Crítica: ‘Tierras perdidas’

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Sinopsis

Basada en el relato de George R. R. Martin. Una reina (Amara Okereke), desesperada por encontrar la felicidad en el amor, envía a la poderosa bruja Gray Alys (Milla Jovovich) a las Tierras Perdidas, en busca de un poder mágico que permite a una persona transformarse en un hombre lobo. Con el misterioso cazador Boyce (Dave Bautista), que la apoya en la lucha contra criaturas oscuras y despiadadas, Gray deambula por un mundo inquietante y peligroso. Pero solo ella sabe que cada deseo que concede tiene consecuencias inimaginables.

Crítica

Con la dupla Anderson/Jovovich sabes a lo que vas, pero no lo que se te viene

Paul W.S. Anderson y Milla Jovovich llevan años jugando a lo mismo. Desde que el director encontró su musa en la saga ‘Resident Evil’, ha explotado una y otra vez la misma fórmula: mundos postapocalípticos, héroes hipermusculados, criaturas generadas por ordenador y una puesta en escena que parece salida de un videojuego. ‘Tierras perdidas’, su nueva colaboración, no es la excepción. Se podría decir que el director y su esposa han desarrollado su propio subgénero dentro del cine de acción y fantástico, pero el problema es que ya han exprimido hasta la última gota de originalidad que pudiera haberles quedado.

Para este nuevo delirio visual, Anderson adapta un relato de George R.R. Martin, un autor que cuando se aleja de la fantasía medieval y se adentra en la ciencia ficción suele acabar en desastre (como lo demuestra la malograda Nightflyers). A la ecuación se suma Dave Bautista, quien parece haberse convertido en el secundario predilecto para producciones de este tipo. La historia nos sitúa en un futuro postnuclear donde la humanidad sobrevive bajo el dominio de una monarquía que combate a herejes y tanto a monstruos como a brujas, en un entorno que recuerda por momentos a ‘Mad Max’ y por otros a una partida de ‘Diablo’.

El problema de ‘Tierras perdidas’ es que se siente como un refrito de ideas ya vistas en decenas de películas previas. Juega en la misma liga que ‘Legion’ o ‘Priest. El sicario de Dios’, aquellas cintas protagonizadas por Paul Bettany que mezclaban religión y ciencia ficción con estética apocalíptica. Hay inquisidores, magia oscura y combates cuerpo a cuerpo y con pistolas, pero en ningún momento el filme logra dotar de identidad propia a su mundo. A esto se le suma un guion que intenta sonar trascendental con frases lapidarias que no funcionan y un desarrollo de personajes que se siente tan mecánico como las escenas de acción.

En el apartado visual, Anderson vuelve a apostar por su estilo de siempre: una mezcla de gótico industrial con escenarios generados por ordenador. El diseño de producción es bizarro, rozando lo grotesco, y en más de un momento parece que estamos viendo un videoclip de Rammstein en lugar de una película de aventuras. La fotografía apuesta por tonos metálicos y azulados que acentúan la artificialidad del conjunto, algo que no ayuda cuando prácticamente todas las escenas han sido rodadas sobre un croma. Es evidente que el presupuesto no es descomunal, pero las herramientas digitales actuales permiten simular espacios de gran escala… aunque en este caso todo resulta demasiado sintético y carente de vida.

Si hablamos de la acción, encontramos otro de los grandes problemas de ‘Tierras perdidas’: su sobredependencia de la cámara lenta. Anderson lleva un tiempo acercándose peligrosamente al estilo de Zack Snyder, y aquí lo demuestra en exceso. Cada combate está repleto de ralentizaciones que, en lugar de añadir épica, acaban restando fluidez a la narrativa. El montaje y la puesta en escena parecen diseñados más para lucir bien en tráileres que para aportar ritmo a la historia.

En cuanto a las interpretaciones, Milla Jovovich hace exactamente lo que se espera de ella: miradas intensas, coreografías marciales y una actuación que nunca abandona la sobriedad monolítica que la ha caracterizado en sus últimos proyectos. Dave Bautista, por su parte, cumple con su rol de guerrero imponente, pero el guion no le da muchas oportunidades y eso que suyo es uno de los giros importantes que hay que admitir que pillan desprevenidos. Por cierto que… su personaje lleva tatuados en el cuello un origami como el de ‘Blade Runner’ y una corona como las que pintaba Jean-Michel Basquiat.

