Crítica: ‘Anzu, gato fantasma’

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Sinopsis

¿Volveremos a vernos en algún lugar?”

“Quiero ver a mi madre”. A partir de este deseo, un gato fantasma y una niña que ha perdido a su madre se embarcan en un viaje que les lleva al mismo Infierno.

En medio de un fuerte aguacero, un monje encuentra a un gatito al que bautiza como Anzu y cría con esmero. Sin embargo, 30 años después, el gatito no solo no ha muerto, sino que se ha convertido en un “gato fantasma” que habla y vive como un ser humano. A sus 37 años, viaja en ciclomotor y trabaja a tiempo parcial como masajista. Un día, el anciano monje le pide a Anzu que cuide de Karin, su nieta de 11 años que ha sido abandonada por su padre, y este acepta a regañadientes. Al principio, sus personalidades enérgicas chocan y saltan chispas, pero poco a poco empiezan a entenderse. Entonces, Karin le pide un favor a Anzu, quiere volver a ver a su madre fallecida. Ese es el punto de partida para un dramático viaje que les llevará hasta el mismísimo Infierno.

Crítica

Comunión con la naturaleza y retos de la infancia en un filme con identidad propia y mucha simpatía

‘Anzu, gato fantasma’, dirigida por la directora novel Yôko Kuno (animadora habitual de Shin-chan) y Nobuhiro Yamashita, es una obra visualmente encantadora que ofrece una mezcla equilibrada de humor y ternura, con una historia que invita a la reflexión sobre la naturaleza y la vida. La película parte de una obra del mangaka Takashi Imashiro, tiene un marcado carácter rural y puede recordar en algunos aspectos a títulos como ‘El verano de Kikujiro’.

Viendo este anime Ghibli se pasa a menudo por nuestra cabeza. Al igual que en las obras de Miyazaki, ‘Anzu, gato fantasma’ presenta una conexión profunda con los personajes desvalidos, la espiritualidad y la infancia. El personaje de Anzu, un gato fantasma, recuerda a los espíritus protectores que aparecen en títulos como ‘Mi vecino Totoro’, ya que no sólo encarna lo sobrenatural, sino también una fuerza benévola y despreocupada que guía a los personajes. Pero este filme se alía más con el público actual evitando la mojigatería o ponerse intensito. Y es que Anzu cocina, conduce en moto sin carnet, se tira pedos comiendo y mea por los rincones del templo en que vive. Y todo esto sin parar de reírse “¡miaujajaja!”. Además Kuno y Yamashita optan por un tono más contemporáneo. La sutileza y simpatía con la que abordan los temas emocionales es su fortaleza, haciendo de ‘Anzu, gato fantasma’ una experiencia que consigue ser más íntima de lo que parece. Es imposible no hacerse amigo de este gato antropomórfico que rompe con lo tradicional.

‘Anzu, gato fantasma’ destaca no solo por cómo nos conmueve y divierte a partes iguales, también por su inaudito estilo de animación para tratarse de un filme nipón. Fusiona técnicas tradicionales con enfoques contemporáneos. Aunque como he dicho, el Japón rural y espiritual animado nos puede recordar siempre a Ghibli, la obra mantiene una identidad propia. La película fue filmada inicialmente en acción real, sobre la cual se aplicó la técnica de rotoscopia, pintando directamente sobre las imágenes filmadas. Esta metodología aporta una autenticidad y calidez únicas a la narrativa, enriqueciendo la experiencia visual. La colaboración entre los estudios Shin-Ei Animation y Miyu Productions resultó en una obra que combina lo mejor de ambas tradiciones animadas. El uso de la rotoscopia no solo añade una dimensión artística distintiva, sino que también refuerza la conexión emocional con los personajes y su entorno, ofreciendo al espectador una experiencia inmersiva y memorable.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Bakeneko Anzu-chan. Duración: 97 min. País: Japón. Dirección: Nobuhiro Yamashita, Yôko Kuno. Guion: Shinji Imaoka. Música: Keiichi Suzuki. Fotografía: Masato Makino. Reparto principal (doblaje original): Mirai Moriyama, Noa Gotô, Munetaka Aoki, Miwako Ichikawa, Keiichi Suzuki. Producción: Miyu Productions, Shin Ei Animation. Distribución: SelectaVisión. Género: aventura, fantástico. Web oficial: https://ghostcat-anzu.jp/

Crítica: ‘Estocolmo 1520. El rey tirano’

En qué plataforma ver Estocolmo 1520. El rey tirano

Sinopsis

En 1520, el infame rey danés Cristián II (Claes Bang), sediento de poder, está decidido a arrebatar la corona sueca a Sten Sture (Adam Pålsson), cueste lo que cueste. Entre tanto, las hermanas Freja (Alba August) y Anne (Sophie Cookson) prometen solemnemente vengarse de los hombres que asesinaron brutalmente a su familia. Todo llega a su punto álgido en el corazón de Estocolmo, donde las hermanas se ven arrastradas a una despiadada lucha política entre Suecia y Dinamarca que culmina en una ejecución masiva, presidida por el rey loco «Cristián el Tirano», conocida como el Baño de Sangre de Estocolmo.

Crítica

¿Quién dijo que las películas nórdicas eran lentas y aburridas?

La película ‘Estocolmo 1520. El rey tirano’ nos traslada a uno de los capítulos más sangrientos de la historia sueca, pero lo hace con una visión fresca, osada y en ocasiones disparatada. Dirigida por Mikael Håfström a través de muchos estilismos, esta producción internacional sorprende al transformar un evento histórico como la Masacre de Estocolmo en un relato que combina drama, acción violenta y un humor negro que rompe con las convenciones del género.

¿De qué trata ‘Estocolmo 1520’? Ambientada en plena lucha por el trono de Suecia, ‘Estocolmo 1520’ sigue la historia de Anne y Freja, dos mujeres nobles marcadas por la brutalidad de un régimen impuesto. Tras presenciar la masacre de su familia ordenada por el rey Christian II, apodado “el rey tirano”, y ejecutada por unos pintorescos mercenarios, ambas emprenden un camino de venganza lista en mano a lo ‘Kill Bill’. Todo esto sucede en el marco de un país fracturado entre la nobleza local y el nuevo dominio danés. Lo que empieza como una historia de opresión, pronto se convierte en un thriller político con tintes épicos y sangrientos. Para desgracia de las dos protagonistas hay otra lista, la que dio con la ejecución pública de más de cien personas y llevó a este acontecimiento a los libros de historia.

Este es un un drama histórico con estilo moderno. Una de las mayores decisiones de ‘Estocolmo 1520’ es diferenciarse a través del humor y la acción procurando mantener cierto equilibrio entre el rigor histórico y una narrativa estilizada o contemporánea. La película no teme incorporar elementos visuales modernos, una banda sonora efectiva y diálogos que, sin perder seriedad, incluyen momentos de disparate y sátira. Este enfoque hace que la historia resulte accesible y atractiva incluso para quienes no conocen el contexto del siglo XVI en Escandinavia o para los que toleran poco las películas largas. Sobretodo este filme logrará romper estereotipos de esos que hacen pensar que el cine de Europa del norte siempre es lento y aburrido (aunque ahí hay ejemplos como ‘Sisu’). Y aunque Håfström se toma su tiempo (la película supera las dos horas de duración), lo hace para construir una atmósfera donde cada traición y cada decisión cuentan y suman al kill count.

