Crítica: ‘Misión: Imposible – sentencia final’

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Sinopsis

Nuestras vidas son la suma de nuestras decisiones. Tom Cruise es Ethan Hunt en ‘Misión: Imposible- Sentencia Final’.

Crítica

Una proeza del cine de acción contemporáneo

En su octava entrega, ‘Misión: Imposible – Sentencia Final’ se erige como una proeza del cine de acción contemporáneo. Bajo la dirección de Christopher McQuarrie y con la siempre inquebrantable dedicación de Tom Cruise, la película ofrece una experiencia cinematográfica que desafía las expectativas y lleva la adrenalina al límite. Vuelven las clásicas máscaras, los saltos de fe y los artilugios tecnológicos que como siempre se sacan de la manga de la manera más forzada. Pero esta nueva es capaz de seguir sorprendiendo y de ir más allá.

La narrativa arranca con un montaje rapidísimo, ágil que repasa momentos clave de la franquicia, llevando al espectador por una montaña rusa de escenarios y personajes. Para algunos puede ser un arranque alborotado y precipitado, pero no se me ocurre mejor manera de plantear el entuerto que deben resolver. Durante casi la primera hora y media, la película salta de un lugar a otro con una energía frenética, estableciendo las bases para una segunda mitad repleta de acción ininterrumpida. Este ritmo vertiginoso mantiene al público al borde de su asiento, sin dar tregua al aburrimiento.

Sin John Connor hubiese conocido a Ethan Hunt la saga ‘Terminator’ habría terminado pronto. Se nos plantea una carrera a contrarreloj por acabar con la IA malvada conocida como La Entidad. La franquicia siempre ha respondido a ciertas inquietudes actuales que actualizaban los episodios creados por Bruce Geller. Pero este argumento resuena más que nunca con preocupaciones contemporáneas sobre la tecnología y su impacto en nuestros destinos. La inteligencia artificial irrumpe como un dictador que unilateralmente y de manera fría y calculadora va a imponer su criterio. Esta alcanza el estatus de problema mundial y lo que nos propone ‘Misión: Imposible – sentencia final’ es un cometido a escala global con una sincronización que como siempre se percibe como imposible. Todo para culminar en un clímax que son realmente cuatro a la vez. Casi tres horas de filme para que suceda todo en un parpadeo (cuatro parpadeos en realidad) y consiguen que funcione. Y como un parpadeo se pasa la película, no da tiempo a aburrirse, ya sea porque requiere nuestra atención a la hora de establecer las conexiones con las anteriores películas, ya sea por seguir el hilo de la enrevesada trama tecnológica que se han inventado o ya sea por mantenernos con la adrenalina al máximo. Y con todo y con esto, para mí, la escena más original ha sido la que transcurre más lenta y bajo el agua con un submarino haciendo la croqueta.

Uno de los aspectos más destacados y que a estas alturas es algo consabido por el espectador, es el compromiso de Cruise con las escenas de riesgo. El actor a sus 62 años es conocido por     realizar sus propias acrobacias, lleva su cuerpo al límite en secuencias que desafían la lógica y la física. Desde colgarse de aviones en pleno vuelo hasta sumergirse en profundidades peligrosas. Cruise demuestra una vez más su dedicación al realismo y la autenticidad en cada escena. Su entrega es tal que, durante el rodaje de una escena aérea, llegó a desmayarse debido a la falta de oxígeno, evidenciando el nivel de exigencia física al que se sometió. Es evidente que trucos generados por ordenador hay. Pero se notan mucho las escenas que se han hecho de manera práctica y llega el momento en el que hay que plantearse quién está más loco, si Tom Cruise por jugarse el tipo para hacer estas proezas del entretenimiento o si el personaje que interpreta al arriesgar su vida en lances que son prácticamente un suicidio.

Durante el filme, incorporan elementos de las anteriores entregas, ya sea para darle coherencia a la cinta o para incluir sorpresas, algunas de ellas francamente inesperadas. Es importante en este sentido la interacción de Cruise con el resto del reparto, que tiene más que nunca presencia y peso en la trama, hasta llegar a una conclusión tan elegante como emotiva. Destaca el desarrollo del personaje de Hayley Atwell, cuyo devenir aporta frescura a la dinámica del equipo y rompe con las clásicas relaciones que suele tener Etan Hunt. Sin embargo, el villano interpretado por Esai Morales resulta menos convincente. Su actuación, aunque intensa, cae en la caricatura, recordando a los antagonistas más exagerados de la saga de James Bond.

A pesar de que el título sugiere un cierre definitivo, ni Cruise ni McQuarrie han confirmado que esta sea la última entrega de la franquicia. Ambos han dejado abierta la posibilidad de futuras películas, dependiendo de la recepción del público y el desempeño en taquilla. Y supongo que ahora o próximamente llegará el momento en que den carpetazo, dependerá también de los achaques de la edad. Lo que si que está claro es que no hay en el horizonte un sucesor, como han sugerido recientemente franquicias como ‘007’ o ‘John Wick’.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de mayo de 2025. Título original: Mission: Impossible – The Final Reckoning. Duración: 169 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher McQuarrie. Guion: Christopher McQuarrie, Bruce Geller, Erik Jendresen. Música: Lorne Balfe, Max Aruj, Alfie Godfrey. Fotografía: Fraser Taggart. Reparto principal: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Esai Morales, Pom Klementieff, Henry Czerny, Holt McCallany, Janet McTeer, Nick Offerman, Hannah Waddingham, Tramell Tillman and Angela Bassett, Shea Whigham, Greg Tarzan Davis, Charles Parnell, Mark Gatiss con Rolf Saxon, Lucy Tulugarjuk. Producción: Paramount Pictures, Skydance Media, TC Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, suspense, ciencia ficción. Web oficial: https://www.missionimpossible.com/

Tráiler de ‘Jurassic World: El renacer’

Nuevos dinosaurios llegan a la gran pantalla

Este verano llega repleto de buen cine y buena nostalgia y es que regresa ‘Jurassic World: El renacer’. La entrega que marcará el inicio de una nueva era jurásica protagonizada por Scarlett Johansson, Jonathan Bailey y Mahershala Ali. Este nuevo capítulo de la icónica saga de dinosaurios está dirigido por Gareth Edwards.

‘Jurassic World: El renacer’ llega a nuestras salas de cine el próximo 2 de julio. En el reparto encontramos también Rupert Friend y Manuel García-Rulfo. El guion corre de la mano de David Koepp, el guionista original de Parque Jurásico.

Duncan Kincaid da vida a Ali, la mano derecha de Zora y la persona en la que más confía; Jonathan Bailey, galardonado con un Premio de la Crítica y un Olivier (Wicked, la serie “Los Bridgerton”) es el paleontólogo Dr. Henry Loomis; Rupert Friend, nominado a un Emmy (Homeland, la serie “Obi-Wan Kenobi”) encarna a Martin Krebs, representante de la “Big Pharma”, y Manuel García-Rulfo (la serie “El abogado del Lincoln”, Asesinato en el Orient Express) es Reuben Delgado, el padre de la familia naufragada.

Completan el reparto Luna Blaise (la serie “Manifest”), David Iacono (la serie “El verano en que me enamoré”) y Audrina Miranda (la serie “López contra López”) en el papel de la familia de Reuben. Entre los miembros de los equipos de Zora y de Krebs están Philippine Velge (la serie “Estación Once”), Bechir Sylvain (la serie “Black Mafia Family”) y Ed Skrein (Deadpool).

