular para los planes de futuro de un par de hermanos. Una generación que aún tiene muy presente la oscura época del esclavismo y ese pesado instrumento musical se manifiesta como el símbolo de fantasmas que aún se mantienen apegados a sus miedos. El libreto explora temas como la herencia, las cicatrices del sufrimiento y la búsqueda de un futuro en el que las lacras se transforman en fortalezas.

Se nota qué actores tienen más que mascado su papel tras representarlo muchas veces en Broadway. Aún así el reparto proporciona una experiencia heterogénea gracias al montaje ya que como como comentaba antes no tenemos la sensación de estar viendo una obra teatral repleta de suplentes. De hecho Danielle Deadwyler, quien no formaba parte del elenco teatral,  interpreta a la altura de sus compañeros. Además el formato cinematográfico permite incorporar recursos que van más allá de la puesta en escena y ampliar el simbolismo de la obra, reforzando a su vez la psique de cada personaje, en particular el del personaje de Deadwyler.

Resumiendo. ‘La lección de piano’ es un filme que desconozco si mantiene el espíritu original pero desde luego tiene alma propia. Es una obra que podría enmarcarse como una más sobre el racismo pero que realmente trata sobre familia, traumas y legado. Enarbola una espiritualidad propia de la américa negra pero con conclusiones deducibles a cualquier familia con heridas por cerrar y herencias por asumir.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre de 2024. Título original: The piano lesson. Duración: 127 min. País: EE.UU. Dirección: Malcolm Washington. Guion: Malcolm Washington, Virgil Williams. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Mike Gioulakis. Reparto principal: Samuel L. Jackson, John David Washington, Danielle Deadwyler, Ray Fisher, Corey Hawkins, Michael Potts, Stephan James. Producción: Mudy Lane Entertainment, Netflix Studios. Distribución: Netflix. Género: drama, adaptación. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Arcane T2’

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En qué plataforma ver Arcane

Se consolida como una de las mejores series animadas

La segunda temporada de Arcane, que llega ya a Netflix, retoma la fascinante historia inspirada en el universo del videojuego League of Legends, superando incluso las expectativas creadas por la primera entrega. En estos nuevos episodios (de los que hemo podido ver seis), la serie logra enriquecer la narrativa original del videojuego y transformarla en un relato épico y profundo, explorando cuestiones políticas, sociales y familiares dentro de un mundo visualmente impactante. Para volver a deambular por este mundo oscuro y caótico tenéis que apuntaros tres fechas, 9, 16 y 23 de noviembre.

La trama sigue con una guerra abierta la lucha de poder en la ciudad subterránea de Zaun y la manera en que Piltover intenta recomponerse tras el caos provocado por Jinx. La serie continúa con su tono steampunk cibernético, un estilo que logra hacer brillar su ambientación, dotando a la historia de una atmósfera envolvente que mezcla lo sombrío y lo futurista de forma única. Este contexto aporta un gran peso a los arcos dramáticos y permite profundizar en el conflicto de clases, una lucha que permea todos los niveles de la narrativa. Quién iba a decir que se podía sacar tanto partido a un juego tipo arena de batalla.

En esta temporada, la serie destaca especialmente por la evolución de sus personajes principales, en particular Vi y Jinx, quienes siguen siendo el núcleo emocional y temático de la historia. Vi, que colabora con las fuerzas del orden, encarna la lucha por reparar un error involuntario, mientras que Jinx, con una locura aún más pronunciada, continúa siendo el símbolo del caos y la rebelión. Ambas se debaten entre la fuerza de los lazos de sangre y una incontrolable rabia interior, y la serie presenta de manera acertada esta lucha fratricida, que no solo representa su vínculo personal, sino que simboliza el conflicto entre las sociedades de Zaun y Piltover.

Además, Arcane introduce nuevos personajes y escenarios, expandiendo su universo y abriendo posibilidades a nuevas historias. La serie también retoma su carácter musical incluyendo temas actuales, lo que aporta un toque contemporáneo a su estética visual ya distintiva, con momentos videoclipistas que funcionan muy bien en el contexto de la narrativa. Si visteis el videoclip de una de la últimas canciones de Linkin Park (‘Heavy Is the Crown’) y os sorprendió su animación probablemente ya pudisteis intuir que se había incluído en el universo de ‘Arcane’.

