Estas son las novedades en formato físico que llegarán en septiembre
El próximo 25 de septiembre llegará a las tiendas una nueva remesa de lanzamientos en formato físico por parte de Arvi Licensing con títulos para todos los gustos, desde ciencia ficción y terror hasta acción, comedia y clásicos del cine. Las preventas podrán activarse desde la primera semana de septiembre, por lo que los aficionados a las ediciones domésticas deberán permanecer atentos a los canales oficiales.
Entre los lanzamientos más destacados se encuentra “El día de la revelación”, que estará disponible en DVD, Blu-ray, 4K Ultra HD y una edición metálica limitada. La película llega así con diferentes opciones para quienes quieran incorporar a su colección la cinta dirigida por uno de los grandes maestros del cine.
También llegará el momento de despedirse de “Outlander”. Después de ocho temporadas, la historia de Claire y Jamie alcanzará su final con el lanzamiento de la temporada final en DVD y Blu-ray. Además, se pondrán a la venta diferentes packs que permitirán hacerse con la serie completa.
“Nicky, la aprendiz de bruja” y el 25º aniversario de “The Fast and the Furious”
Los aficionados a la animación japonesa tendrán una nueva oportunidad de ampliar su colección con “Nicky, la aprendiz de bruja”, una de las películas más queridas de Hayao Miyazaki, que estará disponible en DVD y Blu-ray.
Por otro lado, los amantes de la velocidad podrán celebrar el 25º aniversario de “The Fast and the Furious (A todo gas)” con una edición especial limitada en 4K Ultra HD. La película que dio comienzo a una de las franquicias más populares del cine regresa así en un lanzamiento pensado especialmente para coleccionistas.
Más clásicos y grandes títulos en 4K Ultra HD y Blu-ray
La oferta de septiembre se completa con nuevos lanzamientos y reediciones. Entre las novedades en 4K Ultra HD se encuentran “American Pie 2”, “United 93” y “Entrevista con el vampiro”, tres títulos que podrán disfrutarse con una mayor calidad de imagen y sonido.
También habrá espacio para numerosas reediciones en Blu-ray, incluyendo títulos como la saga “Bourne”, “Caballero sin espada”, “En busca de la felicidad”, “De aquí a la eternidad (1953)”, “Difícil de matar” y “Poseidón”, entre otros.
Todos estos lanzamientos estarán disponibles a partir del 25 de septiembre, mientras que las preventas podrán comenzar durante la primera semana del mes. Una nueva oportunidad para los coleccionistas de seguir ampliando su filmoteca con películas actuales, grandes clásicos y ediciones especiales.
Los Vengadores llegan a salvar nuestras tardes de verano
El próximo 18 de diciembre de 2026 llega a nuestras pantallas la esperadísima ‘Los Vengadores: Doomsday’. Y gracias a Divisa Films podemos prepararnos la llegada de esta película con su pack de 4 DVDs ‘Los Vengadores reunidos’. Aquí tenemos ‘Marvel. Los Vengadores’, ‘Vengadores: La Era de Ultrón’, ‘Vengadores: Infinity War’ y ‘Vengadores: Endgame’.
Un pack sencillo con poco material extra, pero en el que vemos la evolución de estos héroes que tanto nos gustan y que ha logrado mantenernos en los cines tantos años. Ahora en nuestras casas.
A continuación, os dejamos una galería de fotografías del pack y al finalizar el análisis técnico os dejamos un pequeño short donde ver también esta edición.
Imagen y sonido
Mavel. Los Vengadores
Imagen: 16×9 / 1.78:1
Idiomas: Dolby 5.1: Castellano, Inglés, Ruso y Ucraniano.
Subtítulos: Español, Portugués e Inglés codificado para sordos.
EXTRAS (10 min aprox.)
Marvel. Los Vengadores
Un viaje Visual (7 min aprox.)
Aquí tenemos un extra cortito pero que contiene bastante material. El detrás de las cámaras, los efectos especiales. Todo ello contado por Joss Whedon, Scarlett Johansson, Louis D’Esposito o Samuel L. Jackson, entre ellos.
Vengadores: La Era de Ultrón
Reportaje: Aventura global (3 min aprox.)
Los Vengadores viajan por el mundo, y es que en La Era de Ultrón se rodó en infinidad de lugares del mundo. Kevin Feige, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson o Jeremy Latcham son algunos de los que nos comentan estos viajes.
Jacob Chase entra en ‘Insidious’ con oficio, pero sin una identidad demasiado marcada y poco margen para la sorpresa
Con ‘Insidious: Fuera del Más Allá’, Jacob Chase se estrena en la saga creada por Leigh Whannell, aunque no precisamente en el género de terror. El director ya había demostrado su afinidad por lo sobrenatural con ‘Ven a jugar’, y aquí confirma que sabe manejar los mecanismos clásicos del género. Chase tiene pulso para mover la cámara, construir espacios inquietantes y, sobre todo, decidir cuándo conviene enseñar a los demonios y cuándo es preferible hacerlos desfilar fugazmente por el encuadre para generar incomodidad.
El problema es que ese oficio no termina de traducirse en una personalidad visual propia. Es comprensible: estamos ante la sexta entrega de una franquicia que ya ha establecido una iconografía muy reconocible. El diseño de producción, la iluminación, los colores y la concepción de ‘El Más Allá’ llevan cinco películas funcionando como una especie de manual estilístico. Chase lo utiliza con solvencia, pero precisamente por eso cuesta encontrar aquí una auténtica huella autoral.
Donde sí hay un acierto considerable es en el reparto. La elección de Amelia Eve, MaisieRichardson-Sellers y el resto del elenco funciona especialmente bien dentro de la relación maternofilial que vertebra la historia. Hay además un trabajo de casting que consigue que las diferentes generaciones resulten visualmente creíbles, algo que ayuda a que el conflicto familiar no parezca un simple instrumento narrativo.
Amelia Eve y el regreso imprescindible de Elise Rainier
Me ha sorprendido gratamente Amelia Eve. En una saga donde las situaciones extremas pueden empujar fácilmente a las interpretaciones hacia el histrionismo, su personaje transmite una desesperación mucho más reconocible. Gemma no parece reaccionar a los fenómenos sobrenaturales como alguien que simplemente necesita gritar para que sepamos que tiene miedo, sino como una persona desorientada que intenta comprender qué demonios está sucediendo. Y esa contención beneficia considerablemente al filme.
Y, por supuesto, está Lin Shaye. Elise Rainier se ha convertido en una figura inseparable de ‘Insidious’ y su presencia vuelve a demostrar que aun hay franquicias que pueden fabricar sus propios iconos. Shaye es la única intérprete que, de una forma u otra, ha estado presente en todas las entregas, y me parece estupendo que Elise pueda entrar por derecho propio en ese particular olimpo del terror donde conviven las scream queens, los monstruos y los asesinos que han terminado formando parte del imaginario colectivo.
Además, esta entrega introduce una interesante inversión de uno de los conceptos tradicionales del género: si tantas historias de terror han presentado a personas que intentan ayudar a quienes sufren fenómenos paranormales, ¿por qué no explorar qué sucede cuando la relación funciona en sentido contrario? La idea no es revolucionaria, pero encaja sorprendentemente bien en las reglas de este universo.
‘Insidious’ necesita ir más allá, quizá demasiado
En esencia, ‘Insidious: Fuera del Más Allá’ continúa siendo otro relato de demonios, posesiones, sustos, planos espirituales y conexiones entre nuestro mundo y ese territorio de almas perdidas. El problema es que la saga empieza a acusar el peso de sus propias reglas. Después de cinco películas, necesita introducir conceptos cada vez más elaborados para ampliar su mitología y evitar la sensación de estar repitiéndose.
La franquicia comenzó jugando con los viajes astrales, las paradojas temporales y posteriormente desarrolló diferentes mecanismos para explicar cómo las entidades podían relacionarse con nuestro mundo. Ahora añade una nueva posibilidad que no voy a destripar pero que es aún más fantasiosa.
La idea funciona mientras permanece vinculada al terror, pero también revela el principal problema de esta sexta entrega: en su intento de ampliar el universo, ‘Insidious’ empieza a aproximarse peligrosamente a una fantasía sobrenatural cada vez más compleja y sin límites. Y cuanto más se multiplican las reglas, más difícil resulta que el espectador mantenga la suspensión de incredulidad.
Con todo, estamos ante una entrega que supera a algunas de sus predecesoras. Consigue despertar interés por nuevos personajes, mantiene conexiones con lo anterior y demuestra que todavía existen posibilidades dentro de este universo. Eso sí, expandir el lore también exige algo más al espectador: una considerable dosis de fe en las reglas que la propia franquicia continúa inventando sobre la marcha.
Ficha de ‘Insidious: Fuera del más allá’
Estreno en España: 21 de agosto de 2026. Título original: Insidious: Out of the Further. Duración: 1106 min. País: EE.UU. Dirección: Jacob Chase. Guion: Jacob Chase, David Leslie Johnson. Música: Joseph Bishara. Fotografía: Dave Garbett. Reparto principal: Lin Shaye, Amelia Eve, Brandon Perea. Producción: Atomic Monster, Blumhouse Productions, Screen
Marvel presenta al nuevo reparto de ‘X-Men’ y Disney desvela sus grandes novedades
Se está celebrando el D23, que para quien no lo sepa, es el salón fan (tipo ComicCon) prooio y exclusivo de Disney y de todas las franquicias que están bajo su paraguas corporativo. En él lo más destacado de momento ha sido lo lanzado por Marvel Studios pero atentos a esta entrada en la que iremos actualizando novedades.
