Atrapada en el escándalo mundial de los Papeles de Panamá, Ana Méndez, directora jurídica del bufete Shubbert & Fassano, se enfrenta a un ataque mediático sin precedentes contra el país y el bufete en el que trabaja. Acusada de blanqueo de capitales, es perseguida por el fiscal Roberto Ramírez y la Interpol, por lo que Ana escapa a la selva para evitar su encarcelamiento. Allí, la soledad y la ausencia de sus tres hijos y de Eric, su marido, le causan un daño irreparable.
Crítica
Consigue ir más allá convirtiéndose en un acto de reivindicación frente al morbo mediático
Si hablamos de los Papeles de Panamá nos encontramos que todo el mundo conoce la enjundia de ese caso o ha oído nombres (rumoreados o confirmados). Los nombres de los famosos supuestamente implicados han sido muchos, pero casi nadie se ha preocupado nunca, salvo prensa o profesionales especializados, en confirmarlos pues es mejor ceder ante el cotilleo y el vapuleo popular. Y ni que decir tiene sobre indagar acerca de qué sucedió detrás o a qué personajes anónimos impactó.
Ahora, cuando parece que ya casis nadie se acuerda pero es un tema relativamente reciente, llega a las salas la película ‘Papeles’ con una propuesta sorprendentemente íntima para tratarse de un escándalo global. Más allá de los nombres que alimentaron semanas de morbo internacional el filme de Arturo Montenegro se sumerge en cómo funcionaba el engranaje que creaba las sociedades offshore que aparecían en estos archivos y en quienes eran los profesionales que los gestionaban. Esa es precisamente la grieta por la que se cuela Montenegro: la historia de los prácticamente anónimos, de quienes trabajaban en la maquinaria sin comprender todas las implicaciones o sin poder escapar a la presión de un sistema que los superaba.
La protagonista, Ana Méndez (interpretada por Megan Montaner), es un personaje ficticio, pero funciona como un espejo nítido de las más de dos decenas de empleados de la firma panameña que fueron enjuiciados y absueltos recientemente tras aquel terremoto mediático. Montenegro renombra la empresa real Mossack Fonseca como Shubbert Fassano, justificándolo con habilidad dentro del relato: una película que apunta de forma crítica no solo al sistema global de evasión y blanqueo, sino también al propio Occidente, al modo en que bautizó el escándalo y cargó contra Panamá como símbolo, ignorando la auténtica red internacional de corrupción que alimentaba esas estructuras.
El filme recuerda cómo estas sociedades offshore no eran ilegales por naturaleza, el problema surgía cuando se usaban para ocultar identidades, mover dinero sin control fiscal y facilitar corrupción o blanqueo de capitales. En ‘Papeles’, la creación de estas empresas se retrata con una ironía muy eficaz: nombres tan vagos, impersonales y absurdamente creados que estaban a la altura del alias de un jugador de Fortnite. Esa gestión imaginativa de corporaciones fantasma en Shubbert Fassano se convierte en un retrato casi surrealista de la burocracia del dinero invisible.
Pero Montenegro no se entretiene en explicar el mecanismo financiero ni en señalar con el dedo a políticos o celebridades. Esta no es una película política o punzante pese a contar con actores tan activistas como Carlos Bardem. De hecho, evita mencionar a muchos de los implicados reales y también prescinde de citar el nombre o nacionalidad reales de la periodista asesinada y que estaba investigando el caso (Daphne Caruana Galizia). En vez de eso, la película se concentra en el impacto personal, en cómo la digitalización completa del archivo de la firma y su posterior filtración y hackeo, destrozó vidas de empleados que, en su mayoría, no eran villanos internacionales, sino trabajadores atrapados en un sistema lucrativo que siempre protegió a los verdaderos beneficiados.
Este enfoque puede levantar suspicacias: habrá quien piense que ‘Papeles’ intenta lavar la imagen de ciertos protagonistas del caso. Pero me da la impresión de que la pretensión es más noble y el filme se posiciona claramente en otro terreno, defendiendo que la indignación global se cebó con los rostros más accesibles y pagaron el pato aquellos que no debían. Así, la película actúa como una llamada a mirar más allá del escándalo y preguntarnos quién paga realmente las facturas emocionales de un mundo obsesionado con el morbo y el vapuleo, incluso cuando eso signifique caer en la calumnia.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2025. Título original: Papeles. Duración: 108 min. País: Panamá. Dirección: Arturo Montenegro. Guion: Andry J. Barrientos, Andrés Clemente, Arturo Montenegro. Música: Carla F. Benedicto. Fotografía: Aaron Bromley. Reparto principal: Megan Montaner, Carlos Bardem, Antonio Dechent, Gustavo Bassani. Producción: Q Films, El Sueño Eterno Pictures, Criatura Cine. Distribución: #ConUnPack. Género: suspense. Web oficial:https://www.eternopictures.com/papeles
Destacan ‘Los domingos’ (cine) y ‘Poquita fe’ y ‘Superestar’ (TV)
La gran cita del cine y la televisión españoles nos cita en Pontevedra con la 13.ª edición de los Premios Feroz, cuya gala de entrega se celebrará el próximo 24 de enero y volverá a reunir a algunas de las figuras más destacadas del panorama nacional. Los Premios Feroz, considerados uno de los termómetros imprescindibles de la temporada junto a los Goya, los Oscar o los Globos de Oro, cumplen trece años reconociendo lo más sobresaliente de la producción audiovisual para la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE).
El Pazo da Cultura será el escenario de la ceremonia, que contará con un cuarteto de presentadores formado por Petra Martínez, Arturo Durán ‘Morris’, Samantha Hudson y Elisabet Casanovas. La lectura de nominaciones, realizada en la casa consistorial de Pontevedra por los actores Manu Ríos y Milena Smit, se celebró junto a la presidenta de la AICE, María Guerra, y el alcalde de la ciudad, Miguel Anxo Fernández Lores.
En esta edición de los Feroz, ‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa, lidera con autoridad la lista de candidaturas al convertirse en la película más nominada, con un total de nueve menciones. Justo detrás se sitúan ‘Sirat’, de Oliver Laxe, y ‘Maspalomas’, dirigida por Jose Mari Goenaga y Aitor Garaño, ambas con siete nominaciones. En el ámbito televisivo, las comedias han vuelto a conquistar al jurado: las segundas temporadas de ‘Poquita fe’ y el estreno ‘Superestar’ se posicionan como favoritas al obtener seis candidaturas cada una.
La AICE, compuesta por alrededor de 250 periodistas y críticos de todo el país especializados en información cinematográfica y televisiva, elige cada año a los premiados entre las producciones más destacadas de la temporada. Su veredicto vuelve a marcar el pulso de un año especialmente diverso y competitivo en el audiovisual español.