En resumen, la segunda temporada de Arcane no solo está a la altura de su predecesora, sino que consigue llevar la historia a un nivel superior, desarrollando a fondo los conflictos de sus personajes y construyendo un relato visualmente cautivador que reflexiona sobre la lealtad, el rencor y la lucha de clases. Con un guion sólido y una dirección artística impecable, esta entrega consolida a Arcane como una de las series animadas más importantes de los últimos años.

Aplazado el estreno de ‘Hellboy: el hombre retorcido’

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Aplazada para el 6 de junio de 2025

Tres actores para cuatro películas. Tras las versiones de Guillermo del Toro y la versión de 2019 de Neil Marshall protagonizada por David Harbour se espera ‘Hellboy: el hombre retorcido’. En España será distribuida por Vértice Cine, los mismos que estrenaron la última entrega y es desde esa empresa desde donde recibimos la noticia del aplazamiento del estreno.

Se la esperaba para este otoño pero será finalmente en junio de 2025 cuando podremos ver esta versión que adapta una de las historias más queridas por el fandom de los cómics y una de las más terroríficas. Habiendo contado con el propio Mignola como productor ejecutivo y guionista se esperaba una versión aún más cercana a la oscuridad y mitología de las viñetas, alejándose del tono cómico y aventurero de Del Toro. Pero no podremos ver esta película en las fechas cercanas a Halloween.

Es Brian Taylor (‘Crank: Veneno en la sangre’) quien contará esta historia que se desarrolla en la década de 1950 en la rural Appalachia, donde Hellboy y un agente novato del AIDP (Agencia para la Investigación y Defensa Paranormal) se encuentran con una comunidad asediada por brujas y el temible Hombre Retorcido, un diablo local con una conexión inquietante con el pasado de Hellboy.

El elenco está encabezado por un Hellboy interpretado esta vez por Jack Kesy (‘El asesino’, ‘Deadpool 2’), al que acompañan Jefferson White (‘Civil War’), Leah McNamara (‘The Gentlemen: La serie’), Adeline Rudolph (‘Resident Evil’), Joseph Marcell (‘El príncipe de Bel Air’) y Suzanne Bertish (‘La monja 2’).

Teaser de ‘The Monkey’

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Osgood Perkins adapta un relato de Stephen King

Aún está en taquillas con ‘Longlegs’ y ya tenemos noticias del próximo filme dirigido por Oz Perkins. Como os adelantamos en nuestra crítica, adaptará un relato corto de Stephen King titulado ‘The Monkey’. Lo que nos han mandado suss distribuidoras en España, YouPlanet y Beta Fiction Spain, es el primer teaser. No obstante tendremos que esperar a 2025 para ver esta película en cines.

Osgood Perkins, nos propone una nueva historia de terror producida por James Wan. Está protagonizada por Theo James, Elijah Wood, Tatiana Maslany, Sarah Levy, Rohan Campbell, Christian Convery y Colin O’Brien.

Sinopsis oficial:

Cuando los gemelos Hal y Bill descubren el antiguo mono de juguete de su padre en el ático, una serie de truculentas muertes comienzan a ocurrir a su alrededor. Los hermanos deciden tirar el mono y continuar con sus vidas, distanciándose con el paso de los años. Pero cuando las misteriosas muertes vuelven a sucederse, los hermanos deberán reunirse para destruir el mono antes de que acabe con las vidas de todos a su alrededor.

Crítica: ‘Buffalo Kids’

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Sinopsis

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Tom y Mary, dos hermanos huérfanos, desembarcan en Nueva York a finales del siglo XIX. Para reunirse con su tío, se aventuran como polizones en un tren por el Salvaje Oeste donde conocerán a Nick, un nuevo y extraordinario amigo que cambiará sus vidas para siempre. Juntos se embarcarán en un peligroso viaje, enfrentándose a malvados villanos, haciendo inesperados amigos y viviendo situaciones únicas en una conmovedora y divertida historia sobre la búsqueda de un hogar.

