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Crítica de cine y serie que hemos destacado en nuestra página principal.

Crítica: ‘The Batman’

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Sinopsis

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Después de dos años acechando por las calles de la ciudad como Batman (Robert Pattinson) e infundiendo miedo en las mentes perversas de los criminales, Bruce Wayne está sumido en las profundidades de las sombras de Gotham City. Este vigilante solitario cuenta con pocos aliados de confianza -Alfred Pennyworth (Andy Serkis), el teniente James Gordon (Jeffrey Wright)- entre la red corrupta de oficiales y figuras de perfil alto de la ciudad. Y eso le ha llevado a convertirse en la única encarnación de la venganza entre sus conciudadanos.

Cuando un asesino apunta a la élite de Gotham con una serie de maquinaciones sádicas, un rastro de pistas crípticas lleva al Mejor Detective del Mundo a realizar una investigación en el inframundo, donde se cruza con personajes como Selina Kyle/alias Catwoman (Zoë Kravitz), Oswald Cobblepot/alias El Pingüino (Colin Farrell), Carmine Falcone (John Turturro) y Edward Nashton/alias Enigma (Paul Dano). Las pruebas están cada vez más cerca de casa y la escala de los planes del perpetrador se vuelven más clara, así que Batman debe forjar nuevas relaciones, desenmascarar al culpable y hacer justicia al abuso de poder y a la corrupción que llevan mucho tiempo devastando Gotham City.

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Crítica

Entre ‘Saw’ y ‘Seven’. El Battinson funciona

Difícil es la tarea que le ha tocado a Matt Reeves (‘Monstruoso (Cloverfield)’) pues el fandom es duro con la reinvención de los superhéroes, que se lo digan a Ben Affleck (conste que me gusta su Batman). En mi caso lo tiene fácil en el sentido de que me gusta que se exploren las distintas caras de los personajes, siempre y cuando se respete su esencia.

Con el Battinson Reeves nos devuelve al tema gótico en cuanto a estética y va más allá sumergiendo la psique del personaje en una depresión y una inacción más propia de un “emo”. Pero al igual que Nolan, emplea argumentos y elementos actuales y también trabaja los villanos desde un punto de vista psicológico. No creo que este filme esté por encima de ‘El Caballero Oscuro’ y tampoco creo que ‘The Batman’ suponga a Batman lo que ‘Joker’ al Joker, creo que esto tiene más pinta de trilogía que de one-shot. Pero sí pienso que es una revisión del personaje merecedora de aplauso pues como he dicho conecta con muchos cómics y supone un espectáculo. No creo que haya que obcecarse mucho en comparativas con otras pues esta es otra etapa de Batman, centrada más en su depresión, en su trauma o en su obsesión por la venganza.

He hecho la broma con el tema emo o grunge pero lo cierto es que otra virtud de este Batman es que tiene mensaje, que transgrede más allá del tema de las mayas. Nos habla de la tesitura del héroe a la hora de matar o no matar, nos habla de su relación con los villanos que le construyen indirectamente, introduce la habitual lucha de clases ricos vs pobres y sobre todo nos habla de transformación, de progresión, de como un sentimiento de venganza es sustituido por la difícil tarea de convertirse en el faro a seguir. Genial el clímax poniendo codo con codo al héroe con esos héroes que tanto hemos aplaudido en la pandemia. En ese sentido vemos que se diferencia de lo hasta ahora visto pues no se disponen ni las excentricidades de Burton ni el mártir o cabeza de turco de Nolan.

‘The Batman’ es un thriller policíaco tipo ‘Seven’, ‘Zodiac’ e incluso diría que roza ‘Los intocables’. El único problema que le encuentro a la película viene de ahí, de que tenemos una película de suspense (no veo terror como se ha dicho tanto) difícil de mantener en sus 175 minutos de duración. Están las peleas y persecuciones clásicas de Batman pero se percibe que se alarga en exceso. Por citar unos cómics que pueden servir como referencia están ‘Batman: Ego’ (por el debate interno del personaje), ‘Batman: Año Uno’ (por la relación entre Catwoman y Batman y por el toque detectivesco codo con codo junto a Gordon), ‘Batman: Año Dos’ (por alguna referencia a su segundo año en Gotham) y ‘Batman: El Largo Halloween’ (por su trama y el plan de su villano principal). Son cómics con mucho soliloquio escrito con tipografía manuscrita, a modo de diario o de carta de despedida y eso el filme lo plasma con voz en off.

Robert Pattinson como Batman da la talla. Pensaba que en ‘The Batman’ íbamos a ver al Batman de ‘El Batman del futuro’ pero me recuerda más por estética al de ‘Arkham origins’ mezclado con las interpretaciones de Lee Bermejo. Pero su carácter es algo menos explotado en el audiovisual del héroe de DC Comics. La inspiración es abiertamente Kurt Cobain, marcado por una tragedia y sin disfrutar de los excesos del multimillonario, es decir, desganado. La deprimente y solitaria imagen del rico, que muestra que el dinero no da la felicidad, lo da la venganza o el convertirse en otro personaje cara al público. También es bueno a la hora de mostrar su controversia interna entre el compromiso de Batman con Gotham y su legado familiar o con su nueva y escasa vida privada. También se explora el eterno conflicto de si debe matar o no. Y ahí es donde se manifiesta de la manera más mayúscula la esencia de Catwoman, que además de ser una ladrona supone un continuo conflicto para Batman.

Magnífica Zoë Kravitz que luciendo un traje la mar de sencillo nos devuelve a una Catwoman problemática y entre dos tierras. Igual que se respeta estupendamente a Gordon conservando su psique y sus valores o a El Pingüino (Colin Farrell limpiando su mal karma como villano desde Bullseye) y Falcone (con John Turturro a muerte) manteniendo la presencia mafiosa en Gotham. Pero si hablamos de psique recabamos en el villano principal de la cinta. Es el Enigma de Paul Dano el que nos deja boquiabiertos (salvo cuando canta). Con él se ha revisionado también a otro villano, Hush, creando una amalgama que nos brinda unos giros magníficos. Con él, ‘The Batman’ es una especie de ‘Saw’ sin gore en matrimonio con el John Doe de ‘Seven’.

Apabullante la música de Giacchino que me ha puesto los pelos de punta en más de una ocasión (como cuando el Pingüino ve a Batman del revés), estupendo y Batmobile al estilo del de Neal Adams, incluso Andy Serkis hace bien de Alfred. Si son ciertos los rumores esto será trilogía. Probablemente esta primera parte se conozca como ‘Vengeance’ que era su título inicial. No recomiendo esta película a los que busquen una epicidad basada en el espectáculo, solo a los que estén hartos de la infantilización de los superhéroes y al igual que con Nolan o ‘Joker’ persigan argumentos construidos y con cierto riesgo.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de marzo de 2022. Título original: The Batman. Duración: 175 min. País: EE.UU. Dirección: Matt Reeves. Guion: Matt Reeves, Peter Craig. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Robert Pattinson, Zöe Kravitz, Paul Dano, Andy Serkis, Colin Farrell, Jeffrey Wright, Peter Sarsgaard, John Turturro, Jayme Lawson, Con O’Neill, Barry Keoghan, Gil Perez-Abraham, Peter McDonald. Producción: 6th & Idaho Productions, DC Comics, DC Entertainment, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, adaptación, acción. Web oficial: https://www.thebatman.com/ 

Crítica: ‘La matanza de Texas’

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Sinopsis

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Melody (Sarah Yarkin), su hermana adolescente Lila (Elsie Fisher) y sus amigos Dante (Jacob Latimore) y Ruth (Nell Hudson) viajan al remoto pueblo de Harlow (Texas) para montar un negocio muy idealista. Pero su sueño se convierte en una auténtica pesadilla cuando molestan sin querer a Leatherface, el desquiciado asesino en serie cuyo sangriento legado sigue acechando a los habitantes de la zona, entre ellos Sally Hardesty (Olwen Fouéré), la única superviviente de su masacre de 1973, decidida a vengarse a muerte.

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Crítica

Retomando la primera, imitándola y sin aportar nada original

Leatherface (Cara de cuero) vuelve a hacer de las suyas. ‘La matanza de Texas’ se cuela esta vez en Netflix y el resultado es el mismo que el de otras muchas secuelas, insatisfactorio. La versión que ha dirigido David Blue Garcia para Legendary (productora que hizo también la de 2013) termina siendo igual de insulsa que otras muchas películas slasher del montón. Quizá tendría que haber visto antes que la historia está escrita por Fede Álvarez pues sus películas de terror nunca terminan de gustarme. No tenía mucha expectativa con esta película, con que me diese brutales muertes y alguna razón de ser para gastarse dinero en una novena entrega me valía. Los fatalities me los da y al principio aparecen dos factores que dan esperanzas, uno que intenta actualizar la saga con el tema de los influencers y otro que nos habla del eterno debate de las armas en USA. Pero ninguno de los dos están lo suficientemente bien desarrollados o por lo menos quedan a la sombra de los fallos típicos de los slashers menos carismáticos.

‘La matanza de Texas’ ya superó su estatus de trilogía con creces. Incluso se podría llamar triple trilogía si alguna de ellas fuese coherente con la anterior. Y es que tenemos numerosas secuelas, una de ellas directa de la primera, una tercera negando la segunda, una cuarta que si tiene “en cuenta” los hechos de la una y la dos, una en 3D que solo continúa la primera, otra que es un remake… con esta saga se ha hecho un batiburrillo digno de las escabechinas de la familia Sawyer y la historia está tan deformada como la cara de Leatherface. En esta ocasión se ha hecho una especie de secuela de la primera parte sacando del canon todas las anteriores y creando una nueva línea argumental, la cuarta o quinta que surge.

