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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘Logan’

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Sinopsis

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Dirigida por James Mangold e interpretada por Hugh Jackman,  la película está ambientada en un futuro desolador y oscuro donde la mayoría de mutantes han desaparecido, y presenta el lado más humano de Logan (verdadero nombre de Lobezno).
En un futuro cercano, un cansado Logan cuida del Profesor X en un escondite en la frontera de México. Los intentos de Logan por esconderse del mundo y ocultar su legado terminan súbitamente con la aparición de una joven mutante perseguida por fuerzas oscuras.

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Crítica

Un final digno del Lobezno de una generación.

Decir que Lobezno, tanto el de los cómics como al que ha dado vida Hugh Jackman durante los últimos diecisiete años, es el personaje favorito de muchísima gente es una gran obviedad. Casi tanto como el hecho de que las dos películas que ha tenido en solitario no fueron bien recibidas, ya que parecía que no se les había puesto el mismo cariño que merecía el mutante canadiense. Por suerte, esto ha cambiado, y en Logan tenemos, por fin, la gran película de Lobezno. Su canto del cisne.

Sin duda uno de los puntos fuertes del film es su situación temporal. En Logan se nos presenta el futuro (quien sabe si no EL futuro sino UN futuro, ya sabemos que con los mutantes no hay nada escrito en piedra), el año 2029, con un James Howlett derrotado, cansado, y que simplemente quiere vivir en una relativa paz trabajando como chófer de limusina, mientras cuida de un nonagenario Charles Xavier con la ayuda de Calibán. Por supuesto, la vida de estos tres personajes sufrirá un terremoto cuando aparezca un nuevo mutante, la pequeña Laura, a la que tendrán que ayudar a escapar de la corporación representada por Donald Pierce.

El tono que nos ofrece James Mangold es bastante distinto a lo que nos ofreció en Lobezno: Inmortal, sobrevolando en ésta película un espíritu crepuscular que no se va a quitar en ningún momento, y un tono pausado, contando en cada momento lo que quiere contar y tomándose su tiempo para hacerlo. Se notan referencias a distintos tipos de géneros. En momentos nos parecerá que estamos ante una road-movie, para saltar a un western de un viejo vaquero, y por supuesto, una fabulosa película de acción.

Y es precisamente la acción la que más va a sorprender a los espectadores, ya que, por fin, tenemos a un Lobezno desatado en lo visual. Las escenas de lucha están coreografiadas de forma espectacular, sin necesidad de unos cambios de plano continuos y mareantes, y además es la primera vez que cuando se clavan las garras podremos ver la sangre que se espera de un corte de Lobezno.

Al hablar de la ambientación, también merece un punto muy destacable la música de Marco Beltrami, la cual está excelentemente aprovechada y nos va a ayudar a estar pegados a nuestra butaca en los momentos de tensión.

Para terminar, queda hablar de los actores. Hugh Jackman está simplemente maravilloso. Es el personaje al que ha representado durante muchísimo tiempo, y se nota que es parte de él, aunque no veremos la chulería a la que nos tenía acostumbrados, sino a un Lobezno derrotado, que simplemente espera a que llegue su momento para irse sin hacer ruido. Patrick Stewart recupera a un Profesor Xavier anciano, que ha visto demasiadas cosas, pero en el que seguimos viendo un destello de la esperanza que le llevó a crear a los X-Men. Boyd Holbrook está correcto como Donald Pierce, aunque como es habitual ya en los filmes de Fox su parecido con el personaje de los cómics es meramente testimonial.  Pero si alguien destaca es Dafne Keen en su personaje de Laura. Es increíble cómo ésta pequeña actriz puede dar tanta vida y transmitir tanto al público sin necesidad de abrir la boca durante la primera hora y pico de metraje.

Quizá sea ese precisamente el único pero que ponerle a la película. Aun respetando el tono pausado y de despedida que tiene, salimos con la sensación de que hubiera quedado aún más redonda con unos cuantos minutos menos. Pese a eso, estamos ante la mejor película en solitario de Lobezno, y probablemente una de las tres mejores películas de toda la saga de X-Men.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de marzo de 2017. Título original: Logan. Duración: 135 min. País: EE.UU. Director: James Mangold. Guión: David James Kelly. Música: Cliff Martinez. Fotografía: John Mathieson. Reparto principal: Patrick Stewart, Hugh Jackman, Boyd Holdbrook, Richard E. Grant, Stephen Merchant, Dafne Keen. Producción: 20th Century Fox, Donners’ Company, Marvel Entertainment, TSG Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: aventura, cómic, ciencia ficción, superhéroes. Web oficial: http://www.loganlapelicula.es/

Crítica: ‘Swiss Army Man’

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Sinopsis

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Hank (Paul Dano) está perdido en una isla desierta y no tiene ninguna esperanza de volver a casa. Pero todo cambia un día cuando un cadáver llamado Manny (Daniel Radcliffe) llega a la orilla; los dos se hacen enseguida amigos y acaban embarcándose en una aventura épica que devolverá a Hank la mujer de sus sueños.

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Crítica

Cuando lo absurdo esconde algo más trascendental.

Llega a las carteleras ‘Swiss Army Man’, pero esta ganadora de Sitges y azote de los críticos de Sundance se estrena de un modo poco merecido pues va a estar muy poco presente. Y si, esta es una crítica y mi anterior argumento no pertenece a un artículo de noticias. Escribo y opino que va a poder ser vista por demasiada poca gente pues pertenece a un cine gamberro que no solo le gusta a mi perturbada mente, sino a toda una generación de personas que disfruta en el cine viendo algo sinvergüenza y distendido.

El público que ha crecido y madurado con el Harry Potter de Daniel Radcliffe puede comprobar cómo este actor ha dejado atrás a ese personaje (aunque ya lo viene haciendo con películas como ‘Horns’ o ‘Victor Frankenstein’ y lo hará con ‘Imperium’). Lo curioso es que tenga que recurrir a producciones a priori inmaduras como esta para conseguir sacar a delante una carrera más firme. Films que en principio pueden parecer que solo buscan provocar. Así lo sugiere el zombie que se tira pedos, tiene erecciones que se usan como brújula, emana agua por la boca…¡Y mucho más! Como el título indica, es una auténtica navaja suiza humana. Desde luego no estoy de acuerdo con la clasificación para mayores de 12 años que se le ha otorgado, ni se os ocurra llevar a mentes tan jóvenes a trastornarse con este largometraje. Las sucesivas ocurrencias de Kwan y Scheinert (los Daniels) mantienen expectantes al espectador. Es tremendo descubrir la serie de disparates que se pueden rodar con un naufrago y un muerto. Aunque el ritmo traza una onda casi sinusoidal por lo general se conserva muy por encima del de producciones mucho más destacadas y políticamente correctas.

Pero a pesar de lo hilarante que puede parecer todo ‘Swiss Army Man’ tiene un final sorprendente y con un giro de lo más serio y emocional. A medida que la película avanza se desenmascara un mensaje casi filosófico y existencialista. Y es que a veces hay que descender a la locura para hacer aflorar los dilemas que los humanos tienen y los animales no. «Pozos profundos deben ser cavados si quieres agua clara» que decía una canción de Rammstein.

El casi inmóvil trabajo de Radcliffe viene respaldado por la perpleja interpretación de Paul Dano, un actor que viene demostrando desde bastante antes su madurez artística. Y por si fuese poco otro talento joven da la puntilla, Mary Elizabeth Winstead.

