Netflix ha confirmado la fecha de estreno de una de sus apuestas más singulares para este verano: ‘Superestar’, la nueva serie creada por Nacho Vigalondo (‘Daniela Forever’) que revive el fenómeno mediático que supuso Yurena, conocida en sus inicios como Tamara, a comienzos de los 2000.
La miniserie, que se estrenará globalmente el 18 de julio, narra con un enfoque surrealista, emotivo y original la historia de esta figura icónica del pop español, desde su salto a la fama con el inolvidable éxito ‘No cambié’, hasta la construcción del universo conocido como «tamarismo».
Un reparto que reimagina el esperpento pop de toda una época
Ingrid García-Jonsson da vida a Tamara/Yurena, liderando un reparto coral que incluye a Secun de la Rosa como Leonardo Dantés, Carlos Areces como Paco Porras, Julián Villagrán como Arlekín, Natalia de Molina como Loly Álvarez, Pepón Nieto como Tony Genil, Rocío Ibáñez como Margarita Seisdedos y Sofía González en el papel de Tamarita.
Esta producción de Suma Content, cuenta con la producción ejecutiva de Javier Ambrossi y Javier Calvo (‘La Mesías’, ‘Paquita Salas’), y la dirección de Nacho Vigalondo (‘Los cronocrímenes’, ‘El vecino’) y Claudia Costafreda (‘Cardo’). El guion ha sido escrito por Vigalondo junto a María Bastarós, Paco Bezerra y la propia Costafreda.
Una visión única del fenómeno tamarista
‘Superestar’ no pretende ser una biografía al uso, sino una reinterpretación desde la mirada de sus protagonistas y la mente creativa de Vigalondo. El resultado es una serie de 6 episodios que promete mezclar humor, nostalgia, crítica mediática y ternura, abordando el ascenso a la fama de Tamara y su transformación en uno de los iconos más peculiares y queridos de la cultura pop española.
Con una estética y narrativa arriesgadas, ‘Superestar’ se posiciona como una de las series más esperadas de Netflix en 2025, apelando tanto al recuerdo colectivo como a una nueva generación interesada en descubrir los entresijos de la fama y el espectáculo a comienzos de siglo.
Con Michael C. Hall y una trama más oscura que nunca
SkyShowtime ha lanzado el esperado tráiler de ‘Dexter: Resurrección’, la nueva entrega de la icónica saga protagonizada por Michael C. Hall, que se estrenará en exclusiva el próximo 12 de septiembre. La serie, desarrollada por el showrunner y productor ejecutivo Clyde Phillips, supone el regreso de Dexter Morgan, el asesino en serie más carismático de la televisión, en una historia cargada de drama, tensión y redención.
Ambientada en Nueva York, ‘Dexter: Resurrección’ arranca pocas semanas después de los impactantes eventos del final de ‘Dexter: New Blood’, cuando Dexter recibe un disparo en el pecho por parte de su hijo, Harrison (Jack Alcott). Tras despertar del coma, descubre que el joven ha desaparecido sin dejar rastro. Decidido a enmendar sus errores, Dexter inicia una búsqueda desesperada que lo lleva hasta la ciudad que nunca duerme, donde enfrentará su pasado, sus demonios… y a viejos conocidos.
Entre ellos, destaca el regreso de Angel Batista, interpretado por David Zayas, quien reabre viejas heridas al comenzar a hacer preguntas incómodas. A medida que el protagonista y Harrison se adentran en una espiral de secretos, violencia y redención, padre e hijo deberán afrontar su lado más oscuro si quieren sobrevivir.
Un reparto estelar para una historia intensa. Además de Michael C. Hall, el reparto principal de esta nueva temporada incluye a:
Uma Thurman como Charley
David Zayas como Angel Batista
Jack Alcott como Harrison Morgan
Peter Dinklage como Leon Prater
Ntare Guma Mbaho Mwine, Kadia Saraf, Dominic Fumusa, Emilia Suárez y James Remar, retomando su papel como Harry Morgan. La serie también contará con estrellas invitadas de primer nivel como Neil Patrick Harris, Krysten Ritter, David Dastmalchian y Eric Stonestreet.
El universo Dexter sigue creciendo
Además de este nuevo capítulo, los fans pueden disfrutar ya en SkyShowtime de ‘Dexter: Original Sin’, la precuela que explora los orígenes del joven Dexter (interpretado por Patrick Gibson), así como de todas las temporadas originales del resto de series de este universo.
El 17 de septiembre volveremos al universo de ‘The Boys’
Prime Video ha anunciado oficialmente que la esperada segunda temporada de ‘Gen V’, la serie derivada del universo ‘The Boys’, se estrenará el próximo miércoles 17 de septiembre. Los tres primeros episodios estarán disponibles ese mismo día en exclusiva en más de 240 países y territorios. A partir de entonces, se lanzará un nuevo episodio semanalmente hasta culminar con un explosivo final el 22 de octubre.
La noticia fue revelada durante el panel de Prime Video en la CCXP México, donde los asistentes disfrutaron de un emocionante primer avance de esta segunda entrega. El evento contó con la participación de los actores Jaz Sinclair, Lizze Broadway, London Thor y Derek Luh, quienes también confirmaron la fecha de estreno.
Junto con la fecha, la plataforma ha lanzado un teaser tráiler cargado de acción y un póster oficial, anticipando el tono irreverente, oscuro y satírico que caracteriza a la serie.
De momento no se sabe cómo se ha gestionado la ausencia del personaje Andre Anderson. Como bien sabréis si habéis llegado a esta entrada, el actor que le interpretaba, Chance Perdomo, falleció poco después del estreno de la serie. En el tráiler se menciona su ausencia pero de momento poco más se sabe.
Nuevos desafíos en la Universidad Godolkin
La trama de esta segunda temporada arranca con un nuevo curso en marcha en la Universidad Godolkin. Mientras América se adapta al dominio de Homelander, el campus es testigo del ascenso de un misterioso nuevo decano, Cipher (interpretado por Hamish Linklater), que implementa un plan de estudios destinado a hacer a los estudiantes más poderosos que nunca.
Cate y Sam son ahora celebridades tras los eventos de la primera temporada, mientras Marie, Jordan y Emma regresan con secuelas emocionales profundas. Sin embargo, las preocupaciones típicas universitarias pronto se ven eclipsadas por una inminente guerra entre humanos y supers, tanto dentro como fuera del campus. En medio de este caos, el grupo descubre un programa secreto vinculado a la fundación de la universidad que podría cambiarlo todo… y Marie parece estar en el centro de ello.
Reparto, producción y detalles adicionales
La serie está protagonizada por:
Jaz Sinclair como Marie Moreau
Lizze Broadway como Emma Meyer
Maddie Phillips como Cate Dunlap
London Thor y Derek Luh como Jordan Li
Asa Germann como Sam Riordan
Sean Patrick Thomas como Polarity
Hamish Linklater se une esta temporada como el decano Cipher
‘Gen V’ es una producción de Sony Pictures Television y Amazon MGM Studios, en colaboración con Kripke Enterprises, Point Grey Pictures y Original Film. La showrunner y productora ejecutiva es Michele Fazekas, junto a otros reconocidos nombres como Eric Kripke, Seth Rogen, Evan Goldberg, y Garth Ennis, entre muchos más.