Tráiler de la película a continuación en su versión doblada.

 

Sinopsis

Cinco años después de los acontecimientos de Jurassic World Dominion, la ecología del planeta Tierra ha demostrado ser insoportable para los dinosaurios. Los pocos que quedan viven en ambientes aislados en las regiones ecuatoriales, donde el clima se parece al que conocieron antaño. Las tres criaturas más grandes dentro de esta biosfera tropical tienen en su ADN la clave para fabricar un medicamento que aportará beneficios milagrosos a la raza humana.

Tráiler de ‘IT: Bienvenidos a Derry’

El terror en forma de payaso regresa a nuestras casas 

Este próximo otoño llega a nuestras pantallas la vuelta de IT. Ese ser creado por el gran maestro del terror Stephen King. Esta vez, este payaso terrorífico regresa a modo de serie ‘IT: Bienvenidos a Derry’. La serie ha sido desarrollada para televisión por los cineastas Andy Muschietty y Barbara Muschietti (‘IT’) y Jason Fuchs (‘Argylle’) y se estrenará en HBO Max. Andy Muschietti dirigirá varios episodios de esta serie original.

En el reparto encontramos a Taylour Paige, Jovan Adepo, Chris Chalk, James Remar, Stephen Rider, Madeleine Stowe, Rudy Mancuso y por supuesto Bill Skarsgård.

Producida por HBO y Warner Bros. Television, desarrollada para televisión por Andy Muschietti, Barbara Muschietti y Jason Fuchs, IT: BIENVENIDOS A DERRY está basada en la novela «It» de Stephen King. Andy Muschietti y Barbara Muschietti (a través de su productora Double Dream), Jason Fuchs, Brad Caleb Kane, David Coatsworth, Bill Skarsgård, Shelley Meals, Roy Lee y Dan Lin son los productores ejecutivos. Fuchs, que escribió el guion del primer episodio, y Kane son los showrunners del proyecto.

A continuación os dejamos el primer tráiler de esta serie y su sinopsis.

Sinopsis

Ambientada en el universo de ‘IT’ de Stephen King, ‘IT: Bienvenidos a Derry’ amplía la visión establecida por el cineasta Andy Muschietti en las películas ‘IT’ e ‘IT. Capítulo 2’.

Comentamos los episodios de ‘Love, death & robots’ 4

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Apocalipsis, aliens, demonios, los Red Hot Chili Peppers y por supuesto… muchos gatos

En el mundo de las antologías animadas para adultos, ‘Love, Death & Robots’ ha conseguido un lugar destacado gracias a su combinación de narrativas provocadoras, animación de vanguardia y exploraciones temáticas que oscilan entre lo filosófico, lo distópico y lo cómico. Creada por Tim Miller y producida ejecutivamente junto a David Fincher, esta serie antológica ha sido aclamada por su capacidad de sorprender constantemente y desafiar las expectativas.

La cuarta temporada, bajo la supervisión de la directora Jennifer Yuh Nelson (‘Kung Fu Panda 2’, ‘Kill Team Kill’), vuelve a ofrecernos diez cortos innovadores. Con títulos que incluyen gladiadores, dinosaurios, gatos, mesías y a los Red Hot Chili Peppers, la temporada no decepciona en su despliegue de imaginación ni en su crítica social y tecnológica.

Como con las temporadas 1, 2 y 3 detallamos a cada uno de los diez episodios que componen la temporada sin spoilers.

CAN’T STOP (6 min.)

Los Red Hot Chili Peppers recreados con marionetas que a la vez están animadas en 3D. Con las voces de Anthony Kiedis, Flea, John Frusciante y Chad Smith y dirigida por el propio David Fincher que rememora sus orígenes como director de videoclips. Es una recreación del concierto celebrado en 2003 en Slane Castle, Irlanda.

Del título ‘Love, death and robots’ coge tan solo la palabra amor. Amor por los que gusten de la animación y de los funkos cabezones o las marionetas. Y por supuesto porque este es un gustazo que se ha dado Fincher que también puede ser un placer para los fans que no hayan ido nunca a uno de sus conciertos. Pero sin duda debe haber sido una pesadilla logística para los trabajadores de Blur Studio, no por tener que hacer tantas masas de gentes, sino también por tener que recrear los cuatro hilos de cada marioneta.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión?: no
  • Tipo de animación: 3D
  • Calidad de animación: buena
  • Género: musical

CLOSE ENCOUNTERS OF THE MINI KIND (7 min.)

Llega el apocalipsis a ‘Love, death & robots’. Los debutantes Robert Bisi y Andy Lyon crean una invasión alienígena recreada a base de efectos tilt-shift que nos hacen aún más pequeños de lo que somos comparados con el universo. Si además nos regodeamos en nuestra propia estupidez, si demostramos que nuestro cerebro es pequeño o que lo empequeñecemos con el uso que hacemos de él, más insignificantes parecemos.

Por supuesto que recuerda a ‘Mars Attacks’ nada más que arrancar y hay también ecos de ‘Independence Day’ o ‘Guerra de los mundos’. Pero el hecho de parecer todo una maqueta animada hace de este cortometraje de Estudio Buck todo un divertimento diferente. Abducciones, sondas anales, discursos presidenciales… tópicos clásicos en las guerras conta OVNIS con un final… No se puede resumir más rápido y sencillo.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión?: si
  • Tipo de animación: 3D
  • Calidad de animación: muy buena
  • Género: comedia, acción, ciencia ficción

SPIDER ROSE (17 min.)

Jennifer Yuh Nelson, responsable del arte de películas como ‘Kung Fu Panda’, ‘Cómo entrenar a tu dragón 3’ o ‘El gigante de hierro’ nos trae una secuela de ‘Swarm’ el episodio estrenado en temporadas anteriores. Cyberpunk, acción y venganza son los ingredientes de este cortometraje que supone una nueva colaboración de la artista en la serie.

Una historia escrita por el querido y siempre imaginario Joe Abercrombie, el cual, se ha inspirado a su vez en una obra del autor de ciencia ficción Bruce Sterling. Muy mono el “Stich” que han creado, brutal el enfrentamiento y alucinante el universo visual que desplieta.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión?:
  • Tipo de animación: 3D
  • Calidad de animación: excelente
  • Género: ciencia ficción, drama, acción

400 BOYS (15 min.)

Muchos nombres en el título y muchas voces conocidas en el reparto de doblaje: John Boyega, Ed Skrein, Sienna King, Dwane Walcott, Rahul Kohli, Pamela Nomvete y Amar Chadha-Patel. Tim Miller ha adaptado una historia de Marc Laidlaw que mezcla los códigos del bushido que usaban las mismísimas Tortugas Ninja con el salvajismo de un mundo post-apocalíptico. Una historia urbanita y underground repleta de bandas callejeras. Es como si ‘The Warriors’ se mezclase con ‘Los mundos de Gulliver’ o ‘Ataque a los titanes’, para los más jóvenes.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión?: no
  • Tipo de animación: 2D y 3D
  • Calidad de animación: muy buena
  • Género: acción ciencia ficción

THE OTHER LARGE THING (9 min.)