Sophie Cookson y Alba August brillan como protagonistas, aportando fuerza y emoción a sus personajes, además de servir bien a la acción. Pero también acapara mucha atención Claes Bang como Christian II, un villano de lengua bífida que encarna el poder sin escrúpulos, con un carisma tontorrón e inquietante. Tras la peculiar interpretación de Drácula y su versión de Guillermo Tell queda claro que al actor danés no se le caen los anillos a la hora de retratar a personajes populares al borde de la parodia.

La ambición de esta película no está solo en la mezcla de géneros, también en lo visual. ‘Estocolmo 1520’ destaca por su cuidada ambientación, su fotografía sombría y sus escenas de acción dotadas de cierta coreografía. Consigue tomas de belleza medieval y de gran espectacularidad bélica. Para ser una película que trata una sangrienta efeméride y cuyo título original es Stockholm Bloodbath (el baño de sangre de Estocolmo) consigue obtener preciosos fotogramas, sobre todo en tomas aéreas.

Una película distinta que merece la oportunidad de ser vista. Si buscas una película histórica tradicional, ‘Estocolmo 1520’ probablemente te descoloque. Pero si estás dispuesto a ver una reinterpretación atrevida, que combina cierto rigor, violencia y hasta momentos de humor inesperado que en ocasiones no funciona (principalmente por la interpretación de Mikkel Boe Følsgaard), esta película te sorprenderá gratamente. Es una propuesta valiente que re-imagina la manera de narrar la historia siguiendo la estela de ‘La favorita’ o ‘The great’ pero con ciertos toques de ‘Juego de Tronos’, es decir, irreverencia y violencia a partes iguales.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Stockholm Bloodbath. Duración: 145 min. País: Suecia, Dinamarca. Dirección: Mikael Håfström. Guion: Erlend Loe, Nora Landsrød. Música: Steffen Thum. Fotografía: Pär M. Ekberg. Reparto principal: Sophie Coockson, Claes Bang, Alba August, Emily Beecham, Wilf Scolding. Producción: Nordisk Film, Viaplay Studios. Distribución: Divisa Films, Filmax. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/estocolmo-1520-el-rey-tirano/312

Crítica: ‘Hellboy: El hombre retorcido’

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Sinopsis

Hellboy (Jack Kesy) y una agente novata del AIDP (Agencia para la investigación y defensa paranormal) se quedan varados en los Apalaches rurales de los años 50 y descubren una pequeña comunidad embrujada, liderada por el Hombre Retorcido.

Crítica

La versión de Hellboy más folk horror y fanmade hasta la fecha

La presencia del autor original en una adaptación cinematográfica puede parecer, a priori, una garantía de fidelidad o incluso, de calidad. Pero la historia del cine basado en cómics está llena de ejemplos que desmontan esa suposición. Frank Miller estuvo detrás de las exitosas ‘300’ y ‘Sin City’, mientras que Todd McFarlane presenció el descalabro de su ‘Spawn’ en 1997, con un nuevo intento aún más fallido junto a Jamie Foxx que nunca vio la luz. Mark Millar (‘Kick-Ass’), Bryan Lee O’Malley (‘Scott Pilgrim’) o John Ostrander (‘El Escuadrón Suicida’) también han estado involucrados en mayor o menor medida en las versiones fílmicas de sus creaciones, con resultados dispares. Marvel es otro universo, con sus propios códigos, cameos y fórmulas.

Todo esto sirve como contexto para entender ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’, una película donde Mike Mignola, por primera vez, ha tenido un peso real en la adaptación. Y eso se nota, al menos en un aspecto: esta es, sin duda, la película más cercana al espíritu del cómic original en cuanto a tono. Aquí se respira folk horror por los cuatro costados, un ambiente rural, oscuro, y cargado de misticismo que por fin hace justicia a un fragmento tan particular del universo Hellboy.

Si con Guillermo del Toro se exploraba la vertiente más romántica y melancólica del personaje, ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ decide sumergirse en la mitología pura de Mignola. Con el director Brian Taylor por fin se respeta el horror de raíz, el folklore profundo, el cuento de advertencia en clave sobrenatural. Y eso, sin duda, es lo mejor que ofrece esta adaptación. Pero lamentablemente, la fidelidad al tono no basta y esta vez ni una versión salvaje y sin censura, como fue el caso de Neil Marshall, salvaría los muebles. El resto de la película es un despropósito técnico. El CGI es pobre, más digno de una producción de The Asylum que de un estreno con aspiraciones serias. Las escenas de acción parecen sacadas de un proyecto universitario sin presupuesto o de un fanmade y la dirección no logra aprovechar los pocos momentos de tensión que propone el guion. Todo parece deslavazado, maquillado en exceso para camuflar carencias, lo cual perjudica a la atmósfera.

El casting tampoco ayuda. El nuevo Hellboy (Jack Kesy) carece de fuerza, de carisma, y sobre todo de presencia. No transmite la mezcla de cansancio existencial, ironía seca y brutalidad contenida que definía al personaje. Lo que queda es una figura desinflada, incapaz de sostener la película sobre sus hombros. Que sus lances suenen al son de soul y a música lounge no siempre le sienta bien pues redunda en el tópico de las campiñas de la Virginia de los sesenta.

‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ es una paradoja: cuando por fin se consigue capturar la esencia más oscura y particular del universo de Mignola, todo lo demás —producción, actuación, dirección— se desmorona. Es fiel, sí. Pero también es floja, torpe y olvidable. Una oportunidad perdida… Quizá la tercera entrega del Del Toro habría llegado a este nivel de oscuridad y suciedad, quizá al Hellboy David Harbour le faltaba este nivel de aventura local y episódica… Quizá debamos montarnos en nuestras mentes la mezcla perfecta para tener la película que este pilar del cómic contemporáneo se merece.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de febrero de 2026. Título original: Hellboy: The Crooked Man. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Brian Taylor. Guion: Mike Mignola, Christopher Golden, Brian Taylor. Música: Sven Faulconer. Fotografía: Ivan Vatsov. Reparto principal: Jack Kesy, Jefferson White Adeline Rudolph, Leah McNamara, Suzanne Bertish, Joseph Marcell, Martin Bassindale. Producción: Bulgarian National Film Center, Campbell Grobman Films, Dark Horse Comics, Millennium Media, Nu Boyana, Telepool. Distribución: Vértice Cine. Género: adaptación, terror, aventura. Web oficial: https://millennium-media.net/mf-films/hellboy-crooked-man/

Crítica: ‘Nonnas’

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Sinopsis

Tras perder a su madre, un hombre decide arriesgarlo todo para honrar su memoria y abre un restaurante italiano en el que contrata como cocineras a un grupo de abuelas.

Crítica

La comida siempre da amor

Uno de los estrenos de la semana es ‘Nonnas’, una cinta entrañable, de esas que puedes ver una de estas tardes de lluvia, en el sofá y con un buen café en las manos. ‘Nonnas’ es una historia de amor, de amor a la familia, a las raíces y a la comida. Si, a esa comida que con solo tomarla te lleva a un pasado mejor, un pasado en el que tu familia se reunía y estaba unida.

Joe Scaravella, acaba de perder a su madre, una mujer muy importante para él. Su manera de llevar el luto es abrir un restaurante para poder llevar sus recetas a todo el mundo. Además, un viaje al mercado al que solía ir con ella, le hace ver que si contrata nonnas (abuelas) logrará su objetivo, y es comida realizada como en casa.