5 proyectos de largometraje y 5 proyectos de series han sido seleccionados entre los más de 100 candidatos
FIRE!! LAB, el laboratorio de desarrollo de proyectos de la Mostra de Cinema LGTBI de Barcelona, anuncia los 10 proyectos seleccionados para su 5ª edición. De entre más de 100 postulaciones, se han seleccionado 5 proyectos de largometrajes y 5 de series que serán parte del FIRE!! LAB 5, el laboratorio audiovisual de la Mostra FIRE!!, pionera del cine LGBTI+ en España.
En la categoría largometrajes se han seleccionado realizadores y productores con sus primeras y segundas películas de ficción y documental, que ofrecen una mirada amplia y diversa, que va desde el drama íntimo hasta lo fantástico, pasando por historias cargadas de actualidad; nuevas identidades, migración, acoso, vínculos familiares y experiencias intergeneracionales.
Los proyectos seleccionados son:
‘Tetio’, dirigido por Sergio Avellaneda Belmonte y producido por Debut Films
‘Protuberancia’, dirigido por Mire Ibars y producido por Opening Nights
‘Las manos quietas’, dirigido por Víctor Diago y producido por Boogaloo Films
‘El participio del verbo oír’, dirigido por Miguel Machetti y producido por Ángeles L. Guerrero
‘Sin pecado concebidas’, dirigido por Raquel Colera, Claudia Barthelemy y Jennifer de la Rosa y producido por Mayéutica Producciones.
En cuanto a los proyectos de series que participarán en el FIRELAB5, sus guionistas son originarios de Castilla y León, Aragón, Navarra, Andalucía, Madrid, y Cataluña, y se abarcan diversos géneros como el drama, la comida y la ciencia ficción.
Los proyectos seleccionados son:
‘El año de la envidia’, con guión de Kevin Rodrigo Pérez y Lucía Pérez Oroz
‘A solas en todas partes’, con guión de Isabel Luque Garramiola, Camila Pineda Virgen
‘Cercanías’, con guión de Manu Roma y Clàudia Manero
‘El último hetero’, con guión de Marta Lario Ruiz
‘Por tu propia culpa’, con guión de Enrique Huelva Jiménez
“Diez historias que, desde la ficción y el documental, ofrecen una representación amplia y diversa de identidades y realidades del colectivo”, señaló Jorge Vañó, coordinador del FIRELAB, quien además destacó la alta calidad de los proyectos recibidos y el potente momento creativo que atraviesa la temática.
El laboratorio, que tendrá lugar en el Centro LGBTI de Barcelona del 9 al 11 de junio, se realiza en el marco de la Mostra FIRE, primer festival de cine LGBTI de España, que llega a sus 30 ediciones este 2025. En ese contexto, los seleccionados recibirán tutorías, mentorías y clases magistrales de profesionales en temas de guión, dirección, producción, marketing y comercialización, entre los confirmados los charlistas y asesores están confirmados Bob Pop, Javier Ferreiro, Jùlia de Paz, Ana Joven, Paola Boltrán, Pilar Toro y David Moragas.
La 5ª edición de FIRE!! LAB está organizado por el Casal Lambda, con el apoyo del ICEC, la Generalitat de Catalunya, el Ayuntamiento de Barcelona y la colaboración del Centro LGBTI de Barcelona y el Instituto Francés.
TALENTS FIRE!!
El quinto aniversario del laboratorio también se celebra con el lanzamiento de TALENTS FIRE!!, un catálogo poblado por todos los talentos que han pasado por FIRE!! LAB y que servirá como una ventana para conocer a los profesionales que han pasado por el laboratorio y como herramienta de conexión y networking para conocer su trabajo.
“Además, como parte de la celebración del 5.º aniversario del laboratorio, se lanza el nuevo directorio profesional TALENTS FIRE!!, una herramienta de visibilización del talento emergente que ha pasado por el laboratorio desde su primera edición. Con casi 100 jóvenes profesionales y más de 40 proyectos documentados, el directorio busca facilitar conexiones con la industria y abrir nuevas oportunidades para creadores que trabajan desde miradas comprometidas y diversas” comentó José Gil Coordinador del FIRELAB.
FIRE!! LAB: un laboratorio que materializa proyectos
FIRE!! LAB no solo es un laboratorio para desarrollo de proyectos, también forma parte de su misión la mentoría profesional, dotar de herramientas y recursos a los creadores para poder mejorar sus proyectos y defenderlos ante los diferentes agentes que forman la cadena de valor de la industria audiovisual española.
En pasadas ediciones, han participado destacados proyectos como el documental «Alteritats (Otredades)», de Alba Cros Pellisé y Nora Haddad Casadevall, que participó este año en el 28 Festival de Cine de Málaga. «Un otro hombre», de David Moraga, que se encuentra en proceso de post-producción y que participó recientemente en el WIP del D´A Festival 2025. «Tal vez», de la canaria Arima León, e «Imágenes a la deriva», de Nicolás Tabilo, terminaron rodajes recientemente. «La pastora», de Cande Lázaro Cienfuegos, participó en la prestigiosa Residencia del Festival de San Sebastián Ikusbirra Berriak 2023. Por su parte, la FIRE!! Talents Bárbara Fernández, fue seleccionada en la Academia de Cine de España.
«En estos 5 años, hemos podido constatar el gran talento que existe en el colectivo y las ganas de tener en las pantallas referentes más acordes con la realidad y lejos del estigma. Seguiremos buscando alianzas que a través de nuestras actividades les permitan avanzar en sus proyectos y fortalecerlos en una industria cada vez más competitiva», señala José Gil, Coordinador de la sección FIRE!! PRO.
FIRE!! LAB: un laboratorio colaborativo
Una de las señas de identidad de FIRE!! LAB es su espíritu colaborativo. FIRE!! LAB forma junto a ZG PRO LAB (el laboratorio del Zinegoak) y QUEER CINE LAB (el laboratorio de LESGAICINEMAD) la red de laboratorios LGTBI en España. Una triple entente que encuentra su verdadera fortaleza en la sinergia de tres de los festivales de cine de temática LGTBI más importantes a nivel nacional.
Gracias a esta alianza, uno de los proyectos seleccionados en FIRE!! LAB siempre opta a su participación en la sección de Industria del Festival de Cine internacional de San Sebastián, el más importante de España y el único clase A de nuestro país, con traslados y estancias cubiertas, acreditación, permitiendo el acceso directo a los agentes de la industria nacional e internacional.
“Con la colaboración con Donostia Zinemaldia, a través de la red, conseguimos en la pasado la repercusión nacional en un espacio clave de la industria audiovisual española, lo que no solo impulsa a productores/as que participen del laboratorio sino a que el industria española sea cada vez más diversa” destaca Jorge Vañó, Coordinador de FIRE!! LAB.
Pasa el test del polígrafo y adapta manteniendo la verdad del original
‘Los casos del Departamento Q’ ya son conocidos en España tras sus seis películas estrenadas que surgen de las 10 novelas escritas por Jussi Adler-Olsen. El reparto cambió tras la cuarta, también el director y guionistas pero más o menos la sintonía se mantuvo aunque se perdió el toque neo noir. Ahora tenemos una nueva interpretación bajo la mirada del director Scott Frank (guionista de ‘Logan’ y autor de ‘Gámbito de dama’) y la guionista Chandni Lakhani (escritora de las nada desdeñables ‘Vigil’ y ‘Dublin Murders’) que retoma la oscuridad inicial.
