Una de las series más esperadas por los lectores de cómics y manga era este título que acaba de estrenar Netflix el pasado 19 de junio. ‘Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro’ adapta una vez más al formato serie las historias del mangaka Junji Ito, conocido por sus cuentos de terror. Y digo una vez más porque allá por 2018 ya se estrenaron unas OVA’s que se llamaron ‘Junji Ito Collection (Korekushon)’.
A través del director Shinobu Tagashira (artífice de la anterior serie) y los guiones adaptados de Kaoru Sawada (‘Kita e…: Diamond Dust Drops’) Netflix nos presenta estas historias del autor que han sido animadas por Studio DEEN. Los mangas ya publicados de Ito se convierten en entretenimiento animado del cual se agradece el estilo que diría que es casi noventero. Pero por desgracia la inclusión del color y de algunos elementos en 3D le quitan muchísimo encanto a las narraciones.
Ha sido lanzada de manera completa con 12 episodios, la mayoría de los cuales están divididos en dos capítulos distintos. ‘Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro’ es ideal para un entretenimiento corto, breve o para ver durante algún desplazamiento, pero la idea se supone que es meterse en casa a oscuras a ver estas historias. No la veo ideal si eres muy fan del autor porque no han conseguido el mismo efecto en el espectador que en el lector. Vale que al leer un cómic o manga, sobre todo si este es de terror, importa mucho tu estado anímico, tu imaginación, el ambiente en el que te encuentres o lo aprensivo que seas. Se supone que una serie o una película tiene que allanar mucho el terreno en ese sentido al poder atacarnos también a través del sonido y el movimiento. En este caso, por lo menos en la mayoría de episodios, no se logra ese efecto que tan famoso ha hecho a Junji Ito entre los lectores.
Están sus personajes tétricos y lo que nos cuenta sigue siendo macabro, desconcertante, misterioso, paranormal, juguetón con lo desconocido y casi siempre y literalmente retorcidamente desagradable. Pero ya el opening, al son de una especie de J-pop, nos adelanta lo perdida que va la serie. Hay demasiado color y los personajes o su animación a veces resultan pueriles, amateur e incluso ridículos. La mayoría de episodios pecan de ser sobreexplicativos y sus diálogos entorpecen la trama, por no decir que eliminan cualquier tipo de atmósfera tétrica conseguida. Las voces en castellano tampoco ayudan, por si la vais a ver doblada.
Sin duda ‘Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro’ habría sido una adaptación más satisfactoria si se hubiese mantenido el blanco y negro o si sus historias estuviesen mejor resueltas (cosa que puede que sea un problema heredado de las viñetas). A veces es muy difícil cerrar una historia y en este caso casi ninguna está finalizada y mucho menos explicada. Esto a veces sirve para imbuirnos aún más misterio o dejarnos más desconcertados, pero otras directamente nos dejan con una sensación de insuficiencia.
Para mi Junji Ito es un artista que visualmente me impacta y cautiva. Es como si Alan Poe hubiese nacido también con las dotes del dibujo. Sus novelas y narraciones breves a veces también son extraordinarias. Prueba de ello son sus famosas ‘Uzumaki y ‘Tomie’ (la cual tiene hasta ocho live actions). En este caso nos pasa como con el gabinete de Guillermo del Toro, que unos episodios nos gustan pero otros no. Lo malo es que tenemos una obra original con la que comparar que le hace un flaco favor a este nuevo material. Ojalá sirva para que os lancéis a sus viñetas.
Por una sociedad donde prevalezcan la igualdad de género y la justicia
El próximo domingo 4 de diciembre, el lazo de la verdad de Wonder Woman se desplegará por las calles de Madrid durante la edición inaugural de la Carrera Wonder Woman, organizada por Atresmedia en colaboración con Warner Bros. Discovery Global Consumer Producto y el Ayuntamiento de Madrid. Con salida y llegada en el Paseo de Reina Cristina, miles de mujeres, inspiradas en la heroína más prestigiosa del Universo DC, recorrerán un circuito de 6 kilómetros alrededor del Parque del Retiro y el eje Paseo del Prado- Recoletos. La Carrera Wonder Woman de Madrid ayudará a visibilizar la lucha por una sociedad donde prevalezcan la igualdad de género y la justicia.
Este mensaje universal de empoderamiento tiene el poder de traspasar fronteras e inspirar a las mujeres de toda España gracias a su modalidad virtual. La Carrera Wonder Woman de Madrid permitirá participar online a todas las mujeres que quieran sumarse a este movimiento, con el objetivo de promover un mensaje de respeto e igualdad, desde cualquier punto del país y en cualquier momento durante el fin de semana del 3 y 4 de diciembre.
Las inscripciones ya están abiertas en www.carrerawonderwoman.com, donde, por solo 12 €, puedes conseguir tu dorsal y una camiseta icónica con el mundialmente conocido logotipo de Wonder Woman, un símbolo que representa los valores una Superheroína, con más de 80 años de historia, comprometida con la lucha por la verdad, el bien y la justicia.
Esta carrera ya ha visto la luz desde hace varios años en diferentes puntos del planeta entre los que destacan Brasil, Méjico, Perú, Estados Unidos, Hong Kong e Inglaterra, entre otros.
Antes de que prejuzguéis, no, Brendan Fraser no está siendo explotado ahora más tras su éxito con ‘The Whale’. Los que comenzamos a ver hace años la locura que es ‘Doom Patrol’ no hemos dejado de disfrutar de él y por supuesto de su alter ego en esta serie, Robotman. A si es que sumaros a nosotros y empezar a gritar cada dos por tres ¡qué cojones!
La Patrulla Condenada creada en su día para DC Comics por Arnold Drake, Bob Haney y BrunoPremiani unos meses antes de que surgiesen los X-Men vuelve a la televisión con una cuarta temporada. Sobreviviendo a una etapa anterior mermada y marcada por la pandemia vuelve con sus chifladuras y con una nueva temporada que al igual que sus predecesoras promete superarse aún más.
Hemos tenido que esperar más de un año para tener nuevos episodios y daremos las gracias ya que esta serie ha sobrevivido, no es una de las canciones del universo DC. HBO Max estrenará ‘Doom Patrol’ temporada cuatro en Estados Unidos el 8 de diciembre. Será entonces cuando volveremos a estar acompañados por Robotman, Cyborg, Elasti-Girl, Robotman, Crazy Jane, Hombre Negativo, Niles Caulder… En España aún no hemos visto ni recibido comunicado con fecha confirmada.
El Ant-Man de Paul Rudd sigue con sus aventuras en pantalla grande y lo hace volviendo con una tercera película en solitario. Aunque decir que es en solitario solo es para remarcar que es al margen de los Vengadores pues como en su segunda entrega, en ‘Ant-Man y la avispa: Quantumanía’ volverá a estar acompañado de la Avispa, interpretada por Evangeline Lilly.
Marvel Studios (Disney) estrenará esta microscópica y cuántica aventura en pantalla grande el 17 de febrero de 2023. La familia de héroes se topa con un Reino Cuántico poblado de nuevas criaturas. Entre los descubrimientos del superhéroe se encuentra un Jonathan Majors en el papel de Kang. Si veis el siguiente tráiler descubriréis qué otro famosísimo actor aparece en la cinta.
A Hopper le llaman “polloliebre” por ser mitad pollo y mitad liebre. Adoptado por el Rey Pedro, un famoso aventurero, Hopper deberá mostrar su valor para ser aceptado pese a ser diferente. Junto con sus fieles amigos se embarca en una emocionante aventura en busca de la reliquia conocida como “Hamster Oscuro”. La misión se complicará al tener que sortear las trampas que el malvado Lapin les tenderá intentando que fracasen.
Crítica
Sorprendente híbrido de aventuras que funciona con sus mezcolanzas
Hopper luce el apellido “polloliebre” por dos razones. Por un lado es adoptado y no se sabe nada de sus padres o sus orígenes. Por otro, es precisamente eso, un híbrido de pollo y liebre. Piernas de ave y cuerpo de conejo son las peculiaridades de este joven protagonista que lo único que quiere es convertirse en el mejor aventurero posible y así poder contentar a su padre, el rey que le adoptó cuando le encontró durante su búsqueda de un objeto codiciado conocido como el “Hamster Oscuro”.
‘Hopper, el polloliebre’ es una mezcla curiosa que llega a la gran pantalla para dar vida a unos cómics. Surge de ‘Chickenhare and the Hamster of Darkness’ que es el título de las viñetas que Chris Grine (‘Animorphs’) realizó para Dark Horse Comics. De por sí los animales antropomórficos nos sacan de nuestra realidad y nos permiten ver nuestros mundos de otra manera. Pero si además nos topamos con criaturas extrañas, como el protagonista o unos simpáticos cerdos con forma de cubo, la abstracción es aún mayor. Y ya no digo nada del divertimento para los más pequeños pues está claro que este filme está destinado a ellos.
El protagonista de ‘Hopper, el polloliebre’ surge de un cruce, que no llegamos a conocer, la película también consiste en un mestizaje de géneros y referencias. Tenemos exploradores tipo ‘Indiana Jones’, aspirantes que se enfrentan a pruebas como las vistas en ‘Wonder Woman 1984’, una relación rey y hermano tipo ‘El rey león’, un ladrón llamado Lapín (ahí está el parecido con Lupin)… Pero la aleación más curiosa y que sorprendentemente funciona es la que nos sumerge en una edad media poblada de personajes que visten como aventureros de siglo XX. Esta es una película de búsquedas de tesoros de tintes clásicos, con sus trampas, sus puzles, sus enigmas, sus villanos… que se distingue por sus singularidades. Y ahí está el mensaje del filme. Es una historia de aceptación y marginación, nos habla de lo que es sentirse “normal” y lo que es valorar y aprovechar realmente lo que uno es.
En cuanto al estilo y diseño de personajes es diferente al de la obra original. Si buscáis los cómics veréis que son más cartoon, mucho más sencillos. En cambio la película se suma al 3D que tanto se estila actualmente. Esto ayuda a distinguir mejor entre plumas y pelos, importante dado el carácter híbrido del personaje. Se debe a que los directores de esta adaptación son los mismos de ‘La familia Bigfoot’ y ‘El hijo de Bigfoot’ y que además comparte guionista con ‘Salvaje’. Mundos fantasiosos, comedia constante, aventuras trepidantes, buena animación… ‘Hopper, el polloliebre’ es una buena visita al cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de octubre de 2022. Título original: Chickenhare and the Hamster of Darkness. Duración: 91 min. País: Bélgica. Dirección: Ben Stassen, Benjamin Mousquet. Guion: David Collard. Reparto principal (doblaje original): Jordan Tartakow, Kyle Hebert, Danny Fehsenfeld, Michael Ornstein, Dino Andrade, Joe Ochman, Laila Berzins, Joey Camen, Cedric L. Williams, Christopher McCullough, Mark Irons. Producción: Dark Horse Comics, Octopolis, nWave Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: aventuras. Web oficial:https://www.nwave.com/films/chickenhare-and-the-hamster-of-darkness/
La última exposición a la que acudimos en el Círculo de Bellas Artes de Madrid nos dejó pasmados. Aquella trataba sobre un monstruo del cine como Kubrick y ahora le toca a otro, pero de los cómics. Sold Out vuelve a asociarse con el Círculo de Bellas Artes de Madrid para rendir culto a Hergé.
La muestra se alza como la mayor exposición monográfica creada hasta la fecha sobre el autor que nos dio obras tan geniales como ‘Las aventuras de Tintín’, ‘Las aventuras de Jo, Zette y Jocko’ o ‘Quique y Flupi’. Llega a España tras triunfar desde 2016 en París, Quebec, Seúl, Shangái y Lisboa.
El trazo de Georges Prosper Remi “Hergé” era inconfundible y en esta extensa exposición descubriréis su proceso de creación, su obra y su desarrollo. Los visitantes podrán explorar los procesos creativos detrás de los álbumes más emblemáticos de Tintín, sus influencias marcadamente cinematográficas, su diálogo con el arte contemporáneo y hasta su trabajo en el estudio, pasando desde el modelado de objetos o edificios hasta la coloración, así como por los diferentes medios con los que ha experimentado, entre los que encontramos la pintura, la publicidad gráfica o el dibujo. Hergé. The exhibition pone en relevancia también las influencias de Modigliani, Miró o Klee mostrando su propia colección privada.
La muestra sobre este autor belga llega a España para poder examinar la carrera de un artista que realizó centenares de dibujos. El origen de lo que podemos ver es el Musée Hergé de Bélgica. Desde allí nos llega una muestra de dibujos originales, planchas, primeras ediciones, maquetas, trabajos en publicidad, publicaciones en periódicos y otros documentos de valor incalculable para la cultura del noveno arte. En total se disponen más de 300 piezas originales.
Como complemento a la exposición, durante la estancia de Hergé. The Exhibition tendrá lugar un ciclo de actividades paralelas que incluirá proyecciones, charlas y conferencias en torno a la figura de Hergé y que reunirá en el Círculo de Bellas Artes a artistas, ilustradores, periodistas o filósofos. Muy pronto se comunicarán todos los detalles de este programa.
Lo más vistoso que se ha puesto en marcha para celebrar la llegada de la muestra a Madrid es una reproducción a gran escala del icónico y fascinante cohete con el que Tintín conquistó la Luna en ‘Objetivo: la Luna’, que durante unas semanas estará ubicado delante del Edificio Metrópolis (en la confluencia de Gran Vía y Alcalá). Como parte de esta acción exterior abierta a la ciudadanía, en la Red de San Luís frente al metro de Gran Vía- también se instalará un gran photocall que incluye un collage con diferentes personajes de Hergé e información relevante sobre la exposición. Estas acciones exteriores se llevan a cabo en colaboración con el Área de Gobierno de Economía, Innovación y Empleo del Ayuntamiento de Madrid.
En la presentación pudimos contar con la presencia de Valerio Rocco Lozano, director del Círculo de Bellas Artes, Rafael Giménez, director de Sold Out, Nick Rodwell, administrador de Tintin Imaginatio y del Musée Hergé, con Joan Manuel Soldevilla, escritor y Tintinólogo además de con Ana Zendrera Zariquey, propietaria de Editora propietaria de la Editorial Sirpus. Hergé. “Hergé es muchísimo más que el creador de Tintín o que un dibujante de cómics” dijo Rocco Lozano.
“Tintín llego a España 30 años tras su nacimiento. Llego en un contexto complicado, en los 50 o 60. El cómic era entretenimiento para niños, compraban una pequeñas grapas de pocas páginas. Comienza a venderse en librerias en formato tapa dura en vez de en kioskos a unas pocas pesetas como se hacia hasta entonces”, relató el Soldevilla. “Tenemos una figura de una envergadura descomunal. Era una persona permeable a los movimientos artísticos del siglo XX. Podremos ver en la exposición un telegrama de Dalí felicitando a Hergé por el cumpleaños de Tintín. Los prineros lectores de Tintín son abuelos y abuelas y vamos por cinco generaciones que le han leído y se lo regalan a sus nietos” concluyó apasionadamente.
Zendrera repasó la trayectoria editorial de Tintín en España ya que trabajó en la Editorial Juventud, es la nieta de su fundador. Nos mostró el catálogo de la exposición “ha sido imposible plasmar todo lo expuesto en unas páginas”, dijo. Ella ha sido la encargada de muchas traducciones de Tintín y por supuesto del catálogo.
”Empezamos cuando alguien me contactó en 2015 desde el Gran Ballet de París pidiendo organizar una exposición, yo les pregunté si sobre Tintín y me dijeron que no, que sobre Hergé poniéndole como a artistas de la talla de Picasso. Casi no la hacemos porque cambió ña dirección del Gran Ballet” contó Rodwell.
“Gracias al Ayuntamiento de Madrid por su respaldo. Podremos disfrutar de actividades con proyecciones, ilustradores y animadores” dijo Giménez en su intervención cargada de referencias y un claro amor por Tintín.
The Exhibition está comisariada por el Musée Hergé de Bruselas, y producida y presentada por Sold Out en colaboración con el Círculo de Bellas Artes. Se puede consultar información práctica para visitantes y adquirir las entradas aquí.