Patrick Osborne (con guión de John Scalzi), cuyas animaciones nos ayudaron a entender el documental, ‘Q: Into the Storm’, se alía con el estudio AGBO en esta pequeña historieta en la que ese cumple lo que muchos pensamos: que somos esclavos de nuestros gatos. Una historia en la que cual ‘Pinky y Cerebro’, un gato y un robot planean conquistar el mundo a través de un pirateo a Internet. Como sucede con el capítulo ‘Close encounters of the mini kind’, nuestra estupidez aparece como el arma o vehículo para nuestra propia perdición.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión?: si
  • Tipo de animación: 3D
  • Calidad de animación: excelente
  • Género: comedia

GOLGOTHA (10 min.)

Uno de los varios episodios dirigidos por Tim Miller. Como productor de la serie se ha permitido salirse a la acción real y contar con Rhys Darby (el Anton de la película ‘Lo que hacemos en las sombras’). La trama es tan loca como podríais suponer con esta combinación pues un alienígena cree que su “Jesucristo” particular se ha reencarnado en la Tierra, pero no en un humano, sino en un delfín.

Luma Pictures mezcla imágenes reales con animadas de igual modo que se entremezcla el debate religioso y ético con lo cómico. Humor absurdo y menos carga intelectual de la esperada. El ‘Treehouse of Horror XI’ de ‘Los Simpson’ sacaba algo más de jugo a su invasión de mamíferos acuáticos. Únicamente extrae jugo a su título al emplear la palabra Gólgota como símbolo de la violencia religiosa desatada por la existencia de un mesías y el choque de culturas.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión?: no
  • Tipo de animación: acción real con 3D
  • Calidad de animación: excelente
  • Género: comedia, ciencia ficción

THE SCREAMING OF THE TYRANNOSAUR (14 min.)

Blur Studio, como tantas otras veces en ‘Love, death & robots’ anima otro corto de Tim Miller. La deshumanización es la protagonista ene la que unos snobs ricachones juegan con la genética para crear el gladiador perfecto y de ese modo salir victoriosos en unos combates que se celebran en un satélite en torno a Júpiter.

Sanguinolento, brutal y en un escenario similar al de ‘Elysium’. Podría ser un fragmento de la serie ‘Primal’. Lo que fue en el pasado, el pan y circo, el desprecio por la vida a coste del divertimento de otros puede seguir en un futuro lejano, por el simple hecho de que está en nuestra naturaleza. Puede recordaros a ‘The Maze Runner’, a ‘John Carter de Marte’ o a las flipaduras de Legolas sobre los mumakil.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión?: no
  • Tipo de animación: 3D
  • Calidad de animación: muy buena.
  • Género: acción

HOW ZEKE GOT RELIGION (15 min.)

Ya había animado en la segunda temporada, pero ahora el español Diego Porral, animador en el multiverso de Miles Morales o en ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, entre otros muchos trabajos que os dejarían sorprendidos, dirige este episodio animado por Titmouse. ¿Os acordáis de la historia de origen de Hellboy cuando es sacado del infierno por los nazis? Pues esta podría haber sido la misión que acabase con ese Proyecto Ragnarok pues unos pilotos de caza tienen que bombardear una iglesia en la que los alemanes preparan un rito.

Animación que recuerda al cómic europeo y a las películas de finales de los 90 e inicios de los 2000, aunque también hay algo más de Mignola en el aspecto visual. La Segunda Guerra Mundial nos rememora a series como ‘Los héroes del aire’

  • ¿Tiene mensaje o reflexión?: no
  • Tipo de animación: 2D
  • Calidad de animación: excelente
  • Género: terror, acción

SMART APPLIANCES, STUPID OWNERS (8 min.)

En la edad media eran los sirvientes los que se quejaban de los nobles al encargarles las tareas más básicas en lo que siempre era un ejercicio de pereza y cero autosuficiencia. En el futuro que nos pinta ‘Love, death & robots’ son nuestros propios dispositivos y nuestro mobiliario inteligente el que sufre nuestra dejadez (cotidiana e intelectual). Una idea muy cachonda que va a hacer que miréis vuestros aparatos electrónicos de otra manera. ¿Alguno os ha calado?

Con las voces de Melissa Villaseñor, Ronny Chieng, Amy Sedaris, Kevin Hart, Josh Brener, Nat Faxon, Niecy Nash-Betts y Brett Goldstein.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión?: si
  • Tipo de animación: stop motion
  • Calidad de animación: buena
  • Género: comedia

FOR HE CAN CREEP (14 min.)

Con las voces de Dan Stevens y un mítico del doblaje en animación y videojuegos como JB Blanc, entre otros, nos sumergen en la historia más espiritual e infernal de esta temporada 4 de ‘Love, death & robots’. De las tres palabras del título muerte es la más presente pues se trata de un relato muy al estilo de E.A. Poe en el que el diablo insta a un poeta a escribir unas líneas que podrían acabar con el mundo. A este ritmo van a tener que agregar la palabra “cats” al título de la serie pues de nuevo nuestros felinos amigos tienen mucho peso en la historia.

Dirigido por Emily Dean, animadora en las LEGO películas o la película 3D de Scooby-Doo. 1757 no es una época muy habitual en ‘Love, death & robots’ a si es que solo por eso ya supone un punto distinto al resto, pero una manera algo floja de cerrar la temporada.

  • ¿Tiene mensaje o reflexión?: no
  • Tipo de animación: 3D
  • Calidad de animación: muy buena
  • Género: comedia, terror

Crítica: ‘Destino Final: Lazos de Sangre’

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Sinopsis

Atormentada por una violenta pesadilla recurrente, la estudiante universitaria Stefanie regresa a casa para buscar a la única persona que podría romper el infausto ciclo. Así podría salvar a su familia de la macabra desaparición que les aguarda a todos de manera inexorable.

Crítica

La muerte vuelve a ponerse imaginativa para hacérnoslo pasar bien

Veinticinco años han pasado desde que la muerte nos mostrase como trabaja. Que si no logra su cometido crea mil inventivas para poder conseguir que sus víctimas terminen muertas. Y es que ‘Destino Final’ fue un éxito en todos los sentidos allá en los 2000. Y después de tantos años llegamos a la sexta película con ‘Destino final: Lazos de sangre’.

¿Qué os puedo contar? Me ha encantado, me he divertido muchísimo viendo como se han inventado mil y una maneras de morir nuevas. La nueva película de la saga es bastante gore, no se corta con nada, niños, adolescentes, familias completas… Y es que ‘Destino final: Lazos de Sangre’ nos trae como La Muerte va detrás de la familia de Stefanie, una joven que no para de tener una pesadilla recurrente y debe ir en búsqueda de la única persona que podría romper ese ciclo y salvar a su familia.

No quiero contar mucho más porque la verdad que aunque la trama es fácil y tampoco es que sea tremendamente complicada, es gracioso ir descubriéndola mientras ves morir a diferentes personas de esta familia.

Tiene bastante humor, bastante ácido, pero que sin duda en una película de estas características es necesario y el público que asistimos a este visionado, lo entendemos y disfrutamos.

Zach Lipovsky y Adam B. Stein (‘Freaks’ aquí nuestra crítica), son los directores de esta estupenda sexta parte. Y es que lograron llamar la atención de los productores después de una videollamada por zoom con éstos y recreando una de las muertes que aparecen en la cinta. Sin duda se nota que disfrutan con esta dirección, pues ‘Destino Final: Lazos de Sangre’ es muy canalla y muy visceral.

En el reparto encontramos a  Brec Bassinger, April Telek, Rya Kihlstedt, Anna Lore, Gabrielle Rose, Teo Briones, Owen Patrick Joyner, Alex Zahara, Richard Harmon y Tinpo Lee.

