Crítica: ’28 años después: el templo de los huesos’

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Cuando la ira ya no necesita excusas pero aún así te las da

Hablar de ‘28 años después. El templo de los huesos’ implica aceptar, desde el primer minuto, que la saga ha dejado de buscar respetabilidad para abrazar el exceso como forma de discurso. Si ‘28 años después’ fue un capricho lúcido de Danny Boyle y Alex Garland, una secuela que utilizaba el apocalipsis para disparar contra el aislamiento británico, el nacionalismo rancio y la obediencia militar ciega, esta nueva entrega dirigida por Nia DaCosta opta por regresar a los orígenes salvajes del relato. No es una marcha atrás, sino una mutación: menos alegoría ordenada y más demencia consciente.

DaCosta, que ya demostró en ‘Candyman’ su interés por reformular mitologías desde una mirada incómoda, recoge el testigo (con Garland firmando el guión) y lo lleva a un terreno donde la lógica se fragmenta, pero el subtexto permanece. ‘28 años después. El templo de los huesos’ no quiere ser una película elegante ni medida. Quiere ser un artefacto furioso, impregnado de rabia acumulada, tanto vírica como social.

Un mundo roto que ya no cree en la razón

La película es plenamente consciente de su escenario: una población aislada, mermada y mentalmente erosionada por décadas de abandono. Aquí los infectados no son solo cuerpos descontrolados, sino el espejo deformado de una sociedad mermada que lleva demasiado tiempo sobreviviendo sin horizonte. El virus de la ira ya no es únicamente un catalizador narrativo, es un estado emocional colectivo.

Visualmente, DaCosta conserva la columna vertebral estética de la saga, cámara nerviosa, suciedad digital, violencia abrupta, pero introduce una imaginería más cercana a lo ritual y lo sacrílego. El “templo” del título no es solo un espacio físico, sino una metáfora de cómo la desesperación acaba organizándose en torno a creencias extremas. En ese sentido, la película se permite una libertad tonal que roza lo delirante, como demuestra una de sus decisiones musicales: mezclar una canción de Duran Duran asociada al opening del anime ‘Speed Grapher’ con el icónico ‘The number of the beast’ de Iron Maiden. No es un guiño gratuito, sino una declaración de principios: lo pop, lo satánico y lo apocalíptico conviven sin jerarquías.

Este enfoque también sirve para dar sentido retrospectivo al extravagante final de la entrega anterior y a la aparición de los Jimmys, liderados por Jack O’Connell. Lo que antes podía parecer una sátira excesiva, con ecos evidentes al caso mediático de Jimmy Savile que ya explicamos en esta web, aquí adquiere una dimensión más inquietante. Los Jimmys ya no son solo una broma negra: representan cómo el vacío moral se llena con ídolos grotescos cuando las instituciones colapsan.

Ciencia, fe y el nuevo rostro del fanatismo

Uno de los grandes aciertos de ‘28 años después. El templo de los huesos’ está en el choque ideológico entre los personajes interpretados por Ralph Fiennes y Jack O’Connell. El primero encarna una visión científica, cansada pero firme, con unas maneras encantadoras. El segundo, un líder satanista que abraza el caos como respuesta al abandono. El enfrentamiento entre ambos articula el núcleo temático del filme: la guerra contemporánea entre conocimiento y creencia, entre hechos contrastados y narrativas conspiranoicas.

Resulta especialmente sugerente ver a O’Connell en este rol tan sacrílego tras su presencia destacada en ‘Sinners’, una de las películas de terror más comentadas de la temporada anterior. Aquí su personaje canaliza un carisma peligroso, muy reconocible en una época en la que el negacionismo y las teorías delirantes ganan terreno frente a verdades científicas largamente asumidas. Garland, fiel a su trayectoria en la ciencia ficción, utiliza este conflicto para insistir en que el verdadero terror no está en los infectados, sino en la facilidad con la que la razón se convierte en enemiga en aras de libertades que dan rienda suelta a nuestra naturaleza salvaje.

No es casual que el tráiler incorpore la voz de Arthur C. Clarke, recuperando una reflexión sobre un futuro impredecible y brutal. En aquella intervención para la BBC, Clarke advertía también de cómo el avance científico puede hacer que ciertas mentalidades se vuelvan conservadoras por miedo a quedarse atrás. Esa idea atraviesa la película como un nervio oculto y conecta tanto con la primera ‘28 días después’ como con esta nueva entrega.

Un cierre más sólido y un futuro inquietante

A diferencia de su predecesora, ‘28 años después. El templo de los huesos’ ofrece un final más cerrado, menos extravagante y narrativamente más satisfactorio. No renuncia al impacto ni al hype, pero evita la sensación de chiste privado que dividió a parte del público. La última escena unirá a buena parte de los desencantados con el estreno del año pasado. Aunque por otro lado se introduce un elemento clave relacionado con la evolución del virus que reconfigura el tablero y despertará una expectación genuina olvidada en otras historias de zombies como ‘The Walking Dead’.

Sabiendo que esta cuarta entrega se rodó de manera simultánea y que será Danny Boyle quien cierre esta etapa de la saga, la película funciona como un puente sólido entre el caos y la conclusión. No es una simple película de zombis, es un comentario incómodo sobre un mundo que, incluso sin virus, ya parece infectado de ira.

Ficha de ‘28 años después: el templo de los huesos

Estreno en España: 16 de enero de 2026. Título original: 28 Years Later: The Bone Temple. Duración: 109 min. País: Reino Unido. Dirección: Nia DaCosta. Guion: Alex Garland. Música: Hildur Guðnadóttir. Fotografía: Sean Bobbitt. Reparto principal: Ralph Fiennes, Jack O´Connell, Alfie Williams, Erin Kellyman, Chi Lewis-Parry. Producción: Columbia Pictures, DNA Films, Decibel Films. Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial.

Nominaciones a los Premios Goya 2026

‘Los domingos’ y ‘Sirat’ se baten en duelo en los próximos Goya

La actriz Toni Acosta y el actor y productor Arturo Valls, han sido los encargados de desvelar los aspirantes a conseguir el Premio Goya en la próxima 40 edición.

El 28 de febrero tendremos nuestra gran cita con el cine español en Barcelona. Allí podremos ver pasar a lo mejor de este pasado año 2025. Con 13 nominaciones, ‘Los domingos’ es la favorita, seguida muy de cerca por ‘Sirat’. Pero no se quedan lejos ‘La cena’ con 8 nominaciones o ‘Sorda, ‘El Cautivo’ y ‘Tigres’ con 7  nominaciones cada una.

Sin duda un año lleno de grandes películas y en las que hemos visto brillar a sus estrellas de cine. Sin más os dejamos con la lista de nominados de esta 40ª edición de los Premios Goya 2026.

