Madrid se prepara para vivir su propio festival de cine de acción con clásicos, estrenos y el homenaje a Ramón Langa
Madrid se convertirá este otoño en la capital del cine más explosivo con la llegada de ROMPEMADRID, el Festival Internacional de Cine de Acción y Aventuras, que celebrará su primera edición del 27 al 30 de noviembre en los cines mk2 Palacio de Hielo (C.C. Palacio de Hielo, C/ Silvano, 77).
El certamen ofrecerá más de diez proyecciones que mezclarán títulos míticos y estrenos exclusivos, además de un homenaje muy especial a Ramón Langa, actor y voz inconfundible de Bruce Willis en España, quien recibirá el Premio CONFISLAB “Chulo de Honor” por su trayectoria.
Como tributo, el festival proyectará dos de los grandes clásicos del actor norteamericano: ‘La jungla 2: Alerta roja’ y ‘Golpe en la pequeña China’, ambas en versión doblada al castellano y con la presencia del propio Langa.
Aventuras, acción y maratones en pantalla grande
ROMPEMADRID también ofrecerá una maratón en versión original subtitulada con las tres películas clásicas de ‘Indiana Jones’, que se proyectarán el sábado 29 de noviembre. Además, el evento acogerá varios preestrenos nacionales, entre ellos ‘Luger’ (2025), el nuevo thriller de Bruno Martín, que se presentará con la participación del director y del reparto, incluyendo a David Sainz, Mario Mayo y Ángel Acero.
Como anticipo al festival, el 21 de noviembre se celebrará una sesión pre-festival con la proyección especial de ‘The Running Man’, la nueva versión dirigida por Edgar Wright. Esta función está incluida en el Abono General si se adquiere antes del 21 de noviembre.
Una cita dedicada al cine de acción y aventuras
El cartel oficial de ROMPEMADRID, obra del ilustrador Roberto Zoreda, refleja el espíritu del evento: adrenalina, humor y espectáculo en pantalla grande. Además, el festival contará con la colaboración del equipo del podcast “Tiempo de Culto”, que participará en diversas actividades durante las jornadas del evento.
Con ROMPEMADRID, los amantes del cine de acción tienen una nueva cita imprescindible para disfrutar de explosiones, héroes, villanos y aventuras sin límites… en pantalla grande y en pleno corazón de Madrid.
Día de contrastes y con muchos artistas junto a nosotros
Hoy ha sido un día muy especial y es que después de demostrar lo gran artista que es, acogedor y amable, Joe Dante ha recibido su premio Honorifico en el Festival de Sitges. El director ha sido arropado por todo el público del Auditori.
Además de asistir al estreno de ‘Silencio’ la nueva serie de Movistar +Plus, dirigida por Eduardo Casanova, hemos tenido la ocasión de estar en la rueda de prensa que se ha realizado dentro del Festival de Sitges. Allí, el director iba acompañado de Leticia Dolera, Omar Ayuso, Lucía Díez, Mariola Fuentes y Carolina Rubio. Allí nos han hablado de muchas cosas entre ellas, el director nos ha comentado lo involucrado que está con el poder hablar del VIH, que como ha dicho se estrena a partir del día 1 de diciembre, día internacional de la lucha contra el VIH. Nos ha comentado acerca del trabajo de maquillaje junto a Oscar del Monte, “El diseño de producción que hicimos en cuanto al maquillaje de prostéticos para enfatizar el paralelismo aquellas personas que en aquella época del pasado morían o sufrían de SIDA era hacer unas vampiras que recordasen a eso”. También nos ha hablado de los que le gusta la comedia, aunque siempre se vaya al drama, “La comedia siempre ayuda a sobrellevar traumas”. Aquí tenéis un pequeño vídeo de la rueda de prensa.
Además de la rueda de prensa de la película ‘Exit 8’, también hemos estado charlando un poco con Paul Urkijo y hemos visto a Ben Loenberg. Una de las noticias del final del día, ha sido que al final no podremos contar con Scott Derrickson en el Festival. Una pena, pues venía a presentar, ‘Black Phone 2’ y sin duda hubiese sido una maravilla poder charlar con el. Pero Sitges continua y se sigue disfrutando igual.
Dirigida por Dylan Southern y protagonizada por Benedict Cumberbatch, es un drama introspectivo que aborda el duelo desde el desconsuelo, esa fase en la que la tristeza deja de ser emoción y se vuelve paisaje. Inspirada en el tono gótico de Allan Poe y con ecos de ‘Un monstruo viene a verme’, la película combina lo simbólico y lo íntimo para hablar de la aceptación y el consuelo compartido.
Cumberbatch brilla en un papel contenido y honesto, interpretando a un artista que busca curarse mediante la palabra y el arte. Southern filma con una ternura melancólica, sin dramatismos, explorando cómo las pérdidas nos obligan a reaprender a convivir con los demás. Una película que no consuela, pero sí comprende.
Un relato corto de Stephen King, es lo nuevo que nos trae Mike Flanagan. Sin duda, es uno de los mejores directores que adaptan a King, ya sea con su beneplácito o con enormes homenajes como pudo ser ‘Misa a Media Noche’.
Esta vez se enfrasca en el relato corto de ‘La vida de Chuck’, un cuento dividido en tres partes y que comienza por el final. Un extraño cartel comentando lo mucho que echaran de menos a un tal Chuck, aparece por toda la ciudad, todo se va desmoronando en el mundo, pero esos carteles aparecen sin parar. Así comienza esta historia que nos adentra en la historia de un hombre normal, un contable que no sobresale en nada y que simplemente es uno más en este loco mundo.
El reparto me parece perfecto, el miedo, desesperación y aceptación, es lo que vamos viendo en cada uno de estos personajes que van apareciendo en ‘La vida de Chuck’. Una película llena de reflexiones y que sin duda da para un gran debate al final y es que el sentido de la vida siempre es algo difícil de explicar.
Gabriele Mainetti vuelve a arriesgar con ‘La città proibita’, una mezcla de cine social y artes marciales que viaja de la China de la política del hijo único a la Roma multicultural. La historia sigue a Mei, interpretada con fuerza por Yaxi Liu, una mujer marcada por el pasado que llega a Italia en busca de su hermana.
Mainetti construye en ella a una auténtica heroína de acción europea: sus combates no son mero espectáculo, cada golpe refleja supervivencia, justicia y amor fraternal. La película brilla en sus coreografías y en su retrato de los marginados, enfrentando a Mei con mafias que trafican mujeres y explotan a inmigrantes.