Como gran protagonista encontramos a Kaitlyn Santa Juana, esta joven que comienza con pesadillas y se da cuenta que algo no está bien y decide actuar.

Y por supuesto volvemos a ver a Tony Todd, en su última película. Se nota que ya estaba enfermo pues aparece muy desmejorado. Pero admito que el gran homenaje que le hacen y se hace a si mismo en la película es muy bonito. Un final para su personaje muy digno y lleno de buenos consejos. Por supuesto la película está dedicada a él.

Poco más que deciros, id a verla al cine y disfrutadla, la verdad que películas así son un gustazo verlas con unas buenas palomitas y con amigos con los que divertirnos. Antes de terminar, comentaros, que tuve la oportunidad de verla en una sala 4DX y es una verdadera gozada. 

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Final Destination: Bloodlines. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Zach Lipovsky, Adam B. Stein. Guion: Guy Busick, Lori Evans Taylor. Música: Tim Wynn. Fotografía: Christian Sebaldt. Reparto principal: Kaitlyn Santa Juana, Teo Briones, Richard Harmon, Owen Patrick Joyner, Rya Kihlstedt, Anna Lore, Brec Bassinger. Producción: Inzide Media, New Line Cinema, Practical Pictures, Québec Production Services Tax Credit, The Fusion Media. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: terror, remake. Web oficial: https://www.destinofinallazosdesangre.com/

Nuevo tráiler de ‘Superman’

¡Superman ha vuelto! El nuevo tráiler de James Gunn es un cómic en movimiento

El grito de batalla del Hombre de Acero (“Up, up and away!”) parece resonar más fuerte que nunca tras el lanzamiento del nuevo tráiler del Superman de James Gunn, compartido oficialmente en la cuenta de X.com/superman. Y no es para menos: estamos ante un avance que destila esencia comiquera por los cuatro costados.

Tras años de versiones más sombrías, James Gunn parece dispuesto a traer de vuelta al Superman más inspirador, luminoso y clásico. Este avance no solo emociona, sino que también lanza un guiño directo a décadas de historia de DC Comics, desde los trazos de Curt Swan hasta la sensibilidad de John Byrne y el idealismo de Grant Morrison.

Un Clark Kent que vuelve a sus raíces. David Corenswet, con su porte clásico y mirada sincera, encarna a un Clark Kent que pretenderá recordar a los mejores días de la Edad de Oro y la Edad de Plata. El tráiler muestra escenas en Smallville, la redacción del Daily Planet y, cómo no, vuelos a través del cielo con esa capa roja ondeando como si saliera directamente de una portada de Action Comics.

Y atención, porque el logo del pecho, el color del traje y la iluminación parecen sacados de viñetas firmadas por Alex Ross. Un detalle que los lectores veteranos y nuevos no pasarán por alto.

Lex Luthor, los alienígenas… y la promesa de un universo DC. Además del protagonista, el tráiler insinúa una amenaza global y la presencia de otros muchos metahumanos. ¿Es Lex Luthor el villano principal? ¿O habrá una conspiración mayor detrás? James Gunn ha prometido un Universo DC cohesionado, y este primer vistazo a ‘Superman’ es una declaración de intenciones: fidelidad a los cómics y corazón cinematográfico, así como el reparto más coral jamás visto en un filme de El Hombre de Acero.

Así mismo nos dejan muy claro en qué punto está la relación Lois y Superman, con una de las entrevistas que la periodista del Planet hace a Superman. Y nos dejan caer que los villanos de la cinta no serán solo Lex Luthor y el gigantesco kaiju. En una de las escenas vemos a Rick Flack Sr., a La Ingenera y al que podría ser una versión de Ultraman o de Ulysses arrestando a Superman. También hay una escena en la que parece que Metamorpho ha creado kryptonita para debilitar a Superman. ¿Quién sabe por dónde irán los tiros?

Los fans del noveno arte y del cine de superhéroes tienen motivos para tener muchas expectativas. Este nuevo tráiler no solo promete una gran película, sino que también nos recuerda por qué Superman es, fue y siempre será el superhéroe. James Gunn ha encendido la antorcha de la esperanza, y parece que la ha pasado al Superman que el mundo necesita ahora.

En junio llega una película de récord

‘Ne Zha 2’, la primera película no perteneciente a Hollywood en la lista global de las 10 películas más taquilleras de todos los tiempos

Con unos datos de recaudación que aúnan 1.000 millones de dólares en un solo mercado (el suyo, el chino) y 21 millones de dólares en Estados Unidos, ‘Ne Zha 2’ se ha posicionado como la primera película no perteneciente a la industria de Hollywood en aparecer en la lista global de las 10 películas más taquilleras de todos los tiempos. Su incursión la ha colocado por el momento en el quinto puesto, por detrás de ‘Avatar: El sentido del agua’, ‘Vengadores: Endgame’, ‘Star Wars: El despertar de la fuerza’ y ‘Titanic’. Así nos introduce Adso Films esta película que traerá a cines españoles el próximo 20 de junio.

Yu Yang es el director que debutó con la primera entrega y ahora, tras el éxito de ‘Nezha: Mo tong jiang shi’ (2019), ‘Ne Zha 2’ hace lo que más le suele funcionar a la animación china, explotar sus raíces y tradiciones. El filme se basa en la novela del siglo XVI titulada ‘Investidura de los dioses’. La mitología del país asiático se reintrepreta en un espectáculo de animación que ha tenido cinco años de producción en los que han trabajado hasta 4.000 animadores. Han sido casi 2.000 planos de efectos visuales. Solo para una de las batallas se crearon 200 millones de personajes animados de manera individual, un enfoque que rara vez se aplica en la animación a esta escala.

Tas el recorrido internacional y faltándole algunos mercados por explorar, ‘Ne Zha 2’ ha superando a películas como ‘Del revés 2’, la cual tenía el récord histórico de taquilla para una película animada. A fecha de 3 de marzo ha recaudado un total mundial de 2.000 millones de dólares gracias a la demanda sostenida del público. Su éxito ha sido tan arroyador que se ha convertido en la película más rápida en alcanzar los 2.000 millones de dólares, en tan solo 33 días.

Podrá verse en distintos cines en versiones doblada al español, subtitulada al español con doblaje original chino, doblada al catalán y versión original con subtítulos en catalán.

Sinopsis oficial:

Ne Zha, un niño demonio criado por humanos, forma una incómoda alianza con el príncipe Loong, Ao Bing, en una batalla épica para proteger a sus clanes. Después, sus cuerpos se tambalean al borde de la destrucción. Ne Zha debe embarcarse en una peligrosa búsqueda para obtener un elixir que restaure el cuerpo de Ao Bing. Durante este viaje para matar demonios, Ne Zha descubre una conspiración que desencadenará una guerra devastadora entre el bien y el mal, y deberá desafiar a fuerzas traicioneras para proteger lo que más aprecia.

Esta es la petición mundial urgente para proteger el cine y el audiovisual independientes

En más de 100 países se ha firmado esta petición

AECINE, la Asociación Estatal de Cine, nos ha remitido el siguiente comunicado con el cual nos instan a concienciar y animar a firmar una petición: “Hoy en día, el apoyo al cine independiente y a la narración audiovisual está cada vez más amenazado. Estamos siendo testigos de intentos cada vez más agresivos por parte de poderosos actores políticos y corporativos para desmantelar las protecciones regulatorias que han apoyado durante mucho tiempo la diversidad y la accesibilidad de la expresión cultural. El último anuncio del presidente estadounidense sobre un plan para imponer aranceles a las importaciones de películas no hace sino agravar esta amenaza. Subraya la importancia de proteger nuestra capacidad de contar historias arraigadas en culturas, lenguas e identidades locales, y de garantizar que las personas de todo el mundo puedan seguir accediendo a ellas y disfrutándolas. Sin estas protecciones e incentivos, perderemos una industria cinematográfica y audiovisual vibrante, diversa y culturalmente rica, y todos, en todas partes, saldremos perdiendo”.