Listado completo de nominados a los Feroz 2026
Mejor película drama
‘Los domingos’
‘Maspalomas’
‘Romería’
‘Sirat’
‘Sorda’
Mejor película comedia
‘La cena
‘Decorado’
‘Mi amiga Eva’
‘Rondallas’
‘Wolfgang’
Mejor dirección
Jose Mari Goenaga & Aitor Garaño por ‘Maspalomas’
Oliver Laxe por ‘Sirat’
Eva Libertad por ‘Sorda’
Alauda Ruiz de Azúa por ‘Los domingos’
Carla Simón por ‘Romería’
Mejor actriz protagonista [película]
Ángela Cervantes por ‘La furia’
Miriam Garlo por ‘Sorda’
Patricia López Arnaiz por ‘Los domingos’
Nora Navas por ‘Mi amiga Eva’
Blanca Soroa por ‘Los domingos’
Mejor actor protagonista [película]
Mario Casas por ‘Muy lejos’
Álvaro Cervantes por ‘Sorda’
Sergi López por ‘Sirat’
Jose Ramon Soroiz por ‘Maspalomas’
Alberto San Juan por ‘La cena’
Mejor actriz de reparto [película]
Nagore Aranburu por ‘Los domingos’
Iraia Elias por ‘Una fantasma en la batalla’
Elena Irureta por ‘Sorda’
Maria de Medeiros por ‘Una quinta portuguesa’
Elvira Mínguez por ‘La cena’
Mejor actor de reparto [película]
Asier Etxeandia por ‘La cena’
Miguel Garcés por ‘Los domingos’
Joaquín Núñez por ‘Los Tigres’
Miguel Rellán por ‘El cautivo’
Kandido Uranga por ‘Maspalomas’
Mejor guion [película]
Alauda Ruiz de Azúa por ‘Los domingos’
Jose Mari Goenaga por ‘Maspalomas’
Carla Simón por ‘Romería’
Oliver Laxe & Santiago Fillo por ‘Sirat’
Eva Libertad por ‘Sorda’
Mejor música original
Alejandro Amenábar por ‘El cautivo’
Hidrogenesse (Carlos Ballesteros & Genís Segarra) por ‘Daniela Forever’
Aránzazu Calleja por ‘Maspalomas’
Ernest Pipó por ‘Romería’
Kangding Ray por ‘Sirat’
Mejor cartel
‘Los domingos
‘Muy lejos’
‘Romería’
‘Sirat’
‘Tardes de soledad’
Mejor tráiler
‘La cena’
‘Maspalomas’
Los domingos’
‘Romería’
‘Sirat’
Mejor serie drama
‘Anatomía de un instante’
‘La canción’
‘Pubertat’
‘La Ruta Vol. 2: Ibiza’
‘Yakarta’
Mejor serie comedia
‘Animal’
‘Furia’
‘Poquita fe’
‘La suerte’
‘Superestar’
‘La vida breve’
Mejor actriz protagonista [serie ]
Anna Castillo por ‘Su majestad’
Ingrid García-Jonsson por ‘Superestar’
Esperanza Pedreño por ‘Poquita fe’
Candela Peña por ‘Furia’
Carla Quílez por ‘Yakarta’
Carolina Yuste por ‘La canción’
Mejor actor protagonista [serie]
Javier Cámara por ‘Yakarta’
Raúl Cimas por ‘Poquita fe’
Ricardo Gómez por ‘La suerte’
Álvaro Morte por ‘Anatomía de un instante’
Luis Zahera por ‘Animal’
Mejor actriz de reparto [serie]
Julia de Castro por ‘Poquita fe’
María Jesús Hoyos por ‘Poquita fe’
Rocío Ibáñez por ‘Superestar’
Natalia de Molina por ‘Superestar’
Betsy Túrnez por ‘Pubertat’
Leonor Watling por ‘La vida breve’
Mejor actor de reparto [serie]
Carlos Bernardino por ‘La suerte’
Eduard Fernández por ‘Anatomía de un instante’
David Lorente por ‘Yakarta’
Secun de la Rosa por ‘Superestar’
Manolo Solo por ‘Anatomía de un instante’
Mejor guion [serie]
Rafael Cobos, Fran Araújo & Alberto Rodríguez por ‘Anatomía de un instante’
Félix Sabroso & Juan Flahn por ‘Furia’
Juan Maidagán & Pepón Montero por ‘Poquita fe’
Nacho Vigalondo, María Bastarós, Paco Bezerra & Claudia Costafreda por ‘Superestar’
Diego San José, Daniel Castro & Fernando Delgado-Hierro por ‘Yakarta’
SALAIA, el revolucionario sistema español que utiliza IA para ajustar una película en tiempo real según las emociones colectivas del público
El cine está a punto de entrar en una nueva era y su punto de partida ha nacido en Navarra. Alli ha tenido lugar la presentación oficial de SALAIA, un sistema de Inteligencia Artificial que propone un modelo completamente renovado de exhibición cinematográfica: proyecciones vivas, capaces de leer el clima emocional de toda una sala y ajustar la película al instante, sin que el espectador note el proceso. Lo que hasta hace apenas unos años parecía ciencia ficción, hoy se ha convertido en una realidad técnica que funciona ante nuestros ojos.
El proyecto, desarrollado por Professor Octopus AI Lab en colaboración con GOLEM, con apoyo del Gobierno de Navarra y la participación tecnológica de HP, se ha revelado en los cines Golem Baiona de Pamplona como una de las iniciativas más disruptivas del panorama audiovisual europeo. Su objetivo: transformar la experiencia cinematográfica sin romper su esencia, ofreciendo un pase único cada vez que se proyecta una película.
SALAIA (Sistema Autogenerativo para la Adaptación mediante Inteligencia Artificial de Intervenciones Audiovisuales) analiza de forma anonimizada el estado emocional del público mediante cámaras e infrarrojos. Con esa información, una compleja red de modelos de IA decide cómo modular la narrativa: ritmo, diálogos, duración de escenas e incluso qué escenas generar en tiempo real. Todo ello, siguiendo los límites artísticos establecidos previamente por los creadores de cada proyecto.
Durante el evento de presentación hubo demostraciones del sistema y quedó claro que esta tecnología abre un abanico de posibilidades impensables hasta hace poco. Desde festivales que podrán ofrecer versiones únicas de un mismo film hasta museos, espacios educativos o empresas que podrían crear propuestas audiovisuales adaptadas a su audiencia en tiempo real.
SALAIA es la evolución natural de EMOTIONAL FILMS, un proyecto pionero que en 2023 exploró la adaptación emocional de una película para un único espectador. Aquella iniciativa sembró la semilla del que hoy es un sistema escalable, capaz de funcionar en cualquier red de salas europeas con la infraestructura actual. Su consolidación se apoya también en la experiencia del laboratorio OCTOPUS, responsable de éxitos internacionales como el concierto-evento BNET VS. BNET, premiado por su aplicación creativa de IA.
En la presentación estuvieron presentes representantes institucionales y miembros clave del sector audiovisual navarro, subrayando la relevancia regional y estratégica del proyecto. La dirección técnica recae en Carlos F. de Vigo y Lorena Ares, creadores vinculados a producciones premiadas como ‘Cafuné’, ‘Hanna y los monstruos’ o ‘Memorias de un hombre en pijama’, quienes destacan que el gran reto es integrar esta tecnología en una sala real sin romper la experiencia cinematográfica tradicional.
SALAIA estará en desarrollo hasta 2027, aunque sus primeras demostraciones avanzadas llegarán en 2026. Y, tras ver de cerca su potencial, una cosa está clara: estamos ante un hito que puede redefinir cómo entendemos el cine y cómo lo viviremos en los próximos años.
Una hija se dispone a buscar la verdad sobre quién fue su padre, un músico legendario, fallecido cuando ella tenía 8 años. Él es Antonio Flores, ella la también célebre actriz Alba Flores. Alba dejó de cantar al perder a Antonio y ahora se dispone a recuperar su voz y su historia, preguntando por primera vez a sus familiares y amigos.
Crítica
Precioso retrato de un gran Antonio Flores
Qué disfrutable es ver un documental tan bien realizado, con tanto cariño y amor hacia una de las figuras claves en el ámbito español. Antonio Flores nació con estrella, venía de una gran familia de artistas. Su madre, la gran Lola Flores y su padre el Antonio González “El Pescaílla’. Ambos grandes cantantes y bailadores. Pero es cierto, que pese a esa estrella, él tenía claro que su música era el rock y que quería triunfar con ese estilo musical. Un estilo propio y que ha dejado canciones inmensas como ‘No dudaría’, ‘Al caer el sol’, ‘Gran vía’ o ‘7 vidas tiene un gato’. Y que decir de su interpretación de ‘Pongamos que hablo de Madrid’ escrita por su amigo Sabina.
Pero bueno, esto es una crítica del documental ‘Flores para Antonio’ dirigido por Elena Molina e Isaki Lacuesta, y solo puedo deciros que os acerquéis a verlo. Nos muestra mucho material inédito del artista; dibujos, videos caseros con su hija Alba y con toda su familia, además de fotografías.
Su hija, Alba Flores, la estupenda actriz de la ‘Casa de Papel’ nos muestra su lado más vulnerable, en la búsqueda para lograr conocer bien a su padre y de historias por las que nunca a preguntado por no sufrir y hacer sufrir a los suyos. Al final, ‘Flores para Antonio’ es también un paso para que esta mujer recupere su voz, voz que dejó de sonar al morir su padre, pues era con el único con el que cantaba. Y vamos viendo como poco a poco se convierte en la búsqueda de respuestas a preguntas que nunca quiso realizar.
ElenaMolina e IsakiLacuesta logran un documental muy completo, conocemos a un montón de amigos, que nos van contando los momentos más complicados del artista y como de verdad quería salir de todo eso, pero le era muy difícil poder escapar. Pero sobre todo vemos, todo el amor que estos amigos recibieron de él y cuanto le querían.
Junto a la familia Flores encontramos a Joaquín Sabina, Ariel Roth, Juan Díaz Ojeda “Juanito el Golosina”, Silvia PérezCruz, MarianneNilsen o Carlos Narea, entre muchos otros, que han decidido acompañar para contar las luces y sombras de Antonio.
¿Qué es lo que más me ha gustado? Descubrir a un hombre que además de ser un gran cantante y compositor, se dedicó al cine y también dibujaba. Su parte vulnerable y a la vez su fortaleza que le hacía una y otra vez intentar salir de sus recaídas. Me encanta como se juega con sus dibujos y como los animan para presentarnos diferentes etapas de su vida, todo ello junto con sus canciones y así contarnos su historia a través de todo su arte.
