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Crítica: ‘Dog. Un viaje salvaje’

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Sinopsis

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Briggs (Channing Tatum), un exsoldado, y su perro Lulu, un pastor belga, recorren la costa del Pacífico para llegar a tiempo al funeral de un compañero del ejército. En este divertido road-trip juntos aprenderán a querer de nuevo y se darán el uno al otro la oportunidad de una nueva vida.

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Crítica

Channing Tatum es la cara del buen rollo

Se supone que ‘Dog. Un viaje salvaje’ es la opera prima de Channing Tatum como director. Quizá es darle mucho mérito pues quien ocupa casi el 100% de la pantalla es el actor y la película está co-dirigida junto al guionista Reid Carolin. Pero para ser una primera incursión no está nada mal y además supone poner a Tatum por segunda vez en dos semanas en la cartelera (es protagonista de ‘La ciudad perdida’). Sin duda es un momento dulce para el actor. Carolin ya le produjo en ‘Magic Mike’, ‘Asalto al poder’ o ‘La suerte de los Logan’ y ahora le catapulta y reafirma como una de las estrellas del momento.

En ‘Dog. Un viaje salvaje’ Tatum interpreta a un militar que está en el dique seco. Es un excombatiente con ciertos problemas, que se van desgranando a lo largo del filme, que se muere por volver a la acción. Como prueba de fuego y encargo compasivo su superior le da la tarea de transportar a la fiel compañera de uno de sus hermanos de armas al funeral del mismo. Los problemas vienen cuando descubrimos que esta compañera es una fiera pastora belga malinois entrenada para matar y con la depresión derivada de haber perdido a su camarada de aventuras.

‘Dog. Un viaje salvaje’ es una película buenrollera que sabe sonsacarnos una sonrisa y más de un instante de congoja. La relación entre el militar y la perra es tipo ‘Beethoven’, ‘Socios y sabuesos’ o ‘Superagente K9’, es decir, se llevan mal, muy mal desde el principio pero acaban encontrando la manera de conectar y llevarse bien. Es un filme muy estándar en ese sentido, no obstante engancha gracias a su comedia y a la buena vibra que transmite Tatum. Además esta no es una película de artificios como pudo ser ‘La llamada de lo salvaje’, ni busca que gastemos una caja de kleenex como con ‘Hachico’. Para más inri la perra de la película está excelentemente bien adiestrada y se presta a la acción de la película para transmitir como si tuviese la expresividad de una persona más.

Esta es una película tipo road movie que deja buen sabor de boca pero tiene bastante sensiblería. A ese sentimentalismo contribuye Thomas Newman con su banda sonora, siempre acompañada de sutiles acordes de viento. Más allá de explotar la emotividad que produce la relación entre el hombre y su mejor amigo ‘Dog. Un viaje salvaje’ busca mostrarnos que somos herramientas. En cuanto dejamos de servir al sistema este nos deshecha. Hace poco en mi crítica de ‘Ambulance’ hablaba de cómo la administración norteamericana deja en la cuneta a sus veteranos de guerra y eso vuelve a salir a la luz en la película de Tatum. Pero no es del todo el foco de atención y aunque eso pasa casi de soslayo el filme tiene sus argumentos poco triviales que calan en el espectador.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de abril de 2022. Título original: Dog. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Reid Carolin, Channing Tatum. Guion: Reid Carolin. Música: Thomas Newman. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Reparto principal: Channing Tatum, Ethan Suplee, Kevin Nash, Jane Adams, Q’orianka Kilcher. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer, CAA Media Fiance, FIlmNation Entertainment, Free Association. Distribución: Diamond Films. Género: road movie, drama, comedia. Web oficial: https://www.unitedartistsreleasing.com/dog/

Tráiler de ‘Mentes maravillosas’

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Una de las primeras películas europeas en el Festival de Málaga

Ya podemos ver el trailer español de ‘Mentes maravillosas’ de Bernard Campan y Alexandre Jollien, película que competirá en la sección Premieres del Festival de Málaga. Por primera vez en 25 ediciones, el Festival se abre al cine europeo y este canto a la amistad sobre la dignidad y la tolerancia, se estrenará en cines el 6 de mayo de la mano de Caramel Films y Youplanet Pictures.

‘Mentes maravillosas’, es una «road movie» tierna y cómica está inspirada en la relación de amistad de los directores, guionistas y protagonistas:  Campan y Jollien.

Alexandre Jollien es uno de los filósofos de mayor éxito y trascendencia europea. Tuvo un nacimiento complicado que le produjo parálisis cerebral, y creció en una institución en la que estuvo 17 años, pero ha acabado convirtiéndose en uno de los escritores más leídos en buena parte del mundo,  con libros superventas como ‘Elogio de la debilidad’,  ‘La sabiduría pícara’, ‘¡Viva la libertad!’, ‘Oficio de ser hombre,’ y ‘Abecedario de la sabiduría’, entre otros.

‘Mentes maravillosas’ es su primera incursión en la gran pantalla.

Sinopsis oficial:

Louis dirige una funeraria. Soltero empedernido, vive dedicado a su trabajo. Por una casualidad de la vida, se cruzará con Igor, un espíritu agudo en un cuerpo minusválido a causa de una parálisis cerebral. Igor reparte verduras ecológicas mientras pasa su tiempo libre leyendo a Sócrates, Nietzsche y Spinoza.