“Las películas y las obras audiovisuales no sólo alimentan el crecimiento económico y la circulación mundial de talentos, sino que reflejan quiénes somos como sociedades y vislumbran quiénes podríamos llegar a ser. Más que enriquecer nuestra vida cultural, son esenciales para una democracia sana: apoyan la libertad de expresión y dan voz a las diversas historias y perspectivas de la humanidad. (…)  Las películas y las obras audiovisuales no sólo alimentan el crecimiento económico y la circulación mundial de talentos, sino que reflejan quiénes somos como sociedades y vislumbran quiénes podríamos llegar a ser. Más que enriquecer nuestra vida cultural, son esenciales para una democracia sana: apoyan la libertad de expresión y dan voz a las diversas historias y perspectivas de la humanidad”.

“Estas acciones se producen en paralelo a ataques más amplios contra el pluralismo y la libertad de expresión. Si tienen éxito, será cada vez más difícil que se escuchen voces diversas, que todo el ecosistema pueda crear, producir, distribuir, promover y exhibir con éxito películas y obras audiovisuales, y que prosperen las culturas locales”.

“Por lo tanto, nos oponemos firmemente a cualquier iniciativa política, jurídica o económica que pretenda socavar las normas nacionales o internacionales destinadas a defender la libertad artística y la diversidad cultural en el sector cinematográfico y audiovisual”.

“Esto incluye el derecho de los países a crear y mantener sus propias políticas culturales y sistemas reguladores, que reconozcan la importancia de poseer, controlar y monetizar la propiedad intelectual de nuestras obras. Tales medidas constituyen la base de un ecosistema audiovisual saludable, permitiendo que el valor económico generado por las obras creativas beneficie a los titulares de derechos nacionales, reforzando la soberanía cultural de los sectores cinematográficos y audiovisuales locales en todo el mundo, y apoyando la circulación internacional de obras cinematográficas y audiovisuales diversas e independientes”.

La petición se ha lanzado a través de este enlace: https://chng.it/kMkRxCzhQx

Crítica: ‘Ernest Cole: Lost and Found’

Sinopsis

Ernest Cole, fotógrafo sudafricano, fue el primero en exponer al mundo los horrores del Apartheid. La publicación de su libro ‘House of Bondage’ le llevó a exiliarse en Nueva York y Europa durante el resto de su vida. Raoul Peck relata su agitación como artista y su rabia ante el silencio o la complicidad del mundo occidental, además de cómo se descubrieron 60.000 negativos de su obra en la caja fuerte de un banco sueco.

Crítica

Una vida vista a través de sus fotografías

En 2017 reapareció la figura del fotógrafo Ernest Cole. Y es que, en una entidad bancaria de Estocolmo, se encontraron más de 60000 negativos de este gran fotógrafo que se pensaban desaparecidos. Un hombre que vivió exiliado en Nueva York y que tuvo el valor de exponer al mundo los horrores del Apartheid en Sudáfrica.

¿Pero, quién era Ernest Cole?

Nacido en Sudáfrica, de joven le regalaron una cámara de fotos y no la soltó. Con una cámara y mucha valentía, retrató la situación que vivían por culpa de Apartheid. Ernest utilizó teleobjetivos e incluso se escondía la cámara en bolsos o debajo de chaquetas, para poder realizar las instantáneas sin que le pillasen. Con ello, consiguió una gran cantidad de material con el que llevó al mundo la realidad del Apartheid gracias a la publicación de ‘House of Bondage’. Un libro que hizo que a sus 27 años tuviese que huir hacia Nueva York donde vivió hasta su muerte.

Nueva York fue una ciudad de la que se enamoró en un principio, veía libertad para los sudáfricanos, pero poco a poco fue viendo la realidad y que al final todo era igual.

Raoul Peck, director de ‘I Am Not Your Negro’, dirige este estupendo documental, con testimonios del fotógrafo y por supuesto, contado, la mayoría de las veces, con las fotografías del propio autor. Es una maravilla la manera que tenía de captar los rostros de la gente. Las situaciones del día a día y colocarnos en una época tan convulsa para la población afroamericana.

Me gusta mucho la manera de contar esta historia, la manera en la que además de aprender, nos están contando una historia y presentando a un personaje tan desconocido. Ernest Cole estaba roto, y eso lo ves mientras avanza el documental, su sufrimiento, sus ganas de volver a su país y deseando que todo fuese bien. El mundo le olvidó y murió en 1990 de un cáncer. Y como he comentado, hasta 2017 no se volvió a saber nada hasta que se encontraron los negativos que salieron de Sudafrica gracias a un amigo blanco, el cual al final en el aeropuerto ni llamaba la atención.

Un documental que os recomiendo mucho, y que llega a nuestras grandes salas el próximo 15 de mayo de 2025 gracias a Avalon Films.

 Ficha de la película

Estreno en España: 15 de mayo de 2025. Título original: Ernest Cole: Lost and Found. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Raoul Peck. Guion: Raoul Peck. Música: Alexei Aigui. Fotografía: Wolfgang Held, Moses Tau. Reparto principal: LaKeith Stanfield. Producción: arte Francia Cinéma, Velvet Films. Distribución: Avalon films. Género: documental. Web oficial: https://avalon.me/peliculas/ernest-cole-lost-and-found/

Crítica: ‘Tras el verano’

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Sinopsis

Paula, Raúl y Dani podrían ser una familia más. Podrían serlo, de no ser porque Dani no es hijo de Paula, y ésta se enfrenta con el reto diario de encajar en una familia reconstituida. Este conflicto, unido a una crisis de pareja, hace que Paula pueda dejar de ver para siempre a Dani. Una historia que nos habla de afectos, poniendo los derechos del menor en el centro del debate y una gran pregunta: ¿qué es más importante, los sentimientos o el ADN?

Crítica

Luminosa pese a su tristeza

Yolanda Centeno se estrena con un largometraje de estos que nos da que pensar. De estas historias tan reales como la vida y que sin duda nos dejan con un buen debate después del visionado.

‘Tras el verano’ trata una ruptura, de lo difícil que es separarse, ya no solo de una pareja, sino del hijo de éste. Y es que Paula no es la madre de Dani, pero ambos tienen un vínculo increíble y ella no quiere perderlo. Pero legalmente no tiene nada que hacer, solo intentar seguir en su vida de cualquier manera.

Yolanda Centeno nos cuenta de manera sencilla lo complicado de estas situaciones y de cómo pueden ser más normales de lo que parecen. Los nuevos estilos de familias en los que los sentimientos no se miden por el ADN, sino por los vínculos que se crean entre las personas. Aunque Daniel, el niño protagonista, tenga madre y padre, Paula ha sido tan importante para él durante 5 años, que ambos no quieren perder el contacto. Los vínculos no tienen por qué ser sanguíneos, podemos sentir el mismo amor por alguien que no tenga nuestro ADN y con ello sufrir tanto una separación como cualquier madre o padre.