Las redes sociales han magnificado este anuncio como lo más destacado. Conocemos oficialmente al nuevo reparto de ‘X-Men’, el cual encabeza esta entrada. Es una de las grandes apuestas del futuro del Universo Cinematográfico Marvel. Sadie Sink, Kit Connor, Christopher Abbott, Samara Weaving, Inde Navarrette, Maya Boyd y Adam Driver encabezan el nuevo equipo de mutantes, que llegará a los cines en mayo de 2028.
Junto a esta esperada presentación, Disney ha mostrado novedades de ‘Avengers: Doomsday’, ‘VisionQuest’, ‘Star Wars: Starfighter’, ‘Frozen 3’, ‘Los Increíbles 3’, ‘Coco 2’ y ‘Zootrópolis 3’, entre otros proyectos. Vamos con ello.
‘LEGO Star Wars: The Mandalorian’ presenta su primer tráiler
El universo de Star Wars se pasa de nuevo al mundo de las piezas de construcción con ‘LEGO Star Wars: The Mandalorian’, un nuevo especial de animación que presentó su primer tráiler durante la D23. La producción, fruto de la colaboración entre Lucasfilm y The LEGO Group, recupera a Din Djarin y Grogu para una aventura cargada de humor y acción en la que ambos se reúnen con sus aliados para celebrar sus hazañas, aunque la fiesta se verá amenazada por la llegada de un grupo de piratas. El especial estará disponible en exclusiva en Disney+ el 2 de septiembre de 2026.
‘Romy y Michele’ regresan casi 30 años después
Lisa Kudrow y Mira Sorvino volvieron a meterse en la piel de Michele Weinberger y Romy White durante la D23 para ofrecer un primer vistazo a la esperada secuela de ‘Romy y Michele’s High School Reunion’. Las actrices aparecieron caracterizadas como sus icónicos personajes y confirmaron que el rodaje de la película ya ha concluido. En esta nueva aventura, casi tres décadas después de la cinta original de 1997, Romy y Michele continúan al frente de su boutique de moda en Beverly Hills, aunque descubrirán que quizá han dejado el amor en un segundo plano. La secuela, dirigida por Tim Federle y escrita nuevamente por Robin Schiff.
Primer vistazo al live-action de ‘Enredados’
Disney aprovechó la D23 para mostrar las primeras imágenes de ‘Enredados’, la adaptación en acción real del clásico de animación de 2010. El adelanto permitió ver por primera vez a Teagan Croft como Rapunzel, Milo Manheim como Flynn Rider y Kathryn Hahn como Madre Gothel, luciendo los característicos vestuarios de sus personajes. La película, dirigida por Michael Gracey, se encuentra actualmente en rodaje en España y llegará a los cines en 2028.
‘Tu amigo y vecino Spider-Man’ prepara su regreso con una segunda temporada
Marvel Animation ha confirmado en la D23 el regreso de ‘Tu amigo y vecino Spider-Man’ con una segunda temporada que continuará las aventuras de Peter Parker en esta realidad alternativa del universo Marvel. La serie, protagonizada en su versión original por Hudson Thames, seguirá explorando los primeros pasos del joven Peter como Spider-Man, después de los acontecimientos de la primera entrega. La segunda temporada tiene previsto su estreno en Disney+ durante enero de 2027, aunque todavía no se ha concretado una fecha exacta, pero sí se ha mostrado quién será uno de los grandes villanos.
Nueva película de ‘Los Simpson’
También hubo espacio en la D23 para una de las grandes sorpresas de la animación: el regreso de Los Simpson a la gran pantalla. Casi dos décadas después de ‘Los Simpson: la película’ (2007), Homer, Marge, Bart, Lisa y Maggie protagonizarán una nueva aventura cinematográfica que llegará a los cines el 3 de septiembre de 2027. Disney ya ha confirmado la película y la propia D23 ha incorporado la producción a sus experiencias para los fans, aunque por ahora se mantienen en secreto los detalles de su argumento. El proyecto supone el regreso de la familia de Springfield al cine tras una larguísima espera y vuelve a poner a la serie creada por Matt Groening en el centro de la estrategia cinematográfica de Disney.
Marvel presenta a los nuevos X-Men
La gran noticia de D23 2026 ha llegado de la mano de Marvel Studios. Kevin Feige y el director Jake Schreier han presentado oficialmente al nuevo reparto que dará vida a los X-Men, el cual, supondrá la incorporación definitiva de una nueva generación de mutantes al Universo Cinematográfico Marvel.
Sadie Sink, que ya debutó como Jean Grey en ‘Spider-Man: Brand New Day’, regresa como Jean Grey, mientras que Kit Connor interpretará a Scott Summers/Cíclope. El nuevo equipo se completa con Christopher Abbott como Charles Xavier/Profesor X, Samara Weaving como Emma Frost, Inde Navarrette como Rogue y Maya Boyd como Tormenta.
La sorpresa más llamativa ha sido Adam Driver, que se incorpora al reparto para interpretar a Nathaniel Milbury, identidad asociada al villano Mr. Siniestro (Mister Sinister). El actor anunció su participación mediante un vídeo mostrado durante la presentación.
Lo nuevo de X-Men estará dirigido por Jake Schreier, responsable de ‘Thunderbolts*’, y tiene previsto su estreno exclusivamente en cines en 2028. La presentación supone uno de los pasos más importantes de Marvel para construir el futuro de los mutantes dentro del MCU y establece el nuevo reparto que protagonizará las próximas aventuras de los X-Men.
‘Avengers: Doomsday’ y ‘VisionQuest’ también tienen protagonismo
Marvel no se ha limitado a presentar a los nuevos mutantes. Durante el evento se ha mostrado un nuevo adelanto de ‘Avengers: Doomsday’, película que llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026 y que reunirá a personajes procedentes de diferentes rincones del universo Marvel.
El reparto incluye a Robert Downey Jr. como Doctor Doom, Chris Evans, Chris Hemsworth, Pedro Pascal, Paul Rudd, Anthony Mackie, Florence Pugh, Vanessa Kirby, Channing Tatum, Simu Liu, Ian McKellen, Patrick Stewart, James Marsden y Rebecca Romijn, entre muchos otros.
La otra gran novedad de Marvel ha sido ‘VisionQuest’, la serie que continuará la historia iniciada con ‘WandaVision’ y ‘Agatha All Along’. Paul Bettany volverá como Vision y James Spader retomará el papel de Ultron. La producción llegará a Disney+ el 14 de octubre de 2026.
Además, Marvel ha mostrado un nuevo tráiler de ‘Marvel’s Wolverine’, el videojuego de Insomniac Games que llegará a PlayStation 5 el 15 de septiembre de 2026.
‘Star Wars’ prepara el regreso de ‘Ahsoka’ y ‘Starfighter’
El universo de ‘Star Wars’ también ha tenido una presencia destacada en D23. Lucasfilm ha presentado el primer teaser de la segunda temporada de ‘Ahsoka’, con Rosario Dawson, Hayden Christensen y Eman Esfandi presentes en el escenario. La nueva temporada llegará a Disney+ el 20 de enero de 2027 y volverá a enfrentar a Ahsoka y sus aliados con el Gran Almirante Thrawn.
También se ha mostrado material exclusivo de ‘Star Wars: Starfighter’, la nueva película dirigida por Shawn Levy y protagonizada por Ryan Gosling. El filme llegará a los cines el 28 de mayo de 2027 y contará también con Matt Smith, Mia Goth, Aaron Pierre y Amy Adams.
Pixar prepara ‘Los Increíbles 3’, ‘Coco 2’ y ‘Ghost Market’
Pixar ha utilizado D23 para avanzar buena parte de su futuro cinematográfico. La familia Parr regresará con ‘Los Increíbles 3’, dirigida por Peter Sohn y producida por Dana Murray y Brad Bird. La película llegará a los cines el 16 de junio de 2028.
También se han mostrado novedades de ‘Coco 2’, que presentará a Miguel convertido en adolescente y recuperará a uno de los personajes de la primera película. Lee Unkrich y Adrian Molina volverán a formar parte del equipo creativo. Su estreno está previsto para noviembre de 2029.
Pixar ha aprovechado además para anunciar ‘Ghost Market’, una nueva película original ambientada en un misterioso mercado de espíritus situado en la costa norte de Oahu. El filme llegará a los cines en marzo de 2028.
Por otro lado, ‘Gatto’, la película dirigida por Enrico Casarosa, responsable de ‘Luca’, llegará a los cines el 5 de marzo de 2027 y estará protagonizada por un gato negro llamado Nero, ambientado en una Venecia dominada por la superstición y los gatos.
‘Frozen 3’ presenta a su nueva amenaza
Uno de los grandes cierres de la presentación ha sido ‘Frozen 3’. Kristen Bell, Idina Menzel y Josh Gad han participado en el evento antes de mostrar nuevas imágenes de la película.