‘Tierras perdidas’ es, en definitiva, un ejercicio de estilo que confirma que Anderson y Jovovich llevan tiempo estancados en su zona de confort. La película no arriesga, no innova y, aunque pueda resultar entretenida para los más incondicionales del género, se siente como un reciclaje de ideas que hemos visto demasiadas veces. Si buscas una cinta con personajes carismáticos, un mundo con personalidad propia o una historia que deje huella, aquí no lo vas a encontrar.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: In the Lost Lands. Duración: 101 min. País: Alemania. Dirección: Paul W.S. Anderson. Guion: Constantin Werner, Paul W.S. Anderson. Música: Paul Haslinger. Fotografía: Glen MacPherson. Reparto principal: Milla Jovovich, Dave Bautista. Producción: Constantin Films, Dream Bros. Entertainment, Rusalka Film. Distribución: Diamond Films. Género: Paul W.S. Anderson. Web oficial: https://diamondfilms.es/site/detalle/tierras-perdidas

Crítica: ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’

Sinopsis

En un Japón repleto de Kaiju, Kafka Hibino trabaja como limpiador de monstruos. Tras reencontrarse con su amiga de la infancia, Mina Ashiro, una joven promesa de las Fuerzas de Defensa que luchan contra los Kaiju, decide intentar cumplir su antiguo sueño de unirse a las Fuerzas… cuando de repente se transforma en el poderoso Kaiju nº 8. Con la ayuda de un colega más joven, Reno Ichikawa, Kafka oculta su identidad mientras lucha por cumplir el sueño de su vida: aprobar el examen de las Fuerzas de Defensa y así poder estar al lado de Mina. Pero cuando un misterioso Kaiju inteligente ataca una base de las Fuerzas de Defensa, Kafka se enfrenta a una decisión crucial en una situación desesperada…

Crítica

Un pack básico pero sin profundidad

Realizada por Production I.G. y Toho, ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’ adapta al formato cinematográfico la exitosa serie que surgió del manga de Naoya Matsumoto que hoy en día está en curso y que comenzó su andadura en 2020. La propuesta no puede evitar recordar a referentes del género como ‘Pacific Rim’ o, evidentemente, a algunas versiones de ‘Godzilla’. En este mundo, la humanidad ya está curtida frente a ataques de kaijus y se entrena de forma específica para hacerles frente. Esta premisa remite, inevitablemente, a ‘Ataque a los titanes’, aunque el diseño de los trajes recuerda sospechosamente al de ‘Gantz’. El resultado es un batiburrillo de ideas prestadas que, aunque puede seducir al público más joven, no ofrece realmente nada nuevo.

Quizá lo más llamativo sea el protagonista, que tiene la peculiar capacidad de convertirse en uno de esos monstruos versión reducida, como si de una versión moderna de ‘Guyver’ se tratase. Esta transformación, además, parece estar lejos de ser casual, como sugiere el hecho de que su nombre sea Kafka, toda una referencia velada a la metamorfosis literaria.

La película, en sí misma, no es más que una condensación de la primera temporada del anime en apenas 90 minutos. 12 episodios de unos 25 minutos resumidos con cierta torpeza y coronados con un capítulo extra que, francamente, aporta poco: un simple gag durante un día de descanso en la rutina de Hoshina. Como suele ocurrir con este tipo de productos recopilatorios, el ritmo sufre. Los esquemas narrativos se repiten hasta el agotamiento y, además, hay saltos temporales y carencias de elipsis que descolocan más que guían. La progresión de los personajes se diluye y el espectador pierde la conexión emocional que probablemente si se encontrará en la serie.

En ese sentido, el filme parece pensado para los ya iniciados que buscan revivir la historia o para quienes quieren un resumen rápido antes de engancharse al manga o a las próximas temporadas del anime. ¿Es suficiente gancho el incluir un capítulo post-créditos? Probablemente no.

Visualmente, no se le puede reprochar demasiado. La acción está bien llevada, con explosiones de sangre a borbotones brotando de criaturas que podrían haber salido del catálogo de los Gormiti, con ese aire colorido y de formas híbridas. Como en tantos otros animes, el humor es simple, casi tontorrón, y entra por los ojos más que por la cabeza.