Creo que me esperaba una película más sensiblera, ‘Nonnas’ es bonita, una película sencilla que ya solo con su historia llama mucho la atención, además de por el pedazo de reparto. Encabezado por Vince Vaughn, un actor que nos tiene acostumbrados a saltar de la comedia a la acción sin mutarse. En ‘Nonnas’ nos deja su lado más tierno, intentando rescatar la memoria de su madre a través de la comida y de este negocio loco al que se ha lanzado.

Junto a él encontramos a Joe Manganiello, Drea de Matteo, Susan Sarandon, Lorraine Bracco, Ali Lopez-Sohaili, Brenda Vaccaro o Richie Moriarty, entre muchos otros.

La dirección es de Stephen Chbosky, director de ‘Wonder’ y que vuelve con una historia real. Con guion de Liz Maccie. Esta dirección es sencilla, sin complicaciones, eso sí, dándonos una buena dosis de imágenes de comida italiana que hace que salgas con un hambre impresionante de ver la película.

¿Qué mas nos da Nonnas?

Pues una historia real, Joe Scaravella es un personaje real que abrió su restaurante Enoteca María en Staten Island y básicamente todo lo que nos cuentan en la cinta es real. Joe Scaravella y su gran amigo, tienen un pequeño cameo en la cinta. Y en este restaurante se come comida de la abuela. Y cada semana está tematizada con abuelas de diferentes países.

Un concepto muy bueno que por lo que he podido ver tiene mucho éxito pues en todos lados te recomiendan hacer reserva o no podrás cenar.

Otra curiosidad de la cinta, es que no está rodada en ese restaurante, si no que se fueron a New Jersey y rodaron en un famoso restaurante ya cerrado ‘Spiritos’, al cual también homenajean dentro de la película. Y es que al final, ‘Nonnas’ es un gran homenaje también a la restauración, a esas personas que han dado sus vidas para servirnos buenos platos de comida y que han arriesgado todo lo que tienen para poder hacer sus sueños realidad.

A partir del día 9 de mayo podéis ver ‘Nonnas’ en Netflix. Dadle una oportunidad, no es una gran película, pero no siempre tienen que ser obras maestras para lograr contarnos una buena historia.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: Nonnas. Duración: 111 min. País: Estados Unidos. Dirección: Stephen Chbosky. Guion: Liz Maccie. Jody Scaravella. Música: Marcelo Zarvos. Fotografía: Florian Ballhaus. Reparto principal: Vince Vaughn, Susan Sarandon, Lorraine Bracco, Talia Shire, Brenda Vaccaro, Linda Cardellini, Drea de Mateo, Joe Manganiello, Campbell Scott, Richie Moriarty, Quincy Dunn-Baker. Producción: Fifth Season, Odd Lot Entertainment, Matador Content, One Community. Distribución: Netflix. Género: Comedia. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81936724

PUFA 2025 calienta motores

Cthulhu llega a Valladolid gracias a PUFA

PUFA (Pucela Fantástica), regresa a Valladolid con su segunda edición. El Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid, dedicará esta nueva edición al célebre escritor H.P. Lovecraft, figura clave en la literatura de terror y creador del horror cósmico, con la inclusión en su programación del Día de Lovecraft. Una jornada especial que incluirá proyecciones de cortometrajes internacionales inspirados en la obra del autor.

Este año, PUFA, amplía en un día sus fechas y tendrá lugar del 30 de junio al 6 de julio de 2025. Su cartel, obra del ilustrador Miguel Martín Herrero, se ha inspirado en el universo Lovecraft. La imagen muestra unos grandes tentáculos de Cthulhu emergiendo desde la emblemática Cúpula del Milenio de Valladolid.

Esta simbología no solo alude al universo lovecraftiano, sino que también refuerza el vínculo entre el imaginario fantástico del festival y los elementos arquitectónicos de la ciudad, como ya refleja también el logotipo del festival, inspirado en las gárgolas del Colegio de San Gregorio. Los colores predominantes del cartel —violeta y morado— rinden homenaje tanto a la ciudad como a la estética de ‘ReSonator (From Beyond)’, película basada en un relato de Lovecraft.

Día Lovecraft y programación especial

La inclusión del Día Lovecraft, que se celebrará el domingo 6 de julio, es una de las novedades de esta segunda edición. Esta jornada especial incluirá proyecciones de cortometrajes internacionales inspirados en la obra del autor, con títulos llegados desde Australia, Suecia, Canadá, Alemania, Italia y España. Entre ellos destacan ‘Dissociation’ (Clayton Orgles, 2024), que adapta el relato ‘La lámina de la casa’; ‘The Outsider’ (Ludvig Gür, 2019), que adapta ‘El extraño’; ‘Le Temple’ (Alain Fournier, 2022), corto de animación que compitió en Sitges y adapta ‘El templo’; ‘The Hound’ (Melissa Arcak, 2022), una aventura de terror que adapta ‘El sabueso’; ‘Dagon’ (Paolo Gaudio, 2024), corto animado que le da un vuelco humorístico y contemporáneo a ‘Dagón’; ‘Sombra Do Mar’ (Sergio Pereda, 2020), que lleva el universo Lovecraft a un pueblo pesquero gallego; y ‘Helen’ (Helio Mira, 2024), animación 3D inspirada por los Mitos de Cthulhu.

Además, se celebrarán mesas redondas, presentaciones de libros y una lectura dramatizada de un capítulo de ‘Herbert West, reanimador’, a cargo del grupo vallisoletano Teatrezzo. Como cierre de lujo para la jornada, se proyectará en pantalla grande una versión remasterizada en 4K de ‘ReSonator (From Beyond)’, cinta dirigida por Stuart Gordon que cumple 40 años y que representa una adaptación libre del relato ‘Desde el más allá’.

Esta es la nueva producción de Álex de la Iglesia

‘Los Muértimer’ se estrena el 14 de agosto

Este verano llegará a cines una nueva película producida por Telecinco Cinema y Pokeepsie Films (Álex de la Iglesia y Carolina Bang), ‘Los Muértimer’. Con un guión de Jelen Morales y bajo la dirección de Álvaro Fernández-Armero (‘Ocho Apellidos Marroquíes’, ‘Sentimos Las Molestias’), tendremos el 14 de agosto una película que distribuye Paramount Pictures Spain.

En ‘Los Muértimer’ tenemos a Víctor Clavijo, Alexandra Jiménez, Belén Rueda, Fele Martínez y Pepe Lorente. Junto a ellos los protagonistas y jóvenes actores Diego Montejo, Iratxe Emparan, Melani, Adrián Checa y Bruna González.

‘Los Muértimer’ adapta el cómic de la joven ilustradora francesa Léa Mazé, nominada a los prestigiosos Premios de la Industria del Cómic Will Eisner de Estados Unidos y presente en la selección del Festival Internacional de Cómic de Angoulême.

La provincia de Vizcaya acogió las siete semanas del rodaje de ‘Los Muértimer’, donde se ha dado vida a la historia de cinco jóvenes que descubren una trama de robos de joyas en un cementerio sin que ningún adulto los crea. Esta aventura de terror y comedia les unirá en el viaje hacia descubrir la verdad.

Sinopsis oficial:

Nico (Diego Montilla) es un chaval de quince años inteligente e introvertido que sufre acoso escolar porque sus padres son propietarios de la única funeraria del pueblo. Con la esperanza de conseguir un amigo, participa en un programa de intercambio cultural. Sólo hay un problema: el chico de intercambio resulta ser una chica, Gabrielle (Iratxe Emparan), una francesa de espíritu desafiante acostumbrada a todo menos a vivir rodeada de muertos.