Nominados

Mejor Película

  • ‘La cena’ de Manuel Gómez Pereira
  • ‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa
  • ‘Maspalomas’, de José Mari Goenaga y Aitor Arregi
  • Sirat’, de Oliver Laxe
  • Sorda’, de Eva Libertad

Mejor Actor Protagonista

  • Alberto San Juan por ‘La cena’
  • Miguel Garcés por ‘Los domingos’
  • José Ramón Soroiz por ‘Maspalomas’
  • Mario Casas por ‘Muy lejos
  • Manolo Solo por ‘Una quinta portuguesa’

Mejor Actriz Protagonista

  • Ángela Cervantes por ‘La furia’
  • Patricia López Arnaiz por ‘Los domingos’
  • Nora Navas por ‘Mi amiga Eva’
  • Susana Abaitua por ‘Un fantasma en la batalla’
  • Antonia Zegers por ‘Los tortuga’

Mejor Actor de Reparto

  • Miguel Rellán por ‘El Cautivo’
  • Juan Minujín por ‘Los Domingos’
  • Kandido Uranga por ‘Maspalomas’
  • Tamar Novas por ‘Rondallas’
  • Álvaro Cervantes por ‘Sorda’

Mejor Actriz de Reparto

  • Elvira Mínguez por ‘La cena’
  • Nagore Aramburu por ‘Los domingos’
  • Miryam Gallego por ‘Romería’
  • Elena Irureta por ‘Sorda’
  • María de Medeiros por ‘Una quinta portuguesa’

Mejor Dirección

  • Alauda Ruiz de Azúa por ‘Los domingos’
  • Aitor Arregi y José Mari Goenaga por ‘Maspalomas’
  • Carla Simón por ‘Romería’
  • Oliver Laxe por ‘Sirat’
  • Albert Serra por ‘Tardes de soledad

Mejor Guion Original

  • Alauda Ruiz de Azúa, por ‘Los domingos’
  • Jose Mari Goenaga, por ‘Maspalomas’
  • Oliver Laxe y Santiago Fillol, por ‘Sirat’
  • Agustín Díaz Yanes, por ‘Un fantasma en la batalla’
  • Avelina Prat, por ‘Una quinta portuguesa’

Mejor Guion Adaptado

  • Guillermo Galoe y Víctor Alonso-Berbel por ‘Ciudad sin sueño
  • Celia Rico Clavellino por ‘La buena letra’
  • Joaquín Oristrell, Manuel  Gómez Pereira y Yolanda García Serrano por ‘La cena’
  • Carla Simón por ‘Romería’
  • Eva Libertad por ‘Sorda’

Mejor Dirección Novel

  • Ion de Sosa por ‘Balearic
  • Jaume Claret Muxart por ‘Estrany Riu’
  • Gemma Blanco por ‘La furia’
  • Gerard Oms por ‘Muy lejos’
  • Eva Libertad por ‘Sorda’

Mejor Actor Revelación

  • Toni Fernández Gabarre por ‘Ciudad sin sueño’
  • Julio Peña por ‘El Cautivo’
  • Hugo Welzel por ‘Enemigos’
  • Jan Monter Palau por ‘Estrany Riu’
  • Mitch por ‘Romería’

Mejor Actriz Revelación

  • Nora Hernández por ‘La cena’
  • Blanca Soroa por ‘Los domingos’
  • Elvira Lara por ‘Los tortuga’
  • Llúcia García por ‘Romería’
  • Miriam Carlo por ‘Sorda’

Mejor Película Europea

  • Cónclave’ de Edward Berger
  • ‘La chica de la aguja’ de Magnus von Horn
  • ‘On Falling’ de Laura Carreira
  • ‘Un simple accidente’ de Jafar Panahi
  • Valor sentimental’ de Joachim Trier

Mejor Película Iberoamericana

  • ‘Belén’ de Dolores Fonzi
  • ‘La misteriosa mirada de flamenco’ de Diego Céspedes
  • ‘La piel de agua’ de Patricia Velásquez
  • ‘Manas’ de Marianna Brennand Fortes
  • ‘Un poeta’ de Simón Mesa Soto

Mejor Película Documental

  • ‘Todos somos Gaza’ de Hernán Zin
  • ‘Eloy de la Iglesia. Adicto al cine’ de Gaizka Urresti
  • Flores para Antonio’ de Elena Molina e Isaki Lacuesta
  • ‘Tardes de soledad’ de Albert Serra
  • ‘The Sleeper. El Caravaggio perdido’ de Álvaro Longoria

Mejor Película de Animación

  • Bella’ de Manuel H. Martín y Amparo Martínez Barco
  • Decorado’ de Alberto Vázquez
  • ‘El tesoro de Barracuda’ de Adrià García
  • Norbert’ de José Corral Llorente
  • ‘Olvia y el terremoto invisible’ de Irene Iborra

Mejor Montaje

  • ‘Ciudad sin sueño’
  • ‘Los domingos’
  • ‘Los tigres’
  • ‘Sirat’
  • ‘Un fantasma en la batalla’

Mejor Dirección de Fotografía

  • ‘Ciudad sin sueño’
  • ‘Los domingos’
  • ‘Los tigres’
  • ‘Maspalomas’
  • ‘Sirat’

Mejor Maquillaje y Peluquería

  • ‘El cautivo’
  • Gaua
  • ‘La tregua’
  • ‘Maspalomas’
  • ‘Sirat’

Mejores Efectos Especiales

  • ‘Enemigos’
  • ‘Gaua’
  • ‘Los tigres’
  • ‘Sirat’
  • ‘Un fantasma en la batalla’

Mejor Diseño de Vestuario

  • ‘El cautivo’
  • ‘Gaua’
  • ‘La cena’
  • ‘Los domigos’
  • ‘Romería’

Mejor Música Original

  • ‘El talento’
  • ‘Leo & Lou’
  • ‘Los tigres’
  • ‘Maspalomas’
  • ‘Sirat’

Mejor Canción Original’

  • ‘Caigan las rosas blancas’
  • ‘Flores para Antonio’
  • ‘Hasta que me quede sin voz’
  • ‘La cena’
  • ‘Parecido a un asesinato’

Mejor Sonido

  • ‘El cautivo’
  • ‘Los domingos’
  • ‘Los tigres’
  • ‘Sirat’
  • ‘Sorda’

Mejor Dirección de Arte

  • ‘El cautivo’
  • ‘La cena’
  • ‘Los tigres’
  • ‘Maspalomas’
  • ‘Sirat’

Mejor Dirección de Producción

  • ‘Ciudad sin sueño’
  • ‘El cautivo’
  • ‘Los domingos’
  • ‘Los tigres’
  • ‘Sirat’

Mejor Cortometraje de Ficción

  • Ángulo muerto
  • ‘Sucre’
  • ‘El cuento de una noche de verano’
  • ‘Sexo a los 70’
  • ‘Una cabeza en la pared’

Mejor cortometraje documental

  • ‘Disonancia’
  • ‘El santo’
  • ‘La conversación que nunca tuvimos’
  • ‘The painter’s room’
  • ‘Zona Wao’

Mejor Cortometraje de animación

  • ‘Buffet’
  • ‘Paraíso’
  • ‘Carmela’
  • ‘El corto de Rubén’
  • ‘El estado del Alma y Gilbert’

Crítica: ‘El hombre menguante’

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Crítica

Poética y nostálgica

Richard Matheson es sin duda uno de los mejores escritores de ciencia ficción de toda la historia. ‘Soy Leyenda’, Más allá de los sueños’, ‘El diablo sobre ruedas’ o ‘El hombre menguante’, son parte de su imaginario.

En este caso, hoy os vamos hablar de la estupenda ‘El hombre menguante’ dirigida por Jan Kounen y protagonizada por Jean Dujardin. Una historia de supervivencia, poética y visualmente una maravilla.

¿Qué vamos a ver en ‘El hombre menguante’?

Aquí conocemos a Paul, un hombre de éxito, que tras un suceso extraño en el cielo, comienza a encoger. Poco a poco, día a día, su ropa le va quedando cada día más holgada, más grande. Piensa que está adelgazando, hasta que llega un momento en el que se da cuenta que su mujer está a su misma altura, siendo él, un hombre bastante alto.

Con esta premisa tan sencilla comenzamos a ver una película llena de filosofía, de imágenes increíbles y con una banda sonora preciosa.