La historia empezó en el 74 siendo ambientada en 1973. Lo sucedido en esa película está presente y pesa como una sombra. A la remota población de Texas llegan unos influencers que obviamente se topan con Leatherface y se ganan a pulso el miedo que les mete en el cuerpo. Así te lo hace creer la película pues los influencers son del tipo irrespetuoso, moralista y pretencioso. Miran por encima del hombro y se piensan que pueden hacer lo que quieran en la despoblada villa de Harlow. Es un poco la onda que sigue ‘Blair Witch 2’, solo que los protagonistas acuden sin el conocimiento del terror que se vivió allí en el pasado.

Se hace entretenida y se puede festejar en compañía porque es la típica película de muertes sanguinolentas y dolorosas. Como decía, parecía que escondería mensaje o eso han intentado pero no nos engañemos, el atractivo de ‘La matanza de Texas’, de esta versión, es ver las salvajes, ensañadas y creativas muertes provocadas por Leatherface y su motosierra. Te ves venir los encontronazos, los sustos e incluso alguna de las muertes. Pero sobre todo lo que has de saber es que está llena de situaciones estúpidas escritas para forzar las muertes. Para muestra lo que hace el conductor del autobús, todo un WTF.

No sé si Tobe Hoper estaría contento con esta entrega que ha intentado meter muchos guiños, me quedo con la imagen de los post-créditos. Sigue los mismos patrones además procurando que haya una final girl, muertes a plena luz del día, todo transcurre en un ambiente amarillento y sucio, se repite el baile con la motosierra, el asesino acaba vistiéndose o maquillándose como su madre… A colación de la madre, también esta vuelve a ser el detonante que hace que se le crucen los cables a Cara de cuero.

Lo que no se repite es todo el tema del canibalismo que solo se sugiere muy por encima alguna vez y eso que es real food, que ahora está tan de moda. Será que Netflix quiere apoyar las causas veganas. Lo que tampoco se repite es la aparición de rostros famosos, aunque haciendo justicia los actores, ahora famosos, que aparecieron de jóvenes en la saga no eran famosos cuando estuvieron con las motosierra de Leatherface en sus entrañas. Recordando, en ‘La matanza de Texas’ han intervenido Renee Zellweger, Viggo Mortensen, Matthew McConaughey, Alesandra Dadario, Matt Bomer, Jessica Biel, Denis Hopper… La única cara reconocible o muy famosa es la de Alice Kirge o la de Olwen Fouéré. Fouéré se mete en el papel de Sally Hardesty pues la actriz original ya falleció. Con ello enlazamos con otra saga en pleno intento de re-despegue como es ‘Halloween’ pues con su personaje se intenta hacer algo muy similar a lo que se hizo con el de Jamie Lee Curtis, es decir, nada nuevo ni original.

Quizá la culpa es mía por exigirle algo o entusiasmarme al pensar que habría algo más de mensaje tras su arranque con los instagrames y todo el discurso de los tiroteos en institutos. Cara de cuero nunca ha tenido una continuidad estable. Es como si su historia estuviese tan desmembrada como sus víctimas y tan alborotada como su cabeza. ¿Será esa la intención? Sea como fuere es casi tradición en la saga ‘La matanza de Texas’ el reescribir la historia. ¿Podrá Netflix romper esa tendencia y hacer ecuelas directas y narrativamente coherentes con lo anterior? Dudo que haya muchas más. No solo por la calidad de esta entrega pues creo que ha quedado claro que me ha decepcionado, sino por la tendencia a la cancelación de la plataforma que convierte “sus sagas” en algo volátil o efímero.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de febrero de 2022. Título original: Texas Chainsaw Massacre. Duración: 83 min. País: EE.UU. Dirección: David Blue Garcia. Guion: Chris Thomas Devlin. Música: Colin Stetson. Fotografía: Ricardo Diaz. Reparto principal: Elsie Fisher, Moe Dunford, Jacob Latimore, Sarah Yarkin, Olwen Fouere, John West Jr., Alice Krige, Nell Hudson, Mark Burnham, William Hope, Jessica Allain, Sam Douglas, Jolyon Coy. Producción: Legendary Pictures, Bad Hombre, Exurbia Films. Distribución: Netflix. Género: terror, remake, secuela, slasher. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Muerte en el Nilo’

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Sinopsis

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Las vacaciones egipcias del detective belga Hércules Poirot a bordo de un glamuoroso barco de vapor se convierten en la aterradora búsqueda de un asesino cuando la idílica luna de miel de una pareja perfecta se ve truncada de la forma más trágica. La aventura se desarrolla en un paisaje de leyenda con maravillosas vistas al desierto y a las majestuosas pirámides de Giza. Se trata de un cuento de pasión desenfrenada y celos destructivos protagonizada por un grupo de personajes cosmopolitas impecablemente vestidos. Los impactantes giros y dilemas de la historia dejarán al público preguntándose qué ha ocurrido hasta el estremecedor desenlace final.

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Crítica

Kenneth Branagh lo vuelve ha hacer y nos da una cinta tremendamente entretenida

De momento las dos películas que más me han gustado este año han sido rodadas por la misma persona. Es pronto para decir que son las mejores, ni mucho menos quiero arriesgarme a eso, pero de momento de una manera u otra, Kenneth Branagh nos ha dado ‘Belfast’ y ‘Muerte en el Nilo’, de la que ahora voy a comenzar a hablar.

Me encanta el comienzo de la cinta, un plano secuencia entre trincheras en plena batalla de Yser. Allí conoceremos, entre otras cosas, el porqué del bigote de nuestro protagonista, Hércules Poirot y por qué es como es.

De ahí pasamos a Londres, donde comenzamos a conocer a parte de los acompañantes que tendremos en esta historia.

Para terminar en Egipto, rodeados de lujos y un sinfín de personajes interesantes y con muy diferentes intereses. Aquí nos adentramos en la luna de miel de dos jóvenes enamorados atormentados por un antiguo amor. Como es de costumbre en este tipo de historias, hay un asesinato que como no, le estropea las vacaciones a nuestro detective favorito.

La película tiene un ritmo que atrapa desde el principio y sus personajes, tan interesantes por sí solos, logran mantenernos en ascuas hasta el final.

Me ha gustado mucho la película, no conocía la historia y por lo que estoy leyendo ha realizado ciertos cambios para no introducir tantos personajes y no hacer demasiado liosa la trama. Admito que me ha encantado que todo tenga que ver tanto con el amor. Cada uno de sus personajes tienen distintas historias, pasionales, trágicas, felices, dramáticas, de una manera u otra el amor es el tema principal.

En el tema actuaciones, que voy a decir, tiene repartazo y la verdad que están todos soberbios, pero las dos protagonistas, Gal Gadot y Emma Mackey están soberbias. De Gal Gadot ya lo sabíamos, y a Emma ya he hablado muchas veces de ella por la serie de ‘Sex Education’, pero aquí se monta un pulso con su contrincante del que sale muy bien parada.

Kenneth Branagh sigue manteniendo un Poirot tiquismiquis y lleno de tocs. Pero que también está cansado de sus aventuras como detective y poco a poco vamos viendo que ese cansancio se va mostrando en que su carácter va cambiando.

En el tema técnico, tenemos una banda sonora preciosa, dirigida por Patrick Doyle, que ya nos brindó con su talento en ‘Asesinato en el Orient Express’ y la fotografía de Haris Zambarloukos que me parece maravillosa. Si que la película peca mucho de cromas, pero al final son necesarios, estamos en Egipto en una época en la que por ejemplo el Templo de Abu Simbel se encontraba en su lugar original y eso ahora mismo rodarlo no se podía. Pero en general, aunque el uso de cromas haya sido excesivo, no molesta para deleitarnos con un precioso viaje a este país en donde veremos las Pirámides, la Esfinge, Abu Simbel y por supuesto las maravillosas y peligrosas aguas del Nilo.

Para terminar, gracias a la academia, tuvimos la oportunidad de escuchar a Paco Delgado, encargado del vestuario de la película. Os dejamos el enlace al directo que hicimos en nuestro perfil de Instagram y comentar que me parece una maravilla el trabajo realizado. Como a cada personaje le da distinta personalidad con sus trajes y como utiliza los colores en las distintas escenas de la película.

Así que ya sabéis, el 18 de febrero corred al cine a disfrutar de un viaje a Egipto de la mano del detective más curioso e irritante de nuestra historia de la literatura y del cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de febrero de 2022. Título original: Death on the Nile. Duración: 127 min. País: Estados Unidos. Dirección: Kenneth Branagh. Guión: Michael Green. Música: Patrick Doyle. Fotografía: Haris Zambarloukos. Reparto principal: Kenneth Branagh, Gal Gadot, Letitia Wright, Armie Hammer, Annette Bening, Ali Fazal, Sophie Okonedo, Tom Bateman, Emma Mackey, Dawn French, Rose Leslie, Jennifer Saunders, Russell Brand, Nikkita Chadha. Producción: 20th Century Studios. Distribución: 20th Century Studios. Género: Drama. Web oficial: https://www.20thcenturystudios.com/movies/death-on-the-nile

Crítica: ‘Uncharted’

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Sinopsis

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El astuto ladrón Nathan Drake (Tom Holland) es reclutado por el veterano cazatesoros Victor “Sully” Sullivan (Mark Wahlberg) para recuperar una gran fortuna amasada por Fernando de Magallanes hace 500 años y perdida por la Casa de Moncada. Lo que en un principio era para ambos un plan de robo, se convierte en una carrera de infarto alrededor del mundo para conseguir el botín antes de que lo haga el despiadado Santiago Moncada (Antonio Banderas), quien afirma que él y su familia son los auténticos herederos. Si Nate y Sully consiguen descifrar las pistas y resolver uno de los misterios más antiguos del mundo, estarán en posición de encontrar el tesoro valorado en cinco mil millones de dólares y tal vez incluso el hermano de Nate desaparecido por largo tiempo…pero solo lo conseguirán si aprender a trabajar juntos.

