Divisa Films, distribuidora en España de licencias en formato físico de Paramount Pictures, Filmax, Disney o 20th Century Studios, nos ha comunicado cuáles serán sus novedades para el ya inminente mes de abril.
Podéis verlas todas en la galería de este artículo pero cabe destacar las versiones que agrupan las tres películas de Sonic estrenadas hasta la fecha o las que hemos podido ver sobre Lilo & Stich antes de su live action. También llegan estrenos recientes como ‘Septiembre 5’, ‘¿Es el enemigo? La película de Gila’, ‘El vigilante nocturno: demonios heredados’ o ‘Superklaus’.
Cuando los gemelos Hal y Bill descubren el antiguo mono de juguete de su padre en el ático, una serie de truculentas muertes comienzan a ocurrir a su alrededor. Los hermanos deciden tirar el mono y continuar con sus vidas, distanciándose con el paso de los años. Pero cuando las misteriosas muertes vuelven a sucederse, los hermanos deberán reunirse para destruir el mono antes de que acabe con las vidas de todos a su alrededor.
Crítica
Si ‘Destino Final’ y ‘Annabelle’ tuvieran un hijo diabólico, sería ‘The Monkey’
De vez en cuando, el cine nos regala un alineamiento estelar de talentos que dan como resultado una experiencia que se siente clásica y fresca a la vez. En el caso de ‘The Monkey’, cual alineamiento de planetas, la alineación nos deja eclipsados. Se han juntado aquí OsgoodPerkins, con su estilo hipnótico y su ya característica paleta de colores apagados (casi calcada a la de ‘Longlegs’), con los traumas infantiles más truculentos de Stephen King y con la vena más gamberra de JamesWan, la que vimos desatada en ‘Maligno’.
Basada en el relato corto de King, ‘The Monkey’ encaja dentro del subgénero de objetos inanimados malditos, con reminiscencias de ‘Annabelle’ o ‘La zarpa del mono. Pero el hijo de quien empuñó el cuchillo en ‘Psicosis’ lo lleva un paso más allá con una estructura que recuerda a ‘Destino Final’: una vez que el macaco de juguete empieza a chocar sus platillos, la muerte se desata en una serie de carambolas macabras, persiguiendo a sus víctimas con una precisión aterradora e ineludible. Los protagonistas, desesperados, intentan burlar este mecanismo como si tuviesen en sus manos una death note, pero la película deja claro que el destino siempre encuentra la manera y cual mafioso consigue hacer que parezca un accidente.
Lo que distingue a ‘The Monkey’ sobre otras películas estándar del mismo género es su tono: Perkins juega de nuevo magistralmente con la tensión y un humor negro que podría estar directamente influenciado por unos ZAZ pasados de rosca. Este tono forma parte intrínseca de esta comunión de artistas pues el relato originalmente no lo tenía. Así consigue llevarnos de lo inquietante a lo grotescamente sangriento en cuestión de segundos. Aquí no solo hay sustos bien orquestados, sino una celebración del terror con estallidos de violencia absurda que recuerdan por momentos al ‘Evil Dead’ de Sam Raimi.
En ‘The Monkey’, Perkins transforma la historia de Stephen King en una reflexión sobre la inevitabilidad de la muerte. La película nos muestra cómo el destino, representado en el siniestro juguete de cuerda, es ineludible. No importa cuántas veces los personajes intenten huir, deshacerse del mono o ignorar su influencia, la muerte sigue su curso. Esta visión podría parecer deprimente a primera vista: una resignación ante lo inevitable, un recordatorio de nuestra impotencia frente al tiempo. Pero hay algo profundamente liberador en aceptar esta verdad. Si todo es efímero y la muerte es una certeza, entonces la vida cobra un nuevo sentido. No hay nada que perder aferrándonos a miedos innecesarios o a preocupaciones vanas. Al final, The Monkey nos empuja a bailar en medio de la tormenta. Nos dice: “Si la muerte es segura, entonces esperémosla sin perder el tiempo”. En lugar de ver la fatalidad como algo paralizante, la película nos invita a abrazar el presente con pasión, con movimiento, con entrega total. Así, lo que parecía una historia oscura se convierte en un llamado a la vida, a la danza de lo inevitable.
En el apartado actoral, destaca el doble trabajo de Theo James, quien logra diferenciar de manera clarísima a los dos personajes gemelos. Quizá lo ha tenido algo más fácil que Christian Convery pues representa a dos personalidades bastante opuestas, pero ambos lo han logrado de manera efectiva. Junto ellos también hay que señalar, los jóvenes y Colin O’Brien quien aporta un matiz inesperado al filme a través de la inocencia, la frustración y la angustia de su personaje. Su interpretación aquí, ejerciendo el papel más fácil de empatizar para el espectador por el desconcierto que vive, demuestra que es un talento emergente. Para mi este actor es quien debería hacer de villano en una hipotética versión live action de ‘Toy Story’.
El microcosmos de Oz Perkins crece. Quizá algún día se marque un Shyamalan y se marque un crossover uniendo todos los demonios y maldades de sus películas. Desde luego sería interesante volver a ver al jinete pálido que cierra ‘The Monkey’. De momento, solo unos agraciados, han podido ver un avance de su próximo trabajo, ‘Keeper’, en forma de teaser y escena post-créditos.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: The Monkey. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Osgood Perkins. Guion: Osgood Perkins. Música: Edo Van Breemen. Fotografía: Nico Aguilar. Reparto principal: Theo James, Tatiana Maslany, Elijah Wood, Adam Scott, Rohan Campbell. Producción: Atomic Monster, Black Bear International, British Columbia Film Comission, C2 Motion Picture Group, Range Media Partners, Stars Collective Films Entertainment Group, The Safran Company. Distribución: Beta Fiction Spain, YouPlanet Pictures. Género: terror, comedia. Web oficial:https://www.themonkeyfilm.com/
The Parenting sigue a la joven pareja formada por Rohan (Dodani) y Josh (Flynn) mientras planean una perfecta escapada de fin de semana al campo para presentar a sus padres. Pero a medida que las tensiones comienzan a estallar entre los más tradicionales Sharon (Falco) y Frank (Cox) y los despreocupados Liddy (Kudrow) y Cliff (Norris), las familias pronto se dan cuenta de que su piso de alquiler -gestionado por la excéntrica local Brenda (Posey)- está embrujado por la presencia de un poltergeist de 400 años de antigüedad. Cuando uno de los padres queda completamente poseído, depende de la joven pareja y de su entrometida mejor amiga Sara (Bang) unir a las familias y detener al ente maligno de una vez por todas.