Juntos emprenderán una ‘road movie’ en el coche fúnebre de Louis para transportar el cuerpo de la difunta Madeleine al lugar donde debe ser enterrada. En este recorrido salpicado de encuentros, Louis e Igor irán conquistando la libertad sobre la mirada de los demás y aprendiendo a amar la vida tal y como llega, liberándose de uno mismo.

Escucha aquí la canción de Vetusta Morla para ‘La Hija’

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Reina de las trincheras es el tema para la película de Manuel Martín Cuenca

Vetusta Morla ha estrenado hoy Reina de las trincheras, su primera canción original compuesta e interpretada para una película. La banda ha creado este tema para ‘La Hija’, el nuevo largometraje del director Manuel Martín Cuenca, protagonizado por Javier Gutiérrez y Patricia López Arnaiz y que presenta a la actriz Irene Virgüez Filippidis en la gran pantalla.

Reina de las trincheras, que ya está disponible en plataformas digitales, es una canción de cuna post-apocalíptica que se disfraza de nana tradicional, gracias a una de esas melodías que, aunque es nueva, parece que llevamos toda la vida escuchando.

El tema se presenta también con un vídeo protagonizado por los componentes de Vetusta Morla en alternancia con imágenes de la propia película de ‘La Hija’. El vídeo dirigido por Jerónimo Álvarez puede verse aquí.

La BSO de ‘La Hija’ se publicará en formato digital y en un formato único y exclusivo de vinilo, que además incluye la descarga digital de manera gratuita. Esta banda sonora está formada por catorce composiciones de Vetusta Morla, cuya apertura es la canción original Reina de las trincheras. Las piezas musicales son un recorrido por las imágenes de la película, convirtiéndose en un personaje más de la nueva obra de Manuel Martín Cuenca.  Así lo describe el propio director: «El trabajo que hicieron resultó ser más de lo que yo había soñado, un milagro al que pude acceder como director. Fueron capaces de entender y adaptarse a la historia, de aceptar los retos que les proponía y de construir una banda sonora que pareciera surgir de las imágenes. Hablamos mucho, probaron mucho, investigaron con gran rigor, y otorgaron a la película de una belleza sonora que me conmociona. Fueron capaces de llevar la película más allá».

Estos son los títulos de las catorce composiciones musicales que forman la BSO de ‘La Hija’:

  1. Reina de las trincheras
  2. Todo iba a salir bien
  3. Venga, sube
  4. Los perros están sueltos
  5. Bienvenida
  6. Refugio
  7. Anoche soñé con ella
  8. Es nuestra hija
  9. Quiero quedarme
  10. Dormirá unas horas
  11. Dormida
  12. Nana
  13. ¿Qué has hecho?
  14. Futuro imperfecto

Crítica: ‘Earwig y la bruja’

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Sinopsis

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Earwig, una niña de 10 años, tiene la habilidad de manipular a los demás para que todos hagan lo que quiera. Huérfana desde bebé, lleva una vida agradable y muy feliz en un hogar para niños donde todos atienden a sus caprichos.

Un buen día, un hombre y una mujer de aspecto extraño la adoptan. “Mi nombre es Bella Yaga. Soy una bruja”, le dice su nueva madrastra a Earwig. “Te he traído a mi casa porque quiero que seas mi ayudante”. Por su parte, el hombre extraño solo aparece para almorzar. Está siempre de mal humor y tiene la costumbre de decir “No me molestéis”.

Por primera vez en su vida, Earwig se topará con unas personas que no se rinden ante sus deseos. Vivirá una serie de aventuras y situaciones que harán que descubra el enorme potencial que siempre ha guardado en su interior.

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Crítica

Una mancha en una historia de embrujos animados

Efectivamente, ‘Earwig y la bruja‘ ha supuesto toda una decepción. Hablar de Ghibli es hablar de historias cautivadoras, que embrujan al espectador, tanto a nivel narrativo como en su aspecto visual. La nueva película realizada por el estudio cofundado por Hayao Miyazaki viene con alguna aportación del mítico director, pero es su hijo, Goro Miyazaki, el que ha puesto la mayoría del trabajo, como ya sucedió en ‘Cuentos de Terramar’.

Cabía esperar que la película supusiese una obra mejor que el filme que dirigió el sucesor de Miyazaki en el 2006 ya que el célebre cineasta ha contribuido esbozando las líneas generales de la historia a partir de otra obra de Diana Wynne Jones (‘El castillo ambulante’). Pero ha sido precisamente lo contrario. ‘Earwig y la bruja no cuenta apenas nada, es un cuento sin sustancia, sin una trama interesante que seguir y lo que es aún peor, sin un final mínimamente concreto.

La trama sigue a una niña que ha sido abandonada por una bruja en un orfanato cuando era bebé. Crece y se convierte en una chicuela respondona, pilla, con coletas cornúpetas y carácter mandón. Acaba siendo adoptada precisamente por otra bruja y es lo suficiente descarada y osada como para asimilar rápidamente el uso de la magia. Ese temperamento que tiene la niña es lo único gracioso de la película, lo único que a pesar de ser arquetípico engancha. En líneas generales esto es una especie de versión de ‘Una serie de catastróficas desdichas’ o de ‘Harry Potter’ en el que la magia no la tiene el protagonista, sino sus tutores.

La animación en 3D era lo que más miedo me daba. Ese cambio de aires o incorporación de nuevas corrientes para el estudio es lo que más temía. Ya hemos experimentado fiascos como la nueva versión de ‘Caballeros del Zodíaco’ en Netflix y en ese aspecto debo admitir que he sentido un alivio. Los dibujos son menos torpes de lo que esperaba y aunque las caras no son todo lo expresivas que deberían en estos personajes que parecen muñecos chibi en movimiento hay un gran trabajo de iluminación y color.