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Crítica

Un western road trip con tanta aventura como emotividad

Quizá no tenga la misma repercusión o impacto en la cultura popular, pero la animación Española no tiene nada que envidiar a industrias como la americana, quien ponga eso en duda debería ver películas como ‘Robot Dreams’ o ‘Buffalo Kids’. Se lo acaba de arrebatar el corto ‘ON/OFF’ de Nicolás Pedro Villarreal pero el cortometraje ‘Cuerdas’, del cual parte ‘Buffalo Kids’, llegó a ostentar el Récord Guinness del cortometraje más premiado. Ahora, a partir de la idea de esa sencilla y bonita historia llega este largometraje.

Si con el cortometraje nos invitaron a retornar a un patio de colegio repleto de juegos como la comba, las palmas o la pelota, ahora lo directores Pedro Solís y Juan Jesús Galocha “Galo” nos transportan a un viaje por los Estados Unidos de finales del siglo XIX. Allí conocemos a dos hermanos irlandeses, huérfanos y emigrantes. Han de ir sin recursos de Nueva York a California para conocer a su tío. En esa aventura conocen a Nick, un niño con parálisis cerebral que junto a otros niños viajan en busca de unos padres de adopción. Puede que cueste creerlo, pero todo esto que parece salido de la sombría mente de Charles Dickens es un western road trip repleto de emotividad y peripecias.

La película gana aún más matices de afectividad cuando conocemos un tierno detalle. Nick realmente es Nicolás, el hijo de Pedro Solís. Coprotagonizaba el corto y también ‘Buffalo Kids’. Vale que la película se podría resumir como el tributo de un padre que quiere brindarle a su hijo una última aventura. Pero el filme, aunque tiene mucha sensibilidad, no se deja llevar por la sensiblería. Si el corto clamaba por la inclusión y la comprensión, el largometraje hace lo mismo en un escenario aún más grande, extendiendo su discurso a otros ámbitos y personas.

Los autores de ‘Tadeo Jones’ o ‘Momias’ van acercando cada vez más su estilo gráfico al de Pixar/Disney pero no tienen nada que envidiar. Alcanzando un nivel superior al de la saga ‘Tadeo Jones’ consiguen escenarios a veces fotorealistas para personajes ligeramente cabezones. El equilibrio entre caricaturización y paisaje realista está muy logrado. Con ello nos transportan efectivamente al far west de un modo que en muchas ocasiones rememora a los clásicos de los cincuenta.

Aunque hay hasta un guiño para ‘Aterriza como puedas’, ‘Buffalo Kids’ es una obra marcadamente infantil. Al fin y al cabo, busca inculcar valores de respeto e igualdad, los cuales, tampoco está de sobra recordárselos a algunos adultos. Por lo demás es rendirse a un divertimento con nativos americanos iniciándose en el fútbol, una niña la mar de revoltosa y un perro llamado pizca.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2024. Título original: Buffalo Kids. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Juan Jesús García Galocha, Pedro Solís García. Guion: Jordi Gasull, Javier López Barreira, Pedro Solís García. Música: Fernando Velázquez. Reparto principal (doblaje original): Alisha Weir, Sean Bean, Gemma Arterton, Stephen Graham. Producción: Atresmedia Cine, 4CatsPictures, Little Boy AIA, Anangu Grup, Mogambo Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/buffalo-kids

Tráiler de ‘Treasure’

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Llega a nuestras pantallas la adaptación de la novela de Lily Brett ‘Too many men’

Presentada en el pasado Festival de Berlín, ‘Treasure’ llega a nuestras pantallas el próximo 20 de septiembre gracias a la distribuidora Vértigo Films. La película, basada en la novela de Lily Brett, ‘Too many men’. ‘Treasure’ se centra en la curiosa relación entre un padre y su hija que emprenderán un viaje muy personal hacia Polonia, en busca de sus raíces. Julia von Heinz, es la encargada de la dirección de la película, además de coescribir el guion junto a John Quester.