Aunque algo extensa en duración, ‘La città proibita’ destaca por su ambición y por ofrecer una Roma distinta, lejos de la postal turística, donde conviven lucha, dolor y esperanza. Imperfecta, sí, pero emocionante y valiente.
Alberto Gastesi nos trae una interesante película en la que conocemos a Diana y Martín. Quienes después de la muerte de su hijo, hace ya 12 años, deciden reencontrarse en su antigua casa del lago. Cuando un joven aparece por la casa, salen a la luz antiguos secretos.
Una cinta bien contada, que no ha gustado a todo el mundo. Una cinta que aunque se repite, logra sorprender gracias a varios giros que vamos teniendo a lo largo del metraje. La Inteligencia Artificial y el duelo de una muerte, se aúnan en este drama en el que Patricia López Arnaiz y Javier Rey son los protagonistas.
Se nota la buena producción de la película, tiene algún que otro efecto bastante bien realizado. Sin duda aprovecharon bien la oportunidad, ya que esta cinta se ha podido hacer gracias a que en 2019, el proyecto consiguió el premio Pitchbox de Sitges.
‘Decorado’, de Alberto Vázquez, es una fábula oscura que recuerda a ‘El show de Truman’ en algunas partes, pero con un enfoque más existencialista y cruel. Protagonizada por animales antropomórficos, la historia refleja una vida en ruinas: trabajo precario, matrimonio fallido y la sospecha de vivir en un decorado fabricado por la megacorporación ALMA. La película cuestiona el consumismo, la manipulación de las corporaciones y la fragilidad de la salud mental en un mundo alienante.
Visualmente deslumbrante gracias a la dirección de arte de José Luis Ágreda, mezcla colores vivos con una atmósfera sombría. La comedia se entrelaza con la tragedia en una obra que incomoda y fascina a partes iguales. ‘Decorado’ no ofrece consuelo: transmite pesadumbre, pero también lucidez. Es un retrato feroz de nuestra sociedad y un recordatorio de que la autenticidad está en peligro de extinción.
‘La leyenda de Ochi’, de Isaiah Saxon y A24, es visualmente deslumbrante: la saturación cromática y los animatrónicos logran crear una isla escandinava que parece sacada de un cuento en technicolor. Sin embargo, más allá de lo estético, la película apenas ofrece innovación narrativa. La historia de la niña que se hace amiga de Ochi, un híbrido entre mono y vampirillo, se siente predecible y repetitiva, con paralelismos evidentes con ‘Cómo entrenar a tu dragón’.
El ritmo es excesivamente lento y la fábula de convivencia humano-monstruo nunca alcanza profundidad emocional. Peor aún, Emily Watson y Willem Dafoe (actores capaces de grandes matices dramáticos) quedan desaprovechados, reducidos a decorado en un relato que depende únicamente de su estética. En definitiva, ‘La leyenda de Ochi’ resulta aburrida, superficial y visualmente fascinante, pero narrativamente decepcionante.
Qué decir de ‘They call her death’. Odio hablar mal de las películas, ya que al final tienen un trabajo inmenso por detrás. Y muchas veces salen mal por la falta de presupuesto, tiempos y mil cosas más. Pero es que ‘They call her death’ parece sacada de un trabajo final de universidad y no termina de enganchar ni de entusiasmar.
La película nos presenta a una mujer a la que le matan a su marido, un ladrón que es buscado y daban una alta recompensa por él. Después de todo esto, levanta una gran trama de corrupción y busca venganza. Las actuaciones son bastante amateurs, al igual que sus efectos. Pero esto realmente no me importaría, si no fuese porque el guion también es bastante flojo. Es una película bastante cortita y se hace muy larga y creo que si se la hubiesen tomado un poco menos en serio podría haber sido divertida. No esperaba una comedia, pero sí que, si hubiese sido un poco más macarra, quizás el tono le hubiese beneficiado.
Ion de Sosa firma ‘Balearic’ una cinta super corta, 74 minutos y menos mal. La cinta nos lleva a la víspera de San Juan, un día propicio para la magia. En este día, un grupo de amigos se cuelan en una mansión y son atacados por tres perros feroces. Al otro lado, en otra mansión, unos ricos celebran el comienzo del verano.
No se que decir, de verdad. Hoy está claro que no ha sido mi día en el tema cine, y es que está claro que no he entendido la película, ya que según el director y una de las actrices, la cinta tiene muchas metáforas, que os puedo asegurar no he visto. Lo único a destacar, es que aparece Christina Rosenvinge.
Nicolás Postiglione nos lleva a un hogar alemán en pleno Chile, en Valdivia, 1957. Allí, Daniel, un niño que acaba de perder a su madre, conoce a la familia alemana de su padre quienes se harán cargo de el durante una temporada. Aislado, al no conocer el idioma ni sus costumbres, Daniel se hará amigo en Ema, una niña del servicio. Los secretos oscuros de esta familia le harán llegar a la venganza.
Una película muy lenta, con buena dirección, buenas actuaciones, pero que realmente no cuenta demasiado. Vamos viendo los dramas de esta familia, sin casi ningún interés, solo y únicamente que termine la película. Una pena, porque creo que le podría haber sacado más chicha. Además no tienen ningún elemento fantástico y al principio parecía que si.
Con ‘Silencio’, Eduardo Casanova lleva su universo estético y su ironía incómoda al mito del vampiro. Combina terror, melodrama y sátira queer para hablar del miedo social y el estigma. Rodada en 16 mm alterna entre la peste negra y la crisis del VIH en los 80, mostrando cómo la marginación se repite con distintos nombres. Visualmente impactante y emocionalmente brutal, convierte lo grotesco en arte y la comedia en denuncia. Casanova usa la música popular y su habitual marca estética para contar una historia sobre la exclusión, la libertad y el deseo. Y aun con todo su mensaje sabe ser tan cómica como un capítulo de ‘Lo que hacemos en las sombras’. Una gran metáfora que aporta visualización tanto por las mujeres con VIH como con los personajes femeninos vampíricos.
La película de Majid Al Ansari, es un terror psicológico que mezcla lo sobrenatural y lo psicológico con un drama familiar para explorar la poligamia sin consentimiento. Con una atmósfera opresiva, espacios cargados de tensión y algunas buenas decisiones con las lentes y los movimientos de cámara, la película captura el horror emocional. La actuación de Bdoor Mohammed da credibilidad a un conflicto que va más allá de lo doméstico: dolor, identidad femenina, y la traición de expectativas.
