De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.
Podéis ver sin spoilers una escena que es una sinopsis en sí misma
Gracias a sus distribuidoras en España (LAZONA Pictures y Caramel Films) podemos compartir con vosotros un clip en exclusiva de ‘Cuando cae el otoño’, lo nuevo de François Ozon. El autor de grandes éxitos y películas siempre comprometidas y peliagudas como ‘En la casa’, ‘Gracias a Dios’ o ‘Frantz’ nos brinda ahora una película repleta de sospechas. Podréis verla en cines a partir de este viernes 13 de diciembre de 2024.
‘Cuando cae el otoño’ es un filme que ha conquistado a crítica y público allá por donde ha pasado. Tal es así que en el último Festival Internacional de Cine de San Sebastián se alzó con dos de los máximos galardones como lo son la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto (Pierre Lottin) y el Premio del Jurado al mejor guion.
Un plato de setas es el detonante de esta historia que prácticamente arranca con el clip que tenéis a continuación. Como siempre Ozon trabaja mucho sus personajes, por lo tanto, de esto que podéis ver hasta el cierre pueden cambiar muchas cosas. Protagonistas que repiten con el director tras ‘Gracias a Dios’ y que están interpretadas por dos actrices consideradas grandes en el cine francés: Hélène Vincent (‘El Conde de Montecristo’) y Josiane Balasko (‘El erizo’). Además podemos ver en la película a Ludivine Sagnier (‘Lupin’, ‘Napoleón’), Pierre Lottin (‘Lupin’, ‘Arde Notre-Dame’) y el joven debutante Garlan Erlos.
Sinopsis oficial:
Michelle vive una jubilación apacible en un pueblecito de Borgoña, cerca de su amiga de toda la vida, Marie-Claude. Durante las vacaciones otoñales espera con ilusión la visita de su hija y su nieto, pero un plato de setas silvestres tóxicas cambia sus planes. ¿Ha sido un accidente? La sombra de la duda crece y todo se complica aún más cuando Pierre, el hijo de Marie-Claude, sale de prisión.
Concluida la VIII edición del Festival Internacional de Cine por la Memoria Democrática (FESCIMED), el pasado 7 de diciembre de 2024 en Cineteca de Matadero de Madrid., podemos conocer su palmarés. Además del premio VII Premio Lola González Ruiz Compromiso y Memoria 2024 concedido en la Academia de Cine de Madrid al actor, presentador, escritor y músico José Miguel Monzón (El Gran Wyoming), tenemos la lista de seleccionados como ganadores de entre los 15 cortometrajes y 2 documentales que han sido proyectados.
El jurado lo han compuesto los actores Ana Fernández (Presidenta del jurado) y José Antonio Sayagués, las periodistas Cristina Fallarás y Elena Marquínez, el abogado Eduardo Ranz y la activista Fariba Ehsan.
Palmarés del VII FESCIMED
Mejor Cortometraje
‘Pequeño Sahara’
Emilio Martí López
Mejor Dirección
Joan Paüls Vergés
‘L´ultim combat’
Mejor Actor
Lluis Marco
‘L´ultim combat’
Mejor Actriz
Carmen Arévalo
‘Rojo’
Mejor Guión
José Luis Tirado y Francisco Artacho
‘Zapal, memoria de una fotografía’
Mejor Música Original
Gloria Vega y Luis Mendo
‘Rojo’
Mejor Montaje
Natalia Villegas
‘La memoria de Taty’
Mejor Fotografía
David Escobar
‘Querido Manuel’
Mejor Sonido
David Escobar
‘Querido Manuel’
Mejor Dirección de
Arte y Vestuario
Mamen Herrero y Sonia Beltrán
‘La paz de los cementerios’
Mejor Maquillaje/ Peluquería
Laura Gala, Rosi Troyano y Ana Cuevas
‘La paz de los cementerios’
Premio del Público
Mejor Cortometraje
’Rojo’
Adolfo Dufour
Premio Especial de la Juventud
‘Azadi’
Lily Baker Föhring, Juan Luis Ortega y Luciana Espinoza
Premio Albert Camus Memoria y Educación
ASOCIACIÓN ROSA SENSAT
Premio Albert Camus Memoria Viva
ASC LA DESBANDÁ
Premio Albert Camus Memoria y Exilio
ATENEO ESPAÑOL DE MÉXICO
La VIII edición del Festival Internacional de Cine por la Memoria Democrática (FESCIMED) cuenta con la colaboración de la Asociación Memoria Social Democrática (AMESDE), Fundación Anastasio de Gracia, Comisiones Obreras, Ministerio de Política Territorial y Memoria Democrática, UGT y Plataforma Comisión de la Verdad.
La última temporada de ‘The head’, la tercera parte, llega a Max el próximo 19 de diciembre. Su estreno coincidirá por poco en el tiempo con su lanzamiento en Estados Unidos ya que por franjas horarias no puede ser simultáneo. Pero el día 20 ya la podrán haber visto en toda América Latina, España y Portugal.
La serie de THE MEDIAPRO STUDIO y con Hulu Japón, es hoy por hoy una de las principales franquicias internacionales de estas productoras, destacada por la revista Variety como una de las mejores series de 2022. La tercera y última temporada fue de las pocas series presentes en el último Festival de Sitges, teniendo allí su presentación mundial y contando con su equipo, entre el que se hallaba el actor John Lynch.
Creada por Ran Tellem, director de Contenido Internacional de THE MEDIAPRO STUDIO, prosigue con la investigación de Rachel (Olivia Morris) que cree haber dado con la toxina que contaminaba las algas. Una vez modificadas éstas genéticamente, y tras testarlas en animales, es el momento de probar con humanos. Para ello ha seleccionado a cinco voluntarios de distinta condición dispuestos a ejercer de cobayas a cambio de una sustanciosa cantidad de dinero. Todo parece ir bien hasta que una nueva muerte y la desaparición de nuevo de una cabeza conviertan una vez más el remoto escenario en una pesadilla.
En el reparto hay nombres tanto nacionales como internacionales. Repiten John Lynch (Blue Lights, La Caza) y Katharine O’Donnelly (María, reina de Escocia) y otros nombres incorporados en anteriores temporadas como OIivia Morris (‘Hotel Portofino’), Ben Cura (‘La Reina Carlota: Una historia de los Bridgerton’) y Olwen Fouéré (‘El hombre del norte’, ‘The Crown’). Se unen Clara Galle (‘El Internado Las Cumbres’), Stanley Weber (‘Borgia’), Nine D’Urso (‘Balenciaga’) Ned Dennehy (‘Outlander’), Godehard Giese (‘Babylon Berlín’), Sara-Marie Maltha (‘The Killing’), John Kavanagh (‘Los Tudor’) y Atsuro Watabe (‘Las Flores de la Guerra’), entre otros.
El rodaje se llevó a cabo entre los meses de noviembre de 2023 y enero de 2024 en distintas localizaciones de Madrid, Almería, Tenerife y Segovia.
Una colección de películas de fantasía que tienen poco de fantásticas
El show de comedia presencial bautizado desde hace años como VHZ por los responsables del festival internacional CutreCon, regresa con una nueva convocatoria. En esta ocasión repasará el peor cine de fantasía épica en una función que tendrá lugar el sábado 14 de diciembre a las 12:30 horas del mediodía en la Sala Equis (C/ del Duque de Alba, 4) de Madrid. Esta será una sesión que compartirá temática con la edición de CutreCon que tendrá lugar en el primer trimestre de 2025.
“Descacharrantes y baratos plagios de sagas tan conocidas como ‘El Señor de los Anillos’, ‘Conan’ o ‘Dragones y Mazmorras’ serán los protagonistas de un show único en nuestro país”, destaca Carlos Palencia, creador, guionista y presentador de la propuesta, quien espera que el público se carcajee “con los elfos con orejas de plástico y dragones de corchopán que desfilarán por la pantalla”.
VHZ es un show multiformato que combina comedia en vivo, sketches, trailers y extractos de filmes ignotos y de “nula calidad”, para “conducir al público a las profundidades abisales del cine cutre, donde se sorprenderán y troncharán de risa”, añade Palencia. El montaje, de 90 minutos de duración, lleva varios años triunfando en distintas salas de la capital y acumulando críticas positivas en portales como Atrapalo.com, donde actualmente cuenta con una nota media de 8.9 después de recibir más de un centenar de opiniones verificadas.
Además, todos los meses el espectáculo cambia su temática, adaptándose a la actualidad cinematográfica. Y como si de una clase sobre cine se tratara, durante la función se permite a los espectadores interaccionar y hacer preguntas, ya que la cercanía con el presentador es una de las principales características de VHZ.