La historia se ambienta en lugares coloridos, tanto en sus escenas luminosas como en sus momentos nocturnos o narrativamente más oscuros. Las ubicaciones parecen inspiradas en esa Europa de mediados del siglo XIX que tanto les gusta a los japoneses. En cuanto a los personajes, Ghibli siempre se ha caracterizado en generar bichejos icónicos. Esa es otra falla de la película, no nos quedamos con ninguno de sus monstruitos grabados en la retina.

Imaginación tampoco le falta a la historia. Es ocurrente en cuanto a los detalles, pero no en cuanto a hilar una trama que te acabe dejando sabor a cuento o fábula. Da la impresión de que ‘Earwig y la bruja’ está pensada como una introducción a una futura serie, a una de esas que parecen hechas al peso y que emiten en canales infantiles. El guión es pobre, anodino, sin objeto alguno. Natillas, uno de los personajes secundarios, lee en una escena el libro ‘Red planet’ de Robert Heinen mientras que Earwig lee ‘El perro de Baskerville’. Pues bien, ‘Earwig y la bruja’ no hace honor al ingenio de Conan Doyle ni nos hace viajar como Heinen.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de abril de 2021. Título original: Âya to Majo. Duración: 83 min. País: Japón. Dirección: Goro Miyazaki. Guion: Hayao Miyazaki, Keiko Niwa, Emi Gunji. Música: Satoshi Takebe. Reparto principal (doblaje original): Shinobu Terajima, Etsushi Toyokawa, Gaku Hamada, Kokoro Hirasawa, Sherina Munaf. Producción: NHK, Studio Ghibli. Distribución: Vértigo Films. Género: animación, fantasía. Web oficial: https://www.aya-and-the-witch.jp/

Raúl Arévalo y Bruno Gagliasso protagonizan la primera serie de Netflix hispano brasileña

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‘Santo’, serie creada por Carlos López

Netflix ha anunciado hoy su nueva serie original española: ‘Santo’, su primer proyecto original realizado entre España y Brasil, con localizaciones destacadas como Madrid y Salvador de Bahía. La serie, creada por Carlos López (‘Hache’, ‘El príncipe’), estará protagonizada por Raúl Arévalo (‘Antidisturbios’, ‘Tarde para la ira’) y Bruno Gagliasso (‘O Sétimo Guardião’, ‘Sol naciente’). El rodaje de Santo comenzará en abril.

A Carlos López, creador de la serie, le acompañan los guionistas Miguel Ángel Fernández (‘Tiempos de guerra’, ‘Desaparecidos’) y Gustavo Lipsztein (‘Travesía mortal’, ‘Losing my Marbles’). La serie estará producida por Nostromo Pictures para Netflix y dirigida por Gonzalo López-Gallego (‘Néboa’, ‘La zona’) y Vicente Amorim (‘A Divisão’, ‘Romance Policial: Espinosa’).

Santo es una serie policiaca trepidante, un thriller de acción e intriga que en ocasiones se acerca al terror. Narra la historia de Santo, un narcotraficante cuyo rostro jamás se ha desvelado. Dos policías que van tras él, Cardona (Bruno Gagliasso) y Millán (Raúl Arévalo), radicalmente opuestos, tendrán que aprender a colaborar para resolver el caso y mantener sus vidas a salvo.

“Santo es como un terremoto con dos epicentros simultáneos, uno en Brasil y otro en España: la historia de dos policías en dos continentes diferentes que unen sus caminos para perseguir a un enemigo que nadie sabe cómo es porque nunca se ha dejado ver. Es todo un desafío pero podremos verla tal como está imaginada porque contamos con un equipo de altísimo nivel y un reparto privilegiado. Trabajar con Raúl y con Bruno garantiza, además, que este viaje nos dejará huella», cuenta Carlos López, creador de la serie.

Asimismo, Verónica Fernández, directora de contenidos de Netflix España afirma «Santo es una serie que va a sorprender por la originalidad de su planteamiento y por tener un pulso narrativo trepidante. Haber unido a talento español con talento brasileño ha provocado una explosión de creatividad. Es un thriller que pone la piel de gallina».

Crítica: ‘Madame Curie (Radioactive)’

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Sinopsis

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‘Madame Curie’ es un viaje a través del legado de Marie Curie, científica investigadora para muchos considerada como la mujer más inspiradora de la ciencia. Ella fue la primera mujer en ganar el premio Nobel, y diez años más tarde, la primera persona en la historia en ganar dos.

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Crítica

Ni protegidos con plomo podéis evitar impregnaros de la pasión de esta película

Una película de ciencia, con pasión por el conocimiento y protagonizada por una mujer. No podía ser de otra manera tratándose de Marie Curie. Me alegra que aunque se habla mucho de la relación con Pierre Curie no se ha hecho de esta historia un romance despechado. ‘Radioactive (Madame Curie)’ pone sobre la mesa el afán descubridor y curioso de la científica dos veces ganadora del Nobel y madre de otra ganadora del máximo premio internacional al que se puede optar en la Tierra.