Crítica
Una comedia de terror con miedo a arriesgar
‘The parenting’, la más reciente propuesta del director Craig Johnson, se estrena el 13 de marzo de 2025 en la plataforma Max. Esta comedia de terror busca fusionar el humor familiar con elementos sobrenaturales, situándose en un punto intermedio entre el desparpajo de ‘Evil Dead’ y la comedia de enredos del tipo ‘Los padres de ella’. Sin embargo, su tono se asemeja más a producciones moderadas como ‘Werewolves Within’ o a un episodio de ‘Agatha, ¿quién sino?’.
La trama sigue a Rohan (Nik Dodani) y Josh (Brandon Flynn), una joven pareja que organiza un fin de semana en el campo para presentarse a sus padres y que ya de paso estos se conozcan entre sí. La comedia parte no solo de una pintoresca guardesa de la casa, sino sobre todo de las grandes diferencias entre las tres parejas. Mientras que los progenitores de Rohan son altamente tradicionales (interpretados por Edie Falco y Brian Cox) y los padres de Josh (LisaKudrow y Dean Norris) son mucho más abiertos y distendidos al respecto, no solo del matrimonio gay de su hijo sino sobre cómo afrontar la vida sin hacer una montaña de todo. Las situaciones incómodas y ridículas dominan el guión que de vez en cuando mete algún que otro susto ligero.
El elenco principal está compuesto por actores relativamente desconocidos, como Dodani y Flynn, quienes aportan frescura y el toque moderno a la narrativa. Sin embargo, es inevitable que la atención se centre en los veteranos que interpretan a los padres: Brian Cox, Edie Falco, Lisa Kudrow y Dean Norris. Estos actores aportan solidez a sus roles, aunque en ocasiones parecen estar en piloto automático, recurriendo a tics interpretativos ya conocidos. Es imposible no ver a Phoebe Buffay con el personaje de Lisa Kudrow. Por otro lado Brian Cox está imponente y espeluznante.
La dirección de Johnson mantiene un ritmo adecuado, equilibrando momentos de tensión y comedia. No obstante, el guion de Kent Sublette recurre a clichés del género y a situaciones predecibles, lo que limitan el impacto de la historia. La cinta se percibe carente de ingenio, no aporta ideas nuevas y su único aliciente son algunos giros macabros y un par de gags que nos pillan más desprevenidos que los propios jump scares. Parece que tiene miedo de arriesgar o de no ser capaz de llegar a un público general.
El panorama cinematográfico, dentro del género de terror, nos está brindando muy buenas obras que mezclan comedia y terror. ‘Feliz día de tu muerte’ o ‘The monkey’ son buenos ejemplos. ‘The parenting’ no está a esa altura y se perfila como un filme de fondo de catálogo que por otro lado, al margen de introducir a cuatro figuras paternas no desarrolla nada reseñable sobre la crianza, como podía hacer creer su título.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de marzo de 2025. Título original: The Parenting. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Craig Johnson. Guion: Kent Sublette. Música: Nathan Larson. Fotografía: Hillary Spera. Reparto principal: Nik Dodani, Brandon Flynn, Brian Cox, Edie Falco, Lisa Kudrow, Dean Norris, Parker Posey, Vivian Bang. Producción: Good Fear Content, New Line Productions. Distribución: Max. Género: comedia, terror. Web oficial:https://www.instagram.com/goodfearcontent/
En el transcuros de una entrevista, Tadashi, un joven actor japonés que interpreta a personajes femeninos en una práctica teatral parecida al kabuki, volverá al pasado para revivir sus recuerdos más íntimos.
Crítica
Atractivo visualmente y fascinante en su narración
En 2023 tuvimos la oportunidad de ver ‘Un soroll Llunyà’ (Un mundo lejano), cortometraje dirigido por AdriàGuxens. Un cortometraje acerca de la añoranza, de la familia y de lograr encontrarse a uno mismo. En 2024, en el Festival de Sitges, vimos ‘Kokuhaku’, bastante diferente en su realización, pero con un mensaje muy parecido. El lograr encontrar un lugar, conseguir enseñar quien eres y disfrutar con ello y no esconderte nunca más.
Está claro que este director y guionista cuenta unas historias cercanas y actuales. Historias que sin duda calan hasta el fondo. Ya sea por un guion muy bien escrito o por las imágenes tan potentes que nos muestra en sus cortometrajes.
‘Kokuhaku’ escuchamos y vemos una entrevista a Tadashi, joven actor japonés que trabaja como onnagata, es decir, es un actor que interpreta a personajes femeninos en el teatro kabuki. Aquí nos cuenta no solo lo que significa para el dedicarse a este trabajo, sino también comienzan a aflorar recuerdos que vemos en blanco y negro, recuerdos que en el fondo no le apetece volver a recordar.
Qué bonito es visualmente y también narrativamente. Es un acierto contar todo en modo entrevista. Es bastante interesante y además viendo los diferentes flashbacks lo hace muy ameno y te quedas con ganas de conocer más sobre el personaje de KuniTomita. El cual vamos viendo como la búsqueda de su identidad le ha llevado al lugar perfecto.
La fotografía del cortometraje es magistral, IreneManresa hace un gran trabajo como directora de fotografía y logra unos colores increíbles pese a lo oscuro que es el corto. Los colores resaltan en esa oscuridad y es fascinante.
Por último, mencionar a los dos actores principales, KuniTomita y ZhihanChen, están perfectos. Pero lo de KuniTomita es de otra galaxia. Que maravilla, que bonito su papel y sin duda que alegría ver ese final tan loco, arriesgado y necesario. Además, el actor, también es guionista de ‘Kokuhaku’.
Si tenéis la oportunidad de ver el cortometraje en pantalla grande os lo recomiendo muchísimo. Porque visualmente como he comentado, es estupendo. Y si no, el día que llegue a plataformas, animaros, disfrutadlo y bailad.