El próximo 28 de octubre se estrena la nueva serie Max original ‘¡García!’, basada en la novela gráfica de Santiago García y Luis Bustos, publicada por Astiberri Ediciones de la que tenéis reseña aquí.
El estreno será tras su paso por la sección oficial de la 55ª edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya de Sitges, que acogerá la premiere europea de la serie el próximo 8 de Octubre; y su premiere mundial en el Fantastic Fest de Austin este sábado 24 de Septiembre.
Sara Antuña y Carlos de Pando son los creadores y guionistas de la serie, y Eugenio Mira (Grand Piano) dirige los seis episodios de una hora. Producida por Zeta Studios para Warner Bros. Discovery en España.
Ambientada en una hipotética España actual, en un país dividido y al borde del caos político, la serie está protagonizada por Antonia (Veki Velilla), una joven periodista de investigación que tropieza por casualidad con una conspiración urdida hace décadas: la existencia de un superagente criogenizado, García (Francisco Ortiz), creado en un laboratorio en los años 50 por los servicios secretos del general Franco. Un soldado perfecto con una fuerza sobre humana y programado para obedecer órdenes sin cuestionarlas al que Antonia acaba de despertar después de seis décadas congelado. García se siente desorientado y confuso en una España que encuentra completamente cambiada. El viejo mundo choca con el actual mientras García y Antonia aprender a trabajar juntos al verse involucrados en una conspiración política que amenaza con acabar con la democracia en favor de una nueva y brutal dictadura.
Además de Francisco Ortiz y Veki Velilla, el reparto también cuenta con actores como Emilio Gutiérrez Caba, Francisco Reyes, Daniel Freire, Nico Romero, HelioPedregal, Mario Pardo, Miki Molina, Marina Gatell, Pepe Ocio y Silvia Abascal.
Con tan solo cinco tomos ‘Kaiju 8’ ha vendido más de 7 millones de copias en Japón. Planeta Cómic traerá esta esperadísima publicación en septiembre. El lanzamiento consistirá en la venta de las dos primeras entregas. La historia es una especie de ‘Ataque a los titanes’ con ‘Pacific Rim’.
Naoya Matsumoto es el mangaka autor de esta historia contemporánea en la que leemos cómo Japón tiene la mayor tasa de incidencias por ataques de Kaijus de todo el mundo. Los Kaijus irrumpen continuamente y sin piedad en las vidas cotidianas de la gente. Kafka Hibino, que siempre quiso ser un miembro de las Fuerzas de Defensa, actualmente trabaja como limpiador de cadáveres de Kaijus. Sin embargo, un día, una misteriosa criatura convierte a Kafka en un Kaiju, y las Fuerzas de Defensa de Japón, encargados de derrotar a estos monstruos, le identificaron con el nombre clave de “Kaiju N.8”.
Nos esperan más de doscientas páginas de monstruosas aventuras.
Fabien Nury nos da un enfoque muy diferente de la Belle Époque
El jueves 8 de septiembre a las 22.00 horas COSMO estrena en primicia en España ‘Paris Police 1900’, un impactante drama criminal sobre la cara más oscura y real de la Belle Époque. Inspirada en la turbulenta realidad de Paris a finales del siglo XIX y con el famoso caso Dreyfus como telón de fondo, esta serie policiaca construye un perturbador relato que dialoga directamente con nuestro presente: desde la lucha por la democracia y el ascenso de discursos nacionalistas y xenófobos al empoderamiento de las mujeres y la influencia de los medios de comunicación.
Asesinatos, chantajes, disturbios y conspiraciones se suceden en la Ciudad de la Luz en 1899. Asediada por la extrema derecha, los grupos antisemitas y la creciente anarquía, Francia nunca ha parecido tan débil. En esta situación, la repentina muerte del presidente francés, Félix Faure, en brazos de su amante, sacude aún más la Tercera República.
El trágico descubrimiento del torso de una joven en una maleta que flota en el Sena es el punto de partida de Paris Police 1900. El joven y ambicioso detective Antoine Jouin (JérémieLaheurte) irrumpe en la policía para encargarse del caso. Pero su investigación terminará desvelando un complot de implicaciones inesperadas.
En sus pesquisas Jouin se cruzará con el jefe de policía Louis Lepine (Marc Barbé), que acaba de dejar su retiro para restablecer el orden en París; Meg Steinheil (Evelyne Brochu), la cortesana acusada de matar al presidente provocándole un ataque al corazón tras mantener relaciones sexuales; Joseph Fiersi (Thibaut Evrard), un agente corrupto conocido por sus chantajes con un segundo empleo como sicario de la policía; o Jeanne Chauvin (Eugénie Derouand), la primera mujer que ejerció como abogada frente a los tribunales de Francia; o Jules Guérin (Hubert Delattre), una figura destacada de las ligas nacionalistas y el director del periódico El Antijudío.
El célebre autor de novela gráfica Fabien Nury (‘Soy legión’, ‘Érase una vez en Francia’) es el creador, guionista y productor de ‘Paris Police 1900’, así como el director del último episodio. Su cómic, ‘La muerte de Stalin’, fue adaptado por Armando Ianucci (‘Veep’) en la película homónima, una hilarante sátira del poder.
Con un presupuesto de 16 millones de euros para su primera temporada, esta producción de Canal Plus y Studiocanal ha sido un enorme éxito entre la crítica y el público tanto dentro como fuera de sus fronteras. En Francia, los ocho episodios de la serie fueron vistos por una media de seis millones de espectadores. Y en Reino Unido la prestigiosa BBC emitió la serie. Renovada por una segunda temporada, los nuevos capítulos ya se han grabado en los alrededores de París.
Ya pudimos disfrutar de un avance de la serie que dará vida al cómic ‘¡García!’ y ahora nos llega un nuevo vídeo. Vídeo que además nos anuncia que la serie será presentada en la siguiente edición del festival de cine fantástico de Sitges, que se celebra el próximo mes de octubre.
La nueva serie Max original ¡García! surge de la ocurrente mente de Santiago García y los pinceles de Luis Bustos que fue publicada por Astiberri Ediciones en forma de cómic. SaraAntuña y Carlos de Pando son los creadores y guionistas de la serie, y Eugenio Mira (Grand Piano) dirige los seis episodios de una hora.
Producida por Zeta Studios para Warner Bros. Discovery en España, ‘¡García!’ se estrenará en Octubre en HBO Max.
Bien cargada de onirismo, dan ganas de seguirla hasta la vigilia
No sé si ha sido debido a la privación del sueño inherente a la ola de calor o el hecho de que la serie sea lo bastante fiel a las novelas gráficas que me he visto sin cesar esta versión de ‘Sandman’. Netflix estrena este 5 de agosto la serie basada en los cómics creados por NeilGaiman y como lector de su obra puedo mostrarme ampliamente satisfecho.
Por zanjar pronto lo que tanto se ha comentado y la razón por la que muchos ya le han puesto sin argumentos de peso la X a este ‘Sandman’. El siempre polémico cambio de raza o sexo de muchos personajes. Sin duda esa comidilla en redes no ha hecho más que realizar los sueños de Netflix pues de ese modo consiguen publicidad gratis. Son modificaciones que nunca se hacen en el sentido inverso y a mí esto ya me resbala. Esa política de “inclusión y diversidad” se retrata a sí misma. No obstante el casting me parece bien escogido pues el hecho de que una persona sea negra o mujer no influye ni en esta trama ni en la manera de ser de los personajes. Por ser muy fan lo que si me ha dolido de esta adaptación es la ausencia de John Constantine, quien en los cómics se hace con uno de los objetos de Sueño, y la no participación de la Liga de la Justicia que recupera la Gema del sueño. En los tebeos intervienen o se menciona a Joker, Arkham, Dr. Destiny, Detective Marciano… No olvidemos que estos cómics fueron un encargo de DC para Gaiman. A pesar de que la serie lleva por delante el logo de la Warner, materializar tal cual lo original se antoja un crossover imposible por temas de derechos, presupuesto o incluso duración, harían falta muchos personajes. Esta es sin duda una de las razones por las que la serie está muy condensada y con alguna trama que sucede en paralelo o de manera adelantada. Se han permitido al menos algún guiño como los muñecos que vemos de fondo en el octavo episodio.
Pero ‘Sandman’ está bien orquestada y percibimos la misma historia, el mismo espíritu que en la serie de cómics. Para los lectores de las viñetas puedo adelantar que en la primera temporada de la serie han abarcado los dos primeros volúmenes de los diez que tiene ‘Sandman’, es decir, ‘Preludios nocturnos’ y ‘La casa de muñecas’. Y son capaces de narrar todo lo incluido en esos cómics calcando algunos diálogos, imitando algunas escenas y además sin caer en atropellos. Y lo que es más importante, manteniendo los dilemas y comportamientos de los protagonistas.
En ‘Sandman’ conocemos a Sueño, al rey de los sueños. Él es uno de los Eternos (los de DC no los de Marvel). Pero contar su historia es contar en parte la de sus hermanos, Destino, Muerte, Destrucción, Deseo Desespero y Delirio, además de la de otros muchos personajes. Todo arranca en el momento en el que Sueño cae preso tras un conclave que sale mejor que el de ‘La Herencia de Valdemar’. Tenían el loable objetivo de atrapar a la muerte para que nadie más muriese, pero en lugar de ello atraparon a su hermano y el mundo dejó de soñar. Tras muchos años cautivo, cuando Sueño se libera empieza una cruzada por reconstruir su reino de los sueños y por recuperar los objetos que le han sustraído, las herramientas que usa para canalizar su poder. Se centra la serie en resolver ese conflicto. Ese sentido de lo poético y lo oscuro e incluso retorcido que caracteriza a Gaiman y su obra podemos decir con regocijo que está en la serie.
Fantasía oscura, épica dramática y fatalista. Se ha sabido conservar los sueños como eje que vertebra la obra, la interpretación de los mismos, el onirismo en un sentido moderno. Están muy presentes el existencialismo, el conocimiento, la mente, el comportamiento humano… los cómics de ‘The Sandman’ mezclan personajes de toda índole y en ese recorrido abarcan todo lo que somos capaces de soñar. ‘Sandman’ es un estudio contemporáneo de la condición humana sin llegar a ser algo intelectual. Habría sido muy ambicioso por parte de Netflix llegar a esos niveles, de hecho demasiado sesudo para su público mainstream. O lo haces tal cual y contentas a los más eruditos o fans del cómic o lo adaptas llevándotelo a tu terreno, no hay cabida para la tierra de nadie. Es una propuesta ligeramente distinta a lo habitual que puede que caiga en el aborrecimiento pues la serie roza un poco todo eso.
En cuanto al reparto. Los efectos visuales hacen que reconozcamos viñetas de los cómics pero en movimiento. Eso favorece a que los actores nos hagan recordar a los personajes dibujados. El Sandman interpretado por Tom Sturridge, por ejemplo, es igual de depresivo y va por ahí con esa estética que parece copiada a un emo fan de Tokio Hotel. Tiene ese color pálido, esa voluminosa melena, esos ropajes que parecen sacados de ‘El Cuervo’ y ese casco que bien podría ser de uno de los ingenieros del imaginario de Ridley Scott.
Muerte es igualmente esa hermana que quiere incondicionalmente a Sueño aunque le meta caña. No lleva exactamente la misma estética que en el cómic por lo que sí que pierde ese toque gótico o punk. Es donde más percibimos la actualización ya que no viste esas pintas de rockera salida de un concierto de The Cure. La serie no cae en la trivialización. El cuervo es casi el único alivio cómico, como en los cómics, junto a Merv que lleva la voz de Mark Hamill. Además en parte el ave negra es el vehículo para explicar todo el universo que rodea a los Eternos para que los no lectores comprendan mejor qué están viendo.
Si vemos cambios en el orden de la historia o en cómo suceden algunos eventos es por la supresión de los personajes de otras franquicias que comentaba antes y por adaptar todo al lenguaje audiovisual. Hay episodios, como el primero, el de la taberna o el cierre que están estupendamente bien hechos. Incluso se acierta en cuanto al uso de las tonalidades de color, sobre todo cuando emplea tonos oscuros, con una pizca de color y alguna luz que sobrevive entre ellos. Sin duda la serie hace honor al DC oscuro, ahora bajo el sello Black Label que reúne historias de Batman, Constantine o ‘The nice house on the lake’, entre otras.
Quizá conocíais Sandman por los cómics o quizá por la versión de audiolibro que lleva la voz de James McAvoy como Sueño. Si erais lectores quizá estaréis conmigo en que es la mejor adaptación del material de Gaiman, por encima de ‘American Gods’ o ‘Good Omens’, e incluso de ‘Stardust’ o ‘Coraline’. Si queréis saber más al respecto entrad en este otro artículo.
Trata bien sus personajes, pero fatal su ciencia ficción
El próximo viernes 29 de julio llega una de las adaptaciones de cómic a serie más esperadas dentro del panorama indie. ‘Paper Girls’ estrena su primera temporada intentando dar vida a la serie de Image Comics creada por Brian K. Vaughan, Cliff Chiang y Matt Wilson. En este primer acercamiento, creado por la guionista de ‘Toy Story 4’ o ‘Los anillos de poder’, Stephany Folsom, se han aproximado a la idea original en solo algunos aspectos, pero quedado muy cortos en otros.
Son ocho episodios que muestran el gran guión de los cómics totalmente de manera alborotada y cortada. Todo lo que sucede en la historia original (reseña aquí) es muy difícil condensar en una sola temporada. Y así es, tras los ocho capítulos de la serie ‘Paper Girls’ nos quedamos en vilo para una nueva tanda de episodios. Pero esto se debe no solo a la complejidad y extensión de la historia, también al ritmo que se ha empleado. La serie de Prime Video me ha aburrido en casi la totalidad de sus episodios. Le sobra charlatanería y le falta ciencia ficción. Ya no es mi frustración como lector al ver que la historia está totalmente desordenada, sino mi hastío como espectador al ver que la aventura progresa a trompicones y dedica la mayoría de su espacio a charlas triviales. Dije que en la reseña que si lo hacían bien sería el nuevo ‘Stranger things’ pero es que además falta gracia, carisma, gancho o como lo queramos llamar.
El que la serie esté repleta de palabrería y muy poca acción se debe a un claro intento de ahorro. Si se hubiese hecho todo tal cual sucede en los cómics la cantidad de efectos especiales necesarios habría encarecido este producto. Eso hace que apenas se perciba que estamos en una historia de ciencia ficción. Se ha modificado la manera en cómo se topan las protagonistas con todos los misterios e incluso se han reducido la cantidad de personajes y eventos extraños, lo cual le quita mucha gracia y emoción. Estos cambios han trastocado el camino de descubrimiento y las correrías tan bien escritas e hiladas por Brian K. Vaughan en las viñetas. El último episodio es el único que tiene el ritmo, la idiosincrasia y el fantástico que hace justicia al cómic.
A este ‘Paper Girls’ le han quitado toda la espectacularidad y la complejidad en cuanto a las paradojas temporales se refiere. Además, han sesgado todo aquello que le puede parecer más extravagante al público más “normal” o comercial. Está tan cambiado que incluso cuestiona el determinismo de la serie de cómics y se perciben muchos menos argumentos de empoderamiento de la mujer. Está más centrada en el paso a la madurez y el autodescubrimiento tan peculiar que plantea esta idea, pero dice casi adiós al feminismo y a la lucha entre generaciones.
Si sois lectores de estos cómics estoy seguro que os va a desencantar el no ver ni los dinosaurios, ni los tardígrados, ni la cápsula del tiempo, ni la catedral, ni esos sueños tan inquietantes… La decisión es arriesgada. Si tardan en incorporar a la serie todos sus elementos fantásticos van a perder a la mayoría de audiencia. Por no hablar de otro factor, que es al que se han tenido que enfrentar como buenamente han podido los artífices de ‘Stranger things’ o ‘Juego de tronos’. No es otro que el del crecimiento de sus protagonistas que muy pronto dejarán de tener aspecto de niñas de doce años.