Los datos conocidos a cerca de Marie Curie no son escasos. No obstante, la película de Marjane Satrapi se apoya narrativamente en la novela gráfica de Lauren Redniss que también se llama ‘Radioactive’. De hecho en más de una ocasión se sale del drama histórico y permite que la radioactividad haga sus artificios visuales brindándonos momentos muy fantasiosos, aunque también sirviendo de analogía explicativa. Se nota que Sartapi disfruta del arte visual, de hecho, tiene otras dos películas surgidas de novelas gráficas: ‘Persépolis’ y ‘Pollo con ciruelas’.

Además el filme sabe destacar el mérito de descubrir nuevos elementos cuando la técnica no era tan avanzada como ahora. Había que desarrollar nuevos métodos y eso queda reflejado, incluso aparece el antecesor del microscopio de barrido actual, la cámara de ionización con el electrómetro de cuadrantes… Y donde hay radioactividad parece que siempre hay que hablar de su poder destructivo. La película tiene un defecto, se obceca demasiado en mostrar el mal uso que hemos hecho de este proceso energético. A Alfred Nobel no se le conoce solo por haber inventado la dinamita ¿verdad? Hablo claro está de las bombas o las centrales nucleares mal gestionadas. Pasa demasiado de respajilón o en última instancia por la utilidad de los rayos X, la medicina nuclear…

‘Madame Curie’ ha sido escrita por el guionista de ‘Wonder’, ‘La materia oscura’, ‘Enola Holmes’, ‘El jardín secreto’ o ‘The accident’. No son pocos los guiones que ha hecho para ser protagonizados por mujeres. Esta se dirá que es la película más feminista y empoderada que ha hecho en su carrera. Es sabido el rechazo sistemático que sufrió esta brillante investigadora y el descrédito sucedió a la muerte de su marido. El filme tiene muy bien encauzado el famoso carácter de la científico polaca, lejos de ponerla condescendientemente como una santa acierta a no dejar de lado su abrupta personalidad. Y también plasma la mentalidad de Pierre Curie, progresista para la época.

No es mala la interpretación del elenco, de hecho, cuenta con Sam Riley y Anya Taylor-Joy. Pero hay que destacar a Rosamund Pike, no por la obviedad del protagonismo de su personaje, si no por su meticulosidad. Cuida detalles como la capacidad de ensimismarse en sus propios pensamientos o simplemente con el hecho de que Curie era zurda. Su interpretación rema a favor de los méritos de la científica y hace que se aleje de tópicos perfeccionistas.

La ambientación de la película también es muy acertada. El vestuario y los decorados nos remontan al Paris de principios del siglo XX. Obviamente también se cita o muestra a personalidades de la época como la bailarina Loie Fuller, a quien interpretó Soko en una película en 2016 y que esta vez está encarnada por Drew Jacoby.

Los Curie son considerados como una pareja que en tándem cambió la historia de la física y la química. Tanto a este matrimonio como a su descendencia se les puede considerar como pioneros y mártires de la ciencia por sus descubrimientos, pero también por sus castigados cuerpos, que aprendieron sobre la marcha las consecuencias del radio. Es normal pues lo llevaban en el bolsillo como quien se guarda un amuleto. Tal es así que el material de su laboratorio, sus notas, probetas, ropas… hoy en día aún son nocivos para la salud.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Título original: Radioactive. Duración: 109 min. País: Reino Unido, Hungría, China, Francia, EE.UU. Dirección: Marjane Satrapi. Guion: Jack Thorne. Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Rosamund Pike, Sam Riley, Anya Taylor-Joy, Simon Russell Beale, Drew Jacoby, Aneurin Barnard. Producción: Studio Canal, Working Title Films, Amazon Content Services, Huayi Brothers Media, Pioneer Stilking Films, Shoebox Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: biográfico, drama. Web oficial: https://www.radioactivethemovie.com/

Los 26 Forqué se celebrarán en Madrid el 16 de enero

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Este año también se premiará a series y películas estrenadas directamente bajo demanda

Un año más, los Premios José María Forqué darán el pistoletazo de salida a la temporada de galardones de la industria audiovisual española con la celebración de su XXVI edición. La ceremonia, que mantiene su celebración en Madrid el próximo sábado 16 de enero, tendrá lugar en IFEMA Palacio Municipal, con todas las medidas necesarias ante la crisis derivada del COVID-19. Por su parte, las nominaciones se anunciarán el próximo 27 de noviembre con tres nuevas categorías que reconocen la importancia creciente de las series en el audiovisual: Mejor serie, Mejor Interpretación Masculina de Serie y Mejor Interpretación Femenina de Serie.

De esta manera, los Premios Forqué destacarán también las producciones de ficción televisivas, parte de enorme valor en el sector audiovisual y puntal de la industria española. Además, los galardones pretenden mostrar su apoyo al castigado sector cultural, un espacio seguro y con escasa incidencia de brotes, así como su respaldo a la “presencialidad” con medidas de seguridad, de actos en teatros o salas de cine, y recordar que precisamente el cine, las series y otros ámbitos de la cultura han acompañado a la sociedad desde el inicio de la pandemia.

El año 2020, innegablemente condicionado por la COVID-19 y los efectos de la pandemia mundial, ha desatado una crisis sanitaria que se ha extendido a campos como el de la cultura, compañera de los ciudadanos desde los primeros y más duros meses de encierro hasta la actualidad. Por tanto, la celebración de Los Forqué es más relevante que nunca: primero, como muestra de apoyo a la industria cinematográfica, pero también como demostración fehaciente y reafirmación de que la industria cultural es una industria segura.