Sin embargo, la película tropieza: la resolución se siente excesiva, algo demasiado explícita comparada con la sutileza del desarrollo y muy sujeta a estereotipos del cine oriental. Además, si bien los temas culturales aportan profundidad, algunas capas emocionales no se exploran al máximo. Aun así y con sus ideas un tanto inocentes a la hora de buscar el susto, ‘The Vile’ es una propuesta valiosa, especialmente para quienes buscan terror con significado. No alcanza la grandeza, pero consolida a Al Ansari como director promesa en el horror que reflexiona.
Montañas vascas, siglo XVII. En plena caza de brujas, Kattalin huye de su marido, abandonando el caserío en mitad de la noche. Perdida en la negrura del bosque, siente una presencia que la persigue. En su camino, se topa con tres mujeres que, mientras lavan la ropa junto al río, comparten cuentos de miedo y habladurías del pueblo. Para su asombro, Kattalin acabará convirtiéndose en parte de esas mismas historias.
Crítica
Terror, belleza visual y memoria histórica que no caerá nunca en el olvido de la noche de los tiempos
Paul Urkijo Alijo regresa con su apuesta por el cine fantástico hecho dentro de nuestras fronteras y con su gran labor de inmortalizar en los medos modernos aquellas historias tradicionales del País Vasco que podrían caer en el olvido. Y lo hace partiendo de lo que ha demostrado que domina a la perfección: el diálogo entre lo mitológico, lo histórico y lo oscuro.
Siempre ha arrancado sus narraciones con una escena potente y en esta ocasión no hace menos. Al igual que en ‘Errementari’ dispone de una animación que narra un relato antiguo, poniendo los pelos de punta, rememorando cuentos populares, generando escalofríos. Esa atmósfera narrada, esa voz que arranca desde la tradición oral, es el primer acierto de este filme que nos marca el camino hacia un viaje por cuentos y terrores muy vinculados con la naturaleza, lo ancestral y por supuesto lo oculto en las sombras de la noche y el olvido impuesto por las nuevas religiones.
Aunque no se trata de una antología, ‘Gaua’ funciona como un mosaico: muchas historias vividas o sus sombras en la España del pasado laten tras los cuentos que se cuentan entre mujeres junto al río o en el bosque. Kattalin, la protagonista que huye de su marido en plena caza de brujas del siglo XVII, se topa con tres mujeres que lavan la ropa, comparten supersticiones, cuentos escalofriantes y habladurías populares. Poco a poco, lo que parecía relatos ajenos se vuelve personal: ella misma será protagonista de esas historias. Su historia es la de tantas mujeres que sufrieron persecuciones y maltratos injustos. Con esto y con su frase final, ‘Gaua’ carga contra todo aquello que ha creado estigmas o ha arruinado vidas: el odio, la envidia, el tradicionalismo más rancio. El film no se limita a asustar o a impactarnos visualmente, reclama memoria, reparación simbólica, denuncia.
El vestuario de época es impresionante: cada prenda, cada textura, cada corte parece hallada en documentos o recreaciones del siglo XVII y convive con vivacidad con las escenas oscuras. Se respira autenticidad, incluso cuando la fantasía va filtrándose. La iluminación está muy bien trabajada, especialmente porque transcurre casi siempre de noche: Urkijo ya ha mostrado destreza en escenas oscuras en ‘Errementari’ o ‘Irati’. Aquí, la oscuridad no es escusa sino materia prima: sombras que devoran, luces de fuego, antorchas, reflejos de luna, las confusas sombras del bosque. La fotografía no tiene nada que envidiar a la de Robert Eggers: hay momentos de una belleza visual apabullante, casi pictórica, que se cruzan con escenas de terror puro, de esas que no se olvidan.
Además, uno reconoce elementos de la cultura vasca difundidos con cariño y conocimiento: la flor en la puerta de la casa de la protagonista (el Eguzkilore), el ser demoníaco contando contar garbanzos o maíz sin poder resistirse a ello, supersticiones rurales, leyendas pasadas de boca en boca hasta llegar al film. Esa textura cultural dota de riqueza al relato, de densidad. Urkijo no sólo está recreando un mundo histórico-fantástico: está recuperando voces acalladas, historias olvidadas. Si un servidor, nacido y criado en la provincia de Salamanca, ya reconoce esos pequeños y específicos elementos sin necesidad de explicación alguna es que Paul Urkijo está consiguiendo su encomiable objetivo.
‘Gaua’ termina siendo algo más que un film de terror o fantasía: es un acto de reivindicación, de reconciliación con la noche, con lo femenino, con lo mítico y lo humano. Para quienes aman el cine visualmente potente, con carga simbólica y con raíces culturales profundas, este film será de los que perduran. Con todos estos detalles cabe decir que Paul Urkijo Alijo es hoy por hoy el mayor exponente del folk horror en España.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de noviembre de 2025. Título original: Gaua. Duración: 87 min. País: España. Dirección: Paul Urkijo Alijo. Guion: Paul Urkijo Alijo. Música: Maite Arroitajauregi, Aránzazu Calleja. Fotografía: Gorka Gómez Andreu. Reparto principal: Yune Nogueiras, Ane Gabarain, Elena Irureta, Iñake Irastorza, Xbi “Jabato” López, Erika Olaizola, Elena Uriz, Manex Fuchs, Elias García, Laura Iturregi. Producción: Irusoin, Ikusgarri Films, Gaua AIE, Vilaüt Films. Distribución: Filmax. Género: fantástico. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/gaua/307
En una noche de tormenta, Laura conduce por la autopista mientras mantiene una extraña conversación telefónica con su madre, Alicia. Inquieta por la reacción que ha tenido y sin poder localizar a la cuidadora, Laura pide ayuda a su exnovio Pedro, para que cuide de Alicia esa noche. Cuando Pedro llega a la casa se enfrenta a una noche aterradora en la que Alicia le propone practicar un sádico juego.
Crítica
Carmen Maura es la piedra angular de esta locura con atmósfera decrépita
‘Vieja loca’ aterriza en la cartelera envuelta en un aura de suspense heredado de los clásicos y con un aval de peso: J.A. Bayona como productor. No es un detalle menor, ya que el director de ‘El orfanato’ y ‘La sociedad de la nieve’ se adentra de nuevo en el terreno del género fantástico que tanto ha cultivado, pero esta vez desde la retaguardia. Bayona ejerce aquí de padrino y avalista, apoyando a un cineasta con el que ya había colaborado en diálogos para su último éxito.