Por desgracia hay quien se empeña en que este tipo de películas siga siendo motivo de culto y poco más. Parece que no se tiene en cuenta que haya ganado premios en festivales como Sitges o Sundance, del cual salieron nombres como Tarantino, James Wan o Kevin Smith). Lo cierto es que me ha costado y esto es lo más serio que me sale a la hora de escribir sobre esta locura de película, pero os la recomiendo si tenéis un sentido del humor abierto y buscáis algo radicalmente diferente. Ya me diréis si habéis conseguido evitar salir tarareando su pegadiza banda sonora.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de febrero de 2017. Título original: Swiss Army Man. Duración: 95 min. País: EE.UU. Director: Dan Kwan, Daniel Scheinert. Guión: Dan Kwan, Daniel Scheinert. Música: Andy Hull, Robert McDowell. Fotografía: Larkin Seiple. Reparto principal: Paul Dano, Daniel Radcliffe, Mary Elizabeth Winstead, Timothy Eulich, Richard Gross, Marika Casteel, Aaron Marshall, Antonia Ribero, Shane Carruth. Producción: Cold Iron Pictures, Tadmor, Astrakhan Film SB, Blackbird Films. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: comedia, fantástico. Web oficial: http://swissarmyman.com/

Crítica: ‘Es por tu bien’

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Sinopsis

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La peor pesadilla para un padre con una hija es que ésta crezca y llegue el día en el que le presente a su novio… que inevitablemente será un tipo despreciable, un tipo que busca una sola cosa de su preciada y amada niñita. Y ese día es precisamente el que les llega a Arturo, Poli y Chus: sus dulces hijas han decidido tirar su futuro a la basura emparejándose con tres novios abominables. Así que la única solución es aunar fuerzas para librarse de ellos como sea… ¡es la guerra!

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Crítica

Como decía el risitas, ¡cuñaaaooo!

‘Es por tu bien’ nos llega bajo la dirección de Carlos Therón, director de ‘Olmos y Robles’, ‘El Chiringuito de Pepe’ o ‘Fuga de cerebros 2’. Pero lo que le da más empaque y esperanzas a la cinta son sus guionistas. Ellos son el escritor Josep Gatell (‘José Mota Presenta’, ‘En el aire con Andreu Buenafuente’) y el actor, y también guionista, Manuel Burque (‘Perdona si te llamo amor’, monólogo ‘Superman también se toca’). Han demostrado desde hace tiempo sus dotes para la comedia, sobre todo si hablamos a la hora de hacer chistes y monólogos. En esta ocasión lo vuelven a hacer pues nos mantienen constantemente riéndonos y además con un gusto popular y acertado.

Los cuñaos en uno u otro sentido están de moda y aquí tenemos tres. El de José Coronado es el  clasista y de comportamiento compulsivo, el de Javier Cámara el pesado y calzonazos y el de Roberto Álamo es el malhumorado tipo duro y currelante. No podrían haber elegido a mejores actores para encarnar a estos tres individuos. Entre ellos se apoyan y secundan ante una situación que no querían y que intentan remediar cueste lo que cueste pensando que es lo que mejor les viene a sus hijas. ¡Qué bien se le da la comedia a Cámara! Y qué bien se desenvuelve también Coronado. Álamo y algún actor más se quedan en el limbo entre la caricatura y la sobreactuactiación, pero hacen gracia.

Queda claro que los protagonistas aquí son los padres. La atención recae en segundo plano hacia hijas (Andrea Ros, Silvia Alonso, Georgina Amorós), sus novios (Miki Esparbé, Luis Mottola, Miguel Bernardeau) y las madres (Pilar Castro, Carmen Ruiz, María Pujalte). Me he molestado en nombrar a todos porque realmente quiero incidir en lo acertado del casting de la película. Pero si entre ellos no encontramos nombres y argumentos suficientes tenemos un reparto de extras y secundarios que quita el hipo. Luis Callejo, Mabuel Burque o Manolo Solo, va sobradísima la película.

En ‘Es por tu bien’ enemos todo multiplicado por tres. Padres, madres, hijas, novios, problemas… Lo cierto es que recuerda en varios aspectos a la gran película francesa ‘Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?’, pero a la española, incluso comparte algún chiste. Podríamos decir, por buscar un referente más actual, que también está en la línea de ‘¿Tenía que ser él?’, pero con mucho mejor gusto en cuanto al tipo de humor y al no caer en tópicos de nuestro cine, como los chistes verdes. Al ser una sátira sí que encontramos personajes estereotipados, sacados de las más conocidas tribus urbanas como los ninis vagos, los argentinos ligones o los perroflautas alborotadores (por cierto que el papel de Esparbé podría servir de precuela de esa excelente película que fue ‘El Rey Tuerto’).

Finalmente la película se toma la licencia de darnos algún momento adoctrinador a través del examen de conciencia de los personajes protagonistas. Pero lo hace sin abandonar la comedia por mucho rato, como he dicho a nuestra sonrisa no se le da mucho descanso. Cada uno puede extraer una moraleja más o menos parecida de la película. Yo me quedo con que en ocasiones los peores padres pueden ser aquellos que se comportan como los peores suegros. En lo que coincidiremos casi todos es en que ‘Es por tu bien’ se ha construido como una comedia de ideas, diálogos y situaciones hilarantes. Además con su justa duración resulta muy recomendable para ver en cines.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de febrero de 2017. Título original: Es por tu bien. Duración: 93 min. País: España. Director: Carlos Therón. Guión: Manuel Burque, Josep Gatell. Música: Javier Rodero. Fotografía: Miguel P. Gilaberte. Reparto principal: José Coronado, Roberto Álamo, Javier Cámara, Silvia Alonso, Georgina Amorós, Pilar Castro, Andrea Ros, Miki Esparbé, María Pujalte, Miguel Bernardeau, Carmen Ruíz, Luis Mottola. Producción: Telecinco Cinema, Quexito Films, Mediaset España, Movistar+. Distribución: Buena Vista International (Walt Disney). Género: comedia. Web oficial: https://www.quexito.com/esportubien/

Crítica: ‘El viajante’

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Sinopsis

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Ante el peligro de derrumbe del edificio en el que viven de alquiler, Emad y Rana se ven obligados a mudarse a otro lugar. Un incidente relacionado con la inquilina anterior cambiará dramáticamente la vida de la joven pareja.

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Crítica

Humanismo coherente y buen cine.

Cuando una pareja se ve obligada a dejar su vivienda y cree tener la suerte de encontrar rápidamente otra casa les sucede algo traumático. Esa situación es el detonante de la verdadera razón de ser y de las pretensiones de ‘El viajante’. Se produce sin necesidad de mostrar, si no de sugerir y de poco a poco ir desgranando de un modo delicado todo lo sucedido. Lo que comienza como un duro suceso se torna en una obsesión y una búsqueda para uno de los dos protagonistas pero irónicamente para el otro supone una pugna por olvidar. Se logra así una dicotomía muy enriquecedora.

El guión también está firmado por el director y también en él se nota su sello. El ganador del Oscar Asghar Farhadi ha sabido comprender y casi por inercia también reflejar como alguien puede comenzar a comportarse de un modo lógicamente irracional. Una tarea muy difícil que ha conseguido gracias a la sutileza y profundidad. El hacer de Sahab Hosseini un esmerado, inquieto y preocupado marido y de Taraneh Alidoosti una traumatizada y atemorizada mujer solo puede ser fruto de la meticulosa observación de las contradicciones humanas. Todo está narrado a través del naturalismo y de varias metáforas o paralelismos. Bravo en ese sentido para Farhadi.

Este relato casi detectivesco nos plasma como se puede perder a quien se ama a través de lo que parecen buenos actos y decisiones. Si nos quedamos con lo superficial tendremos el desarrollo de una crisis de pareja. Pero si empezamos a quitar capas nos encontramos otras lecturas. Dilemas morales, apreciaciones sociopolíticas y la capacidad de perdonar parecen ser los principales pilares en los que se sostiene ‘El viajante’. Ante tales materias de tanto interés y peso puede parecer que la fotografía y la música sean muy simples, pero en mi opinión es algo intencionado que solo busca alejarse del espectáculo meramente entretenido.

Una de las pegas más destacables de la película es su final. No es que pueda parecer insuficiente o que esté mal narrado. Se prolonga innecesaria y agónicamente, en varios sentidos. Sin duda es resultado del esfuerzo de Farhadi por crear una cinta sumamente creíble.