La música no ayuda nada a darle vidilla a esta visión (que no versión) de ‘Paper Girls’, el poco sentido del suspense de los episodios dirigidos por Georgi Banks-Davies tampoco. Encontrarnos con algún que otro fallo también nos saca de la historia o nos habla del poco cuidado que se ha puesto. No me refiero a lo cutre que aparece el título en cada episodio o a la ausencia del logo de Apple en la historia, algo que entenderán también los lectores y supongo que se debe a un tema de derechos. Hablo de particularidades como el traductor automático. Se supone que unos personajes hablan en otro idioma y gracias a un invento su voz suena en nuestra lengua. Pero no se han percatado al rodarla que los labios de los actores se mueven realmente como si vocalizasen directamente en nuestro idioma. Esa poca atención por los detalles hará que la serie se acabe precipitando al olvido. No entiendo como Vaughan ha dado su «ok», por lo menos el casting de protagonistas se parece a las que dibujó Cliff Chiang.
Si eres lector asiduo de cómics y sabes valorar lo que es tener un original delante de tus narices, si quieres introducir a tus hijos en el mundo de las viñetas o si simplemente te encanta ver obras de arte tienes que ir a la exposición Cómic. Sueños e historia.
El Caixa Forum ubicado en Madrid inauguró esta exposición en mayo de este año y la mantendrá hasta el 28 de agosto, si no se amplía más tiempo. Es una muestra extensísima y casi nada interactiva que establece una relación muy íntima entre el visitante y el dibujante. A través de aquellos que empezaron con las viñetas propiamente dichas narra la historia de un arte que comenzó como vehículo crítico o espejo de la actualidad social y actualmente es tanto eso como mero entretenimiento. Además, para los que quieran algo de postureo hay varios dioramas gigantes, como el de la 13 Rue del Percebe, que a mi personalmente me ha tocado la fibra.
La lista de nombres presentes quita el hipo, es casi como visitar El Prado de los cómics. George Herriman, Frank Miller, Hugo Pratt, Milton Caniff, Hergé, Alex Raymond, Jean Giraud (Moebius), Mézières, Steve Ditko, Alan Moore, Francisco Ibáñez, Milo Manará, Dave Gibbons, Romita… Así hasta completar más de 300 páginas, portadas e ilustraciones, repito, originales.
Esta exposición no viene «montada» desde fuera de nuestras fronteras pero se habría agradecido una sala más amplia dedicada a los artistas españoles, tan importantes y presentes en la industria, tanto antes como (sobre todo) ahora. Nos han faltado dibujos de Azpiri, Larroca, Pacheco, Rubín o similares. Por pedir, tampoco habría estado de más una sección dedicada a ganadores del Eisner, aunque si hay varias láminas del artista que da nombre al máximo galardón de los cómics (Will Eisner) y cuya tipografía fue presuntamente robada por Disney.
A continuación tenéis una galería con fotografías tomadas en Comic. Sueños e historia. Creedme cuando digo que no hay ni un cuarto de lo expuesto, de hecho, la galería sobre superhéroes tiene prohibido el hacer fotografías y es un pasillo curvo repleto de obras salidas de dibujantes importantísimos.
Todos los años hacemos una recapitulación de los avances que han salido durante la ComicCon de San Diego. En el evento sobre la cultura del cómic hace años que se hace algo más que presentar nuevas colecciones de viñetas. Tienen cabida muchas series o películas que surgen entorno al noveno arte o a la cultura pop en general. Obviamente siempre se entregan los Premios Eisner, de los cuales nos hacemos eco aquí.
Este año esperábamos ver a Bayona en los paneles de ‘Los anillos de poder’ pero no ha sido así, no obstante hemos visto un tráiler final con el que empezamos nuestra lista.
Nueva película animada de ‘Avatar: the last airbender’
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Como cada año en la ComicCon de San Diego se han anunciado los ganadores de los Premios Eisner, el máximo reconocimiento dentro de la industria del noveno arte. Y nos congratulamos en poder decir que de nuevo hay premio para el arte nacido dentro de nuestras fronteras. En la categoría de mejor nueva serie encontramos ‘The nice house on the lake’ (reseña aquí). Una obra dibujada por Álvaro Martínez Bueno, con quien esperamos encontrarnos en la próxima Madrid Cómic Pop Up. La aparición de su nombre entre los triunfadores de estos Eisner 2022 le agrega a la lista de otros españoles como Larroca, Emma Ríos o Paco Roca que ya tienen el premio en su haber.
No ha habido tanta suerte para Bruno Redondo que optaba en estos Eisner 2022 a premios por su trabajo en ‘Nightwing’. Pero solo por el magnífico hecho de haber tenido hasta cuatro nominaciones hay que considerarlo todo un logro digno de aplausos. Tampoco ha podido materializar el premio Jorge Fornés que estaba nominado a mejor historia corta por sus pinceles en ‘Tap, Tap, Tap’ con Green Arrow. Sin duda, aunque ha sido un premio de seis candidaturas, es un momento magnífico para los artistas españoles que reclaman de esta manera mayor reconocimiento.
Best Continuing Series (TIE)
Bitter Root, by David F. Walker, Chuck Brown, and Sanford Greene (Image)
Something Is Killing the Children, by James Tynion IV and Werther Dell’Edera (BOOM! Studios)
The Department of Truth, by James Tynion IV and Martin Simmonds (Image)
Immortal Hulk, by Al Ewing, Joe Bennett, et al. (Marvel)
Nightwing, by Tom Taylor and Bruno Redondo (DC)
Best Limited Series
The Good Asian, by Pornsak Pichetshote and Alexandre Tefenkgi (Image)
Beta Ray Bill: Argent Star, by Daniel Warren Johnson (Marvel)
Hocus Pocus, by Rik Worth and Jordan Collver, hocuspocuscomic.squarespace.com
The Many Deaths of Laila Starr, by Ram V and Filipe Andrade (BOOM! Studios)
Stray Dogs, by Tony Fleecs and Trish Forstner (Image)
Supergirl: Woman of Tomorrow, by Tom King and Bilquis Evely (DC)
Best New Series
The Nice House on the Lake, by James Tynion IV and Álvaro Martínez Bueno (DC Black Label)
The Human Target, by Tom King and Greg Smallwood (DC)
Not All Robots, by Mark Russell and Mike Deodato Jr. (AWA Upshot)
Radiant Black, by Kyle Higgins and Marcelo Costa (Image)
Ultramega, by James Harren (Image Skybound)
Best Adaptation from Another Medium
George Orwell’s 1984: The Graphic Novel, adapted by Fido Nesti (Mariner Books)
After the Rain, by Nnedi Okorafor, adapted by John Jennings and David Brame (Megascope/Abrams ComicArts)
Bubble by Jordan Morris, Sarah Morgan, and Tony Cliff (First Second/Macmillan)
Disney Cruella, adapted by Hachi Ishie (VIZ Media)
The Ragged Trousered Philanthropists, by Robert Tressell, adapted by Sophie and Scarlett Rickard (SelfMadeHero)
Best Anthology
You Died: An Anthology of the Afterlife, edited by Kel McDonald and Andrea Purcell (Iron Circus)
Flash Forward: An Illustrated Guide to Possible (And Not So Possible)Tomorrows, by Rose Eveleth and various, edited by Laura Dozier (Abrams ComicArts)
My Only Child, by Wang Ning and various, edited by Wang Saili, translation by Emma Massara (LICAF/Fanfare Presents)
The Silver Coin, by Michael Walsh and various (Image)
Superman: Red & Blue, edited by Jamie S. Rich, Brittany Holzherr, and Diegs Lopez (DC)
Best Single Issue/One-Shot (must be able to stand alone)
Wonder Woman Historia: The Amazons, by Kelly Sue DeConnick and Phil Jimenez (DC)
Marvel’s Voices:Identity #1, edited by Darren Shan (Marvel)
Mouse Guard: The Owlhen Caregiver and Other Tales, by David Petersen (BOOM!/Archaia)
Nightwing #87: «Get Grayson,» by Tom Taylor and Bruno Redondo (DC)
Wolvendaughter, by Ver (Quindrie Press)
Best Short Story
«Funeral in Foam,» by Casey Gilly and Raina Telgemeier, in You Died: An Anthology of the Afterlife (Iron Circus)
«Generations,» by Daniel Warren Johnson, in Superman: Red & Blue #5 (DC)
«I Wanna Be a Slob,» by Michael Kamison and Steven Arnold, in Too Tough to Die (Birdcage Bottom Books)
«Tap, Tap, Tap,» by Larry O’Neil and Jorge Fornés, in Green Arrow 80th Anniversary (DC)
«Trickster, Traitor, Dummy, Doll,» by Triple Dream (Mel Hilario, Katie Longua, and Lauren Davis), in The Nib Vol 9: Secrets (The Nib)
Best Academic/Scholarly Work
Comics and the Origins of Manga: A Revisionist History, by Eike Exner (Rutgers University Press)
The Life and Comics of Howard Cruse: Taking Risks in the Service of Truth, by Andrew J. Kunka (Rutgers University Press)
Mysterious Travelers: Steve Ditko and the Search for a New Liberal Identity, by Zack Kruse (University Press of Mississippi)
Pulp Empire: The Secret History of Comics Imperialism, by Paul S. Hirsch (University of Chicao Press)
Rebirth of the English Comic Strip: A Kaleidoscope, 1847–1870, by David Kunzle (University Press of Mississippi)
Best Comics-Related Book
All of the Marvels, by Douglas Wolk (Penguin Press)
The Art of Thai Comics: A Century of Strips and Stripes, by Nicolas Verstappen (River Books)
Fantastic Four No. 1: Panel by Panel, by Stan Lee, Jack Kirby, Chip Kidd, and Geoff Spear (Abrams ComicArts)
Old Gods & New: A Companion to Jack Kirby’s Fourth World, by John Morrow, with Jon B. Cooke (TwoMorrows)
True Believer: The Rise and Fall of Stan Lee, by Abraham Riesman (Crown)
Best Painter/Multimedia Artist (interior art)
Sana Takeda, Monstress (Image)
Federico Bertolucci, Brindille, Love: The Mastiff (Magnetic)
John Bolton, Hell’s Flaw (Renegade Arts Entertainment)
Juan Cavia, Ballad for Sophie (Top Shelf)
Frank Pe, Little Nemo (Magnetic)
Ileana Surducan, The Lost Sunday (Pronoia AB)
Best Coloring
Matt Wilson, Undiscovered Country (Image); Fire Power (Image Skybound); Eternals, Thor,Wolverine (Marvel); Jonna and the Unpossible Monsters (Oni)
Filipe Andrade/Inês Amaro, The Many Deaths of Laila Starr (BOOM! Studios)
Terry Dodson, Adventureman (Image Comics)
K. O’Neill, The Tea Dragon Tapestry (Oni)
Jacob Phillips, Destroy All Monsters, Friend of the Devil (Image)
Best Penciller/Inker or Penciller/Inker Team
Phil Jimenez, Wonder Woman Historia: The Amazons (DC)
Filipe Andrade, The Many Deaths of Laila Starr (BOOM! Studios)
Bruno Redondo, Nightwing (DC)
Esad Ribic, Eternals (Marvel)
P. Craig Russell, NorseMythology (Dark Horse)
Best Graphic Album—Reprint
The Complete American Gods, by Neil Gaiman, P. Craig Russell, and Scott Hampton (Dark Horse)
Locke & Key: Keyhouse Compendium, by Joe Hill and Gabriel Rodríguez (IDW)
Middlewest: The Complete Tale, by Skottie Young and Jorge Corona (Image)
Rick and Morty vs Dungeons and Dragons Deluxe Edition, by Patrick Rothfuss, Jim Zub, and Troy Little (Oni)
The True Lives of the Fabulous Killjoys: California Deluxe Edition, by Gerard Way, Shaun Simon, and Becky Cloonan (Dark Horse)
The Complete American Gods, designed by Ethan Kimberling (Dark Horse)
The Complete Life and Times of Scrooge McDuck Deluxe Edition, designed by Justin Allan-Spencer (Fantagraphics)
Crashpad, designed by Gary Panter and Justin Allan-Spencer (Fantagraphics)
Machine Gun Kelly’s Hotel Diablo, designed by Tyler Boss (Z2)
Popeye Vol. 1 by E.C. Segar, designed by Jacob Covey (Fantagraphics)
Best Archival Collection/Project—Comic Books (at least 20 Years Old)
EC Covers Artist’s Edition, edited by Scott Dunbier (IDW)
Farewell, Brindavoine, by Tardi, translation by Jenna Allen, edited by Conrad Groth (Fantagraphics)
Marvel Comics Library: Spider-Man vol. 1: 1962–1964, by Stan Lee and Steve Ditko, edidted by Steve Korté (TASCHEN)
Spain Rodriguez: My Life and Times, vol. 3, edited by Patrick Rosenkranz (Fantagraphics)
Steranko Nick Fury: Agent of S.H.I.E.L.D. Artisan Edition, edited by Scott Dunbier (IDW)
Uncle Scrooge: «Island in the Sky,» by Carl Barks, edited by J. Michael Catron (Fantagraphics)
Best Archival Collection/Project—Strips (at least 20 years old)
Popeye: The E.C. Segar Sundays, vol. 1 by E.C. Segar, edited by Gary Groth and Conrad Groth (Fantagraphics)
Friday Foster: The Sunday Strips, by Jim Lawrence and Jorge Longarón, edited by Christopher Marlon, Rich Young, and Kevin Ketner (Ablaze)
Trots and Bonnie, by Shary Flenniken, edited by Norman Hathaway (New York Review Comics)
The Way of Zen, adapted and illustrated by C. C. Tsai, translated by Brian Bruya (Princeton University Press)
Best Humor Publication
Not All Robots, by Mark Russell and Mike Deodato Jr. (AWA Upshot)
Bubble, by Jordan Morris, Sarah Morgan, and Tony Cliff (First Second/Macmillan)
Cyclopedia Exotica, by Aminder Dhaliwal (Drawn & Quarterly)
The Scumbag, by Rick Remender and various (Image)
Thirsty Mermaids, by Kat Leyh (Gallery 13/Simon and Schuster)
Zom 100: Bucket List of the Dead, by Haro Aso and Kotaro Takata, translation by Nova Skipper (VIZ Media)
Best U.S. Edition of International Material—Asia
Lovesickness: Junji Ito Story Collection, by Junji Ito, translation by Jocelyne Allen (VIZ Media)
Chainsaw Man, by Tatsuki Fujimoto, translation by Amanda Haley (VIZ Media)
Kaiju No. 8, by Naoya Matsumoto, translation by David Evelyn (VIZ Media)
Robo Sapiens: Tales of Tomorrow (Omnibus), by Toranosuke Shimada, translation by Adrienne Beck (Seven Seas)
Spy x Family, by Tatsuya Endo, translation by Casey Loe (VIZ Media)
Zom 100: Bucket List of the Dead, by Haro Aso and Kotaro Takata, translation by Nova Skipper (VIZ Media)
Best U.S. Edition of International Material
The Shadow of a Man, by Benoît Peeters and François Schuiten, translation by Stephen D. Smith (IDW)
Ballad For Sophie, by Filipe Melo and Juan Cavia, translation by Gabriela Soares (Top Shelf)
Between Snow and Wolf, by Agnes Domergue and Helene Canac, translation by Maria Vahrenhorst (Magnetic)
Love: The Mastiff, by Frederic Brrémaud and Federico Bertolucci (Magnetic)
The Parakeet, by Espé, translation by Hannah Chute ((Graphic Mundi/Penn State University Press)
Best Publication for Teens (ages 13-17)
The Legend of Auntie Po, by Shing Yin Khor (Kokila/Penguin Random House)
Adora and the Distance, by Marc Bernardin and Ariela Kristantina (Comixology Originals)
Clockwork Curandera, vol. 1: The Witch Owl Parliament, by David Bowles and Raul the Third (Tu Books/Lee & Low Books)
Strange Academy, by Skottie Young and Humberto Ramos (Marvel)
Wynd, by James Tynion IV and Michael Dialynas (BOOM! Box)
Best Publication for Kids (ages 9-12)
Salt Magic, by Hope Larson and Rebecca Mock (Margaret Ferguson Books/Holiday House)
Allergic, by Megan Wagner Lloyd and Michelle Mee Nutter (Scholastic)
Four-Fisted Tales: Animals in Combat, by Ben Towle (Dead Reckoning)
Rainbow Bridge, by Steve Orlando, Steve Foxe, and Valentina Brancati (AfterShock)
Saving Sorya: Chang and the Sun Bear, by Trang Nguyen and Jeet Zdung (Dial Books for Young Readers)
The Science of Surfing: A Surfside Girls Guide to the Ocean, by Kim Dwinell (Top Shelf)
Best Publication for Early Readers (up to age 8)
Chibi Usagi: Attack of the Heebie Chibis, by Julie and Stan Sakai (IDW)
Arlo & Pips #2: Join the Crow Crowd!, by Elise Gravel (HarperAlley)
I Am Oprah Winfrey, by Brad Meltzer and Christopher Eliopoulos (Dial Books for Young Readers)
Monster Friends, by Kaeti Vandorn (Random House Graphic)
Tiny Tales: Shell Quest, by Steph Waldo (HarperAlley)
Best Cover Artist
Jen Bartel, Future State Immortal Wonder Woman #1 & 2, Wonder Woman Black & Gold #1, Wonder Woman 80th Anniversary (DC); Women’s History Month variant covers (Marvel)
David Mack, NorseMythology (Dark Horse)
Bruno Redondo, Nightwing (DC)
Alex Ross, Black Panther, Captain America, Captain America/Iron Man #2, Immortal Hulk, Iron Man, The U.S. of The Marvels (Marvel)
Julian Totino Tedesco, Just Beyond: Monstrosity (BOOM!/KaBoom!); Dune: House Atreides (BOOM! Studios); Action Comics (DC); The Walking Dead Deluxe (Image Skybound)
Yoshi Yoshitani, I Am Not Starfire (DC); The Blue Flame, Giga,Witchblood (Vault)
Best Writer/Artist
Barry Windsor-Smith, Monsters (Fantagraphics)
Alison Bechdel, The Secret to Superhuman Strength (Mariner Books)
Junji Ito, Deserter: Junji Ito Story Collection, Lovesickness: Junji Ito Story Collection, Sensor (VIZ Media)
Daniel Warren Johnson, Superman: Red & Blue (DC); Beta Ray Bill (Marvel)
Will McPhail, In: A Graphic Novel (Mariner Books)
Best Writer
James Tynion IV, House of Slaughter, Something Is Killing the Children, Wynd (BOOM! Studios); The Nice House on the Lake, The Joker, Batman, DC Pride 2021 (DC); The Department of Truth (Image); Blue Book, Razorblades (Tiny Onion Studios)
Ed Brubaker, Destroy All Monsters, Friend of the Devil (Image)
Kelly Sue DeConnick, Wonder Woman Historia: The Amazons Book One (DC)
Filipe Melo, Ballad for Sophie (Top Shelf)
Ram V, The Many Deaths of Laila Starr (BOOM! Studios); The Swamp Thing (DC); Carnage: Black, White & Blood, Venom (Marvel)
Ahora que viene la nueva película animada de Warner Bros. inspirada en los personajes de DC Comics titulada, ‘DC Liga de Supermascotas’ hemos hecho memoria y rescatado a otros muchos animales que han tenido superpoderes. Nos han salido canas al retroceder en el tiempo y no es posible introducirlos a todos. Pero ahí van los más míticos, los que nos han hecho pasar largas tardes de merienda y aventuras, omitiendo los mutantes gigantes como Godzilla o los humanoides transformados como las Tortugas Ninja o los Street Sharks.