El material presentado introduce una nueva villana cuyos poderes parecen rivalizar con los de Elsa, aunque Disney todavía no ha revelado su identidad. Anna, Elsa, Kristoff y Olaf regresarán en esta nueva aventura, dirigida por Jennifer Lee y Trent Correy.
‘Frozen 3’ llegará a los cines en noviembre de 2027.
Disney Animation anuncia ‘Zootrópolis 3’
Disney Animation también ha confirmado oficialmente ‘Zootrópolis 3’, actualmente en las primeras fases de desarrollo. Ginnifer Goodwin y Ke Huy Quan, voces de Judy Hopps y Gary De’Snake, respectivamente, han participado en la presentación junto a Jared Bush, director creativo de Walt Disney Animation Studios. Por ahora, Disney no ha anunciado una fecha de estreno.
Además, el estudio ha presentado novedades de otros proyectos, entre ellos el largometraje de acción real ‘Tangled’, que se está rodando en España (aquí se conoce como ‘Enredados’) y llegará a los cines el 31 de marzo de 2028.
Más novedades de Disney
D23 también ha dejado otros anuncios destacados:
– Pese a que las críticas no fueron buenas se ha anunciado segunda temporada de ‘Alien: planet earth’ con la incorporación de Peter Dinklage.
– ‘Lilo & Stitch 2’ comenzará su producción en Hawái y llegará a los cines en 2028.
– ‘Kingdom Hearts’ tendrá una nueva serie de anime para Disney Channel y Disney+, además de que ‘Kingdom Hearts IV’ mantiene su ventana de lanzamiento para finales de 2027.
La biopsia de unas heridas no cerradas que están a una década de cumplir 100 años
Hay películas que reconstruyen el pasado y otras que consiguen hacernos ver que el pasado aún se reproduce delante de nuestros ojos. ‘Palestina 36’, de Annemarie Jacir, pertenece a la segunda categoría. Su punto de partida es la Gran Revuelta Árabe de Palestina de 1936-1939, pero su verdadera ambición consiste en demostrar que aquel levantamiento no surgió de la nada, sino de una acumulación de decisiones políticas, coloniales y territoriales cuyas consecuencias todavía resuenan.
Jacir abre el filme con imágenes de archivo restauradas y coloreadas. No es un simple recurso estético: la propia directora ha explicado que quiso recuperar esas imágenes para que no parecieran un pasado muerto, sino una realidad que continúa avanzando hacia el presente. El resultado es extraordinario. El material documental y la ficción se funden hasta convertir Palestina en el auténtico protagonista. La única lástima es que ese material de archivo no consiste en pruebas concretas sobre lo que se denuncia, solo conforma imágenes cotidianas, ninguna retrata ningún hecho concreto relevante o que fuese parte real de la narración que nos transmite, solo es ambientación y nostalgia de lo que era aquella tierra.
Colonialismo, resistencia y una historia incómoda
La película construye un amplio mosaico de personajes para explicar cómo el Mandato británico fue transformando la vida cotidiana. La huelga general de 1936, las restricciones, la represión, las detenciones y el progresivo paso de la protesta a la lucha armada aparecen como respuestas a una situación que los protagonistas perciben como insoportable. No estamos ante una rebelión presentada como un estallido irracional: Jacir intenta reconstruir sus causas políticas y sociales.
Y ahí aparece uno de los mayores méritos de ‘Palestina 36’: mostrar el colonialismo no únicamente mediante soldados y armas, sino a través de sus herramientas administrativas. La prensa, la radio, la circulación, el control territorial, los permisos, las políticas de tierra y la creación de estructuras de vigilancia forman parte de un mismo mecanismo de poder.
La película sostiene además una tesis muy clara sobre el papel británico en el crecimiento del proyecto sionista. La Declaración Balfour y la posterior política del Mandato forman el telón de fondo de una transformación que los personajes palestinos viven como pérdida de control sobre su propio territorio. La Comisión Peel, presentada dentro de este proceso, adquiere una importancia especial: en 1937 recomendó la partición de Palestina, una prueba para Jacir de que el conflicto territorial ya había alcanzado un punto de ruptura.
Del pasado al presente
La producción adquiere una dimensión casi paradójica. ‘Palestina 36’ es una coproducción en la que participan Palestina, Reino Unido, Francia, Dinamarca, Noruega, Qatar, Arabia Saudí y Jordania, con respaldo de instituciones británicas como BBC Film y el BFI.
Y el rodaje estuvo condicionado por la guerra iniciada tras octubre de 2023: la producción tuvo que afrontar interrupciones y dificultades para trabajar en los escenarios previstos, antes de poder completar parte del rodaje en Palestina. Ese dato convierte inevitablemente la película en algo más que una reconstrucción histórica.
Hay, además, una imagen final particularmente hermosa: un palestino tocando una gaita. ¿Por qué una gaita, instrumento que asociamos inmediatamente con Escocia y el ejército británico? Jacir explicó que las gaitas llegaron a Oriente Próximo desde Europa durante las Cruzadas y que, con el tiempo, también pasaron a formar parte de la cultura musical de la región. La imagen funciona así como una apropiación simbólica: un instrumento que asociamos al poder europeo termina integrado en una identidad palestina propia.
‘Palestina 36’ no pretende ser una lección neutral. Es una película de memoria, resistencia y denuncia. Y precisamente por eso resulta más interesante discutirla desde la historia que descartarla por su posicionamiento político. Muchas de las circunstancias que utiliza como materia dramática están documentadas: la Revuelta de 1936, la huelga general, la represión británica, la política del Mandato y la propuesta de partición de Peel no son invenciones cinematográficas. Os recomiendo hacer como yo, tomar nota de ciertos eventos que relata y contrastarlos con la hemeroteca.
Puede discutirse la interpretación, el reparto de responsabilidades o aquello que Jacir decide dejar fuera de campo. Lo que resulta mucho más difícil es negar que detrás de la película existe un episodio histórico real, complejo y extraordinariamente violento que durante décadas ha ocupado un espacio sorprendentemente pequeño en el cine occidental teniendo en cuenta la de vidas que ha sesgado.
Ficha de ‘Palestina 36’
Estreno en España: 14 de agosto de 2026. Título original: Palestine ’36. Duración: 120 0min. País: Palestina, Reino Unido, Francia. Dirección: Annemarie Jacir. Guion: Annemarie Jacir. Música: Ben Frost. Fotografía: Sarah Blum, Tim Fleming, Hélène Louvart. Reparto principal: Hiam Abbass,Kamel Al Basha, Yasmine Al Massri, Jalal Altawil, Robert Aramayo, Saleh Bakri, Yafa Bakri, Karim Daoud Anaya, Wardi Eilabouni, Ward Helou, Billy Howle, Dhafer L’Abidine, Liam Cunningham, Jeremy Irons. Producción: Philistine Films, BBC film, Doha Film Institute, Katara Studios, BFI, Autonomous, Corniche Media, MK Productions, Watermelon Productions, Snowglobe Films, Roya Media Group, The Royal Film Comission, Rise Studios, Telfaz11, Cocoon Films, Metafora Productions, Lucky Number, mk2 Films, Institut Français, The Jordan Film Found, AFAC, Sørfound. Distribución: La Aventura. Género: drama, hechos reales. Web oficial.
Mitchell se pasa el cine de aventuras con una anomalía repleta de personalidad y sabor clásico
¿Recordáis aquella película de animación en la que una familia debía huir en su coche desde su cómodo barrio de casas y jardines porque eran atacados por seres implacables? Trataba de cómo familias acomodadas veían rota su rutina y tenían que ponerse en pie de guerra o atrincherarse en sus hogares. Se llamaba ‘Los Mitchell contra las máquinas’. Todo eso lo tenemos en esta nueva película que además está dirigida por alguien que se apellida Mitchell. David Robert Mitchell, director de ‘It Follows’ y ‘Lo que esconde Silver Lake’, es uno de esos cineastas que dificultan cualquier intento de anticipar su siguiente película. Entre ambas obras ya existía una distancia considerable y ‘El final de Oak Street’ confirma que su filmografía no parece dispuesta a acomodarse en una fórmula. El volantazo respecto a sus anteriores propuestas de terror psicológico y suspense es considerable: aquí Mitchell se adentra de lleno en el cine de criaturas, la ciencia ficción y la aventura familiar.
La película, protagonizada por Anne Hathaway, Ewan McGregor, Maisy Stella y ChristianConvery, parte de una premisa tan sencilla, de esas que te sumergen en una cotidianidad de la que no quieres salir. Un barrio residencial de los años ochenta es arrancado de su realidad y transportado a un entorno prehistórico. La comparación inmediata con ‘Jurassic Park’ resulta inevitable, aunque Mitchell utiliza el concepto para construir algo diferente. Podría parecer un ‘Jurassic Park’ sangriento trasladado a la estética de ‘Cadillacs and Dinosaurs’, pero debajo de los dinosaurios hay una historia familiar que intenta sostenerse por sí misma.