La trama escrita por Martín Mauregui parte de una premisa sencilla que pronto se transforma en un viaje demencial. Una madre soltera, desbordada por el cuidado de su hija y de una madre que oscila entre la senectud y la locura, recurre a su expareja para que se haga cargo de la anciana. Ese gesto desencadena una de esas situaciones que, más que suponer un descenso progresivo a la locura, se convierten en un baño directo en lo demencial. Pedro (Daniel Hendler) queda atrapado en un escenario surrealista donde la cordura y los recuerdos fragmentados de Alicia (Carmen Maura) convierten la convivencia en un terreno minado.
La ambientación es uno de los grandes logros de ‘Vieja loca’. El caserón en el que transcurre gran parte de la acción es en sí mismo un personaje: paredes agrietadas, suelo crujiente, muebles desfasados y una loza que parece haber sobrevivido a otra época. Es un espacio cargado de atmósfera lúgubre, en el que uno no sabe qué tiene más goteras, si el techo de la casa o la mente de la protagonista. Pero lo que realmente eleva esta puesta en escena es la dirección de fotografía. La cámara juega con sombras, con zonas borrosas y detalles fuera de plano, generando incomodidad y sugiriendo que la verdadera locura siempre está en lo que se oculta, no en lo que se muestra abiertamente.
La película propone un pulso constante entre la cordura y la demencia. La confusión de Alicia contagia a quienes la rodean, como si sus recuerdos oxidados fueran un virus que se extiende lentamente por la memoria. Esta tensión desemboca en una dinámica que recordará a todo el mundo a ‘Misery’: el cautivo no tiene que escribir una novela, pero sí debe interpretar y seguir los delirios de su captora. En apenas media hora de metraje se establecen los códigos del subgénero de secuestros psicológicos: bucles de memoria, lagunas mentales, juegos retorcidos y escapes frustrados. El problema es que, como ocurre en muchas películas de este tipo, la reiteración de estos elementos acaba por rozar lo tedioso. Da la sensación que se pretende que la prisión mental de la protagonista sea contagiosa, pero nos podemos llegar a sentir excesivamente atrapados en una trama que no acaba de desenredarse. Hay, además, dos elementos que quedan desdibujados o mal integrados en la trama: el viaje para conocer al padre de la niña y el enigmático secreto del sótano, que no alcanzan la relevancia que parecían prometer. A ello le sumamos un final que más bien nos dice poco.
En el apartado interpretativo, el desequilibrio es evidente. Daniel Hendler no logra transmitir la desesperación y el dolor de un personaje sometido a una situación asfixiante y fuera de toda lógica. Su presencia es más plana de lo deseable en un rol que exigía matices de terror, resignación y furia contenida. En cambio, Carmen Maura está mucho más convincente. Su interpretación de Alicia, con un acento argentino resuelto con mayor o menor solvencia, se sostiene sobre la delgada línea entre la locura y la ternura. Lo hace sin caer en la parodia ni en lo histriónico, y eso convierte su trabajo en la auténtica piedra angular de la película.
‘Vieja loca’ no revoluciona el género ni aporta grandes novedades, pero sí logra construir un microcosmos inquietante en el que se mezclan las ruinas de la memoria y la tensión claustrofóbica de un secuestro emocional. Como carta de presentación para Martín Mauregui, funciona. Y como regreso indirecto de Bayona al terreno fantástico, sirve para recordar que aún tiene olfato para detectar proyectos en los que la atmósfera y la sugerencia pesan más que los golpes de efecto o los manidos scare jumps.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Título original: Vieja loca. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Martín Mauregui. Guion: Martín Mauregui. Música: Pedro Osuna. Fotografía: Julián Apezteguia, Marc Gómez del Moral. Reparto principal: Carmen Maura, Daniel Hendler, Tamara Rocca. Producción: Bambú Producciones, La Unión de los Ríos, Películas la Trini, Primo Content, Studiocanal S.A.S. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense. Web oficial:https://www.deaplaneta.com/es/vieja_loca
‘Los domingos’ y ‘Seis días de primavera’ ganadoras con dos galardones cada una
La edición del Festival de San Sebastián 2025 ha vuelto a consolidarse como una de las grandes citas del calendario cinematográfico. Durante más de una semana, la ciudad donostiarra se ha convertido en escaparate de estrenos nacionales e internacionales, en punto de encuentro para profesionales de la industria y en epicentro cultural para miles de cinéfilos que han llenado las salas y las calles con el ambiente único que caracteriza al certamen.
La 73ª edición ha contado con la presencia estelar de Angelina Jolie y un presidente del jurado como J.A. Bayona. Habiendo reunido una programación diversa y arriesgada, en la que conviven nuevas voces del cine de autor con realizadores consagrados que regresan al Zinemaldia, su celebración han culminado. Han sido unos días de historias comprometidas, relatos intimistas y apuestas formales innovadoras que han marcado la selección oficial, confirmando el compromiso del festival con la pluralidad de miradas y la exploración de nuevas narrativas.
Además de las proyecciones, San Sebastián ha ofrecido un espacio privilegiado para el debate, con mesas redondas, presentaciones y encuentros que han reforzado el papel del certamen como puente entre Europa y Latinoamérica. La expectación se ha concentrado en el anuncio del palmarés, un momento en el que la crítica, el jurado y el público han coincidido o se han sorprendido con los títulos premiados. A continuación repasamos los ganadores del Festival de San Sebastián 2025.
Palmarés Festival de San Sebastián 2025
Concha de Oro: ‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa.
Premio Especial del Jurado: ‘Historias del buen valle’, de José Luis Guerin.
Concha de Plata a la mejor dirección: Joachim Lafosse, por ‘Seis días de primavera’.
Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista: ex aequo para Jose Ramon Soroiz, por ‘Maspalomas’, y Zhao Xiaohong, por ‘Jianyu laide mama’.
Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto: Camila Plaate, por ‘Belén’.
Mejor guion: Joachim Lafosse, Chloé Duponchelle y Paul Ismaël, por ‘Seis días de primavera’.
Mejor fotografía: Pau Esteve Birba, por ‘Los Tigres’.
Nuevos Directores: ‘Vaegtloes’, de Emilie Thalund.
Horizontes Latinos: ‘Un poeta’, de Simón Mesa Soto.
Zabaltegi – Tabakalera: ‘La torre de hielo’, de Lucile Hadzihalilovic.
Premio del Público: ‘La voz de Hind’, de Kaouther Ben Hania.