Ficha de la película
Estreno en España: Sin fecha. Título original: Kokuhaku. Duración: 15 min. País: España. Dirección: Adrià Guxens. Guion: Adrià Guxens, Kuni Tomita. Música: A. Kornweibel. Fotografía: Irene Manresa. Reparto principal: Kuni Tomita, Zhihan Chen, Ruth Salas, Akihiko Serikawa, Kenzo Tovar Fukuoka, Iwao Ikenoya. Producción: Almar Producciones, Batiak Films, Forest Film Studio, Limmat Films. Distribución: Selected Films. Género: Drama. Web oficial: https://batiakfilms.com/index.php/kokuhaku/
Wolfgang, un niño de diez años con un cociente intelectual de 152 y trastorno del espectro autista, se ve obligado a vivir con su padre, Carles, a quien no ha visto nunca, tras la repentina muerte de su madre. Carles afronta el reto con ganas y voluntad, pero Wolfgang no soporta su desorden ni su desorganización y lo considera un “bajocien” por su falta de intelecto. Así que, a escondidas, Wolfgang planea conseguir su sueño: entrar en la academia de música Grimald de París, donde estudió su madre, y convertirse en el mejor pianista del mundo. Cuando Carles lo descubre, debe decidir entre su gran oportunidad como actor o convertirse en el padre que necesita un niño como Wolfgang.
Crítica
Abraza con raciocinio y emotividad la vida y la muerte
Siempre se ha dicho que las grandes habilidades de Mozart para las matemáticas fueron un recurso esencial para sus creaciones musicales. Es un ejemplo de cómo la lógica del cálculo numérico y la combinatoria puede servir al arte y a las emociones. Quizá es mucho suponer, pero ese tipo de relación es la que busca poner en evidencia ‘Wolfgang’, la nueva película de Javier Ruiz Caldera. O por lo menos es lo que ha suscitado en mí convirtiéndose esta película en una de las mejore españolas que he visto en lo que va de año.
Racionalismo contra sentimentalismo. El uso previsor y metódico del cerebro conta los impulsos y secretos del corazón. Ambas partes intrínsecas del ser humano pero más presentes en unos que en otros. El guión basado en una novela de Laia Aguilar representa esas facetas a través de dos personajes: un padre con sus miedos guardados bajo llave (Miki Esparbé) pero sin miedo a disfrutar la vida y un niño prodigio (Jordi Catalán) que no ha podido aprender a gestionar sus sentimientos por su condición especial y por no haber tenido figuras adultas que sirvan de faro. El filme se puede resumir como una obra que trata con gran sensibilidad y acierto el tema de los traumas pero también nos habla sobre el entendimiento mutuo y el afrontar de cara lo que nos trae la vida.
‘Wolfgang’ es una obra que abraza con valor tanto la vida como la muerte. De hecho arranca en un velatorio y con todo y con eso consigue ser una feelgood movie, una película good vibes only, para los de la generación Z. Javier Ruiz Caldera es alguien que siempre consigue divertirme de un modo u otro, ahí está su último éxito ‘El otro lado’. A muchos les puede sorprender que el director de películas cómicas y absurdas como ‘Spanish Movie’, ‘Superlópez’ o ‘Malnazidos’ haya completado una película tan sensible y de toques afrancesados. Hay que reconocerle que sin abandonar sus habituales notas cómicas sabe ensalzar la importancia del afecto y la comunicación en el crecimiento personal. Su ternura no cae en la sensiblería fácil y su mensaje esperanzador no ignora la crudeza de la vida.
Auguro que habrá quienes se queden en la superficie. ‘Wolfgang no es solo una historia sobre personas con Autismo o Asperger, ni es una especie de ‘El pequeño Sheldon’ con un plus de sensibilidad. Es un filme que trasciende etiquetas y diagnósticos para hablarnos de la condición humana en toda su complejidad. Al final, nos deja con la certeza de que, aunque la mente y el corazón a veces parezcan fuerzas opuestas, solo juntas nos permiten convertirnos en eso que llamamos personas o humanos.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de marzo de 2025. Título original: Wolfgang. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Javier Ruiz Caldera. Guion: Laia Aguilar, Carmen Marfà, Yago Alonso, Valentina Viso. Música: Clara Peya. Fotografía: Sergi Vilanova. Reparto principal: Miki Esparbé, Jordi Catalán, Àngels Gonyalons, Anna Castillo, Berto Romero, Nausica Bonnin. Producción: Gerard Verdaguer, Lo Vi Films, Nostromo Pictures, Telecinco Cinema, Wolfgang Película AIE, 3Cat, Mediaset España, Movistar Plus+, Mediterráneo Mediaset España Group, ICAA, ICEC, Film Factory. Distribución: Universal. Género: comedia, drama. Web oficial:https://www.mediaset.es/comunicacion/cine/20241219/wolfgang-trailer-cartel_18_014331830.html
Ambientada en una versión alternativa de los años 90 en la que se sufren las secuelas de una fallida rebelión de los robots, Estado eléctrico narra la historia de una adolescente huérfana que emprende un viaje por el Oeste americano en busca de su hermano pequeño. La acompañan un robot con apariencia de dibujo animado, un contrabandista y el compañero de este.
Crítica
La historia no es nueva, pero es una gran historia
Llega una de las películas más esperadas de Netflix, ya no solo por el pedazo de reparto que tiene o los directores que han llevado a cabo esta estupenda cinta. Si no que además, ‘Estado Eléctrico’ es la película más cara hasta el momento de la plataforma.
Los hermanos Russo, nos embarcan en una aventura en unos ficticios años 90 donde los robots que conviven con nosotros, se revelan contra la humanidad. Pero al final se consigue la paz y quedan doblegados al exilio. En esta aventura conocemos a Michelle que junto a un robot, un contrabandista y el compañero de este va en busca de su hermano pequeño.
‘Estado eléctrico’ está basada en el libro de Simon Stålenhag, autor de obras como ‘Historias del bucle’, de la cual también se hizo hace unos años una adaptación en forma de serie (aquí os hablamos de ella). No me he leído el libro, así que no puedo deciros si realmente es fiel o no. Si que os puedo decir, que como película me ha gustado, es una cinta bastante juvenil y muy entretenida.
Además que tiene imágenes bastante imponentes, el diseño de los robots son bastante curiosos (os dejamos un vídeo donde los hermanos Russo nos hablan sobre esto). Muy cartoons, simpáticas máquinas de matar que lo único que quieren es tener su propia libertad de elegir y vivir. Cada robot es distinto, en tamaño y diseño. Tuvimos la oportunidad de verla en pantalla grande y os puedo decir que merece mucho la pena y que el CGI está muy logrado. Es una película con mucho trabajo técnico y es una pena que vaya a estar al menos una semana en cines para que la podáis disfrutar.