Carlos Palencia es director del festival CutreCon y colaborador habitual del programa ‘Mañana Más’ de Ángel Carmona en Radio Nacional. Con casi 20 años de existencia, Cinecutre.com, la página web que está detrás de CUTRECON y de VHZ, ha acumulado durante ese tiempo gran información sobre cine marginal y a sus responsables se les puede considerar verdaderos expertos en la materia, por lo que “aquellos que estén interesados en ampliar sus conocimientos sobre cine y no le hagan ascos a ningún tipo de películas, tienen en este espectáculo una gran oportunidad de reírse y aprender al mismo tiempo”, señala Palencia.
La entrada incluye consumición y la función tendrá lugar en ‘La Plaza’, el recinto más amplio de Sala Equis y que cuenta con barra de bar, la cual permanecerá abierta durante todo el espectáculo.
ENTRADAS YA A LA VENTA
Las entradas para el espectáculo de humor VHZ, que tendrá lugar el 14 de diciembre a las 12:30 horas del mediodía en la Sala Equis (C/ del Duque de Alba, 4) de Madrid, ya están a la venta en taquilla, la web oficial del recinto y Atrapalo.
Cinecutre.com es una veterana web de cine y humor que rinde culto a algunas de las peores películas de la historia. Sus responsables han colaborado en multitud de ocasiones con el programa televisivo “Cinebasura” de MOVISTAR + y todos los años organizan la CutreCon (www.cutrecon.com), el Festival Internacional de Cine Trash de Madrid, que ya ha celebrado 13 exitosas ediciones, a la espera de una decimocuarta entrega que tendrá lugar del 5 al 9 de febrero de 2025.
Los Globos de Oro 2025 se celebrarán la noche del 5 de enero en el Beverly Hilton. Nikki Glaser será la anfitriona y los productores Glenn Weiss y Ricky Kirshner repetirán como showrunners. Hoy se han anunciado los nominados que se disputarán los premios, entre los cuales ya conocemos el premio Cecil B. DeMille que recibirá Viola Davis y el Carol Brunett cuyo destinatario es Ted Danson.
La película ‘Emilia Pérez’ hace historia con 10 nominaciones, incluida Mejor Actriz Principal de Comedia o Musical para Karla Sofía Gascón, consolidándola como favorita en la carrera hacia los Oscar. Además esta acumulación de nominaciones ha supuesto un nuevo récord en los Globos. Otras películas destacadas son ‘The Brutalist’ (7 nominaciones), ‘Cónclave’ (6), y ‘Anora’ y ‘La sustancia’ (con 5 cada una). En cuanto a títulos patrios, ‘La habitación de al lado’ obtiene solo 1 nominación, la recibida por Tilda Swinton como candidata a Mejor Actriz Principal de Drama.
En televisión arrasa Disney+. La serie ‘The Bear’, sin suponer ninguna sorpresa, acapara 5 nominaciones y es seguida por ‘Solo asesinatos en el edificio’ y ‘Shogun’, con 4 cada una. En este apartado de los Globos de Oro 2025 encontramos otra alegría para España ya que Javier Bardem compite como Mejor Actor Secundario por ‘Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menendez’.
Nominados a los Globos de Oro 2025 en cine
Mejor Película – Drama
‘The Brutalist’
‘A Complete Unknown’
‘Cónclave’
‘Dune: Parte Dos’
‘Nickel Boys’
‘Septiembre 5’
Mejor Película – Musical o Comedia
‘Anora’
‘Rivales’
‘Emilia Pérez’
‘A Real Pain’
‘La sustancia’
‘Wicked’
Mejor Película – Animación
‘Flow, un mundo que salvar’
‘Del revés 2’
‘Memorias de un caracol’
‘Vaiana 2’
‘Wallace y Gromit: La venganza se sirve con plumas’
‘Robot salvaje’
Mejor logro cinematográfico y de taquilla
‘Alien: Romulus’
‘Bitelchús Bitelchús’
‘Deadpool y Lobezno’
‘Gladiador II’
‘Del revés 2’
‘Twisters’
‘Wicked’
‘Robot salvaje’
Mejor película de habla no inglesa
‘La luz que imaginamos’
‘Emilia Pérez’
‘The girl with the needle’
‘Aún estoy aquí’
‘La semilla de la higuera sagrada’
‘Vermiglio’
Mejor Actriz Principal de Cine – Drama
Pamela Anderson (‘The Last Showgirl’)
Angelina Jolie (‘María Callas’)
Nicole Kidman (‘Babygirl’)
Tilda Swinton (‘La habitación de al lado’)
Fernanda Torres (‘Aún estoy aquí’)
Kate Winslet (‘Lee’)
Mejor Actor Principal de Cine – Drama
Adrien Brody (‘The Brutalist’)
Timothée Chalamet (‘A Complete Unknown’)
Daniel Craig (‘Queer’)
Colman Domingo (‘Las vidas de Sing Sing’)
Ralph Fiennes (‘Cónclave’)
Sebastian Stan (‘The Apprentice. La historia de Trump’)
Mejor Actriz Principal de Cine – Comedia o Musical
Amy Adams (‘Canina’)
Cynthia Erivo (‘Wicked’)
Karla Sofía Gascón (‘Emilia Pérez’)
Mikey Madison (‘Anora’)
Demi Moore (‘La sustancia’)
Zendaya (‘Rivales’)
Mejor Actor Principal de Cine – Comedia o Musical
Jesse Eisenberg (‘A Real Pain’)
Hugh Grant (‘Heretic’)
Gabriel Labelle (‘Saturday Night’)
Jesse Plemons (‘Kinds of Kindness’)
Glen Powell (‘Hit Man: Asesino por casualidad’)
Sebastian Stan (‘A Different Man’)
Mejor Actriz de Reparto de Cine
Selena Gomez (‘Emilia Pérez’)
Ariana Grande (‘Wicked’)
Felicity Jones (‘The Brutalist’)
Margaret Qualley (‘La sustancia’)
Isabella Rossellini (‘Cónclave’)
Zoe Saldaña (‘Emilia Pérez’)
Mejor Actor de Reparto de Cine
Yura Borisov (‘Anora’)
Kieran Culkin (‘A Real Pain’)
Edward Norton (‘A Complete Unknown’)
Guy Pearce (‘The Brutalist’)
Jeremy Strong (‘The Apprentice. La historia de Trump’)
Denzel Washington (‘Gladiador II’)
Mejor Dirección de Cine
Jacques Audiard (‘Emilia Pérez’)
Sean Baker (‘Anora’)
Edward Berger (‘Cónclave’)
Brady Corbet (‘The Brutalist’)
Coralie Fargeat (‘La sustancia’)
Payal Kapadia (‘La luz que imaginamos’)
Mejor Guion de Cine
Jacques Audiard (‘Emilia Pérez’)
Sean Baker (‘Anora’)
Brady Corbet, Mona Fastvold (‘The Brutalist’)
Jesse Eisenberg (‘A Real Pain’)
Coralie Fargeat (‘La sustancia’)
Peter Straughan (‘Cónclave’)
Mejor Banda Sonora Original de Cine
Volker Bertelmann (‘Cónclave’)
Daniel Blumberg (‘The Brutalist’)
Kris Bowers (‘Robot salvaje’)
Clément Ducol, Camille (‘Emilia Pérez’)
Trent Reznor, Atticus Ross (‘Rivales’)
Hans Zimmer (‘Dune: Parte Dos’)
Mejor Canción Original de Cine
‘Beautiful That Way’ (‘The Last Showgirl’)
‘Compress / Repress’ (‘Rivales’)
‘El Mal’ (‘Emilia Pérez’)
‘Forbidden Road’ (‘Better Man’)
‘Kiss The Sky’ (‘Robot salvaje’)
‘Mi Camino’ (‘Emilia Pérez’)
Nominados a los Globos de Oro 2025 en Televisión
Mejor Serie de Televisión – Drama
‘Chacal’
‘La diplomática’
‘Mr. & Mrs. Smith’
‘Shogun’
‘Slow Horses’
‘El juego del calamar’
Mejor Serie de Televisión – Comedia o Musical
‘Colegio Abbott’
‘The Bear’
‘Hacks’
‘The Gentlemen’
‘Nadie quiere esto’
‘Solo asesinatos en el edificio’
Mejor Miniserie o Película para Televisión
‘Mi reno de peluche’
‘Disclaimer’
‘Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez’
‘El pingüino’
‘Ripley’
‘True Detective: Noche polar’
Mejor Actriz Principal de Serie de Televisión – Drama
Kathy Bates (‘Matlock’)
Emma D’arcy (‘La Casa del Dragón’)
Maya Erskine (‘Mr. & Mrs. Smith’)
Keira Knightley (‘Palomas Negras’)
Keri Russell (‘La diplomática’)
Anna Sawai (‘Shogun’)
Mejor Actor Principal de Serie de Televisión – Drama
Donald Glover (‘Mr. & Mrs. Smith ‘)
Jake Gyllenhaal (‘Presunto inocente’)
Gary Oldman (‘Slow Horses’)
Eddie Redmayne (‘Chacal’)
Hiroyuki Sanada (‘Shogun’)
Billy Bob Thornton (‘Landman: Un negocio crudo’)
Mejor Actriz Principal de Serie de Televisión – Comedia o Musical
Kristen Bell (‘Nadie quiere esto’)
Quinta Brunson (‘Colegio Abbott’)
Ayo Edebiri (‘The Bear’)
Selena Gomez (‘Solo asesinatos en el edificio’)
Kathryn Hahn (‘Agatha, ¿quién si no?’)