Desde luego es de las que produce coloquios a la salida del cine. Se intenta desbancar de la cultura o idea retrógrada que se puede tener de la sociedad iraní. Farhadi sin duda hace escuela y no solo entre sus compatriotas.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de marzo de 2017. Título original: Forushande (The Salesman). Duración: 125 min. País: Irán. Director: Asghar Farhadi. Guión: Asghar Farhadi. Música: Sattar Oraki. Fotografía: Hossein Jafarian. Reparto principal: Shahab Hosseini, Taraneh Alidoosti, Babak Karimi, Mina Sadati. Producción: Arte France Cinéma, Farhadi Film Production, Memento Films Production. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=399

Crítica: ‘Fences’

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Sinopsis

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La historia de ‘Fences’ tiene lugar en la década de 1950 y gira en torno a una antigua estrella del béisbol americano que, por circunstancias, ahora se ve obligado a trabajar recogiendo basura.

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Crítica

Grandes interpretaciones a merced de un tupido guión.

Como norma general cuando un actor se pasa al rol de director (o a ambos a la vez) comienza a dar igual el resto del reparto o el guión, por ejemplo. Bien es cierto que el resultado final del largometraje depende en gran medida del director, pero no hay que menospreciar el resto de factores y personas pues en un caso como ‘Fences’ no son desdeñables.

Las interpretaciones de Viola Davis, Denzel Washington o Mykelti Williamson son soberbias. Todos han comprendido el carácter de este interesante drama y han modulado su intensidad acorde a él. Quiero creer que esto depende también del papel de Washington como director. Malo sería que no se le diese bien a él y Davis actuar en esta película ya que repiten el trabajo que hace siete años hicieron sobre un escenario. Lo cierto es que han ido a lo seguro pero la película tiene pegas.

‘Fences’ no es un intento de adaptar o enriquecer la obra original en la que se basa. Parece más bien un copia y pega realizado por el propio autor de la versión teatral, August Wilson, que aquí ejerce de guionista. En ese sentido resulta una cinta un poco vaga y Denzel Washington, experimentado o no como director, debería haber velado por traducir el lenguaje de un medio a otro.

El guión resulta espeso, sobre todo en su primera mitad. Durante hora y media todo lo que tenemos son conversaciones, sin descanso y en su mayoría discursos de Denzel Washington. Si la veis en versión original y necesitáis leer los subtítulos preparaos para leer rápido. Hay tanto diálogo que leeréis más de lo que habrá leído Messi en toda su vida. Solo hay algunas transiciones que duran escasos segundos. Pasada la mitad del filme recibimos un respiro y un cambio de ritmo acompañados de prácticamente la única canción de la banda sonora y de imágenes fotogénicas.

Es excesivamente teatral, con personajes entrando y saliendo en la única localización del filme. No sé si es intencionado o no pero tarda mucho en mostrarnos el quid de la cuestión, el sino de esta película. Y eso que da constantes saltos en el tiempo. Lo cierto es que al final se logra un resultado en el espectador. Denzel Washington consigue que simpaticemos u odiemos a unos y a otros, además de prepararnos para una preciosa escena final. Puede quedar para los anales cinematográficos el último momento de este filme, te pone los pelos de punta.

El personaje de Denzel Washington es el claro protagonista. Tiene casi todo el texto, es complejo y está castigado por diversas razones (racismo, infancia traumática, carrera deportiva frustrada, hermano problemático). Lo paga con los que cruzan su valla y entran en su propiedad, que es su mundo, un mundo que ha de funcionar como él dice. Pero no vayáis a pensar que todo es Washington. Como he dicho al principio otros actores nos ofrecen su mejor versión. La persona a la que encarna Washington en realidad está a merced de la de Viola, por motivos que no conviene decir para no quitarle la gracia a la película. Ella le da las réplicas más importantes y sin ella no habría película.

En referencia a los próximos Oscar creo que no se merece la nominación a guión adaptado y que es muy difícil que se lleve el de mejor película. En cuanto a las dos nominaciones de Davis y  Washington si que considero que son fuertes, si no claros candidatos. Los académicos podrán elegir sus ganadores, yo podré tener o no razón pero es mi sincera opinión fuera de postureos y gafapastismos.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de febrero de 2017. Título original: Fences. Duración: 133 min. País: EE.UU. Director: Denzel Washington. Guión: August Wilson. Fotografía: Charlotte Bruus Christensen. Reparto principal: Denzel Washington, Viola Davis, Mykelti Williamson, Russell Hornsby, Saniyya Sidney, Stephen Henderson, Jovan Adepo, Toussaint Raphael Abessolo, Mark Falvo, Christopher Mele, Phil Nardozzi, Dontez James, Terri Middleton, Malik Abdul Khaaliq, Chris McCail. Producción: Paramount Pictures, Scott Rudin Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: drama. Web oficial: http://www.fencesmovie.com/

Crítica: ‘T2: Trainspotting’

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Sinopsis

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Han pasado 20 años. Muchas cosas han cambiado, pero otras muchas siguen igual. Mark Renton (Ewan McGregor) vuelve al único sitio que considera su “casa”. Allí le esperan: Spud (Ewen Bremner), Sick Boy (Jonny Lee Miller), y Begbie (Robert Carlyle). Otros viejos amigos también le esperan: pena, fracaso, alegría, venganza, odio, amistad, amor, deseo, miedo, remordimiento, diamorfina, autodestrucción y peligro mortal, todos ellos alineados para darle la bienvenida, preparados para unirse al baile.

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Crítica

Un nuevo chute de buen cine que nos regala Danny Boyle.  

Para comenzar decir que ‘Trainspotting‘ es una de mis películas favoritas, me impactó, ya no solo la historia, sino su manera de ser rodada, sus actores, su música, todo en general. He ido a ver ‘T2: Trainspotting’ con la cabeza vacía, sin pensar que iba a ver la secuela de una de mis películas favoritas, sino una cinta nueva y ya está, sin pretensiones y he salido encantada.

Basada en la obra de Irvine Welsh ‘Porno‘ , ‘T2: Trainspotting’  regresa con el hijo pródigo, Renton regresa a Edimburgo, a reencontrarse con sus antiguos amigos, aquellos a los que traicionó. Unos acabaron en la cárcel, otros con negocios sucios y todos siguen metidos en el terrible círculo vicioso de la droga.

El director nos muestra un rodaje no tan frenético como en la primera parte, pues nos deja claro el paso de los años, el envejecimiento de los protagonistas es mostrado con los movimientos de cámara más lentos, sin dejar los primeros planos de los protagonistas que tanto le gustan a Boyle.

Realmente ‘T2: Trainspotting’ es una película muy nostálgica y ya no nostálgica hacia su primera parte, que también, sino más bien es una cinta en la que cualquiera nos podemos sentir identificados, pues es la nostalgia hacia un tiempo mejor, un tiempo sin preocupaciones, sin responsabilidades, donde quedar con los amigos es mejor que un trabajo, donde elegir la vida era una opción.

Danny Boyle ha logrado recuperar al antiguo elenco y como anteriormente he dicho, al igual que en la cinta, el hijo pródigo ha vuelto, y Ewan McGregor decidió volver a trabajar con Danny Boyle después de su enfado por no contar con él para ‘La Playa’, en las entrevistas que han dado han dicho ambos que estaban muy arrepentidos.

Todos están estupendos, hacer una mención especial para Ewen Bremner, que aunque después de la primera cinta, sabemos que es uno de los grandes secundarios del cine, en esta secuela tiene un papel muy importante y su actuación es impecable.

Una curiosidad acerca de las actuaciones y es que Irvine Welsh, el escritor de la saga, vuelve a aparecer en la cinta, así que curiosear y buscarle.

Otra de las cosas a nombrar su banda sonora, muy al estilo que la de la anterior cinta, con los temas principales como Lust for life de Iggy Pop o Born Slippy de Underworld y con temas nuevos como Radio Ga Ga de Queen.