‘El hombre menguante’ me ha gustado muchísimo, por lo que pude ver en el visionado en el Festival de Sitges, no va a gustar a todo el mundo. Es cierto que tiene un ritmo un tanto pausado, pero es que le viene perfecto. Justo esta novela no la he leído, pero he leído a Matheson y sus novelas son muy poéticas y es lo que vemos aquí. Escucho al escritor, escucho su manera de narrar y sin duda Jon … logra transmitir perfectamente esa manera de contar la historia.

Como digo, es una película preciosa, creo que no debéis compararla con la del año 1957, pues era una película de más acción, igual de buena, pero tiene un concepto totalmente diferente.

Equipo de la película

Jan Kounen es el encargado de la dirección, ha trabajado duro para lograr una película en mi opinión bastante perfecta. Visualmente es una delicia y además nos contó que los efectos especiales fueron bastante cuidados, porque querían que fuese todo bastante manual (aquí podéis escucharle durante el Festival de Sitges).

En el reparto tenemos a Marie-Josée Croze, Daphné Richard, Salim Talbi, Serge Swysen y Stéphanie Van Vyve. Todos ellos acompañan al gran Jean Dujardin, el cual siempre está perfecto.

Jean Dujardin carga con toda la película bajo sus hombros y hace un gran trabajo. Aguanta todo con gran soltura y logra mantenernos a la espera del siguiente paso de este pobre hombre que solo quiere entender que es lo que le está ocurriendo.

Pero esta cinta no sería lo mismo sin el gran trabajo de todo el equipo, desde el montaje, que sin duda tuvo que ser difícil, pasando por la gran banda sonora de Alexandre Desplat que es preciosa y la fotografía de Christophe Nuyens.

No puedo deciros otra cosa que le deis una gran oportunidad a ‘El hombre menguante’. Una cinta que tiene que verse en gran pantalla y con un gran equipo de sonido. Una película muy disfrutable y que sin duda os dará para una charla después del visionado.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de enero de 2026. Título original: L’homme qui rétrécit. Duración: 100 min. País: Francia. Dirección: Jan Kounen. Guion: Christopher Deslandes, Jan Kounen. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Christophe Nuyens. Reparto principal: Jean Dujardin, Marie-Josée Crozé, Daphné Richard, Salim Talbi, Serge Swysen, Stéphanie Van Vyve. Producción: Pitchipoï, Picture Perfect Entertainment. Distribución: DeAPlaneta. Género: Ciencia Ficción, drama. Web oficial.

Análisis de ‘Basil. El Ratón Superdetective’

El ratón más famoso de nuestra infancia llega a nuestras casas

Divisa Films nos trae esta fantástica película a nuestras casas. ‘Basil. El ratón superdetective’, sin duda una de mis favoritas y qué deciros, de las mejores de Disney. Oscura y muy entretenida. Basada en los cuentos de Eve Titus, la película nos presenta a Basil y al Dr. Watson, los alter ego de aquellos detectives londinenses tan famosos. Estos en forma de ratón, nos llevan a los bajos fondos de Londres, donde la enorme rata Ratiggan está haciendo inventivas para atentar contra le reina de los ratones.

Una película que a muchos nos hizo descubrir no solo el género detectivesco, si no también, descubrir a Sherlock Holmes. Ese personaje que aparece en el piso de arriba de este pequeño roedor.

La película, como he comentado, es bastante seria y oscura, de pequeña me encantaba y la he vuelto a ver y sigue siendo tan perfecta. Esta vez, me la he visto en su versión original y que deciros, Vincent Price como la voz del villano es una verdadera gozada.

Imagen: 1080p Alta Definición / 1.78:1 7 16×9

Idiomas: Dolby Digital 5.1: Español Latino 7 DTS-HD MA 5.1: Inglés.

Subtítulos: Español Latino, Inglés codificado para sordos.

A continuación os dejamos las fotografías de la edición, los extras y al finalizar el artículo un pequeño vídeo donde os mostramos la edición.

EXTRAS

Aunque los extras son cortitos, admito que son una pequeña joya. Escuchar de viva voz a Vincent Price tan emocionado hablar de su personaje, es un lujo tremendo. Me parece una pequeña joya que es un gustazo poder tener en nuestras casas gracias a la recopilación de todo este material.

¿Así que crees poder ser como un detective? (04:41 min)

En este extra, conocemos un poco de la historia de los detectives privados que tantas horas de entretenimiento nos han dado, tanto en cine como en literatura.

La mente criminal más grande del mundo (02:00 min)

Rattigan, sin duda uno de los mejores villanos de la factoría Disney.

 Una canción para cantarla juntos

Podemos cantar junto a Rattigan la canción más pegadiza de la película.

La realización de policías y ratones (07:53 min)

Entrevistas con los dobladores, animadores, actores de doblaje, entre ellos Vincent Price. Un material muy interesante.

 

 

 

 

Chris Pratt visita Madrid para presentar ‘Sin piedad’

El actor protagoniza un intenso thriller futurista y se deja ver en Madrid en un exclusivo photocall matinal

Madrid ha sido una de las paradas clave de la gira promocional de ‘Sin piedad’, el nuevo thriller de ciencia ficción protagonizado por Chris Pratt. El actor estadounidense visitó la capital para presentar la película y atender a la prensa en un encuentro breve pero muy esperado por medios y fans. Recordemos que hace muy poco y en el mismo hotel, Chris Pratt atendió también a la prensa, en aquella ocasión por el estreno de ‘Estado eléctrico’ acompañado de Millie Bobby Brown y los hermanos Russo

Chris Pratt, de estreno en la capital

La visita de Pratt confirma la apuesta de Sony Pictures por el mercado español, eligiendo Madrid como escenario para dar a conocer una de sus producciones más ambiciosas de los últimos años dentro de la ciencia ficción y la acción. El actor se mostró cercano y relajado, conversando con los fotógrafos y animando a que viesen un proyecto que combina tensión judicial, drama personal y especulación tecnológica.

Un photocall matutino con el protagonista

Durante la mañana, tuvimos la oportunidad de acompañar a Chris Pratt en un photocall exclusivo, donde posó para los medios y posteriormente concedió entrevistas. El actor cambia ligeramente de tercio y acepta el desafío de interpretar a un personaje al límite, atrapado entre el pasado y un sistema judicial implacable gobernado por inteligencia artificial.

Un thriller futurista contrarreloj

‘Sin piedad’ sitúa la acción en un futuro cercano en el que la justicia ha delegado sus decisiones en una avanzada jueza de inteligencia artificial, interpretada por Rebecca Ferguson. Pratt da vida a un detective acusado del asesinato de su esposa, enfrentado a un juicio tan frío como matemático.

La película se articula como una carrera contrarreloj: el protagonista dispone de apenas hora y media para demostrar que no es culpable antes de que la jueza digital emita un veredicto definitivo. El conflicto se intensifica al revelarse que él fue uno de los principales defensores del sistema que ahora puede condenarlo, añadiendo una capa moral y emocional al relato.

Con una premisa inquietante y un reparto de primer nivel, ‘Sin piedad’ se perfila como uno de los thrillers más comentados en este arranque de año. La presencia de Chris Pratt en Madrid ha servido para aumentar la expectación y poner el foco en una película que invita a reflexionar sobre los límites de la tecnología y la justicia.

Crítica: ‘Donde se quejan los pinos’

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 Crítica

Impactante y desolador

Los cortometrajes muchas veces impactan mucho más que una película de 2 horas, logran calar fuertemente con 11 minutos de duración, logrando finales tan impactantes y sorprendentes que crean un debate muy interesante.

Este es el caso de ‘Donde se quejan los pinos’, donde Ed Antoja, nos habla de lo terrible de las rencillas por los terrenos boscosos, de como hasta al familiar más allegado le interesa mucho más el dinero que puede dar un bosque que la vida que hay en él.