El detective Carl Mørck y su asistente Assad son los protagonistas habituales en este thriller de suspense policíaco. La serie que estrena Netlix el 29 de mayo y cuenta con la cara más conocida de todas las adaptaciones hasta la fecha, Matthew Goode (‘Watchmen’, ‘The imitation game’) como Carl Mørck. Y en esta ocasión quien interpreta a su ayudante es Alexej Manvelov, a quien puede que hayáis visto en otra adaptación televisiva de novelas como ‘Jack Ryan’. Nota para los lectores de las novelas, este es el personaje de Assad pero le han cambiado el nombre a Akram Salim. Este cambio se produce en el ámbito de una nueva versión ambientada en Edimburgo, Escocia, en lugar de Dinamarca. Modificación en el contexto como parte de la adaptación cultural y geográfica, lo cual, es una estrategia para acercar la historia a una audiencia angloparlante. Y esto se consigue sin desdibujar la esencia y los personajes de Adler-Olsen. El toque escocés mantiene la oscuridad, el frío, los colores apagados y los cielos grises, aportando solo ciertos matices culturales.
La serie rebobina las películas y vuelve al punto de partida, adaptando de nuevo la primera novela, ‘La mujer que arañaba las paredes’ y con ello nos cuenta el origen de la relación de Mørck con el Departamento Q, una sección la policía destinada a un sótano que se encarga de casos irresolutos y que a menudo se utiliza como cortina de humo en un sistema policial bastante exiguo y que el protagonista se toma como una manera de mandarle a la nevera. Retornamos a las mismas temáticas por lo que ‘Dept. Q’ acierta en su planteamiento. La ineficiencia y la burocracia policial, la redención personal, la resistencia psicológica en condiciones extremas, las relaciones interpersonales entre opuestos y la siempre delgada línea que separa venganza de justicia son las temáticas recurrentes.
‘Dept. Q’ mantiene fielmente el espíritu del primer libro, combinando una narración en dos tiempos: por un lado, la investigación oficial, por otro, los angustiosos pasos de la mujer desaparecida, lo que aporta tensión constante. Desde la primera escena, impactante y directa, se nota una apuesta por elementos visuales modernos, como ciertos usos del found footage, que actualizan el tono sin traicionar el suspense escandinavo original. Matthew Goode, acostumbrado a papeles de galán, sorprende gratamente con un cambio de registro: interpreta a Carl Mørck como un profesional brillante pero emocionalmente destrozado, al estilo del House más misántropo o del Sherlock de Cumberbatch, con ese encanto malhumorado que lo lleva a ser sarcástico, destructivo y, sin embargo, entrañable, del tipo que aparca en la plaza de discapacitados sin remordimiento, pero que igual se hace querer.
La clave del éxito radica en el carisma de los protagonistas y la relación tipo Holmes-Watson entre Carl y su compañero que aporta calidez, ingenio y un pasado misterioso que los fans de los libros reconocerán. Su relación empieza con frialdad: Carl se muestra cínico y desconfiado, pero Assad —o Akram, en esta versión— se gana su respeto poco a poco, a base de intuición, trabajo y sentido del humor. Esa tensión entre personalidades opuestas, sumada al ácido sarcasmo con el que enfrentan los casos, es lo que hace tan única esta pareja. Ojalá Netflix no cancele la serie y podamos ver cómo se desarrollan más historias del Departamento Q, porque lo que han sembrado aquí promete mucho.
En resumen. Se mantiene el carácter de los personajes principales, se respeta el tono sombrío y emocional, se traslada el conflicto personal y psicológico del caso central y se conserva la crítica al sistema y la narrativa dual. ‘Dept. Q’ pasa el test del polígrafo.
Por gustarme me ha gustado hasta el opening, conciso, corto y toda una declaración de intenciones. Si te gusta tanto como a mí, aquí tienes una guía enumerando las películas sobre ‘Los casos del Departamento Q’:
Después de meses de especulación y un meticuloso proceso de preproducción, HBO Max ha revelado a los actores que encarnarán al icónico trío protagonista en su nueva serie basada en los libros de ‘Harry Potter’. Los debutantes Dominic McLaughlin, Arabella Stanton y Alastair Stout asumirán los papeles de Harry Potter, Hermione Granger y Ron Weasley, respectivamente. Tal y como dicta la tradición en las producciones que adaptan estos libros, los tres intérpretes son británicos.
Ya conocimos en 2024 quiénes dirigirían y escribirían la serie, por lo que este anuncio llega tras más de un año de preparación por parte del equipo creativo, que ha trabajado intensamente en el desarrollo de guiones, diseño de producción, y planificación de casting. La serie, concebida como una adaptación fiel y extensa de las novelas escritas por J.K. Rowling, ha estado en gestación desde que HBO Max anunció el proyecto en 2023 como una de sus apuestas más ambiciosas de contenido original. La serie cuenta con la escritora pero solo como productora ejecutiva, tal y como declaró el director ejecutivo de HBO y Max Content, Casey Bloys.
La showrunner Francesca Gardiner y el director MarkMylod, ambos también productores ejecutivos, han compartido su entusiasmo por el talento descubierto durante las pruebas de casting. “Después de una extraordinaria búsqueda encabezada por nuestras directoras de casting Lucy Bevan y Emily Brockmann, estamos emocionados de haber encontrado a nuestros Harry, Hermione y Ron. Estos tres actores tienen una energía especial que traspasa la pantalla, y estamos convencidos de que emocionarán a los fans de todo el mundo. Queremos agradecer a los miles de niños que participaron en el proceso, ha sido increíble ver cuánta pasión y talento existe entre las nuevas generaciones”, han declarado.
La producción, realizada en asociación con Brontë Film and TV y Warner Bros. Television, tiene previsto comenzar el rodaje a finales de 2025. Cada temporada cubrirá uno de los libros originales, lo que permitirá un nivel de detalle narrativo que no fue posible en las películas. El objetivo de la serie es no solo cautivar a los fanáticos de toda la vida, sino también atraer a nuevas audiencias de todo el mundo. La plataforma HBO Max, que se expandirá próximamente a territorios como Alemania, Italia y el Reino Unido, será el hogar exclusivo de esta nueva versión del Mundo Mágico.
Mientras tanto, las películas clásicas seguirán disponibles globalmente en HBO Max, ofreciendo a los espectadores la oportunidad de revivir la historia cinematográfica mientras se preparan para una nueva era de magia en la pequeña pantalla.
El 22 de mayo llega a nuestras pantallas ‘Sirenas’. Miniserie de 5 episodios con Julianne Moore y Kevin Bacon como dos de sus grandes protagonistas.
Devon necesita a su hermana, una joven que desapareció de sus vidas hace años y que lo único que hace al pedirles ayuda es mandarles una gran cesta de frutas. Con esto, Devon se marcha a pedirla explicaciones y descubre que es una especie de secretaria de una millonaria que vive en una isla y se dedica a un gran vivero con grandes especies voladoras.
Me ha encantado, me ha entretenido muchísimo y la verdad que engancha desde el principio. La serie viene de un libro y una obra de teatro llamada ‘Elemeno Pea’, de Molly SmithMetzler, creadora y guionista de la serie. Junto a ella, han adaptado el guion Colin McKenna y Bekah Brunstetter.