Por este motivo, la organización ha decidido que la gala de entrega de los premios se celebre de forma presencial, respetando siempre todas las medidas higiénicas y sanitaras en vigor, que deben adoptarse para el correcto desarrollo de la misma. El espacio en el que se entregarán los galardones será: IFEMA Palacio Municipal, que estará debidamente acondicionado siguiendo las normativas del momento y apoyándonos en las experiencias transmitidas por la satisfactoria realización de certámenes y eventos previos de la industria audiovisual.

FORQUÉ Y MADRID, UNA ESTRECHA RELACIÓN

De tal manera, los Premios Forqué se mantendrán en Madrid por segundo año consecutivo después de las fantásticas experiencias itinerantes del año 2017 en Sevilla y 2018 y 2019 en Zaragoza. Así, los galardones que reconocen lo mejor de la producción cinematográfica española, que el pasado año cumplieron “sus bodas de plata”, siguen apostando por la capital española, la cuna que los vio nacer.

Los Forqué, en su edición anterior celebrada en Madrid el 11 de enero de 2020, tuvieron un impacto económico de más de 15 millones de euros. Además, los premios generaron casi 16.000 noticias entre web, prensa, redes sociales, televisión y radio, por lo que con su XXV edición, los Premios Forqué consiguieron un récord en su impacto mediático y económico, consolidándose como unos de los galardones más destacados de la industria cinematográfica.

Tanto el Ayuntamiento como la Comunidad de Madrid, participarán activamente en esta nueva edición, mostrando su apoyo a la primera cita de los premios del audiovisual.

SERIES Y PELÍCULAS DIRECTAS A VOD, TAMBIÉN EN LOS FORQUÉ CON DOTACIÓN ECONÓMICA

A raíz de la crisis sanitaria, la organización de los premios ha considerado de forma excepcional que las películas no estrenadas en salas cinematográficas, pero sí en canales de televisión, plataformas o vídeo bajo demanda, participan en las candidaturas a los diferentes premios en su edición de 2020.

Asimismo, ha optado por añadir tres candidaturas más para su XXVI edición, reconociendo con las mismas la importancia creciente y cada vez más destacada de las series en el ámbito audiovisual. Así, se han añadido tres nuevos premios: el de Mejor Serie, dotado con (6.000€), a la Mejor Interpretación Masculina de Serie y a la Mejor Interpretación Femenina de Serie, dotados con (3.000€) cada uno.

Estas tres candidaturas se suman a las siete ya existentes, seis de ellas dotadas económicamente: Mejor Largometraje (30.000€), Documental (6.000€), Cortometraje (3.000€), Interpretación masculina y femenina (3.000€), Largometraje Latinoamericano (6.000€) y Cine y Educación en Valores. A los diez premios se suma la Medalla de Oro a toda una carrera, que será anunciada próximamente.

EGEDA es la entidad sin ánimo de lucro para la gestión de derechos de los productores audiovisuales. Creó estos galardones en 1996 con el objetivo de difundir la importancia de la industria audiovisual y cinematográfica española, impulsar la figura del productor y premiar cada año a las mejores producciones españolas por sus valores técnicos y artísticos.

El Premio Cinematográfico José María Forqué 2020 está organizado por EGEDA con la participación del Ayuntamiento de Madrid, la Comunidad de Madrid y RTVE, y cuenta con la colaboración del Ministerio de Cultura y Deporte y otros patrocinadores como Mercedes Benz o FIPCA.

Filmin estrena la primera temporada de ‘Parliament’

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Lanzamiento el 24 de noviembre

Filmin estrena el próximo martes 24 de noviembre, en exclusiva en España, la primera temporada de ‘Parliament’. Esta es una sátira política sobre los entresijos del Parlamento Europeo, esa institución tremendamente desconocida para la ciudadanía del Viejo Continente. Tras su exitoso paso por el Serielizados Fest, Filmin ofrece a sus suscriptores los diez episodios de 25 minutos que integran esta primera temporada, en la que hay sitio para partidarios del brexit, independentistas catalanes, radicales de extrema derecha suecos y pescadores de tiburones.

‘Parliament’, coproducción entre Bélgica, Francia y Alemania creada por Noé Debré (‘Dheepan’), se estrenó el pasado mes de abril en la plataforma de streaming de France TV, la televisión pública francesa. Fue enorme éxito, pues duplicó los datos de audiencia que la cadena había previsto.

Sinopsis oficial:

Samy es un joven asistente parlamentario francés que empieza en el Parlamento Europeo en el peor momento posible: pocas semanas después del referéndum del Brexit. Con el vértigo propio de un primer día en el curro, Samy deberá hacer frente a los sinsentidos de la política europea actual, embarullada en un exceso de burocracia, encajes de bolillos varios y un cóctel de culturas, ideologías y sensibilidades altamente peligroso. Su vida en el Parlamento no será nada fácil entre novatadas, brexiters, asistentes teutones, políticos incompetentes, un delicado proyecto para salvar tiburones y… ¡hasta el Procés de por medio!

Crítica: ‘Sentimental’

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Sinopsis

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Julio (Javier Cámara) y Ana (Griselda Siciliani) hace más de quince años que están juntos. Forman una pareja que ya no se mira ni se toca, y que ha hecho del combate diario la esencia de su relación.
Esta noche Ana ha invitado a casa a sus vecinos del piso de arriba, Salva (Alberto San Juan) y Laura (Belén Cuesta), una pareja más joven que ellos, amable y simpática, pero cuyos “ruidos” se han convertido en una molestia para Julio y Ana…¿o quizás en un estímulo?
Los vecinos de arriba les harán una inusual y sorprendente propuesta que convertirá la velada en una experiencia excesiva y catártica para los cuatro.