‘Estado eléctrico’ nos habla de muchas cosas, pero sobre todo de la empatía, del respeto entre seres diferentes y de que al final todos queremos lo mismo, la libertad y tranquilidad de vivir. También de la amistad y de como esa amistad puede crear grandes lazos.
Llevamos años con el tema de la nostalgia por los 80 y ahora llegan los 90. Pero admito que yo he caído y ‘Estado eléctrico’ me ha entusiasmado. Esa idea en la que Disney creó los robots para sus parques de atracciones y que terminan revelándose, me ha parecido de lo más convincente. Además recordar muñecos, juegos y esos tremendos looks que nos gastábamos. Y escuchar ‘Wanderwall’ de Oasis al finalizar la cinta, es un detalle más para los que somos de aquella época.
A parte de sus directores y por supuesto los robots, uno de los grandes atractivos es el pedazo de reparto que tiene ‘Estado eléctrico’ y es que ya solo el reparto “humano” cuenta con Millie Bobby Brown, Chris Pratt, Stanley Tucci, Giancarlo Esposito o Ke Huy Quan entre otros. Pero en el reparto por parte de los robots, sus voces los ponen grandes actores como Alan Tudyk, Woody Harrelson, Anthony Mackie, Hans Azaria, Joe Russo, Rob Gronkoski o Brian Cox entre muchos otros.
Un gustazo ver y escuchar a todos estos actores en una cinta diferente, que le va a gustar a los pequeños y grandes de la casa y con la que pueden comenzar a descubrir la ciencia ficción. ‘Estado eléctrico’ es una película de aventuras que no defrauda.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de marzo de 2025. Título original: The Electric State. Duración: 128min. País: Estados Unidos. Dirección: Anthony Russo, Joe Russo. Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely. Música: Steve Jablonsky, Alan Silvestri. Fotografía: Stephen F. Windon. Reparto principal: Millie Bobby Brown, Chris Pratt, Stanley Tucci, Giancarlo Esposito, Ke Huy Quan, Jason Alexander, Alan Tudyk, Woody Harrelson, Anthony Mackie, Hans Azaria, Joe Russo, Rob Gronkoski, Brian Cox. Producción: AGBO, Anthem & Song, Double Dream, BDC Travel. Distribución: Netflix. Género: Ciencia Ficción. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81601562
Imposible no engancharse con sus protagonistas y sus nazarenos volando
Enrique Urbizu (‘Gigantes’, ‘No habrá paz para los malvados’) regresa con ‘Cuando nadie nos ve’, una serie que llega este 7 de marzo a HBO Max combinando el thriller policíaco con un sutil toque de lo fantástico. Basada en la novela de Sergio Sarria, la historia se despliega en Morón de la Frontera durante la Semana Santa, un entorno donde el fervor religioso y la presencia militar estadounidense crean un trasfondo tan peculiar como tenso. A lo largo de ocho episodios—uno por cada día de la Pasión—, la serie construye un misterio en el que se entrelazan un suicidio insólito, la desaparición de un militar y un nazareno que parece haber vivido una experiencia mística.
Desde el inicio, la serie maneja con solvencia su suspense, apoyándose en una atmósfera inquietante y una narrativa pausada pero inmersiva. La clave está en la pareja protagonista: Maribel Verdú, en el papel de una guardia civil con instinto y determinación, y Mariela Garriga, como una militar estadounidense que aporta una perspectiva foránea y racionalista. Juntas conforman un dúo con ecos de ‘True Detective’ o siguiendo la estela del neo noir nórdico, es decir, cogiendo elementos clásicos de las historias detectivescos adaptándose al folclore y las hechuras locales. Aunque no a menudo comparten escena, la química entre los personajes y su manera de abordar el caso es tan importante como el propio misterio.
A diferencia de otras producciones que despachan una trama similar en un solo episodio—como ‘NCIS’ o cualquier procedimental norteamericano—, ‘Cuando nadie nos ve’ se toma su tiempo para desarrollar capas más profundas. La serie no solo investiga un crimen, sino que también reflexiona sobre la fe, el destino y los límites entre la razón y lo inexplicable. Urbizu introduce elementos fantásticos a través de visiones y alucinaciones que, sin ser abiertamente sobrenaturales, añaden una dimensión inquietante al relato.
El escenario es un acierto: la Semana Santa en Andalucía, con sus procesiones, su imaginería y su intensidad emocional, se convierte en un personaje más. La convivencia entre la tradición española y la presencia militar estadounidense en Morón de la Frontera añade un subtexto de choque cultural que enriquece la historia.
Austin Amelio, Ben Temple y Dani Rovira, entre otros, completan un reparto sólido, con Rovira alejándose de su faceta más cómica para abordar un papel circunspecto que maneja con recursos. En definitiva, ‘Cuando nadie nos ve’ no es un thriller al uso. Es una historia que retrata nuestra España y que se cuece a fuego lento, con una intención que va más allá del mero entretenimiento.
Rebekah, su marido y sus hijos, comienza a experimentar fenómenos inexplicables tras mudarse a su nueva casa. Las extrañas presencias que se manifiestan a su alrededor les harán cruzar la delgada línea entre la realidad y la percepción.
Crítica
Un thriller sobrenatural con una atmósfera muy conseguida
Una cosa es segura. Si vas a ver una película de StevenSoderbergh, seguro que siempre va a sorprender, no por nada, sino porque se arriesga con todo tipo de cine. Director de ‘Contagio’, ‘Magic Mike’ u ‘Ocean’s eleven, esta vez se adentra en el fantástico con un thriller paranormal que la verdad me ha gustado mucho.
Una familia se muda de casa para cambiar de aires. Una familia bastante desestructurada que vamos conociendo gracias a una presencia que hay en la nueva casa que no hace más que vigilarles y ver todo lo que hacen día a día. Esa presencia parece entablar cierta conexión con Chloe, la hija de esta familia que acaba de pasar por un evento trágico.
Me encanta como está rodada, pues vamos todo el rato siguiendo a un ente invisible que como he dicho, va observando, escuchando las conversaciones de esta familia y así nos hace partícipes de toda la historia.
‘Presence’ es una película muy cortita y que no deja de contarte cosas desde el primer minuto. Esos detalles para conocer a esta familia, sus duelos, sus trabajos y su manera de vivir.
Una película con una atmósfera muy conseguida. Estamos todo el rato dentro de una casa, que como digo, recorremos varias veces durante el visionado. Sobre todo la habitación de Chloe.