‘Sirenas’ nos presenta un montón de personajes, secundarios y principales. Todos ellos con algo que esconder. Cada uno con sus pequeñas vergüenzas o incluso con grandes miedos. Personas que intentan sobrevivir a un pasado que no aceptan y del que no pueden escapar.
Además, nos muestran lo fácil que es manipular a la gente y que hagan lo que uno quiere. El título de echo va por ahí, de como estas tres mujeres, con sus problemas y sus miedos, logran manipular, queriendo y sin querer a todo el mundo a su alrededor. Como cual sirenas hechizan a sus anchas para conseguir todo lo que quieren.
La serie tiene una banda sonora muy calmada y con melodías tarareadas por mujeres algo que le da más misticismo a la historia. Eso y la fotografía, tan perfecta, tan limpia y brillante logran que veamos todo muy idílico.
Un gran trabajo en equipo en general, pues el vestuario y maquillaje es perfecto. Perfecto si vives todo el día con un peluquero en casa, pero es exactamente lo que nos pide la serie, que todo sea perfecto, que estas mujeres se vean perfectas casi todo el rato.
Meghann Fahy (‘Your Monster’ o ‘The White Lotus’), Milly Alcock (‘La Casa del Dragón’, ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’) son las encargadas de dar vida a estas dos hermanas que se van a tener que aguantar durante un largo fin de semana, una intentando sacar a su hermana de aquella isla y la otra intentando hacerla desaparecer de nuevo. Ambas están estupendas. El papel de Milly Alcock, tan frágil y a la vez fuerte sin duda ha sido mi favorito.
Junto a ellas la gran Julianne Moore, que nos trae un personaje muy misterioso, lleno de candor y a la que todo el mundo sigue sin pestañear.
Kevin Bacon, Glenn Howerton, Bill Camp, Britne Oldford, Trevor Salter, Josh Segarra, Lauren Weedman, Patrick Voss Davis, Jenn Lyon, Erin Neufer y Felix Solis son parte de este gran reparto. Éste último, Felix Solis, hace uno de los mejores personajes de la serie. José, alguien secundario pero que se conoce todos los entresijos de esa gran isla.
‘Sirenas’ es un buen producto y que os aseguro os quedaréis con ganas de más. Si comenzáis a verla no vais a parar, la verdad que se hace muy cortita y ese humor tan ácido que tiene sin duda es un gran acierto.
La esperada segunda temporada de ‘Nine Perfect Strangers’ llega mañana a Prime Video con un lanzamiento doble (excepto en EE. UU.), seguido de un episodio semanal. Esta nueva entrega traslada su misteriosa historia a los impresionantes paisajes alpinos de Zauberwald, donde nueve desconocidos se reúnen para participar en un retiro de bienestar muy poco convencional.
Bajo la dirección de la enigmática gurú Masha Dmitrichenko (Nicole Kidman), los nuevos participantes se someten a una terapia psicodélica que promete transformar sus vidas. Durante una intensa semana, Masha los empuja al límite con el objetivo de sanarlos… incluso si eso significa enfrentarse a sus propios demonios. ¿Podrán superar la experiencia? ¿Logrará ella también sanar?
El reparto de esta segunda temporada de ‘Nine perfect strangers’ incluye a Nicole Kidman (‘Holland’), Henry Golding (‘Daniela Forever’), Lena Olin (‘Upgrade: Primera clase’), Annie Murphy (‘Black Mirror’), Christine Baranski (‘The Good Fight’), Lucas Englander (‘Parlamento’), King Princess (‘V Wanna Know’), Murray Bartlett (‘The White Lotus’), Dollyde Leon (‘Ghostlight’), Maisie Richardson-Sellers (‘Wolf Hall’), Mark Strong (‘Dune: La profecía’) y Aras Aydin (‘La fuga’).
La serie está creada por David E. Kelley y cuenta con la producción de Made Up Stories (Bruna Papandrea), Blossom Films (Nicole Kidman) y FIFTH SEASON, que además se encarga de su distribución global. Entre los productores ejecutivos figuran David E. Kelley, Nicole Kidman, Per Saari, Bruna Papandrea, Steve Hutensky, Molly Allen, Jonathan Levine, Rachel Shukert, Liane Moriarty, Matthew Tinker, Anthony Byrne y JH Butterworth.
Apocalipsis, aliens, demonios, los Red Hot Chili Peppers y por supuesto… muchos gatos
En el mundo de las antologías animadas para adultos, ‘Love, Death & Robots’ ha conseguido un lugar destacado gracias a su combinación de narrativas provocadoras, animación de vanguardia y exploraciones temáticas que oscilan entre lo filosófico, lo distópico y lo cómico. Creada por Tim Miller y producida ejecutivamente junto a David Fincher, esta serie antológica ha sido aclamada por su capacidad de sorprender constantemente y desafiar las expectativas.
La cuarta temporada, bajo la supervisión de la directora Jennifer Yuh Nelson (‘Kung Fu Panda 2’, ‘Kill Team Kill’), vuelve a ofrecernos diez cortos innovadores. Con títulos que incluyen gladiadores, dinosaurios, gatos, mesías y a los Red Hot Chili Peppers, la temporada no decepciona en su despliegue de imaginación ni en su crítica social y tecnológica.
Como con las temporadas 1, 2 y 3 detallamos a cada uno de los diez episodios que componen la temporada sin spoilers.
CAN’T STOP (6 min.)
Los Red Hot Chili Peppers recreados con marionetas que a la vez están animadas en 3D. Con las voces de Anthony Kiedis, Flea, John Frusciante y Chad Smith y dirigida por el propio DavidFincher que rememora sus orígenes como director de videoclips. Es una recreación del concierto celebrado en 2003 en Slane Castle, Irlanda.
Del título ‘Love, death and robots’ coge tan solo la palabra amor. Amor por los que gusten de la animación y de los funkos cabezones o las marionetas. Y por supuesto porque este es un gustazo que se ha dado Fincher que también puede ser un placer para los fans que no hayan ido nunca a uno de sus conciertos. Pero sin duda debe haber sido una pesadilla logística para los trabajadores de Blur Studio, no por tener que hacer tantas masas de gentes, sino también por tener que recrear los cuatro hilos de cada marioneta.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: buena
Género: musical
CLOSE ENCOUNTERS OF THE MINI KIND (7 min.)
Llega el apocalipsis a ‘Love, death & robots’. Los debutantes Robert Bisi y Andy Lyon crean una invasión alienígena recreada a base de efectos tilt-shift que nos hacen aún más pequeños de lo que somos comparados con el universo. Si además nos regodeamos en nuestra propia estupidez, si demostramos que nuestro cerebro es pequeño o que lo empequeñecemos con el uso que hacemos de él, más insignificantes parecemos.
Por supuesto que recuerda a ‘Mars Attacks’ nada más que arrancar y hay también ecos de ‘Independence Day’ o ‘Guerra de los mundos’. Pero el hecho de parecer todo una maqueta animada hace de este cortometraje de Estudio Buck todo un divertimento diferente. Abducciones, sondas anales, discursos presidenciales… tópicos clásicos en las guerras conta OVNIS con un final… No se puede resumir más rápido y sencillo.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: muy buena
Género: comedia, acción, ciencia ficción
SPIDER ROSE (17 min.)