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Crítica

Funciona como otros clásicos de cazatesoros

Nueva adaptación de un juego que Sony Pictures que da así el salto a la gran pantalla. Recientemente la distribuidora/productora nos ha propuesto ‘Monster hunter’ o ‘Resident Evil’ e incluso podríamos meter ‘Spider-Man’ en ese saco, respetando obviamente que la raíz es el cómic, dado el éxito de su videojuego. Ahora le ha tocado a uno de sus juegos estandarte que tiene además varias entregas, ‘Uncharted’.

Coger un acontecimiento histórico y dotarle de una leyenda inventada y fantasiosa ha dado siempre muy buen resultado. Los ejemplos más obvios son ‘Indiana Jones’, ‘Tintín’ o ‘Tomb Raider’. Hasta a Nicolas Cage le salió bien la jugada con ‘La búsqueda’. ‘Uncharted’ sigue clarísimamente la estela de esas películas de aventuras y también logra un producto palomitero. Es una cinta repleta de traiciones, puzles, tiroteos, persecuciones, criptas, tesoros, Mcguffins obvios… Una película que consigue distraernos y hacer que obviemos lo chiflado que puede parecer que Barcelona oculte un tesoro escondido por los supervivientes de la expedición de Magallanes.

Nos hemos quejado algunas vedes de que muchos filmes empiezan con un flashforward y les cuesta retomar ese punto que nos adelantan. En ‘Uncharted’ nos muestran una escena de acción nada más empezar y hasta una hora después no retomamos ese instante. Mientras vamos conociendo que la leyenda que nos plantea ‘Uncharted’ (la película) nos pinta a los pocos que consiguieron dar esa primera vuelta al mundo como una especie de corsarios que no se fiaban los unos de otros. Ese es el tema o la moraleja de esta historia en la que unos cazatesoros van tras el oro español. Desde luego el sabor hispano está presente en guión y en reparto como también lo estaba en los juegos.

Lo cual me lleva a la comparativa con los videojuegos. Se ha dicho mucho que estos juegos son muy cinematográficos, que jugarlos además de hacer que formemos parte de una historia la mar de aventurera hace que nos sintamos como si viésemos un filme. Lo segundo es obvio que está más logrado en esta adaptación. Pero si los juegos eran cine la película tiene poco de juego. La única manera de conseguir eso es haciendo que el espectador se implique en los puzles que se les plantean a los protagonistas, pero estos son de una simpleza mayúscula, no invitan a pensar. No he vivido mucho esta historia en consola, pero sobre todo me ha rememorado al tercer juego por su objetivo, escenas o por sus flashbacks a la infancia del protagonista.

El mayor gancho de esta película es el que llevará a centenares de gamers al cine. Después el boca-oreja hará su trabajo. Y por supuesto la presencia de todas las caras famosas es el otro atractivo del filme. Un casting muy discutido pues Tom Holland pega más como Nate de adolescente y Mark Wahlberg como Nate de adulto en vez de como Sully. Pero no nos engañemos, todos sabemos que el Nathan Drake auténtico habría sido Nathan Fillion como demostró en el corto fan de 2018 que por cierto también tocó el tema de Magallanes. Sea como sea, cale o no entre los jugones eso no impedirá que este filme coincida durante un buen tiempo con la última bomba de Tom Holand, actor que en esta película también se dedica a hacer cabriolas a lo Spider-Man pero aportando un toque algo más parkour.

El apartado de guiños y cameos seguramente será largo pero como he dicho no soy experto en este juego y sí puedo deciros que aparecen cosas más o menos de toda la saga. Si no me equivoco en una de las playas podemos ver un cameo de uno de los responsables de ‘Uncharted’, en concreto la voz original de Nate, Nolan North. Como también muchos se podrán imaginar quién es la persona que sorprende a los protagonistas en la escena post-créditos que es una declaración de intenciones por hacer saga. La aparición que muchos esperaban en España, a parte de todas las calles de Barcelona que sirven de escenario para las aventuras transcurridas en el segundo acto, es la de El Rubius. No sé qué pensará cuando su aparición en los exteriores de Montjuïc consista simplemente en aparecer de fondo y desenfocado, seguramente le dará igual pues a saber qué millonada o contrato tienen sus agentes con Sony.

En ‘Indiana Jones’ o en ‘Tomb Raider’ los malos siempre encuentran la siguiente pista o el tesoro gracias que involuntariamente el héroe les guía. Aquí sucede lo mismo y por lo tanto no puede ser más predecible el guión. Fleischer creo que ha hecho esta película consciente de ello y del calco moderno que supone ‘Uncharted’. Se ha convertido en el hombre de confianza de Sony y ya les ha llevado a taquillazos decentes como el de ‘Venom’ o ‘Zombieland’. Creo que esta película les seguirá funcionando igual de bien.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de febrero de 2022. Título original: Uncharted. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Ruben Fleischer. Guion: Matt Holloway, Arthur Marcum, Rafe Judkins. Música: Ramin Djawadi. Fotografía: Chung Chung-hoon. Reparto principal: Tom Holland, Mark Wahlberg, Antonio Banderas, Tati Gabrielle, Sophia Taylor Ali, Patricia Meeden, Sarah Petrick. Producción: PlayStation Productions, Naughty Dog, Columbia Pictures, Arad Productions, Ayuntamiento de Madrid, Sony Computer Entertainment (SCE), Atlas Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras, adaptación. Web oficial: https://instagram.com/unchartedmovie 

Crítica: ‘Licorice pizza’

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Sinopsis

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‘Licorice pizza’ es la historia de Alana Kane y Gary Valentine, de cómo crecen juntos, salen y acaban enamorándose en el Valle de San Fernando en 1973. Escrita y dirigida por Paul Thomas Anderson, la película nos muestra las dificultades que implica vivir el primer amor.

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Crítica

Licorice Pizza es un perro del hortelano que parece que va a ir a más, pero no

Cuando somos adolescentes es fácil sentirse un poco bala perdida, no tener propósito o hallarse desorientado ante el sentido que lleva nuestra vida. Si la intención de Paul Thomas Anderson era la de realizar una película alborotada y llena de hormonas lo ha conseguido. El mismo título nos mezcla pizza con regaliz, todos hemos hecho alguna gorrinada así en alguna fiesta de cumpleaños. Pero el logro de Anderson con ‘Licorice Pizza’ se queda en ese símil.

Su anterior largometraje, ‘El hilo invisible’, fue para mí un gran chasco pues esperaba una película mayúscula para la despedida de mi actor preferido. Aunque fue algo muy exquisito el sopor se apoderó de mí. De nuevo Anderson promete más de lo que finalmente es capaz de dar. Lo de ‘Licorice Pizza’ es un perro del hortelano y no me refiero solo a la relación de toma y daca que tienen los protagonistas interpretados por Alana Haim y Cooper Hoffman. Es la historia de dos buscones, de una chica que como muestra el cartel tiene al chico en la palma de su mano pero nunca se decide. ‘Licorice Pizza’ constantemente amenaza con dar un paso adelante y desarrollar su punto de partida, pero nunca lo acaba de hacer. Plantea muchos momentos pero ni progresa ni ofrece una reflexión. Es un bucle de amor y desamor que, si bien muchos pueden haber experimentado pues está basada en historias reales, en pantalla se hace extenuantemente repetitivo.

El problema aparece cuando desde un principio conocemos a dos personajes que están dotados de una experiencia y un carisma inusual para su edad. Esto es algo habitual en las películas norteamericanas, sobre todo si tenemos en cuenta que uno de ellos interpreta a un joven y presumido actor. Pero si lo que Anderson quería haber hecho es un filme que conectase con nuestro yo de 15 años debería haber restado también madurez a sus dos protagonistas y velado además por no permitir unas interpretaciones tan sobreactuadas.

Dada la carrera y éxito de Paul Thomas Anderson creo que puede permitirse hacer películas pretenciosas. Pero cuando se busca hacer un filme tan cercano como este esa opulencia en los diálogos e incluso en la deriva de sus personajes nos aleja del realismo. De hecho, hay muchas películas que reflejan mejor una relación entre un joven y una adulta, los tumbos que da la vida (‘American Graffiti’ por ejemplo) o que desarrollan de manera más acertada el caos de la adolescencia, os recomiendo ‘En los 90’. Pero si buscáis algo rodado con un estilo tremendamente clásico e incluso naif, meteros a ver ‘Licorice Pizza’.