La hormiga atómica
Hanna-Barbera al rescate. Como no, el imaginario de animales antropomórficos de la mítica factoría dio a luz a este superhéroe allá por 1965. Tras ser expuesta a una intensa radiación esta parlanchina hormiga gana superfuerza. Se dice que una hormiga puede levantar hasta cincuenta veces su peso, Atom Ant puede con mucho más y además puede volar o correr a gran velocidad. Sin contar cameos en otras series de Hanna-Barbera, llegó a tener veintiséis episodios.
Thorg
El número 364 de Thor vio nacer a esta rana que se hizo amiga de Thor cuando este fue convertido en rana por Loki. Gracias a una astilla del Mjölnir puede convertirse en una versión del héroe de Asgard con ancas. Los Vengadores Mascotas es una serie en la que destacó este héroe que defendió las Gemas del Infinito… y las charcas de Central Park.
Super Ratón
El patrón a seguir ha sido Supermán durante décadas. En España tenemos el ejemplo de Superlópez y en Estados Unidos hay muchas otras parodias. En concreto la que crearon en Terrytoons (CBS) consistía en un roedor que además de tener los poderes de Superman tenía superhipnosis. Al igual que Popeye sus poderes provenían de una comida que debía ingerir con regularidad. Acumuló más de cincuenta episodios repartidos entre apariciones en otras series y distintas temporadas. Su nombre original era Mighty Mouse, sí como el ratón que sacó Apple en su día.
Speedy Gonzales
Para parlanchín este ratón mexicano. ¡Ándale, ándale! gritaba este simpático héroe que hoy en día ha sido criticado por los defensores más acérrimos de la corrección política. Perteneciente a los Looney Tunes de Warner Brothers este personaje es como otro que también es propiedad de la WB, Flash. Puede correr a velocidades supersónicas, lo cual utiliza para vencer con picaresca a los villanos. No se puede negar que también es un trasunto de El Zorro por las batallas que libra y la región en la que opera.
Correcaminos
“Correcaminos estate al loro” cantaba Extremoduro. Este personaje, que también es de Warner y que todos sabemos que puede correr a toda mecha, comparte esquemas con el ratón anteriormente citados. Speedy Gonzales durante un tiempo se las vio con Silvestre y el Correcaminos lidia con el Coyote. Esta ave de la Aridoamérica le hace la vida imposible al hambriento coyote. Su humor ha sido siempre físico y mudo, al más puro estilo Buster Keaton, pero realmente sus orígenes están en un relato de Mark Twain. Cómo olvidar su famoso bip-bip (beep).
Rocket Raccoon
Realmente no tiene más poderes que el caminar erguido o la capacidad de hablar. A parte de eso posee un descaro criminal y un entrenamiento que le convierte en un mercenario de los más caros. Lo que si que se puede considerar un superpoder es la inteligencia que poseían él y los miembros de la colonia del planeta Halfword. Sus artilugios y destructivas armas son siempre bien recibidas entre los Guardianes de la Galaxia.
Battlecat
He-man siempre ha sido como Superman en el sentido de tener una doble personalidad. Si cuando tiene poderes es alguien valiente y superfuerte, cuando está de incógnito con su alter ego se presenta como una persona torpe, tímida y enclenque. Así es su fiel compañero. El tigre de Mattel sirve de corcel acorazado cuando se transforma a las órdenes del protector de Eternia. Cuando es Cringer se va escondiendo por las esquinas, cuando se alza la Espada del Poder aumenta su masa muscular y se lanza de cabeza a la acción.
Lockjaw
Este es el perro superpoderoso de Marvel por excelencia. Aquellos que se hayan acercado a ‘Inhumans’ ya le conocerán pues es escolta de la Familia Real. Se le conoce también como Mandíbulas y es de raza bulldog. Su poder es la teletransportación y aunque esté asociado a los inhumanos realmente apareció en los ‘4 Fantásticos’ de la mano de los mismísimos Stan Lee y Jack Kirby. Además de poder transportar a otros y a él mismo a remotos lugares puede usar su mandíbula con una fuerza extraordinaria y seguir un rastro oloroso a través del universo.
Underdog
La NBC también tuvo su perro superheróico. ‘El Show de Underdog’ es como se llamaba la serie de este perro que nació en 1964. Como alter ego un limpiabotas, como superpoderes los mismos de Superman adoptados tras la explosión de una cabina telefónica, por si no había quedado claro cuál era la parodia. Llegó a tener cómics y una película que en 2007 distribuyó Disney y que seguro ya habíais olvidado que protagonizaban Peter Dinklage, Jason Lee, Amy Adams, Jim Belushi entre otros.
Krypto
No podía faltar el animal que nos ha hecho elaborar esta lista. La mascota de Superman apareció por primera vez en los cómics, en concreto en el de Superboy #210. Su historia original nos habla de un experimento tipo Laika. El padre de Superman le usó como sujeto de pruebas para desarrollar la nave que finalmente llevó a Kal-El a la Tierra. En el caso de Krypto el viaje fue más largo pues estuvo un tiempo perdido en el espacio. Su historia fue re-escrita tras la ‘Crisis en Tierras Infinitas’. Ha aparecido en ‘Smallville’, ‘Titans’ y es Dwayne Johnson quien lo dobla en ‘DC Liga de Supermascotas’. Aunque nunca se ha dicho su raza se asemeja más al Labrador Retriever. Por supuesto tiene los poderes de los kryptonianos en la Tierra pero a menor escala.
Unas horas después de la noche de Halloween de 1988, cuatro repartidoras de periódicos de doce años descubren la historia más importante de todos los tiempos.
La vida en la periferia y el suspense sobrenatural se dan cita en esta exitosa serie sobre la nostalgia, el primer trabajo y los últimos coletazos de la infancia.
Reseña
El cómic que podría dar origen al próximo ‘Stranger Things’
En ‘Paper Girls’ acompañamos a unas repartidoras de periódicos de doce años que están distribuyendo el diario local por su barrio la mañana después de Halloween, mientras algunos rezagados disfrazados están aún volviendo a casa o haciendo trastadas. Pero eso no es lo único atemorizante o extraño que se encuentran ese día de 1988 mientras pedalean sobre sus BMX, una jornada que cambiará su futuro… y su pasado.
El barrio de Stony Stream es el centro de esta historia. Un vecindario de clase media estadounidense cuyo significado literal es “arrollo pedregoso”. Precisamente así es la trama del cómic, un flujo, una línea del tiempo inamovible con obstáculos para las protagonistas en la que la dinámica de la corriente determinista se impone. Este cómic indie de Image Comics (editado en España por Planeta Cómic) pertenece a la familia de la ciencia ficción, del tipo contemporáneo, desconcertante y llena de componentes que enrevesan la historia sin hacerla compleja o incomprensible. Aunque hay que decir, sin que con ello estropee ninguna sorpresa, que pasan por él mechas, cavernícolas, armas futurísticas, catedrales voladoras, dinosaurios… Un poco más y se convierte en una ida de olla como la que tuvo Oku Hiroya a la hora de cerrar ‘Gantz’.
El tener a unas protagonistas tan jóvenes es un arma de doble filo de cuyo revés más desfavorecedor hablaré más abajo. No se puede negar que ‘Paper Girls’ es una obra moderna. Los treinta números conclusivos que comenzaron a publicarse en 2015 desarrollan un discurso generacional, LGTBI y sobre todo feminista. Esta es una historia fantástica con mucha rebeldía contra los adultos, no se puede negar tampoco que hay algo de Peter Pan en todo esto. Pero los distintos personajes femeninos, de distintas edades y características nos muestran que la intención del guión es esgrimir argumentos de empoderamiento femenino. Ya desde el comienzo vemos que las cuatro niñas de estas viñetas se abren paso siendo las primeras repartidoras de su ciudad, las primeras monaguillas, las primeras en fumar prematuramente…
Brian K. Vaughan, Cliff Chiang y Matt Wilson son los artífices de esta serie de cómics, que no novela gráfica. Vaughan es bien conocido por tener otro cómic también bastante apocalíptico y bastante feminista, ‘Y, el último hombre’, de cuya adaptación prefiero no hablar. Por supuesto es muy famosa su colección ‘Saga’ o ‘The Runaways’, donde también hay mucho protagonismo de mujeres adolescentes. Al final va a ser un referente en ambas vertientes ya que maneja muy bien las distintas personalidades de sus personajes. A parte de eso el cómic es visualmente original, impactante, cautivador. Es capaz de ser preciosista y grotesco a la vez.
El titular de esta crítica se refiere no solo a lo juvenil del reparto y la propuesta tan fantasiosa que se pone sobre la mesa con ‘Paper Girls’. Transcurre a finales de los ochenta y partiendo de ahí consigue ser nostálgico para varias generaciones. Todas las entregas se abren con una cita, “La nostalgia es muerte”, es la que abre el segundo número. Hay multitud de guiños visuales y referencias a la cultura pop pero la trama no depende de ello para cautivarnos, se moderan bastante al respecto.
Otra virtud que os dejará buen sabor de boca es que cuadran bien todo este galimatías temporal, cosa que satisface siempre a los fans de las historias de viajes en el tiempo. Vais a ver que hay un poco de ‘Dark’, un poco de ‘Regreso al futuro’, de ‘Project Almanac’… Todo ello debido a que es indudablemente una obra juvenil y con enredos o paradojas. No es de extrañar que esta serie tenga tres premios Eisner, uno a su escritura y dos al color.
Si hay que ponerle una pega a ‘Paper Girls’ es la que tienen tantas historias de la infancia que pretenden exponer grandes argumentos. Se acaba ubicando en personajes de muy tierna edad discursos, palabras e ideas demasiado complejas o profundas, lo cual lo hace menos creíble. Películas como ‘Los Goonies’ manejaban mejor la edad de sus protagonistas. No obstante lo que nos quieren mostrar aquí son niñas avanzadas a los suyos, con un grado de madurez por encima de los de su edad y una mentalidad más progresista que la de su época. Están destinadas a romper barreras y literalmente lo hacen gracias a los eventos de ciencia ficción que les suceden.
Con todo y con esto queda claro por qué su adaptación a serie por parte de Amazon Prime Video está llamada a convertirse en el nuevo fenómeno tipo ‘Stranger Things’, si lo hacen bien, claro está. El 29 de julio lo sabremos.
Ficha del cómic
Guion: Brian K. Vaughan. Dibujo: Cliff Chiang. Color: Matt Wilson. Editorial: Image Comics (Planeta Cómic). Datos técnicos: 456 págs., color y blanco y negro, 18,3 x 27,6 cm. Publicación: octubre de 2015. Precio:varía según formato.
Los cómics de Brian K. Vaughan y Cliff Chiang cobrarán vida en Prime Video
Prime Video ha desvelado el teaser trailer de la esperada serie de ciencia ficción ‘Paper Girls’. Los ocho episodios de la primera temporada se estrenarán en exclusiva en Prime Video el 29 de julio. Basada en los cómics escritos por Brian K. Vaughan e ilustrados por Cliff Chiang, ‘Paper Girls’ es un viaje personal representado a través de los ojos de cuatro chicas interpretadas por Camryn Jones (Tiffany Quilkin), Riley Lai Nelet (Erin Tieng), Sofia Rosinsky (Mac Coyle) y Fina Strazza (KJ Brandman). Ali Wong da vida a la versión adulta de Erin, NateCorddry interpreta a Larry y Adina Porter en el papel de Priora, también participan en la serie.
‘Paper Girls’ es una producción de Amazon Studios y Legendary Television, en asociación con Plan B. Los productores ejecutivos son Christopher C. Rogers, Stephany Folsom, Christopher Cantwell, Brian K. Vaughan, Cliff Chiang, Steven Prinz y Plan B. La serie fue creada para la televisión por Folsom y la primera temporada está dirigida por Mairzee Almas, Georgi Banks-Davies, Destiny Ekaragha y Karen Gaviola.
Sinopsis oficial:
En las primeras horas de la mañana tras la noche de Halloween de 1988, cuatro repartidoras de periódicos -Erin, Mac, Tiffany y KJ- están en su ruta de entrega cuando se ven atrapadas en el fuego cruzado entre viajeros del tiempo en guerra, cambiando el curso de sus vidas para siempre. Transportadas al futuro, estas chicas deben encontrar la manera de volver a casa al pasado, un viaje que las llevará a enfrentarse con las versiones adultas de ellas mismas. Mientras se resignan a pensar que en su futuro son muy diferentes de lo que imaginaban cuando tenían 12 años, son perseguidas por una facción militar de viajeros en el tiempo conocida como Los Viejos que ha prohibido los viajes en el tiempo para poder mantenerse en el poder. Para sobrevivir, las chicas tendrán que superar sus diferencias y aprender a confiar en las demás y en ellas mismas.