En última instancia, ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’ funciona porque bebe del videojuego en su estructura: desafíos crecientes, nivel de combate a trabajar, enemigos finales. También porque su historia conecta con esos sentimientos universales de sueños truncados, anhelos pasados y supervivencia a toda costa. Pero eso no lo hace una obra original ni especialmente destacada. Solo entretenida. Y, para algunos, eso puede ser suficiente.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: Kaiju No. 8: Mission Recon. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Shigeyuki Miya, Tomomi Kamiya. Guion: Ichirō Ōkōchi. Música: Yuta Bando, OneRepublic. Fotografía: Eiji Arai. Reparto principal (doblaje original): Ai Fairouz, Masaya Fukunishi, Tesshô Genda, Wataru Kato, Kengo Kawanishi, Keisuke Kômoto, Kenta Miyake, Sayaka Senbongi, Hiroyuki Yoshino. Producción: Production I.G. Distribución: Crunchyroll. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial: https://www.crunchyroll.com/es-es/series/GG5H5XQ7D/kaiju-no-8?

Crítica: ‘La evaluación’

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Sinopsis

En un futuro cercano donde la paternidad está estrictamente controlada, la evaluación de siete días de una pareja para obtener el derecho a tener un hijo se convierte en una pesadilla psicológica, obligándolos a cuestionar los fundamentos de su sociedad y lo que realmente significa ser humano.

Crítica

Fleur Fortune debuta con una mirada clínica y pesimista hacia la humanidad

‘La evaluación’ es el debut cinematográfico de Fleur Fortune, quien sorprende al ponerse tras las cámaras con una propuesta inquietante y poderosa. Para su primera película ha contado, ni más ni menos, con un reparto de lujo encabezado por Alicia Vikander, Elizabeth Olsen y Himiesh Patel. Todos ellos entregan interpretaciones sólidas, contenidas y perfectamente calibradas para el tono clínico y emocionalmente asfixiante que propone el filme. Vikander, especialmente, brilla en un papel que exige tanto intensidad emocional como frialdad estratégica.

La historia puede emparentarse espiritualmente con títulos como ‘La mano que mece la cuna’ o incluso con ‘The Servant’, por su capacidad para introducir una figura invasiva y desestabilizadora en la intimidad de un hogar. Sin embargo, ‘La evaluación’ lleva ese conflicto doméstico a un terreno mucho más inquietante: el de la ciencia ficción social y distópica, planteando dilemas éticos sobre la selección artificial de la paternidad como herramienta para preservar la raza humana tras un cataclismo climático.

Fortune construye un universo frío, minimalista, donde cada elemento escenográfico (desde los uniformes hasta los muebles) refuerza esa sensación de control, vigilancia y despersonalización. No es casual que la estética del filme recuerde a obras como ‘Gattaca’ o incluso ‘THX 1138’, donde la sociedad ha asumido que la eficiencia está por encima de la empatía. A lo largo del metraje se respira una tensión contenida, más psicológica que física, pero igualmente perturbadora.

Resulta curioso que esta producción, pese a tener un enfoque íntimo, haya requerido varios años de preparación y que su guion haya pasado por múltiples versiones para encontrar el equilibrio entre la denuncia social y el componente especulativo. La propia directora ha reconocido en entrevistas que se inspiró en conversaciones reales sobre la sobrepoblación, la crisis climática y la maternidad impuesta por normas sociales. De hecho, el título, ‘La Evaluación’, es tan impersonal como sugiere el sistema que retrata: un juicio frío sobre quién merece reproducirse y quién no.

Una vez más, el cine contemporáneo se instala en la visión más pesimista de la humanidad. El filme deja un poso amargo, no tanto por su desenlace (que evita efectismos) sino por el camino emocional que plantea. ‘La evaluación’ no solo critica el sistema ficticio que presenta, sino que invita a cuestionar nuestros propios esquemas sociales actuales. ¿Hasta qué punto la presión por formar una familia, tener hijos y seguir un molde normativo no está ya presente en nuestra realidad?

Es una película que incomoda, que agobia y que irrita deliberadamente. Te deja harto. Harto del mundo que insiste en dictar cómo, cuándo y por qué tener hijos. Harto de la crianza irresponsable, de los niños maleducados que solo parecen existir para desgastar a su entorno y de los adultos que no están preparados, pero aun así lo hacen. ‘La evaluación’ molesta hasta ponerte a prueba y lo hace porque se propone molestar. Y en eso, sin duda, cumple con creces su cometido.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de mayo de 2025. Título original: The assessment. Duración: 114 min. País: Reino Unido. Dirección: Fleur Fortune. Guion: John Donnelly, Nell Garfath Cox, Dave Thomas. Música: Emilie Levienaise-Farrouch. Fotografía: Magnus Nordenhof Jønck. Reparto principal: Alicia Vikander, Elizabeth Olsen, Himesh Patel. Producción: Augenschein Filmproduktion, Number 9 Films, Project Infinity, ShivHans Pictures, Tiki Tane Pictures. Distribución: Prime Video. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: http://www.augenschein-filmproduktion.de/de/filme/detail/the-assessment.html