Diría que siento ser la nota discordante ante tan buenas críticas recibidas, pero me consta que no ha sido solo a mí al único al que le ha aburrido la falta de propósito de esta película. Porque más que un discurso de amor intergeneracional o de camino a la madurez, parece un juego de niños que se hacen pasar por mayores. Y conste que hay momentos gamberros, sensibles o graciosos que me guardo. La aparición de Bradley Cooper como Jon Peters levanta momentáneamente el filme. Pero quizá a la prensa estadounidense le haya sido mejor trago este filme por todo lo que conecta con sus años 70, pues al igual que hizo Tarantino en ‘Érase una vez en Hollywood’ la función nostálgica y documentada está omnipresente.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de febrero de 2022. Título original: Licorice Pizza. Duración: 133 min. País: EE.UU. Dirección: Paul Thomas Anderson. Guion: Paul Thomas Anderson. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Paul Thomas Anderson, Michael Bauman. Reparto principal: Alana Haim, Cooper Hoffman, Sean Penn, Tom Waits, Bradley Cooper, Ben Safdie, Maya Rudolph, Joseph Cross. Producción: Ghoulardi Film Company, Bron Studios, Focus Features. Distribución: Universal Pictures. Género: romance, drama, comedia. Web oficial: https://www.unitedartistsreleasing.com/licorice-pizza/

Crítica: ‘Moonfall’

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Sinopsis

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Una fuerza misteriosa golpea a la Luna fuera de su órbita y la envía directamente contra la Tierra a toda velocidad. Unas semanas antes del impacto, y con el mundo al borde de la aniquilación, la ejecutiva de la NASA y ex astronauta Jo Fowler (Halle Berry) está convencida de tener la clave para salvar nuestro planeta. Pero solo el astronauta Brian Harper (Patrick Wilson) y el teórico conspiranoico KC Houseman (John Bradley) la creen. Estos héroes organizarán una misión espacial imposible, dejando atrás a todos sus seres queridos, para aterrizar en la superficie lunar e intentar salvar a la humanidad, enfrentándose a un misterio de proporciones cósmicas.

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Crítica

No puede ser más lunática

Roland Emmerich es harto conocido por sus películas de catástrofes y ‘Moonfall’ es una más, pero una que va más allá. Si previamente había congelado a toda la humanidad, la ha atacado con OVNIS o la ha arrasado varias veces con maremotos o volcanes poniéndose en las peores pesadillas del pueblo maya, ahora nos tira la luna encima. Pero en sus películas se reserva siempre más sorpresas, si cabe. Y es que vivimos tiempos de conspiraciones y de lunáticos, lo cual, ha dejado huella en este largometraje. Pero no quiero contaros muchos detalles de lo que sucede en ‘Moonfall’, aunque al final de esta crítica me reservo un apartado de spoilers y los tráilers ya de por si son bastante más reveladores, advertidos quedáis.

Con Emmerich no solo tenemos a la naturaleza castigando de manera colosal a la humanidad, también hay mucha tecnología, de la que nos ayuda y de la que no. Se guarda siempre un rayito de esperanza para la humanidad pues no busca un tono pesimista en sus películas de acción y además procura de esa manera que haya algo de emoción o que este sea un entretenimiento de lo más baladí o palomitero, como se dice coloquialmente. Anteriormente se sacó de la manga toda una flota de arcas de Noé o virus improvisados capaces de anular una nave nodriza. Aquí va más allá, más aún que con la monstruosidad titánica de ‘Independence Day: contraataque’.

Permisivo. Si quieres disfrutar de ‘Moonfall’ tienes que entrar con mentalidad abierta a todo. Emmerich cumple los sueños húmedos de los más conspiranoicos y los amantes de la ciencia ficción que van a encontrarse aquí con algo nunca mostrado en cines. Aquellos que gozan de los argumentos más locos y futuristas de series como ‘Star Trek’ van a toparse una historia para gozar. Si uno está dispuesto a obviar todos los fallos de guion y las consabidas incorrecciones científicas se lo pasará pipa. Es la película ideal para los que pudimos pasar por el aro de ‘Godzilla vs Kong’, porque se retuerce igual e incluso tiene personajes similares.

El filme sigue los patrones habituales de Emmerich: una humanidad desprevenida ante el peligro a pesar de las advertencias de unos pocos, olas gigantes, la humanidad cooperando como nunca antes, muchas imágenes cataclísmicas generadas por ordenador, saqueos y caos, tramas paternofiliales que nos traen sin cuidado… Eso sí, por primera vez no saca un plano de la Casa Blanca. Tenemos un trio de protagonistas interpretado por Patrick Wilson, Halle Berry y John Bradley que siguen la misma dinámica que Will Smith y Jeff Goldblum en ‘Independece Day’. Nos dan la cara más lógica, la más valiente o la más desconcertada que puede caber en sus argumentos. Pero la trama va muchísimo más rápida. No hay tanto regocijo en los instantes previos a la catástrofe y el espectáculo no tarda en llegar. Al fin y al cabo Emmerich no necesita contarnos por enésima vez lo que nos ha narrado en sus anteriores películas. Aporta algún que otro dardo hacia esos gobiernos que nos condenan por destinar presupuestos a temas más insulsos que los que nos garantizarían una vida mejor en el futuro, pero nada más.

Aunque pensaba que la película iba a ser más espectacular todavía me ha agradado por lo desatadamente chiflada que es. Está claro que Roland Emmerich quiere ser recordado como el hombre que produjo más apocalipsis en la historia del cine y se agradece que en vez de sacar secuelas infructuosas se lance a por nuevas y disparatadas ocurrencias. ‘Moonfall’ da lo que promete, momentos de ciencia ficción sin límites, actores entregados a la causa e imágenes propias de un videojuego de acción futurista. Esta película sería la pesadilla de escritores tan rigurosos como Isaac Asimov, pero no es un título para pedir rigor sino para desconectar el cerebro e imaginarse las más fantásticas de las posibilidades.

Y aquí llega el apartado de spoilers. Hay una mezcla de dos películas que definen muy bien ‘Moonfall’. La historia se convierte en una especie de ‘Terminator’ milenario que nos descubre que los humanos somos extraterrestres traídos a la Tierra por una inteligencia antepasada que se enfrentó a una amenaza de extinción, muy al estilo de ‘Prometheus’. Además cumple visual y argumentalmente con algo que, yo por lo menos, nunca había visto en el cine. Recrea una esfera de Dyson, una estructura del tamaño de un cuerpo celeste que es capaz de alimentarse de una enana blanca. Y con ello nos habla de una humanidad que ha llegado a convertirse en una civilización de clase 2 y casi 3 en la escala de Kardashev. Una cultura capaz de generar entornos parecidos al que Blomkamp propuso en ‘Elysium’. Pero es que encima todo empieza con un evento muy parecido al que da origen a los 4 Fantásticos o al visto en ‘X-Men: Fénix Oscura’. Lo dicho, toda una locura.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de febrero de 2022. Título original: Moonfall. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Roland Emmerich. Guion: Spenser Cohen, Roland Emmerich, Harald Kloser. Música: Harald Kloser, Thomas Wanker. Fotografía: Robby Baumgartner. Reparto principal: Halle Berry, Patrick Wilson, John Bradley, Charlie Plummer, Donald Sutherland, Stephen Bogaert, Eme Ikwuakor, Michael Peña, Wenwen Yu, Carolina Bartczak, Maxim Roy, Hazel Nugent. Producción: AGC Studios, Centropolis Entertainment, H Brothers, Huayi Brothers Media, Lionsgate, Street Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://moonfall.movie/

Crítica de ‘Raised by wolves’ temporada 2

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Los personajes evolucionan por la misma senda recolectando más misterios

La primera temporada de ‘Raised by wolves’ sorprendió a propios y a ajenos. Nos ofreció una visión distinta de la humanidad en un futuro colonizador y además otra forma de concebir nuestra relación con la tecnología. Pero una de las grandes sorpresas fue que recuperamos al Ridley Scott de la auténtica ciencia ficción, ese que era capaz de sorprendernos y de generar sus propios argumentos.

Scott produce esta serie que realmente ha sido creada por Aaron Guzikowski, aclamado guionista que está detrás de la alabada película ‘Prisioneros’. La dupla Scott/Guzikowski ha generado un nuevo universo que además levantó multitud de teorías, como es habitual siempre relacionadas con el ámbito relifioso, como las que establecen que ‘Raised by wolves’ se basa en ‘El libro de Enoc’. Pero también hay quien ha incluido esta serie en el imaginario de ‘Blade Runner’ o ‘Alien’ y ‘Raised by wolves’ temporada 2 no ha sido menos, seguirá alimentando esas pajas mentales que todos nos montamos.

Lo que está claro es que aunque Scott no es el guionista de la serie su influencia está ahí, hasta el punto de que el primer episodio va dedicado a Tanna Young, difunta ejecutiva de Soctt Free. Esta sigue siendo una historia galáctica, con violencia y androides, además de criaturas extraordinarias. En ‘Raised by wolves’ temporada 2 descubrimos más caras de Kepler-22b, esa nueva Tierra Prometida que se disputan ateos y creyentes. La serie retorna sembrando nuevos misterios y resolviendo pocos, al menos en los primeros episodios, de los que quedaron sin responder al final de la primera temporada. Conocemos a más personajes y aparecen criaturas nativas del hostil planeta que hacen que Madre y Padre evolucionen más allá de su programación inicial, lo cual me ha parecido muy interesante, es algo que no ha hecho Scott en la franquicia ‘Alien’ con sus Ash y David.

El 4 de febrero HBO Max inicia la retransmisión de ‘Raised by wolves’ y lo que hemos podido ver anticipadamente hasta ahora sigue la senda de la primera temporada. Delirios religiosos, estrictas normas tecnócratas, mezcolanza de edad media con civilización interplanetaria, aventuras de unos niños más maduros de lo habitual… La serie sigue delegando la trama en diferentes personajes y estos van cambiando de un modo bastante coherente, dejando que sean los cruces entre ellos los que nos den sorpresas. Marcus, el suplantador interpretado por Tavis Fimmel, es el que a priori parece que nos va a reservar más giros de guión.

Esta nueva temporada sigue protagonizada por Amanda Collin como Madre, Abubakar Salim como Padre, Travis Fimmel como Marcus, Niamh Algar como Sue y Kim Engelbrecht como Decima. También cuenta con Winta McGrath, Jordan Loughran, Matias Varela, Felix Jamieson, Ethan Hazzard, Aasiya Shah, Ivy Wong, Peter Christoffersen, Selina Jones, Morgan Santo, James Harkness y Jennifer Saayeng. Como veis no son pocos y hay caras nuevas.