El Círculo de Bellas Artes y Sold Out nos traen una de las mayores exposiciones sobre Hergé
El próximo 5 de octubre llega a Madrid la exposición ‘Hergé. The Exhibition’, que se inaugurará en al Círculo de Bellas Artes de Madrid (‘Stanley Kubrick. The Exhibition’). Una muestra que sumergirá a sus visitantes en el universo del ilustrador y artista Hergé, creador de la icónica serie de cómics Las aventuras de Tintín.
Después de pasar por ciudades como París, Quebec, Odense, Seúl, Shanghái y Lisboa, la colección llega por fin a Madrid con precedida de un enorme éxito de público y crítica. Comisariada por el Musée Hergé de Bélgica, Hergé. The Exhibition está presentada en España por SoldOut, en colaboración con el Círculo de Bellas Artes.
La muestra presentará una magnífica selección de documentos de valor incalculable, dibujos originales y muchas otras obras del multitalentoso artista y ‘padre’ de Tintín. Desde la ilustración hasta el cómic, con incursiones en la publicidad, viñetas en periódicos, el diseño de moda y las artes plásticas.
Además, por primera vez en España se mostrará parte de la colección privada de arte contemporáneo de Hergé, desvelando su faceta de gran coleccionista. El público también podrá ver las obras del propio Hergé, inspiradas por Modigliani, Klee, Miró y otros muchos grandes artistas.
En la exposición que llega a Madrid, se exhibirán además otros muchos tesoros de las colecciones del Musée Hergé, como dibujos originales, bocetos, clips de películas, modelos y obras de arte originales de Hergé.
El incansable reportero Tintín ya ha superado el umbral de los 90 años, aunque en pleno siglo XXI no ha perdido ni una pizca de actualidad y ha conquistado por derecho propio su lugar entre los grandes de la literatura universal. Las aventuras de Tintín siguen, todavía hoy, despertando pasiones: más reeditadas que nunca, inspiran a artistas, escritores, productores y directores de cine.
Considerado como el padre del cómic europeo, el genio creativo de Hergé ha abierto caminos decisivos para el 9º arte y su influencia es aún visible en el mundo del comic contemporáneo. No solo es el maestro de la LigneClaire, y el creador de Tintín, sino también un artista de múltiples talentos: diseñador gráfico, publicista, guionista y pintor. Reconocido como uno de los grandes artistas del siglo XX, Hergé es un creador universal cuyas obras son totalmente vigentes en la actualidad. Con más de 250 millones de copias vendidas en todo el mundo, su obra ha sido traducida a un centenar de idiomas.
Los visitantes a Hergé. The Exhibiton podrán a explorar los procesos creativos detrás sus álbumes más emblemáticos, su trabajo en el estudio, sus influencias marcadamente cinematográficas, su diálogo con el arte contemporáneo, sus diferentes pasos como creador, desde el modelado de objetos o edificios hasta la coloración.
Más información y entradas a la venta a partir del próximo miércoles 6 de julio aquí. La exposición se podrá ver del 5 de octubre de 2022 al 19 de febrero de 2023.
¿¡Será un musical con Lady Gaga!? Qué locura es esta
La película en solitario del Joker protagonizada por JoaquinPhoenix (crítica aquí) fue una de las más gratas sorpresas que hemos tenido en lo que se refiere al mundo de traslaciones de los cómics al cine. Su director fue Todd Phillips (‘Road trip’) y ahora ha sido él mismo quien ha desvelado con una fotografía en redes que está trabajando en el guión de la secuela. En la misma publicación había una foto del actor protagonista leyendo un libreto, pero no se ha oficializado que vaya a formar parte de la secuela, que si se sabe que dispondrá de más presupuesto.
“Joker: Folie á Deux” es el título que destaca sobre rojo en la portada del libreto que ha escrito junto a Scott Silver (‘The figther’), también guionista de la primera. “Locura a dos” es lo que significaría literalmente ese título que puede hacer alusión al hecho de cómo ha sido escrito este segundo guión o a la trama de la película, nos explicamos tras la foto.
Según The Hollywood Reporter esta será una película musical. Toda una locura de idea que viene acompañada de otra majadería. Y es que Warner Bros. está negociando con Lady Gaga para que acompañe a Phoenix en la piel de Harley Quinn o en la de otro personaje. De ahí lo de “Folie á Deux” ya que es un término clínico que alude al estado de locura que puede afectar a más de una persona a la vez. Todo esto nos encaja si además sabemos que Phillips fue el productor de ‘A nacido una estrella’ co-protagonizada por Gaga.
Dwayne Johnson frente a un nuevo elenco de metahumanos
De la mano de New Line Cinema llega ‘Black Adam’, la aventura de acción protagonizada por Dwayne Johnson. El primer largometraje que explora la historia del Superhéroe de DC llega a la gran pantalla con dirección de Jaume Collet-Serra (‘Infierno azul’, ‘Jungle Cruise’).
Johnson es el protagonista junto a Aldis Hodge (‘City on a Hill’, ‘Una noche en Miami’) como Hawkman, Noah Centineo (‘A todos los chicos de los que me enamoré’) como Atom Smasher, Sarah Shahi (‘Sexo/Vida’, ‘Hora punta 3’) como Adrianna, Marwan Kenzari (‘Asesinato en el Orient Express’, ‘La momia’) como Ishmael, QuintessaSwindell (‘Instintos ocultos’, ‘Cleptómanas’) como Cyclone, BodhiSabongui (‘A Million Little Things’) como Amon, y Pierce Brosnan (las franquicias de ‘Mamma Mia!’ y James Bond) como Dr. Fate.
Collet-Serra dirige a partir de un guión de Adam Sztykiel y Rory Haines & SohrabNoshirvani, una historia para la pantalla de Adam Sztykiel y Rory Haines & Sohrab Noshirvani, basada en personajes de DC. Bill Parker y C.C. Beck son los creadores de Black Adam. Los productores de la película son Beau Flynn, Dwayne Johnson, Hiram García y Dany García, con Richard Brener, Walter Hamada, Dave Neustadter, Chris Pan, Eric McLeod, Geoff Johns y Scott Sheldon.
Warner Bros. tiene previsto el estreno de la película en cines el 21 de octubre de este 2022.
Sinopsis oficial:
Casi 5.000 años después de que se le concedieran los poderes todopoderosos de los antiguos dioses, y encarcelado con la misma rapidez, Black Adam (Johnson) es liberado de su tumba terrenal, listo para desatar su manera única de hacer justicia en el mundo moderno.
Uno nunca acaba de acostumbrarse al nivel de atrevimiento de ‘The Boys’
Uno de los grandes retrasos derivados de la pandemia que aún persiste es ‘The Boys’ T3. Al menos tuvimos hace poco ‘The Boys: Diabolical’ que nos sirvió como pequeña dosis para ir calentando motores y mantener viva la serie inspirada en los cómics de Garth Ennis y DarickRobertson. Ese retraso ha hecho que tengamos que decir que en ‘The Boys’ T3 hay una escena muy a lo ‘El Escuadrón Suicida’ y no al revés. Pero como es de imaginar la serie mantiene su esencia y hemos de dar gracias a que va todavía más allá.
‘The Boys’ T3 son ocho nuevos episodios, de los cuales hemos podido ver seis, que llegarán el próximo 3 de junio a Prime Video con un estreno de triple episodio, después tendremos uno semanal. Blasfema, antisistema, antipatriótica, con personajes homosexuales, con mujeres empoderadas e incluso se mofa de las armas en esta tercera temporada. Dudo que haya votantes de VOX viendo esta serie, aunque pudiera ser pues muchos de ellos son una contradicción en sí misma. Hay que prepararse por que desde el minuto cero hay drogas, sexo y por supuesto más carnicería aún. ‘The Boys’ T3 no deja de ser una de las adaptaciones de cómic más loca y sin tapujos, libertina dirían algunos, tanto que no se dedica a ser solo una trama de héroes con mallas, también lanza sus críticas, a uno y otro lado. Un ejemplo es la zona del parque de atracciones de Vought dedicada a la inclusividad o el cómo Patriota se cansa de pedir disculpas por ser un heterosexual con capacidades claramente superiores.
El primer episodio empieza en un punto que ni las películas de DC de Snyder, de hecho hay un guiño a su ‘Dawn of justice’ y por otro lado a Marvel Studios. ‘The Boys’ va a cuchillo con las otras casas y con la ya a la vista obsolescencia del mercado comiquero en el audiovisual. En la anterior temporada ya se lanzaba más de un dardo al respecto. Además ese arranque cuenta con un cameo de alguien que hemos tenido y tendremos más presente en el mundo superheróico. Y no es el único cameo de la serie, hay muchos más en esta nueva remesa de episodios. Puedo adelantaros que los dos primeros episodios empiezan en esa línea, muy a lo inicio de ‘Tropic Thunder’, con un tráiler o escena de una ficción dentro de la ficción, imaginando nuevas series o películas, muy burlesco.
Durante estos nuevos capítulos Hughie está más fuera de la lucha ya que luce pública y abiertamente su relación con la súper Starlight. La heroína también se mantiene muy presente en esta temporada con novedades que no conviene que os cuente. Por el contrario Maeve está más ausente que nunca. Como también está más alejado de la acción Leche Materna que busca recuperar el tiempo perdido con su hija.
Carnicero y el resto por supuesto continúan su cruzada contra Vought y sobre todo contra Patriota. Para ello su nuevo objetivo es encontrar a anunciado Soldier Boy que está interpretado por Jensen Ackles. En ese camino deberán permitir que la hipocresía y crudeza de Carnicero se imponga más que nunca y con ello descubrimos una nueva faceta del personaje interpretado pro Karl Urban. Mientras tanto Patriota como siempre va a lo suyo, intentando recuperar su popularidad mientras lidia con las opiniones contrarias de sus compañeros. Obviamente intenta recuperar a su hijo y Antony Starr nos brinda otra pedazo de actuación. Al igual que destaco la de Ackles que poco a poco gana presencia. Muy bueno el casting de esta temporada, incluso por los actores que han escogido para interpretar a Grace Mallory (LailaRobins) y Stan Edgar (Giancarlo Esposito) de jóvenes.
En esta temporada os aguarda sexo con hombres menguantes, re-apariciones en Los Siete, evolución para personajes como Kimiko (Karen Fukuhara), nuevos personajes con nuevos poderes y muchas más cosas que no estaría bien que os adelantase. Si podemos hablar de la nueva posibilidad de que los humanos normales puedan tener poderes, como hemos visto en el tráiler. Eso no solo nos da momentazos cuando los personajes adquieren poderes, sino una nueva dimensión a la serie pues es ir un paso más allá en el negocio de los súper que ven amenazada su profesión pues cualquiera podría ejercer su rol. Aunque este no es el eje de la temporada si que abre nuevas posibilidades, sobre todo a la acción.
Recomendamos series y películas para perderse en miles de mundos
El multiverso es un término que los cómics (y por extensión sus adaptaciones a películas o series) han hecho suyo. Ahí está el “evento flashpoint” o el cómic ‘Crisis en tierras infinitas’, para muchos una de las primeras incursiones en el mundo de las diferentes versiones del mismo mundo. Si nos ceñimos a lo científico es una palabra que se usa definir al hipotético conjunto de universos paralelos que coexisten con el nuestro, que tienen nuestras mismas leyes, espacio y tiempo, pero que por ligeras variaciones estadísticas presentan sutiles diferencias.
En el vedismo, religión anterior al hinduismo, ya encontramos referencias que datan de varios cientos de años a.C. En concreto se encuentran en el Bhagavata-Purana, una colección de textos, la hallamos en concreto en el escrito por Viasa. Pero el término como tal fue acuñado por el psicólogo William James quien fue uno de los fundadores de la psicología funcional que viene a decirnos que, un estado funcional se caracteriza porque ante un determinado input reacciona con un determinado output y pasa a otro estado funcional, es decir, acción-efecto, distintas acciones, distintos efectos.
¿Y si pudieses ser un mago que lucha contra dragones? ¿Y si en otra vida estás consiguiendo todos tus sueños? ¿Pudiera ser que en otra realidad hubieses nacido con otro sexo o raza? Ciñéndonos a que en un multiverso tiene que haber diferentes versiones del mismo personaje, fruto de sutiles cambios en la historia, vamos a enumerar una lista con dieciocho recomendaciones que demostrarán que llevamos tiempo manejando este concepto en el audiovisual y el juego que puede dar. No veréis en este artículo películas como ‘Atrapado en el tiempo’, ‘Donnie Darko’, ‘Feliz día de tu muerte’, ‘El día de mañana’ o series como ‘Dark’ ya que esas las consideramos de viajes en el tiempo, no de multiversos. También nos gustaría citaros la obra de Terry Pratchett o ’La torre oscura’ de Stephen King pero si entramos en literatura este artículo puede ser enorme.
‘Lost’
Para muchos una de las mejores series de la historia, para otros la más innecesariamente alargada. La culpa o mérito de ello la tiene la gran cantidad de personajes de los que dispusieron J.J. Abrams y Damon Lindelof, entre otros. Un reparto coral que tanto dentro como fuera de la misteriosa isla vivía vidas diferentes que costó enlazar y dar explicación. Todos sabemos que el final dejó contentos a muy pocos. El multiverso en forma de puzle que se había montado tras casi ciento veinte episodios se antojaba de difícil solución.
‘Fringe’
Otra creación de JJ Abrams. Pudo haber sido una ampliación del universo de ‘Perdidos’, tratando esa serie como un caso Fringe, pero al final no llegó a consumarse ese crossover. Directamente la serie trata sobre un científico que encuentra una ventana a un universo paralelo donde su hijo aún vive. Ciencia loca desatada y distintas versiones de los mismos personajes van apareciendo. Impresionante el personaje de Walter Bishop interpretado por John Noble y la simbología que se utiliza hasta en su mítico opening.
‘Sliders (Salto al infinito)’
“Si vieras una puerta que lleva a otra dimensión… ¿pasarías por ella?” Eso nos decían en las promos de ‘Sliders’. No he metido esta serie solo porque es una de las que más me estimuló e introdujo en el tema del multiverso durante mi adolescencia, también porque en cada episodio introduce un nuevo mundo y tiene hasta 87 capítulos. Historias en las que un joven y sus amigos intentan encontrar el retorno a casa tras haber hecho un viaje a través de un agujero de gusano que les desliza a través del multiverso. El propio opening ya os va a recordar a las viñetas de un cómic de DC y el dispositivo con el que viajan a mandos de televisión o al de la SEGA Genesis.
Es una serie muy poco conocida pero que cuenta con actores que a posteriori se hicieron famosos. Destacan el joven Jerry O’Connell y su hermano Charlie O’Connell pero también trabajaron en ella Sabrina Lloyd, Clevelant Derricks y el mítico John Rhys-Davies. Ojalá todos volviesen con sus personajes pues tras seis temporadas culminó con un cliffhanger no resuelto. A los creadores y productores Robert K. Weiss (‘Agárralo como puedas’, ‘Granujas a todo ritmo’) y Tracy Tormé (‘Carnivale’, ‘Soy leyenda’) les debemos mucho por haberse devanado los sesos.
‘El infinito’ + ‘Resolution’
Si nos leéis con asiduidad sabréis que somos unos fervientes seguidores de la obra de Justin Benson y Aaron Moorhead. Con estas dos películas, en las que también actúan se montaron su propio multiverso en el que juegan también con el espacio-tiempo de un modo estupendamente cuadrado y con un sentido del misterio y la ciencia ficción la mar de innovadores. Si os atrae más el cine mainstream ved ‘Synchronic’ que podría ser una secuela espiritual de estos dos títulos y está protagonizada por Anthony Mackie y Jamie Dornan.
‘The OA’
Dos temporadas siguiendo a una joven invidente que ha sido secuestrada y que cuando aparece años después habiendo recuperado la visión no quiere dar ninguna explicación. Una serie de esas enigmáticas que es casi mejor no explicar por qué está dentro de este artículo, pero tiene su propio y escueto multiverso, por supuesto. Magnífico Jason Isaacs y muy bien gestionada la actuación de Brit Marling, quien por cierto es co-creadora de la serie. Aviso, esta serie es de las raras.