Un Spielberg con la mirada puesta en lo desconocido… y en lo conocido
La música, la ambientación ochentera y el tono familiar remiten inevitablemente al cine de Steven Spielberg. Durante buena parte del metraje tenemos esa sensación de aventura al son de la música de John Williams, de hecho, la banda sonora la pone quien es considerado su heredero natural, Michael Giacchino. La familia se enfrenta a algo extraordinario, que conecta con el imaginario de los grandes clásicos de aquella época. Sin embargo, Mitchell introduce elementos que no encajarían tranquilamente en una película amigable al estilo Spielberg. Hay momentos de auténtico horror y violencia que alteran esa sensación de seguridad.
También aparece una dimensión casi verniana. Como en Julio Verne, el ser humano vuelve a sentirse diminuto ante la magnitud de un mundo que no comprende. Oak Street deja de ser un barrio conocido para convertirse en una isla diminuta frente a secretos que pertenecen a un pasado remoto. La serie ‘The Outer Limits’ ya había jugado con una idea semejante en ‘A Feasibility Study’, episodio en el que un vecindario entero era capturado misteriosamente. La coincidencia resulta especialmente curiosa porque la película parece tomar aquella premisa y convertirla en una aventura prehistórica a más escala.
Los dinosaurios son además uno de los grandes atractivos. La película se distancia de cierta imagen tradicional del cine Cretácico (a menudo confundido con el Jurásico) y apuesta por criaturas más próximas a la reconstrucción paleontológica contemporánea, con Sarcosuchus y Spinosaurus e incluyendo animales con plumas como el Gallimimus o el T-Rex. No se trata simplemente de recuperar dinosaurios reconocibles, sino de utilizarlos para convertir un barrio residencial en un territorio hostil y fascinante.
Mucho más que dinosaurios en un barrio
La principal virtud de ‘El final de Oak Street’ aparece cuando Mitchell entiende que las criaturas no pueden ser el único motor. El verdadero conflicto está también en la familia protagonista, en una pareja que arrastra problemas propios y en la manera en que ambos utilizan diferentes vías de escape para evitar afrontar una realidad que les resulta incómoda.
Por eso la película funciona mejor cuando alterna aventura y drama. El barrio convertido en escenario prehistórico podría haber sido únicamente un ejercicio de imaginación, una excusa para enfrentar a ciudadanos estadounidenses contra criaturas del Cretácico. Mitchell intenta darle una dimensión emocional que justifique que permanezcamos junto a estos personajes incluso cuando los dinosaurios no están en pantalla.
También resulta inevitable hablar de las expectativas generadas alrededor de J.J. Abrams y Bad Robot. El proyecto llegó a despertar teorías sobre una posible conexión con el universo ‘Cloverfield’, especialmente con su última entrega, ‘Paradox’ por los saltos espacio temporales y porque inicialmente se presentó también bajo otro nombre (‘Flowervale Street’). Sin embargo, aunque pudiese serlo y no esté realizada junto a Paramount Pictures, ‘El final de Oak Street’ no pertenece al universo ‘Cloverfield’. Las especulaciones fueron comprensibles (incluso yo hice mis hipótesis al respecto), pero conviene juzgar la película por lo que realmente es y no por la película que algunos espectadores imaginaron que podía ser. Y todo esto a pesar de la curiosa conexión extracinematográfica: Ewan McGregor es pareja de MaryElizabeth Winstead, protagonista de ‘10 Cloverfield Lane’. McGregor llegó al proyecto después de que Oscar Isaac abandonara el reparto.
El único gran talón de Aquiles, de tamaño de una pata de Triceratops
La película concluye pero lo hace no solo con algo de fan service, sino también dejándonos un tanto descolgados. Porque Mitchell no es un director de franquicias, sino diría que esto podría ser un inicio de saga. La conclusión del filme tiene algo de ‘Tiempo’ de Shyamalan y de ‘The Cabin in the Woods’ de Drew Goddard. Nos dejan con la sensación de que lo ocurrido puede modificar un paradigma mucho mayor que el de los protagonistas, que tiene impacto mucho más allá de su círculo íntimo pero que en escala es mucho más difícil de desarrollar, como ya comprobamos con ‘Jurassic World: Dominion‘. Mitchell no se moja con explicaciones ni soluciones específicas, ni da pistas para que podamos desarrollar interpretaciones. ‘El final de oak street’ queda colgado como tantos misterios de la ya citada ‘The Outer Limits’ o de la mítica ‘The twilight zone’. Y como en esas series, se conforma con dejarnos una pequeña ligera moraleja y un final reconciliador.
Ficha de ‘El final de Oak Street’
Estreno en España: 14 de agosto de 2026. Título original: The End of Oak Street. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: David Robert Mitchell. Guion: David Robert Mitchell. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Mike Gioulakis. Reparto principal: Anne Hathaway, Ewan McGregor, Maisy Stella, Christian Convery. Producción: Bad Robot, Good Fear Content, Jackson Pictures, Tommy Harper Productions, Warner Bros. Discovery. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción, suspense. Web oficial.
Philippe Lacheau y su tropa convierten al mítico personaje en una divertidísima gamberrada
Philippe Lacheau vuelve a demostrar que posee un talento especial para la comedia física desatada, el humor de acumulación y las referencias cinematográficas. Con ‘Marsupilami’, el director francés firma una continuación espiritual (y también argumental) de ‘En busca de Marsupilami’ (2012), recuperando incluso al personaje de Pablito Camaron interpretado por Jamel Debbouze, convertido en la única persona del mundo que conoce el paradero del legendario animal creado por André Franquin. No hace falta haber visto aquella película para seguir esta aventura, aunque el enlace entre ambas recompensa a quienes sí lo hicieron.
Paradójicamente, el gran problema del filme es precisamente aquello que promete su título. Se suponía que reproducir al Marsupilami mediante una marioneta física y efectos animatrónicos permitiría una presencia más tangible y creíble del personaje. Y, cuando finalmente aparece, esa apuesta se agradece muchísimo. La criatura posee textura, peso y una naturalidad que difícilmente habría conseguido un modelo completamente digital. Sin embargo, durante buena parte del metraje da la impresión de que el presupuesto hubiese obligado a esconderlo tanto como si estuviera realizado únicamente mediante CGI. El Marsupilami tarda cerca de media hora en hacer acto de presencia, una espera excesiva para una película construida alrededor de él.
Hasta ese momento, Lacheau, convertido también en protagonista, junto al resto de su reparto habitual, mantiene el interés gracias a una sucesión constante de situaciones absurdas, caídas, persecuciones y equívocos. La película nunca deja de entretener, es divertida sin peros al respecto. Simplemente permanece la sensación de que habría sido mucho más satisfactoria con una mayor presencia del animal.
Humor desenfrenado, parodias y una criatura adorable
Cuando el pequeño Marsupilami entra realmente en escena, el filme encuentra por fin su auténtica personalidad. Aquí no pronuncia el mítico «¡Houba!», sino que emite pequeños sonidos que recuerdan inevitablemente a Gizmo, una decisión lógica si entendemos que se trata de una cría del Marsupilami clásico. Conserva, eso sí, toda esa naturaleza salvaje, imprevisible, indómita y dada al caos que convierte auténticas barbaridades en simples travesuras entrañables.
Además, Lacheau aprovecha cualquier ocasión para desplegar su pasión por la parodia. El pequeño Marsupilami puede perrear, recrear momentos de ‘Titanic’, homenajear a ‘E.T.’ o incluso evocar ‘Liberar a Willy’. No sorprende demasiado viniendo del responsable de ‘Super ¿quién?’, una película que ya demostraba su habilidad para burlarse con cariño de los grandes éxitos del cine comercial. Tampoco conviene olvidar que esta no es su primera adaptación de una obra ilustrada. En 2018 dirigió ‘City Hunter’, cuya irreverencia terminó conquistando incluso al autor del manga original. Aquellas mismas pillerías narrativas aparecen aquí una y otra vez.
Como ya es habitual, Lacheau vuelve a rodearse prácticamente de toda La bande à Fifi, ese grupo de colaboradores con los que lleva más de una década construyendo sus comedias (casi como Santiago Segura haciendo filmes con sus amiguetes). A ese equipo suma dos nombres de enorme peso dentro de la comedia francesa como Jamel Debbouze y Jean Reno, cuya sola presencia aporta un plus de carisma.
Una comedia más adulta de lo que parece, entre la nostalgia del cómic y el cine popular
Aunque visualmente resulte una película accesible para el público infantil gracias a las monerías del Marsupilami, la abundancia de humor verde y algunos chistes de doble sentido dejan claro que buena parte de sus destinatarios son quienes crecieron leyendo los álbumes del personaje. No porque adapte fielmente las viñetas y por sus subidas de tono, sino porque también conecta con la nostalgia de una generación concreta.
Curiosamente, muchos de los mejores gags ni siquiera dependen del Marsupilami. Funcionan gracias al reparto humano y a una maquinaria cómica perfectamente engrasada. Eso provoca una sensación contradictoria: durante bastantes minutos podría tratarse de cualquier otra comedia de Philippe Lacheau sin pertenecer necesariamente al universo del animal de Palombia.
El componente familiar aparece sobre todo mediante la relación entre el protagonista infantil y la criatura, una amistad que intenta llenar el vacío emocional provocado por unos padres continuamente en disputa. Esa dimensión aporta algo de corazón entre tanta locura.