A los que les gustase la primera les va seguir encandilando esta nueva tanda de episodios. Sí que es cierto que el montaje en alguno de ellos nos lleva por la historia un poco a trompicones y que falta por ver si ‘Raised by wolves’ no se va a convertir en una serie tipo ‘Lost’, con un final insatisfactorio que deje muchos cabos sueltos. Para mí el verdadero misterio es cómo consiguen meterse Collin y Salim en esos trajes. Quizá lleguemos a verlo.

Crítica: ‘Belfast’

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Sinopsis

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Escrita y dirigida por Kenneth Branagh, nominado en cinco ocasiones a los Oscar®, ‘Belfast’ es una impactante historia de amor, felicidad y pérdida en la infancia de un muchacho, en pleno tumulto social de finales de los años 60 y acompañada de la música de la época.

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Crítica

Cuanto amor hay en ‘Belfast’, una maravilla de principio a fin

Qué regalo más bonito para comenzar el año nos ha dado Kenneth Branagh. Un relato semi-autobiográfico en el que nos cuenta con mucho amor la historia de un barrio que de la noche a la mañana cambia radicalmente. Y con ello de la pérdida de la inocencia, el cariño hacia el cine, el amor a la familia, los abuelos y a las raíces.

Vemos a través de los ojos de Buddy, un niño de nueve años, que vive plácidamente en su barrio de Belfast, jugando con sus vecinos y disfrutando de su infancia. Pero un día, llegan los disturbios que tantos años duraron en Irlanda del norte y por los que tanto sufrieron miles de familias.

Me ha encantado la manera de contar la historia, pues, aunque se muestren estos disturbios, la película también nos habla del amor, de la familia, de las pérdidas y del aprendizaje. Que no por ser adulto se deja de tener miedo. También de las raíces y de lo que duele pensar que algún día tendrás que marchar.

Sin duda el guión de Kenneth Branagh es de lo mejor de la película. Con unas conversaciones tan inocentes. Me encanta sobre todo las que Buddy tiene con su abuelo sobre la vida, el amor y sus miedos.

Visualmente es una preciosidad. Comenzamos en la actualidad por un paseo aéreo por el Belfast actual a todo color y seguimos en blanco y negro la historia del joven Buddy y su familia. Como trata el tema del color me ha encantado y es que hay escenas que se intercalan a color y en blanco y negro y es cuando el cine hace su aparición en la película. Me parece algo tan bonito. Nos muestra la devoción hacia el séptimo arte de este niño, al final es semi-autobiográfica y está claro la manera de demostrar la pasión del director hacia esa experiencia que se da dentro de una sala de cine.

En general la fotografía de ‘Belfast’ me ha maravillado, Haris Zambarloukos ha realizado un trabajo estupendo. Hay unos primeros planos preciosos de los diferentes rostros de los personajes, pero dispone unos segundos planos borrosos donde nos cuenta también bastantes cosas, son tremendos. Y que decir de la manera de trabajar con los reflejos, donde también nos cuentan trocitos de historia.

Y por supuesto otro de los puntos fuertes sin duda es el gran reparto de la película. Qué bien están todos. Jamie Dornan, Judi Dench, Ciarán Hinds, Lewis McAskie, Lara McDonnell o Coliin Morgan entre otros. Pero sin duda me quedo con Jude Hill, el encargado de dar vida a Buddy y con Caitriona Balfe, la madre de esta familia. Dan una fuerza tremenda a toda esta historia.

En tan solo hora y media logra sintetizar tanto y de una manera tan bonita que ‘Belfast’ se ha convertido sin duda, a 28 de enero, en una de las mejores cintas del año y es que no dudo que va ha quedarse en mi top ten del año. Ojalá diese la sorpresa en los Oscar y Kenneth Branagh se llevé algún reconocimiento, pues sin duda se lo merece.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de enero de 2022. Título original: Belfast. Duración: 98 minutos. País: Reino Unido. Dirección: Kenneth Branagh. Guión: Kenneth Branagh. Música: Von Morrison. Fotografía: Haris Zambarloukos. Reparto principal: Jude Hill, Lewis McAskie, Caitriona Balfe, Jamie Dornan, Judi Dench, Ciarán Hinds, Lara McDonnell, Gerard Horan, Turlough Convery, Sid Sagar. Producción: Focus Features. Distribución: Universal Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/belfast

Crítica: ‘La abuela’

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Sinopsis

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Susana (Almudena Amor) tiene que dejar su vida en París trabajando como modelo para regresar a Madrid. Su abuela Pilar (Vera Valdez) acaba de sufrir un derrame cerebral. Años atrás, cuando los padres de Susana murieron, su abuela la crio como si fuese su propia hija. Susana necesita encontrar a alguien que cuide de Pilar, pero lo que deberían ser solo unos días con su abuela, se acabarán convirtiendo en una terrorífica pesadilla.

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Crítica

Una obra bien argumentada pero sin sorpresas ni terror

Quizá lo que ha hecho que acabe pensando en que ‘La abuela’ no es de las mejores películas de Paco Plaza y Carlos Vermut es la ausencia de sorpresas en el filme. Muchos hemos coincidido en que la primera escena es muy reveladora y que nos habla ya del mismísimo final que como podemos vaticinar, tiene lugar. Se ha querido arrancar con una secuencia desconcertante pero a sabiendas o no se nos dan pistas demasiado evidentes.

‘La abuela’ es una película que no se disfruta si uno espera grandes giros de guión. Es una obra que se puede gozar si uno busca solo buenas maneras de rodar y si sabe distinguir la construcción de personajes, aunque en este caso habría que hablar de destrucción. Esta es una película de posesiones donde la ancianidad es el demonio del que las protagonistas quieren escapar. Un destino fatal al que estamos sometidos todos y a cuyo miedo nos vemos subyugados irremediablemente, sobre todo en cuanto nos enfrentamos constantemente a cánones de belleza impuestos por marcas y redes sociales.

Esa destrucción de personajes se ve en ambas protagonistas, interpretadas por Almudena Amor y Vera Valdez. Tanto física como psicológicamente el guión las lleva a puntos muy alejados de los que describen a una mujer de bandera, de esas que vemos íntegras e inmaculadas en los anuncios. Escribo estas líneas en octubre y tras ver ‘El buen patrón’ y esta película puedo adelantar que como mínimo Almudena Amor va a estar entre las nominadas a actriz revelación en la temporada de premios, aunque sea por ‘El buen patrón’. Paco Plaza y Apache Films son muy buenos descubriendo talento y con ‘La abuela’ lo demuestran una vez más.

El discurso se puede parecer al de ‘Relic’ y el modus operandi al de ‘Hereditary’, aunque la huella de Vermut en el guión es evidente, sobre todo en los momentos en los que la feminidad juega más protagonismo. Se percibe el terror que siente la protagonista pero no es una película que me haya infundido miedo. Lástima que la música en esta ocasión no me haya encajado tanto como en ‘Verónica’ o en ‘Quién te cantará’. Quién sabe, quizá de lo que vi en Sitges a lo que se estrene en salas haya diferencia y se adapte el filme al feedback recibido tras festivales pues ha tenido algún que otro retraso en su fecha de estreno. No es una película despreciable, ni mucho menos, solo que nos baja el listón en la filmografía de ambos cineastas, vamos por la siguiente.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de enero de 2022. Título original: La abuela. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Paco Plaza. Guion: Carlos Vermut. Música: Fatima Al Qadiri. Fotografía: Daniel Fernández Abelló. Reparto principal: Almudena Amor, Vera Valdez, Karina Kolokolchykova, Chacha Huang, Michael Collis. Producción: Apache Films. Distribución: Sony Pictures. Género: terror, drama. Web oficial: https://www.sonypictures.es/peliculas/la-abuela

Entrevistamos al equipo de ‘Mi adorado monster’

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“Estamos viviendo la muerte de muchísimas cosas. Y más dentro del cine”

Hemos podido hablar con Víctor Matellano (director) y Enrique López Lavigne (productor). Ambos implicados en el documental ‘Mi adorado monster’ una obra cuya crítica podéis leer aquí y que trata de arrojar luz sobre el fenómeno de ‘Los resucitados’, también conocida como ‘El hombre lobo contra los templarios’.

Tras esa película está el librero Arturo de Bobadilla y un periplo de veintitrés misteriosos y caóticos años. El filme tardó ese tiempo en ver la luz, desde que se rodó el año de ‘El día de la Bestia’ hasta que pudo verse en 2017 en la sala Brigadoon del Festival de Sitges.

El nuevo filme es la mar de divertido e ilustrativo, muestra un amor incondicional por el género. Lo mismo que podemos decir de las palabras de nuestros entrevistados.

Entrevista a Víctor Matellano

 

“El Fantaterror ha sido siempre hipercomercial. El que más se ha vendido fuera de nuestras fronteras, mucho más que nuestras comedias”.

“Tallafé es el que ha alimentado todos estos año la llama de ‘Los resucitados’”.

“Pienso que no hubo nunca un objetivo de hacer una película que llegara a los cines. Era un volver a encontrarme con mis mitos y mis ídolos”.

“Estamos viviendo la muerte de muchísimas cosas. Y más dentro del cine”.

Entrevista a Enrique López Lavigne

 

“Como consumidor de terror español están aquí los cimientos de lo que realmente han sido las acciones individuales que han creado historia”.

“En España somos expertos en maltratar lo que tenemos”.

“De alguna manera no somos capaces de generar nuestra mitología. Y si no la generamos nosotros la generan otros. Eso es lo que da mucha rabia”.