Crítica: ‘Vampira humanista busca suicida’

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Sinopsis

Sasha desde pequeña es una vampiresa incapaz de matar alguien, sin embargo, necesita la sangre para vivir. Por ello, cuando sus padres dejan de proveersela, la joven se ve forzada a tomar una decisión drástica: buscar un suicida al que hincar el diente

Crítica

Tierna y sencilla comedia de vampiros

Canadá, siempre nos trae curiosas películas de género de terror y hoy os vengo hablar de una cinta que pudimos ver en 2023 en Sitges y que se ha estrenado en Movistar Plus+. ‘Vampira humanista busca suicida’. El propio nombre de la película ya nos cuenta totalmente la sinopsis. Y es que Sasha es una joven vampira que es incapaz de matar y decide buscarse las vueltas para poder sobrevivir. Así conoce a Paul, un joven con el que comenzará una extraña amistad.

Cuando la vi, no podía parar de pensar en Tim Burton. No tiene unos personajes tan sumamente peculiares como a los que nos tiene acostumbrados el director, pero si que la historia, y los dos protagonistas parecen sacados de esta gran mente. Pero no, la directora es la primeriza Ariane Louis-Seize.

La directora y guionista es Ariane Louis-Seize, que, con esta primera película, nos muestra la gran sensibilidad y humor que tiene y con ello logra una bonita historia de amor adolescente. Y, por supuesto, totalmente diferente.

Sara Montpetit, es la encargada de dar vida a Sasha, esta joven vampira, llena de dudas y también muerta de hambre, pero que no es capaz de alimentarse por si misma ya que le remuerde la conciencia. La verdad que hace un papel muy bonito. Y junto a Félix-Antoine Bénard logran hacer una historia muy tierna.

‘Vampira humanista busca suicida’ también nos enseña con un toque de humor, las reuniones a las que se acercan personas con problemas mentales y sobre todo para ayudarse unos a otros para no terminar con sus vidas. Nos habla también del bullying y de la tristeza que sienten muchas personas en la actualidad. Y por no olvidar lo complicado de las relaciones con la familia cuando no sigues sus pasos. La escena del payaso me parece tan espeluznante como magnífica.

Como digo, no es un drama, Ariane Louis-Seize, junto a Christine Doyon, logran un guion muy divertido. Con un humor un tanto oscuro, pero que hace que todos estos temas escabrosos se vean de diferente manera sin burlarse de ellos.

La fotografía de Shawn Pavlin es muy bonita. Jugando con las luces para poder iluminar estas noches eternas en las que vamos poco a poco conociendo a Sasha.

La cinta juega con una gama de colores muy oscuros, llenos de rojos, azules y verdes, pero siempre en su tono más lúgubre.

Sin duda, si queréis pasar un buen rato y ver algo distinto no dejéis pasar ‘Vampira humanista busca suicida’. Es una cinta sencilla pero que merece la pena y que además dura 84 minutos.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de abril de 2025. Título original: Vampire humaniste cherche suicidaire consentant. Duración: 84 min. País: Canadá. Dirección: Ariane Louis-Seize. Guion: Christine Doyon y Ariane Louis-Seize. Música: Pierre-Philippe Côté. Fotografía: Shawn Pavlin. Reparto principal: Sara Montpetit, Félix-Antoine Bénard, Steve Laplante, Sophie Cadieux, Noémie O’Farrell, Lilas-Rose Cantin, Arnaud Vachon, Marie Brassard, Madeleine Péloquin. Producción: Art & Essai, H264 Distribution. Distribución: Movistar Plus+. Género: Comedia, terror. Web oficial: https://www.movistarplus.es/cine/vampira-humanista-busca-suicida/

Crítica: ‘Todo lo que no sé’

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Sinopsis

Laura a sus 35 años lleva una vida monótona, ayuda a su padre enfermo, trabaja en una tienda, comparte piso y pasa tiempo con su medio novio. Esta calma extraña se ve alterada cuando un compañero del pasado le propone retomar un antiguo proyecto en el sector tecnológico. Acepta para intentar conseguir el éxito. En este camino para recuperar una parte de ella que creía perdida, toma una serie de decisiones que tambalean su entorno enfrentándose al precio a pagar por priorizarse a sí misma.