Jennifer Yuh Nelson, responsable del arte de películas como ‘Kung Fu Panda’, ‘Cómo entrenar a tu dragón 3’ o ‘El gigante de hierro’ nos trae una secuela de ‘Swarm’ el episodio estrenado en temporadas anteriores. Cyberpunk, acción y venganza son los ingredientes de este cortometraje que supone una nueva colaboración de la artista en la serie.
Una historia escrita por el querido y siempre imaginario Joe Abercrombie, el cual, se ha inspirado a su vez en una obra del autor de ciencia ficción Bruce Sterling. Muy mono el “Stich” que han creado, brutal el enfrentamiento y alucinante el universo visual que desplieta.
¿Tiene mensaje o reflexión?:
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: excelente
Género: ciencia ficción, drama, acción
400 BOYS (15 min.)
Muchos nombres en el título y muchas voces conocidas en el reparto de doblaje: JohnBoyega, Ed Skrein, Sienna King, Dwane Walcott, Rahul Kohli, Pamela Nomvete y AmarChadha-Patel. Tim Miller ha adaptado una historia de Marc Laidlaw que mezcla los códigos del bushido que usaban las mismísimas Tortugas Ninja con el salvajismo de un mundo post-apocalíptico. Una historia urbanita y underground repleta de bandas callejeras. Es como si ‘The Warriors’ se mezclase con ‘Los mundos de Gulliver’ o ‘Ataque a los titanes’, para los más jóvenes.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 2D y 3D
Calidad de animación: muy buena
Género: acción ciencia ficción
THE OTHER LARGE THING (9 min.)
Patrick Osborne (con guión de John Scalzi), cuyas animaciones nos ayudaron a entender el documental, ‘Q: Into the Storm’, se alía con el estudio AGBO en esta pequeña historieta en la que ese cumple lo que muchos pensamos: que somos esclavos de nuestros gatos. Una historia en la que cual ‘Pinky y Cerebro’, un gato y un robot planean conquistar el mundo a través de un pirateo a Internet. Como sucede con el capítulo ‘Close encounters of the mini kind’, nuestra estupidez aparece como el arma o vehículo para nuestra propia perdición.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: excelente
Género: comedia
GOLGOTHA (10 min.)
Uno de los varios episodios dirigidos por Tim Miller. Como productor de la serie se ha permitido salirse a la acción real y contar con Rhys Darby (el Anton de la película ‘Lo que hacemos en las sombras’). La trama es tan loca como podríais suponer con esta combinación pues un alienígena cree que su “Jesucristo” particular se ha reencarnado en la Tierra, pero no en un humano, sino en un delfín.
Luma Pictures mezcla imágenes reales con animadas de igual modo que se entremezcla el debate religioso y ético con lo cómico. Humor absurdo y menos carga intelectual de la esperada. El ‘Treehouse of Horror XI’ de ‘Los Simpson’ sacaba algo más de jugo a su invasión de mamíferos acuáticos. Únicamente extrae jugo a su título al emplear la palabra Gólgota como símbolo de la violencia religiosa desatada por la existencia de un mesías y el choque de culturas.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: acción real con 3D
Calidad de animación: excelente
Género: comedia, ciencia ficción
THE SCREAMING OF THE TYRANNOSAUR (14 min.)
Blur Studio, como tantas otras veces en ‘Love, death & robots’ anima otro corto de Tim Miller. La deshumanización es la protagonista ene la que unos snobs ricachones juegan con la genética para crear el gladiador perfecto y de ese modo salir victoriosos en unos combates que se celebran en un satélite en torno a Júpiter.
Sanguinolento, brutal y en un escenario similar al de ‘Elysium’. Podría ser un fragmento de la serie ‘Primal’. Lo que fue en el pasado, el pan y circo, el desprecio por la vida a coste del divertimento de otros puede seguir en un futuro lejano, por el simple hecho de que está en nuestra naturaleza. Puede recordaros a ‘The Maze Runner’, a ‘John Carter de Marte’ o a las flipaduras de Legolas sobre los mumakil.
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: muy buena.
Género: acción
HOW ZEKE GOT RELIGION (15 min.)
Ya había animado en la segunda temporada, pero ahora el español Diego Porral, animador en el multiverso de Miles Morales o en ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, entre otros muchos trabajos que os dejarían sorprendidos, dirige este episodio animado por Titmouse. ¿Os acordáis de la historia de origen de Hellboy cuando es sacado del infierno por los nazis? Pues esta podría haber sido la misión que acabase con ese Proyecto Ragnarok pues unos pilotos de caza tienen que bombardear una iglesia en la que los alemanes preparan un rito.
Animación que recuerda al cómic europeo y a las películas de finales de los 90 e inicios de los 2000, aunque también hay algo más de Mignola en el aspecto visual. La Segunda Guerra Mundial nos rememora a series como ‘Los héroes del aire’
¿Tiene mensaje o reflexión?: no
Tipo de animación: 2D
Calidad de animación: excelente
Género: terror, acción
SMART APPLIANCES, STUPID OWNERS (8 min.)
En la edad media eran los sirvientes los que se quejaban de los nobles al encargarles las tareas más básicas en lo que siempre era un ejercicio de pereza y cero autosuficiencia. En el futuro que nos pinta ‘Love, death & robots’ son nuestros propios dispositivos y nuestro mobiliario inteligente el que sufre nuestra dejadez (cotidiana e intelectual). Una idea muy cachonda que va a hacer que miréis vuestros aparatos electrónicos de otra manera. ¿Alguno os ha calado?
Con las voces de Melissa Villaseñor, Ronny Chieng, Amy Sedaris, Kevin Hart, Josh Brener, Nat Faxon, Niecy Nash-Betts y Brett Goldstein.
¿Tiene mensaje o reflexión?: si
Tipo de animación: stop motion
Calidad de animación: buena
Género: comedia
FOR HE CAN CREEP (14 min.)
Con las voces de Dan Stevens y un mítico del doblaje en animación y videojuegos como JBBlanc, entre otros, nos sumergen en la historia más espiritual e infernal de esta temporada 4 de ‘Love, death & robots’. De las tres palabras del título muerte es la más presente pues se trata de un relato muy al estilo de E.A. Poe en el que el diablo insta a un poeta a escribir unas líneas que podrían acabar con el mundo. A este ritmo van a tener que agregar la palabra “cats” al título de la serie pues de nuevo nuestros felinos amigos tienen mucho peso en la historia.
Dirigido por Emily Dean, animadora en las LEGO películas o la película 3D de Scooby-Doo. 1757 no es una época muy habitual en ‘Love, death & robots’ a si es que solo por eso ya supone un punto distinto al resto, pero una manera algo floja de cerrar la temporada.
El 5 de junio volveremos a enfrentarnos a Don Ramón
Pocos nombres en la historia del entretenimiento latinoamericano han dejado una huella tan profunda como el de Roberto Gómez Bolaños, conocido mundialmente como Chespirito. Creador, escritor y actor, dio vida a personajes entrañables como ‘El Chavo del 8’ y ‘El Chapulín Colorado’, que trascendieron fronteras, idiomas y generaciones. Con su humor blanco, sencillo y cargado de ingenio y bobaliconería, Chespirito logró construir un universo televisivo que no solo hizo reír a millones, sino que también abordó, con ternura y humanidad, temas universales como la amistad, la pobreza, el valor y la solidaridad.