¿Qué nos muestra ‘Donde se quejan los pinos’?

Comenzamos con una investigación policial. Dos policías miran hacia abajo, ha habido un crimen que tienen que resolver y están bastante abatidos. Con ello vemos el pasado en el que, al protagonista de esta historia, no hacen más que intentar convencerle que se deshaga de sus terrenos.

‘Donde se quejan los pinos’ está muy bien realizado, tiene una fotografía muy bonita y llamativa, llena de contrapicados exagerados, pero que tienen un porqué. Y cuando llega el final entiendes todo. Solo tengo buenas palabras para ‘Donde se quejan los pinos’ Y es que sin duda el final te deja totalmente en shock, no te lo esperas y creo que Ed Antoja hace algo tan bueno con ese desenlace. Triste, impactante y por desgracia demasiado real.

Equipo de la película

En la dirección, como hay he nombrado, está en manos de Ed Antoja. Según he leído, tiene un futuro proyecto de largometraje de ficción y esta ha sido su manera de comenzar a rodar ficción. Ya que todo lo que había realizado era documental. En el guion está Isa Pastor.

Y en el reparto encontramos a Almudena Amor, Ramón Barea, Alex Moreu, Francesc Orella y Victor Solé. Todos ellos estupendos en sus papeles. En la fotografía tenemos a Hugo Prats, que como he dicho, me parece que ha realizado un trabajo espectacular.

Sensibilidad social

Después de un 2025 cargado de incendios forestales, donde muchos de los bosques de la Península Ibérica han sufrido por parte de la mano humana. Conflictos familiares, intereses económicos, procesos especulativos o ya en algún caso, causas naturales, han hecho que hayamos perdidos miles y miles de hectáreas de monte.

Ed Antoja nos muestra toda la vida que da un bosque, no solo hablando de los árboles, plantas y demás seres vivos que viven en ellos, sino también, la vida que da a la gente que lo quiere proteger.

Ficha de la película

Estreno en España: Próximamente. Título original: Donde se quejan los pinos. Duración: 11 min. País: España. Dirección: Ed Antoja. Guion: Isabel Pastor. Música: Simon Smith. Fotografía: Hugo Prats. Reparto principal: Ramón Barea Francesc Orella, Almudena Amor, Víctor Solé, Álex Moreu. Producción: La Diferencia. Género: Thriller, drama. Web oficial.

Crítica: ‘Locas del ático’

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Una relectura necesaria sobre la mujer “loca”

Hablar de ‘Locas del ático’, el cortometraje dirigido por Tamara García Iglesias, implica asumir desde el primer momento que no estamos ante una obra cómoda ni complaciente. Se trata de un ensayo cinematográfico que utiliza el archivo no como ilustración del pasado, sino como un territorio en disputa. La película propone una relectura radical de cómo el cine, la fotografía y el discurso médico del siglo XX construyeron la imagen de la mujer “loca” y la fijaron en el imaginario colectivo como un cuerpo sin voz, sometido y espectacularizado.

Lejos de una aproximación académica fría, García Iglesias articula un dispositivo profundamente político, que interpela al espectador desde la materialidad misma de las imágenes. El resultado es una obra que dialoga con el cine feminista, el found footage y el cine experimental contemporáneo, y que explica en gran medida su notable recorrido por festivales internacionales y su presencia en la shortlist de los próximos Premios Goya.

El archivo como herida abierta

‘Locas del ático’ se construye a partir de imágenes de archivo cinematográfico y fotográfico de principios del siglo XX, muchas de ellas ligadas a la patologización de la histeria femenina impulsada por Jean-Martin Charcot y sus célebres demostraciones médicas. Estas imágenes, que durante décadas fueron presentadas como documentos científicos o espectáculos de feria, son aquí despojadas de su supuesta neutralidad. La cineasta no las muestra para reafirmar su valor histórico, sino para evidenciar su violencia simbólica.

El cortometraje establece una relación directa entre esas fotografías médicas y las primeras representaciones cinematográficas de mujeres perturbadas en el cine mudo y sonoro temprano. Mujeres que gritan, se retuercen, pierden el control de su cuerpo y sirven como proyección de miedos masculinos. García Iglesias señala con precisión cómo ese imaginario visual se consolidó como un molde narrativo que el cine replicó durante décadas, convirtiendo la locura femenina en un cliché estético antes que en una experiencia humana.

Aquí, el archivo no es nostalgia: es acusación. La directora lo fragmenta, lo ralentiza, lo confronta, obligándonos a mirar de nuevo aquello que creíamos conocer.

Voces que reescriben el silencio

Uno de los grandes aciertos de ‘Locas del ático’ es su trabajo sonoro y vocal. Las voces de Carmen San Esteban y Manuelle Rippert no ilustran las imágenes; las contradicen, las atraviesan y las resignifican con muy pocas frases. En especial, la presencia de Marguerite Duras, reinterpretada por Rippert, funciona como un contrapunto literario de enorme potencia. Su tono íntimo y reflexivo introduce una grieta en el discurso dominante del archivo, desplazando el foco desde el espectáculo de la locura hacia la experiencia subjetiva de las mujeres representadas.

Este gesto transforma el cortometraje en un casting simbólico y analógico: un proceso de selección inverso donde las mujeres históricamente exhibidas como “las mejores enfermas” recuperan una voz propia. Ya no son cuerpos diagnosticados, sino presencias que interpelan al presente. El montaje subraya esta operación política, evitando cualquier tentación de reconstrucción ficcional y apostando por la fricción constante entre imagen y sonido.

La película no busca redimir el pasado, sino hacerlo legible desde una sensibilidad contemporánea que reconoce la continuidad de estos estereotipos en el audiovisual actual.

Un cine político desde lo formal

Formalmente ‘Locas del ático’ se inscribe en una tradición de cine ensayo que entiende la forma como contenido. Cada decisión estética (el ritmo, el uso del blanco y negro, la textura del archivo, la fragmentación narrativa) refuerza su discurso crítico. No hay didactismo ni subrayados innecesarios; hay una confianza absoluta en la inteligencia del espectador.

El apoyo institucional recibido, tanto desde el ámbito local como autonómico, resulta coherente con una obra que sitúa a Vitoria-Gasteiz y al País Vasco en el mapa del cine documental y experimental más comprometido. La película dialoga con debates contemporáneos sobre representación, memoria histórica y género, sin perder nunca su dimensión cinematográfica.

‘Locas del ático’ no pretende cerrar una herida, sino mantenerla visible. Su valor reside precisamente en esa incomodidad: en obligarnos a asumir que las imágenes del pasado siguen operando en el presente. Es un cortometraje que no se limita a revisar la historia del cine, sino que cuestiona los mecanismos mismos con los que miramos, clasificamos y narramos los cuerpos femeninos. Una obra necesaria, rigurosa y profundamente contemporánea.

Ficha de ‘Locas del ático’

Estreno en España: 2025. Título original: Locas del ático. Duración: 16 min. País: España. Dirección: Tamara García Iglesias. Guion: Tamara García Iglesias. Fotografía: Tamara García Iglesias. Reparto principal: Manuelle Ripert, Carmen San Esteban. Producción: cSc Films, Atekaleun, Aeko Estudios. Género: documental. Web oficial.