Jean Smart (‘Hacks’)
Mejor Actor Principal de Serie de Televisión – Comedia o Musical
Adam Brody (‘Nadie quiere esto’)
Ted Danson (‘Un hombre infiltrado’)
Steve Martin (‘Solo asesinatos en el edificio’)
Jason Segel (‘Terapia sin filtro’)
Martin Short (‘Solo asesinatos en el edificio’)
Jeremy Allen White (‘The Bear’)
Mejor Actriz Principal de Miniserie o Película para Televisión
Cate Blanchett (‘Disclaimer’)
Jodie Foster (‘ True Detective: Noche polar’)
Cristin Milioti (‘El Pingüino’)
Sofía Vergara (‘Griselda’)
Naomi Watts (‘Feud: Capote Vs. The Swans’)
Kate Winslet (‘El régimen’)
Mejor Actor Principal de Miniserie o Película para Televisión
Colin Farrell (‘El pingüino’)
Richard Gadd (‘Mi reno de peluche’)
Kevin Kline (‘Disclaimer’)
Cooper Koch (‘Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez’)
Ewan McGregor (‘Un caballero en Moscú’)
Andrew Scott (‘Ripley’)
Mejor Actriz de Reparto de Serie, Miniserie o Película para Televisión
Liza Colón-Zayas (‘The Bear’)
Hannah Einbinder (‘Hacks’)
Dakota Fanning (‘Ripley’)
Jessica Gunning (‘Mi reno de peluche’)
Allison Janney (‘La diplomática’)
Kali Reis (‘True Detective: Noche polar’)
Mejor Actor de Reparto de Serie, Miniserie o Película para Televisión
Tadanobu Asano (‘Shogun’)
Javier Bardem (‘Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez’)
Harrison Ford (‘Terapia sin filtro’)
Jack Lowden (‘Slow Horses’)
Diego Luna (‘La Máquina’)
Ebon Moss-Bachrach (‘The Bear’)
Mejor Cómico/a de Stan-Up
Jamie Foxx (‘Jamie Foxx: What Had Happened Was…’)
Nikki Glaser (‘Nikki Glaser: Todos moriremos algún día’)
50 años se han cumplido desde el lanzamiento del histórico álbum ‘Rock Bottom’, la obra maestra que Robert Wyatt concibió en Deià (Mallorca) y que grabó con la ayuda de Nick Mason de Pink Floyd, Brian Eno, Fred Frith y Mike Oldfield.
Crítica
María Trénor logra traducir el espíritu de Robert Wyatt en un lenguaje visual accesible
‘Rock Bottom’ de María Trénor se consolida nada más verla como una de las películas de ficción/documental más destacadas en lo que se refiere a rendir tributo a artistas que sin que muchos lo sepan son pilares de la música, aunque no practicasen música popular. Inspirada en la vida y música de Robert Wyatt y de su pareja la también artista Alfreda Benge, esta obra no solo celebra al icónico músico británico, sino que lo hace con una riqueza visual y sonora que transforma la experiencia cinematográfica en algo único y profundamente sensorial.
Desde que el proyeccionista pone en marcha el proyector ‘Rock Bottom’ atrapa al espectador con un estilo visual único que combina técnicas de animación tradicionales y texturas digitales. Este enfoque permite a María Trénor capturar la esencia experimental del álbum ‘Rock Bottom’ (que cumple 50 años), el trabajo más célebre de Wyatt, y convertirlo en un espectáculo visual. Cada escena parece una obra de arte en movimiento, diseñada para sincronizarse perfectamente con las melodías etéreas y las disonancias características del músico.
La película no es solo un tributo a la música de Wyatt, sino una exploración de los matices emocionales presentes en cada canción. De este modo acaba logrando que la animación evolucione al ritmo de la música. Este enfoque no solo deleita a los amantes de la animación, sino también a los apasionados por la música progresiva y el jazz experimental. Pienso que ‘Rock Bottom’ le encantaría a Nick Mason (Pink Floyd), Mike Oldfield, Brian Eno (Roxy Music) o Fred Frith (Hery cow) los cuales colaboraron en el álbum.
Más allá de su deslumbrante estética, ‘Rock Bottom’ destaca por su sensibilidad al abordar la vida del músico de Bristol. En lugar de narrar una biografía tradicional, la película se centra en un tórrido verano que vivieron de Nueva York a Mallorca y que transitó entre el éxtasis y un trágico desenlace. A través de ese paréntesis veraniego nos lleva a momentos importantes y cruciales en la vida de la pareja de artistas: el accidente que lo dejó paralizado, su relación con la droga, su reinvención como músico…
Como era de imaginar la musicalidad es el núcleo de esta película. Las composiciones de Robert Wyatt son tratadas con un respeto profundo, pero la directora no se limita a ilustrarlas. En su lugar, Trénor utiliza la animación para explorar e ir más allá. Las texturas sonoras y las emociones que emergen de cada nota filosofan e imaginan la psique y el pasado del músico. Este enfoque convierte ‘Rock Bottom’ en una experiencia multisensorial, ideal tanto para los fans de Wyatt como para quienes buscan descubrir su música por primera vez. María Trénor logra traducir el espíritu de Robert Wyatt en un lenguaje visual accesible, pero profundamente sofisticado. Si eres amante de la animación, la música progresiva o simplemente buscas una película que te conmueva y te inspire, ‘Rock Bottom’ es una elección más que acertada.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de diciembre de 2024. Título original: Rock bottom. Duración: 85 min. País: España. Dirección: María Trénor. Guion: María Trénor, Joaquín Ojeda. Música: Robert Wyatt. Reparto principal (doblaje original): Oriol Pla, Miranda Gas, Roger Pera. Producción: AlbaSotorra, Jaibo Films, GS-animation, Empatic. Distribución: Avalon. Género: musical, documental. Web oficial:https://www.albasotorra.com/film/rock-bottom/
La España de los trapicheos y los secretos retratada sin sorpresas en ‘1992’
Tras el fantástico demoníaco de ‘30 monedas’ que HBO Max dejó en un coitus interruptus, Álex de la Iglesia estrena el 13 de diciembre una serie de seis capítulos de 45 minutos con Netflix. ‘1992’ es el sencillo título para esta serie con tintes policíacos y de cine negro ambientada a caballo entre Madrid y Sevilla, entre nuestra actualidad y el año de la expo universal. No es la primera vez que el director viaja al pasado (‘Muertos de risa’ o ‘Balada triste de trompeta’ retrataban etapas clave en la historia de España) y ahora ha escogido uno de los años más brillantes de nuestra historia reciente.
El año de las Olimpiadas de Barcelona, la primera Copa de Europa del Barça, el tratado de Maastricht, la II Cumbre Iberoamericana en Madrid, los 500 años del descubrimiento de América y por supuesto la Expo de Sevilla, sirve como continuo referente para una historia policial que podría sumarse a otras producciones recientes que mezclan el drama, los temas oscuros o los crímenes escabrosos como ‘La novia gitana’ o ‘Reina Roja’, dirigidas por Paco Cabezas y Koldo Serra, respectivamente. Directores que tienen denominadores comunes con Álex de la Iglesia, como es la locura en sus historias o los personajes trastocados, rondando lo extravagante e incluso deformes. Está claro que el neo-noir (si se me permite enmarcar ‘1992’ en ese género) nos sale bien en España, pero ¿cómo de recalcable es esta nueva serie?