El 5 de junio Max estrena la serie biográfica sobre este icono de la cultura iberoamericana que llenó de risas muchas casas y nos acompañó durante nuestras meriendas. En ella veremos como cómo nace un legado y cómo el talento de un comediante consigue materializar el deseo de provocar sonrisas. El viaje nos llevará desde los 50 y los 80. Descubriremos qué sacrificios y a qué retos tuvo que enfrentarse Chespirito para abrirse paso en la incipiente industria televisiva.
Pablo Cruz es quien ha aceptado el nada trivial encargo de interpretar a Roberto Gómez Bolaños a.k.a. “Chespirito”y por supuesto a sus personajes el Chavo del 8, el Chapulín Colorado y el Dr. Chapatín. Le acompaña un casting que busca el parecido con la que fue su mítica compañía actoral: Paulina Dávila como Graciela Fernández, Bárbara López como Margarita Ruíz (Doña Florinda), Arturo Barba como Rubén Aguirre (Profesor Jirafales), Andrea Noli como Angelines Fernández (La Bruja del 71), Miguel Islas como Ramón Valdés (Don Ramón), Juan Lecanda como Marcos Barragán (Quico), Eugenio Bartilotti como Edgar Vivar (Señor Barriga y Ñoño), Paola Montesde Oca como María Antonieta de las Nieves (La Chilindrina), Karina Gidi da vida a Elsa Bolaños, Rolando Breme en el papel de Mariano Casasola y Jorge Luis Moreno interpreta a Horacio Gómez. El elenco se completa con Sebastián Moncayo como Ernesto Figueras, Iván Aragón encarna a Roberto Gómez Bolaños en su juventud, mientras que Macarena García interpreta a la joven Graciela Fernández y Dante Aguiar encarna al pequeño Roberto en su niñez, entre otros.
Respondiendo a al interrogante de si habrá apariciones del elenco original o de amigos de Chespirito, la respuesta es sí. Estarán presentes María Antonieta de las Nieves, Edgar Vivar, Roberto Gómez Fernández y Esteban Valdés (hijo de Ramón Valdés).
Ya sabemos que el próximo 27 de junio de 2025 llega por fin la temporada final de ‘El juego del Calamar’. En esta tercera temporada seguiremos a los supervivientes de todos los juegos anteriores y también los supervivientes de la pequeña rebelión que se llevó a cabo gracias a Seong Gi-hun.
El final como comentamos, ya está a la vuelta de la esquina y con ello hoy nos han deleitado con el tráiler de esta última temporada. Conoceremos también si Hwang Jun-Ho encontrará la isla o que va hacer la guardiana 11. Además veremos por fin en que consistirá la prueba con el nuevo muñeco Chul-su y si habrá algún tipo de juego junto a la muñeca Young-hee.
Aunque en mi opinión, la segunda temporada perdió un poco de fuerza (aquí mí crítica) admito que estoy deseando que llegue este final, pues al final es una serie que me entretiene mucho y que he logrado bastante cariño por varios de los personajes y eso es bastante difícil de conseguir.
Sin más que deciros, os dejamos el tráiler de esta nueva temporada, que nos muestra un final de temporada super interesante.
En un Japón repleto de Kaiju, Kafka Hibino trabaja como limpiador de monstruos. Tras reencontrarse con su amiga de la infancia, Mina Ashiro, una joven promesa de las Fuerzas de Defensa que luchan contra los Kaiju, decide intentar cumplir su antiguo sueño de unirse a las Fuerzas… cuando de repente se transforma en el poderoso Kaiju nº 8. Con la ayuda de un colega más joven, Reno Ichikawa, Kafka oculta su identidad mientras lucha por cumplir el sueño de su vida: aprobar el examen de las Fuerzas de Defensa y así poder estar al lado de Mina. Pero cuando un misterioso Kaiju inteligente ataca una base de las Fuerzas de Defensa, Kafka se enfrenta a una decisión crucial en una situación desesperada…
Crítica
Un pack básico pero sin profundidad
Realizada por Production I.G. y Toho, ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’ adapta al formato cinematográfico la exitosa serie que surgió del manga de Naoya Matsumoto que hoy en día está en curso y que comenzó su andadura en 2020. La propuesta no puede evitar recordar a referentes del género como ‘Pacific Rim’ o, evidentemente, a algunas versiones de ‘Godzilla’. En este mundo, la humanidad ya está curtida frente a ataques de kaijus y se entrena de forma específica para hacerles frente. Esta premisa remite, inevitablemente, a ‘Ataque a los titanes’, aunque el diseño de los trajes recuerda sospechosamente al de ‘Gantz’. El resultado es un batiburrillo de ideas prestadas que, aunque puede seducir al público más joven, no ofrece realmente nada nuevo.
Quizá lo más llamativo sea el protagonista, que tiene la peculiar capacidad de convertirse en uno de esos monstruos versión reducida, como si de una versión moderna de ‘Guyver’ se tratase. Esta transformación, además, parece estar lejos de ser casual, como sugiere el hecho de que su nombre sea Kafka, toda una referencia velada a la metamorfosis literaria.
La película, en sí misma, no es más que una condensación de la primera temporada del anime en apenas 90 minutos. 12 episodios de unos 25 minutos resumidos con cierta torpeza y coronados con un capítulo extra que, francamente, aporta poco: un simple gag durante un día de descanso en la rutina de Hoshina. Como suele ocurrir con este tipo de productos recopilatorios, el ritmo sufre. Los esquemas narrativos se repiten hasta el agotamiento y, además, hay saltos temporales y carencias de elipsis que descolocan más que guían. La progresión de los personajes se diluye y el espectador pierde la conexión emocional que probablemente si se encontrará en la serie.
En ese sentido, el filme parece pensado para los ya iniciados que buscan revivir la historia o para quienes quieren un resumen rápido antes de engancharse al manga o a las próximas temporadas del anime. ¿Es suficiente gancho el incluir un capítulo post-créditos? Probablemente no.
Visualmente, no se le puede reprochar demasiado. La acción está bien llevada, con explosiones de sangre a borbotones brotando de criaturas que podrían haber salido del catálogo de los Gormiti, con ese aire colorido y de formas híbridas. Como en tantos otros animes, el humor es simple, casi tontorrón, y entra por los ojos más que por la cabeza.
En última instancia, ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’ funciona porque bebe del videojuego en su estructura: desafíos crecientes, nivel de combate a trabajar, enemigos finales. También porque su historia conecta con esos sentimientos universales de sueños truncados, anhelos pasados y supervivencia a toda costa. Pero eso no lo hace una obra original ni especialmente destacada. Solo entretenida. Y, para algunos, eso puede ser suficiente.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: Kaiju No. 8: Mission Recon. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Shigeyuki Miya, Tomomi Kamiya. Guion: Ichirō Ōkōchi. Música: Yuta Bando, OneRepublic. Fotografía: Eiji Arai. Reparto principal (doblaje original): Ai Fairouz, Masaya Fukunishi, Tesshô Genda, Wataru Kato, Kengo Kawanishi, Keisuke Kômoto, Kenta Miyake, Sayaka Senbongi, Hiroyuki Yoshino. Producción: Production I.G. Distribución: Crunchyroll. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial:https://www.crunchyroll.com/es-es/series/GG5H5XQ7D/kaiju-no-8?