Crítica: ‘Nouvelle Vague’

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Un cineasta libre resucitando a otros cineastas libres

Richard Linklater, causó sensación con aquel experimento cinematográfico que fue ‘Boyhood’, y ahora vuelve a demostrar que su cine no solo observa el paso del tiempo, sino también los momentos en que el arte decide reinventarse. Con ‘Nouvelle Vague’, el director estadounidense se enfrenta a una de las mitologías más complejas y reverenciadas de la historia del cine: aquella generación de cineastas franceses que, a finales de los años cincuenta, dinamitó las convenciones narrativas, estéticas e industriales heredadas. Consciente de lo inabarcable del movimiento, Linklater opta por una decisión tan inteligente como honesta: centrar el relato en Jean-Luc Godard y en el periodo concreto del rodaje de ‘Al final de la escapada’, la película que marcó un antes y un después en la manera de filmar y mirar el cine.

Godard como símbolo de una revolución colectiva

‘Nouvelle Vague’ entiende que la Nouvelle Vague no fue un estilo homogéneo, sino una actitud. Linklater no intenta resumir a toda una generación en un discurso académico, sino capturar el nervio creativo que unía a aquellos jóvenes críticos de Cahiers du Cinéma convertidos en cineastas. Godard emerge como epicentro narrativo no por ser el único, sino porque su figura condensó como pocas el inconformismo, la provocación intelectual y la ruptura consciente con el cine de calidad francesa dominante.

La película se sitúa en los márgenes del rodaje de ‘Al final de la escapada’, pero evita el biopic convencional. No se trata de reproducir paso a paso cómo se filmó aquel clásico, sino de reimaginar lo que sucedía alrededor: discusiones estéticas, decisiones improvisadas, tensiones con la producción y una sensación constante de estar inventando algo sin manual de instrucciones. Godard aparece como un creador obsesivo, brillante y errático, capaz de convertir la limitación presupuestaria en una declaración de principios.

Reimaginar un rodaje para capturar un espíritu

Uno de los mayores aciertos de ‘Nouvelle Vague’ es cómo clava las escenas que remiten directamente a ‘Al final de la escapada’ sin caer en la mímesis vacía. Linklater reproduce encuadres, movimientos y situaciones reconocibles, pero el foco nunca está en la reconstrucción fetichista. Lo importante es el clima creativo que rodea esas imágenes: la libertad de filmar en la calle, el desprecio por las normas clásicas de continuidad y la convicción de que el cine podía dialogar con la vida real sin filtros.

El filme transmite la idea de la Nouvelle Vague como un grito artístico contra los corsés de la época, tanto estéticos como industriales. Hay en cada escena una sensación de urgencia, de estar filmando antes de que alguien diga que no se puede. Linklater adopta ese mismo espíritu en la puesta en escena, con una narrativa que fluye de forma fragmentaria, casi caprichosa, como si la película se estuviera descubriendo a sí misma mientras avanza.

Un homenaje coral que asume el riesgo de perder al espectador

‘Nouvelle Vague’ se apresura deliberadamente en presentar nombres clave del movimiento, y en ese vértigo corre el riesgo de desorientar al espectador menos familiarizado con la historia del cine. Truffaut, Chabrol, Rohmer, productores, técnicos, actores y críticos aparecen y desaparecen con rapidez, únicamente con una presentación formal. Sin embargo, esa acumulación no es un error, sino una declaración de intenciones.

Linklater no quiere simplificar una revolución que fue, por naturaleza, caótica y colectiva. El filme funciona como un homenaje a todos los artistas y mentes inspiradoras que hicieron posible aquel cambio de paradigma, incluso a costa de sacrificar cierta claridad expositiva. El resultado es una obra que no busca ser definitiva, sino contagiar una pasión: recordar que el cine avanza cuando alguien se atreve a romper las reglas y filmar como si todo estuviera por inventarse. Está llena de citas y alusiones la que mejor define el filme es la que recupera la figura de Leonardo da Vinci, «El arte nunca se termina, solo se abandona».

Ficha de Nouvelle Vague

Estreno en España: 9 de enero de 2025. Título original: Nouvelle Vague. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Richard Linklater. Guion: Holly Gent Palmo, Richard Linklater, Laetitia Masson, Vincent Palmo Jr., Michèle Pétin. Fotografía: David Chambille. Reparto principal: Guillaume Marbeck, Zoey Deutch, Aubry Dullin, Adrien Rouyard, Antoine Besson, Jodie Ruth-Forest, Bruno Dreyfürst. Producción: ARP Sélection, Detour Filmproduction, Ciné+OCS, Centre national du cinéma et de l’image animée (CNC), Canal+, Chanel. Distribución: Elástica. Género: drama, comedia. Web oficial.

Nominados a los Blogos de Oro 2026

Entrega de premios el 7 de febrero en formato virtual

La cuenta atrás ha comenzado. Los Premios Blogos de Oro 2026 revelan oficialmente sus nominados, marcando uno de los momentos señalados en el calendario del cine independiente y los medios de comunicación digitales. Un año más, estos galardones, impulsados por la comunidad de creadores de contenido ponen en valor las películas, interpretaciones y profesionales que han definido la temporada audiovisual desde la financiación alejada de las grandes productoras.

Los Blogos de Oro se han consolidado como un termómetro alternativo y cercano del gusto de los espectadores más activos en redes y plataformas digitales, combinando pasión, criterio crítico y una mirada diversa sobre la industria. Las nominaciones de esta edición reflejan esa pluralidad, con espacio tanto para grandes producciones como para propuestas más arriesgadas, autorales o independientes que han logrado conectar con la audiencia.

A partir de hoy, el público tendrá la oportunidad de conocer qué títulos y nombres competirán en cada categoría y, próximamente, participar en la gala virtual que tendrá lugar el 7 de febrero a las 17h. Los Premios Blogos de Oro 2026 no solo celebran el talento frente y detrás de las cámaras, sino también el papel fundamental de la comunidad cinéfila que los hace posibles año tras año.

Listado completo de nominados a los Blogos de Oro 2026

Mejor Actor de reparto

  • Ferran Vilajosana por ‘Disforia’
  • Javier Botet por ‘Historias de Halloween’
  • Mario Mayo por ‘Luger’
  • Tony Corvillo por ‘Azul de niño’
  • Vito Sanz por ‘Pequeños calvarios’

Mejor Actriz de reparto

  • Aída Folch por ‘Historias de Halloween’
  • Ana Turpin por ‘Luger’
  • Claudia Salas por ‘Disforia’
  • Marta Belenguer por ‘Pequeños calvarios’
  • Meritxell Huertas por ‘Azul de niño’

Mejor Actor principal

  • David Marcé por ‘Sin Él’
  • David Sainz por ‘Luger’
  • Iván Villanueva por ‘Santa Zeta’
  • Javier Chueca por ‘El poder del silencio’
  • Raúl Guardans por ‘Azul de niño’

Mejor Actriz principal

  • Eva de Luis por ‘Azul de niño’
  • Fariba Sheikhan por ‘Disforia’
  • Nekane Otxoa ‘Santa Zeta’
  • Nuria Santos por ‘El poder del silencio’
  • Sandra Escacena por ‘La casa en el árbol’

Mejor Guion

  • Bruno Martín y Santiago Taboada por ’Luger’
  • Enric Pardo, David Pascual y Guillermo Guerrero por ‘Pequeños Calvarios’
  • Nere Falagan, Jone Ibarretxe, Javier Echániz por ‘Esto no es Hollywood’
  • Raúl Guardans por ‘Azul de niño’
  • Saúl Pérez Ruano por ’El poder del silencio’

Mejor Dirección

  • Bruno Martín por ’Luger’
  • Christopher Cartagena por ‘Disforia’
  • Javier Polo por ‘Pequeños calvarios’
  • Nere Falagan,Jone Ibarretxe por ‘Esto no es Hollywood’
  • Saúl Pérez Ruano por ‘El poder del silencio’