Lucy Liu y Chris Sullivan, son los encargados de dar vida a estos dos padres que intentan hacerlo lo mejor que pueden, pero a los que les cuesta. Sobre todo al personaje de Lucy Liu, una madre que claramente tiene un favorito entre sus hijos y no lo esconde.
Eddy Maday y Callina Liang son estos dos hijos que no se terminan de aguantar y que tienen muchos secretos entre ellos dos. Ambos están muy bien, pero Callina Liang nos muestra mucho el lado más humano de esta familia, pasando una tristeza que la hace tener unos altibajos considerables.
Técnicamente me ha gustado mucho. La cinta está realizada a partir de varios cortes, y entre esos cortes va contando diferentes escenas en las que vemos grandes planos secuencia que es lo que nos da esa sensación de estar dentro de la película. De adentrarnos en la casa, de llevar ya un rato en ella y conocer cada recoveco.
Steven Soderbergh ha realizado un trabajo tremendo, ya no solo como director, sino también como director de fotografía y editor. Con esto, deja ver lo claro que tenía todo en su cabeza y como lo ha plasmado con su trabajo.
El guion de David Koepp, es muy intrigante y consigue darnos una sorpresa final. Estad atentos durante todo el film pues la clave está sobre la mitad de la película.
A partir del 7 de marzo tenéis la película en los cines y os aseguro que va daros un pequeño debate nada más terminar.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de febrero de 2025. Título original: Presence. Duración: 85 min. País: Estados Unidos. Dirección: Steven Soderbergh. Guion: David Koepp. Música: Zack Ryan. Fotografía: Steven Soderbergh. Reparto principal: Lucy Liu, Julia Fox, Chris Sullivan, Callina Liang, Eddy Maday, Lucas Papaelias, Benny Elledge, West Mulholland. Producción: Extensión 765, Neon. Distribución: Diamond Films. Género: drama, fantástico. Web oficial:https://diamondfilms.es/pelicula/presence
Retrato íntimo del torero Andrés Roca Rey y su cuadrilla. Una fascinante reflexión sobre la muerte, la violencia y la belleza.
Crítica
Del honor al horror hay solo un pequeño cambio de raíz
Escribir sobre esta película seguramente suponga exponerse a oleadas de hate por uno y otro lado, incluso antes de posicionarme de ninguna manera o se sepa qué pienso yo de la tauromaquia en general. Si algo deja claro ‘Tardes de soledad’ es que el toreo sigue siendo un tema que despierta pasiones y rechazos con la misma intensidad. Así se ve en la calle, se ve en las redes y se ve en todo lo que rodea a este filme que salió premiado en el último Festival de San Sebastián.
Provengo de la ciudad donde aún sigue en pie y activa la plaza de toros más antigua de España, para algunos del mundo. Crecí a la sombra indirecta de esa cultura, pero nunca terminé de entenderla ni compartirla, reconozco que para mi esto es tortura adornada. Es algo que forma parte de mi/nuestro pasado pero que no se percibe ya como algo nuestro o parte del ADN de nuestra cultura actual. Para una inmensa mayoría es una celebración que está obsoleta, prueba de ello es el fracaso de plataformas como Onetoro TV. Sin embargo hoy en día los toreros siguen siendo figuras consideradas y forradas de dinero. Es precisamente ese choque de sensibilidades lo que ‘Tardes de soledad’ explora con una puesta en escena cuidada y un ojo casi antropológico para captar el ambiente de las corridas de toros. La película es una concatenación de retransmisiones completas de corridas de toros, de tal manera que permite que el espectador saque conclusiones y sean los protagonistas los que se autorretraten.
‘Tardes de soledad’ es un buen ejercicio artístico a la hora de documentar una tradición repleta de religiosidad, superstición y ritualismo. La película capta con precisión el peso simbólico del toreo: la vestimenta, la liturgia previa, los gestos repetidos como mantras, la entrega casi mística de los toreros a su destino. Todo ello está filmado con respeto, pero también con una distancia que impide saber si esto es tan adulador como el propio séquito (cuadrilla) de Andrés Roca Rey o si Albert Serra quiere que la barbarie hable por si sola.
Para quienes no comulgamos con esta «fiesta», la experiencia es dura. Para mi no es un filme para ver comiendo palomitas u otra cosa pues siento asco al ver muchas de sus imágenes. La belleza de la fotografía no puede maquillar el sufrimiento y es imposible no preguntarse qué sentido tiene perpetuar algo así en pleno siglo XXI. He visto muchísimo gore en mi vida e incluso vivido desde pequeño la matanza del cerdo, pero he de decir que han sido las dos horas más asquerosas que he pasado en una sala de cine.
La cinta no toma partido de manera explícita, pero hay planos que hablan por sí solos: la mirada del toro antes de la estocada, la sangre en la arena, el júbilo de algunos contrastando con el dolor evidente de un animal que ni de lejos es consciente del “honor” que se le atribuye al participar de esta tradición… El sonido del filme es una parte vital para lograr su golpe de efecto. La elección del director denota cuan cerca e invisible ha querido estar en cada uno de los momentos. Se silencia el ruido de la muchedumbre para escuchar constantemente los consejos desde la barrera, la respiración del toro o el sonido de las estocadas. Incluso hay veces que la banda sonora de Marc Verdaguer nos pasa de una auténtica película de terror a los momentos más laureados de un gladiador.
Quizás la mayor virtud del filme es que, sin necesidad de discursos, deja que las imágenes hablen por sí solas. El quid de la cuestión es que esas imágenes no tienen la misma lectura para todos. Para unos, será una oda a la tradición, para otros, un testimonio del horror normalizado. En cualquier caso, es un documento valioso para entender por qué el toreo sigue dividiendo opiniones de manera tan visceral. Del honor al horror hay solo un pequeño cambio de raíz.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Título original: Tardes de soledad. Duración: 125 min. País: Portugal, España, Francia. Dirección: Albert Serra. Guion: Albert Serra. Música: Marc Verdaguer. Fotografía: Artur Tort. Reparto principal: Andrés Roca Rey, Pablo Aguado. Producción: LaCima Producciones, 3Cat, A Contracorriente Films, Andergraun Films, Arte France Cinéma, RTVE, Rosa Filmes, RTP, ICEC, ICAA. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/movie/afternoons-of-solitude?whereToWatch=in-cinemas
La película gira en torno a la corresponsal de guerra Lee Miller (Kate Winslet) en su viaje a las primeras filas de la Segunda Guerra Mundial para embarcarse en la misión de destapar las verdades ocultas del Tercer Reich. Pero a consecuencia de la traición, llegará un ajuste de cuentas sobre las verdades de su propio pasado.