Tras presentar ‘Treasure’ en Berlín, la propia Julia von Heinz explicó el contexto en el que todo acontece en la cinta: «El año 1991, en el que se ambienta el film, sigue directamente a un momento clave de la historia polaca. Justamente después de la caída del Telón de Acero, judíos de todo el mundo -especialmente de Estados Unidos- viajaron a Europa del Este para llegar al fondo del legado de sus familias. Ruth es una de ellas. El hecho de que su padre se imponga y la acompañe le pone de los nervios al principio, hasta que el viaje le permite comprender a su padre, algo que Ruth necesita para entenderse a sí misma y al trauma transgeneracional que lleva dentro«.

‘Treasure’ está protagonizada por Stephen Fry y Lena Dunham. Para la directora, poder contar con este elenco le ha hecho especialmente feliz: “Estoy encantada de que Lena y Stephen interpreten a Ruth y Edek Rothwax. No sólo son estrellas internacionales, sino que también tienen una fuerte conexión personal con la historia: Las familias de ambos son judías y tienen sus raíces en Europa del Este”.

A continuación, os dejamos el tráiler de la cinta en su versión doblada al castellano y la sinopsis de la misma.

Sinopsis

‘Treasure’ relata un viaje muy personal, entre padre e hija, ambientado en la Polonia de los años 90. Ruth (Dunham), una periodista musical estadounidense, y su padre, Edek (Fry), un superviviente del Holocausto, encantador pero testarudo, emprenden un viaje en coche a su tierra natal, que proporcionará un reencuentro entre ambos y su pasado. Mientras Ruth está ansiosa por encontrar un sentido al pasado de su familia, Edek emprenderá el viaje con sus propios planes. Y se convertirá en un momento de superación de viejos traumas y, además, en un tesoro inesperado…

Crítica: ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’

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En qué plataforma ver El Ministerio de la Guerra Sucia

Sinopsis

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La unidad de combate de alto secreto, compuesta por un variopinto grupo de pícaros e inconformistas liderados por Gus March-Phillipps (Henry Cavill), emprende una arriesgada misión contra los nazis utilizando técnicas de combate totalmente poco convencionales y «poco caballerosas». En última instancia, el audaz enfoque del grupo especial cambió el curso de la guerra y sentó las bases del SAS británico y de la guerra de operaciones encubiertas moderna.

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Crítica

Ritchie prosigue con su saga de la deformada caballerosidad inglesa

‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ es una película que, sin duda, cumple con las expectativas de aquellos que buscan una narrativa dinámica, pero quizá no tanto de los auténticos fans de Guy Ritchie. Basada en hechos reales de la II Guerra Mundial, la película nos adentra en las operaciones clandestinas del Reino Unido durante la II Guerra Mundial. La elegancia y el decoro inglés se fue al garete creando una unidad especial encargada de llevar a cabo misiones poco convencionales contra las fuerzas del Eje.

Cuatro guionistas han participado en este filme que aparte de en sucesos históricos que fueron el germen del SAS y probablemente de las novelas de James Bond, está basado en un libro de Damien Lewis. Quizá toda esa fuente de inspiración a acotado demasiado el tono del filme, el devenir de la historia, pues el estilo de Ritchie está presente pero se percibe muy contenido. Ritchie es conocido por su habilidad para mezclar comedia y acción de manera eficaz. Sin embargo, en esta ocasión, la comedia es menos prominente. Aunque hay momentos de humor, estos son esporádicos y en ocasiones se sienten poco originales. Sobre todo esto se nota cuando la caballerosidad parece en desacuerdo con el título de la película y el estilo esperado de Ritchie, que parece haber hecho básicamente una especie de secuela espiritual de ‘The gentlemen: los señores de la mafia’. La narrativa, centrada en una unidad militar que realiza operaciones «poco caballerosas», podría haber explorado más a fondo el lado irreverente y subversivo de sus misiones. En lugar de eso, la película a veces cae en representaciones más tradicionales y honorables de la guerra, lo que puede resultar un tanto decepcionante para aquellos que esperaban una visión más gamberra.