Mejor Cortometraje

  • ‘893 Kilómetros’ de Rubén Guindo Nova
  • ‘Amira’ de Javier Yañez
  • ‘El cuerpo de Cristo’ de Bea Lema
  • ‘I walked through the wall’ de Pablo Larcuen
  • ‘La barraca’ de Júlia Castaño
  • ‘Ne me quitte pas’ de Karim Huu Do
  • ‘Pálpito’ de Marisa Crespo y Moisés Romera
  • ‘Pobre marciano’ de Alex Rey
  • ‘Póligono X’ de Néstor López
  • ‘Una cabeza en la pared’ de Manuel Manrique

Mejor Película

  • ‘Disforia’ de Isabel G. Peralta, Pablo López Torres y Christopher Cartagena
  • ‘El poder del silencio’ de Saúl Pérez Ruano y Manuel Valenzuela Iglesias
  • ‘Esto no es Hollywood’ de Euskadi Movie S.L.
  • ‘Luger’ de José Luis Rancaño y Bruno Martín
  • ‘Pequeños calvarios’ de Javier Polo, Gerard Rodríguez, Borja Aracil, Guillermo Polo, Jorge Hernández y Frank Lucas

Crítica: ‘Anaconda’

En qué plataforma ver Anaco

Superando la fiebre de los remakes, va del videoclub al metacine contemporáneo

El cine actual vive del gancho nostálgico y de atraer al público en una edad media de 30 o 40 años. Es por ello que los ochenta llevan siendo objeto de remakes y homenajes constantes. Pero el tiempo pasa, la audiencia crece y como con las modas hay que continuar con el ciclo. Poco a poco los años 90 se van apoderando de los planes y guiones que las productoras explotan. Es por eso que cabe recordar que durante la segunda mitad de los años noventa, Hollywood vivió un breve pero reconocible resurgir del cine de ataques de animales, un subgénero que, apoyado en el auge del CGI y en el gusto por los thrillers o las aventuras, volvió a convertir a la naturaleza en una amenaza imprevisible. Títulos como ‘Congo’ (1995), ‘The Edge’ (1997), ‘Deep Blue Sea’ (1999) o ‘Lake Placid’ (1999) trasladaban al espectador a entornos cerrados y hostiles, donde la supervivencia dependía tanto de la resistencia humana como de los errores de una ciencia o una ambición fuera de control. En ese contexto “creativo” nació ‘Anaconda’, que para muchos fue un clásico de videoclub. Para los protagonistas interpretados por Jack Black y Paul Rudd también fue así y Sony Pictures utiliza esa pasión para realizar un auto-homenaje y parodia a uno de sus títulos almacenados en su fondo de catálogo. Por supuesto ‘Jurassic Park’ es el máximo exponente de ese movimiento de películas de supervivencia y parece que conscientes de ello los protagonistas copian el vestuario de Laura Dern y Sam Neill.

Cuando descubres que Anaconda no es un remake, sino que se mira al espejo

La propuesta de Tom Gormican parte de una idea tan simple como arriesgada: no competir con el recuerdo del filme de 1997, sino dialogar con él desde el metacine. Esta nueva ‘Anaconda’ no pretende reemplazar al original, sino reflexionar sobre su condición de objeto de culto tardío, de película que creció en el imaginario popular a golpe de pases televisivos y estanterías de videoclub. Gormican, que ya demostró en ‘El insoportable peso de un talento descomunal’ un gusto evidente por el juego autorreferencial, vuelve a explorar la frontera entre homenaje y parodia, consciente de que la nostalgia funciona mejor cuando se asume como artificio. El guion se permite bromear con el propio legado de Sony Pictures y con la lógica de los remakes contemporáneos, donde el catálogo vale más que el riesgo creativo. En ese sentido, ‘Anaconda’ no solo revisita un título concreto, sino toda una forma de entender el cine industrial de los noventa, cuando el espectáculo primaba sobre la coherencia y el exceso era parte del encanto.

Comedia, survival y giros inesperados

Aunque el tono dominante es el de la comedia, sería un error reducir la película a una simple sucesión de chistes cinéfilos. Gormican entiende bien los códigos del cine de supervivencia y los utiliza para construir secuencias de tensión que funcionan incluso cuando el espectador es consciente de la broma. Hay persecuciones, sobresaltos y una sensación constante de amenaza, apoyada en una puesta en escena que juega con la exageración sin caer en la autoparodia constante.

Resulta especialmente llamativo cómo la película introduce dos y hasta tres giros de guion cuando el público ya se siente cómodo en el terreno del humor. Es en esos momentos donde ‘Anaconda’ demuestra una ambición inesperada, recordando que el cine de género, incluso en clave de comedia, puede permitirse sorprender. El recuerdo del filme original, con aquel reparto tan peculiar formado por Jennifer Lopez, Owen Wilson, Ice Cube y Jon Voight, planea sobre cada escena, pero nunca como un lastre, sino como un punto de apoyo para subvertir expectativas.

El fun fact de que la ‘Anaconda’ de 1997 estuviera dirigida por el primo de Mario Vargas Llosa se convierte aquí casi en una broma interna sobre las carambolas absurdas de la industria, reforzando esa sensación de estar ante una película que ama el cine tanto como se ríe de él.

Jack Black, Paul Rudd y el amor al cine

Dada su premisa, es inevitable pensar en referentes como ‘Tropic Thunder’, ‘King Kong’ o ‘Be kind rewind’. Todas ellas comparten una mirada afectuosa hacia el propio medio, una voluntad de celebrar el acto de hacer cine mientras se critican sus miserias. ‘Anaconda’ se inscribe en esa tradición, señalando con ironía la frivolidad de Hollywood y su miedo endémico al riesgo narrativo.

Gran parte del éxito de la película recae en la química entre Jack Black y Paul Rudd. Forman una de las parejas cómicas más sólidas de los últimos años, recordando a dúos clásicos de títulos como ‘Shangai Kid’ u ‘Hora punta’. Black sorprende por su contención, reservando sus estallidos de energía para momentos muy concretos, mientras que Rudd aporta ese carisma aparentemente despreocupado que equilibra el conjunto. El resultado es una comedia que no siempre es desenfrenada, pero que se permite momentos de humor negro y situaciones deliberadamente absurdas, no aptas para todos los públicos.

En última instancia, esta nueva ‘Anaconda’ funciona como un recordatorio de que la nostalgia puede ser algo más que un producto prefabricado: puede ser una conversación honesta entre el pasado y el presente, entre el cine que vimos y el cine que seguimos queriendo ver.

Ficha de Anaconda

Estreno en España: 25 de diciembre de 2025. Título original: Anaconda. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Tom Gormican. Guion: Tom Gormican, Kevin Etten. Música: David Fleming. Fotografía: Nigel Bluck. Reparto principal: Jack Black, Paul Rudd, Steve Zahn, Thandiwe Newton, Daniela Melchior. Producción: Columbia Pictures, Fully Formed Entertainment, TSG Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, aventura. Web oficial.

Crítica: ‘Father Mother Sister Brother’

Crítica de Father Mother Sister Brother

Crítica

Una joya emotiva y dulce llena de silencios que lo dicen todo

Jim Jarmusch, director de ‘Paterson’ (crítica aquí), entre otras muchas, nos trae historias corrientes en familias corrientes con su nueva película ‘Father Mother Sister Brother’. Una película con aire oriental que hace que veamos como la distancia o simplemente la dejadez, hace que las familias terminen separándose y ser completos desconocidos.

De qué nos habla Jim Jarmusch

‘Father Mother Sister Brother’ son tres episodios que ocurren en tres lugares diferentes. Las historias no están entrelazadas entre sí, solo tienen un tema en común, la relación de padres e hijos.