No os puedo negar que salí encantada del documental y que al final las palabras no pueden contar todo lo que sentí al verlo. Es emocionante y muy triste, a la vez, nos muestra la vida tal cual, con sus alegrías, el amor hacia la familia y también el dolor. No os lo perdáis.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de noviembre de 2025. Título original: Flores para Antonio. Duración:País: España. Dirección: Elena Molina e Isaki Lacuesta. Guion: Elena Molina e Isaki Lacuesta. Música: Alba Flores y Silvia Pérez Cruz. Fotografía: Juana Jiménez AEC. Reparto principal: Alba Flores, Ana Villa, Rosario Flores, Lolita Flores, Nüll García, Elena Furiase, Guillermo Furiase, Antonio Villa, Mariola Orellana, Antonio Carmona, Ariel Roth, Joaquín Sabina, Juan Díaz Ojeda “Juanito el Golosina”, Silvia Pérez Cruz, Marianne Nilsen, Eduardo Lago “Chirro”, Carlos Narea, Fernando Illán, Javier Catalá, Erik Franklin, Tato Icasto, Tomasito, Fernando Soto, Mara Rey. Producción: Flower Power Producciones, LACOproductora, Caballo Films, Flores Para Antonio La película AIE, Movistar Plus+. Distribución: A Contracorriente Films, Movistar Plus+. Género: Documental, biografía. Web oficial:https://caballofilms.com/producciones/flores-para-antonio/
El jurado internacional de la Sección Oficial – Competición Internacional Albar de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por Alexis Juncosa, Eva Llorach, Scott Macaulay, Carlos Marques-Marcet y Sophy Romvari, ha decidido otorgar los siguientes premios:
Premio al Mejor Largometraje: ‘Al Oeste, en Zapata’ David Bim.
Premio “AISGE” a la Mejor Actriz: Eszter Tompa por ‘Kontinental ‘25’.
Premio “AISGE” al Mejor Actor: Ben Wishaw por ‘Peter Hujar’s Day’.
Mención Especial: Andranic Manec por ‘Ari’.
Premio a la Mejor Dirección: Ángel Santos por ‘Así chegou a noite’.
El Jurado Internacional de la Sección Oficial – Competición Internacional FICX Premiere de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por Lisandro Alonso, Lina Lizardou y Mónica Stan, ha decidido otorgar los siguientes premios:
Premio Al mejor Largometraje de la Competición Ficx Premiere: ‘Los bobos’ de Sofía Jallinsky, Basovih Mariano.
Premio de la Competición Ficx Premiere a la Contribución Artística: ‘Mare’s Nest’ de Ben Rivers.
El Jurado FIPRESCI de la Sección Oficial – Competición Internacional Retueyos de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por Julien Camy, Holger Heiland y Joan Pons Pinac, ha decidido otorgar los siguientes premios:
FIPRESCI Award al Mejor Largometraje: ‘Skiff’ de Cecilia Verheyden.
Premio Especial Del Jurado: ‘Sugarland’ de Isabella Brunäcker.
El Jurado Internacional de la Sección Oficial – Competición Internacional de Cortometrajes de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por María Abenia, Nikki Bohm y Matteo Pianezzi, ha decidido otorgar los siguientes premios:
Premio Principado de Asturias al Mejor Cortometraje: Lyones de Dorian Jespers.
Mención Especial a los cortometrajes: ‘1:10’, de Sinan Taner; ‘Si el cielo fuera azul’ de Gabriela Muñoz Garay, Magdalena Fuenzalida, Benjamín Rojas, María Jesús Cardemil, Marc Pompermayer.
El Jurado Joven de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón ha otorgado los siguientes premios:
Premios del Jurado Joven al Mejor Largometraje de la Competición Retueyos: ‘Magic Farm’ de Amalia Ulman.
Premio del Jurado Joven al Mejor Cortometraje de la Sección Oficial: ‘Tolos fueos el fueu’ de Diego Flórez
El Jurado de Cine Español integrado por Iratxe Fresneda, Nila Núñez Urgell and Lilia Scena, ha concedido los siguientes premios de entre los largometrajes de producción española y/o dirigidos por cineastas españoles/as estrenados en la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón:
Premio al Mejor Largometraje Español: ‘A la cara’ de Javier Marco.
Mención Especial: ‘Al Oeste, en Zapata’, de David Bim.
Premio “RC Service” al Director de la Mejor Película Española: Javier Marco por ‘A la Cara’
Premio “DAMA” al Mejor Guion de Película Española: Anxos Fazáns, Ian de la Rosa por ‘As liñas descontinuas’
Premio “AMAE” al Mejor Montaje de Película Española: Federico Delpero por ‘Amílcar’
El Jurado CIMA integrado por Tábata Cerezo, Nati Juncal Portas e Irene Menéndez Palomino, ha concedido el siguiente premio de entre las películas estrenadas en las secciones competitivas de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón:
Premio CIMA al Mejor Largometraje Dirigido por una Mujer: ‘Love Me Tender’ de Anna Cazenave.
Mención Especial: ‘Sorella di Clausura’ de Ivana Mladenovic
El Jurado de la Noche del Corto Español de la 63ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, formado por Marta Codesido, Alicia Moncholí y Carmen Chávez Muñoz, ha concedido los siguientes premios:
Premio Mejor Cortometraje de la Competición La Noche Del corto Español: ‘Bariazioak’ de Lur Olaizola.
Premio Distribución “Festhome”: ‘La diva, mi abuela y yo’ de Inés G. Aparicio.
El Jurado de cine Asturiano formado por Ana Domínguez, Aitor Martínez Valdajos y Maryam Harandi, ha decidido conceder los siguientes premios, patrocinados por RTPA:
Premio RTPA al Mejor Largometraje Asturiano: ‘Volver a casa tan tarde’ de Celia Viada Caso.
Premiu RTPA de la Competición Asturies al Meyor Curtiumetraxe: ‘Alimaña’ de Juan Villa.
Mención Especial RTPA de la Competición Asturies Curtiumetraxes: ‘Una mujer que conocí llamada Yudita’ de Rodrigo Agüeria.
Cortos de la Sección Asturies Curtiumetraxes – Competición: ‘Cases’ de Jandro Llaneza.
El Jurado integrado por África Preus Rodríguez, Carla Herrera Valdés y Francisca Mª Santiago Urdiales, ha concedido el siguiente premio, en memoria de Alberto Alonso: ‘Blanco’ (Rambal)
Premios Rambal de la Asociación Xega: ‘As liñas descontinuas’ de Anxos Fazáns.
Los jóvenes espectadores de la sección Enfants Terribles, por medio de sus votaciones, han otorgador el siguiente premio:
Premio Enfants Terribles al Mejor Largometraje: ‘Le Grand Noël des Animaux’ de Camille Alméras, Ceylan Beyoglu, Caroline Attia, Olesya Shchukina, Haruna Kishi, Natalia Chernysheva.
El público de la 63ª edición del Festival Internacional de cine de Gijón ha concedido los siguientes premios.
Gran Premio del Público: ‘Made in EU’ de Stephan Komandarev.
Premio Tierres en Trance: ‘The bewilderment of chile’ de Lucía Seles.
Premio Europa Film Festivals – Europa Joven: ‘Des preuves d’amour’ de Alice Douard.
El Jurado del Premio Nuevos Realizadores del Principado de Asturias y patrocinado por el Gobierno del Principado de Asturias, ha concedido el siguiente premio al proyecto:
Premio Nuevos Realizadores del Principado de Asturias: ‘Pasar l’agua’ de Pablo Casanueva.
Movistar Plus+ en colaboración de Milcilclos y Elamedia ha otorgado el Premio Proyecto Corto Movistar Plus+ 2025 al siguiente proyecto: ‘Trella de Miguel Guindos.
La infancia de Bella estuvo marcada por el abandono y la soledad, hasta que conoció a Ponce, un artista idealista en el que vio a su príncipe azul. Seis años después, la joven vive en una lujosa mansión, madre de dos hijos y dueña de una galería de arte, con la apariencia de una vida perfecta. Sin embargo, tras esa fachada se esconde una realidad devastadora: años de abusos y violencia psicológica. Una noche, Bella comprende que la única manera de salvarse es escapar de la pesadilla en la que se ha convertido su matrimonio.
Crítica
Un mapa tan repleto de red flags que es pedagogía imprescindible
‘Bella’ es una obra que llega en un momento indispensable para la conversación social sobre la violencia de género, pero lo hace desde un prisma poco habitual: la animación. Lejos de la estética efectista o del drama reconstruido con actores de carne y hueso, Manuel H. Martín y Amparo Martínez Barco optan por un lenguaje visual delicado, casi ingenuo, para contar una historia que jamás debería serlo. Y, sin embargo, funciona. Quizá porque, precisamente, esa sencillez formal subraya con más contundencia la gravedad de lo que muestra.