Premio de la Juventud: ‘La misteriosa mirada del flamenco’, de Diego Céspedes.
Premio Fipresci: ‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa.
Las premiadas de honor (Premio Donostia) en el Festival de San Sebastián 2025 son:
Esther García, productora española vinculada a la productora El Deseo. El País+2Cadena SER+2
Divergente suma más de 450 cortometrajes gratuitos y estrena nuevas producciones propias
Divergente, la plataforma OTT gratuita impulsada por ISII Group, sigue creciendo como punto de encuentro para los amantes del cortometraje. Con más de 450 títulos disponibles online sin coste, su catálogo combina propuestas premiadas en festivales internacionales, candidatas a los Goya y obras de cineastas emergentes y consolidados.
Entre sus últimas incorporaciones destaca ‘Lo que no decimos’, un relato LGBTIQ+ que pone el foco en la presión dentro del mundo del fútbol. Este estreno forma parte de la apuesta por la producción propia de Inefable Productions, compañía del grupo, que ya ha desarrollado una docena de cortos desde su creación en 2024.
Próximamente también se podrán ver en la plataforma ‘Por un puñado de frases’ y ‘Jo, qué día’, dos comedias con rostros tan conocidos como Jorge Sanz, Raúl Cimas y Yolanda Ramos.
El catálogo de Divergente ofrece ficción, documental, animación y experimental, abarcando géneros tan variados como terror, comedia, ciencia ficción, drama, thriller, fantástico, romántico o musical. Entre los proyectos disponibles aparecen trabajos de cineastas como Carlota Pereda o Eduardo Casanova y cortos con intérpretes de prestigio como Verónica Forqué, María Barranco, Ingrid García Jonsson, Macarena Gómez o Fernando Cayo.
De esta forma, Divergente se consolida como una ventana digital para redescubrir cortometrajes que muchas veces quedan relegados tras su paso por festivales, ofreciendo al público la posibilidad de disfrutar de historias originales y comprometidas de manera gratuita y accesible.
Javier Fesser dirige el primer spin off mundial de ‘Perfectos desconocidos’ con Ernesto Alterio y Juana Acosta
El cine español vuelve a mirar a lo grande con el anuncio del rodaje de ‘Perfectos conocidos’, primer spin off mundial del fenómeno de Álex de la Iglesia ‘Perfectos desconocidos’. La película ya tiene director y será Javier Fesser, ganador de siete premios Goya y nominado al Oscar, quien comenzará a rodar a finales de septiembre en Tenerife y Madrid.
Los protagonistas serán de nuevo Juana Acosta y Ernesto Alterio, quienes retoman a Ana y Antonio, el matrimonio que logró sobrevivir a la célebre cena con los móviles sobre la mesa. En esta ocasión, ambos viajan a Canarias para una celebración familiar que se transforma en pesadilla cuando un volcán cercano entra en erupción y la amenaza mortal desencadena un estallido de secretos ocultos.
El reparto se completa con Elena Irureta, Miguel Rellán, Manuel Morón, Jorge Usón, Athenea Mata, Teresa Hurtado de Ory, Laia Alberch, Alicia Bravo, Rodrigo Díaz y Candela Moreno, entre otros.
La producción corre a cargo de Telecinco Cinema, Nadie es Perfecto Producciones Cinematográficas, Películas Pendelton y Extraños Conocidos AIE, con la participación de Mediaset España, Movistar Plus+ y Mediterráneo Mediaset España Group. La distribución en salas españolas será de Universal Pictures International Spain, mientras que Film Factory gestionará el lanzamiento internacional.
Con esta apuesta, Fesser traslada su particular mirada a los secretos familiares, manteniendo la tensión y el humor negro que hicieron de ‘Perfectos Desconocidos’ un éxito de taquilla en 2017.
Un gran homenaje para uno de los artistas más importantes de nuestra historia
Elena Molina (‘Remember my name’) e Isaki Lacuesta (Premio Goya al Mejor director por ‘Segundo premio’) escriben y dirigen ‘Flores para Antonio’. La película documental que recorre la vida y la obra del músico y compositor Antonio Flores, de la mano de su hija, la actriz Alba Flores.
Este largometraje documental, tendrá su estreno mundial en la Sección Oficial fuera de concurso de la 73 edición del Festival de San Sebastián. ‘Flores para Antonio’ propone un viaje íntimo para acercarnos a la memoria y la vida del músico, uno de los artistas que más han trascendido y calado en la música de este país, y cuyo legado continúa muy presente.
Alba Flores, explora la vida y obra de su padre a través de materiales inéditos, como vídeos caseros, fotos, dibujos, imágenes de archivo y su propia música. La acompañan en este viaje su familia (incluidas su madre, Ana Villa y sus tías, las célebres Lolita y Rosario Flores) y reconocidos artistas como Antonio Carmona, Ariel Rot, Joaquín Sabina o Silvia Pérez Cruz, entre otros.
‘Flores para Antonio’ es un documental original de Movistar Plus+ y está producida por Flower Power Producciones, LACOProductora, Caballo Films y Flores para Antonio la película AIE y cuenta con la financiación de la ICAA y la Comunidad de Madrid.
Distribuida por AContracorriente Films, se estrenará en cines el 28 de noviembre. A principios de 2026 llegará en exclusiva a Movistar Plus+. Las ventas internacionales corren a cargo de Goodfellas.
A continuación os dejamos con el cartel de la cinta y el tráiler de la misma.
Sinopsis
Una hija se dispone a buscar la verdad sobre quien fue su padre, un músico legendario, fallecido cuando ella tenía 8 años. Él es Antonio Flores, ella, la también célebre actriz Alba Flores. Alba dejó de cantar al perder a Antonio y ahora se dispone a recuperar su voz y su historia, preguntando por primera vez a sus familiares y amigos.
El otoño madrileño volverá a vestirse de cine con la VIII edición del Festival Cine por Mujeres Madrid, que se celebrará del 28 de octubre al 9 de noviembre de 2025. Durante trece días, la capital será el epicentro del cine realizado por mujeres, con una programación que reúne más de 70 largometrajes de ficción y documental, tanto nacionales como internacionales.
17 sedes y una programación diversa
La cita se desarrollará en 17 sedes de Madrid, entre ellas Cineteca Madrid, Sala Berlanga, Academia de Cine, Casa de América, Fundación Telefónica, Museo Thyssen-Bornemisza y Palacio de la Prensa. Cada espacio acogerá secciones como la Competición Internacional, Competición Española o Panorama Internacional, garantizando una amplia oferta de estilos y miradas.