Puede ser que ‘T2: Trainspotting’  no sea necesaria, pues después del final de su predecesora nos podíamos conformar, pero realmente me alegro que Danny Boyle haya ido a por todas para realizarla y conseguir hacer que nos reencontremos con los antiguos personajes y volver a disfrutar de ellos.

‘Si eres un adicto, eres un adicto. Pero engánchate a otra cosa. Elige a quien te quiere. Elige tu futuro. Elige la vida.’

 Ficha técnica

Estreno en España: 24 de febrero. Título original: T2: Trainspotting. Duración: 117 min. País: Reino Unido. Director: Danny Boyle. Guión: John Hodge (Novela: Irvine Welsh). Música: Rick Smith. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kelly Mcdonald, Shirley Henderson, Steven Robertson, Anjela Nedyalkova, Irvine Welsh. Producción: Tristar Pictures, Sony Pictures Entertainment, Film4. Distribución: Sony Pictures. Género: Drama. Web oficial: http://www.sonypictures.com/movies/t2trainspotting/

 

Crítica: ‘El nacimiento de una nación’

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Sinopsis

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Ambientada en el Sur de Estados Unidos treinta años antes del estallido de la Guerra de Secesión y basada en hechos verdaderos, ‘El nacimiento de la nación’ narra la historia de Nat Turner (Nate Parker), un instruido esclavo y predicador cuyo propietario Samuel Turner (Armie Hammer), que atraviesa por dificultades económicas, acepta una oferta para utilizar la predicación de Nat para someter a esclavos rebeldes. A medida que va siendo testigo de innumerables atrocidades –de las que son víctimas él mismo, su esposa Cherry (Aja Naomi King) y sus compañeros de esclavitud—, Nat organiza un levantamiento con la esperanza de llevar a su pueblo a la libertad.

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Crítica

Más mártires que héroes, más reiteración que revelación.

Jackie Earle Haley interpretó a Rorschach en ‘Watchmen’ y ahí llevaba una máscara donde la tinta negra se revolvía sobre una tela blanca. No es más que una simple metáfora de la que hago uso para hablaros de un actor que aparece en este filme que trata sobre la lucha del hombre afroamericano por su libertad. Una filmación sobre una de las muchas víctimas que sufrieron la esclavitud y cuya historia está documentada. No diré que fue uno de los detonantes de la guerra que posteriormente sucedió allí, pero si pudo significar una inspiración para muchos.

También quería comenzar hablando de Jackie Earle Haley pues su final representa una de las mayores ridiculeces del filme. Conste que estoy hablando de coherencia narrativa no de la fuerza y del significado del mensaje de la película. Pero a veces no basta con ofrecer un buen discurso, por mucho que se acompañe explícitamente de las mayores atrocidades. El primer largometraje dirigido y protagonizado por Nate Parker nos promete hablar del nacimiento de una nación. Que sí, uno de los gérmenes fue la lucha por la a abolición de la esclavitud, pero esta película permanece demasiado estancada en ese punto sin alcanzar estadios mayores, sin transcender a lo que nos promete. Esta es la historia de unos mártires que sentaron bases, más que de unos héroes luchando por forjar una patria. Se centra tanto en la espeluznante opresión de la raza blanca que por momentos se olvida de su objetivo. De hecho solo tenemos media hora sobre la sublevación que promovió Nat Turner, el resto es drama racial, familiar y amoroso. La crónica real queda supeditada por la crítica histórica.

La historia de Nat Turner es verídica y así se ha procurado mostrar con una visceral y cuidada fotografía. En ‘El nacimiento de una nación’ la imagen se convierte en una sierva a merced del discurso antiesclavista. Estampas religiosas, cruda realidad, bellos campos de algodón manchados de sudor y sangre… Sirven de apoyo a los argumentos tan manidos a los que me he referido antes. Hay que reconocer que el trabajo de Elliot Davis (‘La dama de hierro’) es muy rico.

La última media hora del filme tiene un cambio de ritmo que no consigue que nos emocionemos, seguramente debido a que ya sabíamos lo que iba a pasar. Lo absurdo de la trampa que se ha rodado y lo mal que se ha explicado el final liquida la película. A esto le incluimos más de una mala actuación, como la de Roger Guenveur Smith ejerciendo de mayordomo, que le restan brillantez al trabajo interpretativo de  Nate Parker y tenemos una película con pocos argumentos nuevos que ofrecernos. Si asombrosamente has esquivado las bombas de racimo con las que nos han insistido sobre las historias de esclavitud de Estados Unidos te podrá resultar curiosa.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de febrero de 2017. Título original: The birth of a nation. Duración: 120 min. País: EE.UU. Director: Nate Parker. Guión: Nate Parker, Jean McGianni Celestin. Música: Henry Jackman. Fotografía: Elliot Davis. Reparto principal: Nate Parker, Armie Hammer, Jackie Earle Haley, Gabrielle Union, Aja Naomi King,Penelope Ann Miller, Aunjanue Ellis, Mark Boone Junior, Colman Domingo, Roger Guenveur Smith, Griffin Freeman, Jeryl Prescott, Steve Coulter, Katie Garfield,Cullen Moss, Aiden Flowers. Producción: Bron Studios, Mandalay Pictures, Phantom Four, Tiny Giant Productions. Distribución: 20th Century Fox. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://www.foxsearchlight.com/thebirthofanation/

Crítica: ‘Animales Nocturnos’

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Sinopsis

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Susan Morrow (Amy Adams) es una galerista afincada en Los Ángeles que comparte una vida privilegiada, aunque vacía, con Hutton Morrow (Armie Hammer), su segundo marido. Un fin de semana en el que su marido está en uno de sus demasiado frecuentes viajes de negocios, Susan encuentra un paquete en el buzón. Se trata de una novela escrita por su exmarido Edward Sheffield (Jake Gyllenhall), del que lleva años sin tener noticias. En una nota le pide que lea la novela inédita y que se ponga en contacto con él, pues se quedará unos días en la ciudad. Es de noche. Susan, sola en la cama, empieza a leer. Su ex le ha dedicado el libro…

…Pero el contenido es violento, demoledor incluso. A medida que lee, Susan se siente profundamente conmovida por las palabras escritas y empieza a recordar momentos íntimos de su historia de amor con el autor. Intenta profundizar dentro de sí misma e ir más allá de la apariencia de una brillante carrera y una vida perfecta. Se da cuenta de que la novela es una venganza, una historia que le obliga a volver a evaluar sus decisiones pasadas y que despierta un amor que creía haber perdido a medida que la historia se acerca a un desenlace que definirá tanto al protagonista de la novela como a ella misma.

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Crítica

Firme historia llevada a cabo por bestias de la interpretación.

Segundo trabajo de Tom Ford como director de cine tras haberse estrenado en 2009 con ‘Un hombre soltero’. En ‘Animales Nocturnos’, como diseñador de moda que es, cuida mucho la estética ofreciéndonos dos diseños de producción muy diferentes. Para la parte de Amy Adams ha empleado escenarios e imágenes contemporáneas y simbolistas. Sin embargo para lo que protagoniza Jake Gyllenhaal ha dispuesto un ambiente más realista, sucio y polvoriento. Este contraste es curioso ya que en las secuencias en las que vivimos la historia que en teoría es ficción parece un filme más realista o humano, sin embargo durante la narración que se nos presenta como real se nos adentra en una atmósfera más digna de ser vista en ARCO. Podría ser que la intención de Ford sea la de transmitirnos que en ocasiones lo ficticio es más verdadero que el mundo frívolo que nos rodea.