Con este filme Ritchie prosigue con una serie de películas (y una serie), que tratan de desdibujar la clásica elegancia inglesa, esa que siempre ha parodiado desde películas asentadas en los bajos fondos londinenses como su trilogía compuesta por ‘Lock, Stock and Two Smoking Barrels’, ‘Snatch’ y ‘Rockonrolla’ e incluso con su versión de Sherlock Holmes. Básicamente se ha montado su propio Rat Pack, sus Malditos Bastardos, su Escuadrón Suicida, su comando The Boys, algo que tampoco es raro en su cinematografía. Arquetípicamente, cual Equipo A, cada uno tiene su habilidad y carisma. Una de las razones por las que ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ te mantiene enganchado es precisamente por sus actores. La mayoría del reparto además de intérpretes son fans del cine de acción y de género. Así pues viajar en esta aventura junto a Henry Cavill, Alan Ritchson, Eiza González, Rory Kinnear y compañía se convierte en un viaje entre amigos, con violencia y nazis, eso sí.

Las secuencias de acción están bien coreografiadas y filmadas, quizá un poco estiradas, pero con un ritmo que evita cualquier atisbo de aburrimiento. Aunque hay mucho más movimiento que en los filmes de Tarantino, a ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ le pesa que se parezca en algunas fases a la película protagonizada por Brad Pitt, Christoph Waltz y demás. Algunas escenas recuerdan directamente a ‘Malditos Bastardos’. A diferencia de este último título, la fidelidad a los eventos históricos reales añade una capa de autenticidad y respeto hacia las verdaderas operaciones realizadas por estos valientes y kamikazes soldados. Aunque también hay más explosividad y algo de imaginería que los vecinos de las Islas Canarias van a tener que ver con cierta permisividad.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de julio de 2024. Título original: The Ministry of Ungentlemanly Warfare. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Guy Ritchie. Guion: Arash Amel, Eric Johnson, Guy Ritchie, Paul Tamasy. Música: Christopher Benstead. Fotografía: Ed Wild. Reparto principal: Henry Cavill, Eiza González, Alan Ritchson, Alex Pettyfer, Hero Fiennes Tiffin, Babs Olusamokun, Henrique Zaga, Til Schweiger, Henry Golding, Cary Elwes, Rory Kinnear. Producción: Lions Gate Films, Jerry Bruckheimer Films, Black Bear Pictures, AZ Celtic Films. Distribución: Prime Video. Género: acción, comedia, adaptación. Web oficial: https://www.theministryofungentlemanlywarfare.movie/

Tráiler de ‘Fast Charlie’

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Pierce Brosnan regresa a la pantalla grande 

El próximo 17 de julio llega a nuestras salas de cine ‘Fast Charlie’, gracias a Vértice 360. Con guion de Richard Wenk (‘The Equalizer’), la película está basada en la novela de acción ‘La jaula de los monos’, de Víctor Gischler.

Dirigida por Phillip Noyce, cuenta en su reparto con Pierce Brosnan, Morena Baccarin, Gbenga Akinnagbe, Christopher Matthew Cook, David Chattam o Toby Huss entre otros.

Mención aparte para James Caan, pues es su última película. El actor fallecido a sus 82 años, en julio de 2022, poco después de finalizar el rodaje de la cinta.

A continuación, os dejamos el tráiler de la película y la sinopsis.

Sinopsis.

Charlie Swift (Pierce Brosnan), es un eficiente y discreto sicario que lleva 20 años trabajando a las órdenes de Stan (James Caan), jefe de la mafia de Orlando. Después de tanto tiempo, son como padre e hijo.

Todo va bien hasta que Charlie descubre que uno de sus socios ha traicionado a Stan antes de cambiar de organización criminal. Eso hará que Charlie se vea implicado en una guerra de venganza y asesinatos en la que Marcie (Morena Baccarin), la ex esposa de su última víctima, es la única persona en la que puede confiar.