La película está inspirada en la historia real de Ana Bella Estévez, superviviente de violencia machista y creadora de la Fundación Ana Bella para la Ayuda a Mujeres Maltratadas y Madres Separadas. El filme recoge, destila y transforma su experiencia para convertirla en relato universal, un relato que ilumina un proceso que demasiadas veces resulta invisible incluso para quien lo está viviendo.
‘Bella’ no se limita a ser una denuncia ni un memorial: es una herramienta pedagógica que analiza con rigor el modo en que se activa, se construye y se sostiene la violencia psicológica y física dentro de la pareja. La película plantea las “red flags”más comunes, señales que aparecen desde el inicio y que, a ojos inexpertos o emocionalmente vulnerables, pueden confundirse con gestos de amor. El filme muestra con precisión la adulación extrema de los primeros días, la definición forzada del otro, los detalles aparentemente mínimos que instauran un clima de control constante, los celos sin base, el aislamiento progresivo y por supuesto lass excusas injustificables tras la primera agresión.
Todos estos elementos están integrados con un pulso narrativo firme y didáctico. No hay exageración, no hay sobreexposición, no hay sentimentalismo manipulador. Hay, en cambio, una clarísima voluntad de ofrecer a las y los espectadores herramientas para identificar comportamientos abusivos incluso cuando se presentan con un envoltorio afectivo. ‘Bella’ es una alerta contra las parejas absorbentes, sutilmente dominantes, esas que erosionan la identidad de quien tienen al lado hasta volverla irreconocible para sí misma. Y, por supuesto, es una historia que apunta más allá de recordar la existencia del 016.
Una de las virtudes más notables del filme reside en el trabajo vocal. Michelle Jenner y Víctor Clavijo aportan una profundidad extraordinaria a los personajes protagonistas. Sus voces, rotundas y perfectamente trabajadas, otorgan textura emocional. Jenner aporta fragilidad, ingenuidad y matices. Clavijo construye un personaje tan decidido que es incómodo, convincente, escalofriante por su familiaridad y formalidad: el tipo de maltratador que no parece monstruoso, sino cotidiano, reconocible, una especie de “caballero del siglo XXI”.
La animación es sencilla, plana, con pocos frames y un trazo casi infantil. Pero lejos de ser un defecto, esta austeridad visual se convierte en un acierto pues no distrae del foco del filme. Remite a los cuentos ilustrados que se leen en la infancia, lo que da a la historia un contraste perturbador: lo terrible presentado con estética inocente. Además, esta elección estilística hace que la película sea accesible al público más joven, un sector para el que la educación afectiva y la identificación precoz de señales de control resulta fundamental. Es por ello que creo, si mi humilde opinión sirve de algo, que ‘Bella’ debería proyectarse en escuelas e institutos. Más aún: debería integrarse en programas educativos y debates sobre relaciones sanas. Su fuerza pedagógica es uno de sus valores más altos.
Si queremos hacer el paralelismo fácil esta película podría ser una versión moderna de la ‘Bella y la Bestia’. Cuenta con el galán cautivador, el castillo de ensueño, la joven impresionable y el padre que queda solo en casa añorando a su hija. Recordemos que en esa historia juega un papel importante un espejo y es por ello que hay que ver este filme como un espejo social en el que mirarnos para reconocer cualquier defecto que esté cubierto de buenas apariencias ocultando al verdadero monstruo de la historia.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de noviembre de 2025. Título original: Bella. Duración: 61 min. País: España. Dirección: Manuel H. Martín, Amparo Martínez Barco. Guion: Manuel H. Martín, Carmen Jiménez. Música: Beatriz López-Nogales. Fotografía: Hilario Abad. Reparto principal: Michelle Jenner, Víctor Clavijo. Producción: La Claqueta, Bella Animación La Película AIE, Talycual, Miami Film Gate, Fundación Ana Bella. Distribución: Syldavia Cinema. Género: drama. Web oficial:https://www.fundacionanabella.org/
Doce años después de la muerte de su hijo, Diana y Martín deciden reencontrarse durante un fin de semana en su antigua casa del lago. Ella es especialista en Inteligencia Artificial, él abandonó la profesión para vivir retirado de la civilización. Cuando un enigmático joven con un misterioso parecido con el difunto hijo aparece en la casa, salen a la luz antiguos secretos y nuevas sospechas. Del pasado de la familia podría depender la existencia de un futuro.
Crítica
Enigmática y existencial
En 2019, el proyecto de Alberto Gastesi consiguió el premio Pitchbox de Sitges. Con ello se lograba que ese guion pudiese tener opciones de llegar a película. Un guion sin duda bastante original y con varios giros de guion muy bien llevados.
En la película conocemos a Diana, una mujer dedicada en cuerpo y alma a su trabajo, conseguir que la Inteligencia Artificial avance hasta niveles insospechados. Un día, recibe la llamada de Martín, su ex pareja. Ambos perdieron a su hijo hace 12 años y deciden reencontrarse en su antigua casa del lago para cerrar heridas. Allí, un joven misterioso aparece en la casa y salen a la luz antiguos secretos.
‘Singular’ me ha parecido bastante interesante, os aviso que su ritmo es pausado, van contándonos todo paso a paso, lentamente y llega un momento de bucle que puede hacerse un poco pesado. Pero es necesario para el desenlace de la cinta. Una película que nos habla del dolor por la pérdida. De las cosas que no se dicen cuando se está deshecho de dolor y de esos secretos que se guardan por no dar más dolor a la otra persona. La culpa pesa mucho y también es otro de los grandes temas de ‘Singular’. Y por supuesto, la Inteligencia Artificial. Poco a poco nos lo van adentrando y poco a poco vemos como gana protagonismo, con miedo, temor y también curiosidad.
Como he comentado, tiene varios giros que logran sorprender y eso es bastante difícil con la cantidad de historia que vemos hoy en día. Pero si que es cierto que a ‘Singular’ le puede pesar un poco el ritmo.
Patricia López Arnáiz siempre está bien, hasta en películas que no le piden una increíble interpretación, como es ésta. Y es que simplemente nos muestra una mujer sencilla, con un pasado doloroso y que en el fondo no quiere volver a abrir ese capítulo de su vida. Junto a ella encontramos a Javier Rey, bastante bien en su personaje, igual, un hombre que solo quiere recuperar la familia que perdió.
Tiene imágenes muy bonitas, bucólicas y con un toque de ensueño. También vemos alguna que otra imagen con CGI bastante curiosa, se nota que han andado bien de presupuesto, es poco el CGI que ha necesitado, pero está muy bien utilizado.
Sin duda ‘Singular’ no es para todo el mundo, lo pude comprobar cuando salí de la sala del Auditori en el Festival de Sitges, había comentarios de todo tipo. En mi caso, me gustó bastante, tiene una historia potente y consigue sorprender.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de noviembre de 2025. Título original: Singular. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Alberto Gastesi. Guion: Alex Merino, Alberto Gastesi. Música: Ana Arsuaga, Jon Agirrezabalaga. Fotografía: Esteban Ramos. Reparto principal: Patricia López Arnaiz, Javier Rey, Miguel Iriarte, Iñigo Gastesi, Emilia Lazo. Producción: Vidania Films, White Leaf Producciones, 61ºNorth, RTVE, ETB. Distribución: Warner Bros Pictures. Género: Drama. Web oficial:https://www.warnerbros.es/peliculas/singular#informacion
Toni tiene 15 años y vive en Cañada Real, el asentamiento irregular más grande de Europa, a las afueras de Madrid. Orgulloso de pertenecer a su familia de chatarreros, pasa los días junto a su abuelo, al que admira y sigue a todas partes. Pero las máquinas de demolición se acercan a la parcela en la que vive, amenazando con arrasar todo lo que conocen, y su abuelo se niega a marcharse, sea cual sea el sacrificio.
En oscuras noches sin electricidad, las leyendas de su infancia empiezan a sentirse más reales que nunca. Mientras todo cambia a su alrededor, Toni debe elegir: enfrentarse a un futuro incierto o aferrarse a un mundo que se desvanece.
Crítica
Cotidianidad al margen sin tópicos ni sensacionalismo
‘Ciudad sin sueño’ de Guillermo Galoe, se adentra en un territorio pocas veces explorado con honestidad y sin morbo: la vida cotidiana de las personas que habitan la Cañada Real. Sin embargo, el director toma una decisión estética y ética fundamental: alejarse de los relatos que han dominado los titulares sobre los cortes de luz, el narcotráfico, la degradación urbanística… En su lugar intenta capturar algo más íntimo y humano. La película quiere convertirse, así, en un retrato costumbrista de un enclave marcado por la marginalidad, pero también por un sentido de pertenencia que rara vez encuentra espacio en el cine mainstream.