En 1992 se aprobó la Ley Orgánica sobre protección de la seguridad ciudadana (la que el PP sustituyó por la Ley Mordaza). Irónicamente en esta serie nadie está a salvo y está claro que alguien guarda un secreto como si su boca tuviese puesto un candado. A causa de ello un asesino quema a sus víctimas y deja como firma un muñeco de Curro, la mascota de la Expo Sevilla ‘92, para los lectores de la generación alpha que me puedan estar leyendo. Recordemos también que un incendio devastó el Pabellón de los Descubrimientos de la Expo ‘92 antes de su inauguración. Por desgracia, conociendo esta negra efeméride, sabemos desde el principio buena parte del detonante que ha activado a este pirómano serial killer. No hay mucha sorpresa en su giro de guión, la verdad.
La serie arranca en nuestros días, en Cobo Calleja, con una brutal explosión y marcándonos desde el comienzo que vamos a estar rodeados de oscuridad. Los escenarios interiores, las noches investigaciones y las inclemencias del tiempo están representados por un etalonaje casi desaturado del todo, roto solo por el rojo anaranjado del fuego y los arcoíris de Curro. Unido a esto hay que reconocer que si en algo acierta ‘1992’ es en su puesta en escena, ofreciéndonos una buena colección de churruscados que van desde una especie de Deadpool hasta poses propias de la Pompeya más tremebunda.
Netflix tiene una cadencia de estrenos tremenda y casi siempre que hablamos de una decepción en su plataforma se debe a que sus producciones están hechas con prisas. No se si será el caso de ‘1992’ pero la sensación que tenemos durante sus pesquisas y persecuciones es que estamos viendo un caso más de una serie tipo ‘CSI’, ‘FBI’ y similares franquicias que sacan capítulos como churros. Se nota la mano y el estilo de ‘Álex de la Iglesia’ pero la trama tiene mucho relleno, momentos injustificados o erráticos y como acompañamiento una de las peores bandas sonoras que le he oído a Roque Baños.
Me gusta más lo que nos ofrecen Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría cuando introducen temas fantásticos. La serie cae en una monotonía tan estándar que no hay espacio para la sorpresa, salvo la que trae consigo el personaje de Gorka Lasaosa, cuyo tratamiento o progresión sí que sale de la norma. Como siempre nos traen un retrato esperpéntico de nuestro país y en ‘1992’ se intuye una crítica a la España de los tinglados y los chanchullos, lo cual quizá es algo que tenía que estar sí o sí al estar impregnado en nuestro ADN institucional. Pero más allá de eso no hay mucha diferencia con un episodio de ‘Mentes criminales’, por citar una de las que se emiten en los canales lineales. Ojalá poder estar diciendo que les ha salido una buddy movie tipo ‘True detective’ o ‘Los casos del departamento Q’, pero en esta ocasión, para mí, no hay acierto.
Del destape al streaming. La cosificación como herramienta y/o como lacra
La miniserie ‘¿Yo fui mujer florero?’, disponible enHBO Max el 12 de diciembre, es mucho más que un nostálgico viaje a la televisión española de los años ochenta y noventa. Esta producción de Jordi Évole y Ramón Lara es una incisiva crítica que desmenuza cómo la pequeña pantalla convirtió a la mujer en un objeto decorativo, un adorno visual para engatusar audiencias y perpetuar una dinámica de poder basada en la cosificación femenina. Bajo la dirección de Rafa de los Arcos, esta producción logra un balance entre el análisis histórico y la introspección social, ofreciendo un espejo incómodo para quienes crecieron viendo o siendo parte de este fenómeno como algo natural o incluso divertido.
La normalización de la cosificación. La televisión de aquellos años no fue inocente. Con la llegada de las cadenas privadas en 1990 y el estilo que impuso Telecinco bajo la dirección de Valerio Lazarov, las «mujeres florero» se convirtieron en la fórmula mágica para competir en el mercado televisivo. Curiosamente la serie nos hace ver que se han invertido las tornas. Mientras que una cadena privada hace su propaganda y muestra una imagen rancia, en la pública otros aciertan a acercarse a los verdaderos jóvenes. Por entonces la lucha por el prime time se convirtió en programar hasta saturar a bailarinas como las Mama Chicho o las Cacao Maravillao, concursos cargados de sexualización, azafatas como las del ‘1,2,3… responda otra vez’ convertidas en iconos de belleza… Representaron un modelo donde el físico femenino era el eje principal de la narrativa. Este enfoque, heredado de la televisión italiana y del destape de los años setenta, consolidó un sistema que trivializaba la figura de la mujer, relegándola a un papel superficial e instrumental. Me sorprende que no se hable de los programas de José Luis Moreno.
El documental cuestiona si esta cosificación era plenamente consciente o simplemente un reflejo de una sociedad que aún digería los cambios sociopolíticos tras la Transición. Lo que resulta evidente es que estas dinámicas reforzaron el machismo mediático, justificándolo bajo el manto del entretenimiento. La inclusión de imágenes históricas y entrevistas con las protagonistas de la época no solo da voz a las mujeres que vivieron esa realidad, sino que también destapa las contradicciones de un modelo que, aunque criticado, aún persiste en formas más sutiles o asumidas. Alguna pocas reconocen doloridas haber sido mujer objeto, para otras no hay polémica, solo un mal de época.
Una reflexión necesaria. Uno de los aciertos de ‘¿Yo fui mujer florero?’ es dar espacio a múltiples opiniones. La serie incorpora voces externas que con la perspectiva del tiempo aportan un análisis crítico que contextualiza el fenómeno dentro de la evolución social y mediática de España. Por otro lado, los testimonios de mujeres como Ivonne Reyes, LoretoValverde o Miriam Díaz-Aroca desnudan las emociones y los dilemas de quienes encontraron en ese sistema tanto una oportunidad como una limitación. Deambulando entre esas dos orillas ‘¿Yo fui mujer florero?’ corre el riesgo de perder el norte cuando de repente pone a todos los cargos, productores, directores y presentadores casi a la altura de Harvey Weinstein. Irónicamente oímos posturas y palabras que sostienen aquellas que hoy en día no tienen mucha diferencia con las que se ganan la vida en OnlyFans o los que dan audiencia a A3 por ver el modelito de Cristina Pedroche en nochevieja.
El documental no se limita a denunciar; también examina cómo muchas de estas mujeres revalorizaron su papel, destacando su trabajo y profesionalismo pese a las circunstancias. Sin embargo, no oculta las sombras: la exposición a actitudes sexistas, la presión por cumplir estándares de belleza inalcanzables y el ninguneo de su capacidad intelectual fueron parte del precio a pagar en una industria que las veía como piezas intercambiables de un engranaje comercial. También atina a remarcar que de entonces a ahora no hay tanta diferencia, cuando tenemos azafatas en ‘La ruleta de la suerte’ que hacen poco más que pasearse delante de un panel. El segundo episodio plantea una pregunta crucial: ¿hemos cambiado realmente como sociedad? Aunque los tiempos de las Mama Chicho parecen lejanos, las prácticas de cosificación y el uso del físico femenino como reclamo no han desaparecido. Siguen presentes, aunque en formas más sistémicas y rentables, en la publicidad, la moda y las redes sociales. Este cuestionamiento convierte a ‘¿Yo fui mujer florero?’ en una pieza a difundir, un recordatorio de que las estructuras que se crearon entonces aún tienen ecos hoy.
Bienvenido al universo cyborg. Descubre la historia de un grupo de jóvenes que ha empezado a modificar su cuerpo para así expandir sus posibilidades sensoriales a través del viaje de Kai Landre, el primer músico cyborg del planeta.
Un joven músico de dieciocho años decide diseñar un órgano cibernético e implantárselo de forma ilegal, adquiriendo así un nuevo sentido que le permite percibir sonidos del espacio desde la tierra.
Crítica
Planteando si el transhumanismo ayudará al ser humano en su búsqueda de autoconocimiento
El documental ‘Cyborg Generation’ es una película de Miguel Morillo Vega que en poco más de una hora realiza una exploración de los límites entre lo humano y lo tecnológico. Para ello sigue a un joven de este siglo, de esos que han nacido con la tecnología bajo el brazo y le mira a través de la lente del transhumanismo y la vida cyborg. La película indaga en las implicaciones filosófica, legales, sensoriales y sociales de aquellos que quieren dar lo que entienden como un nuevo paso en la evolución humana.
‘Cyborg Generation’ aborda el tema a través de dos figuras: los pioneros del movimiento, Neil Harbisson y Moon Ribas, y un neófito, Kai Landre, que aporta una perspectiva de descubrimiento e incluso investigación como el verdadero hilo conductor. Esta narrativa es efectiva, pues permite al espectador descubrir una corriente poco conocida desde varias perspectivas. Eso sí, hay que admitir que más allá de lo experimental y de la búsqueda de cambio o refugio por parte de los protagonistas, se echan en falta testimonios o argumentos que equilibren la balanza de la opinión.