Pero quizá el aspecto más interesante sea otro. Más allá de su obsesión por imitar superproducciones hollywoodienses o elevar ligeramente el rango de edad de sus películas, Lacheau reivindica aquí una tradición muy francesa: la del humor heredero del cómic franco-belga. No solo recupera a uno de sus personajes más emblemáticos, sino que salpica el relato de referencias generacionales como ‘E.T.’, ‘Liberar a Willy’ o la inolvidable serie ‘Érase una vez… la vida’, estableciendo un puente entre varias décadas de cultura popular.
Ficha de ‘Marsupilami’
Estreno en España: 12 de agosto de 2026. Título original: Marsupilami. Duración: 99 min. País: Francia. Dirección: Philippe Lacheau. Guion: Julien Arruti, Pierre Dudan, Philippe Lacheau, Pierre Lacheau. Música: Maxime Desprez, Michaël Tordjman. Fotografía: Pierric Gantelmi d’Ille. Reparto principal: Philippe Lacheau, Jamel Debbouze, Elódie Fontan, Tarek Boudali, Jean Reno. Producción: Pathé, Baf Prod, TF1 Films Production, Logical Content Ventures, Artémis Productions, Shelter Prod, Canal+. Distribución: YouPlanet. Género: comedia, adaptación. Web oficial.
David Fincher y ‘El club de la lucha’ regresan en 4K
Convertida con el paso de los años en una de las películas más influyentes y reivindicadas de finales de los años 90, ‘El club de la lucha’ da el salto al formato 4K Ultra HD en España de la mano de Divisa Films y 20th Century Studios.
La película dirigida por David Fincher en 1999 y protagonizada por Brad Pitt,EdwardNorton y Helena Bonham Carter se puso a la venta el 12 de mayo de 2026, acompañada de una atractiva edición limitada en formato Steelbook que incluye los discos 4K Ultra HD y Blu-ray.
La llegada de esta edición supone una oportunidad especialmente interesante para los aficionados a la película, ya que no se trata únicamente de una actualización de la imagen. El lanzamiento recupera además una importante cantidad de contenidos adicionales procedentes de anteriores ediciones domésticas, convirtiendo el Blu-ray incluido en un complemento muy interesante para coleccionistas.
La historia sigue a un ejecutivo anónimo (Edward Norton) atrapado en una vida rutinaria y dominada por el consumismo. Su existencia cambia cuando conoce al carismático Tyler Durden (Brad Pitt), con quien termina creando un clandestino club de lucha que acabará adquiriendo unas dimensiones mucho mayores de las inicialmente previstas.
Un Steelbook con el icónico jabón rosa
Uno de los grandes atractivos de esta edición es su presentación. El Steelbook utiliza como imagen principal el famoso jabón rosa asociado a ‘El club de la lucha’, reproduciendo uno de los elementos visuales más reconocibles de la película. La elección resulta especialmente apropiada para una edición destinada al coleccionismo, ya que se aleja de una portada convencional protagonizada por los personajes.
El diseño exterior presenta el título integrado sobre la imagen del jabón y mantiene una estética muy vinculada al universo visual de la película.
Además, no estamos ante un simple Steelbook que contenga únicamente el nuevo disco 4K: la edición incorpora también un Blu-ray, por lo que permite conservar tanto la nueva presentación UHD como la edición en alta definición.
En España también se comercializó una edición 4K con funda, pero el Steelbook constituye la alternativa destinada principalmente a los coleccionistas.
Una edición hija de su época
Rocky, Braveheart, Camino a la perdición… nada más introducir el disco en el reproductor vemos una serie de tráilers de películas míticas de la época, de esas que fueron clásicos instantáneos junto a ‘El club de la lucha’.
El propio menú ya nos saca de la distopía desdibujando un clásico moña como ‘Nunca me han besado y haciéndonos un recorrido al más puro estilo Ikea por los escenarios de ‘El club de la lucha’, por supuesto alejados de cualquier historia rosa (más allá del color del jabón).
Todos estos detalles nos hablan de una edición más cuidada, como suele hacerse en el mercado norteamericano y en aquella época. Dicho sea de paso, está todo en inglés.
Imagen 4K Ultra HD
La principal novedad técnica se encuentra, como es lógico, en el nuevo máster 4K. El disco UHD presenta la película en 2160p y relación de aspecto 2,39:1, respetando el formato panorámico de la obra de Fincher. La imagen está optimizada con HDR10, permitiendo ampliar el rango dinámico respecto a las anteriores presentaciones domésticas.
La fotografía de Jeff Cronenweth es, además, especialmente apropiada para comprobar las posibilidades de este nuevo formato. La película combina ambientes oscuros, iluminación artificial, tonos verdosos y una estética deliberadamente sucia con algunos momentos de gran contraste.
El salto a 4K permite apreciar con mayor precisión la textura de la imagen y los detalles de los escenarios y personajes, al mismo tiempo que el HDR ayuda a conservar mejor las diferencias entre las zonas más oscuras y los puntos de luz.
No estamos ante una película concebida para lucir una imagen limpia y aséptica. Buena parte de su identidad visual reside precisamente en su aspecto áspero y en determinados efectos fotográficos, por lo que resulta importante que la nueva presentación respete esa intención estética en lugar de intentar «modernizarla».
El resultado es, por tanto, una actualización especialmente interesante para quienes todavía conservaban la película en DVD o Blu-ray.
El Blu-ray también forma parte de la edición
El segundo disco incluido en el Steelbook es un Blu-ray 1080p, con la película presentada en una relación de aspecto de 2,40:1. Su presencia tiene especial importancia porque es precisamente en este disco donde se concentra la mayor parte de los contenidos adicionales.
Esto convierte la edición en un lanzamiento bastante más completo que una simple actualización de la película a 4K. El coleccionista obtiene por un lado el nuevo disco UHD y, por otro, una copia en Blu-ray que mantiene el amplio catálogo de extras asociado a ‘El club de la lucha’.
Sonido en castellano y versión original
El apartado sonoro del disco 4K ofrece:
Castellano 5.1 DTS Digital Surround
Inglés 5.1 DTS-HD Master Audio
Italiano 5.1 DTS Digital Surround
Japonés 5.1 DTS Digital Surround
Español latino 5.1 Dolby Digital
Audiodescripción en inglés 2.0 Dolby Digital
La pista original en DTS-HD Master Audio 5.1 es la opción técnicamente más destacada para quienes quieran disfrutar de la película en versión original.
El doblaje castellano se presenta en DTS 5.1, ofreciendo una pista multicanal que permite disfrutar de la película en nuestro idioma sin recurrir a la pista original.
Subtítulos
El disco 4K incluye subtítulos en:
Castellano
Italiano
Japonés
Español latino
Danés
Finés
Noruego
Sueco
Inglés codificado para sordos
Extras (aproximadamente 2h)
Comentarios de David Fincher
Evidentemente podemos ver la película con los afilados comentarios del director. Ofrece su propio comentario, aportando información sobre la realización de la película, las decisiones visuales y las diferentes cuestiones relacionadas con su producción y la adaptación de la novela.
Comentario de David Fincher, Brad Pitt, Edward Norton y Helena Bonham Carter
Uno de los contenidos más interesantes para los aficionados al filme reúne al director con sus tres protagonistas principales. Si ver la película ya era divertido y sugerente de por sí, oír a sus protagonistas es una experiencia única.
Comentario de Chuck Palahniuk y Jim Uhls
El autor de la novela original y el guionista de la adaptación ofrecen otro punto de vista sobre la transformación del material literario en película.
Comentario técnico
Alex McDowell, Jeff Cronenweth, Michael Kaplan y Kevin Haug participan en un comentario centrado en los aspectos técnicos de la producción.
Golpe en el oído (12 min.)
Apartado centrado en Ren Klyce y el diseño de sonido de ‘El club de la lucha’. Con este apartado apreciamos mejor cómo el sonido contribuye a construir esta historia tan dramática y psicológicamente poderosa. Dispone de un apartado en el que podemos jugar con los sonidos reales que se captaron para el filme en distintos escenarios.
Azotando El club de la lucha (9:58 min.)
Un apartado que empieza con Mel Gibson entrando a caballo en un escenario de los Guys Choice Awards no puede no ser interesante. Una larga pieza con las escenas más “rudas” se puso en esa gala que estuvo acompañada de una burla hacia las críticas recibidas.
Modo insomnio: Soy el índice de búsqueda de Jack (Más de 45 min.)
Un curioso apartado, con un nada convencional menú en el que por orden alfabético podemos ver material sobre la búsqueda de encuadres, escenas eliminadas, la iluminación, el maquillaje… te puedes perder de la vida sumergido en esta sección.
Escenas detrás de las cámaras con múltiples ángulos y comentarios (más de 10 min.)
Nos introducimos en cualquier parte del rodaje, en todas y cada una de las partes de la concepción de ‘El club de la lucha’ pudiendo además seleccionar qué detalles queremos apreciar.
Escenas descartadas y alternativas (17 min.)
6 escenas que se cayeron del montaje y que serán muy apreciadas por aquellos que profundizaron más en la película en su día. Incluso antes de ver las escenas podemos leer un pequeño texto que nos explica por qué fueron eliminadas.
Material publicitario (Más de 8 min.)
Tráilers, vídeos musicales, anuncios para salas de cine e incluso anuncios proyectados en las redes. Además material gráfico como fotografías de prensa o entrevistas transcritas.