Francia en el foco
La sección FOCUS estará dedicada este año a Francia, con ocho largometrajes dirigidos por mujeres que llegarán a Madrid como estrenos exclusivos. Algunas proyecciones se celebrarán en el Instituto Francés y la Academia de Cine, mientras que la gala de inauguración tendrá lugar en los cines Cinesa Proyecciones.
Mucho más que cine
El festival también contará con mesas redondas, clases magistrales y encuentros profesionales, reforzando su compromiso con la formación, la igualdad y el debate en torno al sector audiovisual.
Quienes no puedan asistir presencialmente podrán seguir el festival a través de FILMIN y 8madrid TV, que ofrecerán una selección de títulos y un ciclo especial de directoras.
Con ocho ediciones a sus espaldas, el Festival Cine por Mujeres Madrid se consolida como un referente cultural que apuesta por la diversidad, la equidad y la visibilidad del talento femenino en la industria cinematográfica.
Basada en la novela de Arthur Schnitzler ‘La señorita Else’, publicada en 1924, ‘El talento’ cuenta la historia de Elsa (Ester Expósito), una prometedora estudiante de violonchelo que disfruta de la exclusiva fiesta de cumpleaños de su amiga Idoia (Mirela Balić) organizada por el padre de ésta (Pedro Casablanc). Durante este escaparate de la alta sociedad, Elsa recibe una inesperada llamada de su madre que la obligará a tener que elegir entre el futuro de su familia y su dignidad.
Crítica
Suspense clásico, retratos contemporáneos y Ester Expósito con una madurez interpretativa palpable
‘El talento’, la nueva película de Polo Menárguez, llega a las salas como una apuesta ambiciosa dentro del cine español contemporáneo. Se trata de una adaptación libre de una novela de 1924 de Arthur Schnitzler, un escritor vienés famoso por diseccionar las pulsiones humanas y los entresijos morales de la sociedad burguesa. Menárguez y su equipo han querido traer esa esencia al presente, transformando los bailes de salón en coreografías de TikTok, las ensoñaciones etílicas en desfases con drogas, y los coqueteos aristocráticos en tramas donde el lujo digital convive con la decadencia emocional. Sin embargo, pese a estos cambios, el filme conserva un sustrato clásico: la carta misteriosa que inicia la trama, la invitación a una fiesta prohibida, los secretos familiares y los juegos de máscaras.
El arranque de la película es impecable. Durante buena parte del metraje se mantiene un suspense genuino, con una tensión que recuerda a narraciones de esas que siembran misterio entre la jet set del momento. El espectador se siente atrapado en un espacio donde cada gesto puede esconder una traición y cada palabra susurra un secreto. No obstante, ese halo se diluye progresivamente. Cuando los enredos de faldas y los apuntes contemporáneos toman el control, el misterio pierde fuerza, convirtiéndose en un eco de lo que pudo ser un thriller más compacto. Aun así, la tensión de la protagonista (siempre entre la espada y la pared) logra sostener al espectador hasta el desenlace.
Uno de los grandes aciertos de ‘El talento’ es su reparto. Ester Expósito ofrece una gran interpretación. Es cierto que su trayectoria pública ha estado marcada por su imagen sensual en títulos como ‘Élite’ o en redes sociales, pero basta revisar películas como ‘Cuando los ángeles duermen’, ‘Venus’, ‘Tu hijo’, ‘Veneno’ o ‘El llanto’ para descubrir una actriz a la que muchos vemos con registros sólidos y comprometida con personajes que orbitan en torno al machismo, la cosificación o el acoso. En esta ocasión, Expósito se enfrenta a un rol exigente que la impulsa hacia una madurez interpretativa palpable. Para más inri, si la audiencia de esta actriz es por lo general joven, también servirá este filme para acercarles un poco a la música clásica, que evidentemente hoy en día dista de estar de moda. Frente a ella, Pedro Casablanc despliega su habitual solvencia, componiendo un antagonista a la altura de las circunstancias. El duelo actoral entre ambos enriquece notablemente la película.
La producción y parte del guion llevan la firma de Fernando León de Aranoa. Su huella es visible en la mirada hacia los contrastes de clase: los privilegiados adinerados frente al sector servicios y la clase trabajadora que habitualmente sufre vejaciones o desprecios. En ocasiones, esta representación cae en tópicos que restan sorpresa, pero refuerzan un contexto reconocible. La estructura narrativa, casi hitchcockiana, se ve lastrada por un final más atrevido pero menos elegante, condicionado por los códigos actuales del cine. Polo Menárguez abre la película con una escena que adelanta el destino final, una apuesta arriesgada que, sin embargo, logra mantener el interés al rellenar con solvencia el trayecto hacia ese punto culminante.
‘El talento’ se presenta como un relato sobre vulnerabilidad, orgullo y decencia, pero también sobre las huellas que dejan nuestras decisiones. Es una película que invita a reflexionar sobre el precio de lo que hacemos, si el fin justifica los medios, aunque su mensaje se vea parcialmente diluido por escenas accesorias y personajes poco relevantes. A pesar de ello, se trata de una obra que confirma la evolución artística de Ester Expósito y la capacidad de Menárguez para arriesgar con un material clásico y traerlo, con mayor o menor fortuna, a nuestro presente.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de septiembre de 2025. Título original: El talento. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Polo Menárguez. Guion: Fernando León de Aranoa, Polo Menárguez. Música: Carla F. Benedicto. Fotografía: Jose Martín Rosete. Reparto principal: Ester Expósito, Pedro Casablanc, Mirela Balić, Juan Pablo Fuentes, Rocío Muñoz-Cobo, Clara Sans, Marta Aledo. Producción: 3Cat, Coficiné, Comunidad de Madrid, Crea SGR, Movistar Plus+, The MediaPro Studio, Reposado Producciones, RTVE. Distribución: Tripictures. Género: suspense. Web oficial:https://tripictures.com/peliculas/el-talento/
Cuarenta años después del nacimiento del primer videojuego español la tecnología ha avanzado a una velocidad insospechada. Los juegos de ahora no se parecen nada a los de antes. Tampoco sus creadores, distribuidores, cronistas y, por supuesto, los jugadores. Todos hemos cambiado tanto que nos resulta desconcertante echar la vista atrás. Tribute es la historia, autobiográfica, subjetiva, desordenada y emocional del videojuego en España. O esa ha sido la excusa para charlar con algunas de las voces más valiosas del medio.