Harbisson, conocido por ser la primera persona reconocida oficialmente como un cyborg, y Ribas, con su agudo sentido de los movimientos sísmicos, aportan una visión que a muchos puede parecerles similar a la de la comunidad transexual e incluso furry, pero brindan un testimonio que conecta con preguntas profundas sobre lo que significa ser humano en una era donde la integración con máquinas parece inevitable, algo más allá de la ciencia ficción. Por su parte, Kai Landre, al ser un recién llegado, representa al espectador curioso que aún se debate entre el entusiasmo y el escepticismo, que sobre todo recorre una etapa de autoconocimiento.
‘Cyborg Generation’ es una obra íntima que describe a personas incomprendidas. Se limita sobretodo a lo personal y no se moja en exceso con preguntas más universales tales como si esto modifica nuestra identidad, si realmente es una mejora o un capricho psicológicamente no tratado, si esto es bueno para generaciones futuras, si estamos hablando de personas que han sido capaces ve ver más allá… Lo que sí que es capaz de dejar patente es que cada vez van a ser más necesarios este tipo de trabajos que saquen de la fantasía cuestiones que ya están entre nosotros. De hecho antes de su cierre dispone de una escena que cabría clasificar de clandestina y casi snuff, al fin y al cabo han sido cinco años rodando lo que ha culminado en el implante que ahora lleva Landre.
Miguel Morillo Vega da voz a una comunidad que no solo busca la comunión con las nuevas tecnologías, sino también intentar redefinir a nuestra especie, que parece que lleva anclada evolutivamente miles de años. La debería ser, ¿la tecnología ha llegado para hacernos evolucionar o es la propia tecnología la que no nos permite tener un cuerpo superior al habernos hecho dependientes de ella? Quizá para otra ocasión hablemos de esto.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2024. Título original: Cyborg Generation. Duración: 63 min. País: España, EE.UU. Dirección: Miguel Morillo Vega. Guion: Miguel Morillo Vega. Música: Harto Rodriguez. Fotografía: Martí Herrera. Reparto principal: Kai Landre, Neil Harbisson, Moon Ribas, Manel de Aguas. Producción:Distribución: Filmin. Género: documental, tecnología. Web oficial:
Esta experiencia cinematográfica única en 3D se sumerge en la icónica obra del artista alemán Anselm Kiefer revelando su trayectoria vital, su inspiración y su proceso creativo. Explora su fascinación por el mito y la historia. El pasado y el presente se entrelazan para desdibujar los límites entre el cine y la pintura, permitiendo al público sumergirse por completo en el extraordinario mundo de uno de los más grandes artistas contemporáneos.
Crítica
Capaz de moverse por un arte denso con una fluidez sugestiva
Wim Wenders, para muchos uno de los mejores documentalistas en activo, vuelve al género con ‘Anselm’ tras ‘Perfect days’. Esta obra que ha tardado en llegar a España, más que un retrato, se presenta como un diálogo expansivo con el vasto universo creativo de Anselm Kiefer. Desde su estreno en Cannes se ha convertido en un documento único dentro del estudio de todo lo que enmarca el arte contemporáneo, pero también como un desafío para los espectadores menos habituados a una experiencia tan intensamente sensorial y filosófica. Uno ve este tipo de trabajos y entiende por qué un país tan entrañable como Japón escogió a Wim Wenders para representarle en los Oscar.
Kiefer, conocido por su fascinación por los mitos, la memoria histórica y los estratos culturales que conforman la identidad alemana, encuentra en Wenders un megáfono e interlocutor cinematográfico ideal. ‘Anselm’ no es una biografía al uso, es una inmersión visual y emocional. Wenders emplea aquí un lenguaje fílmico que recuerda tanto a la textura de las pinturas de Kiefer como a la amplitud de sus instalaciones escultóricas. El director no solo nos invita a observar la obra y la mente de Kiefer, sino a recorrerla, a habitarla. Las capas de pintura y los materiales crudos de sus lienzos, que evocan tanto la devastación de la guerra como la regeneración de la vida, parecen palpables, casi táctiles, en esta experiencia cinematográfica. Un largometraje que ayudará a aquellos espectadores que no transiten lugares como el Reina Sofía o ferias como ARCOmadrid, donde el arte se antoja incomprensible aun a pesar de las explicaciones de los propios autores.
La narrativa de ‘Anselm’ es deliberadamente fragmentada, oscilando entre el presente y el pasado con una fluidez que a ratos parece desorientadora. Wenders apuesta por un montaje que es, en sí mismo, una metáfora de la obra de Kiefer: estratificada, compleja, llena de vacíos y silencios que exigen ser completados por el espectador. Las secuencias en las que Kiefer reflexiona sobre su infancia en la Alemania de posguerra, su fascinación por los textos místicos y su diálogo constante con la historia europea son reveladoras, aunque nunca simplificadoras. Más que explicar al artista, Wenders prefiere dejar que la obra hable, aunque para algunos espectadores esa decisión pueda resultar frustrante.
En este sentido, la película requiere paciencia y entrega. No es un documental que pretenda «explicar» el arte de Kiefer o presentarlo de manera accesible; más bien, busca replicar la experiencia de enfrentarse a una de sus imponentes obras: un acto de contemplación profunda que puede resultar abrumador. Aquí radica tanto su mayor logro como su potencial limitación. Mientras que los aficionados al arte encontrarán en ‘Anselm’ un festín visual y conceptual, otros podrían sentirse alienados.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de diciembre de 2024. Título original: Anselm (Das Rauschen Der Zeit). Duración: 93 min. País: Alemania. Dirección: Wim Wenders. Guion: Wim Wenders. Música: Leonard Küßner. Fotografía: Franz Lustig. Reparto principal: Anselm Kiefer, Anton Wenders, Daniel Kiefer. Producción: Road Movies Filmproduktion. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental, cultura. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/movie/anselm-das-rauschen-der-zeit?whereToWatch=in-cinemas
Anoche se celebró una nueva edición de los Premios de Cine Europeo. Puede que esta sea una de esas convocatorias en las que un premio da alas a la recaudación de una película. Recientemente se ha estrenado ‘Emilia Pérez’ (crítica aquí) y la película de Jacques Audiard no ha tenido la acogida en la taquilla española que muchos auguraban. Ahora, tras ganar cuatro premios (mejor película, mejor dirección, mejor guion y mejor actriz, para Karla Sofía Gascó) puede que la cosa cambie para la película francesa.
Mejor película: ‘Emilia Pérez’.
Mejor dirección: Jacques Audiard, por ‘Emilia Pérez’.
Mejor actriz: Karla Sofía Gascón, por ‘Emilia Pérez’.
Mejor actor: Abou Sangare, por ‘Souleymane’s Story’.
Mejor guion: Jacques Audiard, por ‘Emilia Pérez’.
Mejor cinta de animación: ‘Flow’, de Gints Zilbalodis.
Mejor documental: ‘No other land’, de Yuval Abraham, Rachel Szor, Basel Adra y Hamdan Ballal.
Premio al Descubrimiento Europeo: ‘Armand’ (La tutoría’).
Mejor cortometraje: ‘The man who could not remain silent’, de Nebojša Slijepčević.
Premio de la Audiencia Joven Europea: ‘The remarkable life of Ibelin’, de Benjamin Ree.
Premio a la Cooperación Internacional: Labina Mitevska.
Ambientada 183 años antes de los acontecimientos narrados en la trilogía original de películas, ‘El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim’ cuenta el destino de la Casa de Helm Hammerhand, el legendario Rey de Rohan. Un repentino ataque de Wulf, un astuto y despiadado señor de los Dunlending que busca venganza por la muerte de su padre, obliga a Helm y a su gente a hacer una última y audaz resistencia en el antiguo fuerte de los Hornburg, una imponente fortaleza que más tarde será conocida como el Abismo de Helm. Héra, la hija de Helm, se encuentra en una situación cada vez más desesperada así que deberá hacer gala de una gran determinación para liderar la resistencia contra un enemigo letal que pretende destruirlos por completo.
Crítica
Una precuela más terrenal pero no por ello exenta de épica y romanticismo
Directamente relacionada con las películas orquestadas por Peter Jackson llega ‘La Guerra de los Rohirrim’. Un filme que no solo bebe del imaginario de Tolkien sino que mantiene el diseño de producción (trajes, escenarios y demás) de la excelsa trilogía que aún hoy en día se mantiene como las mejores adaptaciones del universo de la Tierra Media.