‘Star Trek: Discovery’
Toda la saga de Star Trek ha brindado siempre a sus trekkies versiones alternativas de sus personajes, sobre todo cuando el reparto ha cambiado o se ha abrazado otra generación. Pero en concreto la saga Discovery, que aún hoy en día está viva, ha jugueteado con argumentos muy ricos en variantes y además estando estos muy bien introducidos en la trama. No es fácil plantear todo un universo de ficción y además reescribirlo a mitad de una temporada. El reparto se lo pasa fetén interpretando al mismo personaje pero con carices distintos. Quien más se aprecia que se lo pasa en grande con este género es Michelle Yeoh, al final hablaremos más de ella.
‘El último gran héroe’
¿Y si los personajes de los actores más famosos cobrasen vida? Eso es lo que pasa en esta película de John McTiernan que es todo un homenaje al cine de acción y a las buddy movies. Un ticket de cine mágico abre una puerta interdimensional en la pantalla de un viejo cine. A través de ella un joven entusiasta conoce al héroe de sus películas, el cual está interpretado por Arnold Schwarzenegger. Divertidísima idea que explota, literalmente, todos los tópicos del cine policial y de testosterona. Cuidado con que multiverso abrís.
Universo Marvel
El universo Marvel, el orquestado por Marvel Studios/Disney, es en sí un multiverso. Todas las fases planificadas por los Russo y su culminación con ‘Infinity War’ y ‘End Game’ nos llevan a una confluencia de películas que unen a héroes de diferente índole. Pero ahora se está yendo más allá de ese viaje quántico que consiguió terminar con Thanos y películas como la última de Spider-Man o la de Doctor Extraño manejan en sus hábiles dedos el concepto de mundos paralelos abrazando así otras facetas de sus personajes. El ejemplo más claro es la serie animada ‘What if…?’ o ‘Loki’.
Universo DC
Las películas de DC han seguido una deriva tan caótica que no queda otra que considerarlas como one shots o universos alternativos, sobre todo en el caso de Batman. Pero donde tenemos realmente un multiverso intencionado es en las series de CW donde se han tocado conceptos como el flashpoint o la Crisis en tierras infinitas. Y si lo que queremos es ver a los superhéroes y villanos de un modo diferente el catálogo animado de la Warner Bros. nos ofrece títulos como ‘Hijo rojo’, ‘Crisis in two earths’ o ‘Dioses y monstruos’, os van a sorprender sin duda.
Los crossovers
El mezclar diferentes franquicias en una sola película además de ser un disfrute digno de un niño que juega con sus distintos juguetes es un gustazo visual. Películas como ‘¿Quién engaño a Roger Rabbit?’, ‘Space Jam’ o ‘Ready Player One’ nos atraparon con su historia, pero nos hicieron tener más de un visionado para poder encontrar todos los guiños o personajes. Una mezcla de universos animados con el real que siempre ha aportado alguna innovación animada. El último grito en este sentido es el exitoso estreno de ‘Chip ‘n Dale: Rescue Rangers’.
‘Doctor Who’
Volvamos atrás para recorrer el omniverso o toda una colección de multiversos. Un clásico de los que hacen afición por las aventuras y la ciencia ficción. El Doctor Who es la prueba de que se puede estirar, retorcer o ampliar el universo de un personaje a través de viajes, cambios de aspecto (o actor) y mucha imaginación. Lo del Doctor Who parece inacabable pues cada nueva versión del aventurero crea su mundo y se va cruzando con los demás, sobre todo desde que se retomó la franquicia. La cabina azul no ha parado de realizar viajes interdimensionales desde que se retomó en 2006. ¡Solo la nueva etapa tiene 13 temporadas!
‘Coraline’
¿Y si tuvieses tras la pared de tu casa la respuesta a todos tus problemas? ¿Podría existir un mundo mejor al otro lado? Coraline encuentra una versión mejorada de su vida y la tiene al alcance de su mano. Pero lo que no sabe Coraline es que su destino lo dicta Neil Gaiman y con el ilustre guionista la fatalidad y el horror están siempre a la vuelta de la esquina. Fantástica la novela y estupenda la adaptación de Henry Selick. ¿Quién puede olvidar esos otros yoes con botones cosidos a sus ojos?
‘Coherence’
Entramos en esas películas de culto que han ido surgiendo en los últimos veinte años. La obra de James Ward Byrkit no reúne muchas caras conocidas, salvo el actor de ‘Buffy’, Nicholas Brendon. Pero a veces esa es una virtud que ayuda a meternos bien en los personajes. En este caso son un grupo de amigos que tras ver un cometa comienzan a experimentar cosas desconcertantes. La caja de Schrödinger siempre nos habla de estados posibles y eso es lo que se usa como ejemplo en este filme para aplicar la teoría de la Decoherencia cuántica.
‘Mr. Nobody’
Nombres como Jared Leto, Sarah Polley, Diane Kruger, Linh Dan Pham o Rhys Ifans figuran en esta película belga de Jaco Van Dormael. Nos lleva al año 2092 y cual medusas los humanos renuevan sus células para ser inmortales. No, aún no todos. En la Tierra solo queda un mortal y dada esa condición y lo poco que le queda de vida es entrevistado por distintas personas. Pero sus relatos cambian de uno a otro. El filme es un juego de tintes románticos que flirtea con la realidad, la memoria y los recuerdos. Gran maquillaje el que se usó para Jared Leto, mejor que el de ‘La casa Gucci’.
‘Dragones y mazmorras’
Volvamos a tirar de nostalgia. Vamos a ceñirnos a la serie animada, no a la película, esa para mí no existe. No cabe duda de que la serie de Marvel Comics y TSR marcó a varias generaciones. Desde su canción de apertura en castellano hasta sus divertidos personajes, este show televisivo sirvió como introducción al mundo del rol y la fantasía medieval de muchos adultos de hoy en día. Aventuras de capa y espada vividas por unos chicos que viajaron a través de una atracción de feria hasta los mundos del Amo del Calabozo, todo esto introducido con el ya mencionado opening. Nada que ver con ‘El caballero negro’ de Martin Lawrence.
‘Devs’
La serie ‘Devs’ de Alex Garland nos amenizó el confinamiento a más de uno. Pero más allá de haber servido como bálsamo es un nuevo estímulo intelectual, como casi todo lo que hace el director. Nuevamente no puedo desvelar la razón por la que esta es una película de multiversos ya que se explica en el último episodio, pero su ingenio y misterio tiene poco parangón. Si ahora decimos que se están haciendo realidad muchas cosas de Star Trek en el futuro seguro que hablan de esta serie.
‘Rick y Morty’
Quién más se atreve a jugar con los universos paralelos son este abuelo y nieto. La alocada serie de Adult Swim esgrime ideas que nos vuelan la cabeza pues los guiones de sus capítulos además de ser frenéticos cierran siempre el círculo del modo más inesperado. Es imposible contar las versiones de Rick y de Morty que hemos visto ya pues a veces aparecen nuevas interpretaciones en un simple gag y otras son el eje argumental de todo el episodio. Cogen lo que ‘Futurama’ hizo de un modo más tímido en el quince de su cuarta temporada y lo multiplican por diez.
‘Todo a la vez en todas partes’
Para el final he dejado la última propuesta que nos va a llegar a cines de la mano de Youplanet y que os comentamos de manera más extensa aquí. El multiverso como metáfora o también como camino hacia la catarsis. Una idea así es propia de A24 y también tiene aportación de los hermanos Russo. Michelle Yeoh interpreta a una mujer agobiada por hacienda, su hija, su padre y su marido. Una mujer con el corazón dividido y sobre la que recae el peso de salvar todos los multiversos. Esta locura parte de las mentes de los directores de ‘Swiss Army Man’ y contiene comedia, acción, giros locos y talento interpretativo. Tiene todo lo que queremos en este universo y lo que quieren en los otros.
Marmaduke es un adorable «Gran Danés», pero por mucho que sus dueños lo intentan, no pueden evitar que se meta en problemas. Un famoso adiestrador de perros acepta el desafío de convertir a Marmaduke en el ganador del Campeonato Mundial. Así comienza una gran aventura.
Crítica
Casi que mejor nos quedamos con las tiras cómicas
Quizá al ver el cartel veáis parecido con Scooby-Doo pues también es un Gran Danés de color marrón, pero no olvidemos que el original es este perro que nació en forma de tiras cómicas en el cincuenta y cuatro de la mano de Brad Anderson, así es que esta vez tocaría ponerse en contra de Hanna-Barbera a la hora de hablar de originalidad. Ya hubo una película de Marmaduke que mezclaba animación con imagen real en 2010 con la voz de Owen Wilson. Superar aquello no era difícil y este nuevo estreno no consigue ese sencillo reto. En esta ocasión es Pete Davison quien dobla al torpón perro y el filme cuenta además con las voces de J. K. Simmons o David Koechner. ¿Quién les manda meterse en este jardín?
Se han cogido algunos de los gags para entremezclarlos con la historia ideada para el nuevo largometraje. Marmaduke hace gala de sus torpezas y su sinvergonzonería y se mete en líos constantemente. Un entrenador de perros descubre al protagonista y se propone hacer de él un campeón del mundo, una mascota adiestrada y obediente. Pero Marmaduke no se lo pondrá nada fácil, ni queriendo ni sin querer.
Antiguos animadores o realizadores de FX de películas como ‘Robocop’ (2014), ‘Silent Hill: revelation 3D’, ‘Fivel va al oeste’ o ‘El gran Stan’ son quienes han orquestado esta película. El currículum no auguraba nada bueno. Youngki Lee, Matt Philip Whelan y Phil Nibbelink codirigen el filme con el director de ‘Spawn’, Mark A.Z. Dippé, que se ha reconvertido tras darse más batacazos dentro del terror y ahora vemos que está volcado en la animación infantil con películas de Garfield o ‘The Boxcar Children’, que es algo así como ‘El club de los cinco’ con una animación bastante básica. Aunque este largometraje tiene un acabado un poco más detallado que esos títulos, hoy en día es más frecuente ver este tipo de animación 3D en series que tienen menos tiempo para dedicar al diseño, no se acerca ni de lejos al de películas recientes como ‘Los tipos malos’ u otros estrenos tipo Disney o Dreamworks, más bien está al nivel de los ‘Oceanix’. De hecho, están más logrados los escenarios que los personajes. Visualmente es pobre, los niños tampoco le pondrán mucha objeción a esto pues es un filme lleno de humor físico y travieso destinado entretenerles y a hacer una mínima labor didáctica, sin más.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de junio de 2022. Título original: Marmaduke. Duración: 90 min. País: EE. UU. Dirección: Mark A.Z. Dippé, Matt Philip Whelan. Guion: Byron Kavanagh. Música: Nicholas Schnier. Reparto principal (doblaje original): Pete Davison, J.K. Simmons, David Koechner, Mary Hart, Julie Nathanson, Terri Douglas, Erin Firzgerald. Producción: One Cool Animation, Andrews McMeel Entertainment, Legacy Classics, StoryBerry. Distribución: Big Picture Film. Género: animación, comedia. Web oficial:http://bigpicture.es/
El hombre conocido únicamente como B. es mitad mortal y mitad dios, maldito y obligado a llevar una vida de violencia… incluso a costa de su cordura.
Pero después de vagar por el mundo durante siglos, puede que B. haya encontrado por fin un refugio: trabajando para el gobierno de Estados Unidos, librando las batallas demasiado violentas y peligrosas para cualquier otra persona. A cambio, a B. le darán lo único que desea: la verdad sobre su interminable existencia teñida de sangre… y la clave para acabar con ella.
Reseña
El título ‘BRZRKR’ se antoja impronunciable, pero la historia se come a bocados
Supongo que eliminar las vocales es un intento de diferenciación para con el manga de Kentaro Miura. El nombre de esta serie de Boom! Comics que ha empezado a publicar Planeta Cómic en España alude a los Berserkers, los vikingos que cual Alexander Skarsgård en ‘El hombre del norte’ se lanzaban al combate casi en trance y casi desnudos. Y así nos adentramos en esta aventura de acción que ha creado Keanu Reeves, sumergiéndonos, olvidando lo que hay al rededor, contemplando una violencia primaria y arraigada en nosotros desde tiempos inmemoriales.
Esta serie está desarrollada por el actor junto con Matt Kindt, a quien conoceréis de obras como ‘Ether’, la trilogía dibujada por el español David Rubín. Con la acción, brutalidad y ambientación que tiene ‘BRZRKR’ podría haberle venido bien la mano de Rubín, pero es el estilo cambiante de Ron Garney (‘Daredevil’) el que ilustra los pasos del protagonista acompañado del color de Bill Crabtree (‘Invencible’). Aunque es fácil que las salvajadas copen la atención del lector los dibujos de Garney se adaptan a una historia que se nota que no quiere ser gratuitamente violenta. Es por eso que hay espacio para el texto, aunque esta idea reclama aún más para terminar de demostrar que es realmente original.
La trama de esta serie compuesta por doce grapas sigue los pasos ensangrentados de B, un soldado que trabaja en la sombra para el gobierno estadounidense, a lo Hellboy. Un hombre que no puede morir pero que necesita sentir que puede perder la vida. Es la punta de lanza en peligrosas misiones y el objeto de los más avanzados experimentos, los cuales sirven a los intereses de USA y se supone que servirán a los propios intereses del inmortal.
El personaje principal de ‘BRZRKR’ lleva la cara del actor. Lograron mayor parecido Giovanni Valletta y Matt Gaudio en los cómics de ‘John Wick’, pero también hay que tener en cuenta que este es un personaje que el actor no ha interpretado, sino escrito, por lo tanto no ha de tener su rostro. Además en esta ocasión se diferencia ligeramente de otros de sus héroes de acción pues tiene poderes a lo Logan y los usa para reventar, literalmente, a sus enemigos. ‘BRZRKR’ es un cómic salvaje que nos recuerda a las páginas más sangrientas de Lobezno o a los dilemas de los inmortales de ‘La vieja guardia’ de Rucka.
Aunque el cómic tiene también pastillas rojas y azules y tanta acción como las películas de ‘Matrix’, las páginas buscan dibujar a un personaje alejado del estigma de “el elegido”. El lastre que lleva este personaje no es el de tener que salvar el mundo, sino el de haberlo sobrevivido durante miles de años. Eso hace que nos encontremos ante un protagonista más castigado, que se ve a sí mismo como una herramienta que puede servir para un mortal quid pro quo. Ese sometimiento al que el propio protagonista accede es lo más curioso de esta historia.
Con el número uno nos sorprenden con una historia muy violenta y un buen texto de Reeves (sin duda muy guiado por Kindt), pero de momento poco más fuera de lo ya leído en cómics similares. Hay expectativa en que en las próximas entregas haya algo más innovador a nivel argumental. Eso si, la edición de esta grapa incluye póster a dos caras e formato A3 (de Lee Bermejo y Dan Mora), unas palabras de David Hernando (Director Editorial de Planeta Cómic) sobre los 40 años de la editorial, sección de portadas originales y un fragmento de una entrevista a Keanu Reeves, Ron Garney y Matt Kindt. Estos extras engrosan el número de páginas y hacen que la grapa merezca un poco más su precio. Por lo menos servirán para enganchar a los cómics a los que se hayan acercado a ‘BRZRKR’ solo por ver el nombre de Keanu Reeves. No me cabe duda de que ese atractivo es la causa de que este sea el cómic más vendido en lo que va de década.
Ficha del cómic
Guion: Keanu Reeves, Matt Kindt. Dibujo: Ron Garney. Color: Bill Crabtree. Rotulación: Clem Robins. Portada: Rafael Grampá. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 64 págs., color, grapa, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: 27 de abril de 2022. Precio:4,5€.