Cuando Pol (Pepe Lorente), el tallista de lápidas, les cuenta una de las muchas historias misteriosas que oculta el cementerio, deciden investigar. El hallazgo de un cadáver y unas joyas robadas va más allá de lo que esperaban. Cuando regresan con los padres (Alexandra Jiménez y Víctor Clavijo) al lugar de los hechos todo ha desaparecido y por supuesto no les creen. A partir de entonces, Gabi y Nico reciben amenazas y son perseguidos justo en el momento en el que estaban siendo acosados por sus abusadores habituales, Marc, Sofía y Raquel (Adrián Checa, Bruna González y Melani), lo que les obliga a huir todos juntos.

Ahora que ellos también sufren el terror de sentirse amenazados, no les queda otra que unirse a la investigación. Gabi, Nico, Marc, Sofía y Raquel forman una extraña pandilla dispuesta a descubrir la verdad, aunque eso signifique entrar de lleno en el sombrío mundo adulto que les espera.

Análisis del Blu-ray de ‘Isla de Perros’

‘Isla de Perros’ llega a nuestras casas con Divisa Home

Gracias a Divisa Home, tenemos en nuestras manos la edición en blu-ray de ‘Isla de Perros’, (aquí tenéis nuestra crítica). Del visionario director Wes Anderson, cuenta la historia de un niño de doce años, Atari Kobayashi, pupilo del corrupto alcalde Kobayashi. Cuando todas las mascotas caninas de la ciudad de Megasaki son desterradas en la Isla Basura, Atari decide ir allí en busca de su perro guardián, Spots. Con ayuda de sus nuevos amigos caninos, Atari comenzará una odisea épica que decidirá el futuro y el destino de la mismísima Prefectura.

La película tiene una animación increíble y es muy divertida. Fue una de las cintas nominadas al Oscar a Mejor Película de Animación, premio que se llevó ‘Spider-Man: Un nuevo universo‘ (análisis del Blu-ray aquí). Y por supuesto, os recomiendo verla en su versión original, pues el reparto es magnífico, Bryan Cranston, Edward Norton, Scarlett Johansson, Tilda Swinton, Akira Ito, Yoko Ono, Frances MacDorman o Gretta Gerwig, entre muchos otros.

El Blu-ray es bastante sencillo, pero tenemos bastantes extras en su interior de los que os hablaremos un poquito más abajo. Viene con un único disco, que no está serigrafiado.

Idiomas: Castellano DTS 5.1.; Inglés DTS-HD Master Audio 5.1.; Italiano DTS 5.1.

Subtítulos: Castellano, Italiano, Inglés para sordos.

Menús: Castellano, Inglés, Italiano.

EXTRAS

Animadores (03:42 min)

Wes Anderson, productores y animadores nos cuentan lo difícil de este tipo de trabajo. 27 animadores y 10 asistentes fueron los encargados de hacer esta maravilla de animación.

‘Isla de Perros’ entrevistas al reparto (05:09 min)

Nos encontramos con los protagonistas de la película estos divertidos perros. Pero eso sí, con las voces de sus dobladores, contándonos un poquito acerca de la película.

El tiempo y los elementos (03:04 min)

Aquí nos cuentan un poco acerca de los 240 sets que se hicieron para la película. Y como crearon los elementos naturales para que pareciesen reales.

Marionetas (04:03 min)

Más de 900 muñecos, aquí de nuevo nos cuentan un poco acerca del  modelaje, las texturas y de como trabaja un animador.

Una oda a los perros (02:00 min)

En el set se encontraban 9 perros con los que se inspiraron para los movimientos y gestos.

Prefectura Megasaky y La Isla Basura (02:059 min)

La creación de ambos mundos, tan distintos y cada uno con sus grandes complicaciones. La ciudad futurista con grandes y pequeños detalles. Y esa Isla llena de basura que va a necesitar grandes elementos para hacerla tan real.

Encontramos también galería de fotografías y tráilers. A continuación, os dejamos la galería de fotografías del blu-ray.

Análisis de la ‘Colección 3 películas. Lilo y Stitch 1, 2 & 3’

Lilo y Stitch nos van a dejar horas de diversión

Tenemos con nosotros gracias a Divisa Home la nueva ‘Colección de 3 películas. Lilo y Stitch 1, 2 & 3’ en DVD. Esta colección consta de 3 discos, con las tres cintas sobre este divertido extraterrestre al que le gusta Elvis Presley.

’Lilo & Stitch’

Únete a Lilo & Stitch, la divertidísima comedia familiar de Disney que hizo las delicias del público de todo el mundo, en una conmovedora historia original sobre el poder de la lealtad, la amistad y el valor de la familia. Con la legendaria música de Elvis Presley y un irresistible elenco de personajes, prepárate para una aventura trepidante y llena de acción. En las exuberantes y tropicales islas hawaianas, una niña solitaria llamada Lilo adopta lo que ella cree que es un inocente cachorro. Llama a su nueva “mascota” Stitch, sin saber que se trata de un peligroso experimento genético que ha escapado de un planeta alienígena. El único interés de Stitch por Lilo es utilizarla como escudo humano para eludir a los cazarrecompensas alienígenas que pretenden volver a capturarlo. Gracias a su inquebrantable fe en el “Ohana”, la tradición familiar hawaiana, Lilo logrará conquistar el corazón de Stitch y le dará aquello para lo que nunca fue diseñado: la posibilidad de querer y cuidar a alguien.

Los extras, aunque cortitos, son una chulada, llenos de música y pequeños juegos para los más peques de la casa.

Menú: Inglés, catalán, portugués y castellano.

Idiomas: Dolby Digital 5.1; Castellano, Catalán, Inglés y Portugués.

Subtítulos: Castellano, Inglés, Portugués.

EXTRAS

  • Juego: Crea tu propio experimento alienígena
  • Lección de hula con Mark Keali’i Ho’omalu
  • “Burning love” – Detrás de las cámaras con Wynnona
  • “I can’t help falling in love with you”. Vídeo musical interpretado por los A-Teens

‘Lilo & Stitch. El efecto del defecto’

La inolvidable historia de Stitch y Lilo continúa en esta nueva y divertida película: ‘Lilo & Stitch 2. El efecto del Defecto’ de Disney. Tus personajes favoritos regresan en esta encantadora comedia sobre la importancia de la amistad y la familia, incluso cuando parecen mundos apartes.

Antes de que los 626 experimentos aterricen en Hawai, Stitch se da la gran vida. Ayuda a Lilo a seguir los pasos de su madre mientras se prepara para el gran concurso de hula de la isla. La vida parece ir a las mil maravillas, hasta que Stitch sufre un “fallo técnico” y todo empieza a desbaratarse. Lilo, Nani, David y Jumba van a necesitar todo el “Ohana” del mundo para salvar a su pequeño amigo. Con música nueva, tres canciones originales de Elvis Presley y contenidos extra exclusivos ‘Lilo & Stitch 2. El efecto del Defecto” es una película divertida y emocionante para toda la familia.

Menú: inglés, castellano y portugués.

Idiomas: Dolby Digital 5.1.; Castellano, inglés, portugués.

Subtítulos: Castellano, inglés, portugués, inglés codificado para sordos.