Galerías promocionales (10 min.)
Storyboards que sirvieron para vender la película a la productora y planificar el rodaje, fotografías para los efectos visuales, fotos de localización de la destartalada casa de Paper Street, esbozos del vestuario y maquillaje, primeras ideas a los planos que nos llevan a través del cerebro…
Una nueva oportunidad para disfrutar de Snake Plissken en 4K
Treinta años después de que John Carpenter llevara de nuevo a la gran pantalla a Snake Plissken, ‘Rescate from L.A.’ recibe una nueva edición doméstica en España en formato 4K Ultra HD Steelbook, distribuida por Divisa Films. El lanzamiento se produjo el 10 de junio de 2026, coincidiendo con el 30.º aniversario de la película.
Kurt Russell vuelve a ponerse el parche de Snake Plissken en esta secuela de ‘1997: Rescate en Nueva York’, nuevamente dirigida por Carpenter y con un reparto que incluye nombres como Stacy Keach, Steve Buscemi, Peter Fonda, Pam Grier, BruceCampbell y Cliff Robertson.
La película, estrenada originalmente en 1996 y con una duración de 101 minutos, nos sitúa en una Los Ángeles convertida en una gigantesca prisión después de un terremoto de 9,6 grados. Snake recibe el encargo de introducirse en la ciudad y recuperar un peligroso dispositivo que podría poner en jaque al mundo.
Una edición Steelbook para coleccionistas
Uno de los principales atractivos de este lanzamiento es, evidentemente, su presentación. Divisa Films recupera ‘Rescate from L.A.’ en un Steelbook de edición limitada, una presentación especialmente interesante para los seguidores de John Carpenter y de la saga protagonizada por Kurt Russell.
El diseño apuesta por una ilustración protagonizada por Snake Plissken y mantiene una estética muy vinculada a la identidad visual de la película, con el personaje ocupando prácticamente toda la portada con su parche y su motocicleta marcando que es un tipo duro.
La edición conmemora además el 30 aniversario de la película, una circunstancia que Paramount ha aprovechado internacionalmente para llevar el título por primera vez al formato 4K Ultra HD.
Imagen 4K Ultra HD
La gran novedad técnica se encuentra en el salto a 4K Ultra HD, con una presentación en 2160p y formato de imagen 2,35:1.
La restauración cuenta con HDR10 y Dolby Vision, dos de los principales sistemas HDR disponibles actualmente, permitiendo ampliar el rango dinámico de la imagen y conseguir una representación más precisa de las zonas luminosas y oscuras.
La edición internacional también confirma una presentación en 4K con Dolby Vision y HDR10, manteniendo el formato panorámico de la película.
Esto resulta especialmente interesante en una película como la de Carpenter, donde la fotografía de Gary B. Kibbe combina grandes espacios exteriores con abundantes secuencias nocturnas y escenarios iluminados mediante fuentes de luz muy contrastadas.
Sonido y doblaje en castellano
En el apartado sonoro encontramos:
Castellano 5.1 Surround
Inglés DTS-HD Master Audio 5.1
Alemán 5.1
Francés 5.1
Para quienes quieran disfrutar de la película en versión original, la pista inglesa en DTS-HD Master Audio 5.1 constituye la opción más destacada de la edición.
El doblaje castellano se mantiene en 5.1 Surround, por lo que también podemos disfrutar de la película en nuestro idioma con sonido multicanal.
Subtítulos
La edición incorpora un amplio abanico de subtítulos:
Castellano
Inglés
Inglés para sordos
Alemán
Danés
Finés
Francés
Neerlandés
Portugués
La inclusión de subtítulos para personas con discapacidad auditiva en inglés es otro de los elementos presentes en esta edición internacional.
Extras
El Steelbook incluye como contenido adicional el tráiler de la película, sin que la edición española incorpore comentarios de Carpenter, documentales, entrevistas u otros contenidos adicionales.
Una película que nos hace volver a los comienzos de Scream
Gracias a Divisa Films tenemos esta pedazo de edición de ‘Scream7’. La última película de esta saga que tanto disfrutamos. Como en todas las sagas, siempre hay mejores y peores películas. ‘Scream 7’ es un poco el regreso al comienzo, recordando todo lo ocurrido en la primera cinta y recorriendo un poco la historia de Sidney Prescott.
Ya os hablamos de esta cinta, tanto en nuestra web (crítica aquí), como en nuestro canal de Youtube (podéis vernos aquí). Una película que nos entretuvo muchísimo y la verdad que merece la pena este regreso de este slasher tan querido.
En nuestras manos ha caído una estupenda edición con el Blu-ray y su versión en 4K. Con un montón de extras, los cuales tenéis más detallados si seguís bajando en el artículo. La verdad que están bastante bien, con bastante contenido y muy interesante.
Sin más, os dejamos una pequeña galería con las fotografías de esta edición. El análisis de los extras y también un pequeño vídeo.
Ficha Técnica
Disco 4K UHD-HDR Dolby Vision
Imagen 2.39:1
Audio: Castellano 5.1 Dolby Digital Surround; Inglés Dolby Atmos; Alemán, Español (Latino), Francés (Francia), Francés (Canadá), Italiano y Japonés en 5.1 Dolby Digital Surround; Audiodescripción en Inglés 5.1 Dolby Digital Surround.
Subtítulos: Castellano, Inglés, Inglés para sordos, Alemán, Chino Cantonés (Hong Kong), Chino Mandarín y Tradicional (Taiwan), Coreano, Español (latino), Francés (Francia), Francés (Canadá), Italiano, Japonés, Neerlandés, Tailandés y Turco.
Disco Blu-ray
Imagen: 1080p HD 2.39:1
Audio: Castellano 5.1 Dolby Digital Surround; Inglés Dolby Atmos; Alemán, Español (latino), Francés (Francia), Francés (Canadá), Italiano y Japonés en 5.1 Dolby Digital Surround; Audiodescripción en inglés 5.1 Dolby Digital Surround.
Subtítulos: Castellano, Inglés, Inglés para sordos, Alemán, Chino Cantonés (Hong Kong), Chino Mandarín y Tradicional (Taiwan), Corano, Español (latino), Francés (Francia), Francés (Canadá), Italiano, Neerlandés, Japonés, Tailandés y Turco.
EXTRAS
Cicatrices: Cómo se hizo Scream 7. (21:49 min)
Nos hablan de los reencuentros, de volver a hacer una película más cercana a las primeras sin perder la esencia de las nuevas. Nos hablan los protagonistas, director y guionista.
Construyendo el suspense: Diseño de producción (08:13 min)
Como los edificions son parte de la historia. Y la importancia de estos en la saga de Scream. Al final son lugares donde Ghostface acorrala a sus víctimas y estás tienen una oportunidad para vivir.
La danza de la muerte: Los especialistas (06:27 min)
Sin duda el extra que más me ha gustado y me hubiese encantado que durase más. Aquí escuchamos a la jefa de especialistas, la cual lleva desde la primera película. Jennifer Badger nos cuenta todas sus experiencias. Es un extra que como he comentado, es muy interesante y lleno de acción.
Vídeo musical “Twisting the knife” interpretado por Mckenna Grace junto a Ice Nine Kills (03:27 min)
La adaptación de la segunda novela de Freida McFadden confirma nuevos fichajes y volverá a contar con Paul Feig en la dirección
Tras el enorme éxito de ‘La Asistenta’, una de las películas más taquilleras del año y el mayor éxito comercial de la distribuidora Diamond Films en España, ya se han dado a conocer los primeros detalles de ‘El Secreto de La Asistenta’, la segunda entrega de la adaptación cinematográfica de la exitosa trilogía escrita por Freida McFadden.
La película volverá a estar protagonizada por Sydney Sweeney, que retomará el papel de Millie, mientras que Michele Mborrone regresará como Enzo. A ellos se suman nuevos nombres al reparto como Kirsten Dunst, Paul Anthony Kelly y Brittany Snow.
Sydney Sweeney y Michele Morrone regresan en la secuela
Sydney Sweeney volverá a interpretar a Millie, la asistenta que conquistó al público en la primera película, mientras que Michele Morrone repetirá como Enzo.
La secuela incorporará además varios personajes inéditos interpretados por reconocidos actores. Kirsten Dunst dará vida a Wendy Garrick, Paul Anthony Kelly interpretará a Douglas Garrick y Brittany Snow se incorporará como Marybeth.
Una nueva casa… y un nuevo misterio
En esta segunda entrega, Millie vuelve a trabajar como asistenta, esta vez en el lujoso ático de la familia Garrick. La historia girará en torno a una serie de inquietantes reglas que deberá respetar desde el primer momento, entre ellas no ver nunca a la señora de la casa y no abrir jamás una determinada puerta. Estos elementos volverán a construir un thriller psicológico cargado de secretos y tensión.
Paul Feig vuelve a ponerse tras las cámaras
Después de dirigir la primera película, Paul Feig repetirá como director de la secuela. El cineasta es conocido por títulos como ‘Un pequeño favor’ o ‘La boda de mi mejor amiga’ y continuará desarrollando el universo creado por Freida McFadden para la gran pantalla.