Una vez más El Eternauta trasciende generaciones y contextos
Por fin, uno de los grandes hitos del cómic llega a nuestras pantallas: ‘El Eternauta’. Su camino hacia la adaptación no ha sido sencillo, y al igual que ‘Dune’, durante años pareció una obra «maldita». Hubo intentos fallidos de llevarla al cine, versiones en animación rotoscópica avaladas por el propio autor que nunca se concretaron, y proyectos frustrados por conflictos de derechos, agendas o enfoques creativos. En 2018, incluso Álex de la Iglesia manifestó su intención de adaptar esta obra emblemática, con Ricardo Darín como posible protagonista. Aunque ese proyecto no prosperó, el deseo se ha hecho realidad de otra forma: Darín finalmente encabeza el elenco de la esperada serie dirigida por Bruno Stagnaro, una producción de seis episodios para Netflix en colaboración con K&S Films.
Una nevada letal y un pulso electromagnético bastan para que importe poco si la historia transcurre en 2025 o en los años cincuenta: la humanidad se ve empujada de nuevo a una especie de Edad Media. Confinamiento, caos y una desorientación generalizada tiñen la trama de una inquietante familiaridad, especialmente tras sucesos recientes como el apagón en España. Más que ver esta serie, da la sensación de que la hemos vivido. El cómic original ha influido tanto en el imaginario colectivo que, en muchos aspectos, parece haber anticipado nuestro presente. Como apuntamos en El Simbionte, quienes piensen que esta historia resulta predecible deberían recordar que fue escrita en 1957, con una fuerza política tal que llegó a ser censurada en algunas versiones. Y mencionar esto es apenas rascar la superficie de todo lo que esconden sus viñetas.
¿Merecía la pena adaptarlo con el riesgo que supone exponerlo ante una audiencia que ha visto de todo? A parte de que parece que Darín estaba destinado a hacer homenaje a estas viñetas, se ha aprovechado para enlazar con la actualidad. Igual que hay diversas versiones y secuelas de ‘El Eternauta’ en las viñetas, las cuales modificaron o ampliaron la obra de Héctor Germán Oesterheld y Solano López y se convirtieron en parte de la lucha a raíz de la desaparición del autor y el asesinato de sus hijas por parte de la dictadura, esta adaptación de Netflix retrata la Argentina actual con algunos detalles nuevos y una empatía automática para el espectador que ha vivido eventos similares en 2020. Y es que ‘El Eternauta’ es ciencia ficción, es aventura bélica pero sobre todo trata de las gentes del país americano en el que se creó con capítulos escritos incluso desde la clandestinidad. Funciona a nivel universal pero por supuesto también como retrato de los argentinos. Quizá el estadio del River y toda la parte militar por venir sean los que más entronquen con el país sudamericano pero la serie funciona magníficamente como veneración a este clásico. Es más, traspasando sus fronteras la serie no podía llegar en un momento más oportuno, pues si el cómic original era una consecuencia de los miedos de la Guerra Fría, ahora nos encontramos en una situación política y social, muy similar, en la que la lucha de bloques, la ultraderecha y las guerras comerciales nos tienen en vilo. En cualquiera de sus lecturas sigue funcionando como un relato sobre la resistencia y la amistad.
Hay que tener en cuenta y reconocer que ‘El Eternauta’ es grande en muchos sentidos. Aunque esta producción sea una serie no da para contar la historia original, la cual dispone mucha reflexión sobre la condición humana, estampas propias de hazañas bélicas y muchos saltos en el tiempo. Es por ello que incluso el inicio ha cambiado, eliminando el auténtico impacto misterioso del Eternauta, no rodando la enigmática conversación original. Bien es cierto que el personaje de Ricardo Darín va sufriendo algunos detalles que dan sentido al título y se va retratando muy bien su personalidad y relación con el resto del elenco, pero la magia del arranque del cómic está desaparecida. También es verdad que podría haber sido osado grabar las primeras páginas en la que el propio Oesterheld se retrató en lo que probablemente fue uno de los primeros ejercicios de metalenguaje del noveno arte. Pero ese respeto hacia la figura del autor se respira también en la historia pues aunque los acontecimientos estén cambiados para responder a códigos, ritmos y tiempos televisivos, el mensaje y la intencionalidad original se mantiene.
Como comentaba es imposible condensar todo en una película o serie y al final nos confirman que habrá segunda temporada. Se ha filmado menos de un tercio del cómic, unas 100 páginas de 350. Hay detalles que se quedan en el tintero y sorpresas por aparecer pero esta versión de ‘El Eternauta’ es realmente un enganche. Lo que muchos percibirán, si han ido coleccionando las diferentes versiones del cómic, es que no hay un tono politizado. No al menos hasta que llegamos hasta el final, cuando corresponde con el tema militar. Quizá así se evita caer en populismos o aprovechar gratuitamente la tesitura actual. Es mucho lo que está en juego pues ‘El Eternauta’ es para muchos un clásico argentino que llega incluso a conformar una seña de identidad. Creo que por eso quizá se ha usado un matiz más blanco al respecto.
Ya decía que la presencia de Darín es crucial pues es un estandarte argentino en vida. Pero el director Bruno Stagnaro es clave pues ha demostrado con su filmografía conocer bien a las gentes de su país. ‘El Eternauta’ tiene ritmo, muy buena foto y un respetable desarrollo de personajes. La audiencia actual también se fija mucho en la calidad de los efectos (pues de tanto mirar el móvil no se valora correctamente el ritmo o el guión) y puedo adelantaros también que tanto los efectos prácticos como el CGI que nos muestra a una Argentina cubierta de una mortífera nieve están más que logrados, convirtiendo el trazo de los años cincuenta en lo que será fijo un clásico contemporáneo.
Watanabe se alía con Mappa, Adult Swim, Max y Chad Stahelski para un regreso colosal
No hay más que ver la creatividad y publicidad de ‘Lazarus’ para saber que está relacionada con ‘Cowboy Bebop’. Su estilo visual, su ritmo musical y su atmósfera estilizada recuerdan inmediatamente al clásico de culto, y no es casualidad. Efectivamente, el también creador de ‘Animatrix’, ‘Samurai Champloo’ y ‘Space Dandy’, Shin’ichirô Watanabe, está detrás de esta nueva producción que nos llega de la mano de Adult Swim y la plataforma Max. Watanabe es un nombre que ya por sí solo genera altas expectativas, tanto por su enfoque narrativo rupturista como por su sensibilidad a la hora de construir mundos que combinan lo retro, lo futurista y lo existencial. Aunque repite ciertos esquemas, en ‘Lazarus’ vuelve a demostrar que su creatividad no se ha agotado con el paso del tiempo, sino que sigue reinventando la forma de contar historias de ciencia ficción, en este caso con un enfoque más dramático, político y filosófico. La serie entra por los ojos, seduce por los oídos y se queda en la mente gracias a su carga temática. Desde los primeros compases, uno percibe que hay algo más que una historia de acción: hay una reflexión profunda sobre la condición humana, el control biotecnológico y el precio de la inmortalidad. El sello Watanabe está presente no solo en el tono, sino también en los dilemas morales y en el tipo de personajes, siempre marcados por traumas, pasados rotos y una sed de redención.