EXTRAS

  • Música: “Hawaiian Rollercoaster Ride”
  • Corto animado “El origen de Stitch”
  • Juegos y actividades.
  1. ¿Dónde está Pleakley?
  2. Los experimentos de Jumba

La película de Stitch

Todos sabemos que Stitch fue el ‘Experimento 626’, pero ¿alguna vez imaginaste cómo fueron los anteriores 625? ¡Descúbrelos ahora!

‘La película de Stitch’ es la continuación de las divertidas aventuras del entrañable y travieso extraterrestre que cayó en la Tierra transformando la vida de Lilo y su familia. Ahora Stitch, Pleakley y Jumba ya forman parte de la familia, pero lo que Lilo y Stitch no saben es que Jumba se trajo de contrabando a la Tierra sus primeros 625 experimentos… y ahora el malvado Capitán Gantú quiere que regresen. Dependerá de Lilo y Stitch evitarlo y salvar a su familia de alienígenas.

Prepárate para conocer a los 625, nuevos y extravagantes “primos” de Stitch, como el experimento 221, causante de los problemas eléctricos de la isla y el experimento 625… un poco más vago que Stitch ¡pero capaz de preparar unos magníficos bocadillos!

¡Comienza la diversión en una isla llena de aventuras alienígenas! La película de Stitch demuestra una vez más que cuando se trata de la familia, los amigos y la diversión… ¡Nadie se queda atrás!

Menú: Castellano, inglés, portugués.

Idioma: Dolby Digital 5.1; Castellano, inglés, portugués.

Subtítulos: Castellano, inglés, portugués, inglés codificado para sordos.

EXTRAS

  • Juego: encuentra los experimentos
  • Juego: Reto del Dr. Hamsterviel para terrícolas
  • Generador de experimentos
  • “Aloha, E Komo Mai”, vídeo musical

Aquí os dejamos la galería de imágenes de esta colección de DVD

Crítica: ‘Cuckoo’

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Sinopsis

Gretchen viaja a Alemania con su padre y su madrastra. En el pueblo en el que se alojan, se topa con oscuros secretos. Escucha ruidos extraños y tiene visiones aterradoras de una mujer que la persigue.

Crítica

Con una buena premisa no termina de cuajar

Tilman Singer dirige esta curiosa cinta, que tiene una premisa bastante chula, pero que no logra de cuajar y deja un poco indiferente. Conocemos a Gretchen, una joven estadounidense, que se muda a Alemania a vivir con la familia de su padre. Ella no está para nada conforme con la situación y además se añade que comienza a escuchar ruidos extraños en el bosque y ve como una persona la persigue en diferentes momentos de su vida.

Hunter Schafer, es la encargada de dar vida a esta joven a la que le están pasando terribles cosas. El reparto en general está muy bien dirigido. El sufrimiento psíquico y físico de Gretchen lo vemos gracias a la actuación de Hunter Schafer que logra crear un personaje muy real.

Junto a ella encontramos a Dan Stevens, que nos presenta a un personaje muy misterioso y que siente una atracción sobre Gretchen que no sabemos muy bien hacía donde quiere llegar. El está fenomenal.

En el resto del reparto encontramos a Jan Bluthardt, Marton Csokas, Jessika Henwick, Proschat Madani, Mila Lieu y las españolas Astrid Bergés-Frisbey y Greta Fernández. Esta última con un papel algo distinto a lo que estamos acostumbrados a verla y la verdad que está estupenda, dando vida a una de las amigas de Gretchen.

Otra de las cosas buenas que tiene ‘Cuckoo’ es su fotografía. Durante la cinta vamos viendo como resaltan unos colores u otros, el verde, amarillos son bastante utilizados y eso logra una mayor atmósfera tenebrosa.

Hay monstruo y es bastante curioso y ruidoso. Me ha gustado mucho toda la historia sobre este ser, pero como comento, el desenlace es bastante flojo para toda la tensión que se logra durante toda la cinta. Eso es un logro, porque estás pegado a la butaca todo el rato y además Tilman Singer, consigue mantenernos interesados por todo lo que está ocurriendo, pero no logra terminar la película como se merece y al final pierde todo el atractivo.

Aun así, como siempre os digo, merece la pena el visionado, no todas las películas son para todo el mundo y quizás vosotros la veis y os guste. Tiene cosas buenas y curiosas y ya solo por toda la tensión que crea merece la pena echarle un vistazo.

 Ficha de la película

Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: Cuckoo. Duración: 102 minutos. País: Alemania. Dirección: Tilman Singer. Guion: Tilman Singer. Música: Simon Waskow. Fotografía: Paul Faltz. Reparto principal: Hunter Schafer, Jan Bluthardt, Marton Csokas, Jessika Henwick, Dan Stevens, Mila Lieu, Greta Fernández, Proschat Madani, Astrid Bergès-Frisbey, Konrad Singer, Kalin Morrow. Producción: Fiction Park, Waypoint Entertainment, Neon. Distribución: Max. Género: Terror. Web oficial: https://www.max.com/tw/en/movies/cuckoo/69fd6890-f94b-4409-b3d7-1b805ece9d51

Crítica: ‘Tierras perdidas’

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Sinopsis

Basada en el relato de George R. R. Martin. Una reina (Amara Okereke), desesperada por encontrar la felicidad en el amor, envía a la poderosa bruja Gray Alys (Milla Jovovich) a las Tierras Perdidas, en busca de un poder mágico que permite a una persona transformarse en un hombre lobo. Con el misterioso cazador Boyce (Dave Bautista), que la apoya en la lucha contra criaturas oscuras y despiadadas, Gray deambula por un mundo inquietante y peligroso. Pero solo ella sabe que cada deseo que concede tiene consecuencias inimaginables.

Crítica

Con la dupla Anderson/Jovovich sabes a lo que vas, pero no lo que se te viene

Paul W.S. Anderson y Milla Jovovich llevan años jugando a lo mismo. Desde que el director encontró su musa en la saga ‘Resident Evil’, ha explotado una y otra vez la misma fórmula: mundos postapocalípticos, héroes hipermusculados, criaturas generadas por ordenador y una puesta en escena que parece salida de un videojuego. ‘Tierras perdidas’, su nueva colaboración, no es la excepción. Se podría decir que el director y su esposa han desarrollado su propio subgénero dentro del cine de acción y fantástico, pero el problema es que ya han exprimido hasta la última gota de originalidad que pudiera haberles quedado.

Para este nuevo delirio visual, Anderson adapta un relato de George R.R. Martin, un autor que cuando se aleja de la fantasía medieval y se adentra en la ciencia ficción suele acabar en desastre (como lo demuestra la malograda Nightflyers). A la ecuación se suma Dave Bautista, quien parece haberse convertido en el secundario predilecto para producciones de este tipo. La historia nos sitúa en un futuro postnuclear donde la humanidad sobrevive bajo el dominio de una monarquía que combate a herejes y tanto a monstruos como a brujas, en un entorno que recuerda por momentos a ‘Mad Max’ y por otros a una partida de ‘Diablo’.

El problema de ‘Tierras perdidas’ es que se siente como un refrito de ideas ya vistas en decenas de películas previas. Juega en la misma liga que ‘Legion’ o ‘Priest. El sicario de Dios’, aquellas cintas protagonizadas por Paul Bettany que mezclaban religión y ciencia ficción con estética apocalíptica. Hay inquisidores, magia oscura y combates cuerpo a cuerpo y con pistolas, pero en ningún momento el filme logra dotar de identidad propia a su mundo. A esto se le suma un guion que intenta sonar trascendental con frases lapidarias que no funcionan y un desarrollo de personajes que se siente tan mecánico como las escenas de acción.