Crítica
Kate Winslet brilla en un nuevo zasca para los negacionistas del holocausto
El biopic ‘Lee Miller’ supone el segundo largometraje de Ellen Kuras como directora, quien hasta ahora se encargaba sobre todo de la fotografía en películas como ‘¡Olvídate de mi!’, ‘Jane’ o ‘Rebobine, por favor’. Protagonizado por Kate Winslet se sumerge en la fascinante vida de la fotoperiodista Lee Miller. Una fotógrafa retratando a otra fotógrafa.
Lee Miller fue una mujer que pasó de ser portada de Vogue, musa del artista visual Man Ray o modelo para Picasso a convertirse en una de las cronistas más crudas de la Segunda Guerra Mundial. Es una persona a la que los libros de historia cada vez retratan con más similitudes a Marie Curie o María Lejárraga, ambas mujeres talentosas a la sombra de sus parejas. Con un guion basado en la biografía escrita por su hijo, Antony Penrose, la película busca capturar la intensidad de una figura compleja y adelantada a su tiempo. Sin embargo, aunque la actuación de Winslet es notable y la figura de su personaje digna de muchos honores, la película no logra escapar de la estructura convencional de muchos biopics, lo que la hace perder fuerza en su conjunto.
Desde su primera escena, ‘Lee Miller’ establece su tono dramático con una explosiva secuencia en la que la protagonista se sumerge en la destrucción de la guerra. La película sigue una estructura fragmentada, saltando entre distintos momentos de la vida de Miller: desde sus años bohemios en París junto a Man Ray y Paul Éluard hasta su trabajo como corresponsal de guerra, donde acabó convirtiéndose en la mujer que se bañó y durmió en las dependencias de Hitler y Braun. La Gran Guerra es el eje del filme convirtiéndose la película poco a poco en un alegato más contra los negacionistas del holocausto y estas escenas son potentes y visualmente sobrecogedoras, pero la narrativa a veces pierde cohesión y no termina de profundizar en algunos aspectos clave de su vida personal y profesional, por mucho que materialice bien los momentos que llevaron a sus fotos más famosas.
Uno de los recursos más interesantes es el uso de una entrevista en 1977 entre Miller (ya en su vejez) y un joven periodista/hijo interpretado por Josh O’Connor. Este diálogo no solo estructura la película, sino que también enfatiza el contraste entre la indiferencia del pasado y la necesidad de contar la verdad que impulsaba a Miller. Sin embargo, el guion no siempre saca el máximo provecho de esta estructura, y en algunos momentos la trama se siente dispersa.
La interpretación de Kate Winslet es, sin duda, el mayor atractivo de la película. La actriz logra capturar la complejidad de Lee Miller, una mujer fuerte, apasionada y llena de contradicciones. Winslet encarna tanto su valentía en el frente de batalla como su vulnerabilidad en la intimidad, reflejando cómo el trauma de la guerra la llevó a refugiarse en el alcohol y el silencio. Sin embargo, aunque su actuación es sobresaliente, la película no logra aprovechar completamente la riqueza emocional de su historia, como hizo en un caso similar la reciente e injustamente olvidada en esta temporada de premios, ‘Civil War’.
El elenco secundario también es destacable, con actuaciones sólidas aunque breves de Marion Cotillard, Andrea Riseborough y Alexander Skarsgård. Sin embargo, algunos personajes parecen estar subutilizados, y ciertas relaciones clave, como la de Miller con la editora de Vogue, Audrey Withers, podrían haber tenido mayor desarrollo. Queda patente que Vogue está tras esta producción al intentar ensalzar la figura de la fotógrafa centrándose en la etapa de guerra y pasar por alto, por ejemplo, la hipocresía tras la frase “prefiero hacer fotografías, no ser una” pronunciada por alguien que pasó parte de su vida convirtiendo a mujeres en fotografías.
Visualmente, la película refleja el habitual desempeño de la directora tras las cámaras. Presenta un trabajo sólido, con una fotografía que oscila entre la luminosidad habitual del imaginario colectivo sobre de los años previos a la guerra y la crudeza de los campos de batalla. Pawel Edelman, el director de fotografía, logra capturar tanto la estética vibrante del círculo artístico de París como la brutalidad del conflicto bélico. La icónica imagen de Miller en la bañera de Hitler en Múnich, por ejemplo, es recreada con gran impacto simbólico. En el apartado sonoro, la banda sonora de Alexandre Desplat aporta elegancia y dramatismo, aunque el diseño de sonido en algunas escenas de combate podría haber sido más trabajado.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Título original: Lee. Duración: 116 min. País: Reino Unido. Dirección: Ellen Kuras. Guion: Liz Hannah, John Collee, Marion Hume. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Pawel Edelman. Reparto principal: Kate Winslet, Alexander Skarsgård, Josh O’Connor, Andy Samberg, Marion Cotillard, Andrea Riseborough. Producción: 55 Films, Brouhaha Entertainment, Embassy Films, Hantz Motion Pictures, Hopscotch Features, Juggle Productions, MS Participations S.A., Pasaca Entertainment, Pioneer Stillking Films, Sky Originals, Vogue Films. Distribución: Vértice Cine. Género: drama. Web oficial:https://www.sky.com/watch/lee
Para Pansy la vida es una lucha constante. Llena de dolor físico y mental, su manera de relacionarse con el mundo es a través del enfado y la confrontación: discute con su familia, con su dentista, con su médico, con la cajera del supermercado… Su marido Curtley hace tiempo que no sabe cómo tratarla; Moses, su hijo, vive inmerso en su mundo, apenas dice una palabra y lo único que hace durante el día es caminar sin rumbo por la ciudad.
Crítica
Marianne Jean-Baptiste nos rompe en un drama armado con precisión arquitectónica
‘Mi única familia’ de Mike Leigh es una joya cinematográfica que nos sumerge en las profundidades de la psique humana, presentando personajes tan memorables como difíciles de manejar como los icónicos Walt Kowalski de ‘Gran Torino’ o el desequilibrado Tony Soprano. En esta obra, Leigh nos presenta a Pansy, interpretada magistralmente por Marianne Jean-Baptiste, una mujer cuya vida está marcada por la ira y la confrontación constante.