Para los no versados en el mundo de Tolkien basta con indicar que nos encontramos en una precuela de ‘El Hobbit’ y ‘El Señor de los Anillos’, como unos doscientos años antes, por lo que sería una secuela de ‘Los Anillos de Poder’. Igualmente este es un episodio aislado que si acaso cabe relacionarlo con la trama central de esta saga por el hecho del desarrollo de las dinastías de Rohan. Tal es así que se ha escogido un personaje al que vagamente se alude en los apéndices de Tolkien y al cual el escritor sudafricano nunca dio nombre. Por lo tanto hay “libertad” para ocupar otro de los huecos que nunca se escribieron.
El equipo de guionistas, entre los que se encuentran aquellos que nos brindaron otro universo expandido como el de ‘Cristal Oscuro’, ha escogido como protagonista a la hija de Helm, bautizada como Héra. Y para ello, al igual que hizo Tolkien en su día, se han basado en un personaje real de la mitología o historia británica. Ethelfleda de Wessex una británica que luchó contra los vikingos. Algo muy oportuno dado el carácter de los rohirrim, que tienen clara base nórdica.
Con lo último citado es con lo que puede llegar la decepción para muchos. Probablemente esta sea la historia más mundana y exenta de magia o criaturas de todas la hasta ahora vistas. ‘La Guerra de los Rohirrim’ es, en resumidas cuentas, una contienda entre dos facciones de corte vikingo, sin magos, ni orcos, ni dragones… Evidentemente uno va encontrando pequeños puntos que nos mantienen anclados a la Tierra Media, pero si lo que buscas es calmar tu sed del legendarium de Tolkien te puede saber a poco. Su mayor logro es el de lograr acercar la casa de Eorl a un público general que solo conoce sus historias de los grandes momentos brindados en ‘Las Dos Torres’, dando contexto a un escenario tan mítico como El Abismo de Helm.
Aunque es una película muy entretenida y con mucho sentido del romanticismo y la épica, hay que reconocer que bebe y va a remolque de replicar momentos que ya vivimos en las películas. Repite los mismos deus ex machina, el patrón del sobrino desterrado, la traición dentro del consejo del rey, el refugio a Cuernavilla, el ataque con mûmakils/olifantes… Son momentos míticos pero injertados de nuevo aquí se sienten ineficientes ya que el viaje es otro, emotivamente no es el mismo efecto y resulta reiterativo, como un fan service innecesario. Eso sí, la música de Howard Shore se mantiene como una constante ineludible y estremecedora.
Sexta película de animación inspirada en la Tierra Media, primera en formato anime. Kenji Kamiyama (quien dirigió ‘Blade Runner: El loto negro’ y ‘Ghost in the Shell: Stand Alone Complex’) es quien se ha encargado de que volvamos a Cuernavilla (El Abismo de Helm), visitemos Edoras en su momento de mayor esplendor y veamos una versión distinta de Isengard. Por momentos tenemos unos instantes de comunión mágica con la naturaleza casi a lo Ghibli y en ocasiones el formato digital nos brinda estampas espectaculares. No le sienta mal el formato anime a ‘La Guerra de los Rohirrim, de hecho es uno de los detalles que ayudan a mantener el carácter fantástico de esta narración que de haberse rodado en acción real parecería más una temporada de ‘Vikingos’.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2024. Título original: The Lord of the Rings: The War of the Rohirrim. Duración: 130 min. País: Japón. Dirección: Kenji Kamiyama. Guion: Phoebe Gittins, Arty Papageorgiou, Jeffrey Addiss, Will Matthews. Música: Stephen Gallagher. Reparto principal (doblaje original): Brian Cox, Gaia Wise, Luke Pasqualino, Miranda Otto, Lorraine Ashbourne, Yazdan Qafouri, Benjamin Wainwright, Laurence Ubong Williams, Shaun Dooley, Michael Wildman, Jude Akuwudike, Bilal Hasna, Janine Duvitski. Producción: New Line Cinema, Warner Bros. Animation, WingNut Films, Sola Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: fantasía. Web oficial:https://www.esdla.laguerradelosrohirrim.entradaswb.com/
En el Madrid de 1936, un joven llamado Miguel Gila vive tranquilo y feliz con sus abuelos en una humilde buhardilla. Pero el estallido de la Guerra Civil obliga a Miguel, junto a su amigo Pedro, a acudir a la lucha. Allí Gila sobrevive a miserias, batallas, al fusilamiento y a la cárcel gracias a su humor. Por esta forma única de interpretar el mundo que le rodea, Gila se convertirá en uno de los cómicos más populares de España y Latinoamérica.
Crítica
Un emotivo tributo al poder sanador de comediantes como Gila
Alexis Morante nos entrega en ‘¿Es el enemigo?’ una obra que es mucho más que una biografía cinematográfica de Miguel Gila: es un retrato fiel y entrañable de un estilo de comedia que marcó a generaciones. A través de una narrativa que oscila entre el drama y el humor, Morante rinde homenaje a ese costumbrismo ingenuo que bordeaba el surrealismo y la crítica velada, características inconfundibles del humor del gran cómico español.
Óscar Lasarte, encargado de dar vida a Gila en su juventud, realiza una interpretación deslumbrante. Desde el instante en que clava su peculiar manera de hablar, logra encarnar al comediante con una precisión que no solo sorprende, sino que emociona. Lasarte está a la altura de las grandes figuras como Roberto Benigni o Chaplin, mostrando una profundidad y sensibilidad que convierten su actuación en el corazón de la película.
Evidentemente ‘¿Es el enemigo?’ es una historia más sobre nuestra Guerra Civil. La trama gira principalmente en torno al icónico monólogo de la guerra de Gila, que el humorista interpretó durante más de tres décadas. En este contexto, Morante utiliza la estructura del filme no para contar una historia lineal de la vida del artista, sino para capturar la esencia de su humor: blanco, sin palabrotas, universal y profundamente cotidiano. El resultado es un testimonio de cómo la risa puede ser un acto de resistencia frente a las adversidades. La frase “Nos han enseñado a odiar, pero no a perdonar” resuena como un eco de relevancia actual, cuando abundan los llamados haters y la falta de concordia.
Es inevitable que el filme evoque en el espectador ciertas comparaciones con obras recientes y clásicas. Por ejemplo, ‘Saben aquell’, el biopic sobre Eugenio, comparte el interés en explorar la vida y el arte de un humorista icónico. La evocación de ‘La vida es bella’ es también evidente, ya que ambas películas buscan sacar una sonrisa incluso en medio de los horrores de la guerra. Y, por supuesto, están las inevitables reminiscencias a ‘La vaquilla’ de Berlanga, con su enfoque satírico sobre la Guerra Civil, o incluso ‘Salvar al soldado Ryan’, aunque desde una óptica más sencilla y humorística, por el honorable cometido de Gila a lo largo de todo el filme.
En definitiva, ‘¿Es el enemigo?’ es un tributo necesario y emotivo a un cómico que forma parte del ADN humorístico español. Más allá de Gila, la película se convierte en un homenaje a todos aquellos que nos hacen reír cuando el mundo parece demasiado oscuro para soportarlo. En una época de haters y crispación, esta obra es un recordatorio del poder del humor como herramienta para sanar y conectar. Con su mezcla de drama, humor y emoción, ‘¿Es el enemigo?’ se alza como un testimonio de cómo la comedia, en las manos adecuadas, puede trascender el tiempo. Una película que no solo homenajea a Gila, sino que celebra el poder transformador de la risa.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de diciembre de 2024. Título original: ¿Es el enemigo? La película de Gila. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Alexis Morante. Guion: Alexis Morante, Raúl Santos. Música: Miguel Santos. Fotografía: Carlos García de Dios. Reparto principal: Óscar Lasarte, Natalia De Molina, Carlos Cuevas, Salva Reina, Iván Villanueva, Antonio Bachiller, David Elvira, Adelfa Calvo, Vicente Romero, Ramón Ibarra. Producción: Pecado Films, Arcadia Motion Pictures, Philmo Capital AIE, Nu Boyana Portugal, RTVE, Movistar Plus+, Canal Sur, 3Cat, CreaSGR. Distribución: Filmax. Género: comedia, biografía. Web oficial:https://pecadofilms.com/es-el-enemigo-la-pelicula-de-gila/
Impresionante, en su animación y en su llamada a coger el mando
15 episodios, ni más ni menos, son los que componen ‘Secret level’. Prime Video publicará en dos tandas desde el 10 de diciembre esta antología que se podría decir que hace un fanservice en cada una de sus entregas. Capítulos cortos, que van de los 7 a los 18 minutos, que hacen las delicias para todo tipo de jugadores y amantes de la animación. Detrás de esta ambiciosa y suculenta serie están los creadores de otra exitosa antología como es ‘Love, Death and Robots’, Tim Miller y Dave Wilson. En esta ocasión el material no es tan fresco ni original, puesto que cada historia parte de un conocido videojuego, pero eso no le resta ni potencia ni sustancia ya que cada una de las aventuras supone un bonus track a los juegos que tanto nos gustan. Sobre todo resulta apabullante la calidad de sus imágenes generadas por ordenador, a veces cuesta distinguir entre realidad y artificio. La única pega es que la animación varía poco entre capítulos, no hay mucho cambio de técnicas aunque si de tono.