Galoe firma un filme que profundiza en cuestiones universales: la necesidad de pertenecer, la huida de la miseria y la resistencia contra un sistema que pretende encajar a todos en el mismo molde. Los personajes que pueblan ‘Ciudad sin sueño’ no buscan compasión ni heroicidades, buscan, ante todo, defender su libertad. Y esa libertad es entendida como la posibilidad de vivir al margen de las normas que nos alejan de la naturaleza y anestesian la existencia. Son hombres y mujeres que no desean ser realojados en pisos impersonales, porque para ellos esa medida equivaldría a vivir como pájaros enjaulados. Su identidad está ligada al espacio, a la comunidad, a un ritmo vital que el hormigón y los trámites administrativos destruirían sin remedio.
La película, además, se proyecta con subtítulos, una elección que nace de la jerga gitana que impregna cada diálogo. Este detalle no solo facilita la comprensión al público general, sino que subraya el choque entre la cultura dominante y un microcosmos con códigos propios, donde el honor, la palabra dada y la lealtad funcionan como pilares fundamentales. Galoe construye así una sociedad paralela, con sus normas internas, sus conflictos y una estructura emocional que no necesita justificaciones externas para existir. Esta aproximación dota al filme de veracidad, aunque también exige al espectador un esfuerzo extra, una disposición a entrar en un mundo sin traducciones fáciles.
En su núcleo, ‘Ciudad sin sueño’ es un relato cotidiano, un mosaico de escenas pequeñas, conversaciones interrumpidas por la ruina y miradas que cuentan más que cualquier monólogo. El director prefiere observar antes que juzgar, capturar antes que explicar. Esta decisión aporta naturalismo y un tono contemplativo que puede resultar profundamente evocador para algunos espectadores, pero insuficiente para otros.
Y es justamente en ese equilibrio donde aparece la principal debilidad. A ‘Ciudad sin sueño’ le falta algo más de sustancia, un impulso narrativo que ahonde con mayor contundencia en la complejidad emocional y social de sus protagonistas. La película sobrevuela temas poderosos como la identidad cultural, el desarraigo, la pobreza estructural, la libertad como forma de resistencia, pero a veces parece temer profundizar demasiado, como si un exceso de análisis pudiera traicionar la pureza del retrato. El resultado es una obra estética y envolvente, pero que deja la sensación de haber rozado una historia mayor sin terminar de abrazarla.
Con todo, la película de Guillermo Galoe se sostiene como un documento valioso, un espejo incómodo pero necesario sobre una comunidad que vive en los márgenes y que rara vez es retratada desde la humanidad, la dignidad y la complejidad que aquí sí se le conceden. ‘Ciudad sin sueño’ no pretende ser definitiva, pero abre una grieta. Quizá sea suficiente para que otros cineastas no se olviden de mirar donde casi nadie mira.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de noviembre de 2025. Título original: Ciudad sin sueño. Duración: 97 min. País: España. Dirección: Guillermo Galoe. Guion: Guillermo Galoe, Víctor Alonso-Berbel. Música: Rui Poças. Reparto principal: Antonio Fernández Gabarre, Bilal Sedraoui, Jesús Fernández Silva, Luis Bértolo. Producción: Sintagma Films, Encanta Films, BTeam Prods, Les Valseurs, Filmin, RTVE, Tournellovision. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama social. Web oficial:https://bteampictures.es/ciudad-sin-sueno/
El fenómeno televisivo ‘Aída’ da el salto al cine con ‘Aída y vuelta’, dirigida por Paco León y con el regreso de su reparto original
La nostalgia vuelve a la gran pantalla. ‘Aída y vuelta’, la esperada película inspirada en una de las series más queridas de la televisión española, ya tiene tráiler oficial. Dirigida por Paco León y escrita junto a Fer Pérez, la cinta se estrenará en cines el próximo 30 de enero de 2026, prometiendo una dosis de humor, emoción y reencuentro con los personajes que marcaron a toda una generación.
La película, distribuida por Sony Pictures Entertainment Iberia, es una producción de Globomedia (THE MEDIAPRO STUDIO) y Telecinco Cinema, con la participación de Mediaset España, Mediterráneo Mediaset España Group y Prime Video, donde se podrá ver tras su paso por los cines. El proyecto cuenta con Laura Fernández Espeso y Javier Méndez como productores por parte de Globomedia, y con Ghislain Barrois y Álvaro Augustin en representación de Telecinco Cinema.
Según su director, Paco León, el filme “mostrará la intimidad del rodaje, la parte de atrás, que es un poco la de dentro. Una parte compleja, pero también divertida”. Y es que ‘Aída y vuelta’ no solo recupera el espíritu original de la serie, sino que propone una mirada meta-cinematográfica en la que el rodaje de un nuevo capítulo sirve como excusa para explorar las relaciones entre actores, personajes y el propio fenómeno televisivo que fue ‘Aída’.
El reparto principal está integrado por Carmen Machi, Miren Ibarguren, Mariano Peña, Eduardo Casanova, Pepe Viyuela, Melani Olivares, Canco Rodríguez, Secun de la Rosa, David Castillo, Marisol Ayuso, Pepa Rus, Óscar Reyes y Adrián Gordillo, junto a casi un centenar de intérpretes adicionales seleccionados en un casting online que superó los 100.000 seguidores en Instagram (@Aidalapeli).
Convertida en un fenómeno televisivo durante años, ‘Aída’ rompió récords de audiencia y dejó frases icónicas en la cultura popular española. Ahora, ‘Aída y vuelta’ recupera ese espíritu entre la ficción y la realidad, reflexionando sobre el humor, la fama y el paso del tiempo.
Los derechos internacionales de distribución de la película están gestionados por THE MEDIAPRO STUDIO DISTRIBUTION, asegurando que el regreso de Esperanza Sur traspase fronteras.
La segunda edición del certamen internacional de guiones celebrado en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles consolida su posición como una cita imprescindible para el talento audiovisual
Madrid se vistió de gala para acoger la segunda edición de Break On Time, el certamen internacional de guiones organizado por ISII Group, que tuvo lugar en la majestuosa Galería de Cristal del Palacio de Cibeles. Con 679 guiones presentados desde todo el mundo, el evento reafirma su posición como una de las plataformas más relevantes para descubrir y producir nuevas voces del audiovisual.
La velada reunió a un nutrido grupo de figuras del cine y la televisión, entre ellas Karla Sofía Gascón, Marta Etura, Aura Garrido, Jorge Coira, Kike Maíllo y David Victori, miembros del jurado, además de intérpretes como Manuela Velasco, Berta Galo, Nerea Barros, Antonio Velázquez o Irene Arcos.
Antes del acto principal, los asistentes recorrieron una experiencia inmersiva que recreaba universos cinematográficos —del terror a la comedia romántica— y participaron en una colorida alfombra amarilla. La noche arrancó con una original batalla de gallos temática, seguida de una brillante intervención de Antonia San Juan, que aportó humor y emoción como maestra de ceremonias.
El certamen, celebrado en colaboración con RTVE, Madrid Film Office, Kinépolis, ESCAC y ALCINE, entregó diez galardones en diversas categorías. Entre los premiados destacaron Nuria Cabello Rivera y Marga Dorao Moris por Tarde y mal (Mejor Guion de menos de 59’), Víctor Almazán por Ratas de Hamelín (Mejor Guion de Animación) y Luis María Ferrández González por Explosión (Premio Especial RTVE a Mejor Guion de Largometraje).
La noche estuvo amenizada por una banda de jazz y las actuaciones de Vicco y Marlena, que pusieron ritmo a una gala repleta de creatividad.
Para Silvia Carvalho, CEO de ISII Group y creadora del certamen, Break On Time representa “una plataforma donde el talento no solo se celebra, sino que se produce”. Con una clara vocación internacional, el evento refuerza la apuesta por convertir las palabras en imágenes, promoviendo una industria más accesible y dinámica.
Break On Time 2025 se consolida así como una cita imprescindible para el talento emergente del cine y la televisión, uniendo innovación, espectáculo y compromiso con las historias que marcarán el futuro del audiovisual.
Premio a Mejor Guion de Menos de 59’: Nuria Cabello Rivera y Marga Dorao Moris por Tarde y mal.
Premio Especial ALCINE a Mejor Guion de Cortometraje: Kilian Saldaña i González y Yulen Ramos por Singularidad.
Premio a Mejor Guion de Animación: Víctor Almazán por Ratas de Hamelín.
Premio a Mejor Guion de Documental: Fabrizio Santana y Lola Marrero por Silencioso sufrimiento.
Premio a Mejor Guion de Serie: Enrico Udenio por Jurado.
Premio Especial Madrid Film Office a Mejor Guion de Serie: Samuel Henríquez Larrazábal por Un millón de ojos.