Crítica
Vigalondo juega en modo historia: documental con alma de 8 bits
‘Tribute’ de Nacho Vigalondo es un trabajo para Prime Video patrocinado por Domino’s Pizza. Es una película que se sumerge en el universo de los videojuegos con un enfoque nostálgico y personal. Vigalondo, conocido por su estilo único y ecléctico, se presenta como un boomer que navega por un mundo donde los videojuegos han alcanzado un estatus cultural significativo, con museos dedicados a ellos y profesionales que viven de su pasión.
La película recuerda al libro ‘Luces, cámara… enter play’ de Pako Mulero, ofreciendo un recorrido histórico que invita a la reflexión sobre las mecánicas de juego y la experiencia de vivir aventuras virtuales. A través de este viaje, ‘Tribute’ rinde homenaje a una amplia gama de juegos y compañías que marcaron la época dorada del software en España, mencionando títulos como ‘Destroyer’ y empresas icónicas como Dinamic, Topo Soft, Ópera Soft y Erbe Software. En este último campo se hace un homenaje especial, destacando la entrevista a Pablo Ruiz, fundador de Dinamic, responsable de juegos emblemáticos como ‘Capitán Sevilla’, ‘Olé Toro’ y/o ‘PC Fútbol’.
Una de las anécdotas más sorprendentes es la revelación de que Paco Pastor, el famoso cantante de Fórmula V, fue el creador de Erbe y posteriormente se unió a SEGA. También se cuenta con, Enrique Urbizu, director de películas como ‘No habrá paz para los malvados’, quien incursionó en el mundo de los videojuegos con títulos cinemáticos como ‘Los justicieros’.
La película no se limita a la nostalgia; también aborda temas contemporáneos, explorando el mundo del streaming donde jugar o reaccionar a juegos en línea es algo más complejo de lo que parece. A través de conversaciones con streamers, ‘Tribute’ ofrece una visión realista de un negocio que, a pesar de su popularidad, se enfrenta aún a ciertas dificultades y riesgos.
Aunque ‘Tribute’ es una obra breve, logra capturar la esencia de lo que los videojuegos han significado para muchas personas. El análisis de la popularidad y estigmatización del mundo del gaming es interesante, y el estilo de Vigalondo, que prioriza lo personal sobre los decorados y artificios, resuena con aquellos que crecieron en un contexto más provinciano. La película despierta una sensación de nostalgia en quienes vivieron la espera por la carga de un casete, la búsqueda de guías con trucos o mapas y las horas pasadas en el cibercafé del barrio.
Cabe destacar que incluso hay una escena post-créditos que añade otro toque humorístico a la experiencia, completando así un homenaje que, aunque limitado en alcance, es profundamente personal.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de septiembre de 2025. Título original: Tribute. Duración: 40 min. País: España. Dirección: Nacho Vigalondo. Guion: Nacho Vigalondo, Rubén Ajau. Fotografía: Curro Ferrerira. Reparto principal: Nacho Vigalondo, Pablo Ruiz, Paco Pastor, Sonia Herranz, John Tones, Enrique Urbizu, Conrad Roset, IlloJuan, Skain, Baity Bait, Araneae. Producción: Sayaka Producciones, Domino’s. Distribución: Prime Video. Género: documental. Web oficial:https://www.instagram.com/sayakaproducciones
Escrita y dirigida por Amparo Climent y producida por María Luisa Gutiérrez, se estrena el próximo 3 de octubre de la mano de Carácter Films.
Una visión profunda y humanizada de Dolores Ibárruri, conocida como Pasionaria, un personaje icónico del siglo XX. Una biografía emocional, íntima, vinculada a los grandes acontecimientos históricos y su impacto en la sociedad. Un documental fundamental para las nuevas generaciones que desconocen la figura Dolores Ibárruri como una de las mujeres más importantes de la historia de España.
‘Dolores Ibárruri. Pasionaria’ se presentó en el Festival de Málaga dentro de la Sección Pases Especiales, con una gran acogida por parte de la prensa y el público.
Dolores nació en Gallarta, en el seno de una familia minera. Como mujer anticipada a su tiempo, llegó a ser la primera mujer dirigente de un partido político en España, siendo encarcelada varias veces.
Tras el golpe de estado de 1936, estuvo exiliada en la Unión Soviética. Regresó a España en 1977, siendo elegida de nuevo diputada en las primeras elecciones democráticas. Falleció en Madrid en 1989.
En el documental se ha contado con la colaboración de la nieta de Pasionaria, Lola Ruíz-Ibárruri Sergueyeva, junto a Aida Sánchez Montero, Azucena Rodríguez, Carmen Calvo, Cristina Almeida, Enrique Santiago, Fernando Hernández Sánchez, Jaime Ruiz-Reig, Julieta Serrano, Mario Amoros, Marisa Castro, Mirta Núñez, Paquita Sauquillo, Teresa Aranguren, Víctor Díaz Cardiel y Willy Meyer.
‘Dolores Ibárruri. Pasionaria’, es una producción de Bowfinger International Pictures SL y La Pasionaria AIE, con la participación de Crea SGR, LKS y RTVE en asociación con Film Factory y con la colaboración de la Diputación Foralde Guipúzcoa. Distribuye Carácter Films.
A continuación, os dejamos el tráiler de este documental que llega a nuestras pantallas en octubre.
Sinopsis
Una visión profunda y humanizada de Dolores Ibárruri, Pasionaria, presidenta del Partido comunista de España, y una de las figuras femeninas más icónicas del siglo XX. Una biografía emocional, unida a los grandes acontecimientos de su vida y su impacto en la sociedad. Dolores y su nieta, Lola, nos conducirán por los caminos más íntimos del amor, nostalgias, pérdidas y soledades. Acompañado de una selección de documentos, poesía y música, que le añaden una dimensión íntima y emocional al relato.
Carmen Maura protagoniza el debut como director de Martín Mauregui
J.A. Bayona, Belén Atienza, Ramón Campos y Gabriela Carcova, son los encargados de la producción de ‘Vieja loca’. El debut de Martín Mauregui, llega a nuestras pantallas el próximo 10 de octubre gracias a DeAPlaneta.
Protagonizada por Carmen Maura, junto con el actor argentino Daniel Hendler, ‘Vieja loca’ narra la pesadilla que sufre un hombre tras recibir la llamada desesperada de una exnovia para que cuide de su madre senil.
Tras triunfar mundialmente con ‘La sociedad de la nieve‘, Bayona y su socia Belén Atienza, apoyan el debut en la dirección de un cineasta argentino, en una fábula de terror y suspense que aborda cómo se transmite la violencia de una generación a otra.