En sólo 90 minutos, los guionistas Yolanda Centeno y Jesús Luque, logran contarnos tantas cosas. Que no solo cuentan con el diálogo, sino también con los silencios. Esos que son los que más cuentan, los que más dolor dejan ver. Esta película está llena de esos silencios, de esas miradas al vacío llenas de palabras.

Me encanta el uso de la iluminación en la película. Tiene un gran trabajo y un gran significado. A Paula siempre la vemos en sombras, con una luz tenue que la invade siempre, menos cuando ve a Dani. Dani le devuelve la luz y eso nos lo muestran de la manera más sencilla y es fantástico. Pequeños detalles consiguen mostrarnos grandes sentimientos.

Sin duda, Alexandra Jiménez nos regala un papel precioso. Lleva toda la película sobre sus hombros y no decae ni un momento. Al final, tiene un papel complicado lleno de matices. Junto a ella se encuentra Juan Diego Botto, al que vemos destrozado e intentando volver a encauzar su vida.

Recomiendo mucho el visionado de ‘Tras el verano’ una situación que sin duda se da en el mundo real y del que no se habla. Y por supuesto, como he comentado, legalmente ni se piensa. Es una cinta de la que poder debatir al salir del cine y compartir diferentes ideas.

 Ficha de la película

Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Tras el verano. Duración: 94 min. País: España. Dirección: Yolanda Centeno. Guion: Yolanda Centeno, Jesús Luque. Música: Pablo Cervantes. Fotografía: José Luis Bernal Ibañez. Reparto principal: Juan Diego Botto, Alexandra Jiménez, Ruth Gabriel, Stéphanie Magnin, Fran Cantos, Tamara Arias de Saavedra, Alicia Moruno, Edu Rejón, Alejandro López, Ana del Arco. Producción: Áralan Films, Harry Kane. Distribución: Alfa Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://alfapictures.com/sp/amy_movie/tras-el-verano/

Crítica: ‘Anzu, gato fantasma’

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Sinopsis

¿Volveremos a vernos en algún lugar?”

“Quiero ver a mi madre”. A partir de este deseo, un gato fantasma y una niña que ha perdido a su madre se embarcan en un viaje que les lleva al mismo Infierno.

En medio de un fuerte aguacero, un monje encuentra a un gatito al que bautiza como Anzu y cría con esmero. Sin embargo, 30 años después, el gatito no solo no ha muerto, sino que se ha convertido en un “gato fantasma” que habla y vive como un ser humano. A sus 37 años, viaja en ciclomotor y trabaja a tiempo parcial como masajista. Un día, el anciano monje le pide a Anzu que cuide de Karin, su nieta de 11 años que ha sido abandonada por su padre, y este acepta a regañadientes. Al principio, sus personalidades enérgicas chocan y saltan chispas, pero poco a poco empiezan a entenderse. Entonces, Karin le pide un favor a Anzu, quiere volver a ver a su madre fallecida. Ese es el punto de partida para un dramático viaje que les llevará hasta el mismísimo Infierno.

Crítica

Comunión con la naturaleza y retos de la infancia en un filme con identidad propia y mucha simpatía

‘Anzu, gato fantasma’, dirigida por la directora novel Yôko Kuno (animadora habitual de Shin-chan) y Nobuhiro Yamashita, es una obra visualmente encantadora que ofrece una mezcla equilibrada de humor y ternura, con una historia que invita a la reflexión sobre la naturaleza y la vida. La película parte de una obra del mangaka Takashi Imashiro, tiene un marcado carácter rural y puede recordar en algunos aspectos a títulos como ‘El verano de Kikujiro’.

Viendo este anime Ghibli se pasa a menudo por nuestra cabeza. Al igual que en las obras de Miyazaki, ‘Anzu, gato fantasma’ presenta una conexión profunda con los personajes desvalidos, la espiritualidad y la infancia. El personaje de Anzu, un gato fantasma, recuerda a los espíritus protectores que aparecen en títulos como ‘Mi vecino Totoro’, ya que no sólo encarna lo sobrenatural, sino también una fuerza benévola y despreocupada que guía a los personajes. Pero este filme se alía más con el público actual evitando la mojigatería o ponerse intensito. Y es que Anzu cocina, conduce en moto sin carnet, se tira pedos comiendo y mea por los rincones del templo en que vive. Y todo esto sin parar de reírse “¡miaujajaja!”. Además Kuno y Yamashita optan por un tono más contemporáneo. La sutileza y simpatía con la que abordan los temas emocionales es su fortaleza, haciendo de ‘Anzu, gato fantasma’ una experiencia que consigue ser más íntima de lo que parece. Es imposible no hacerse amigo de este gato antropomórfico que rompe con lo tradicional.

‘Anzu, gato fantasma’ destaca no solo por cómo nos conmueve y divierte a partes iguales, también por su inaudito estilo de animación para tratarse de un filme nipón. Fusiona técnicas tradicionales con enfoques contemporáneos. Aunque como he dicho, el Japón rural y espiritual animado nos puede recordar siempre a Ghibli, la obra mantiene una identidad propia. La película fue filmada inicialmente en acción real, sobre la cual se aplicó la técnica de rotoscopia, pintando directamente sobre las imágenes filmadas. Esta metodología aporta una autenticidad y calidez únicas a la narrativa, enriqueciendo la experiencia visual. La colaboración entre los estudios Shin-Ei Animation y Miyu Productions resultó en una obra que combina lo mejor de ambas tradiciones animadas. El uso de la rotoscopia no solo añade una dimensión artística distintiva, sino que también refuerza la conexión emocional con los personajes y su entorno, ofreciendo al espectador una experiencia inmersiva y memorable.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Bakeneko Anzu-chan. Duración: 97 min. País: Japón. Dirección: Nobuhiro Yamashita, Yôko Kuno. Guion: Shinji Imaoka. Música: Keiichi Suzuki. Fotografía: Masato Makino. Reparto principal (doblaje original): Mirai Moriyama, Noa Gotô, Munetaka Aoki, Miwako Ichikawa, Keiichi Suzuki. Producción: Miyu Productions, Shin Ei Animation. Distribución: SelectaVisión. Género: aventura, fantástico. Web oficial: https://ghostcat-anzu.jp/

Crítica: ‘Estocolmo 1520. El rey tirano’

En qué plataforma ver Estocolmo 1520. El rey tirano

Sinopsis

En 1520, el infame rey danés Cristián II (Claes Bang), sediento de poder, está decidido a arrebatar la corona sueca a Sten Sture (Adam Pålsson), cueste lo que cueste. Entre tanto, las hermanas Freja (Alba August) y Anne (Sophie Cookson) prometen solemnemente vengarse de los hombres que asesinaron brutalmente a su familia. Todo llega a su punto álgido en el corazón de Estocolmo, donde las hermanas se ven arrastradas a una despiadada lucha política entre Suecia y Dinamarca que culmina en una ejecución masiva, presidida por el rey loco «Cristián el Tirano», conocida como el Baño de Sangre de Estocolmo.

Crítica

¿Quién dijo que las películas nórdicas eran lentas y aburridas?

La película ‘Estocolmo 1520. El rey tirano’ nos traslada a uno de los capítulos más sangrientos de la historia sueca, pero lo hace con una visión fresca, osada y en ocasiones disparatada. Dirigida por Mikael Håfström a través de muchos estilismos, esta producción internacional sorprende al transformar un evento histórico como la Masacre de Estocolmo en un relato que combina drama, acción violenta y un humor negro que rompe con las convenciones del género.