Premio Especial ESCAC al Talento Emergente en Guion de Largometraje: Gwenn Joyaux por Niños que caminan solos en el desierto.
Premio a Mejor Guion de Ficción: Arturo Ruiz Serrano y José Manuel Carrasco por Desde arriba.
Premio Especial Kinépolis a Mejor Guion de Largometraje: Sergi Domènech Casas por Mussara: «El secreto de la montaña».
Premio Especial RTVE a Mejor Guion de Largometraje: Luis María Ferrández González por Explosión.
Los ganadores se anunciarán en la gala del 13 de diciembre en Madrid
La industria audiovisual española ya tiene finalistas para los Premios Forqué 2025. En su 31.ª edición, la gala impulsada por EGEDA celebrará a lo mejor del cine y la televisión el próximo sábado 13 de diciembre, en el Palacio Municipal IFEMA de Madrid. Los títulos que más nominaciones acaparan este año son ‘Sorda’, con cuatro candidaturas, seguida por ‘Maspalomas’ y ‘Los domingos’, ambas con tres. En la categoría televisiva, ‘Poquita Fe’ T2 lidera la lista con tres nominaciones. Esta edición se perfila como una gran cita para entender las tendencias del audiovisual español.
En la categoría de Mejor Largometraje de Ficción figuran los títulos: ‘Los domingos’ de Alauda Ruiz de Azúa, ‘Maspalomas’ de José María Goenaga y Aitor Arregi, ‘Sirât’ de Oliver Laxe y ‘Sorda’ de Eva Libertad. En televisión, las candidatas a Mejor Serie de Ficción son ‘Anatomía de un instante’, ‘Animal’, ‘Poquita Fe’ T2 y ‘Pubertat’.
En las categorías de interpretación cinematográfica, las finalistas en Mejor Interpretación Femenina son Ángela Cervantes (por ‘La Furia’), Miriam Garlo (‘Sorda’), Nora Navas (‘Mi amiga Eva’) y Patricia López Arnaiz (‘Los domingos’). Por su parte, los nominados en Mejor Interpretación Masculina son Alberto San Juan (‘La Cena’), Álvaro Cervantes (‘Sorda’), José Ramón Soroiz (‘Maspalomas’) y Mario Casas (‘Muy lejos’).
En la sección de series, la lista de candidatas a Mejor Interpretación Femenina en Serie incluye a Candela Peña (‘La Furia’), Carolina Yuste (‘La canción’), Esperanza Pedreño (‘Poquita Fe’ T2) e Ingrid García-Jonsson (‘Superestar’). Para Mejor Interpretación Masculina en Serie los nominados son Álvaro Morte (‘Anatomía de un instante’), Javier Cámara (‘Yakarta’), Luis Zahera (‘Animal’) y Raúl Cimas (‘Poquita Fe’ T2).
La gala tendrá lugar el 13 de diciembre de 2025 en Madrid, en el recinto IFEMA. Durante el evento se anunciarán también los ganadores en apartados como Mejor Documental, Mejor Animación, Cortometraje y el Premio al Cine y Educación en Valores.
Madrid se prepara para vivir su propio festival de cine de acción con clásicos, estrenos y el homenaje a Ramón Langa
Madrid se convertirá este otoño en la capital del cine más explosivo con la llegada de ROMPEMADRID, el Festival Internacional de Cine de Acción y Aventuras, que celebrará su primera edición del 27 al 30 de noviembre en los cines mk2 Palacio de Hielo (C.C. Palacio de Hielo, C/ Silvano, 77).
El certamen ofrecerá más de diez proyecciones que mezclarán títulos míticos y estrenos exclusivos, además de un homenaje muy especial a Ramón Langa, actor y voz inconfundible de Bruce Willis en España, quien recibirá el Premio CONFISLAB “Chulo de Honor” por su trayectoria.
Como tributo, el festival proyectará dos de los grandes clásicos del actor norteamericano: ‘La jungla 2: Alerta roja’ y ‘Golpe en la pequeña China’, ambas en versión doblada al castellano y con la presencia del propio Langa.
Aventuras, acción y maratones en pantalla grande
ROMPEMADRID también ofrecerá una maratón en versión original subtitulada con las tres películas clásicas de ‘Indiana Jones’, que se proyectarán el sábado 29 de noviembre. Además, el evento acogerá varios preestrenos nacionales, entre ellos ‘Luger’ (2025), el nuevo thriller de Bruno Martín, que se presentará con la participación del director y del reparto, incluyendo a David Sainz, Mario Mayo y Ángel Acero.
Como anticipo al festival, el 21 de noviembre se celebrará una sesión pre-festival con la proyección especial de ‘The Running Man’, la nueva versión dirigida por Edgar Wright. Esta función está incluida en el Abono General si se adquiere antes del 21 de noviembre.
Una cita dedicada al cine de acción y aventuras
El cartel oficial de ROMPEMADRID, obra del ilustrador Roberto Zoreda, refleja el espíritu del evento: adrenalina, humor y espectáculo en pantalla grande. Además, el festival contará con la colaboración del equipo del podcast “Tiempo de Culto”, que participará en diversas actividades durante las jornadas del evento.
Con ROMPEMADRID, los amantes del cine de acción tienen una nueva cita imprescindible para disfrutar de explosiones, héroes, villanos y aventuras sin límites… en pantalla grande y en pleno corazón de Madrid.
Día de contrastes y con muchos artistas junto a nosotros
Hoy ha sido un día muy especial y es que después de demostrar lo gran artista que es, acogedor y amable, Joe Dante ha recibido su premio Honorifico en el Festival de Sitges. El director ha sido arropado por todo el público del Auditori.
Además de asistir al estreno de ‘Silencio’ la nueva serie de Movistar +Plus, dirigida por Eduardo Casanova, hemos tenido la ocasión de estar en la rueda de prensa que se ha realizado dentro del Festival de Sitges. Allí, el director iba acompañado de Leticia Dolera, Omar Ayuso, Lucía Díez, Mariola Fuentes y Carolina Rubio. Allí nos han hablado de muchas cosas entre ellas, el director nos ha comentado lo involucrado que está con el poder hablar del VIH, que como ha dicho se estrena a partir del día 1 de diciembre, día internacional de la lucha contra el VIH. Nos ha comentado acerca del trabajo de maquillaje junto a Oscar del Monte, “El diseño de producción que hicimos en cuanto al maquillaje de prostéticos para enfatizar el paralelismo aquellas personas que en aquella época del pasado morían o sufrían de SIDA era hacer unas vampiras que recordasen a eso”. También nos ha hablado de los que le gusta la comedia, aunque siempre se vaya al drama, “La comedia siempre ayuda a sobrellevar traumas”. Aquí tenéis un pequeño vídeo de la rueda de prensa.
Además de la rueda de prensa de la película ‘Exit 8’, también hemos estado charlando un poco con Paul Urkijo y hemos visto a Ben Loenberg. Una de las noticias del final del día, ha sido que al final no podremos contar con Scott Derrickson en el Festival. Una pena, pues venía a presentar, ‘Black Phone 2’ y sin duda hubiese sido una maravilla poder charlar con el. Pero Sitges continua y se sigue disfrutando igual.
Dirigida por Dylan Southern y protagonizada por Benedict Cumberbatch, es un drama introspectivo que aborda el duelo desde el desconsuelo, esa fase en la que la tristeza deja de ser emoción y se vuelve paisaje. Inspirada en el tono gótico de Allan Poe y con ecos de ‘Un monstruo viene a verme’, la película combina lo simbólico y lo íntimo para hablar de la aceptación y el consuelo compartido.
Cumberbatch brilla en un papel contenido y honesto, interpretando a un artista que busca curarse mediante la palabra y el arte. Southern filma con una ternura melancólica, sin dramatismos, explorando cómo las pérdidas nos obligan a reaprender a convivir con los demás. Una película que no consuela, pero sí comprende.
Un relato corto de Stephen King, es lo nuevo que nos trae Mike Flanagan. Sin duda, es uno de los mejores directores que adaptan a King, ya sea con su beneplácito o con enormes homenajes como pudo ser ‘Misa a Media Noche’.
Esta vez se enfrasca en el relato corto de ‘La vida de Chuck’, un cuento dividido en tres partes y que comienza por el final. Un extraño cartel comentando lo mucho que echaran de menos a un tal Chuck, aparece por toda la ciudad, todo se va desmoronando en el mundo, pero esos carteles aparecen sin parar. Así comienza esta historia que nos adentra en la historia de un hombre normal, un contable que no sobresale en nada y que simplemente es uno más en este loco mundo.
El reparto me parece perfecto, el miedo, desesperación y aceptación, es lo que vamos viendo en cada uno de estos personajes que van apareciendo en ‘La vida de Chuck’. Una película llena de reflexiones y que sin duda da para un gran debate al final y es que el sentido de la vida siempre es algo difícil de explicar.