Pero no solo la ambientación refuerza mi teoría anterior. En ‘Animales Nocturnos’ Ford hace uso de una genialidad. Como si se tratase de una versión para adultos de ‘La historia interminable’ la mujer interpretada por Adams lee el libro que le ha enviado su ex-marido. Así pues vamos alternando entre lectura-reacción-lectura-reacción para poco a poco desgranar la historia. Vivimos una narración en presente y otra salida de la novela que se van  entremezclando cada vez más íntimamente. El nivel de cohesión llega a tal punto que Ford consigue mostrar cómo una persona puede vengarse de otra escribiéndole una novela. Esto lo hace obligándola no solo a empatizar si no también a hacer examen de conciencia y plantearse todas las decisiones de su vida.

El personaje de Gyllenhaal busca dar su merecido aquellos que se han cruzado en su vida y que como fieras nocturnas y salvajes le han despedazado el alma. Tenemos sendos relatos con mucha fuerza salidos de una novela de Austin Wright. El filme arranca con una burla al mundo consumista y superficial para terminar en lo más profundo de la psique humana. El amor, la crueldad, la venganza y la redención son las temáticas más buscadas en este tenso thriller. El conductor de ‘Animales Nocturnos’ es la vendetta y el descubrimiento de la verdad. Pero permanecemos con una constante dualidad ya que nos encontramos con dos represalias diferentes y dos revelaciones distintas.

Por si lo planteado no os parece suficiente os puedo asegurar que el reparto es de lujo. Entre ‘La llegada’ y este filme Amy Adams ha acabado 2016 por todo lo alto, sin despreciar su papel como Lois Lane, y sigue demostrando ser una de las mujeres que mejor se está fraguando su carrera en Hollywood, no defrauda. Por su parte, el otro protagonista, Jake Gyllenhaal se acerca a las mejores actuaciones de su carrera, otro que siempre deja el listón bien alto. Quizá el más flojo del equipo de actores sea Armie Hammer con su breve aparición como marido. Pero sobran buenos actores en ‘Animales Nocturnos’. No podemos perder ojo ni a secundarios ni a protagonistas. El villano de la obra ficticia encarnado por Aaron Taylor-Johnson deja patente por qué hay que confiar en este chico para papeles más allá de lo superheróico (ha sido Kick Ass y Quicksilver). Pero el que más brilla y despunta es Michael Shannon. Se merece por méritos propios su nominación al Oscar. Es una pena que no haya más hueco para este filme entre la lista de candidatos.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2017. Título original: Nocturnal Animals. Duración: 115 min. País: EE.UU. Director: Tom Ford. Guión: Tom Ford. Música: Abel Korzeniowski. Fotografía: Seamus McGarvey. Reparto principal: Amy Adams, Jake Gyllenhaal, Aaron Taylor-Johnson, Michael Shannon, Armie Hammer, Isla Fisher, Michael Sheen, Laura Linney, Kristin Bauer van Straten, Karl Glusman, Ellie Bamber, Toni French, Amanda Fields, Karli Karissa, Carson Nicely, Lee Benton, Imogen Waterhouse, Jena Malone. Producción: Focus Features, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, thriller. Web oficial: http://www.animalesnocturnos-lapelicula.es/

Crítica: ‘Hedi – Un viento de libertad’

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Sinopsis

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Hedi es un chico sencillo: no habla mucho, no tiene mucho carácter y no espera demasiado de una vida que ya tiene trazada. Indiferente ante todo lo que le rodea, acepta las cosas como se presentan: deja que su madre, autoritaria y avasalladora, organice su casamiento con Khedija;  que su jefe le mande a Mahdia la semana de su boda; y que su hermano mayor Ahmed, que ha venido de Francia para el enlace, le diga cómo debe comportarse.
En Mahdia conoce a Rym, una animadora de un hotel de playa en el que cada vez hay menos turistas. Hedi se sentirá atraído por su despreocupación y libertad, y acabarán teniendo una apasionada aventura. Pero los preparativos para la boda siguen su curso, y Hedi deberá elegir.

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Crítica

Poca sustancia para una ópera prima.

Desde el Túnez más moderno nos llega la primera obra del tunecino Mohamed Ben Attia. ‘Hedi – Un viento de libertad’ viene de participar en diversos festivales en los que su temática encaja muy bien y ha suscitado todo tipo de opiniones. Nos revela una historia que precisamente trata de eso, de revelarse. A través de una persona sumisa se consigue una especie de catarsis familiar y cultural, toda una emancipación.

Hedi es el nombre del personaje protagonista, el único protagonista de la cinta. Es una persona anodina, insípida y sin sangre. Va apagado y sumiso por la vida. Nadie atiende o se preocupa de lo que quiere, está atrapado en la vida que le viene o le planifican. Su jefe, su madre, su hermano… todos le controlan. Si pensabais que la totalidad de los hombres gobernaban la vida de las mujeres en las sociedades tradicionalmente islámicas, por suerte esta película os cambiará esa mentalidad. Hedi tiene sus aspiraciones y sus ideas de futuro pero no le dejan hacer. Ben Attia ha hecho que con cada comentario y acto que hace Majd Mastoura (Hedi), cuando le dejan decir o hacer algo, sea un clamor por un cambio en su vida, por ser libre.

Entonces surge algo que lentamente nuestro protagonista comienza a emplear como una vía de escape, como un desahogo e incluso como una venganza. Pero aunque Ben Attia plasma bien la dificultad del paso que Hedi quiere dar no nos sorprende ni nos lleva a puntos que no se puedan prever tras los primeros compases. Este primer y bien dirigido discurso del director Mohamed Ben Attia es curioso por lo que he comentado antes, pero no es enormemente interesante. Me resulta carente de fuerza, está demasiado acotado en su protagonista, no tiene suficiente visión universal. Es en la narrativa, en la manera de contarlo todo, dónde está el problema. Aunque nos ha dispuesto un final idóneo para el debate y la libre interpretación nos deja al margen y lejos de empatizar con un personaje que tiene una historia demasiado delimitada.

También se liga a nuestro protagonista a la Revolución de los Jazmines, si no me ha parecido entender mal. Podemos intentar comprender la película como una metáfora del cambio sufrido en el país tras la Primavera Árabe. Por lo tanto puede tener más interés para aquellos que estudien la historia contemporánea, la cultura árabe o en concreto la sociedad tunecina.

Ganó dos premios en el festival de Berlín y ha pisado la Seminci, festivales en los que entusiasma este tipo de cine. Yo personalmente demando algo más de atractivo para salir satisfecho de la sala.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de febrero de 2017. Título original: Hedi. Duración: 93 min. País: Túnez, Bélgica, Francia. Director: Mohamed Ben Attia. Guión: Mohamed Ben Attia. Música: Omar Aloulou. Fotografía: Frédéric Noirhomme. Reparto principal: Majd Mastoura, Rym Ben Messaoud, Sabah Bouzouita, Hakim Boumessoudi, Omnia Ben Ghali. Producción: Dora Bouchoucha. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=398

Crítica: ‘Jackie’

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Sinopsis

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Drama centrado en la figura de la señora Kennedy durante los cuatro días siguientes al famoso asesinato de su marido, el presidente de EEUU. En él se mostrará el impacto que causó el trágico suceso en su mujer, Jaqueline Kennedy, así como las repercusiones públicas y privadas que ésta tuvo en su vida. El resultado será un retrato de la que fuera Primera Dama, sin dejar de lado ninguna de sus facetas, haciendo especial hincapié en su faceta más humana.

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Crítica

Da gusto ver películas con enfoques tan diferentes como esta.

Me consta que hay quien  puede considerar ‘Jackie’ aburrida pero si nos estamos fijando constantemente en los detalles y las referencias históricas es de lo más entretenida. Además ver como Portman cambia su interpretación tan radicalmente en función de los días que se han filmado es algo totalmente provechoso. Larraín consigue recrearnos el cerebro y la vista sin entrar en polémicas, chismorreos y teorías de la conspiración, que suele ser lo más recurrente a la hora de hablar de los Kennedy.