¿De qué trata ‘Estocolmo 1520’? Ambientada en plena lucha por el trono de Suecia, ‘Estocolmo 1520’ sigue la historia de Anne y Freja, dos mujeres nobles marcadas por la brutalidad de un régimen impuesto. Tras presenciar la masacre de su familia ordenada por el rey Christian II, apodado “el rey tirano”, y ejecutada por unos pintorescos mercenarios, ambas emprenden un camino de venganza lista en mano a lo ‘Kill Bill’. Todo esto sucede en el marco de un país fracturado entre la nobleza local y el nuevo dominio danés. Lo que empieza como una historia de opresión, pronto se convierte en un thriller político con tintes épicos y sangrientos. Para desgracia de las dos protagonistas hay otra lista, la que dio con la ejecución pública de más de cien personas y llevó a este acontecimiento a los libros de historia.

Este es un un drama histórico con estilo moderno. Una de las mayores decisiones de ‘Estocolmo 1520’ es diferenciarse a través del humor y la acción procurando mantener cierto equilibrio entre el rigor histórico y una narrativa estilizada o contemporánea. La película no teme incorporar elementos visuales modernos, una banda sonora efectiva y diálogos que, sin perder seriedad, incluyen momentos de disparate y sátira. Este enfoque hace que la historia resulte accesible y atractiva incluso para quienes no conocen el contexto del siglo XVI en Escandinavia o para los que toleran poco las películas largas. Sobretodo este filme logrará romper estereotipos de esos que hacen pensar que el cine de Europa del norte siempre es lento y aburrido (aunque ahí hay ejemplos como ‘Sisu’). Y aunque Håfström se toma su tiempo (la película supera las dos horas de duración), lo hace para construir una atmósfera donde cada traición y cada decisión cuentan y suman al kill count.

Sophie Cookson y Alba August brillan como protagonistas, aportando fuerza y emoción a sus personajes, además de servir bien a la acción. Pero también acapara mucha atención Claes Bang como Christian II, un villano de lengua bífida que encarna el poder sin escrúpulos, con un carisma tontorrón e inquietante. Tras la peculiar interpretación de Drácula y su versión de Guillermo Tell queda claro que al actor danés no se le caen los anillos a la hora de retratar a personajes populares al borde de la parodia.

La ambición de esta película no está solo en la mezcla de géneros, también en lo visual. ‘Estocolmo 1520’ destaca por su cuidada ambientación, su fotografía sombría y sus escenas de acción dotadas de cierta coreografía. Consigue tomas de belleza medieval y de gran espectacularidad bélica. Para ser una película que trata una sangrienta efeméride y cuyo título original es Stockholm Bloodbath (el baño de sangre de Estocolmo) consigue obtener preciosos fotogramas, sobre todo en tomas aéreas.

Una película distinta que merece la oportunidad de ser vista. Si buscas una película histórica tradicional, ‘Estocolmo 1520’ probablemente te descoloque. Pero si estás dispuesto a ver una reinterpretación atrevida, que combina cierto rigor, violencia y hasta momentos de humor inesperado que en ocasiones no funciona (principalmente por la interpretación de Mikkel Boe Følsgaard), esta película te sorprenderá gratamente. Es una propuesta valiente que re-imagina la manera de narrar la historia siguiendo la estela de ‘La favorita’ o ‘The great’ pero con ciertos toques de ‘Juego de Tronos’, es decir, irreverencia y violencia a partes iguales.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Stockholm Bloodbath. Duración: 145 min. País: Suecia, Dinamarca. Dirección: Mikael Håfström. Guion: Erlend Loe, Nora Landsrød. Música: Steffen Thum. Fotografía: Pär M. Ekberg. Reparto principal: Sophie Coockson, Claes Bang, Alba August, Emily Beecham, Wilf Scolding. Producción: Nordisk Film, Viaplay Studios. Distribución: Divisa Films, Filmax. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/estocolmo-1520-el-rey-tirano/312

Crítica: ‘Hellboy: El hombre retorcido’

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Sinopsis

Hellboy (Jack Kesy) y una agente novata del AIDP (Agencia para la investigación y defensa paranormal) se quedan varados en los Apalaches rurales de los años 50 y descubren una pequeña comunidad embrujada, liderada por el Hombre Retorcido.

Crítica

La versión de Hellboy más folk horror y fanmade hasta la fecha

La presencia del autor original en una adaptación cinematográfica puede parecer, a priori, una garantía de fidelidad o incluso, de calidad. Pero la historia del cine basado en cómics está llena de ejemplos que desmontan esa suposición. Frank Miller estuvo detrás de las exitosas ‘300’ y ‘Sin City’, mientras que Todd McFarlane presenció el descalabro de su ‘Spawn’ en 1997, con un nuevo intento aún más fallido junto a Jamie Foxx que nunca vio la luz. Mark Millar (‘Kick-Ass’), Bryan Lee O’Malley (‘Scott Pilgrim’) o John Ostrander (‘El Escuadrón Suicida’) también han estado involucrados en mayor o menor medida en las versiones fílmicas de sus creaciones, con resultados dispares. Marvel es otro universo, con sus propios códigos, cameos y fórmulas.

Todo esto sirve como contexto para entender ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’, una película donde Mike Mignola, por primera vez, ha tenido un peso real en la adaptación. Y eso se nota, al menos en un aspecto: esta es, sin duda, la película más cercana al espíritu del cómic original en cuanto a tono. Aquí se respira folk horror por los cuatro costados, un ambiente rural, oscuro, y cargado de misticismo que por fin hace justicia a un fragmento tan particular del universo Hellboy.

Si con Guillermo del Toro se exploraba la vertiente más romántica y melancólica del personaje, ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ decide sumergirse en la mitología pura de Mignola. Con el director Brian Taylor por fin se respeta el horror de raíz, el folklore profundo, el cuento de advertencia en clave sobrenatural. Y eso, sin duda, es lo mejor que ofrece esta adaptación. Pero lamentablemente, la fidelidad al tono no basta y esta vez ni una versión salvaje y sin censura, como fue el caso de Neil Marshall, salvaría los muebles. El resto de la película es un despropósito técnico. El CGI es pobre, más digno de una producción de The Asylum que de un estreno con aspiraciones serias. Las escenas de acción parecen sacadas de un proyecto universitario sin presupuesto o de un fanmade y la dirección no logra aprovechar los pocos momentos de tensión que propone el guion. Todo parece deslavazado, maquillado en exceso para camuflar carencias, lo cual perjudica a la atmósfera.

El casting tampoco ayuda. El nuevo Hellboy (Jack Kesy) carece de fuerza, de carisma, y sobre todo de presencia. No transmite la mezcla de cansancio existencial, ironía seca y brutalidad contenida que definía al personaje. Lo que queda es una figura desinflada, incapaz de sostener la película sobre sus hombros. Que sus lances suenen al son de soul y a música lounge no siempre le sienta bien pues redunda en el tópico de las campiñas de la Virginia de los sesenta.

‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ es una paradoja: cuando por fin se consigue capturar la esencia más oscura y particular del universo de Mignola, todo lo demás —producción, actuación, dirección— se desmorona. Es fiel, sí. Pero también es floja, torpe y olvidable. Una oportunidad perdida… Quizá la tercera entrega del Del Toro habría llegado a este nivel de oscuridad y suciedad, quizá al Hellboy David Harbour le faltaba este nivel de aventura local y episódica… Quizá debamos montarnos en nuestras mentes la mezcla perfecta para tener la película que este pilar del cómic contemporáneo se merece.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de febrero de 2026. Título original: Hellboy: The Crooked Man. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Brian Taylor. Guion: Mike Mignola, Christopher Golden, Brian Taylor. Música: Sven Faulconer. Fotografía: Ivan Vatsov. Reparto principal: Jack Kesy, Jefferson White Adeline Rudolph, Leah McNamara, Suzanne Bertish, Joseph Marcell, Martin Bassindale. Producción: Bulgarian National Film Center, Campbell Grobman Films, Dark Horse Comics, Millennium Media, Nu Boyana, Telepool. Distribución: Vértice Cine. Género: adaptación, terror, aventura. Web oficial: https://millennium-media.net/mf-films/hellboy-crooked-man/

Crítica: ‘Nonnas’

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Sinopsis

Tras perder a su madre, un hombre decide arriesgarlo todo para honrar su memoria y abre un restaurante italiano en el que contrata como cocineras a un grupo de abuelas.

Crítica

La comida siempre da amor

Uno de los estrenos de la semana es ‘Nonnas’, una cinta entrañable, de esas que puedes ver una de estas tardes de lluvia, en el sofá y con un buen café en las manos. ‘Nonnas’ es una historia de amor, de amor a la familia, a las raíces y a la comida. Si, a esa comida que con solo tomarla te lleva a un pasado mejor, un pasado en el que tu familia se reunía y estaba unida.

Joe Scaravella, acaba de perder a su madre, una mujer muy importante para él. Su manera de llevar el luto es abrir un restaurante para poder llevar sus recetas a todo el mundo. Además, un viaje al mercado al que solía ir con ella, le hace ver que si contrata nonnas (abuelas) logrará su objetivo, y es comida realizada como en casa.

Creo que me esperaba una película más sensiblera, ‘Nonnas’ es bonita, una película sencilla que ya solo con su historia llama mucho la atención, además de por el pedazo de reparto. Encabezado por Vince Vaughn, un actor que nos tiene acostumbrados a saltar de la comedia a la acción sin mutarse. En ‘Nonnas’ nos deja su lado más tierno, intentando rescatar la memoria de su madre a través de la comida y de este negocio loco al que se ha lanzado.

Junto a él encontramos a Joe Manganiello, Drea de Matteo, Susan Sarandon, Lorraine Bracco, Ali Lopez-Sohaili, Brenda Vaccaro o Richie Moriarty, entre muchos otros.

La dirección es de Stephen Chbosky, director de ‘Wonder’ y que vuelve con una historia real. Con guion de Liz Maccie. Esta dirección es sencilla, sin complicaciones, eso sí, dándonos una buena dosis de imágenes de comida italiana que hace que salgas con un hambre impresionante de ver la película.

¿Qué mas nos da Nonnas?

Pues una historia real, Joe Scaravella es un personaje real que abrió su restaurante Enoteca María en Staten Island y básicamente todo lo que nos cuentan en la cinta es real. Joe Scaravella y su gran amigo, tienen un pequeño cameo en la cinta. Y en este restaurante se come comida de la abuela. Y cada semana está tematizada con abuelas de diferentes países.

Un concepto muy bueno que por lo que he podido ver tiene mucho éxito pues en todos lados te recomiendan hacer reserva o no podrás cenar.

Otra curiosidad de la cinta, es que no está rodada en ese restaurante, si no que se fueron a New Jersey y rodaron en un famoso restaurante ya cerrado ‘Spiritos’, al cual también homenajean dentro de la película. Y es que al final, ‘Nonnas’ es un gran homenaje también a la restauración, a esas personas que han dado sus vidas para servirnos buenos platos de comida y que han arriesgado todo lo que tienen para poder hacer sus sueños realidad.

A partir del día 9 de mayo podéis ver ‘Nonnas’ en Netflix. Dadle una oportunidad, no es una gran película, pero no siempre tienen que ser obras maestras para lograr contarnos una buena historia.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: Nonnas. Duración: 111 min. País: Estados Unidos. Dirección: Stephen Chbosky. Guion: Liz Maccie. Jody Scaravella. Música: Marcelo Zarvos. Fotografía: Florian Ballhaus. Reparto principal: Vince Vaughn, Susan Sarandon, Lorraine Bracco, Talia Shire, Brenda Vaccaro, Linda Cardellini, Drea de Mateo, Joe Manganiello, Campbell Scott, Richie Moriarty, Quincy Dunn-Baker. Producción: Fifth Season, Odd Lot Entertainment, Matador Content, One Community. Distribución: Netflix. Género: Comedia. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81936724

El tráiler de ‘Chespirito: Sin Querer Queriendo’ os hará volver a la infancia

El 5 de junio volveremos a enfrentarnos a Don Ramón

Pocos nombres en la historia del entretenimiento latinoamericano han dejado una huella tan profunda como el de Roberto Gómez Bolaños, conocido mundialmente como Chespirito. Creador, escritor y actor, dio vida a personajes entrañables como ‘El Chavo del 8’ y ‘El Chapulín Colorado’, que trascendieron fronteras, idiomas y generaciones. Con su humor blanco, sencillo y cargado de ingenio y bobaliconería, Chespirito logró construir un universo televisivo que no solo hizo reír a millones, sino que también abordó, con ternura y humanidad, temas universales como la amistad, la pobreza, el valor y la solidaridad.

El 5 de junio Max estrena la serie biográfica sobre este icono de la cultura iberoamericana que llenó de risas muchas casas y nos acompañó durante nuestras meriendas. En ella veremos como cómo nace un legado y cómo el talento de un comediante consigue materializar el deseo de provocar sonrisas. El viaje nos llevará desde los 50 y los 80. Descubriremos qué sacrificios y a qué retos tuvo que enfrentarse Chespirito para abrirse paso en la incipiente industria televisiva.

Pablo Cruz es quien ha aceptado el nada trivial encargo de interpretar a Roberto Gómez Bolaños a.k.a. “Chespirito”y por supuesto a sus personajes el Chavo del 8, el Chapulín Colorado y el Dr. Chapatín. Le acompaña un casting que busca el parecido con la que fue su mítica compañía actoral: Paulina Dávila como Graciela Fernández, Bárbara López como Margarita Ruíz (Doña Florinda), Arturo Barba como Rubén Aguirre (Profesor Jirafales), Andrea Noli como Angelines Fernández (La Bruja del 71), Miguel Islas como Ramón Valdés (Don Ramón), Juan Lecanda como Marcos Barragán (Quico), Eugenio Bartilotti como Edgar Vivar (Señor Barriga y Ñoño), Paola Montes de Oca como María Antonieta de las Nieves (La Chilindrina), Karina Gidi da vida a Elsa Bolaños, Rolando Breme en el papel de Mariano Casasola y Jorge Luis Moreno interpreta a Horacio Gómez. El elenco se completa con Sebastián Moncayo como Ernesto Figueras, Iván Aragón encarna a Roberto Gómez Bolaños en su juventud, mientras que Macarena García interpreta a la joven Graciela Fernández y Dante Aguiar encarna al pequeño Roberto en su niñez, entre otros.

Respondiendo a al interrogante de si habrá apariciones del elenco original o de amigos de Chespirito, la respuesta es sí. Estarán presentes María Antonieta de las Nieves, Edgar Vivar, Roberto Gómez Fernández y Esteban Valdés (hijo de Ramón Valdés).