Además, como regalo si la veis en versión original, escuchamos las voces de famosos como Arnold Schwarzenegger, Kevin Hart, Keanu Reeves, Temuera Morrison, Emily Swallow, Gabriel Luna, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Claudia Doumit y muchos más. Todos ellos prestan sus cuerdas vocales e incluso sus rostros para dar vida a personajes muy conocidos dentro del mundo gamer. Quizá los más puristas habrían querido la presencia de los dobladores que escuchábamos cuando cogíamos el mando, pero hay que reconocer que muchos de ellos provienen de juegos en los que no tenían diálogos.
¿Qué juegos aparecen en ‘Secret level’? Quizá sería más bonito dejarlo todo a la sorpresa, aunque tanto con el tráiler como con la imagen promocional ya vemos que hay historias basadas en ‘Mega Man’, ‘Unreal Tournament’, ‘Warhammer 40,000’ o ‘Armored Core’. Todo el mundo coincidirá en que es una pasada el capítulo que hace honor a los personajes de PlayStation aunque se echan de menos más protagonistas. Entre nuestros favoritos son obras tan apabullantes como la que se ambienta en ‘Dungeons & Dragons’, la que cuenta con Keanu Reeves o la que nos traslada a una auténtica película de acción como la que proviene del videojuego ‘Crossfire’. Sea como fuere, cada capítulo merece un apartado propio y al igual que hicimos en su día con las tres temporadas de ‘Love, death & robots’ os detallamos uno a uno sin spoilers. Podéis leer nuestras impresiones tras el tráiler.
‘Dungeons & Dragons: the queen’s cradle’ (estreno el 10 de diciembre)
Apabullante. Solo así puede describirse la calidad de este capítulo. Los personajes están recreados a un nivel increíble, pero sobretodo su gran ser mitológico nos quita el hipo pues su textura y sus movimientos traspasan la pantalla. De una belleza monstruosa pasará a ser una de las mejores recreaciones dentro del universo de D&D.
Clérigos, paladines, magos, liches… y por supuesto dragones. Es una aventura con mucha acción, magia y criaturas que a muchos va a recordar a los buenos momentos vividos leyendo historias como las de la Dragonlance.
¿Juego en que se basa? Dragones y Mazmorras
Técnica: 3D
Género: fantasía
Duración: 14 min. 47 seg.
‘Sifu: it takes a life’ (estreno el 10 de diciembre)
Blur studio, aquellos que nos dejaron boquiabiertos con el episodio ‘Jíbaro’ del volumen 3 de ‘Love, Death & Robots’, vuelven a trabajar con Tim Miller. En esta ocasión nos llevan a un oriente urbanita, en el que la tradición se mezcla con una jungla de asfalto repleta de neones. Consiste en una especie de John Wick sobrenatural. Su acción es vibrante e incluso tiene un poco de poesía, pero sobre todo destaca por su animación, ya que es uno de los pocos que no es puro 3D utilizando un estilo similar al de las películas del Spiderverse.
¿Juego en que se basa? Sifu
Técnica: tradicional más digital
Género: acción
Duración: 8 min. 41 seg.
‘New World: the once and future king’ (estreno el 10 de diciembre)
No es el único MMORPG que se adapta en ‘Secret level’, pero quizá si el único de Amazon Games. Gracias a esta aventura en la que un rey tiene que empezar desde cero cual ‘Age of empires’, Arnold Schwarzenegger vuelve a empuñar un espadón. Comedia y mucho respawn, una combinación que puede recordar a ‘Al filo del mañana’ pero en clave medieval y a tope de dismorfia muscular. Muy divertido, incluído el guiño a ‘Predator’.
¿Juego en que se basa? New World
Técnica: 3D
Género: aventura, fantasía
Duración: 13 min. 36 seg.
‘Unreal Tournament: Xan’ (estreno el 10 de diciembre)
Para muchos, incluído yo, ‘Unreal’ es uno de los shooter básicos y de cabecera. No era un juego especialmente seguido por su historia, pero si por su mezcla de acción con ciencia ficción, lo cual le brindaba la oportunidad de proporcionar a los jugadores arma casi tan locas como las del Half-Life.
Vivimos una rebelión de las máquinas en un mundo intergaláctico en el que la minería es de crucial importancia. Esta es una historia que cuenta con Elodie Yung y que a muchos puede recordar a ‘The running man’ o a cualquier otra historia de gladiadores. A mi en concreto me ha recordado también a Chappie.
¿Juego en que se basa? Unreal Tournament
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, acción
Duración: 17 min. 48 seg.
‘Warhammer 40.000: and they shall know no fear’ (estreno el 10 de diciembre)
Seguro que muchos meten este capítulo entre sus favoritos. Podría ser la antesala de lo que prepara Henry Cavil porque más que su calidad técnica hay que alabar cómo explota el imaginario y la iconografía del juego de figuras y estrategia. Nos hace viajar a ese futuro planetario de guerra y religión en el que se mueven los ultramarines.
Aparece un nombre tan conocido por los fans como Titus, pero el protagonista es otro, aquel al que pone voz Adewale Akinnuoye-Agbaje. Aún así hay que señalar que este es un capítulo sin apenas diálogos, una misión sin retorno de violencia aplastante y horrores espaciales.
¿Juego en que se basa? Warhammer 40.000
Técnica: 3D
Género: acción, terror, ciencia ficción
Duración: 18 min.
‘Pac-Man: circle’ (estreno el 10 de diciembre)
El Pac-Man es uno de los juegos más sencillos y adictivos de la historia. Ha tenido muchas reinvenciones y cameos en distintos medios hasta el punto de convertirse en icono de la cultura popular. ‘Secret level’ lo ha re-imaginado este laberinto como un extraño planeta hostil lleno de criaturas en las que el lema es “come o serás comido”. El clásico hombre gris, arquetipo de los extraterrestres, es el protagonista que se enfrenta a unos fantasmas diferentes. Presta su voz Aleks Le (‘Dorohedoro’, ‘Dandadan’).
¿Juego en que se basa? Pac-Man
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, terror
Duración: 10 min. 28 seg.
‘Crossfire: good conflict’ (estreno el 10 de diciembre)
El popular shooter de 2007 que enfrenta dos facciones mercenarias tiene un pedacito más de historia gracias a este corto. En este caso hay una misión de extracción que cumplir y ambos bandos se pelean por el contenido de un maletín, mientras que como en muchas películas, un temporal azota a los contendientes y desvía con la fuerza de su viento las balas. Es un corto repleto de momentos fotorrealistas y acción de esa que le encanta protagonizar a actores como Frank Grillo, Gerard Butler o Jason Statham.
¿Juego en que se basa? Crossfire
Técnica: 3D
Género: acción
Duración: 18 min. 2 seg.
‘Armored Core: asset magement’ (estreno el 10 de diciembre)
Los mechas de Armored Core alcanzaron hace tiempo el carácter de saga. FromSoftware hizo escuela con estos juegos antes incluso de la franquicia Souls. Desde el 97 hasta su sexta entrega lanzada en 2023 han brindado momentos de acción bestiales. Lo mismo podemos decir de su protagonista. Este corto cuenta con voz y rostro de un Keanu Reeves con cresta. El actor se conecta de nuevo a una máquina y está genialmente recreado. Un corto con mucha acción y algo un toque de mente perturbada.
¿Juego en que se basa? Armored Core
Técnica: 3D
Género: acción, ciencia ficción
Duración: 13 min. 12 seg.
‘The outer worlds: the company we keep’ (estreno el 17 de diciembre)
A pesar de transcurrir en un ambiente de ciencia ficción y haber criaturas fantasiosas es de los más realistas en cuanto a piel, pelo, ropa… Dispone de un pequeño toque victoriano o retro que puede recordar al ‘Bioshock’, algo que ya se diría en 2019 cuando salió a la venta. Es una historia de huérfanos con el mismo complejo de soledad de Luke Skywalker que podría haber escrito Charles Dickens de haber vivido en nuestros días. Sin duda de las entregas más graciosas y sensibles a la vez.
¿Juego en que se basa? The outer worlds
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, humor, drama
Duración: 17 min. 30 seg.