Del cine con pocos recursos nos gusta “la humanidad. Se acerca a nosotros”.

Crítica: ‘El método Williams’

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Sinopsis

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Richard tenía una visión muy clara del futuro de sus hijas y sirviéndose de métodos poco convencionales, elaboró un plan que llevará a Venus y Serena Williams de las calles de Compton, California al olimpo de deporte convirtiéndolas en iconos legendarios. La película muestra el poder de la familia, la perseverancia y la fe inquebrantable como medio para lograr lo imposible e impactar al mundo.

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Crítica

Set y partido para Will Smith

Will Smith me ha vuelto a demostrar que es un buen actor y que se le dan especialmente bien los biopics como ya demostró con ‘Ali’ (2001) emulando al mítico boxeador Mohamed Ali, y ahora con ‘El método Williams’ donde vuelve a hilar muy fino para recrear a Richard Williams, el responsable en buena parte del éxito de sus dos hijas, Venus y Serena Williams, dos ex número uno del tenis mundial.

Y es que uno puede pensar que la peli va de las dos hermanas, sus comienzos y cómo llegan a triunfar en el mundo del tenis. Y aunque va de eso también, el protagonista casi absoluto es el Richard Williams de Will Smith y su determinación para acometer un plan que llevaría a sus hijas fuera de las calles y a ser campeonas en un deporte que por aquel entonces en EEUU era elitista y de blancos.

Desde el comienzo podemos ver el trasfondo social y racial de la época en el barrio donde vivió la familia Williams. Un matrimonio con cinco hijas de origen humilde que lucha por seguir adelante en un barrio donde la droga y la violencia de las bandas es el día a día. Entrenando en un parque público dominio de los pandilleros, Richard se las ingenia para ser un entrenador de tenis autodidacta y trazar un plan para llevar a sus hijas a lo más alto de la élite tenística mundial.

Y ya desde esos primeros minutos de ‘El método Williams’, nos van dibujando la personalidad de este personaje (porque es todo un personaje) que lucha contra la adversidad sin perder un ápice de fe, siguiendo el plan sin perder la esperanza y con una confianza manifiesta en lo que él tiene en la cabeza y en el potencial de sus hijas. Unos principios con los que podemos estar de acuerdo o no.

Uno se podría preguntar si lo hizo para mantener alejadas a sus hijas de la calle, o si fue para conseguir riqueza a costa de ellas, o por su propio ego o quizá fuera un poco de todo. Yo creo que la historia que nos cuentan pretende explicar todo esto, dándonos pequeñas pinceladas de la personalidad y de las vivencias de Richard Williams para entender por qué decidió hacer lo que hizo. En el debe podría decir que me hubiera gustado que hubieran ahondado más a fondo en su pasado para comprender mejor su singular personalidad pero en las casi 2 horas y veinte de metraje no da tiempo entre raquetazo y volea.

Aunque el peso de ‘El método Williams’ recae en el personaje y la interpretación de Will Smith, el resto del elenco está a la altura. Me llamó la atención el papel de Jon Bernthal (el entrenador Rick Macci), no solo porque me gustase, sino porque es un rol bastante diferente a lo que nos tiene acostumbrados a ver y me sorprendió gratamente. Algunas escenas con Aunjanue Ellis (por momentos sufrida esposa de Richard) y Will Smith discutiendo el plan y por supuesto las jóvenes actrices que interpretan a las hermanas hacen un buen papel.

Error de casting para elegir a la actriz que hace de Arantxa Sánchez Vicario. Ni se le parece físicamente y en versión original tienes que oírla hablar (y apenas lo hace) con acento mexicano, que a mí personalmente me toca las narices. Por lo demás, dirección correcta, un diseño de producción apropiado y un guión al que le falta algo más para ser brillante con ciertos toques de humor para aderezar el conjunto.

En resumen, ‘El método Williams’ es una historia de superación, perseverancia y unos principios llevados al extremo por un padre que hizo lo que le pareció mejor para sus hijas y su familia, teniendo fe absoluta en lo que estaba haciendo y superando cada obstáculo que se cruzó en su camino. Hizo posible lo improbable.

El dato: Serena ganó un total de 39 títulos de Grand Slam: 23 de ellos individuales (récord en la era abierta, tanto entre mujeres como entre hombres), 14 en dobles femeninos (todos junto a su hermana Venus). Venus ganó 7. Entre las dos hermanas a nivel individual 30. Todo un hito.

Lo bueno: La interpretación de Will Smith, carne de premios. El “momento cenicienta” y los diálogos en las negociaciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de enero de 2022. Título original: King Richard. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Reinaldo Marcus Green. Guion: Zach Baylin. Música: Kris Bowers. Fotografía: Robert Elswit. Reparto principal: Will Smith, Demi Singleton, Saniyya Sidney, Aunjanue Ellis, Jon Bernthal, Tony Goldwyn, Andy Bean, Kevin Dunn. Producción: Overbrook Entertainment, Star Thrower Entertainment, Warner Bros., Westbrook Studios. Distribución: Warner Bros. Género: biográfica, drama. Web oficial: https://www.kingrichardfilm.net/

Encuentro con Raphael tras ver ‘Raphaelismo’

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«Hay que tener capacidad para asimilar cosas y no convertirse en un gilipollas»

Movistar+ nos ha invitado a una rueda de prensa en la que ha estado el cantante Raphael. ¿El motivo? La serie documental que estrena el próximo 13 de enero y relacionada con él se ha inaugurado una exposición en la flagship de Gran Vía muy jugosa para los “phans”. Un documental en el que el artista ha estado plenamente implicado junto a su familia, RLM Management y Universal Music Spain (GTS Entertainment). Este proyecto ha sido creado y dirigido por Charlie Arnaiz y Alberto Ortega de Dadá Films & Entertainment, nominados al Goya por ‘Anatomía de un Dandy’, un documental que es una credencial más que suficiente como para darle un voto de confianza a esta nueva propuesta.

los directores nos contaron cómo arrancó esto: «Empezó de un modo mágico. Literalmente el día que fuimos a hablar con el le vimos bajar del cielo. Bajaba en su ascensor de cristal». Entre risas Raphael puso la guinda a la anécdota: «Doctor Jekyll y Mr. Hyde es lo mejor que he hecho. Pero era agotador, a veces dos funciones al día. Por eso… en casa ascensor».

‘Raphaelismo’ es una docuserie de 4 episodios de 50 minutos que vienen a describir una figura que dentro de España es casi una religión. Jorge Ortiz de Landázuri (Gerente de Contenidos de #0 y de Producción Propia de Movistar+) dijo en la rueda de prensa: «a Raphael no le gusta demasiado echar la vista atrás, verse en esas imágenes en blanco y negro. Nos ha ayudado mucho la familia». «No me gusta mirar hacia atrás, estoy siempre pensando en el mañana. Siempre saco defectos, es una falta que tengo, pero creo que me hace mejorar. Que la gente no piense que lo tengo todo aprendido en el escenario. Sé algo. Tengo mucho que aprender» apuntó Raphael que hizo alarde de cercanía durante todo el acto.

Los 60 años que lleva el cantante sobre los escenarios, siempre presente en nuestras televisiones, nuestra cultura o en las listas de referentes de cantantes actuales. El título de la serie lleva el sufijo «-ismo» pero podría haber estado acompañado de «istmo» pues el linarense ha unido a muchas generaciones con sus cuerdas vocales. Y se lo podría tener creído e ir por la vida de divo, pero a eso Raphael dice: «Hay que tener capacidad para asimilar cosas y no convertirse en un gilipollas».

Como es obvio el opening lleva su voz, está acompañado de una de sus canciones más famosas. Es una potente pieza realizada por Monógrafo que recorre, con una mezcla de imágenes de archivo estupenda, la vida del artista. Si hubiese un premio al mejor opennig ya tendría un claro candidato. No es para menos pues este documental viene a celebrar los 60 años de Raphael en los escenarios. Es por eso que una de las primeras cosas que descubrimos es el cómo antes tuvo que trabajar lo suyo. Estuvo en una sastrería, vendiendo melones, cantando en misa… hasta realizó una gira que acabó bautizada como “la gira del hambre”. ‘Raphaelismo’ ilustra de una manera muy terrenal a tan gigantesco cantante que a un servidor, que días después iba a coincidir en la misma sala con él, le intimidaba. ¿Cómo estar a la altura de tal monstruo de la canción? ‘Raphaelismo’ está al nivel necesario y se encarga muy bien de mostrar a la persona que está tras el personaje, humanizando al astro.

¿De dónde viene el «ph» en el nombre? ¿Soy el único que tiene la sensación de que está perenne en nuestras navidades? ¿Por qué siempre procura actuar vestido de negro? ¿Por qué se lo tiene tan merecidamente creído? Encontraréis respuestas a todas esas preguntas en esta docuserie. «La gente ha oído hablar de que he ido a Rusia y demás, ahora lo pueden ver» señaló entusiasmado El niño de Linares.

Para tocar diferentes aspectos y épocas de Raphael hablan frente a la cámara Natalia Figueroa, Iñaki Gabilondo, Víctor Manuel, Jose Ramón Pardo, Bunbury, Álex de la Iglesia, Miguel Ríos, Manuel Martos (y demás hijos del artista), Perales, Bisbal, Calamaro, Ismael Ferreiro, Soledad Jara (viuda de Paco Gordillo, manager de Raphael)… y otros muchos que se recuperan desde los archivos del pasado. ‘Raphaelismo’ cuenta con el beneplácito del cantante y él es uno más de los entrevistados. Si hay algo que se percibe en todos los testimonios es que es gente que ha vivido una época muy feliz o próspera gracias a su voz y carisma.