Gabriele Mainetti vuelve a arriesgar con ‘La città proibita’, una mezcla de cine social y artes marciales que viaja de la China de la política del hijo único a la Roma multicultural. La historia sigue a Mei, interpretada con fuerza por Yaxi Liu, una mujer marcada por el pasado que llega a Italia en busca de su hermana.
Mainetti construye en ella a una auténtica heroína de acción europea: sus combates no son mero espectáculo, cada golpe refleja supervivencia, justicia y amor fraternal. La película brilla en sus coreografías y en su retrato de los marginados, enfrentando a Mei con mafias que trafican mujeres y explotan a inmigrantes.
Aunque algo extensa en duración, ‘La città proibita’ destaca por su ambición y por ofrecer una Roma distinta, lejos de la postal turística, donde conviven lucha, dolor y esperanza. Imperfecta, sí, pero emocionante y valiente.
Alberto Gastesi nos trae una interesante película en la que conocemos a Diana y Martín. Quienes después de la muerte de su hijo, hace ya 12 años, deciden reencontrarse en su antigua casa del lago. Cuando un joven aparece por la casa, salen a la luz antiguos secretos.
Una cinta bien contada, que no ha gustado a todo el mundo. Una cinta que aunque se repite, logra sorprender gracias a varios giros que vamos teniendo a lo largo del metraje. La Inteligencia Artificial y el duelo de una muerte, se aúnan en este drama en el que Patricia López Arnaiz y Javier Rey son los protagonistas.
Se nota la buena producción de la película, tiene algún que otro efecto bastante bien realizado. Sin duda aprovecharon bien la oportunidad, ya que esta cinta se ha podido hacer gracias a que en 2019, el proyecto consiguió el premio Pitchbox de Sitges.
‘Decorado’, de Alberto Vázquez, es una fábula oscura que recuerda a ‘El show de Truman’ en algunas partes, pero con un enfoque más existencialista y cruel. Protagonizada por animales antropomórficos, la historia refleja una vida en ruinas: trabajo precario, matrimonio fallido y la sospecha de vivir en un decorado fabricado por la megacorporación ALMA. La película cuestiona el consumismo, la manipulación de las corporaciones y la fragilidad de la salud mental en un mundo alienante.
Visualmente deslumbrante gracias a la dirección de arte de José Luis Ágreda, mezcla colores vivos con una atmósfera sombría. La comedia se entrelaza con la tragedia en una obra que incomoda y fascina a partes iguales. ‘Decorado’ no ofrece consuelo: transmite pesadumbre, pero también lucidez. Es un retrato feroz de nuestra sociedad y un recordatorio de que la autenticidad está en peligro de extinción.
‘La leyenda de Ochi’, de Isaiah Saxon y A24, es visualmente deslumbrante: la saturación cromática y los animatrónicos logran crear una isla escandinava que parece sacada de un cuento en technicolor. Sin embargo, más allá de lo estético, la película apenas ofrece innovación narrativa. La historia de la niña que se hace amiga de Ochi, un híbrido entre mono y vampirillo, se siente predecible y repetitiva, con paralelismos evidentes con ‘Cómo entrenar a tu dragón’.
El ritmo es excesivamente lento y la fábula de convivencia humano-monstruo nunca alcanza profundidad emocional. Peor aún, Emily Watson y Willem Dafoe (actores capaces de grandes matices dramáticos) quedan desaprovechados, reducidos a decorado en un relato que depende únicamente de su estética. En definitiva, ‘La leyenda de Ochi’ resulta aburrida, superficial y visualmente fascinante, pero narrativamente decepcionante.
Qué decir de ‘They call her death’. Odio hablar mal de las películas, ya que al final tienen un trabajo inmenso por detrás. Y muchas veces salen mal por la falta de presupuesto, tiempos y mil cosas más. Pero es que ‘They call her death’ parece sacada de un trabajo final de universidad y no termina de enganchar ni de entusiasmar.
La película nos presenta a una mujer a la que le matan a su marido, un ladrón que es buscado y daban una alta recompensa por él. Después de todo esto, levanta una gran trama de corrupción y busca venganza. Las actuaciones son bastante amateurs, al igual que sus efectos. Pero esto realmente no me importaría, si no fuese porque el guion también es bastante flojo. Es una película bastante cortita y se hace muy larga y creo que si se la hubiesen tomado un poco menos en serio podría haber sido divertida. No esperaba una comedia, pero sí que, si hubiese sido un poco más macarra, quizás el tono le hubiese beneficiado.
Ion de Sosa firma ‘Balearic’ una cinta super corta, 74 minutos y menos mal. La cinta nos lleva a la víspera de San Juan, un día propicio para la magia. En este día, un grupo de amigos se cuelan en una mansión y son atacados por tres perros feroces. Al otro lado, en otra mansión, unos ricos celebran el comienzo del verano.
No se que decir, de verdad. Hoy está claro que no ha sido mi día en el tema cine, y es que está claro que no he entendido la película, ya que según el director y una de las actrices, la cinta tiene muchas metáforas, que os puedo asegurar no he visto. Lo único a destacar, es que aparece Christina Rosenvinge.
Nicolás Postiglione nos lleva a un hogar alemán en pleno Chile, en Valdivia, 1957. Allí, Daniel, un niño que acaba de perder a su madre, conoce a la familia alemana de su padre quienes se harán cargo de el durante una temporada. Aislado, al no conocer el idioma ni sus costumbres, Daniel se hará amigo en Ema, una niña del servicio. Los secretos oscuros de esta familia le harán llegar a la venganza.
Una película muy lenta, con buena dirección, buenas actuaciones, pero que realmente no cuenta demasiado. Vamos viendo los dramas de esta familia, sin casi ningún interés, solo y únicamente que termine la película. Una pena, porque creo que le podría haber sacado más chicha. Además no tienen ningún elemento fantástico y al principio parecía que si.
Con ‘Silencio’, Eduardo Casanova lleva su universo estético y su ironía incómoda al mito del vampiro. Combina terror, melodrama y sátira queer para hablar del miedo social y el estigma. Rodada en 16 mm alterna entre la peste negra y la crisis del VIH en los 80, mostrando cómo la marginación se repite con distintos nombres. Visualmente impactante y emocionalmente brutal, convierte lo grotesco en arte y la comedia en denuncia. Casanova usa la música popular y su habitual marca estética para contar una historia sobre la exclusión, la libertad y el deseo. Y aun con todo su mensaje sabe ser tan cómica como un capítulo de ‘Lo que hacemos en las sombras’. Una gran metáfora que aporta visualización tanto por las mujeres con VIH como con los personajes femeninos vampíricos.
La película de Majid Al Ansari, es un terror psicológico que mezcla lo sobrenatural y lo psicológico con un drama familiar para explorar la poligamia sin consentimiento. Con una atmósfera opresiva, espacios cargados de tensión y algunas buenas decisiones con las lentes y los movimientos de cámara, la película captura el horror emocional. La actuación de Bdoor Mohammed da credibilidad a un conflicto que va más allá de lo doméstico: dolor, identidad femenina, y la traición de expectativas.
Sin embargo, la película tropieza: la resolución se siente excesiva, algo demasiado explícita comparada con la sutileza del desarrollo y muy sujeta a estereotipos del cine oriental. Además, si bien los temas culturales aportan profundidad, algunas capas emocionales no se exploran al máximo. Aun así y con sus ideas un tanto inocentes a la hora de buscar el susto, ‘The Vile’ es una propuesta valiosa, especialmente para quienes buscan terror con significado. No alcanza la grandeza, pero consolida a Al Ansari como director promesa en el horror que reflexiona.
Montañas vascas, siglo XVII. En plena caza de brujas, Kattalin huye de su marido, abandonando el caserío en mitad de la noche. Perdida en la negrura del bosque, siente una presencia que la persigue. En su camino, se topa con tres mujeres que, mientras lavan la ropa junto al río, comparten cuentos de miedo y habladurías del pueblo. Para su asombro, Kattalin acabará convirtiéndose en parte de esas mismas historias.
Crítica
Terror, belleza visual y memoria histórica que no caerá nunca en el olvido de la noche de los tiempos
Paul Urkijo Alijo regresa con su apuesta por el cine fantástico hecho dentro de nuestras fronteras y con su gran labor de inmortalizar en los medos modernos aquellas historias tradicionales del País Vasco que podrían caer en el olvido. Y lo hace partiendo de lo que ha demostrado que domina a la perfección: el diálogo entre lo mitológico, lo histórico y lo oscuro.