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Crítica

Una buena dosis de humor conflictivo

La obra teatral que supuso el debut de Cesc Gay fue ‘Los vecinos de arriba’ y ahora aparece en cines bajo el nombre de ‘Sentimental’. Es una película que surge de una obra de teatro pero eso no quiere decir que esté exenta de recursos o de planos. Ya hemos visto otras propuestas teatrales que emplean características como esta nueva comedia, es decir, aunque no tengan un pasado teatral transcurren en una sola casa y aún así resultan muy dinámicas. Es el caso de ‘Perfectos desconocidos’, una producción que bien podría haber salido de un teatro y que rara vez tiene más de tres escenarios diferentes, todos ellos pertenecientes al mismo domicilio y sin llegar a aburrirnos en ningún momento.

Eso mismo pasa en ‘Sentimental’. Una cocina, un salón y el hall de entrada de la casa, sirven de escenario para una situación muy incómoda. Una pareja tiene una relación la mar de hostil, está tirándose los trastos constantemente y con ese plantel invitan a sus vecinos del piso de encima a cenar. Ella lo está deseado (por morbo o ansia de contacto humano) y él rechaza el encuentro (por bordería o pereza social). En toda esa situación hay varios secretos entre ellos que de salir a la luz van a generar uno de esos momentos de los que no sabe uno como salir.

‘Sentimental’ es una buena dosis de humor conflictivo. Solo podría esperarse eso cuando los invitados son una psicóloga y un bombero que no se corta un pelo. Las indirectas vuelan como dardos y las hay tanto verdes como dañinas. Este es un filme en el que o bien se habla a la cara con afilado sarcasmo o se usa una profunda sinceridad. Intromisiones, borderías, tensiones… Una serie de momentos desagradables y casi increíbles que detonan una respuesta sentimental.

Javier Cámara y Griselda Siciliani interpretan al matrimonio en crisis y por otro lado Belén Cuesta y Alberto San Juan son los vecinos de arriba. Cámara firma otro papelazo. En esta nueva película con Gay elabora una comedia menos oscura que la de ‘Truman’ y quizá por eso más hilarante. Pero eso no quiere decir que ‘Sentimental’ no abrace inquietudes interiores. Hace bastante justicia a su título.

Por otro lado destacaría a Belén Cuesta. Hay que ver qué bien se mueve en la comedia, sobre todo cuando esta presenta momentos embarazosos. Hace buena pareja con un forzado Alberto San Juan y entre los dos nos llevan a los momentos más surrealistas que hasta ahora he visto en una película de Cesc Gay.

‘Sentimental’ se me antoja un título que está llamado a hacer las américas. Tiene un humor universal y si no estoy mal informado el texto original ya acaparó miles de espectadores en Argentina, México, Chile… Ojalá allí la puedan ver también pues Filmax tiene también la distribución internacional.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de octubre. Título original: Sentimental. Duración: 82 min. País: España. Dirección: Cesc Gay. Guion: Cesc Gay. Fotografía: Andreu Rebés. Reparto principal: Javier Cámara, Belén Cuesta, Alberto San Juan, Griselda Siciliani. Producción: Imposible Films, Movistar+, TV3, ICEC, Sentimental film, Televisión Española (TVE). Distribución: Filmax. Género: comedia. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/sentimental.176

Crítica: ‘Falling’

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Sinopsis

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John Petersen (Viggo Mortensen) vive con su novio Eric (Terry Chen) y la hija adoptiva de ambos, Mónica, en el sur de California. Su padre Willis (Lance Henriksen / Sverrir Gudnason) un granjero tradicional y conservador, decide viajar a Los Ángeles y quedarse en casa de John mientras busca el lugar idóneo para jubilarse.

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Crítica

Viggo Mortensen se consagra como artista total

A todos aquellos a los que Viggo Mortensen ya ha cautivado previamente con sus interpretaciones, ‘Falling’ va a afianzar ese idilio cinematográfico. Esta película constituye la consagración del actor como artista total ya que ha elaborado un espléndido trabajo en el plano actoral pero también como director, guionista e incluso a los mandos de la banda sonora.

No suelo confiar mucho en películas en las que un actor se dirige e incluso se escribe a sí mismo. Eso ayuda al compromiso del artista pero juega en contra a la hora de corregir defectos. Pero ‘Falling’ resulta totalmente auténtica. Además en ella Mortensen supera dos retos difíciles: dirigir a niños y capitanear a un actor con tantas tablas como Lance Henriksen. Domar las maneras de los jóvenes intérpretes que aparecen en la película puede ser difícil. Pero se me antoja más complicado orientar hacia sus propios propósitos a aquel que se ha enfrentado a aliens, cenobitas y Van Dammes. Incluso tiene el detalle de dar un cameo a un director como David Cronenberg con quien guarda una estrecha relación artística e imagino que también personal.

En ‘Falling’ Mortensen actúa como el hijo de un padre que me gustaría calificar como peculiar pero lo cierto es que aún abundan. El personaje que interpretan igual de bien Henriksen y Sverrir Gudnason es un hombre retrógrado y agorero. Solo así se definir a un hombre que cuando saluda al bebé que es su hijo le dice por primera vez “siento haberte traído a este mundo, porque luego querrás morir”. Está chapadísimo a la antigua y sin afán de dañar u ofender provoca constantemente vergüenza ajena. Tiene cosas muy entrañables e incluso admirables pero sus valores están muy desfasados. Si a eso le sumamos que su mente sufre los achaques de la edad se convierte en una persona muy difícil de manejar. En ese tumulto de relación nos introduce la película.