El director chileno nos relata la historia de una primera dama que tuvo que cambiar su rol de manera radical. Que buscó modelos pasados en los que apoyarse para tratar de reinventarse y de ese modo desarrolló una conducta ejemplar para sus sucesoras. Además lo ha hecho desde un punto de vista diferente al habitual, conste que digo diferente, no novedoso. A decir más no peca de reflejar a una heroína, pero tampoco a una persona mundana. Nos presenta a una mujer vulnerable pero también soberbia, dependiente pero valiente, soñadora pero realista.

Se encauza la cinta gracias a dos maneras diferentes de narrarla. Una es la entrevista que mantuvo con un periodista y la otra una charla con un párroco. A este segundo le interpreta el tristemente desaparecido John Hurt, en la que fue una de sus últimas películas. Ambas maneras de guiar la historia están acompañadas de flashbacks e imágenes de archivo. La una cede el paso a la otra conforme va acercándose el final del filme pero es la entrevista la que domina toda la narración. En relación a esto decir que el diseño de producción está muy acertado pues colores, luces, dinamismo… cambian en función de la época y situación vivida. Siendo más alegre y colorista en los días más felices de los Kennedy y más apagada y sosegada en las horas y días posteriores al magnicidio.

No estamos ante una obra maestra pero desde luego es inmensamente mejor que otros largometrajes centrados en desvelar entresijos de la Casa Blanca como ‘El mayordomo’. En una cinta tan carente de acción, aunque puede llegar a ser tremendamente explícita, necesitamos un apoyo rítmico que nos la haga llevadera. La música es esa herramienta a la que ha recurrido Larraín. Refleja a la perfección la desorientación, la consternación, el dolor y la ira que sufrió en esos días Jackie Kennedy. Su autora ha sido Mica Levi, compositora a la que ya habíamos escuchado en otras películas como ‘Under the skin’. No es de extrañar la nominación al Oscar que ha logrado.

Es casi obligatorio hablar también de otra de las nominaciones conseguidas. En este caso la de Mejor Vestuario. La pugna entre este filme y otros candidatos como ‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos’, ‘La La Land’ o ‘Aliados’ va a ser discutidísima. También cabe señalar que transcurre en los sesenta y trata sobre una figura más que fotografiada y grabada. El material documentado es grande y no habrá sido difícil discernir en cómo vestir a los protagonistas. Además Natalie Portman tiene la percha necesaria para lucir los modelos que han puesto a su alcance.

Pero no solo la ropa estaba a merced de Portman, toda la película gira en torno a ella, como era de esperar. Se ha ganado a pulso estar en la lucha por la estatuilla, sumando así tres nominaciones para el filme de Larraín. Como mencioné antes ha llevado muy bien el cambio del estado de ánimo de su personaje. Aunque no sea precisamente la actriz que más semejanza facial presente con la ex-primera dama nos hace ver a esa mujer que habitó durante varios años la Casa Blanca.

Resulta confuso averiguar la intención del director. Nos desvela las entretelas de aquellos que sufrieron más la muerte de Kennedy, nos acerca a la primera dama que marcó un punto de inflexión entre aquellas que han ostentado ese cargo, nos remarca la paranoia de todo un país, diferencia entre el orgullo de una mujer que se queda sola y el homenaje hacia el hombre que la mantenía ensombrecida… Tal vez todos estos matices se encontrasen en el checklist de Larraín, lo cierto es que componen un conjunto muy rico.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de febrero de 2017. Título original: Jackie. Duración: 95 min. País: EE.UU. Director: Pablo Larraín. Guión: Noah Oppenheim. Música: Mica Levi. Fotografía: Stéphane Fontaine. Reparto principal: Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Billy Crudup, John Hurt, Greta Gerwig, John Carroll Lynch, Richard E. Grant, Max Casella, Beth Grant, Caspar Phillipson, Julie Judd, Sara Verhagen, Sunnie Pelant, Hélène Kuhn, Deborah Findlay, Corey Johnson. Producción: Coproducción USA-Chile; LD Entertainment, Fabula, Protozoa Pictures. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/jackie.html

Crítica: ‘Rings’

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Sinopsis

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Llega un nuevo capítulo de la terrorífica saga Ring. Una chica joven, preocupada por su novio, se adentra en un oscuro mundo que gira alrededor de una misteriosa cinta de video que asesina a las personas tan solo 7 días después de verla. Ella se sacrificará asímisma para salvar a su novio y realizará un terrorífico descubrimiento: hay una película dentro de la película que nadie ha visto jamás…

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Crítica

Vuelve Samara, mas rencorosa que nunca.

Como bien han dicho, ‘Rings‘ no es una precuela, sino una secuela de ‘The Ring’, no es que te lo digan, no lo necesitan, el video ya anda circulando por internet.

F. Javier Gutiérrez nos vuelve a traer a Samara y a intentar explicar porque esta niña sigue tan enfadada con todo el mundo y que lo único que quiera es matar. Si, es un poco más de lo mismo, pero para nada significa que eso sea algo malo, todo lo contrario, F. Javier Gutiérrez nos muestra la historia de otra manera.

La verdad que no voy a contar nada de la sinopsis, pues os desvelaría la trama y la manera con la que el director español nos sorprende. Solo decir que todo, aunque os parezca una locura, una tontería, algo demasiado rebuscado, todo tiene su porqué y está muy bien hilado.

La atmósfera de la cinta está bien, típica película de género, en tonos oscuros y sonidos estridentes para asustar, que como es de suponer logran su cometido. Aunque más que de terror se pude decir que es un película de misterio.

Los dos jóvenes protagonistas no están nada mal, Matilda Lutz y Alex Roe hacen buena pareja cinematográfica. Johnny Galecki vuelve a hacer de empollón, pero esta vez un poco perturbado.  Mientras que la sorpresa la ofrece un gran Vincent D’Onofrio, como siempre estupendo.

Y qué decir del director, F. Javier Gutiérrez en su segunda película como director ya ha dado el salto a Hollywood y encargándose de la tercera entrega de una saga que es muy querida en todos lados. Está claro que le queda mucho por ofrecer y en esta película lo ha hecho muy bien.

Una de las cosas que más me ha llamado la atención ha sido la fotografía. Del encargado de la fotografía de ‘Whiplash‘. Sharone Meir, nos ofrece encuadres muy interesantes en el filme. Creo que ha sido un acierto contar con él para una cinta con la necesidad de esos detalles.

En general una película muy entretenida y si eres fan de la saga, muy disfrutable. Sin duda alguna recomiendo su visionado.

Ficha técnica

Estreno en España: 10 de febrero de 2017. Título original: Rings. Duración: 102 min. País: EE.UU. Director: F. Javier Gutiérrez. Guión: Jacob Aaron Estes, Akiva Goldsman, David Loucka (Novela: Kôji Suzuki) . Música: Matthew Margeson. Fotografía: Matthew Margeson. Reparto principal: Matilda Lutz, Alex Roe, Johnny Galecki, Vincent D’Onofrio, Aimee Teegarden, Laura Wiggins, Bonnie Morgan, Zach Roerig, Brandon Larracuente, Surely Alvelo, Andrea Powell, Chris Greene, Adam Fristoe, Jill Jane Clements, Ricky Muse, Wing Liu. Producción: Macari, Edelstein, Parkes+Macdonald Imagenation. Distribución: Paramount Pictures. Género: Terror, thriller. Web oficial: http://ringsmovie.tumblr.com/

Crítica: ‘Batman la LEGO película’

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 Sinopsis

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Con el espíritu irreverente lleno de diversión que convirtió a ‘La LEGO película’ en un fenómeno mundial, llega esta nueva aventura protagonizada por el mismo personaje que se consideraba el líder del grupo, LEGO Batman. Pero se están produciendo cambios en Gotham, y si quiere salvar a la ciudad de la conquista de El Joker, puede que tenga que dejar de actuar en solitario, intentar trabajar con otros y, tal vez, aprender a relajarse.

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Crítica

Un batjuego de lo más gracioso.