Con ‘Father’ nos vamos a New Yersey, donde Jeff y Emily, hermanos, emprenden un viaje juntos para visitar a su padre. Un hombre que no es lo que parece y que parece disfrutar de la compañía de sus hijos. Un capítulo con humor que nos muestra esa distancia y esos silencios de no saber ni que decir al estar entre desconocidos.

En el episodio de ‘Mother’ viajamos a Dublin, conocemos a Thimothea, una mujer un tanto paranoica a la que parece que todo le sale mal. Junto a ella está Lilth, una pispireta mujer que parece inventarse una vida perfecta. Ambas hermanas visitan a su Madre en el único día del año en el que se ven, una tarde especial para tomar el té. Aquí los silencios si que son tremendos, tantas cosas que se dicen en esos momentos. Al igual que el anterior también encontramos cierto humor sarcástico.

Y para terminar la película se pone bastante más triste y conocemos a Brother y Sister, ellos acaban de perder a sus padres y deciden ir a despedirse del piso en el que vivían y de los recuerdos que dejaron en París. Se dan cuenta de que no conocían a las personas con las que convivieron al encontrar pequeños detalles que sus padres escondieron siempre. Es tan bonito este fragmento, sin duda una manera perfecta de terminar esta película.

‘Father Mother Sister Brother’ es una película que se hace cortísima y quieres seguir viendo más y más fragmentos. Ese aire tan melancólico que tiene, esa tristeza que invade cada uno de los capítulos en los que nos damos cuenta que la familia a veces cuesta. Y no siempre por malos momentos, simplemente, como dije al principio, dejadez o distancia. Y te hace replantearte muchas cosas.

Inmensa fotografía y reparto

La película tiene una dirección exquisita, con unas imágenes muy buenas. La fotografía a manos de Yorick Le Saux y de Frederick Elmes, es bastante cuidada y en cada fragmento de la película nos da algo diferente. Si que los primeros planos son bastante habituales en las tres historias, pero por ejemplo en ‘Father’ los detalles de la casa de este padre, desordenado, un tanto peculiar, nos los acentúan de manera especial. En el fragmento de ‘Mother’ tenemos unos planos cenitales increíbles de la merienda de estas tres mujeres, con los primeros planos de sus silencios que hacen que nos demos cuenta de lo incómoda que es la situación.

Y en ‘Sister Brother’ encontramos un color tan bonito en la imagen, como he comentado, es la más emotiva de las tres historias y eso hace que su fotografía sea muy tenue, con planos generales de la casa con ellos pensativos y también viendo lo cercanos que son los dos hermanos.

Pero esta cinta no sería lo mismo sin su reparto, encontramos a Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling, Vicky Krieps, Cate Blanchett, Luka Sabatt, Indya Moore y Françoise Lebrun, todos ellos increíbles. Mención especial, a la siempre increíble Cate Blanchett, que tiene un papel tan peculiar y distinto a lo que la hemos visto, pero que sin duda lo borda

Conclusiones

‘Father Mother Sister Brother’ es un increíble retrato de muchas familias en la actualidad y que nos deja con ganas de más. Su manera de narrar, de mostrarnos los pequeños detalles, esos terribles silencios y los recuerdos pasados, hacen que nos vayamos a un cine oriental, en el que las pausas son tan importantes como los diálogos. Además algo muy importante, es una película que no juzga, solo nos muestra varias realidades, simples y sin lecciones, es algo que para mí es un punto muy a su favor. Una película que, aunque no sea navideña, creo que no han podido acertar más en la fecha de su estreno. Sin duda se va a lo mejor del año y no os puedo decir otra cosa que vayáis al cine a verla.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de diciembre de 2025. Título original: Father Mother Sister Brother. Duración: 110 min. País: Estados Unidos. Dirección: Jim Jarmusch. Guion: Jim Jarmusch. Música: Jim Jarmusch. Fotografía: Yorick Le Saux, Frederick Elmes. Reparto principal: Tom Waits, Cate Blanchett, Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling, Vicky Krieps, Luka Sabatt, Indya Moore, Françoise Lebrun. Producción: MUBI, The Apartment, CG Cinéma, Animal Kingdom, Fis Éireann/Screen, Screen Ireland, TYM Productions, badjetlag, Cinema Inutile. Distribución: Avalon. Género: Drama. Web oficial.

Tráiler de ‘La Odisea’

Christopher Nolan nos pone los dientes largos con las primeras imágenes de ‘La Odisea’

Sin duda una de las experiencias más esperadas de este próximo 2026. Sí, digo experiencia, porque el cine de Christopher Nolan es lo que es, un gran evento para el cine. ‘La Odisea’ ya tiene tráiler, y sin duda pinta muy bien. Es la primera película 100% rodada en IMAX, algo que llevaba intentando mucho tiempo, pero que la tecnología aun no le permitía.

¿Qué nos vamos a encontrar en ‘La Odisea’?

La historia de Homero ha sido llevada al cine ya varias veces, pero si que es cierto, que desde mi punto de vista, necesitábamos una nueva versión donde poder ver esta gran epopeya.

En esta historia seguimos a Odiseo, interpretado por Matt Damon, después de terminar la guerra de Troya. Junto a él y sus hombres viajaremos en su periplo para volver a Ítaca, su hogar, un viaje que dura 10 años y en los que veremos cíclopes, brujas, dioses, monstruos de todo tipo, para poner a prueba su perseverancia por llegar hasta su esposa Penélope, la cual tiene un sinfín de pretendientes.

Reparto principal

Encontramos como principal protagonista a Matt Damon, en busca de su mujer Penélope interpretada por Anne Hathaway. Junto a ellos tenemos a Tom Holland, como Telemecaco; Robert Pattinson como Antinous; Zendaya como Athenea o Charlize Theron como la bruja Circe.

Pero no nos quedamos ahí, también está Lupita Nyong’o, Mia Goth, Ryan Hurst, James Remar, Jovan Adepo, Jon Bernthal, Bill Irwin, Benny Safdie, John Leguizamo, Logan Marshall-Green, Samantha Morton o Elliot Page son parte de un inmenso reparto de estrellas que sin duda nos van a dejar con la boca abierta.

Primer tráiler de ‘La Odisea’

A continuación os dejamos el tráiler de la cinta en su versión original y doblada al castellano, respectivamente. ‘La Odisea’ llegará a nuestras pantallas el próximo 17 de julio de 2026 gracias a Universal Pictures.

Este ha sido para nosotros el mejor cine de 2025

Cine 2025: Películas imprescindibles que han marcado el año

El año 2025 nos ha dejado una cosecha cinematográfica excepcional, demostrando que el séptimo arte sigue teniendo una capacidad inagotable para sorprendernos, ya sea a través de grandes producciones en salas o joyas ocultas en plataformas. Como es tradición en nuestra casa, hemos querido recopilar aquellos títulos que más nos han marcado durante estos meses para que no se pierdan en el ruido de los estrenos.

Fieles a nuestra filosofía, no nos gusta hacer rankings ni asignar puntuaciones numéricas, pues creemos que el cine es una experiencia demasiado subjetiva para reducirla a una cifra. Por ello, cada año organizamos esta lista por categorías, funcionando más como un mapa de recomendaciones que como una competición. Nuestro objetivo es que este texto sirva como un recordatorio útil y una guía para descubrir (o revisar) historias que merecen ser recordadas. Desde el cine de autor más íntimo hasta los grandes espectáculos visuales, aquí tienes nuestra selección de lo mejor que nos ha regalado la pantalla este año.