Siempre ha arrancado sus narraciones con una escena potente y en esta ocasión no hace menos. Al igual que en ‘Errementari’ dispone de una animación que narra un relato antiguo, poniendo los pelos de punta, rememorando cuentos populares, generando escalofríos. Esa atmósfera narrada, esa voz que arranca desde la tradición oral, es el primer acierto de este filme que nos marca el camino hacia un viaje por cuentos y terrores muy vinculados con la naturaleza, lo ancestral y por supuesto lo oculto en las sombras de la noche y el olvido impuesto por las nuevas religiones.
Aunque no se trata de una antología, ‘Gaua’ funciona como un mosaico: muchas historias vividas o sus sombras en la España del pasado laten tras los cuentos que se cuentan entre mujeres junto al río o en el bosque. Kattalin, la protagonista que huye de su marido en plena caza de brujas del siglo XVII, se topa con tres mujeres que lavan la ropa, comparten supersticiones, cuentos escalofriantes y habladurías populares. Poco a poco, lo que parecía relatos ajenos se vuelve personal: ella misma será protagonista de esas historias. Su historia es la de tantas mujeres que sufrieron persecuciones y maltratos injustos. Con esto y con su frase final, ‘Gaua’ carga contra todo aquello que ha creado estigmas o ha arruinado vidas: el odio, la envidia, el tradicionalismo más rancio. El film no se limita a asustar o a impactarnos visualmente, reclama memoria, reparación simbólica, denuncia.
El vestuario de época es impresionante: cada prenda, cada textura, cada corte parece hallada en documentos o recreaciones del siglo XVII y convive con vivacidad con las escenas oscuras. Se respira autenticidad, incluso cuando la fantasía va filtrándose. La iluminación está muy bien trabajada, especialmente porque transcurre casi siempre de noche: Urkijo ya ha mostrado destreza en escenas oscuras en ‘Errementari’ o ‘Irati’. Aquí, la oscuridad no es escusa sino materia prima: sombras que devoran, luces de fuego, antorchas, reflejos de luna, las confusas sombras del bosque. La fotografía no tiene nada que envidiar a la de Robert Eggers: hay momentos de una belleza visual apabullante, casi pictórica, que se cruzan con escenas de terror puro, de esas que no se olvidan.
Además, uno reconoce elementos de la cultura vasca difundidos con cariño y conocimiento: la flor en la puerta de la casa de la protagonista (el Eguzkilore), el ser demoníaco contando contar garbanzos o maíz sin poder resistirse a ello, supersticiones rurales, leyendas pasadas de boca en boca hasta llegar al film. Esa textura cultural dota de riqueza al relato, de densidad. Urkijo no sólo está recreando un mundo histórico-fantástico: está recuperando voces acalladas, historias olvidadas. Si un servidor, nacido y criado en la provincia de Salamanca, ya reconoce esos pequeños y específicos elementos sin necesidad de explicación alguna es que Paul Urkijo está consiguiendo su encomiable objetivo.
‘Gaua’ termina siendo algo más que un film de terror o fantasía: es un acto de reivindicación, de reconciliación con la noche, con lo femenino, con lo mítico y lo humano. Para quienes aman el cine visualmente potente, con carga simbólica y con raíces culturales profundas, este film será de los que perduran. Con todos estos detalles cabe decir que Paul Urkijo Alijo es hoy por hoy el mayor exponente del folk horror en España.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de noviembre de 2025. Título original: Gaua. Duración: 87 min. País: España. Dirección: Paul Urkijo Alijo. Guion: Paul Urkijo Alijo. Música: Maite Arroitajauregi, Aránzazu Calleja. Fotografía: Gorka Gómez Andreu. Reparto principal: Yune Nogueiras, Ane Gabarain, Elena Irureta, Iñake Irastorza, Xbi “Jabato” López, Erika Olaizola, Elena Uriz, Manex Fuchs, Elias García, Laura Iturregi. Producción: Irusoin, Ikusgarri Films, Gaua AIE, Vilaüt Films. Distribución: Filmax. Género: fantástico. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/gaua/307
En una noche de tormenta, Laura conduce por la autopista mientras mantiene una extraña conversación telefónica con su madre, Alicia. Inquieta por la reacción que ha tenido y sin poder localizar a la cuidadora, Laura pide ayuda a su exnovio Pedro, para que cuide de Alicia esa noche. Cuando Pedro llega a la casa se enfrenta a una noche aterradora en la que Alicia le propone practicar un sádico juego.
Crítica
Carmen Maura es la piedra angular de esta locura con atmósfera decrépita
‘Vieja loca’ aterriza en la cartelera envuelta en un aura de suspense heredado de los clásicos y con un aval de peso: J.A. Bayona como productor. No es un detalle menor, ya que el director de ‘El orfanato’ y ‘La sociedad de la nieve’ se adentra de nuevo en el terreno del género fantástico que tanto ha cultivado, pero esta vez desde la retaguardia. Bayona ejerce aquí de padrino y avalista, apoyando a un cineasta con el que ya había colaborado en diálogos para su último éxito.
La trama escrita por Martín Mauregui parte de una premisa sencilla que pronto se transforma en un viaje demencial. Una madre soltera, desbordada por el cuidado de su hija y de una madre que oscila entre la senectud y la locura, recurre a su expareja para que se haga cargo de la anciana. Ese gesto desencadena una de esas situaciones que, más que suponer un descenso progresivo a la locura, se convierten en un baño directo en lo demencial. Pedro (Daniel Hendler) queda atrapado en un escenario surrealista donde la cordura y los recuerdos fragmentados de Alicia (Carmen Maura) convierten la convivencia en un terreno minado.
La ambientación es uno de los grandes logros de ‘Vieja loca’. El caserón en el que transcurre gran parte de la acción es en sí mismo un personaje: paredes agrietadas, suelo crujiente, muebles desfasados y una loza que parece haber sobrevivido a otra época. Es un espacio cargado de atmósfera lúgubre, en el que uno no sabe qué tiene más goteras, si el techo de la casa o la mente de la protagonista. Pero lo que realmente eleva esta puesta en escena es la dirección de fotografía. La cámara juega con sombras, con zonas borrosas y detalles fuera de plano, generando incomodidad y sugiriendo que la verdadera locura siempre está en lo que se oculta, no en lo que se muestra abiertamente.
La película propone un pulso constante entre la cordura y la demencia. La confusión de Alicia contagia a quienes la rodean, como si sus recuerdos oxidados fueran un virus que se extiende lentamente por la memoria. Esta tensión desemboca en una dinámica que recordará a todo el mundo a ‘Misery’: el cautivo no tiene que escribir una novela, pero sí debe interpretar y seguir los delirios de su captora. En apenas media hora de metraje se establecen los códigos del subgénero de secuestros psicológicos: bucles de memoria, lagunas mentales, juegos retorcidos y escapes frustrados. El problema es que, como ocurre en muchas películas de este tipo, la reiteración de estos elementos acaba por rozar lo tedioso. Da la sensación que se pretende que la prisión mental de la protagonista sea contagiosa, pero nos podemos llegar a sentir excesivamente atrapados en una trama que no acaba de desenredarse. Hay, además, dos elementos que quedan desdibujados o mal integrados en la trama: el viaje para conocer al padre de la niña y el enigmático secreto del sótano, que no alcanzan la relevancia que parecían prometer. A ello le sumamos un final que más bien nos dice poco.
En el apartado interpretativo, el desequilibrio es evidente. Daniel Hendler no logra transmitir la desesperación y el dolor de un personaje sometido a una situación asfixiante y fuera de toda lógica. Su presencia es más plana de lo deseable en un rol que exigía matices de terror, resignación y furia contenida. En cambio, Carmen Maura está mucho más convincente. Su interpretación de Alicia, con un acento argentino resuelto con mayor o menor solvencia, se sostiene sobre la delgada línea entre la locura y la ternura. Lo hace sin caer en la parodia ni en lo histriónico, y eso convierte su trabajo en la auténtica piedra angular de la película.
‘Vieja loca’ no revoluciona el género ni aporta grandes novedades, pero sí logra construir un microcosmos inquietante en el que se mezclan las ruinas de la memoria y la tensión claustrofóbica de un secuestro emocional. Como carta de presentación para Martín Mauregui, funciona. Y como regreso indirecto de Bayona al terreno fantástico, sirve para recordar que aún tiene olfato para detectar proyectos en los que la atmósfera y la sugerencia pesan más que los golpes de efecto o los manidos scare jumps.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Título original: Vieja loca. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Martín Mauregui. Guion: Martín Mauregui. Música: Pedro Osuna. Fotografía: Julián Apezteguia, Marc Gómez del Moral. Reparto principal: Carmen Maura, Daniel Hendler, Tamara Rocca. Producción: Bambú Producciones, La Unión de los Ríos, Películas la Trini, Primo Content, Studiocanal S.A.S. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense. Web oficial:https://www.deaplaneta.com/es/vieja_loca
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