Más que un repaso, el documental es un sentimiento. Podría ser la nostalgia pero el que prevalece es el sentimiento de transgresión. ‘Raphaelismo’ demuestra que Raphael fue pionero y símbolo de cambio en un país que aún estaba a más de una década de celebrar su transición. Es el retrato de un mito viviente que es consciente de su origen humilde pero que carece de humildad, que tiene asumido con honestidad su carácter de artista, showman y estrella mundial.

El documental está muy bien estructurado. En formato casi estrictamente cronológico logra subrayar correctamente los dilemas del cantante. Consigue explorar muchas de sus facetas personales, de su carrera y del contexto histórico que le rodeó en todo momento. Todo esto rozando algunas polémicas, como su supuesta alineación con el franquismo, pero sin entrar en cotilleos. No se mencionan ridículos cono aquel anuncio de Navidad con Montserrat Caballé o se alude al temerario concierto en pandemia como algo «necesario» o «apoteósico», sin duda es un documento adulador. No obstante ‘Raphaelismo’ no se queda solo en la figura mitificada del cantante y muestra sus vulnerabilidades. Sobre todo me gusta que se destaque algo que muchos artistas no se esfuerzan en sacar a la luz, como la figura de aquellos que componen sus canciones, como Manuel Alejandro o Perales.

Sobre cuándo va a terminar su vida artística el cantante declaró: “Jamás habrá una gira de despedida. Seria una gira muy amarga, llorando continuamente. Sufrir y gratis, pues como que no. Cuanto llegue el momento lo sabré y me iré todo lo dignamente que pueda. Pero eso está muy lejos amigo mío”. Sobre cuál es su meta… «Ojalá la gente me recuerde, como soy, como alguien cercano a mi publico y a mi gente». Charlie Arnaiz quiso reconocer al respecto que «la carta de naturalidad que le da Raphael a cosas extraordinarias que ha hecho, como aparecer en el show de Ed Sullivan, me fascina».

Relación y descripción de episodios

EPISODIO 1 – DE LA NIÑEZ A LOS ASUNTOS

Año 1965. Raphael debuta en el Teatro de la Zarzuela y lo hace a su manera, generando un tsunami en la historia de la música en España. Acaba de nacer el artista con “ph”, el que dignifica definitivamente la profesión.

En este episodio, Raphael rememora, además, sus orígenes humildes, sus inicios como cantante, el triunfo en el festival de Benidorm, la tournée del hambre y su primera aparición en televisión con “El Tamborilero” para cerrar a punto de emprender su primera aventura internacional.

EPISODIO 2 – ¡VIVA RAPHAEL!

Raphael aparece en el Festival de Eurovisión y provoca un efecto boomerang en toda Europa. Seremos testigos de la escalada del éxito en el Olympia de París, su triunfo en Latinoamérica, Londres, Nueva York, el show de Ed Sullivan… Y cuando parece que Raphael no tiene límite, se encuentra con su primera crisis en Las Vegas. En este episodio conoce a Natalia Figueroa, su gran amor, y persona definitiva en su carrera. Sin embargo, los años 80 y el cambio social, político y musical que se avecina vuelven a hacer que Raphael tenga que luchar, de nuevo, contra la adversidad.

EPISODIO 3 – QUÉ SABE NADIE

Los años 80 han provocado que muchos artistas que han triunfado durante las décadas anteriores se centren en nuevos mercados. Cuando algunos piensan que Raphael está acabado, lanza una serie de nuevos éxitos que lo llevan de nuevo a lo más alto. En este tercer episodio, Raphael muestra además su faceta más íntima y personal de la mano de su familia. Rememora sus problemas de salud, la enfermedad y su paso por el teatro musical, con la obra “Jekyll & Hyde”.

EPISODIO 4 – INFINITOS BAILES

Tras su trasplante de hígado y su vuelta a los escenarios, Raphael se sigue adaptando a los nuevos tiempos. Regresa al cine de la mano de Álex de la Iglesia, participa en festivales indies como Sonorama y se abre a colaborar con jóvenes talentos del mundo de la música. En este último episodio, se analiza el fenómeno “phan” y su secreto para llevar sesenta años sobre los escenarios.

Crítica de ‘El Pacificador’

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Tan fresca como estúpida

Cuando una serie empieza su primerísimo episodio piloto con un clásico “anteriormente en…” y sus escenas proceden de una disparatada película (‘El Escuadrón Suicida’) ya nos podemos imaginar el tono burlesco que va a tener. Pero es que además ‘El Pacificador’ arranca con un opening en el que los protagonistas bailan en plan musical sobre un escenario a ritmo del glam metal de Wig Wam. La parodia, la mofa y el heavy metal están omnipresentes en esta serie de HBO Max que se estrena el 13 de enero. Un lanzamiento que arrancará permitiendo ver tres episodios de los ocho que tiene la serie. Esta reseña la escribo tras haber visto siete de ellos, todos con escena post-créditos.

Segunda serie de James Gunn. El director de ‘Guardianes de la galaxia’ vuelve a la misma sintonía de su serie de 2008 titulada ‘PG Porn’ aunque rebajando un poco el tono grosero para acercarlo a la gran audiencia. Se nota que la calidad viene garantizada por el presupuesto de HBO Max y DC Comics pero eso no resta que la serie esté repleta de sangre, palabrotas y desnudos. A James Gunn le funcionó aplicar su pasado en la Troma para resucitar al escuadrón más desastroso de DC Comics y ahora con este spin-off secuela volverá a conquistar a gran parte de la audiencia. Aunque no puedo evitar seguir sintiendo a ‘Doom Patrol’ como la mejor serie de DC que HBO Max tiene en su catálogo.

El Pacificador de John Cena ha perdido la epicidad y luce muy poco la puntería demostrada en ‘El Escuadrón Suicida’, pero conserva su estupidez. Con la serie vemos que es más patriota que pacificador. Es tan “americano” que vive en uno de esos pintorescos parques de caravanas en una casucha pintada con la bandera norteamericana. La serie llega para plantar unos cuantos huevos de pascua con respecto a los cómics (como los múltiples cascos) pero no plantea nada serio salvo algunos datos del pasado del protagonista. Básicamente solo es una historia de acción y comedia. A Cena se le da bien hacer el tonto, pero no actuar. Viene del espectáculo que viene, pero aún le falta mucha escuela interpretativa. Se lo notamos sobre todo cuando tiene que hilar muchas frases o en los momentos dramáticos… A si es que lo mejor de la serie es la acción y los momentos incómodos. La frase “Si vis pacem, para bellum” (“Si quieres paz, prepárate para la guerra”, ya usada en ‘The Punisher’), es la máxima de Pacificador, solo que él no va directo a la confrontación, se tropieza de una manera obtusa con ella.

Junto a Cena está el reparto de agentes que a las órdenes de Amanda Waller (Viola Davis) monitorizaban las misiones del Escuadrón Suicida. Tienen el encargo de acabar con una amenaza mundial ideada para la serie, “Las mariposas”, una especie de invasión de los ultracuerpos un tanto diferente a la que ‘El Escuadrón Suicida’ planteó con Starro. Y para ampliar la trama se incorpora otro villano que si proviene de las viñetas, Judomaster (Nhut Le), una especie de guardaespaldas canijo que no hace más que comer snacks. Además hay otras sorpresas o enemigos que prefiero no desvelar.

Pero las novedades no vienen solo de parte de los villanos. Descubrimos que quien provee de trajes y armas al Pacificador es su padre, interpretado por Robert Patrick (el T-1000 de ‘Terminator 2’). Parece que va a ser su propio Alfred pero pronto descubrimos que esconde una personalidad y sorpresas diferentes. Al igual que la especie de Robin que se le une, encarnado por Freddie Stroma. Me refiero a Adrian Chase cuyo alter ego es El Vigilante, un personaje ya aparecido en la serie ‘Arrow’ interpretado por Josh Segarra.

Pero si hay una incorporación divertida es la del águila. Eagly es la mascota y compañera del Pacificador y resulta la mar de simpática. Está estupendamente recreada por ordenador y aunque se nota a veces que falla el punto al que miran los personajes y donde está realmente colocado el ave, es tan realista que lo pasamos por alto.  La personalidad de este personaje es tan tierna como traicionera, no descartemos que tenga un papel importante en el último episodio.

Sinceramente, me trae sin cuidado todo el trasfondo dramático de los personajes secundarios. Creo que duermen la trama. Sobre todo se adormece cuando los agentes, que más bien son oficinistas que tienen que trabajar obligados por Amanda Waller (si habéis visto ‘El Escuadrón Suicida’ sabréis por qué), nos plantean sus inquietudes o miedos. ‘El Pacificador’ funciona cuando el antihéroe se muestra fascista, racista, sexista… sin ser consciente de lo que es realmente. Cuando se ve que es un tipo que intenta ser superhéroe pero que a veces es villano. En la serie no lo es tantas veces como debería y se separa en ese sentido de ‘El Escuadrón Suicida’, quitándole parte de la gracia.

Crítica: ‘The tender bar’

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Sinopsis

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Un pub del barrio de Manhasset, Long Island, se convierte en un segundo hogar para un niño huérfano de padre en ‘The Tender Bar’, una conmovedora e inspiradora historia de superación dirigida por George Clooney. La vida de J.R. (Tye Sheridan y Daniel Ranieri), cuyo padre desapareció antes de que tuviera edad para hablar, da un vuelco cuando se muda a la ruinosa casa de su abuelo tiempo después de que él y su madre (Lily Rabe) atravesaran momentos difíciles. Bajo la tutela poco convencional de su tío Charlie (Ben Affleck), un carismático camarero autodidacta, y de un puñado de clientes habituales del bar, J.R. se convierte en un joven decidido a cumplir su sueño de convertirse en escritor.