Tras el éxito de ‘La LEGO película’ se comenzaron a proyectar diferentes largometrajes como una secuela que está en marcha o este filme que nos ocupa hoy. No esperéis una comparativa con la cinta de 2014 pues ni la he visto, ni está realizada por el mismo equipo. Tras salir del pase y preguntar a compañeros me consta que no hay referencias al mismo pero que si se mantiene la idea y el espíritu.

¿Tiene sentido hacer tanto producto audiovisual al estilo LEGO? ¿Da juego o se juega con el hecho de que sean muñecos? ¿O tan solo es un modo diferente de hacer animación con el fin de potenciar las ventas? Si, es claramente una manera de vender juguetes. Pero también se aprovechan las posibilidades de la «Construcción Maestra» como se viene haciendo desde hace tiempo en los videojuegos. Es decir, se aprovechan las posibilidades de construcción de este producto y  se hace en servicio de la historia. Se ha creado un argumento que desfigura la trama de muchos personajes de la saga de Batman en favor de crear un crossover divertido y apto los pequeños, demasiado macedonia, pero es divertido. Se nota que el responsable es el director de ‘Robot Chicken’ y que sus hasta cinco guionistas proceden de ‘Sombras tenebrosas’, ‘Padre made in USA’ o ‘¡Rompe Ralph!’.

Warner Bros. junto a la empresa danesa de juguetes ha creado una visión, no la primera, edulcorada de Batman. Aunque sepamos que nos aguarda un trabajo con un tono humorístico, satírico e infantil choca ver a un Batman tan parlanchín y chistoso. Por supuesto hay acción a raudales y no es la única cosa que se nos brinda en abundancia.

Hay una lluvia de huevos de pascua. Referencias al Batman de los 60, al de Tim Burton, al de Schumacher, al de Nolan, al de Snyder… Sacar a todos los enemigos de Batman sería imposible pero aparece una inmensa cantidad. ¡Hasta el Cabeza de Huevo de Vincent Price! También se ha incorporado a multitud de villanos que ahora se encuentran bajo el sello de Warner Bros. y pertenecen a los icónicos del cine. Dejaré que descubráis los que son porque su aparición es un subidón. Con todo esto se logra un impresionante catálogo de juguetes que muestra la variedad de muñecos que existen bajo el sello LEGO. También hay que admitir que se han dedicado a jugar y todos de pequeños hemos hecho crossovers mezclando los muñecos que teníamos en nuestra habitación, perteneciesen o no a la misma franquicia.

‘Batman la Lego película’ comienza por todo lo alto. Arranca de un modo muy gracioso, rompiendo la cuarta pared, continúa con un carácter muy épico, con muchos gags y un ritmo bastante movidito. Pero la cosa va decayendo poco a poco. No llega a hacerse aburrida pero el nivel no se mantiene igual hasta el final. La mojigatería y el mensaje sensiblero se apodera demasiado de la película. Tampoco ayuda su traducción al castellano. Algunas canciones resultan forzadas y el doblaje no me parece acertado en muchos personajes.

La animación no puede ser más moderna y provechosa en lo que se refiere a jugar con el mundo LEGO. Es muy dinámica, detallista y deslumbrante. También es verdad que a veces está algo recargada o puede aturullar. En ocasiones dan ganas de pausar la película para poder observar con detalle lo que pasa ante nuestros ojos porque no da tiempo a captarlo todo.

Pese a la peculiar visión de Batman, las fallas en el casting de doblaje y su continua bajada de resulta ser una película de lo más ocurrente y amena.

PD: la cinta tiene tanto humor que incluso se han atrevido a hacer una gracia con la archienemiga de DC Comics, Marvel Comics.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de febrero de 2017. Título original: The LEGO Batman movie. Duración: 104 min. País: EE.UU. Director: Chris McKay. Guión: Seth Grahame-Smith, Chris McKenna, Erik Sommers, Jared Stern, John Whittingon. Música: Lorne Balfe. Reparto principal (doblaje original): Jenny Slate, Will Arnet, Ralph, Zoë Kravitz, Channing Tatum, Rosario Dawson, Jonah Hill, Jemaine Clement, Zach Galifianakis, Michael Cera, Seth Green, Kate Micucci, Adam Devine. Reparto principal (doblaje al castellano): Claudio Serrano, José Coronado, J.A. Bayona, Berta Vázquez, Carlos Santos. Producción: Vertigo Entertainment, Warner Animation Group, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: animación, cómics, aventuras, comedia. Web oficial: http://www.batmanlalegopelicula.com/

Crítica: ‘Remake, Remix, Rip-off’

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Sinopsis

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Cem Kaya creció con las películas Yeşilçam (industria cinematográfica turca) de los videoclubs turcos en Alemania. Su documental ilustra el origen de la cultura de la copia llevada a cabo por cineastas turcos, comenzando con Yeşilçam hasta las series de televisión de hoy. Porque el mercado turco de la serie de televisión es uno de los más grandes del mundo.

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Crítica

Del cine cochambroso también se puede aprender.

No siempre resulta fácil realizar un documental. Encontrar una temática realmente interesante y con utilidad puede ser una tarea muy difícil. ‘Remake, Remix, Rip-off’ si tiene ese atractivo que hace que un documental sea provechoso. Este es un largometraje con gran encanto para todos aquellos estudiosos del cine e incluso para aquellos que puedan estar interesados en la cultura turca.

Nos habla del cine que se hacía durante el siglo pasado en Turquía. La intención de esta cinta es la de acercarnos a una práctica, no, mejor dicho, a toda una cultura de copias, plagios y reproducciones que se hacían en el país transcontinental. Y es que durante décadas se utilizaba el trabajo de la industria de Hollywood para completar las películas de allí. Así Cem Kaya, su director, nos puede mostrar ejemplos como el famoso ‘Star Wars’ turco, ‘Homoti’ la versión gay y pacifista de E.T. o mezcolanzas de todo tipo. Pero se queda algo corto y tal vez cabía esperar una enumeración mayor de las copias realizadas.

Y es que el documento va más allá, dedicando tal vez casi todo su espacio en esto, y nos da una clase muy divertida sobre la historia del cine de Turquía. Nos habla por ejemplo de cómo se las tenían que apañar con técnicas muy caseras de rodaje, hasta para improvisar un travelling. Si por lo general en las películas del mencionado país vemos cosas que nos sacan una sonrisa, este documental puede darnos carcajadas al ver la desvergüenza con que hablan sus responsables.

El documento se construye a base de testimonios de actores, productores y directores de la época. Gente que hizo centenares de películas y que sin ningún pelo en la lengua admite haber copiado, incluso haber usado escenas o bandas sonoras enteras de otras películas para incluirlas en las suyas. En su defensa alegan que en su país por aquel entonces, y hasta hace bien poco, no había leyes que protegiesen las obras de otros, es decir, todo el material audiovisual que entraba en Turquía era de dominio público.

El director y montador Cem Kaya se mueve con solvencia dentro del documental. Se nota que es alguien que ha mamado el cine desde pequeño, que se dedica a ello y que además ha estado siempre rodeado del género del que trata su obra. A demás de eso nos consta que ha estado en torno a siete años visualizando películas con factura turca y eso tiene mucho mérito.

Ficha de la película

Estreno en España: visualizada en festivales. Título original: Remake, Remix, Rip-off. Duración: 96min. País: Turquía. Director: Cem Kaya. Guión: Cem Kaya. Música: ANADOL, «Gurbet Bekçisi». Fotografía: Meryem Yavuz, Tan Kurttekin. Reparto principal: Cüneyt Arkin, Yilmaz Atadeniz, Çetin Inanç, Canan Perver, Giovanni Scognamillo, Kunt Tulgar, Memduh Ün. Producción: Cine Plus, Das Kleine Fernsehspiel (ZDF), Filmförderung Baden-Württemberg (MFG), Otomat, Sommerhaus Filmproduktionen, UFA Fiction. Género: documental. Web oficial: http://www.remakeremixripoff.com/

Crítica: ‘Land of Mine (Bajo la arena)’

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Sinopsis

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Tras el fin de la II Guerra Mundial, un pelotón de jóvenes soldados alemanes se encuentra prisionero bajo la vigilancia del sargento danés Rasmussen. El grupo deberá desactivar miles de minas nazis para limpiar las playas danesas. Una tarea que se convertirá en una tensa ruleta rusa.