‘Vieja loca’ es una coproducción España- Argentina – EE.UU entre las productoras Películas La Trini, Primo Content, Mr Field and Friends, Bambu Producciones y La Unión De Los Ríos, con la participación de Amazon España.
A continuación podéis ver el tráiler de la cinta y leer su sinopsis.
Sinopsis
En una noche de tormenta, Laura conduce por la autopista mientras mantiene una extraña conversación telefónica con su madre, Alicia. Inquieta por la reacción que ha tenido y sin podeer localizar a la cuidadora, Laura pide ayuda a su exnovio Pedro, para que cuide de Alicia esa noche. Cuando pedro llega a casa se enfreta a una noche aterradora en la que Alicia le propone practicar un sádico juego.
Los Pitus ya tienen quince años y este verano se van de campamento para aprender inglés. Eso sí, lo hacen como aprendíamos inglés a principios de los noventa: en un campamento no muy lejos de nuestra casa y con profesores españoles cuyo acento dejaba bastante que desear. En esas semanas los tres amigos vivirán un montón de nuevas aventuras, sobre todo amorosas, que son siempre las aventuras más importantes, especialmente a los quince años. Ah, y también cantarán y bailarán un montón de canciones de la época. Ellos no lo saben, pero será el mejor verano de su vida.
Crítica
Una de las grandes apuestas del verano
Los Pitus regresan tres años después de gran éxito de ‘Voy a pasármelo bien’. Aquí veremos cómo el amor vuelve a ser el punto central de esta historia, con más música ochentera y noventera, ya que estos chicos han crecido y no todo son los ‘Hombres G’.
El día del pase de prensa fui un poco a la locura sin haber visto ‘Voy a pasármelo bien’ y en cuanto salí de la sala, fui directa a ver esta primera parte y es que me gustó tanto ‘Voy a pasármelo mejor’ que no entendía como todavía no había visto su antecesora.
AnadeAlva es la encargada de dirigir esta secuela, con guion de Luz Cipriota y David Serrano. Los cuales repiten y sin duda realizan un gran trabajo. Una cinta sencilla, con la única pretensión que disfrutemos una tarde de cine y salgamos cantando canciones de Duncan Dhu, Miguel Bosé, Antonio Vega, Seguridad Social o Chimo Bayo. Además de canciones originales de la película creadas por Antonio Serrano.
Esta vez, Los Pitus se van de campamento, allí el amor, el desamor y los planes locos para que Daniel vuelva a reencontrarse con Layla, hacen que vivamos una gran aventura veraniega.
No puedo negar que la película me ha encantado. Los chavales están de 10, cantando, bailando y por supuesto actuando. La química entre todos ellos hace que esa amistad que les une sea muy creíble. En esta ocasión la trama adulta pasa a un gran segundo plano y nos centramos en la trama adolescente.
IzanFernández, RenataHermidaRichards, RodrigroDíaz, RodrigoGibaja, MichelHerráiz,GabrielaSotoBelicha y JavierGarcía como he dicho están maravillosos. RodrigoGibaja junto a AlbaPlanas nos regalan una historia tan bonita dentro de todas las que vamos viendo, que es de las que te dejan con un suspiro.
‘Voy a pasármelo mejor’ además de divertida, es tierna. Unos niños creciendo, de manera bastante inocente. No como podemos ver en las series actuales en las que crecen demasiado rápido. Aquí es un paso bastante pausado, sin prisa, disfrutan de esos primeros amores, de esas primeras aventuras fuera de los brazos de sus padres y también, disfrutan de los buenos amigos, de esos, que tarde o temprano se suele perder el contacto por la falta de tiempo que tenemos ya de adultos.
Si, para mí, sin duda, ‘Voy a pasármelo mejor’ es una de las grandes apuestas de este verano tan caluroso. Una cinta con muy buena música, con muy buen rollo y sobre todo, con una historia sencilla pero que se disfruta desde el primer momento.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de julio de 2025. Título original: Voy a pasármelo mejor. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Ana de Alva. Guion: David Serrano, Luz Cipriota. Música: Alejandro Serrano. Fotografía: Joan Bordera. Reparto principal: Izan Fernández, Renata Hermida Richards, Raúl Arévalo, Karla Souza, Diego Montejo, Alba Planas, Candela Camacho, Pablo Guisa Koestinger, Claudio Villarrubia, Mario Alonso, Rodrigo Gibaja. Producción: El Estudio, Paraíso Torres, Beta Fiction Spain, RTVE. Distribución: Beta Fiction Spain. Género: Comedia. Web oficial: https://betafiction.es/cine/voy-a-pasarmelo-mejor/
El 18 de julio llega a nuestras pantallas ‘Superestar’, dirigida por Nacho Vigalondo, una de las series más esperadas para todos los que vivimos el famoso fenómeno del Tamarismo. El otro día estuvimos en su presentación (aquí podéis ver el vídeo que realizamos) y hoy Netflix nos anuncia que también tendremos ‘Sigo siendo la misma’. Un documental que analiza éste fenómeno.
Marc Pujolar, es el encargado de dirigir esta visión, donde se recoge por primera vez el testimonio más intimo de a cantante Yurena y de todos los personajes que revolucionaron el sistema y acapararon nuestra televisión de la época.
‘Sigo siendo la misma’ es un retrato nostálgico, disparatado y conmovedor de una cantante única que causó un auténtico revuelo a inicios de la década de los 2000. El documental narra cómo fueron los comienzos artísticos de Yurena. Conocida por aquel entonces como Tamara, y todo el fenómeno que le convirtió en un auténtico icono popular al inicio de la década de los 2000 tras el lanzamiento de su conocida canción No cambié y de su posterior álbum Superestar.
Con el próximo lanzamiento de la serie ‘Superestar’ en Netflix, muchos se preguntarán qué ocurrió en realidad en aquella época. Y qué ha sido actualmente de Yurena, Leonardo Dantés, Tony Genil, Loly Álvares, Paco Porras o Arlequín.
Además de todos estos protagonistas del fenómeno popular conocido como el Tamarismo, han participado también en el documental varias personalidades del mundo de la cultura y la televisión, así como numerosos periodistas y expertos de la época.
Este nuevo documental, producido por Suma Content, está dirigido por Marc Pujolar y cuenta con Javier Ambrossi y Javier Calvo como productores del proyecto. El guión ha sido escrito por Marc Pujolar y María Zuil.
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