En el apartado visual, Anderson vuelve a apostar por su estilo de siempre: una mezcla de gótico industrial con escenarios generados por ordenador. El diseño de producción es bizarro, rozando lo grotesco, y en más de un momento parece que estamos viendo un videoclip de Rammstein en lugar de una película de aventuras. La fotografía apuesta por tonos metálicos y azulados que acentúan la artificialidad del conjunto, algo que no ayuda cuando prácticamente todas las escenas han sido rodadas sobre un croma. Es evidente que el presupuesto no es descomunal, pero las herramientas digitales actuales permiten simular espacios de gran escala… aunque en este caso todo resulta demasiado sintético y carente de vida.

Si hablamos de la acción, encontramos otro de los grandes problemas de ‘Tierras perdidas’: su sobredependencia de la cámara lenta. Anderson lleva un tiempo acercándose peligrosamente al estilo de Zack Snyder, y aquí lo demuestra en exceso. Cada combate está repleto de ralentizaciones que, en lugar de añadir épica, acaban restando fluidez a la narrativa. El montaje y la puesta en escena parecen diseñados más para lucir bien en tráileres que para aportar ritmo a la historia.

En cuanto a las interpretaciones, Milla Jovovich hace exactamente lo que se espera de ella: miradas intensas, coreografías marciales y una actuación que nunca abandona la sobriedad monolítica que la ha caracterizado en sus últimos proyectos. Dave Bautista, por su parte, cumple con su rol de guerrero imponente, pero el guion no le da muchas oportunidades y eso que suyo es uno de los giros importantes que hay que admitir que pillan desprevenidos. Por cierto que… su personaje lleva tatuados en el cuello un origami como el de ‘Blade Runner’ y una corona como las que pintaba Jean-Michel Basquiat.

‘Tierras perdidas’ es, en definitiva, un ejercicio de estilo que confirma que Anderson y Jovovich llevan tiempo estancados en su zona de confort. La película no arriesga, no innova y, aunque pueda resultar entretenida para los más incondicionales del género, se siente como un reciclaje de ideas que hemos visto demasiadas veces. Si buscas una cinta con personajes carismáticos, un mundo con personalidad propia o una historia que deje huella, aquí no lo vas a encontrar.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: In the Lost Lands. Duración: 101 min. País: Alemania. Dirección: Paul W.S. Anderson. Guion: Constantin Werner, Paul W.S. Anderson. Música: Paul Haslinger. Fotografía: Glen MacPherson. Reparto principal: Milla Jovovich, Dave Bautista. Producción: Constantin Films, Dream Bros. Entertainment, Rusalka Film. Distribución: Diamond Films. Género: Paul W.S. Anderson. Web oficial: https://diamondfilms.es/site/detalle/tierras-perdidas

Crítica: ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’

Sinopsis

En un Japón repleto de Kaiju, Kafka Hibino trabaja como limpiador de monstruos. Tras reencontrarse con su amiga de la infancia, Mina Ashiro, una joven promesa de las Fuerzas de Defensa que luchan contra los Kaiju, decide intentar cumplir su antiguo sueño de unirse a las Fuerzas… cuando de repente se transforma en el poderoso Kaiju nº 8. Con la ayuda de un colega más joven, Reno Ichikawa, Kafka oculta su identidad mientras lucha por cumplir el sueño de su vida: aprobar el examen de las Fuerzas de Defensa y así poder estar al lado de Mina. Pero cuando un misterioso Kaiju inteligente ataca una base de las Fuerzas de Defensa, Kafka se enfrenta a una decisión crucial en una situación desesperada…

Crítica

Un pack básico pero sin profundidad

Realizada por Production I.G. y Toho, ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’ adapta al formato cinematográfico la exitosa serie que surgió del manga de Naoya Matsumoto que hoy en día está en curso y que comenzó su andadura en 2020. La propuesta no puede evitar recordar a referentes del género como ‘Pacific Rim’ o, evidentemente, a algunas versiones de ‘Godzilla’. En este mundo, la humanidad ya está curtida frente a ataques de kaijus y se entrena de forma específica para hacerles frente. Esta premisa remite, inevitablemente, a ‘Ataque a los titanes’, aunque el diseño de los trajes recuerda sospechosamente al de ‘Gantz’. El resultado es un batiburrillo de ideas prestadas que, aunque puede seducir al público más joven, no ofrece realmente nada nuevo.

Quizá lo más llamativo sea el protagonista, que tiene la peculiar capacidad de convertirse en uno de esos monstruos versión reducida, como si de una versión moderna de ‘Guyver’ se tratase. Esta transformación, además, parece estar lejos de ser casual, como sugiere el hecho de que su nombre sea Kafka, toda una referencia velada a la metamorfosis literaria.

La película, en sí misma, no es más que una condensación de la primera temporada del anime en apenas 90 minutos. 12 episodios de unos 25 minutos resumidos con cierta torpeza y coronados con un capítulo extra que, francamente, aporta poco: un simple gag durante un día de descanso en la rutina de Hoshina. Como suele ocurrir con este tipo de productos recopilatorios, el ritmo sufre. Los esquemas narrativos se repiten hasta el agotamiento y, además, hay saltos temporales y carencias de elipsis que descolocan más que guían. La progresión de los personajes se diluye y el espectador pierde la conexión emocional que probablemente si se encontrará en la serie.

En ese sentido, el filme parece pensado para los ya iniciados que buscan revivir la historia o para quienes quieren un resumen rápido antes de engancharse al manga o a las próximas temporadas del anime. ¿Es suficiente gancho el incluir un capítulo post-créditos? Probablemente no.

Visualmente, no se le puede reprochar demasiado. La acción está bien llevada, con explosiones de sangre a borbotones brotando de criaturas que podrían haber salido del catálogo de los Gormiti, con ese aire colorido y de formas híbridas. Como en tantos otros animes, el humor es simple, casi tontorrón, y entra por los ojos más que por la cabeza.

En última instancia, ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’ funciona porque bebe del videojuego en su estructura: desafíos crecientes, nivel de combate a trabajar, enemigos finales. También porque su historia conecta con esos sentimientos universales de sueños truncados, anhelos pasados y supervivencia a toda costa. Pero eso no lo hace una obra original ni especialmente destacada. Solo entretenida. Y, para algunos, eso puede ser suficiente.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: Kaiju No. 8: Mission Recon. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Shigeyuki Miya, Tomomi Kamiya. Guion: Ichirō Ōkōchi. Música: Yuta Bando, OneRepublic. Fotografía: Eiji Arai. Reparto principal (doblaje original): Ai Fairouz, Masaya Fukunishi, Tesshô Genda, Wataru Kato, Kengo Kawanishi, Keisuke Kômoto, Kenta Miyake, Sayaka Senbongi, Hiroyuki Yoshino. Producción: Production I.G. Distribución: Crunchyroll. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial: https://www.crunchyroll.com/es-es/series/GG5H5XQ7D/kaiju-no-8?

Crítica: ‘La evaluación’

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Sinopsis

En un futuro cercano donde la paternidad está estrictamente controlada, la evaluación de siete días de una pareja para obtener el derecho a tener un hijo se convierte en una pesadilla psicológica, obligándolos a cuestionar los fundamentos de su sociedad y lo que realmente significa ser humano.