Pansy es una figura envuelta en una furia perpetua, enfrentándose a todo y a todos: su esposo Curtley (David Webber), su hijo Moses (Tuwaine Barrett) y cualquier desconocido que se cruce en su camino. Esta agresividad, que inicialmente puede parecer cómica, pronto revela un dolor profundo y no resuelto, mostrando a una mujer quebrada por la tristeza y el arrepentimiento. La dinámica familiar se ve atrapada en esta espiral emocional, con Moses refugiándose en su mundo interior y Curtley buscando escape en su trabajo, mientras la casa se convierte en un espacio de tensión contenida.
La interpretación de Jean-Baptiste es simplemente deslumbrante. Su capacidad para transmitir la complejidad emocional de Pansy ha sido reconocida internacionalmente. Todos los que hemos visto ‘Mi única familia’ coincidimos en que era una firme candidata a llevarse el BAFTA, el BIFA y el Critics Choise Award. Su actuación bien podría haber estado reconocida en los Oscar pero claro está que estamos en un año donde la polémica o la reivindicación han ganado el pulso.
‘Mi única familia’ es una producción conjunta entre España y Reino Unido. Esta colaboración transnacional ha permitido a Leigh explorar temas universales como las relaciones familiares, el duelo y la salud mental, ambientados en el Londres contemporáneo. La narrativa de Leigh, combinada con la poderosa actuación de Jean-Baptiste, crea una experiencia que deja una huella indeleble en la memoria del espectador, sobre todo en lo referente al dolor y la complejidad de aquellos considerados simples por ser únicamente de clase media. Esta cinta es una exploración profunda de la condición humana, que nos recuerda la complejidad de las emociones y las relaciones que nos definen seamos quienes seamos.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de febrero de 2025. Título original: Hard Truths. Duración: 97 min. País: Reino Unido. Dirección: Mike Leigh. Guion: Mike Leigh. Música: Gary Yershon. Fotografía: Dick Pope. Reparto principal: Marianna Jean-Baptise, Michele Austin, David Webber, Tuwaine Barrett. Producción: Creativity Media, Film4, The MediaPro Studio, Thin Man Films. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial:https://www.hardtruths.co.uk/
En este claustrofóbico thriller, un piloto (Mark Wahlberg) transporta en su avioneta a una teniente general (Michelle Dockery) que custodia a un testigo (Topher Grace) que va a testificar en un juicio contra la mafia. A medida que atraviesan las montañas de Alaska, las tensiones se disparan, ya que no todo el mundo a bordo es quien parece ser. Y a 3000 metros de altura no hay escapatoria posible.
Crítica
Aun siendo el vuelo más discreto y automático de Mel Gibson entretiene
Mel Gibson es un director con una filmografía marcada por la intensidad visual y emocional. Desde la brutalidad épica de ‘Braveheart’ hasta la conmovedora ‘Hasta el último hombre’, su cine ha demostrado un pulso narrativo sólido y una inclinación por la acción visceral y el drama humano. Sin embargo, en ‘Amenaza en el aire’ (‘Flight Risk’), su última incursión tras la cámara, Gibson entrega una obra que, aunque funcional en su género, carece de la fuerza y el carácter distintivo de sus mejores trabajos.
Protagonizada por Michelle Dockery, Topher Grace y Mark Wahlberg, la película sigue una premisa sencilla: un piloto debe transportar a una marshall y a un miembro de la mafia, mientras la tensión crece en la limitada cabina de su avión. El thriller se construye sobre una atmósfera claustrofóbica, apoyándose en la incertidumbre sobre las verdaderas intenciones de los personajes. Sin embargo, lo que podría haber sido una historia llena de intriga y giros memorables se desarrolla de manera predecible, sin aprovechar del todo el potencial dramático de la situación y además dándonos demasiadas notas humorísticas que rozan el ridículo.
La puesta en escena de Gibson es correcta pero sorprendentemente convencional. A diferencia de ‘Hasta el último hombre’, donde cada secuencia de combate tenía una crudeza y magnitud impactante, aquí la acción es contenida y sin momentos memorables. Da la impresión de que el presupuesto es tan ajustado que han tenido que recurrir a algunos planos con CGI barato. En ‘Apocalypto’, Gibson construyó una persecución frenética y absorbente, mientras que en ‘Flight Risk’ el ritmo resulta más plano, sin la misma energía sangrienta aunque con más tensión. Parece que cuando Gibson ha encontrado más apoyos en su lucha conservadora y anti-woke es cuando más se ha suavizado.
El guion, firmado por Jared Rosenberg, no ayuda demasiado. A pesar de la promesa de una tensión psicológica en el reducido espacio del avión, los diálogos carecen de profundidad y los conflictos no evolucionan de manera convincente. Wahlberg cumple con su papel, pero no se le da el material necesario para explotar su carisma ni la intensidad que ha demostrado en otras colaboraciones con directores más exigentes. Sin duda la previsibilidad del libreto juega en su contra.
Si bien es entretenida y no es una película fallida, ‘Amenaza en el aire’ es, sin duda, la obra menos inspirada de Mel Gibson como director, hasta tal punto de parecer un filme amateur. Se echa en falta su característico estilo visual, su habilidad para crear secuencias de acción electrizantes y su capacidad para inyectar emoción genuina en sus historias. Para un realizador que ha dejado huella con su audacia, violencia y visión cinematográfica, este thriller resulta sorprendentemente genérico. No es un desastre, pero tampoco es el vuelo que esperábamos.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de febrero de 2025. Título original: Flight Risk. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Mel Gibson. Guion: Jared Rosenberg. Música: Antonio Pinto. Fotografía: Johnny Derango. Reparto principal: Mark Wahlberg, Michelle Dockery, Topher Grace, Monib Abhat, Savanah Joeckel, Paul Ben-Victor. Producción: Lionsgate, Media Capital Technologies, Hammerstone Studios, Blue Rider Pictures, Icon Productions, Davis Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: suspense, acción. Web oficial:https://www.lionsgate.com/movies/flight-risk
Descubre las novedades y detalles del lanzamiento en formato físico del próximo 28 de marzo por parte de Arvi Licensing que incluye licencias para todos los públicos, grandes títulos por primera vez en 4K Ultra HD, la miniserie que conquistó los Globos de Oro y reediciones de catálogo. Aunque muy atento porque muy pronto podremos anunciar las últimas novedades del mes.
Además, las ediciones se han dado de alta y desde hoy podrían estar en preventa.
‘WICKED’ Disfruta del salto a la pantalla de uno de los musicales más aclamados en escena de la mano de Cynthia Erivo y Ariana Grande, que llegará en DVD, Blu-ray, 4K Ultra HD y un steelbook.