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Crítica

¿Una mina de talentos?

El término mina se emplea en esta ocasión por las minas antipersona, pero de esta película podemos extraer muchas caras nuevas que podrían ser conocidas en el futuro, como si estuviésemos hablando de un yacimiento. Roland Møller (‘Secuestro’) apunta maneras, da un golpe en la mesa con su ruda pero sensible interpretación. Prueba de ello es que le veremos, aunque sea poco, en la próxima película de Jaume Collet-Serra con Liam Nesson, Vera Farmiga, Patrick Wilson, Sam Neil… Alguno de los muchachos protagonistas también despunta de entre los demás. Merece la pena fijarse en Louis Hofmann (‘Tom Sawyer’) que aquí interpreta a Sebastian Schumann o en Joel Basman (‘Monuments Men’) que encarna a Helmut Morbach.

Estamos más que saturados de historias sobre la II Guerra Mundial y puede que sea esa la razón por la que surgen trabajos que exploran las miles de historias acaecidas en la postguerra, véase ‘Las inocentes’ que se estrenó el pasado diciembre. En concreto ‘Land of mine’ nos aporta dos visiones o experiencias diferentes a las habituales. Por un lado, el vencedor se encuentra ante la posibilidad de vengarse de aquellos que le han ocupado y que han guerreado en su tierra. Y por otro se nos presenta la situación de los vencidos que bajo el mando de sus captores tienen la posibilidad expiar sus culpas, aunque sea de un modo inhumano. Ambas circunstancias hay que someterlas al factor de la edad de los protagonistas.

Atrae que sea una historia basada en hechos reales para nada carente de interés, pero su transcurso resulta manido. Se ve venir todo lo que va a suceder, cumple muchos tópicos de películas que también tratan sobre relaciones humanas conflictivas. Pese a su fácil pronóstico posee un guión verosímil, humano, duro y enternecedor. Además está ubicado en uno de los escenarios menos comunes de la gran guerra, Dinamarca. Sus líneas nos develan la crueldad del vencedor y la inocencia del vencido.

Esta no es la obra de un director novel. Martin Zandvliet ha dirigido y escrito esta obra tras llevar cuatro años sin presentar un largometraje. A día de hoy, lo que sabemos es que se ha logrado colocar ni más ni menos que en la última lista de las candidatas al Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa. ¿Merece ganar semejante galardón? No soy quien para decidir eso pero si me parece que está por debajo de ganadoras de este siglo como ‘Ida’, ‘Los falsificadores’ o ‘Mar adentro’. Dicho sea también, el trabajo del director me aumenta las expectativas para la futura ‘The Outsiders’ con Jared Leto, Emile Hirsch o Tadanobu Asano que se ambienta en la misma época que ‘Land of mine (Bajo la arena)’.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: Under Sandet. Duración: 100 min. País: Dinamarca, Alemania. Director: Martin Zandvliet. Guión: Martin Zandvliet. Música: Sune Martin. Fotografía: Camila Hjelm. Reparto principal: Roland Møller, Louis Hofmann, Mikkel Boe Følsgaard, Laura Bro, Joel Basman,Oskar Bökelmann, Emil Buschow, Oskar Buschow, Leon Seidel, Karl Alexander Seidel, Maximilian Beck, August Carter. Producción: Amusement Park Films, Nordisk Film. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, bélico. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/635/land-of-mine-bajo-la-arena/

Crítica: ‘Moonlight’

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Sinopsis

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El 10 de febrero llega a nuestros cines esta personal y poética reflexión de Barry Jenkins sobre la identidad, la familia, la amistad y el amor, recientemente premiada con el Globo de Oro a Mejor Película (drama).  ‘Moonlight’ es una historia atemporal de relaciones humanas y autodescubrimiento, que narra la vida de un joven que crece en los suburbios de Miami, desde su infancia, hasta la edad adulta. Un retrato vital de la vida afroamericana contemporánea que resuena por su profundidad y sus verdades universales.

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Crítica

Ruptura de estereotipos y retrato social.

Enfilamos la recta final hacia los Oscar y nos llegan los últimos estrenos que cuentan con nominaciones. ‘Moonlight’ figura como candidata a ganadora a la estatuilla a Mejor Película, a Mejor Director, a Mejor Actor de Reparto, a Mejor Actriz de Reparto, a Mejor Guión adaptado, a Mejor Fotografía, a Mejor Montaje y a Mejor Banda Sonora. 8 nominaciones que la han convertido en la gran adversaria ante ‘La La Land’ junto a ‘La llegada’. No estoy de acuerdo con todas sus nominaciones pero si con la mayoría.

Por ejemplo, esta es una película basada en el texto de una obra de teatro de Tarell McCraney. No he visto esa representación teatral pero si podemos decir que al contario de ‘Fences’ resulta una buena adaptación. Se nota que hay una correcta traslación del lenguaje y no percibimos el sabor de los escenarios. Salvo tal vez en el planteamiento temporal del filme ya que está dividido en tres actos, lineales y sin flashbacks, muy teatralmente.

El cartel no podría estar más acertado. ‘Moonlight’ está dividida en tres épocas, tres fases de la vida de una persona. Para ese personaje se emplean tres actores (Alex R. Hibbert, Ashton Sanders y Trevante Rhodes). Aunque los tres merecen muchísimos elogios por su contención y su manera de reflejar el dolor, yo destacaría a Ashton Sanders (quien refleja la etapa central, la de la adolescencia), no a Mahershala Ali, amigo del protagonista, como se ha hecho en las nominaciones de la Academia.

Con Mahershala Ali entroncamos con otra película candidata a los Oscar ya que apareció (junto también a Janelle Monáe) en ‘Figuras Ocultas’. Pero de poner en titulares a un secundario habría que seguir, ahora sí, la recomendación de los nominados. La madre de nuestro protagonista, en todas las fases del filme, está interpretada por Naomie Harris (’28 días después’) que por fin ha encontrado el papel que le otorgue el reconocimiento que merece su talento. Con una interpretación muy cruda nos aporta la parte más irracional y autodestructiva de la cinta. Eso lo hace en primera instancia, después nos aproxima a otras facciones de los pesares humanos que preferiría no desvelar.

Y es que ‘Moonlight’ es una película intimista, que indaga sin caer en tópicos en los misterios del autodescubrimiento y el aprendizaje emocional. La obra de Jenkins está exenta de sutilezas pero si está cargada de delicadeza sentimental. Ilustra de una manera fresca y novedosa un tema que ya se ha tratado este año en filmes como ‘Cuando tienes 17 años’.

También es verdad que Barry Jenkins ha ido a lo seguro tratando varios temas muy actuales. Me refiero a la marginación o el maltrato que sufren en EE.UU. diferentes grupos sociales como los homosexuales, los afroamericanos o todos aquellos relacionados con las drogas. Unido esto a la polémica que hubo el año anterior con la gran ausencia de afroamericanos en los Oscar la convierten en un filme bastante propenso a llevarse estatuillas. Sin olvidarnos del talento demostrado y al que he hecho referencia en los párrafos anteriores.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de febrero de 2017. Título original: Moonligth. Duración: 111 min. País: EE.UU. Director: Barry Jenkins. Guión: Barry Jenkins. Música: Nicholas Britell. Fotografía: James Laxton. Reparto principal: Trevante Rhodes, André Holland, Janelle Monáe, Ashton Sanders, Jharrel Jerome,Naomie Harris, Mahershala Ali, Shariff Earp, Duan Sanderson, Edson Jean. Producción: A24, Plan B Entertainment, Upload Films. Distribución: Diamond Films. Género: drama. Web oficial: http://www.moonlightpelicula.es/