Basada en el segundo libro de la trilogía de Freida McFadden
‘El Secreto de La Asistenta’ adapta la segunda novela de la trilogía literaria de Freida McFadden, compuesta por ‘La Asistenta’, ‘El Secreto de La Asistenta’ y ‘La Asistenta te vigila’. El fenómeno literario ya había dado el salto al cine con una primera adaptación que logró convertirse en un auténtico fenómeno de taquilla, por lo que esta continuación parte con grandes expectativas entre los seguidores de la saga.
La distribuidora ha confirmado que ‘El Secreto de La Asistenta’ llegará próximamente, solo en cines, aunque por el momento no se ha anunciado una fecha concreta de estreno.
Una premisa fascinante con un desarrollo irregular
Hay películas que plantean grandes preguntas y otras que buscan ofrecer grandes respuestas. ‘El síndrome Rembrandt’ pertenece claramente al primer grupo. Pierre Schoeller construye una obra de vocación intelectual que utiliza el arte como catalizador para reflexionar sobre la ética científica, la energía nuclear, el cambio climático y la responsabilidad individual. El problema es que, en su empeño por resultar trascendente, termina sacrificando buena parte de la implicación emocional del espectador.
La premisa es, sin duda, sugerente y muy intrigante. Una prestigiosa física nuclear ve cómo la contemplación de varias pinturas de Rembrandt altera su percepción del mundo y la lleva a cuestionar todo aquello en lo que ha creído durante décadas. Es una idea fascinante porque enfrenta dos formas aparentemente incompatibles de entender la realidad: la objetividad de la ciencia frente al poder irracional del arte. Sin embargo, el guion desarrolla ese conflicto de manera excesivamente abstracta. La transformación de la protagonista se acepta más como una metáfora que como un proceso psicológico plenamente convincente.
Camille Cottin y Romain Duris sostienen el relato
Camille Cottin soporta buena parte del peso dramático con una interpretación contenida, llena de pequeños matices y silencios que transmiten la creciente fractura interior de su personaje. A su lado, Romain Duris aporta equilibrio interpretando a un hombre que observa cómo la mujer con la que ha compartido toda una vida comienza a convertirse en alguien casi irreconocible. Ambos construyen una relación creíble incluso cuando el relato se vuelve más simbólico que narrativo.
Una puesta en escena elegante al servicio de las ideas
Visualmente, Schoeller apuesta por una puesta en escena sobria. La fotografía evita cualquier artificio y encuentra en los cuadros de Rembrandt un recurso visual poderoso, utilizando la luz y las sombras como prolongación del estado emocional de los personajes. No es casual: el claroscuro característico del pintor se convierte aquí en una metáfora constante de las zonas grises entre conocimiento, intuición y conciencia moral.
Un ritmo pausado que no conectará con todo el público
Donde la película puede dividir más al público es en su ritmo. Es un cine pausado, construido a partir de conversaciones, silencios y largos momentos de contemplación. Quien espere un thriller sobre una conspiración nuclear probablemente salga decepcionado, porque el suspense nunca es el verdadero objetivo. La tensión procede de las dudas éticas y existenciales de sus protagonistas, no de la acción.
El mayor mérito de ‘El síndrome Rembrandt’ reside precisamente en no ofrecer desvelar sus cartas de manera explícita. Invita al espectador a preguntarse hasta qué punto el conocimiento científico basta para comprender el mundo o si el arte puede revelar verdades que escapan a la razón. No obstante, esa misma ambición intelectual acaba jugando en su contra cuando la película prioriza el discurso sobre la emoción y convierte algunas secuencias en ejercicios de reflexión más que en auténticos momentos dramáticos.
En definitiva, Pierre Schoeller firma una obra elegante, inteligente y profundamente europea, destinada a un público dispuesto a dejarse llevar por las ideas más que por la trama. Es una película de esas que requieren una conversación post visionado.
Ficha de ‘El síndrome Rembrandt’
Estreno en España: 7 de agosto de 2026. Título original: Rembrandt. Duración: 107 min. País: Francia. Dirección: Pierre Schoeller. Guion: Pierre Schoeller, Anne-Louise Trividic. Música: Pawel Mykietyn. Fotografía: Nicolas Loir. Reparto principal: Camille Cottin, Romain Duris, Denis Podalydès. Producción: Trésor Films, France 3 Cinema, Zinc, Artémis Productions, BE TV, Proximus, Canal+, Netflix. Distribución: Vercine. Género: drama, suspense. Web oficial.
Renny Harlin regresa a un territorio conocido, con pretensiones honestas y factura española
Tras haber estado muy entretenido con la trilogía remake de ‘The Strangers’, Renny Harlin cambia de tercio. El director de ‘Deep Blue Sea’ vuelve a rodar con sobre tiburones y también regresa al género del cine de acción pues es también el más lucrativo para él. Recordemos que Harlin es el director de ‘Jungla de Cristal 2’, ‘La isla de las cabezas cortadas’ o ‘Máximo riesgo’, entre otras. Con todo esto y aunque la calidad de las películas de este finés siempre se pone en entredicho (es el autor de ‘Hércules: el origen de la leyenda’), cabía esperar una película que no fuese de mera explotación. ‘En mar abierto’ es exactamente eso, pero con bastante buena calidad técnica.
¿Se puede tener tan mala suerte de que, tras la fortuna de sobrevivir a un aterrizaje forzoso en el mar, te veas rodeado de tiburones? Harlin piensa que es plausible y es la premisa que plantea para desarrollar la acción. Y lo hace a partir del texto los guionistas de películas calificadas casi de serie B como son Shane Armstrong y S. P. Krause, autores de ‘Bait’, ‘Black Chamber’ o ‘The Darkness’. Se percibe el bajo presupuesto pese a los nombres de su reparto, pero la película sale airosa por lo que comentaba anteriormente, hay una mano diestra tras la cámara y en postproducción que sabe darle a todo un halo de realismo y de película más costosa de lo que realmente es. Quien sabe, quizás si se hubiese concebido como originalmente se pensaba, que era como secuela de ‘Bait’, la cosa habría sido peor.
Harlin demuestra desde los primeros minutos que sabe manejar el ritmo. Tiene alguna que otra toma curiosa a la hora de reflejar la dimensión de la catástrofe o de darle espectacularidad a la acción, especialmente durante el accidente, donde la planificación transmite una sensación de caos bastante conseguida. Resulta llamativo que varias de las secuencias acuáticas se rodaran en grandes depósitos de agua combinados con escenarios físicos y efectos digitales, una solución habitual en este tipo de producciones que aquí logra un resultado más convincente de lo esperado.
También es interesante comprobar cómo el director recupera una idea que ya dominó en ‘Deep Blue Sea’: los tiburones funcionan mejor cuando son una amenaza constante que cuando ocupan el centro del plano. La tensión nace más de la espera que del ataque. Y por otro lado el coste, a raíz de tener que recrear menos tiburones, se reduce.
Un entretenimiento consciente de sus excesos
Uno de los mayores aciertos del guion de ‘En mar abierto’ consiste en no limitar toda la acción a un único espacio. La película dispone varios escenarios dentro del mismo desastre. Encierros, tensión social, carreras delante de un tiburón… Entre las tres consiguen mantener nuestra atención, que por supuesto solo quiere ver muertes con escualos. Esa fragmentación evita que la propuesta caiga en la monotonía y permite alternar momentos de suspense con otros mucho más cercanos al cine de aventuras.
Eso no significa que el libreto esté libre de decisiones cuestionables. Como en toda película de estas características hay alguna que otra decisión por parte de los protagonistas que carece de sentido o lógica. Hay personajes que parecen olvidar el peligro en el momento más inoportuno o que escogen siempre la alternativa más arriesgada. Sin embargo, Harlin parece plenamente consciente de ello y, en ocasiones, incluso juega con esos tópicos. No es casual la inclusión de un personaje que, en mitad del caos, grita el clásico «soy ciudadano americano», una frase que funciona casi como una broma metacinematográfica sobre determinados clichés del cine de acción estadounidense.
Dentro del reparto sorprende especialmente la presencia de Ben Kingsley. Su participación es prácticamente una broma, reducida a un papel tan breve que cuesta creer que un intérprete de su prestigio figure entre los principales reclamos del cartel. Más que un personaje, parece un elegante cameo destinado a aportar un nombre de peso a la producción.
Aaron Eckhart sostiene la aventura
Quien realmente carga con el peso del relato es Aaron Eckhart. El actor recupera el rol de piloto como ya hizo en ‘Sully’. Es uno de los protagonistas en esta historia que realmente tiene protagonismo compartido al fragmentarse en distintas situaciones, pero es evidente que la narración regresa a él una y otra vez. Eckhart aporta la presencia, más que demostrada anteriormente, como líder y cumple con el perfil de héroe clásico.
Y sí, llega ese momento que resume perfectamente la filosofía del filme: Aaron Eckhart liándose a golpes con un remo con un tiburón que le triplica en tamaño. Es una escena que supone una declaración de intenciones y que seguro que más de un superviviente real te diría que no es tan loca como parece. Sea como fuere está claro que Harlin no busca realismo, sino una diversión extraída de la tensión.
Un desastre aéreo que sabe cómo no acabar estrellándose
La producción es consciente en todo momento de qué clase de película quiere ser. No aspira al terror sofisticado ni a la profundidad psicológica. Aporta ciertos dramas para cada personaje pero su objetivo es mantener al espectador tenso durante poco más de hora y media enlazando accidentes, ataques, rescates imposibles y algún que otro sacrificio heroico.