Uno de los personajes más cautivadores y conflictuados de Marvel llega a la gran pantalla con el ganador de un Oscar® Jared Leto transformado en un enigmático antihéroe, Michael Morbius. Peligrosamente enfermo de un extraño trastorno sanguíneo, y determinado a salvar a otras personas que padecen su mismo destino, el doctor Morbius intenta una apuesta desesperada. Lo que en un principio parece ser un éxito radical, pronto desencadena una oscuridad en su interior. ¿Se impondrá el Bien sobre el Mal? ¿O sucumbirá Morbius a sus misteriosas nuevas necesidades?
Crítica
Un Morbius en vista de más pero en una película excesivamente tipicona
Sony sigue con ‘Morbius’ en su línea de no hacer películas de villanos, sino de personajes malignos que en los cómics tuvieron una etapa como antihéroes. En este caso nos trae una cinta con unos efectos que ya habría querido la saga ‘Underworld’ y una trama que se parece en exceso a muchísimas otras de orígenes.
Un nuevo genio sufre un accidente o es resultado de experimento científico malogrado. Este personaje tiene en los cómics conexión con Spider-Man y el Lagarto. Sufre una hibridación y se convierte en “El vampiro viviente”. De este modo comienza un largometraje que sigue los esquemas ya clásicos en la cinematografía de superhéroes: vida de inadaptado, accidente, etapa de descubrimiento de poderes, crisis con acción y final que define al héroe. A esto le sumamos el clásico dilema que sufren los personajes que se inician en el vampirismo y nos queda una obra de lo más manida. Este personaje funciona mejor cuando se tiene que enfrentar a un superhéroe no a un villano que como en esta ocasión se antoja muy flojo. No se ve del todo esa doble cara que tiene el personaje creador por Roy Thomas y Gil Kane pues aquí siempre es bueno.
Hay dos o tres escenas a las que no le veo sentido, como la de la detención, pero por lo demás este no es un filme tan bochornoso como me lo habían pintado. Los efectos están bien, el sonido tiene una gran edición… la gran pega es la que decía, que esto ya lo hemos visto muchas veces. Me tomo ‘Morbius’ como un paso necesario hacia la creación de unos nuevos Seis Siniestros cinematográficos, porque dudo que acabe con los Hijos de la Medianoche que parece ser el objetivo de Marvel Studios, a pesar de que ya salió en los postcréditos del Blade del 98.
Me sobra la trama de los detectives que parece más ‘Spawn’ que ‘Morbius’. Por lo demás el centro de atención de la película es Jared Leto como Morbius en una nueva transición de DC a Marvel. Abstenerse los ofendidos de la temática que se toman este tipo de cambios cual fichaje de Figo por el Barça pues no van a encontrar en esta crítica ningún alegato basado en ese hecho. Leto se mete en el papel del científico caminando con sus muletas cual murciélago apoyándose en sus alas. La interpretación de Leto es buena, pero el guión no le ha dado a su personaje la personalidad de villano a la que estamos acostumbrados. Lo que me queda claro es que a Leto le gusta disfrazarse y que ve aquí un proyecto a futuros junto a otro actor que también ha hecho el salto DC/Marvel, lo veréis en las dos postcréditos.
Para los que buscan conexión con otras franquicias. ‘Morbius’ está en el universo de Venom, como demuestran varias alusiones al personaje o a lo acontecido en San Francisco. Por supuesto tiene detalles de Spider-Man como el Daily Bugle, pero son escasos. Obviamente los lectores sabrán intuir a qué se refieren algunos pormenores e incluso qué puede venir próximamente. Además se reserva guiños a ‘Underworld’, ‘Jóvenes ocultos’ o a grandes del género como Murnau.
Es curiosa también la conexión de este filme con ‘Venom’ pues el director Daniel Espinosa hizo ‘Life’, otra película de Sony que se considera precuela no oficial de la de orígenes del simbionte. También parece un órdago este largometraje pues se antoja como parte de mucho más, de algo que podría ser un nuevo crossover de villanos. O también una prueba para Tyrese Gibson pues no olvidemos que suena para hacer de Luke Cage en el cine y a Cage le dio los poderes Morbius en ‘Casa de M’, donde entran en juego los mutantes. Tiemblo solo de pensarlo.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de abril de 2022. Título original: Morbius. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Daniel Espinosa. Guion: Matt Sazama, Burk Sharpless. Música: Jon Ekstrand. Fotografía: Oliver Wood. Reparto principal: Jared Leto, Michael Keaton, Tyrese Gibson, Matt Smith, Adria Arjona, Jared Harris, Charlie Shotwell, Corey Johnson, Tom Forbes, Adam El Hagar, Archie Renaux, Al Madrigal, Philip Gascoyne. Producción: Columbia Pictures, Marvel Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.instagram.com/morbiusmovie/
No sé si ‘Los Guardianes de la Justicia’ es algo con un carácter de marcada serie B por disponer de poco presupuesto o si se ha querido hacer en este formato para rendir culto al género. Lo que sí que sé es que la serie es consciente de su factura y de lo enormemente paródica y referencial que es, por lo que a la hora de darle al play también hay que estar predispuesto a que lo que vamos a ver es un galimatías con un acabado de lo más básico posible.
Digo básico, pero tengamos en cuenta que estamos en el siglo XXI y las tecnologías permiten llevar a cabo escenarios con efectos muy superiores a los que veíamos en los 80. Paródicamente, con un vestuario más propio de un cosplayer de la ComicCon que de una producción lanzada en Netflix ‘Los Guardianes de la Justicia’ nos cuenta una historia que nos recuerda a un sinfín de cómics o películas.
La miscelánea visual y argumental de esta serie de siete episodios de tintes fanmade nos lleva a una distopía muy al estilo ‘Watchmen’ en la que la Tierra ha tenido una historia diferente durante el siglo XX y ha llegado a producirse una III Guerra Mundial. Conflicto que es detenido por un alienígena dotado de superpoderes. La trama gira en torno a ese visitante y a la muerte que uno de sus compañeros justicieros comienza investigar. Así se genera una trama que nos recuerda también a ‘Invincible’.
Si te gustó otro fanmade como fue ‘Kung Fury’ estoy seguro de que te gustará esta serie que se puede ver ya en Netflix. Realmente debo reconocer que esta es una serie de, por y para flipados, pero es lo bueno que tiene, sobre todo porque le permite ser desatada y contar su trama sin tapujos y sin cortarse con la violencia como hace por ejemplo ‘The Boys’.
Si cuando he descrito la trama habéis pensado en Omni-Man de ‘Invincible’ o por supuesto en Superman, habéis acertado. Marvelous Man, ese extraterrestre que viene a poner paz en la Tierra también se llama a Kal, también se casa con una chica con nombre dotado de aliteración como Lois Lane, tiene su kryptonita… Y los héroes con los que se junta son como la Liga de la Justicia de DC cómics. Sobre todo el protagonista de la historia que es una mezcla entre el Búho Nocturno de ‘Watchmen’ y Batman, con su Robin, villanos y demás.
Pero cuando realmente le encuentro valor a esta serie llena de escenarios de poca monta es en los momentos en los que se retuerce la figura del superhéroe y su impacto en nuestra sociedad o en el otro sentido, la influencia de esta sobre la vida de aquellos que se dedican ser un justicieros de manera altruista. Es por lo tanto interesante la idea de mostrar a una humanidad tan poco respetuosa con la vida que es capaz de hacer que un todopoderoso extraterrestre que vela por nuestra paz se canse hasta el punto de darse por vencido y suicidarse. También el discurso sobre lo beneficiosa que es para la opinión pública la bendita ignorancia, algo que también predica ‘Watchmen’ y muchos cómics de Batman. Como también ha sido visto muchas veces en viñetas el miedo como herramienta o el fascismo, de hecho es ahí cuando puede recordar más a ‘Injustice’ o a ‘Hijo rojo’.
La verdad es que el que hayan cogido de un descarado tapadillo tantos elementos conocidos de los cómics para armar su propia historia, mola y parece fruto de algún tipo de juego de rol. Pero ‘Guardianes de la Justicia’ también consigue ser atractiva porque la serie cuenta con distintos directores de animación que han incluido en la trama numerosísimas escenas dibujadas. Hay animación de todo tipo, desde 8-bits a lo arcade como ‘Streets of rage’ o ‘Mortal Kombat’ llegando a lo cartoon Disney e incluso al anime a lo ‘Dragon Ball’.
Y otra sorpresa es que al igual que ‘Kung Fury’ pudo contar con David Hasselhoff para su promoción, han podido fichar a rostros conocidos, y no me refiero al villano asiático que nos recuerda al Lo Pan de ‘Golpe en la pequeña China’. Como en toda buena película en la que el Reloj del Juicio final está a pocos minutos de las doce el presidente es negro, en este caso es Christopher Judge de ‘Stargate’. Y tienen papeles secundarios Denise Richards (‘Starship Troopers’), RJ Mitte (‘Breaking Bad’), Jane Seymour (‘La doctora Quinn) o Will Yun Lee (‘Altered Carbon’) como Marvelous Man. Adenás hay algún que otro cameo de archivo.
‘Los Guardianes de la Justicia’, obra de Adi Shankar, combina de todo, hasta villanos tipo Cobra de los G.I. Joe. El productor de ‘Dredd’, ‘Castlevania’ o del próximo remake de ‘I saw the devil’ se ha montado un caos que llega cuando los superhéroes tienen asentado su propio género audiovisual y hace falta aire fresco. La calidad es patente que no es la mejor y quizá con todo lo que está pasando con Rusia no llegue en el momento más oportuno, pero desde luego es una reinvención de la que muchos pueden tomar nota.
Hace unos días Paco Cabezas compartía en redes el tráiler de la nueva temporada de ‘The Umbrella Academy’. La tercera temporada de la serie que adapta los cómics de Gerard Way y Gabriel Bá ha contado con la dirección del cineasta Español.
Será el 22 de junio cuando vuelva a Netflix esta peculiar familia de personas con superpoderes y muchos problemas mentales. Junto a ellos Gorriones, unos nuevos personajes que como se ve en el vídeo se enfrentan a los protagonistas. Seguro que nos dan muchas horas de diversión.
Acierta en la premisa pero no en cuál es el punto clave
La unión de Warner, DC y HBO sigue dando a luz nuevas adaptaciones. A partir del 18 de marzo en HBO Max podremos ver ‘DMZ’ la serie que adapta el cómic de DC Vertigo. Un cómic escrito por Brian Wood entre 2005 y 2012 que contó con el dibujo y las tintas de RiccardoBurchielli y el propio Wood mientras que el color lo puso Jeromy Cox.
‘DMZ’ es una distopía que se antoja cercana. En ella se produce una Segunda Guerra Civil Norteamericana. Una disputa entre entre el gobierno federal de los Estados Unidos de América y los ejércitos de los Estados Libres, un grupo independentista. Obviamente una de las plazas más disputadas en esa guerra es la de Nueva York y ahí conocemos a nuestros protagonistas.
DMZ significa zona desmilitarizada, Una tierra de nadie, en disputa y en proceso de independizarse al no estar en poder de ninguna de las dos facciones. Nunca mejor dicho, es tierra de oportunidades. Esa DMZ está delimitada por la isla de Manhattan. Fuera de allí luchan por lo que tienen en el DMZ, una oportunidad para empezar de nuevo, un lugar que abogue por la paz, aunque la violencia sea la herramienta más empleada, lo cual no deja de ser contradictorio.
El cómic se centra en Matty Roth, un reportero encerrado por accidente en la DMZ. Ahí es donde los lectores de los cómics encontramos la primera gran discrepancia. El foco no es el reportero que tiene la duda de si quedarse en esa zona hostil participando de manera imparcial para poder dar testimonio a todo el mundo o si huye a un lugar seguro. Pero el guión de Roberto Patino emplea la figura de una médica que busca a su hijo Christian, perdido durante la evacuación de la isla. Rosario Dawson es Alma Ortega, una sanitaria convertida en lideresa por sorpresa. Se entiende que ese personaje es un trasunto o desarrollo de la Zee Hernández del cómic.
Se percibe que se ha intentado comprimir mucho en muy poco espacio de tiempo. El cómic ‘DMZ’ se recopila en varios tomos que Vertigo fue publicando en grapas y que en España edita ECC Comics. A causa de eso la serie está totalmente exenta de discurso, por lo menos de uno mínimamente profundo. La serie ‘DMZ’ no ahonda en su propuesta y se centra básicamente en plantearnos una situación caótica, más propia de un patio de cárcel en el que se pelean distintas bandas cuyos miembros van vestidos todos de la misma manera, ni que fuesen los pintorescos secuaces del Joker, Dos Caras y compañía. Mientras que el cómic aborda de un modo contemporáneo el secesionismo y la disputa federal o “libre”. La serie es una lucha de gallitos y la búsqueda desesperada por parte de una madre. Si el cómic surgía de las inquietudes del autor en la época del 11-S la serie podría haber partido de nuestra actualidad, marcada por eventos como el asalto al Capitolio. Coger ese pulso le habría venido de maravilla a esta producción. Pero desperdician la oportunidad, otro chasco, como el de ‘Y, el último hombre’.
Si en algo acierta la serie es en hacer un retrato, destructivo y postapocalíptico, de Nueva York. El cómic atina a usar la figura del reportero para escudriñar en las posibilidades de la idea que plantea. Pero también para llevarnos cual turistas por la ciudad que nunca duerme en modo ‘Mad Max’. De China Town al Upper pasando por el Soho la serie de HBO Max plantea distintos escenarios. Una pequeña nación de unos cuantos de cientos de miles de habitantes en pleno proceso de ebullición. Y en otras cosas que acierta es en mostrar las luchas por los recursos, con la misma vileza y apatía característica de la especie humana.
La serie iba a ser producida inicialmente para SYFY, canal en cuya muestra vimos el desastre bochornoso que supuso ‘Un pliegue en el tiempo’. Precisamente su directora, Ava DuVernay, es la productora y directora del piloto de la serie. La responsable de ‘Selma’ se queda a medio camino entre su fango y su techo. Deja muy de lado la guerra ficticia entre los EE.UU. y los Estados Libres así como toda la historia de supervivencia o adaptación que el aislamiento en Manhattan supone, como si no hubiese cogido bien el quid de la cuestión en del cómic. E igual puedo decir de Ernest R. Dickerson, quien ha dirigido los otros tres episodios. El director de ‘The Walking Dead’ se lo ha llevado al mismo terreno y acabamos teniendo más charlatanería y relaciones familiares que eventos relevantes.
En zona desolada de Nueva York, Manhattan, a lo ‘Soy leyenda’. Aunque, tal y como se ha planteado la serie el simil más obvio es ‘1997: Rescate en Nueva York’. Más quisiera DuVernay tener el gancho y el carisma de Carpenter. Y en su desarrollo recuerda más a las contiendas y politiqueos de ‘Gangs of New York’, pero más quisiera Benjamin Bratt (Parco Delgado) tener la garra de Daniel Day-Lewis. No obstante, el personaje de Parco Delgado, “la voz del pueblo”, está bien tratado. Es definido por ECC Comics como una mezcla de Hugo Chavez, Che Guevara y Al Sharpton. Y aciertan pues es una especie de revolucionario, posicionándose cercano al pueblo llano, con palabrería y discursos.
El cómic tiene muchos guiños a DC Comics y la serie te pone la música de Rosalía cuando salen los hispanos. Habrá que conformarse. Falta discurso e incluso falta muchísima acción. Tengo claro que DuVernay no es una directora de mi agrado.
Dibujos animados para adultos con estética infantil
En junio de este 2022 llegará por fin la tercera temporada de ‘The Boys’. Su rodaje y en consecuencia, su estreno, se han retrasados por motivos obvios relacionados con la pandemia. Pero Prime Video ha querido darnos cuanto antes nuestra dosis de Garth Ennis y DarickRobertson con una antología animada llamada ‘The Boys Presents: Diabolical’.
A partir del 4 de marzo podréis ver ‘The Boys Presents: Diabolical’ que consiste en ochoepisodiosde13 minutos (alguno llega a los 20) con historias sueltas dentro del universo de ‘The Boys’. Se pueden considerar como precuelas de la serie y los cómics pues nos narran muchas aventuras (más bien desventuras) de muchos de los protagonistas cuando eran más jóvenes.