Listado de lo mejor de 2025 por categorías

Españolas

Terror

Comedia

Acción

Suspense

Ciencia Ficción

Drama

Animación

Documental

Decepciones

Crítica: ‘Arco’

En qué plataforma ver Arco

Apuesta por una visión optimista para el futuro de la humanidad

Algunas leyendas o cuentos narraban que si lograbas encontrar el final del arcoíris podías hallar el tesoro del leprechaun, un caldero lleno de oro. ‘Arco’ nos cuenta de manera casi metafórica que, si recuperamos la senda de ese tipo de fenómenos fantásticos, los cuales nos llenan de ilusión al verlos, podremos encontrar otro tipo de tesoros, como el de la conciencia colectiva de que el progreso solo tiene sentido si va acompañado de responsabilidad medioambiental y empatía intergeneracional. Esa es la moraleja que sobrevuela a la película desde su estreno en festivales: no se trata de regresar al pasado ni de demonizar la tecnología, sino de reconciliar al ser humano con su entorno antes de que el futuro se vuelva inhabitable.

Ugo Bienvenu, procedente del cómic y la ilustración, da el salto definitivo al largometraje con una obra que no busca agradar de manera inmediata, sino dejar poso. ‘Arco’ es una película de animación que personaliza los miedos que hoy sufre el planeta, el colapso climático, los desastres naturales extremos, la deshumanización tecnológica… Pero lo hace desde un tono inesperadamente esperanzador. No es un relato apocalíptico al uso, sino una advertencia envuelta en belleza, una llamada a la acción disfrazada de cuento futurista.

Un futuro fracturado

El mundo que presenta ‘Arco’ es uno de esos futuros que resultan inquietantes precisamente porque parecen plausibles. La humanidad se ha dividido en dos realidades: por un lado, quienes sobreviven en pequeñas cúpulas hipertecnológicas, acompañados de robots y hologramas que sustituyen el contacto humano, protegidos de las violentas tormentas, incendios y catástrofes climáticas que asolan el planeta. Por otro, una realidad que habita en enormes plataformas suspendidas, cuya disposición recuerda inevitablemente a un ajedrez tridimensional del universo de ‘Star Trek’, ese mismo tablero al que jugaba Sheldon Cooper en ‘The Big Bang Theory’. Quizá es un símil intencionado para indicarnos que estamos en jaque.

Bienvenu utiliza este escenario para plantear una fractura no solo social, sino moral. La tecnología ha permitido sobrevivir, pero también ha generado aislamiento y dependencia. Frente a ello, la fantasía, representada de manera simbólica por el arcoíris que siempre se presenta como elemento casi mítico. Aparece aquí como un recordatorio de lo que se ha perdido: la capacidad de asombro, el vínculo con la naturaleza y la idea de poder desear un futuro mejor. El choque entre fantasía y tecnología no es solo estético, sino ideológico, y se convierte casi en el verdadero motor del relato.

Voces conocidas para una historia que no busca la comedia

Uno de los aspectos más curiosos de ‘Arco’ es su reparto vocal en inglés. Natalie Portman no solo presta su voz, sino que, tras ver el material con el que había empezado la preproducción, decidió financiar la película. Un gesto que habla del compromiso artístico que percibió en el proyecto. A su alrededor encontramos nombres asociados habitualmente a la comedia como Will Ferrell, Mark Ruffalo, America Ferrera, Flea o Andy Samberg.

Sin embargo, ‘Arco’ no es una película de humor. Y es que las voces no buscan el lucimiento individual, sino reforzar la atmósfera de fábula adulta, donde cada personaje parece cargar con una culpa colectiva más que con un conflicto personal.

Una animación heredera de Miyazaki y Toriyama

Visualmente, ‘Arco’ se sitúa en una tradición muy reconocible. La influencia de Hayao Miyazaki es evidente a la hora de representar la naturaleza y en el movimiento de los personajes. Al mismo tiempo, ciertos diseños y dinámicas recuerdan a la obra de Akira Toriyama, especialmente en lo que se refiere al diseño de escenarios y todo tipo de artilugios.

Esta alineación estética no es un mero homenaje, sino una declaración de intenciones. Bienvenu entiende la animación como un lenguaje capaz de abordar temas complejos sin renunciar a la emoción ni al estilismo. Cada plano parece diseñado para reforzar el mensaje: la tecnología puede ser deslumbrante, pero también fría, la naturaleza puede parecer ingenua, pero encierra verdades arrolladoras. Como las obras de estos dos maestros, la comunión entre el progreso y nuestro entorno aparece como una comunión irremediable y casi onírica.

No es casualidad que ‘Arco’ haya sido muy premiada y que su nombre suene con fuerza en la conversación sobre los Oscars. Entre otros reconocimientos, ha obtenido el Premio Cristal a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy y el Premio del Público Sitges Collection en el Festival de Sitges. Ambos galardones reflejan su doble virtud: el reconocimiento crítico y la conexión emocional con el espectador.

‘Arco’ propone un viaje, una senda que, como el arcoíris de las viejas leyendas, no garantiza un tesoro inmediato, pero sí la posibilidad de encontrar algo más valioso: la voluntad de cambiar antes de que sea demasiado tarde.

Ficha de Arco

Estreno en España: 23 de enero de 2025. Título original: Arco. Duración: 82 min. País: Francia. Dirección: Ugo Bienvenu. Guion: Ugo Bienvenu, Félix De Givry. Música: Arnaud Toulon. Reparto principal (doblaje original): Oscar Tresanini, Margot Ringard Oldra, Louis Garrel, Alma Jodorowsky, Nathanaël Perrot, Vincent Macaigne, Swann Arlaud. Producción: Remembers, MountainA, France 3 Cinéma, Netflix. Distribución: Caramel Films, YouPlant. Género: Web oficial.

Novedades de Arvi Licensing para enero de 2026

‘Eddington’, ‘Downton Abbey’ o ‘Boyhood’ llegan este próximo enero gracias a Arvi

Arvi Licensing, nos da una pequeña sorpresa antes de acabar el año y son sus novedades para el próximo 28 de enero de grandes lanzamientos en formato doméstico.

Comienzan con el lanzamiento de ‘Bala perdida’ (aquí nuestra crítica). Este thriller protagonizado por Austin Butler y Zoë Kravitz llegará en DVD, Blu-ray y 4K Ultra HD.

Lo nuevo de Ari Aster, ‘Eddington’ (crítica aquí), también estará disponible en DVD y Blu-ray. Joaquin Phoenix y Pedro Pascal, se enfrentan en este thriller político. En una historia sobre el poder, miedo y ambición.

‘Downton Abbey: El gran final’ llega ahora en DVD y Blu-ray, y por supuesto, tendremos un pack con las tres películas en ambos formatos. La cinta nos devuelve a la emblemática casa de los Crawley, donde la familia y su fiel personal enfrentan escándalos, cambios y nuevos comienzos. Una emotiva película que celebra todo lo que hizo de Downton Abbey un fenómeno mundial.

Resto de cintas que llegan a principios de 2026

Tenemos la película de ‘Billy Elliot’, donde conocimos a Jamie Bell. ’13 días, 13’ noches’, un thriller basado en hechos reales. ‘Tiburón blanco: La bestia del mar’ una cinta con un tiburón como protagonista.

‘Boyhood’, La saga de ‘Crepusculo’, ‘Basada en hechos reales’, ‘Despertares’, ‘El asunto del día’, ‘El hilo invisible’ o ‘Un pequeño favor’ son parte este lanzamiento que solo quiere traernos buen cine a nuestras casas.

Os dejamos una galería con las caratulas de las películas y deseando que llegue el 28 de enero para tener opción de tener estas maravillas.