‘En mar abierto’ no alcanzará el estatus de clásico dentro del subgénero de tiburones, pero sí representa cierto sector del terror actual que esquiva la parte peyorativa de la etiqueta serie B comprendiendo perfectamente cuáles son sus fortalezas. Renny Harlin aporta el oficio suficiente para ello. Es un pasatiempo honesto y a veces eso basta para disfrutar.
Por último, cabe señalar que la película tiene factura española pues está producida por Nostromo Pictures y parte de su rodaje ha transcurrido en Canarias. La banda sonora es del getxotarra Fernando Velázquez y han trabajado en ella estudios de efectos como Orca Studios o El Ranchito. Es pro ello que está dedicada a la memoria de Lionel Estivill, experto en VFX quien con solo 34 años fue profesor de la ESCAC y trabajó en películas como ‘Transformers’, ‘Thor’, ‘Paddington’ o ‘Apocalipsis Z’.
Ficha de ‘En mar abierto’
Estreno en España: 7 de agosto de 2026. Título original: Deep Water. Duración: 110 min. País: EE.UU., España. Dirección: Renny Harlin. Guion: Pete Bridges, Shayne Armstrong, S.P. Krause. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: DJ Stipsen. Reparto principal: Ben Kingsley, Aaron Eckhart, Angus Sampson, Molly Belle Wright. Producción: Nostromo Pictures, Arclight Films, Aristos Films, Aventura, Blue Rider Pictures, Pink308, Rabbits Black, SSS Entertainment, Simmons/Hamilton Productions, Top Film Distribution. Distribución: DeAPlaneta. Género: acción, terror. Web oficial.
David Lowery puede gustar o no, pero no podemos negar que siempre nos trae cosas originales, distintas y visualmente logra siempre crear un montón de sensaciones. ‘Mother Mary’ es un sinfín de sensaciones, musicales, sensoriales, visuales que logran que te quedes inmerso en estas casi dos horas de película.
El reencuentro de dos almas en un ático
Un icono del pop de fama mundial regresa a los escenarios tras un grave accidente. Quiere volver de una manera espectacular y perfecta y para ello decide huir a un campo inglés en busca de Sam Anselm, su antigua diseñadora de vestuario de la cual se había distanciado desde hace mucho tiempo.
La película es un gran diálogo entre ellas dos, recordando, echándose cosas en cara pero sin rencor. El rencor ya se terminó, solo queda una tristeza que vemos reflejada en el ambiente. El color de la película logra representar este sentimiento desde que entramos en el estudio de la diseñadora. Ellas dos son la película, mostrando su alma desde el momento en el que Mary entra en la habitación y ambas deben enfrentarse a sus fantasmas pasados. ‘Mother Mary’ me ha gustado muchísimo, un musical, un thriller psicológico, un toque terrorífico pero sin fantasmas reales.
David Lowery y sus metáforas
Qué deciros de este director, todos nos acordamos de ‘A Ghost Story’ o ‘El Caballero verde’, películas que al igual que ésta, juega mucho con las metáforas, con los colores y por supuesto logra sacar todo el jugo a sus actrices. Ambas están perfectas.
La película es super teatral, al principio la cámara casi es fija, se mueve, pero apenas lo notamos. Después de un baile, la cámara juega con el espectador, comienza a moverse de maneras diferentes mostrándonos distintos planos desde lugares insospechados. También vemos como cuida todo hasta el último milímetro. Y es que la imagen “fantasmal” que vemos en la cinta, no tiene CGI, está creada por el artista Daniel Wurtzel y es increíble la sensación que logra con una simple tela. Es espectacular.
Anne Hathaway y Michaela Coel un dúo espectacular
Sin lugar a dudas la película son ellas dos. Dan una clase magistral de actuación y de como poner los pelos de punta simplemente con sus miradas, sus silencios y sus diálogos llenos de amor, tristeza y bastante nostalgia.
En Anne Hathaway vemos el trabajo impresionante de físico y también vocal. Ya la habíamos escuchado cantar en ‘Los Miserables’, pero aquí no solo canta, si no también baila, se mueve como una gran reina del pop. Con un vestuario espectacular que le va como anillo al dedo.
Pero Michaela Coel no se queda atrás. Encargada de dar vida a esta diseñadora que nos deja ver la tristeza que tiene al ver a su antigua musa. Y a la vez, disfruta al imaginarse el vestido perfecto mientras van hablando. No creo que hubiesen cogido a nadie mejor para representar este papel lleno de paz y viveza. En la cinta también aparece Hunter Schafer, no tiene un papel principal, pero lo que la vemos, como siempre está muy bien.
Un vestuario impecable
Esta película como he comentado es el vestuario y su color. Bina Daigeler es la encargada de lograr que todo sea perfecto. Aunque también tenemos algún diseño de Iris van Herpen y Yohji Yamamoto.
En un principio el vestuario iba a ser simplemente dibujos o fotografías, pero al ver los diseños, David Lowery decidió que Anne Hathaway tendría que salir con ellos viendo las distintas actuaciones musicales. Michaela Coel fue alumna suya antes del rodaje para aprender los movimientos de la modista y poder darle más realidad a su personaje.
Música y espectáculo
La película está llena de música, de baile, aunque sea de una manera secundaria. Pero Mary es una gran cantante y debemos ver también parte de su vida para entender todo lo que vamos viendo. Las actuaciones son increíbles, como he comentado, se ve el gran trabajo de Anne Hathaway tanto físicamente como vocal y es la verdad que lo hace genial.
‘Mother Mary’ quizás no sea para todo el mundo es una película muy sensorial, llena de metáforas y que sin duda puede pesar un poco. Para mi ha sido una cinta muy inmersiva, entre la música, los colores, los movimientos de las telas y por supuesto, sus dos actrices que están inmensas. Es una película que recomiendo mucho, ya sea solo por la experiencia de verla ya solo sea por lo diferente que es.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de julio de 2026. Título original: Mother Mary. Duración: 112 min. País: Reino Unido. Dirección: David Lowery. Guion: David Lowery. Música: Daniel Hart. Canciones de Charli XCX, Jack Antonoff. Fotografía: Andrew Droz Palermo y Rina Yang. Reparto principal: Anne Hathaway, Michael Coel, Hunter Schafer, FKA Twigs, Sian Clifford. . Producción: A24, Augenschein Filmproducktion, Homebird Productions, Sailor Bear, First Look, Access Entertainment, IPR.VC. Distribución: Elastica Films. Género: Ficción. Web oficial.
‘Jumanji: Mundo Abierto’ presenta su primer tráiler y confirma su estreno en cines para el 25 de diciembre
Sony Pictures ha lanzado el tráiler oficial de ‘Jumanji: Mundo Abierto’, la esperada película que pondrá el broche final a la exitosa trilogía iniciada en 2017. La nueva aventura volverá a reunir a Dwayne Johnson, Kevin Hart, Jack Black y Karen Gillan, quienes regresan para enfrentarse al mayor desafío de la franquicia hasta la fecha.
Dirigida por Jake Kasdan, responsable de las dos anteriores entregas, y con guion firmado por el propio Kasdan junto a Jeff Pinkner y Scott Rosenberg, la película llegará exclusivamente a los cines el próximo 25 de diciembre, convirtiéndose en una de las grandes apuestas cinematográficas para las Navidades de 2026.
Jumanji abandona el videojuego y llega al mundo real
Tras sobrevivir en anteriores ocasiones a las peligrosas selvas y desafíos del universo de Jumanji, los protagonistas descubrirán que esta vez las reglas han cambiado por completo. Según adelanta la sinopsis oficial, el legendario juego deja de estar confinado dentro de la consola y comienza a invadir el mundo real, provocando un auténtico caos que obligará a los héroes a enfrentarse a peligros nunca vistos.
Este nuevo planteamiento supone el mayor cambio de la saga hasta la fecha, trasladando la acción fuera del videojuego y ampliando considerablemente la escala de la aventura. Algo similar a lo que sucedía en la película original.
Regresa el reparto protagonista de la trilogía
La película recupera a los cuatro grandes protagonistas que han convertido la franquicia en un éxito internacional:
Dwayne Johnson
Kevin Hart
Jack Black
Karen Gillan
El equipo volverá a combinar humor, acción, aventuras y criaturas fantásticas en una historia que promete despedir la trilogía por todo lo alto.
Tráiler oficial de ‘Jumanji: Mundo Abierto’
Sony Pictures ya ha publicado el primer tráiler oficial, donde puede verse cómo el universo de Jumanji invade el mundo real y transforma la vida cotidiana en una gigantesca aventura llena de peligros, criaturas y situaciones imposibles.
El avance anticipa una producción de gran espectáculo visual, manteniendo el tono de acción y comedia que ha caracterizado a las anteriores entregas.
Estreno en cines el 25 de diciembre
‘Jumanji: Mundo Abierto’ llegará exclusivamente a los cines el 25 de diciembre de 2026, convirtiéndose en uno de los grandes estrenos familiares de la campaña navideña y en la conclusión de una de las franquicias de aventuras más exitosas de los últimos años.
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