Descubre los orígenes de ‘KRAVEN THE HUNTER’, uno de los villanos más icónicos de Marvel®, junto a las ediciones en DVD, Blu-ray, 4K Ultra HD y un steelbook.
La historia se convierte en leyenda en ‘EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LA GUERRA DE LOS ROHIRRIM’. Los amantes de la animación y esta gran saga podrán disfrutar de sus ediciones en DVD, Blu-ray, 4K Ultra HD y un steelbook.
‘ODIO EL VERANO’ y ‘¿QUIÉN ES QUIÉN?’ las comedias perfectas para buen rato en casa llegarán en DVD y Blu-ray.
Colin Farrell protagoniza este fascinante drama criminal. ‘EL PINGÜINO’, ganadora de 3 Globos de Oro® entre otras muchas nominaciones y premios, llegará en DVD y Blu-ray.
David Fincher nos trae por primera vez en 4K Ultra HD dos icónicas películas, ‘LA HABITACIÓN DEL PÁNICO’ y ‘LA RED SOCIAL’, que llegarán ambas en una edición metálica limitada de 3 discos con un Blu-ray de extras.
Además, disfruta también de las ediciones especiales limitadas por primera vez en 4K Ultra HD ‘CONSTANTINE’ y ‘AMADEUS’.
La máxima calidad en 4K Ultra HD llega con nuevas ediciones de ‘FIRST MAN’, ‘LA GRAN MURALLA’, ‘EL INSTANTE MÁS OSCURO’, ‘BABY DRIVER’ y ‘ALGUNOS HOMBRES BUENOS’. Y una nueva edición metálica de ‘SUPER MARIO BROS. LA PELÍCULA’.
Completa tu filmoteca con las reediciones en Blu-ray de ‘AL ESTE DEL EDEN’, ‘EL ASESINATO DE JESSE JAMES POR EL COBARDE ROBERT’ y ‘HAIRSPRAY’.
Divisa Films prepara una serie de lanzamientos que nos van a amortiguar la resaca de los Oscars. Aparecerán en tiendas películas de estreno reciente como ‘Gladiator 2’, ‘Escape’, ‘Rita’, ‘Vaiana 2’, ‘Guardianes en la Ópera’, ‘Mufasa’ o el título que unió a Morgan Freeman y Luke Hemsworth, ‘Furia’. Pero también llegan joyas como la primera película de Christopher Nolan (‘Following’) o ‘Mary and Max’.
La vida de Andy Goodrich (Michael Keaton) da un vuelco cuando su mujer ingresa en un centro de rehabilitación, dejándolo al cargo de sus hijos gemelos de 9 años. Sobrepasado por sus nuevas responsabilidades, Goodrich acudirá a su hija mayor (Mila Kunis) para que le ayude a convertirse en el padre que ella jamás tuvo.
Crítica
Michael Keaton flota sobre un guion que se mantiene en la orilla sin llegar a ahondar
Hallie Meyers-Shyer, hija de Nancy Meyers (la directora de ‘En qué piensan las mujeres), se nos acerca con una película sobre cómo el concepto de familia ha mutado y cómo el tradicional padre de familia está en vías de extinción (como si la película de su madre le hubiese inspirado). La comedia dramática ‘Con el agua al cuello’, protagonizada por Michael Keaton, es una película que transita con ligereza tanto por su drama como por su comedia. Si bien no se destaca por una profundidad emocional particularmente impactante, sí logra capturar las problemáticas de la vida moderna, especialmente en lo que respecta a la paternidad, la pareja y la familia.
La historia sigue a Andy Goodrich (Keaton), un hombre de mediana edad cuya vida cambia repentinamente cuando su esposa le abandona para ingresar en rehabilitación, dejándolo al cuidado de sus hijos pequeños. Desbordado por las nuevas responsabilidades, busca apoyo en su hija mayor (Mila Kunis), con quien mantiene una relación distante. A partir de ahí, la película explora la reconstrucción de vínculos familiares y el aprendizaje tardío sobre lo que significa ser padre.
Uno de los puntos más interesantes del filme es cómo retrata una generación que sigue el supuesto orden establecido de la vida —casarse, tener hijos, formar una familia, tener un trabajo exitoso— sin estar necesariamente preparada para lo que implica. También pone sobre la mesa la carga emocional y las responsabilidades que surgen en las relaciones de pareja y el cuidado de los seres queridos en un mundo donde la estructura tradicional de la familia ha cambiado radicalmente en solo un par de décadas.
A nivel narrativo, la película avanza sin grandes sobresaltos, con una combinación de momentos emotivos y situaciones medianamente cómicas que hacen que el relato fluya con facilidad. Sin embargo, la falta de un conflicto más sólido o de un tratamiento más profundo de los temas impide que la historia deje una marca duradera. Aun así, Keaton entrega una actuación entrañable, aportando calidez a su personaje y logrando que la historia tenga momentos ligeramente genuinos de conexión emocional.
Más allá de su desarrollo predecible, ‘Con el agua al cuello’ plantea una reflexión valiosa sobre el tiempo que se pierde con los seres queridos al priorizar el trabajo y otras responsabilidades. En una sociedad donde el ritmo de vida muchas veces obliga a dejar de lado lo esencial, la película funciona como un recordatorio de la importancia de estar presente para la familia antes de que sea demasiado tarde. La pregunta más importante que se lanza al espectador es, ¿compartes el tiempo suficiente o conoces realmente a las personas que habitan tu casa?
En definitiva, es una película amena que, atraerá por la presencia de Keaton y la vuelta de Kunis a la pantalla grande. Aunque no sorprenda ni profundice demasiado en sus temas, logra capturar ciertas verdades de la vida contemporánea. Su tono ligero la hace accesible y sus mensajes, aunque convencionales, resultan relevantes para cualquier espectador que haya sentido alguna vez que las responsabilidades lo sobrepasan.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Goodrich. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: Hallie Meyers-Shyer. Guion: Hallie Meyers-Shyer. Música: Christopher Willis. Fotografía: Jamie Ramsay. Reparto principal: Michael Keaton, Mila Kunis, Andie MacDowell, Michael Urie, Carmen Ejogo, Kevin Pollak. Producción: C2 Motion Picture Group, CaliWood Pictures, Gramercy Park Media, RainMaker Films, Stay Gold Features. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, drama. Web oficial:https://c2motionpictures.com/project/goodrich/
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