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Crítica

Un bar muy leído, pero sin un libreto que suscite interés

El primer dato que nos invita a ver ‘The tender bar’ es el que vuelve a colocar a George Clooney de nuevo tras las cámaras de una película después del fracaso, a mi gusto, de ‘Cielo de medianoche’. De nuevo dirige una obra que adapta una novela, en esta ocasión de J.R. Moehringer, y de nuevo lo hace para una plataforma de streaming, Amazon Prime Video. Me cuesta decirlo porque Clooney es un actor que me trae mucha simpatía y como director me gustó con su ‘Buenas noches, y buena suerte’ y ‘Monuments men’, pero desde ‘Suburbicon’ todo ha sido mucho ruido y pocas nueces.

Con ‘Cielo de medianoche’ pecó de darle en exceso a las divagaciones y de restar importancia a la trama que él mismo protagonizaba. Ahora, sin tener un papel en la película, descarga el peso en Ben Affleck y Tye Sheridan, dos actores que pese a pertenecer a diferentes generaciones tienen modos similares de actuar y funcionan bien sobre el set. Y con respecto a sus interpretaciones o como suele decirse “química” no tengo nada que objetar. Es el guión lo que no me ha suscitado ningún interés.

La historiad e ‘The tender bar’ nos lleva a Long Island, en los años setenta y ochenta. Allí un joven que sueña con ser escritor es criado casi en exclusiva por su tío, quien regenta un bar repleto de libros llamado “Dickens” y que le sirve de tutor o instigador para cumplir su sueño. Esta es una historia paterno filial, con lazos de sangre, de crecimiento y superación. El bar es un foro, un punto de control en la vida del protagonista, un lugar donde prácticamente se cría y donde expone o recibe lecciones de vida. Ese aspecto es lo único valioso del filme. El hecho de ser capaz de remontarnos a lugares que todos reconocemos como seguros, como fijos en nuestras vidas, como un anclaje al que recurrir en tiempos de duda o necesidad.

Este “bar tierno” nos transmite envidia por la cercanía y dinámica educativa del tío interpretado por Affleck. Pero nos aburre. La octava película de Clooney es también la que menos giros de guión posee. No se percibe un conflicto en el protagonista, no uno que haga de la película algo destacable. Y por supuesto no hay un clímax ni emocionante ni sorprendente pues al estar la narración dirigida por la voz en off del joven interpretado por Sheridan ya sabemos cómo va a terminar todo.

El único personaje que evoluciona o que demuestra motivaciones es el protagonista y eso hace que más que anecdótica la película peque de incompleta. Ni con las constantes flatulencias de Christopher Lloyd consigue ‘The tender bar’ sonsacarnos una sonrisa. Su diseño de producción está correcto, su casting es adecuado, sus valores familiares reseñables, pero quizá esta no es la mejor obra para adaptar al cine, tal vez es más evocadora o emotiva en papel.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de enero de 2022. Título original: The tender bar. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: George Clooney. Guion: William Monahan. Música: Dara Taylor. Fotografía: Martin Ruhe. Reparto principal: Ben Affleck, Tye Sheridan, Lily Rabe, Max Martini, Max Casella, Rhenzy Feliz, Matthew Delamater, Sondra James, Briana Middleton, Ivan Leung, Alissa Bourne, Daniel Ranieri, Christopher Lloyd. Producción: Smoke House Pictures, Big Indie Pictures. Distribución: Amazon Prime Video. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://www.bigindiepictures.com/#projects

Crítica: ‘Matrix Resurrections’

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En qué plataforma ver ‘Matrix Resurrections’

Sinopsis

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Neo parece no haber vivido todo lo visto en las anteriores entregas de The Matrix. Vive atiborrado a pastillas azules, pero todo cambia de nuevo cuando Morfeo aparece de nuevo en su vida con la pastilla roja.

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Crítica

Parche sobre parche, actualización sobre actualización

Pues sí, es raro que estés leyendo estas líneas y no sepas que ya hay una cuarta entrega de Matrix, debes ser de esos que han conseguido estar libres y desconectados de la red. Solo una de las dos hermanas Wachowski ha estado en esta nueva entrega y precisamente esa es la sensación que nos queda, que falta parte del talento y la originalidad que nos sorprendió en 1999. Y el problema es que este nuevo episodio tampoco tiene la brillantez de las escenas de acción que tuvieron las escuelas. En ‘Matrix Resurrections’ no tenemos ni vistosidad, ni coreografías, ni el sentido trepidante que vivimos gracias en su parte también a una banda sonora que no han sabido ni recuperar ni imitar.

Con el fin de justificar el regreso de los protagonistas se va poniendo parche sobre parche, idea sobre idea. El símil informático nos viene muy bien traído pues la única justificación que le encuentro a esta película es la de cerrar con una tirita una saga que se perdió entre el ruido de sus escenas de acción y los desvaríos que acabaron por no llevar a nada. Se van sacando soluciones de la manga, prácticamente deus ex machina y son tan conscientes de ello que hasta utilizan esa palabra de la película. ‘Matrix Resurrections’ comete el mismo error y nos deja con un final abierto y una escena post-créditos que se burla de sí misma o incluso de los espectadores.

Tirando de lenguaje meta y autorreferencias el filme es consciente de que ya no puede retorcer más su propia trama y de manera abierta reconoce que ya es un mero entretenimiento prácticamente desprovisto de alma, que no puede ser un remake más, pero que está hecha para el regocijo o bolsillo de Warner, literal. Admito estar muy de acuerdo cuando la película sabe exponer que, aunque han pasado los años seguimos siendo una sociedad que prefiere vivir adormilada bajo el control de otros, ya sean las máquinas que llevamos en los bolsillos o ya sean dos o tres mandamases, además de mostrar que nuestras decisiones están totalmente guiadas por un sistema binario, bipartidista o como lo queramos llamar según el ámbito de que hablemos. Otro mensaje en el que hace inciso y con el que coincido es el de las rutinas. Recordemos que el arquitecto le dijo a Neo que no era el primero elegido ni su Sion la primera que destruía. Y parece que el filme también está decidido a reírse de su repetitividad pues al margen de recordarnos que todos estamos anclados a unos hábitos, ‘Matrix Resurrections’ funciona como una especie de repetición condensada de la trilogía entera volviendo al punto del elegido, el debate del destino, la rebelión autoconsciente y violenta de los programas…

En lo que también volvemos al código fuente de Matrix es el sentido de que ésta vuelve a ser una película de amor. Como dicen varios personajes de la película “lo que cautivó de ‘Matrix’ es que nos dejaba rallados y que además se inventó un nuevo tiempo bala”, era “filosofía recubierta de cuero”. Este largometraje reconoce que necesita reinventarse, se camufla de complejo, pero es muy explicativo y sencillo en resumidas cuentas. Es incapaz de re-orientarse con la originalidad necesaria y tiene varias soluciones bastante pobres tanto en calidad como imaginativamente. Ya os acordaréis de esto cuando veáis la escena más tensa de Neil Patrick Harris o los ojos de los enemigos de Neo.

Quizá todo este texto está sonando demasiado negativo pues la película realmente no es la decepción que yo pensaba que iba a ser. Pero claro, venimos de levantar una expectativa en torno a una película que a todos los que la vimos en su momento de una manera fresca nos voló la cabeza y cabía esperar que habiendo pasado unos años la historia se cerrase ya de una manera definitiva con un guión mucho más concienzudo. Incluso ‘Animatrix’ fue más innovadora aún habiendo salido en el mismo año que la segunda y tercera entrega. Cuando mejor funciona ‘Matrix Resurrections’ es cuando Neo (Keanu Reeves) y Trinity (Carrie-Anne Moss) muestran su complicidad y cuando consigue conectar con el público gracias a destellos y guiños de las mejores escenas de la franquicia.

Está claro que esta película también es catártica para su directora que ha contado con un reparto lleno de amigos hechos en anteriores producciones. Pero no le funciona la buena sintonía que tiene con ellos ni a nivel de guion y a nivel estético pues por momentos parece que estamos apretujados entre modernos y hipsters en el mercadillo de Camden Town. Duele también lo mal que se ha gestionado la figura del agente Smith.

Las actualizaciones que le ha puesto la película sí que están más acertadas. Parafraseando una vez más una de sus escenas… “han usado código antiguo para algo nuevo”. Ya no estamos hablando solo de argumentos de empoderamiento femenino o de un discurso más abierto a la diversidad. Hablamos también de la incorporación de nuevos diseños de máquinas y de personajes que abogan por un discurso pacifista y de concordia entre las clases más radicalmente diferentes. La película tiene toda la razón cuando grita por el fin de las guerras y cuando pone en relevancia que cuando la humanidad más esfuerzo y energía emplea es cuando se mueve motivada por el deseo o el miedo.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de diciembre de 2021. Título original: The Matrix Resurrections. Duración: 148 min. País: EE.UU. Dirección: Lana Wachowski. Guion: Lana Wachowski, Aleksandar Hemon, David Mitchell. Música: Johnny Klimek, Tom Tykwer. Fotografía: John Toll, Daniele Massaccesi. Reparto principal: Keanu Reeves, Carrie-Anne Moss, Yahya Abdul-Mateen II, Jessica Henwick, Jonathan Groff, Neil Patrick Harris, Priyanka Chopra Jonas, Christina Ricci, Telma Hopkins, Eréndira Ibarra, Toby Onwumere, Max Riemelt, Brian J. Smith, Jada Pinkett Smith. Producción: Village Roadshow Pictures, NPV Entertainment, Silver Pictures, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.matrixresurrections.entradaswb.com/