El título puede hacer alusión al ocaso que sufre este hombre. Es el otoño con el que todos asociamos la vejez. Pero creo que la película trata mucho sobre las novedades que han incorporado las últimas generaciones y que nuestros ancianos han tenido que asimilar. Me refiero a esos cambios radicales que toda descendencia introduce. Véase la tolerancia por otras razas, el rechazo por el tabaco, la comida saludable, el respeto por los animales, el matrimonio homosexual… Características contemporáneas que alguien ultraconservador o tradicional no acaba de digerir.

Para muchos Mortensen apareció en escena por primera vez en ‘El Señor de los Anillos’ (por cierto que su primera escena era en la posada de Bree, nombre que ha usado para un caballo del filme) y espero que esta película les obligue a buscar títulos anteriores en los que ha trabajado, que tiene muchos y muy buenos. En ‘Falling’ nos llena de rencores y afectos a base de sembrar multitud de detalles. También de herencias y de miedos, todo ello apoyado de un buen montaje. Y es que no siempre es fácil hilar con efectividad una película que va de pasado a presente constantemente. Porque ‘Falling’ se circunscribe mucho en las jugarretas de los recuerdos.

Me ha encantado que haya mostrado una manera diferente y actual de educar, como también hacía en ‘Captain Fantastic’. También ayuda mucho a seguir el hilo de la película que esté sembrada de momentos cómicos, con un poco de humor negro, pero del cordial.

Esta es mi humilde interpretación de ‘Falling’. Lo que sí que puedo aventurar con objetividad es que esta película va a gustar en masa.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de octubre de 2020. Título original: Falling. Duración: 112 min. País: Canadá, Reino Unido. Dirección: Viggo Mortensen. Guion: Viggo Mortensen. Música: Viggo Mortensen. Fotografía: Marcel Zyskind. Reparto principal: Viggo Mortensen, Lance Henriksen, Sverrir Gudnason, Laura Linney, Hannah Gross, Terry Chen, David Cronenberg. Producción: Parceval Pictures, Baral Waley Productions, Scythia Films, Zephyr Films, Achille Productions, Ingenious Media. Distribución: Caramel Films. Género: drama. Web oficial: https://www.caramelfilms.es/site/pelicula/falling

Primeras imágenes del rodaje de ‘El cover’

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El primer largometraje de Secun de la Rosa

Retomada la actividad en muchos rodajes comenzamos a tener las primeras imágenes surgidas de estos. Hoy es ‘El cover’ el filme que muestra algunas fotografías de su filmación que ha finalizado en Benidorm. Secun de la Rosa y su equipo técnico aparecen en las imágenes, además de varios de los protagonistas.

La cinta, rodada en diferentes localizaciones de Benidorm y Madrid, está protagonizada por el actor nominado al Premio Goya Álex Monner (‘La próxima piel’, ‘Los niños salvajes’) y Marina Salas (‘Por un puñado de besos’, ‘Tengo ganas de ti’). Completan el magnífico reparto el tres veces ganador de un Goya Juan Diego (‘23-F:La Película’, ‘Vete de mí’), las también ganadoras de un Goya Susi Sánchez (‘La enfermedad del domingo’, ‘Legado en los huesos’), Carmen Machi (‘Ocho apellidos vascos’, ‘La Tribu’) y Carolina Yuste (‘Carmen y Lola’, ‘Quién te cantará). Lander Otaola (‘Ocho apellidos vascos’, ‘La Pequeña Suiza’) y María Hervás (‘Taxi a Gibraltar’, ‘Es por tu bien’) también intervienen, entre otros.

Habrá premiere de ‘Superagente Makey’ en el Autocine Madrid RACE

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A través de una colaboración entre DeAPlaneta, Atresmedia Cine y Renault

Una de las primeras premieres (el BCN Film Fest va a celebrar alguna más) que se van a celebrar en nuestro país tras el fin del confinamiento y el estado de alerta va a ser la de ‘Superagente Makey’. La película protagonizada por Leo Harlem, Silvia Abril y Jordi Sánchez dirigida por Alfonso Sánchez será proyectada en el Autocine Madrid Race gracias a una colaboración entre la distribuidora DeAPlaneta, Atresmedia Cine y Renault.

La premiere tendrá lugar el 16 de julio (un día antes de su estreno en cines) y estará presente el director del filme y sus protagonistas. Los asistentes también podrán ver el Capture E-Tech, un híbrido enchufable. Las entidades organizadoras sortearán entradas para esta comedia familiar Próximamente se anunciarán más sorpresas y las mecánicas para participar en el concurso a través de la plataforma FEVER desde las redes sociales de Renault en  España,  DeAPlaneta y Atresmedia Cine.

En palabras de su director, Alfonso Sánchez: «Superagente Makey es una aventura familiar, en tono de comedia, con grandes dosis de acción. Es la historia de un padre que quiere recuperar a su hija; un soñador que se ha inventado un mundo idealizado, basado en las películas que marcaron su adolescencia, para huir de la realidad en la que vive. Un divertimento que esperamos haga disfrutar al público tanto como nosotros hemos disfrutando haciéndola”.