Crítica

Fleur Fortune debuta con una mirada clínica y pesimista hacia la humanidad

‘La evaluación’ es el debut cinematográfico de Fleur Fortune, quien sorprende al ponerse tras las cámaras con una propuesta inquietante y poderosa. Para su primera película ha contado, ni más ni menos, con un reparto de lujo encabezado por Alicia Vikander, Elizabeth Olsen y Himiesh Patel. Todos ellos entregan interpretaciones sólidas, contenidas y perfectamente calibradas para el tono clínico y emocionalmente asfixiante que propone el filme. Vikander, especialmente, brilla en un papel que exige tanto intensidad emocional como frialdad estratégica.

La historia puede emparentarse espiritualmente con títulos como ‘La mano que mece la cuna’ o incluso con ‘The Servant’, por su capacidad para introducir una figura invasiva y desestabilizadora en la intimidad de un hogar. Sin embargo, ‘La evaluación’ lleva ese conflicto doméstico a un terreno mucho más inquietante: el de la ciencia ficción social y distópica, planteando dilemas éticos sobre la selección artificial de la paternidad como herramienta para preservar la raza humana tras un cataclismo climático.

Fortune construye un universo frío, minimalista, donde cada elemento escenográfico (desde los uniformes hasta los muebles) refuerza esa sensación de control, vigilancia y despersonalización. No es casual que la estética del filme recuerde a obras como ‘Gattaca’ o incluso ‘THX 1138’, donde la sociedad ha asumido que la eficiencia está por encima de la empatía. A lo largo del metraje se respira una tensión contenida, más psicológica que física, pero igualmente perturbadora.

Resulta curioso que esta producción, pese a tener un enfoque íntimo, haya requerido varios años de preparación y que su guion haya pasado por múltiples versiones para encontrar el equilibrio entre la denuncia social y el componente especulativo. La propia directora ha reconocido en entrevistas que se inspiró en conversaciones reales sobre la sobrepoblación, la crisis climática y la maternidad impuesta por normas sociales. De hecho, el título, ‘La Evaluación’, es tan impersonal como sugiere el sistema que retrata: un juicio frío sobre quién merece reproducirse y quién no.

Una vez más, el cine contemporáneo se instala en la visión más pesimista de la humanidad. El filme deja un poso amargo, no tanto por su desenlace (que evita efectismos) sino por el camino emocional que plantea. ‘La evaluación’ no solo critica el sistema ficticio que presenta, sino que invita a cuestionar nuestros propios esquemas sociales actuales. ¿Hasta qué punto la presión por formar una familia, tener hijos y seguir un molde normativo no está ya presente en nuestra realidad?

Es una película que incomoda, que agobia y que irrita deliberadamente. Te deja harto. Harto del mundo que insiste en dictar cómo, cuándo y por qué tener hijos. Harto de la crianza irresponsable, de los niños maleducados que solo parecen existir para desgastar a su entorno y de los adultos que no están preparados, pero aun así lo hacen. ‘La evaluación’ molesta hasta ponerte a prueba y lo hace porque se propone molestar. Y en eso, sin duda, cumple con creces su cometido.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de mayo de 2025. Título original: The assessment. Duración: 114 min. País: Reino Unido. Dirección: Fleur Fortune. Guion: John Donnelly, Nell Garfath Cox, Dave Thomas. Música: Emilie Levienaise-Farrouch. Fotografía: Magnus Nordenhof Jønck. Reparto principal: Alicia Vikander, Elizabeth Olsen, Himesh Patel. Producción: Augenschein Filmproduktion, Number 9 Films, Project Infinity, ShivHans Pictures, Tiki Tane Pictures. Distribución: Prime Video. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: http://www.augenschein-filmproduktion.de/de/filme/detail/the-assessment.html

Novedades destacadas de Divisa Films para mayo de 2025

La primera de John Wick en un formato físico de excepcióne

Divisa Films presenta este mes de mayo una potente selección de lanzamientos en formato físico que harán las delicias tanto de coleccionistas como de aficionados al buen cine. Desde ediciones limitadas hasta estrenos recientes, este mes viene cargado de títulos imprescindibles. A continuación, te destacamos las novedades más esperadas y una galería con todos sus lanzamientos.

Todas estas ediciones estarán disponibles a lo largo del mes de mayo de 2025 (días 14 y 27) en tiendas especializadas, grandes superficies y plataformas online. Algunas ya están en preventa, ¡así que no esperes demasiado si quieres hacerte con las ediciones limitadas!

John Wick (Otro Día para Matar) – Edición limitada Titans of Cult (UHD + Blu-ray)

Una joya para coleccionistas. Esta edición exclusiva en steelbook incluye la película en 4K UHD y Blu-ray, con un diseño artístico espectacular y contenidos y regalos adicionales. Ideal para fans de la acción estilizada y el universo Wick.

Capitán América: Brave New World – (UHD + Blu-ray)

Marvel regresa con una nueva entrega del Capitán América, ahora bajo el liderazgo de Sam Wilson. Esta edición en Blu-ray recoge la esperada continuación del legado del escudo, con extras que expanden el nuevo capítulo del UCM. Además hay un nuevo pack con las 4 entregas del Capitán América.

Las vidas de Sing Sing – (Blu-ray y DVD)

Un drama humano basado en hechos reales, protagonizado por Colman Domingo y Paul Raci. Esta edición ofrece una mirada íntima y conmovedora a un programa de reinserción en una prisión de máxima seguridad.

Star Trek: Sección 31 – Blu-ray steelbook

El universo de Star Trek se expande con esta nueva entrega centrada en la organización de inteligencia más oscura de la Flota Estelar. La edición Blu-ray promete material adicional para los trekkies más exigentes.

Desmontando un elefante – DVD

Emma Suárez y Natalia de Molina juntas en una intensa película que rompe moldes con elegancia e introspección. Una edición cargada de extras que amplían la mirada del cineasta Aitor Echevarría.

A Complete Unknown – Blu-ray

La esperada biografía de Bob Dylan, protagonizada por Timothée Chalamet, llega en una edición cuidada para coleccionistas. Con escenas musicales y una estética única, este lanzamiento es imprescindible para melómanos y cinéfilos.

Crítica: ‘Vampira humanista busca suicida’

En qué plataforma ver Vampira humanista busca suicida

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Sinopsis

Sasha desde pequeña es una vampiresa incapaz de matar alguien, sin embargo, necesita la sangre para vivir. Por ello, cuando sus padres dejan de proveersela, la joven se ve forzada a tomar una decisión drástica: buscar un suicida al que hincar el diente

Crítica

Tierna y sencilla comedia de vampiros

Canadá, siempre nos trae curiosas películas de género de terror y hoy os vengo hablar de una cinta que pudimos ver en 2023 en Sitges y que se ha estrenado en Movistar Plus+. ‘Vampira humanista busca suicida’. El propio nombre de la película ya nos cuenta totalmente la sinopsis. Y es que Sasha es una joven vampira que es incapaz de matar y decide buscarse las vueltas para poder sobrevivir. Así conoce a Paul, un joven con el que comenzará una extraña amistad.

Cuando la vi, no podía parar de pensar en Tim Burton. No tiene unos personajes tan sumamente peculiares como a los que nos tiene acostumbrados el director, pero si que la historia, y los dos protagonistas parecen sacados de esta gran mente. Pero no, la directora es la primeriza Ariane Louis-Seize.

La directora y guionista es Ariane Louis-Seize, que, con esta primera película, nos muestra la gran sensibilidad y humor que tiene y con ello logra una bonita historia de amor adolescente. Y, por supuesto, totalmente diferente.