Recientemente hemos visto ‘Efectos secundarios’ en la misma plataforma. Una serie crítica, mordaz y psicotrópica también producida por Adult Swim, que mezclaba humor ácido con una fuerte carga conceptual sobre el uso de medicamentos. El punto de partida de ‘Lazarus’ es similar. Aquí nos encontramos ante una distopía bien planteada, que sitúa al espectador en un futuro cercano donde la medicina ha conseguido erradicar el sufrimiento físico mediante una droga comercializada llamada Hapuna. Este supuesto milagro de la ciencia se convierte pronto en una trampa mortal, ya que su creador, el doctor Skinner, introduce deliberadamente una mutación genética que mata a todo aquel que haya consumido el fármaco, exactamente tres años después de su primera dosis. De este modo, lo que comienza como un avance médico revolucionario se transforma en una cuenta atrás apocalíptica. Este giro recuerda a novelas como ‘Inferno’ de Dan Brown, donde la humanidad se enfrenta a un desastre programado por un científico con ideales extremos. Pero ‘Lazarus’ da un paso más allá al dotar al equipo protagonista de un perfil que mezcla lo militar, lo ético y lo filosófico, como si fueran una mezcla entre los agentes de ‘Ghost in the Shell’ y los personajes de ‘Blade Runner’. Mientras intentan detener la catástrofe, también cuestionan su rol en un sistema corrupto, el poder de la tecnología y el valor de la vida. Todo ello se desarrolla con una cadencia que equilibra la acción y la introspección, dando espacio a escenas espectaculares sin perder nunca el foco narrativo.
Uno de los aspectos más llamativos de ‘Lazarus’ es su protagonista, un personaje que parece salido de un videojuego como ‘Mirror’s Edge’, combinando habilidades acrobáticas de parkour con un dominio absoluto del combate cuerpo a cuerpo. Este protagonista, cuya identidad se va desvelando poco a poco, se mueve como un fantasma por entornos urbanos densamente digitalizados, con estética cyberpunk en su máxima expresión: neones, hologramas, decadencia industrial y vigilancia constante. Lo más interesante es que su estilo de lucha no es simplemente espectacular, sino que tiene un ritmo musical, casi coreográfico, que lo vincula con el jazz, en clara referencia a la impronta musical de ‘Cowboy Bebop’. De hecho, la música vuelve a tener aquí un papel clave, no solo como acompañamiento, sino como vehículo emocional que intensifica cada escena. Los instrumentos de viento y percusión acompañan las secuencias de combate con una sincronía que roza lo poético. Este personaje es más que un guerrero: es una figura trágica, regodeado en sus errores y con una fuerte carga simbólica, lo que le otorga una dimensión humana que rara vez se ve en series de acción. Su viaje personal se entrelaza con la misión global, y cada decisión que toma está marcada por un pasado complejo y una lucha interna constante entre deber, culpa y esperanza. Además, su diseño visual es un ejemplo de cómo en animación se puede construir un héroe memorable sin necesidad de diálogos extensos, solo con gestos, movimientos y una mirada bien dibujada.
En cuanto al apartado visual. La animación está a cargo del estudio Mappa, reconocido por su impresionante trabajo en títulos como ‘Dorohedoro’ o ‘Jujutsu Kaisen’. En ‘Lazarus’, Mappa se supera una vez más al combinar un estilo fluido con una dirección artística arriesgada, que mezcla técnicas de animación tradicional con CGI de forma armónica. Cada escena está pensada hasta el último detalle: la iluminación, la paleta de colores, los efectos de partículas y la física de los movimientos dotan al conjunto de una sensación de vida orgánica. No hay frame que no tenga algo que decir. Los fondos urbanos están cargados de detalles que enriquecen la narrativa visual, mientras que las escenas de acción se benefician de una planificación exquisita, con encuadres cinematográficos que recuerdan al mejor cine de ciencia ficción. Lo que más destaca es la capacidad de transmitir velocidad, vértigo y tensión sin caer en la confusión visual. Todo está coreografiado con precisión milimétrica, lo que demuestra que la animación japonesa sigue marcando el ritmo a nivel mundial en cuanto a calidad y ambición técnica. Además, Mappa ha sabido incorporar texturas y efectos sonoros que realzan cada impacto y cada transición, haciendo que el espectador sienta no solo lo que ve, sino también lo que escucha. El resultado es un producto audiovisual que no tiene nada que envidiar a las grandes producciones de Hollywood, y que se permite incluso innovar en cuanto a lenguaje visual y ritmo narrativo.
Otro nombre importante en esta serie es Chad Stahelski, conocido por haber sido doble de acción y por su salto a la dirección con la franquicia ‘John Wick’, que revitalizó el cine de acción con su estilo crudo, elegante y estilizado. Stahelski se encarga aquí de supervisar y diseñar la acción, y lo hace con la libertad que solo permite el formato animado. En lugar de verse limitado por las leyes físicas del cine real, Stahelski lleva sus ideas al extremo, permitiendo coreografías imposibles, cámaras imposibles y violencia estilizada sin concesiones. El resultado es una serie que se mueve constantemente, que nunca se detiene y que mantiene al espectador pegado a la pantalla. Pero lo mejor es que, pese a este despliegue de energía, la acción nunca se siente vacía ni gratuita. Cada enfrentamiento tiene un peso dramático, cada persecución tiene un motivo, y cada escena de combate revela algo más sobre los personajes o la situación. Esto es mérito tanto del guion como del diseño de Stahelski, que entiende que la acción no es solo espectáculo, sino también narrativa en movimiento. Sus aportes son palpables en cada episodio, sobre todo en la forma en que se combinan violencia, tensión emocional y estética visual. Así, Lazarus se convierte no solo en una serie de animación destacada, sino en una experiencia multisensorial que mezcla lo mejor del anime, el cine de acción moderno y la ciencia ficción más filosófica.
La asociación cine/cómic analizada junto a Cómic Para Todos
Nos alegra anunciar el lanzamiento de El Simbionte, un nuevo programa en YouTube fruto de la colaboración entre Moviementarios y Cómic Para Todos. Esta propuesta nace con el objetivo de analizar y comentar los últimos estrenos de cine y series, así como profundizar con respeto y de manera coloquial en el vínculo entre el séptimo arte (cine) y el noveno arte (cómic).
Con una mirada cercana, amena y crítica, El Simbionte pretende convertirse en un punto de encuentro para amantes del cine, las series y el cómic. En cada episodio, exploraremos las adaptaciones más recientes, comentaremos noticias relevantes del mundo audiovisual y editorial, y abriremos espacio al debate y la reflexión sobre cómo estas dos artes se alimentan mutuamente. Por supuesto, os acercaremos a los autores que hay tras todas estas obras.
El Simbionte no es solo un programa, es un nuevo canal de diálogo entre dos mundos que cada vez están más unidos e influenciados mutuamente. Si te interesa descubrir qué cómic hay detrás de tu serie favorita o cómo una película adapta visualmente una viñeta clásica, este espacio es para ti.
Arrancando con un clásico inmortal en formato actual
El primer episodio ya está disponible en nuestro canal de YouTube y viene cargado de contenido: inauguramos con la nueva serie basada en un clásico, Astérix y Obélix. Además reaccionamos a tráilers sobre los estrenos más esperados. También compartimos recomendaciones personales y algún que otro dato curioso para los más fanáticos. Por supuesto, siempre con respeto y sin spoilers.
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