‘Mega Man: start’ (estreno el 17 de diciembre)
Probablemente será uno de los juegos de plataformas más comprados y/o jugados de la historia por detrás de gigantes como Sonic y Super Mario Bros. Para quien no lo conozca, básicamente es un niño con cañones en las manos que va eliminando robots malvados. Su mecánica es sencilla y el cortometraje que ha tenido en ‘Secret level’ también. Básicamente han recreado una historia de orígenes.
¿Juego en que se basa? Mega Man
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción
Duración: 7 min. 8 seg.
‘Exodus: odyssey’ (estreno el 17 de enero)
Relativismo e historia familiar. Es la aventura de un padre por encontrar a su hija a través del cosmos con todo el tiempo y la distancia en su contra. Una space opera en miniatura inspirada en el juego del que se dice que con el tiempo será el sucesor del ‘Mass Effect’, el mismo que en las consolas cuenta con Matthew McConaughey y aquí dispone de las voces de Nikko Austen Smith y Michael Beach.
¿Juego en que se basa? Exodus
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, drama
Duración: 14 min. 12 seg.
‘Spelunky: Tally’ (estreno el 17 de diciembre)
Probablemente sea uno de los más cortos e insustanciales de la serie. Una suerte de ‘Indiana Jones’ o ‘Tomb Raider’ infantil en el que una niña intenta superar las pruebas de un lugar repleto de trampas y tesoros. Lleva a otro nivel el laberinto de plataformas que es el juego pero poco más. Si acaso sirve como homenaje a esas horas que hemos empleado en pasar juegos basados en el concepto de quemar vidas a base de repetir escenarios.
¿Juego en que se basa? Spelunky
Técnica: 3D
Género: aventura
Duración
‘Concord: tale of the implacable’ (estreno el 17 de diciembre)
Probablemente el más humorístico de toda la antología. Se nota que es gamberro y moderno, que es un lanzamiento reciente de PS5. Básicamente un equipo de mercenarios o de oportunistas espaciales quiere rescatar a uno de los suyos. Alienígenas, naves, persecuciones y momento de torpeza cómica. Es evidente decir que a muchos recordará a ‘Guardianes de la Galaxia’. Viendo este corto, con su acción y su comedia, uno se hace a la idea de cuál es la dinámica del videojuego y dan ganas de hacerse con él.
¿Juego en que se basa? Concord
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, comedia
Duración: 17 min. 2 seg.
‘Honor Kings: the way of all things’ (estreno el 17 de diciembre)
Para estar inspirado en un juego tipo arena de batalla, como el LOL para los no familiarizados con la terminología, es de los más tranquilos de todo ‘Secret level’. Un duelo intelectual y filosófico entre un hombre y una máquina, una especie de desafío impuesto por una suerte de Mago de Oz mecánico, ocupa la trama. El episodio básicamente retrata el espíritu del juego más allá de sus personaje o mecánicas de juego. Comparado con el resto de cortos sale perdiendo ya que sus personajes parecen demasiado a figuras anime HQS.
¿Juego en que se basa? Honor Kings
Técnica: 3D
Género: fantasía ciencia ficción
Duración: 17 min. 14 seg.
‘Playime’ (estreno el 17 de diciembre)
Kevin Hart e hija ponen voz a los protagonistas del único corto de ‘Secret level’ que se basa más de un juego de PlayStation. Muchos cogerán la referencia del ‘Radikal bikers’ cuando vean que se trata de un delivery que tiene que cumplir la misión de hacer una entrega a domicilio. La protagonista se ve inmersa en una trama de persecución y ciencia ficción disparada en la que aparecen muchos personajes de la videoconsola de Sony. Es un homenaje a PlayStation que podría haber tenido muchas caras conocidas, que como crossover no está del todo bien justificado, pero que quizá busca evitar convertirse en otro Ready Player One. Un capítulo que tenía que estar ahora que PlayStation cumple 30 años.
‘Tú no eres yo’ o ‘Lethes’ entre las principales ganadoras
El festival FANTAELX ha anunciado las obras premiadas de su duodécima edición, cuya Clausura tuvo lugar la tarde del sábado 30 de noviembre en el Auditorio del Centro de Congresos “Ciutat d’Elx”, contando con una elevada presencia de público, además de cineastas participantes y premiados. Además, también se contó con la asistencia de Irene Ruiz Nortes, Concejal de Cultura y Turismo del Ayuntamiento de Elche; María Asunción Amorós, Vicerrectora de Cultura, Igualdad y Diversidad de la Universidad Miguel Hernández de Elche; los invitados honoríficos Paul Urkijo y Nerea Torrijos, director y directora de vestuario de la película “Irati”, proyectada esa misma mañana en el marco del evento; la artista Susana Guerrero, creadora de la Dama de Elche presente en el cartel de la duodécima edición del festival, que ha homenajeado el “folk horror”; o Beatriz Hernández, directora del Skyline Benidorm Film Festival.
En la presente edición se han exhibido más de cincuenta obras que han competido en las diferentes categorías, muchas de ellas subtituladas al valenciano y con audiodescripción para personas con discapacidad auditiva. A la sección oficial también se le suma la segunda edición del Premio especial FANTAELX-L’ALJUB, donde parte del estudiantado de la Universidad Miguel Hernández estrenó sus cortometrajes de animación en los cines ABC del centro comercial, resultando ganador el trabajo ‘Remiendos’, de Marina Baeza, Alex Gil, Ana Paul, Cristina Galipienso y Leonardo Guevara.
En cuanto al palmarés de la sección oficial, la película valenciana ‘Tú no eres yo’, de Marisa Crespo y Moisés Romera, se ha alzando con el premio al mejor largometraje, siendo el primer título que obtiene dicho galardón en esta nueva categoría del festival. Otra de las novedades ha sido el premio al mejor proyecto de largometraje, que ha sido concedido a ‘Lethes’, de Jose Larrosa y Héctor Bastida. Por otro lado, el cortometraje ‘Mi Zona’, de Cristian Beteta, ha obtenido el premio al mejor cortometraje nacional, dándole acceso directo al Festival 1000 Gritos de Buenos Aires (Argentina). La directora británica Anna-Ester Volozh, por su parte, ha ganado el premio al mejor cortometraje internacional con su obra de animación ‘The Wedding Veil of the Proud Princess’, que accederá al Skyline Benidorm Film Festival. El premio al mejor cortometraje alicantino ha sido otorgado a ‘Los cómplices’, de Alberto Evangelio, dándole acceso al festival Navidades Sangrientas – Weekend Horror Awards, de Alicante.
Asimismo, también se han premiado el Falso Tráiler ‘La terrible matanza sangrienta en la que todos mueren, menos la chica, durante una fiesta nocturna de cumpleaños THE REMAKE’, dirigido por Guillermo Rojo; y el cortometraje ‘Depredador’, de Javier Fesser, que ha recibido el galardón al mejor cortometraje ‘Social y Fantástico’, el cual será proyectado en el Festival de Cine Sant Joan d’Alacant. Además, este año también se ha incorporado el premio del público, ganándolo el cortometraje ‘Dolor Fantasma’, de Ana Torres Martínez.
El jurado internacional de la duodécima edición del festival ha sido compuesto por la actriz y cineasta Silvia Conesa, también encargada de conducir la Gala de Clausura; la artista visual Beatriz Galiano; la productora e investigadora Michelle Copmans; el cineasta y director del Festival 1000 Gritos Matías Sánchez; el guionista y director Joan Martín Giménez; y Mario-Paul Martínez Fabre, cineasta, profesor del Departamento de Arte de la Universidad Miguel Hernández de Elche, director del Grupo de Investigación Massiva y subdirector del festival.
La duodécima edición del festival, dirigido por Fran Mateu, ha sido organizada por la Asociación Unicornio Negro, el Centro de Investigación en Artes (CíA) y el grupo de investigación Massiva UMH. Asimismo, también ha contado con el apoyo de organismos y entidades, como el Instituto Valenciano de Cultura (IVC), la Diputación de Alicante, la Concejalía de Cultura del Excmo. Ayuntamiento de Elche, Visit Elche, el Vicerrectorado de Cultura, Igualdad y Diversidad de la Universidad Miguel Hernández, el centro comercial L’Aljub, la tienda alicantina Cinema Paradiso, la plataforma Shadowz, el Lope de Vega International School, la Asociación Cineclub Catral, o la librería ilicitana Ali i Truc, donde se presentó el libro “Ciencia y criaturas de lo fantástico” en el marco del festival. Con esta nueva edición, se ha vuelto a crear un destacado punto de encuentro para los amantes del género fantástico.
Fotografía de portada de Leonardo Gabriel Guevara Villegas.
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