Sara Montpetit, es la encargada de dar vida a Sasha, esta joven vampira, llena de dudas y también muerta de hambre, pero que no es capaz de alimentarse por si misma ya que le remuerde la conciencia. La verdad que hace un papel muy bonito. Y junto a Félix-Antoine Bénard logran hacer una historia muy tierna.

‘Vampira humanista busca suicida’ también nos enseña con un toque de humor, las reuniones a las que se acercan personas con problemas mentales y sobre todo para ayudarse unos a otros para no terminar con sus vidas. Nos habla también del bullying y de la tristeza que sienten muchas personas en la actualidad. Y por no olvidar lo complicado de las relaciones con la familia cuando no sigues sus pasos. La escena del payaso me parece tan espeluznante como magnífica.

Como digo, no es un drama, Ariane Louis-Seize, junto a Christine Doyon, logran un guion muy divertido. Con un humor un tanto oscuro, pero que hace que todos estos temas escabrosos se vean de diferente manera sin burlarse de ellos.

La fotografía de Shawn Pavlin es muy bonita. Jugando con las luces para poder iluminar estas noches eternas en las que vamos poco a poco conociendo a Sasha.

La cinta juega con una gama de colores muy oscuros, llenos de rojos, azules y verdes, pero siempre en su tono más lúgubre.

Sin duda, si queréis pasar un buen rato y ver algo distinto no dejéis pasar ‘Vampira humanista busca suicida’. Es una cinta sencilla pero que merece la pena y que además dura 84 minutos.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de abril de 2025. Título original: Vampire humaniste cherche suicidaire consentant. Duración: 84 min. País: Canadá. Dirección: Ariane Louis-Seize. Guion: Christine Doyon y Ariane Louis-Seize. Música: Pierre-Philippe Côté. Fotografía: Shawn Pavlin. Reparto principal: Sara Montpetit, Félix-Antoine Bénard, Steve Laplante, Sophie Cadieux, Noémie O’Farrell, Lilas-Rose Cantin, Arnaud Vachon, Marie Brassard, Madeleine Péloquin. Producción: Art & Essai, H264 Distribution. Distribución: Movistar Plus+. Género: Comedia, terror. Web oficial: https://www.movistarplus.es/cine/vampira-humanista-busca-suicida/

Ganadores de los Premios Platino 2025

Unos premios muy repartidos

‘Ainda Estou Aquí’ (Brasil) y ‘Cien años de soledad’ (Colombia) se han coronado como las producciones vencedoras de la gran gala del cine y las series iberoamericanas en su duodécima edición. Con tres Premios Platino, la película ganadora del reconocimiento a Mejor Película Iberoamericana de Ficción, ha sumado a este del de Mejor Dirección y Mejor Interpretación Femenina, convirtiéndose en la primera producción brasileña en conseguir los reconocimientos de mejor película y dirección.

La serie, creada por José Rivera y Natalia Santa, ha resultado triunfadora en las categorías de Mejor Miniserie o Teleserie, Mejor Interpretación Masculina en Miniserie o Teleserie y Mejor Interpretación Masculina de Reparto en Miniserie o Teleserie.

Platino de Honor

Una de las mayores ovaciones de la gala se ha desatado al recibir sobre el escenario a la Premio Platino de Honor 2025. Definida por Enrique Cerezo, Presidente de EGEDA y Presidente Ejecutivo de Premios Platino, como un ejemplo de “lo que significa un icono: actriz, productora, directora, creadora, filántropa y sobre todo, una luminosa representante de la comunidad iberoamericana”. Tras recibir sobre el escenario la visita sorpresa de su amiga, la actriz Sofía Vergara, Eva Longoria ha agradecido este reconocimiento que no solo reivindica una carrera de éxito y compromiso con el audiovisual tanto delante como detrás de las cámaras, sino que, además, subraya y se suma a su empeño de visibilizar a la comunidad latina en el mundo y, de manera muy especial, en industrias internacionales como Hollywood.

Yo nací en Texas, soy mexicana-americana, llevo sangre española en mis venas, concretamente de Asturias. Mi alma es mexicana, me encanta la conexión entre México y España, es una hermandad muy especial que se puede sentir en cada rincón en esta sala. Desde que empecé mi carrera en Hollywood en el 98 he tenido el sueño de representar con orgullo mis raíces y de honrar en particular a las mujeres hispanas”.

La gala, conducida por los actores Aislinn Derbez y Asier Etxeandía, ha contado con emotivos momentos musicales como la interpretación en directo por el artista Pablo Alborán del tema ‘Clickbait’, que marca un giro contemporáneo y renovador en la carrera del artista. O la presentación de Prince Royce.

La construcción de puentes entre los países iberoamericanos ha quedado marcada por el acto de intercambio de sede en el que, gracias a un acuerdo histórico, desde 2024 y hasta 2027, Madrid y Xcaret, Riviera Maya, se alternarán como sede de los PLATINO en un ejemplo de los fuertes lazos que unen el gran universo iberoamericano en una cultura común. Este hecho ha sido remarcado sobre el escenario por Quirino Ordaz, Embajador de México en España, Isabel Díaz Ayuso, Presidenta de la Comunidad de Madrid y Marcos Constandse, Vicepresidente de Administración y Finanzas de Grupo Xcaret quienes han remarcado el papel de los galardones en fomentar la unión en la diversidad de los veintitrés países.

A continuación os dejamos la lista de ganadores.

Ganadores Premios Platino

Mejor Película Iberoamericana de Ficción

  • ‘Ainda estou aquí’

Mejor Comedia Iberoamericana de Ficción

  • ‘Buscando a Coque’

Mejor Dirección

  • ‘Ainda Estou Aquí’

Mejor Guion

  • ‘La infiltrada’

Mejor Música Original

  • Alberto Iglesias, ‘La habitación de al lado’

Mejor Interpretación Masculina

  • Eduard Fernandez, ‘Marco’

Mejor Interpretación Femenina

  • Fernanda Torres, ‘Ainda Estoy Aquí’

Mejor Interpretación Masculina de Reparto

  • Daniel Fanego, ‘El Jockey’

Mejor Interpretación Femenina de Reparto

  • Clara Segura, ‘El 47’

Mejor película de Animación

  • ‘Mariposas Negras’

Mejor Película Documental

  • ‘El Eco’

Mejor Ópera Prima de Ficción

  • ‘El ladrón de perros’

Mejor Dirección de Montaje

  • ‘La Infiltrada’

Mejor Dirección de Arte

  • ‘Pedro Páramo’

Mejor Dirección de Fotografía

  • ‘La habitación de al lado’

Mejor Dirección de Sonido

  • ‘Segundo Premio’

Premio Platino Al cine y Educación en Valores

  • ‘Memorias de un Cuerpo que arde’

Mejor Miniserie o Teleserie de Ficción o Documental

  • ‘Cien años de soledad’

Mejor Interpretación Masculina en Miniserie o Teleserie

  • Claudio Cataño, ‘Cien años de soledad’

Mejor Interpretación Femenina en Miniserie o Teleserie

  • Candela Peña, ‘El Caso Asunta’

Mejor Interpretación Masculina de Reparto o Miniserie o Teleserie

  • Jairo Camargo, Cien años de soledad’

Mejor Interpretación Femenina de Reparto en Miniserie o Teleserie

  • Carmen Maura, ‘Tierra de Mujeres’

Mejor creador de serie

  • Vicente Amorim, Fernando Coimbra, Luiz Bolognesi, Patricia Andrade, ‘Senna’