Si, la serie tiene dibujos tipo ‘Invincible’, el otro éxito de superhéroes de Prime Video. Pero ‘The Boys Presents: Diabolical’ es antología no solo porque cada nueva entrega nos narre una historia distinta sino porque al estilo ‘Love, death & robots’ o ‘Animatrix’ cada episodio nos lleva a un estilo diferente. Así pues, podemos ver desde el moderno corte americano, pasando por los recientemente exitosos dibujos de Adult Swim a lo Ricky y Morty incluyendo algo más infantil como la estética de los Looney Tunes y dos tipos diferentes de anime, uno más detallista y el otro más chibi. A continuación tenéis una galería con los estilos usados.
Y como digo en el titular este sigue siendo un contenido para adultos. Sigue siendo políticamente incorrecta y aunque tengamos la adorable cara de un bebé o el colorido de los dibujos de Hanna-Barbera la sangre tiñe constantemente la pantalla. Hay muertes de lo más bestiales, malsanas y retorcidas.
Si no me equivoco solo el actor de Patriota (Antony Starr) es el único en prestar su voz al personaje que ha interpretado. Me parece curioso que ya que hayan cogido a otros actores famosos para doblar a los personajes y no hayan contado con los actores de la serie para sus propios personajes. Por ejemplo, Butcher (Carnicero) está doblado por Jason Isaacs, que tiene muy buena voz pero la de Karl Urban está muy vinculada ya al cazador de superhéroes, aquí llamados “súper”. Si a los actores de doblaje les fastidia que les quiten el trabajo estrellas que trabajan delante de las cámaras, me gustaría que saber qué ha pasado o que piensan los actores de la serie de acción real de ‘The Boys Presents: Diabolical’. Quizá su agenda no les ha permitido poner sus voces al estar sumergidos en el rodaje de la temporada tres.
La verdad es que la serie resulta muy divertida, sobre todo porque al presentarse en formato cortos de animación permite ser vista en cualquier momento o lugar. Aporta poco a la historia troncal de los 7 o de Vought pero por lo menos respeta el canon. A continuación os relato de qué va cada episodio para que sepáis qué os vais a encontrar.
‘I’m your pusher’: Seguimos a un camello de los Súper. Este contempla las consecuencias de lo que pasa al mezclar drogas de diseño con superpoderes. Kieran Culkin pone su voz a O.D. y Simon Pegg a Hughie, entre otros. El estilo es muy propio de las películas animadas de Warner/DC.
‘An Animated Short Where Pissed-Off Supes Kill Their Parents’: Nos trasladamos una especie de academia de desechos, de errores producidos por el Componente V, el producto de Vought para convertir bebés en superhombres. Esos rechazados se ponen en busca de la venganza hacia sus progenitores que les abandonaron por no salir como ellos querían. En esta serie con personajes a lo ‘Rick y Morty’ Kevin Smith dobla a un hombre cuyos ojos son tetas.
‘Nubian vs Nubian’: Un matrimonio de héroes afroamericanos trabaja en tándem. Pero a su hija no le gusta cómo se llevan el trabajo a casa y su relación amenaza ya roza el divorcio. La solución de la hija para reconciliar a sus padres no puede ser más retorcida. Don Cheadle interpreta al príncipe nubio y el estilo vuelve a ser muy norteamericano y moderno.
‘Laser Baby’s Day Out’: Uno de los más divertidos y tiernos. Es la aventura de uno de los científicos de Vought y la niña que es sujeto de sus pruebas. Recuerda a ‘El peque se va de marcha’ y está animado como los dibujos de los Looney Tunes.
‘John and Sun-Hee’: Un empleado de limpieza de Vought hace todo lo que está en su mano para salvar a su moribunda y enferma esposa. Pero todo se malogra pues acaba imbuyéndole un poder incontrolable. Aquí se usa un poder muy a lo ‘Elfen Lied’ y el estilo de animación también es anime. Youn Yuh-jung es la que presta su voz a la anciana protagonista.
‘BFFs’: Awkwafina dirige y dobla a la protagonista en esta historia de unas adolescentes y sus amigas, las cuales, buscan drogarse y pasárselo en grande. La cosa desemboca en una reinvención del Sr. Mojon de ‘South Park’. El episodio da grima pero es tierno y divertido. Lógico que se haya empleado anime tipo chibi.
‘Boyd in 3D’: Dos jóvenes obsesionados con los cánones de las redes y de nuevo una droga de diseño. Mala combinación que nos habla del ser fieles a uno mismo y del peligro de la envidia y el postureo. Es un poco tipo ‘El profesor chiflado’ y está dibujada como la película ‘Atlantis’.
‘One Plus One Equals Two’: Los primeros días de Patriota como uno de Los 7. La mente perturbada del líder de los súper vuelve a hacer de las suyas. El dibujo vuelve a hacer homenaje al ya inmenso universo animado de DC.
Después de dos años acechando por las calles de la ciudad como Batman (Robert Pattinson) e infundiendo miedo en las mentes perversas de los criminales, Bruce Wayne está sumido en las profundidades de las sombras de Gotham City. Este vigilante solitario cuenta con pocos aliados de confianza -Alfred Pennyworth (Andy Serkis), el teniente James Gordon (Jeffrey Wright)- entre la red corrupta de oficiales y figuras de perfil alto de la ciudad. Y eso le ha llevado a convertirse en la única encarnación de la venganza entre sus conciudadanos.
Cuando un asesino apunta a la élite de Gotham con una serie de maquinaciones sádicas, un rastro de pistas crípticas lleva al Mejor Detective del Mundo a realizar una investigación en el inframundo, donde se cruza con personajes como Selina Kyle/alias Catwoman (Zoë Kravitz), Oswald Cobblepot/alias El Pingüino (Colin Farrell), Carmine Falcone (John Turturro) y Edward Nashton/alias Enigma (Paul Dano). Las pruebas están cada vez más cerca de casa y la escala de los planes del perpetrador se vuelven más clara, así que Batman debe forjar nuevas relaciones, desenmascarar al culpable y hacer justicia al abuso de poder y a la corrupción que llevan mucho tiempo devastando Gotham City.
Crítica
Entre ‘Saw’ y ‘Seven’. El Battinson funciona
Difícil es la tarea que le ha tocado a Matt Reeves (‘Monstruoso (Cloverfield)’) pues el fandom es duro con la reinvención de los superhéroes, que se lo digan a Ben Affleck (conste que me gusta su Batman). En mi caso lo tiene fácil en el sentido de que me gusta que se exploren las distintas caras de los personajes, siempre y cuando se respete su esencia.
Con el Battinson Reeves nos devuelve al tema gótico en cuanto a estética y va más allá sumergiendo la psique del personaje en una depresión y una inacción más propia de un “emo”. Pero al igual que Nolan, emplea argumentos y elementos actuales y también trabaja los villanos desde un punto de vista psicológico. No creo que este filme esté por encima de ‘El Caballero Oscuro’ y tampoco creo que ‘The Batman’ suponga a Batman lo que ‘Joker’ al Joker, creo que esto tiene más pinta de trilogía que de one-shot. Pero sí pienso que es una revisión del personaje merecedora de aplauso pues como he dicho conecta con muchos cómics y supone un espectáculo. No creo que haya que obcecarse mucho en comparativas con otras pues esta es otra etapa de Batman, centrada más en su depresión, en su trauma o en su obsesión por la venganza.
He hecho la broma con el tema emo o grunge pero lo cierto es que otra virtud de este Batman es que tiene mensaje, que transgrede más allá del tema de las mayas. Nos habla de la tesitura del héroe a la hora de matar o no matar, nos habla de su relación con los villanos que le construyen indirectamente, introduce la habitual lucha de clases ricos vs pobres y sobre todo nos habla de transformación, de progresión, de como un sentimiento de venganza es sustituido por la difícil tarea de convertirse en el faro a seguir. Genial el clímax poniendo codo con codo al héroe con esos héroes que tanto hemos aplaudido en la pandemia. En ese sentido vemos que se diferencia de lo hasta ahora visto pues no se disponen ni las excentricidades de Burton ni el mártir o cabeza de turco de Nolan.
‘The Batman’ es un thriller policíaco tipo ‘Seven’, ‘Zodiac’ e incluso diría que roza ‘Los intocables’. El único problema que le encuentro a la película viene de ahí, de que tenemos una película de suspense (no veo terror como se ha dicho tanto) difícil de mantener en sus 175 minutos de duración. Están las peleas y persecuciones clásicas de Batman pero se percibe que se alarga en exceso. Por citar unos cómics que pueden servir como referencia están ‘Batman: Ego’ (por el debate interno del personaje), ‘Batman: Año Uno’ (por la relación entre Catwoman y Batman y por el toque detectivesco codo con codo junto a Gordon), ‘Batman: Año Dos’ (por alguna referencia a su segundo año en Gotham) y ‘Batman: El Largo Halloween’ (por su trama y el plan de su villano principal). Son cómics con mucho soliloquio escrito con tipografía manuscrita, a modo de diario o de carta de despedida y eso el filme lo plasma con voz en off.
Robert Pattinson como Batman da la talla. Pensaba que en ‘The Batman’ íbamos a ver al Batman de ‘El Batman del futuro’ pero me recuerda más por estética al de ‘Arkham origins’ mezclado con las interpretaciones de Lee Bermejo. Pero su carácter es algo menos explotado en el audiovisual del héroe de DC Comics. La inspiración es abiertamente Kurt Cobain, marcado por una tragedia y sin disfrutar de los excesos del multimillonario, es decir, desganado. La deprimente y solitaria imagen del rico, que muestra que el dinero no da la felicidad, lo da la venganza o el convertirse en otro personaje cara al público. También es bueno a la hora de mostrar su controversia interna entre el compromiso de Batman con Gotham y su legado familiar o con su nueva y escasa vida privada. También se explora el eterno conflicto de si debe matar o no. Y ahí es donde se manifiesta de la manera más mayúscula la esencia de Catwoman, que además de ser una ladrona supone un continuo conflicto para Batman.
Magnífica Zoë Kravitz que luciendo un traje la mar de sencillo nos devuelve a una Catwoman problemática y entre dos tierras. Igual que se respeta estupendamente a Gordon conservando su psique y sus valores o a El Pingüino (Colin Farrell limpiando su mal karma como villano desde Bullseye) y Falcone (con John Turturro a muerte) manteniendo la presencia mafiosa en Gotham. Pero si hablamos de psique recabamos en el villano principal de la cinta. Es el Enigma de Paul Dano el que nos deja boquiabiertos (salvo cuando canta). Con él se ha revisionado también a otro villano, Hush, creando una amalgama que nos brinda unos giros magníficos. Con él, ‘The Batman’ es una especie de ‘Saw’ sin gore en matrimonio con el John Doe de ‘Seven’.
Apabullante la música de Giacchino que me ha puesto los pelos de punta en más de una ocasión (como cuando el Pingüino ve a Batman del revés), estupendo y Batmobile al estilo del de Neal Adams, incluso Andy Serkis hace bien de Alfred. Si son ciertos los rumores esto será trilogía. Probablemente esta primera parte se conozca como ‘Vengeance’ que era su título inicial. No recomiendo esta película a los que busquen una epicidad basada en el espectáculo, solo a los que estén hartos de la infantilización de los superhéroes y al igual que con Nolan o ‘Joker’ persigan argumentos construidos y con cierto riesgo.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de marzo de 2022. Título original: The Batman. Duración: 175 min. País: EE.UU. Dirección: Matt Reeves. Guion: Matt Reeves, Peter Craig. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Robert Pattinson, Zöe Kravitz, Paul Dano, Andy Serkis, Colin Farrell, Jeffrey Wright, Peter Sarsgaard, John Turturro, Jayme Lawson, Con O’Neill, Barry Keoghan, Gil Perez-Abraham, Peter McDonald. Producción: 6th & Idaho Productions, DC Comics, DC Entertainment, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, adaptación, acción. Web oficial:https://www.thebatman.com/
Muchas son las visitas de alienígenas que nos ha recreado la ficción audiovisual y no siempre con ánimo de ejemplificar una invasión. Algunas veces y por distintos motivos los extraterrestres se quedan a vivir entre nosotros y hacen de las suyas a escondidas o con el conocimiento de unos pocos. Alf es un clásico, Roger (‘Padre made in USA’) es un ejemplo más moderno, ‘Extraterrestres en apuros’ una desconocida que recomiendo o un clásico más gamberro es el de ‘Los caraconos’. Desde el año pasado podemos meter en esta lista a ‘Resident alien’.
Como expliqué en la crítica de la primera temporada, esta historia surge del formato comiquero. Las viñetas hoy en día parece que se van salvando de tanta corrección política y a la hora de trasladar este título a serie se ha mantenido el tono. Podréis comprobar el 28 de febrero a las 22h (es cuando el canal SYFY estrena la segunda temporada) como la historia sigue teniendo su mala leche habitual, sus momentos incómodos o incluso asquerosos y su humor negro.
Pero aunque ‘Resident alien’ sigue siendo una comedia disparatada y de personajes ridículos, continua teniendo momentos serios, dentro de lo que cabe. Aún mantiene su discurso sobre la condición humana y todo lo que la constituye. A través de Harry, el alienígena que interpreta Alan Tudyk, el escritor Chris Sheridan (‘Padre de familia’) hace un retrato en el que nos podemos sentir identificados muchas veces.
En la segunda temporada de ‘Resident alien’ vais a ver como Harry sufre una peligrosa amnesia, como gana un compañero de piso y como intenta ponerse en la piel de una mujer, entre otras muchas cosas. Y todo ello con tremenda gracia pues Alan Tudyk vuelve a demostrar que es la elección perfecta de casting para el protagonista pues es capaz de poner cara de alelado y a la vez usar una mirada propia del cabroncete abusón de tu colegio.
‘Resident alien’ es de esas series de las que nos alegramos que haya esquivado las cancelaciones derivadas de la pandemia. Su estilo de comedia estúpida y maquiavélica hace que su visionado nocturno suponga un cierre de día lleno de endorfina. Tudyk pilota la serie estupendamente pero delega mucho más en las historias de Asta o de la pareja de niños que para mí es la que más gracia tiene. Max y Sahar se meten en más de un lío y eso que están algo más de parte de Harry. Son dos trastos lejos de ser inocentones e intentan lidiar con el hecho de que Harry esté de nuevo cautivo en la tierra por su culpa.
Si no tenéis SYFY en vuestra parrilla de canales ‘Resident alien’ junto a ‘Chucky’ es un buen atractivo, siempre y cuando os gusten las historias fantásticas con toques adultos, discursos en segundo plano y algo de carnaza.
El canal SYFY anunció ayer la fecha de estreno de la segunda temporada de ‘Resident Alien’. Será el 28 de febrero a las diez de la noche cuando continuemos con la peculiar aventura del alienígena varado en el planeta que quiere destruir, el nuestro. Harry Vanderspeigle (Alan Tudyk) volverá a nuestras pantallas con su mala leche y con su peculiar manera de aprender a ser un humano.
En esta segunda temporada averiguaremos qué hizo Harry con su polizón Max (Judah Prehn). También descubriremos como se desarrolla la relación entre podrá Asta (Sara Tomko) y la hija que dejó abandonada Jay (Kaylayla Raine). Y por supuesto seguiremos los pasos de los Hombres de Negro ahora que tras haber tenido un primer contacto con Harry procurarán salir adelante.
Si no sabéis de que estamos hablando podréis poneros al día ya que la temporada 1 de ‘Resident Alien’ sigue estando disponible en vídeo bajo demanda en todos los operadores que contienen el canal SYFY en sus parrillas. SYFY está disponible en Movistar+, Vodafone TV, Orange TV, Virgin, Euskaltel, R y Telecable.
‘Resident aAlien’ es una comedia de ciencia ficción basada en los cómics de Dark Horse, Resident Alien sigue a un extraterrestre accidentado (Alan Tudyk) que debe asumir la identidad de un médico en un pueblo pequeño y de alguna manera encontrar la forma de encajar con la población humana local. Mientras descubre lo que significa ser humano, comenzará a cuestionarse si merece la pena salvar a la humanidad mientras lidia con la moralidad de su misión secreta en la Tierra.
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