‘Lo que de verdad importa’, número 1 en Netflix EE.UU.

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Un filme solidario que recaudó más de 3 millones de euros

La película española ‘Lo Que De Verdad Importa’ se ha colocado en el número 1 de la lista de os más vistos en la versión norteamericana de Netflix. Paco Arango (‘El inquilino’, ‘Los Rodríguez y el Más Allá’) es el director de este filme que consiguió más de 3 millones de espectadores en todo el mundo. Una película solidaria e independiente protagonizada por Oliver Jackson-Cohen, Camilla Luddington y Jonathan Pryce.

El dinero recaudado se destinó, en cada uno de los países en los que se estrenó, a ONGs y asociaciones que dedican todo su esfuerzo a los niños enfermos o más desfavorecidos en el mundo. Además, la película que se ha estrenado en cines de dieciséis países, ha sido embajadora de la causa infantil y ha dado voz a todas esas organizaciones que, de forma silenciosa, se esfuerza cada día en mejorar la calidad de vida de estos niños.

Los espectadores de Netflix en EEUU han elegido, de forma inusualmente masiva, elegir ver esta emotiva comedia, que cuenta la historia de Alec, un ingeniero mecánico inglés incapaz de poner en orden su vida. Cuando su tienda de reparación de aparatos electrónicos está a punto de quebrar, un familiar que nunca supo que tenía se ofrece a solucionar sus problemas a cambio de que se traslade un año a Nueva Escocia (Canadá), el lugar de origen de sus antepasados, donde sucederán las cosas más incomprensibles.

“Hay veces en que los milagros sí ocurren. Una película que había hecho tanto bien por muchos países, ahora conquista el corazón de los americanos en un momento en el que se necesitan historias mágicas y optimistas. Paul Newman, a cuya ONG especializada en niños enfermos de cáncer han ido una parte de los ingresos, estará muy orgulloso ahí arriba.. y vamos a por más!”, ha declarado Paco Arango tras conocer esta noticia.

Lo Que De Verdad Importa es una producción de Producciones CALCON y ESP-62 Productions.

Filmax estrenará en cines ‘Una pastelería en Notting Hill’

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En carteleras el 17 de julio 7 de agosto

El debut en la dirección de un largo de Eliza Schoeder es ‘Una pastelería en Notting Hill’. Filmax va a distribuir este título en cines y ha elegido el próximo 17 de julio 7 de agosto como fecha de estreno. El protagonismo de este filme ha recaído en Celia Imrie (‘El exótico Hotel Marigold’), Shannon Tarbet (‘Killing Eve’)  y Shelley Conn (‘Charlie y la fábrica de chocolate’). Completan el reparto Rupert Penry-Jones (‘Vita & Virginia’) y Bill Paterson (‘Fleabag’).

Es una película vital que narra la historia de superación de tres mujeres que consiguen vencer sus diferencias y aliarse para cumplir un sueño en común.

En palabras de la directora: “con esta película quería explorar diferentes luchas de mujeres que se aman y sin embargo, les resulta difícil conectar. También me atrajo hacer una película sobre tres generaciones. Quería retratar que cuando las mujeres se unen, podemos superar los obstáculos, hacer algo hermoso, fortalecernos e inspirarnos mutuamente.

En segundo lugar, haber crecido en Alemania, estar casada con un hombre francés y vivir el Londres del Brexit, me inspiró para retratar una ciudad culturalmente diversa. Notting Hill, que ha sido mi hogar durante 11 años, se convirtió en el telón de fondo de la película, ya que siempre me ha inspirado este vecindario. Finalmente, después de haber perdido a mi propia madre hace unos años, he querido tratar la muerte de una manera digna, sin oscurecerla y ni restringirla, sino dejar que traiga esperanza y vida”.

Sinopsis oficial:

Decidida a cumplir el sueño de su difunta madre de abrir una pastelería en Notting Hill, la joven Clarissa pide ayuda a la mejor amiga de su madre, Isabella, y a su excéntrica abuela, Mimi. Estas tres generaciones de mujeres necesitarán superar el dolor, las dudas y las diferencias para honrar el recuerdo de su amada Sarah mientras se embarcan en un viaje para establecer en Londres una tienda llenar de amor, esperanza y coloridos pasteles.

‘Antebellum’ ya tiene fecha de estreno en España

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Estreno el 21 de agosto 2 de septiembre

Os hablamos de ‘Antebellum’ en nuestro programa especial de cine de terror para 2020 y ahora nos complace anunciar que será una de las primeras películas de terror en proyectarse. El 21 de agosto DeAplaneta estrenará este filme en salas. Una película que ha sido dirigida por Gerard Bush y Christopher Renz en su debut y que protagoniza Janelle Monáe (‘Figuras ocultas’).

En el filme también figuran Eric Lange (‘Narcos’), Jena Malone (saga ‘Los juegos del hambre’), Jack Huston (‘Ben-Hur’), Kiersey Clemons (‘Enganchados a la muerte’) y la nominada al Oscar por ‘Precious’ Gabourey Sidibe.

En la misma línea de ‘Déjame Salir’ o ‘Nosotros’, ‘Antebellum’ cuenta una terrorífica historia en la que los derechos civiles y la cultura afroamericana cobran más protagonismo que nunca. En ella la exitosa autora Veronica Henley (Janelle Monáe) se encuentra atrapada en una terrorífica realidad cuyo misterio debe resolver antes de que sea demasiado tarde.