Crítica

Un gran espejo de nuestra alma en esta sociedad tan “perfecta” en todo

Ana Lambarri, nos trae una tremenda ópera prima, tan actual como universal. Laura es una mujer que no se siente completa. Trabaja en una tienda habiendo abandonado un proyecto personal hace muchos años. Un antiguo conocido regresa a su vida para darle una gran oportunidad. Mientras tanto, tiene que cuidar a su padre enfermo y lidiar con una gran crisis existencial.

‘Todo lo que no sé’ es una historia totalmente actual. Esos sueños rotos, esas ganas de terminar con la monotonía y el no poder cambiar. El no poder evitar la responsabilidad y querer ser libre de todo, hasta de la familia.

Ana Lambarri logra un personaje tan humano. Laura no cae bien, tampoco mal, es una mujer que simplemente no está donde quiere. La directora y guionista te quiere mostrar a alguien real, a una persona egoísta pero también vulnerable, llena de fallos y también llena de aciertos. Con muchos miedos y con malas decisiones, pero, al fin y al cabo, decisiones. Esas que te llevan a un camino u otro. Esas que te enseñan lo que es la vida realmente y que los baches, son solo eso, baches de los que se terminan saliendo. De una manera u otra. Muchos duelen, pero son de los que más se aprenden.

La encargada de dar vida a Laura es Susana Abaitua, que como siempre, nos da una interpretación perfecta. Dando vida a esta mujer a la que le cuesta ser ella misma. Que intenta salir adelante, pero no se atreve a contarle a nadie sus verdaderos sueños ya que tiene miedo a fracasar. Nos enseña a una persona llena de contradicciones. Son una simple mirada sabemos que nada está bien en la mente de Laura y que necesita un descanso de todo y aclararse ella misma.

Junto a Susana encontramos a Iñaki Ardanaz, Fran Cantos, Andrés Lima, Francesco Carril, Ane Gabarain, Natalia Huarte, Javier Laorden, Stéphanie Magnin, Patrick Martino y Mark Schardan.

El ritmo de la película es lento, pero sin pausa. Es algo perfecto para lo que nos están contando, esa monotonía tan odiada por nuestra protagonista. Con una fotografía muy tenue y naturalista, sin filtros, sin florituras. Algo que hace que veamos más real aún esta historia. A veces oscura, como el estado de ánimo de la protagonista. Quien como he comentado, no está pasando por su mejor momento. Y sin duda esta fotografía tan lúgubre nos ayuda a ver sus sentimientos.

Una historia sencilla, de nuestro día a día. Actual e incluso con un final, que, aunque es bastante abierto, me parece perfecto. Porque como en la vida misma, las decisiones muchas veces tardan en ver resultados, y no necesitamos ver el siguiente paso.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de abril de 2025. Título original: Todo lo que no sé. Duración: 113 min. País: España. Dirección: Ana Lambarri. Guion: Ana Lambarri. Música: Alberto Torres. Fotografía: Carlos de Miguel. Reparto principal: Susana Abaitua, Francesco Carril, Natalia Huarte, Ane Gabarain, Stéphanie Magnin, Iñaki Ardanaz, Andrés Lima. Producción: Naif Films, 39 Escalones, The Other Film Production, Movistar Plus+, RTVE, Robot Productions. Distribución: 39 Escalones Films. Género: Drama. Web oficial: https://39escalones.es/

Crítica: ‘The End’

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Sinopsis

Dos décadas después del fin del mundo, una familia vive en su lujoso búnker construido en una mina de sal. Hijo, un joven de 20 años que nunca ha visto el mundo exterior, Padre y Madre, son una de las últimas familias de la Tierra. La llegada de una chica a la entrada del búnker amenazará la apacible vida familiar.

Crítica

Un apocalipsis con más emoción e intención que ritmo e impacto

‘The End’, dirigida por Joshua Oppenheimer, es una ambiciosa incursión en un género tan poco habitual como es el musical apocalíptico que explora la psique de una familia adinerada refugiada en un búnker durante más de veinte años. Se encuentran allí parapetados cómodamente pasando el apocalipsis personajes interpretados por Tilda Swinton, Michael Shannon, George MacKay y Moses Ingram, entre otros, aportando interpretaciones sólidas y matizadas a sus complejos personajes.

La premisa de la película es intrigante: una familia que, tras contribuir directamente al colapso ambiental de la Tierra, se aísla en un lujoso búnker dispuesto de mejores comodidades que un Four Seasons. Este entorno claustrofóbico sirve como escenario para una profunda reflexión sobre la culpa, el privilegio y la autocomplacencia de las élites que buscan escapar de las consecuencias de sus propias acciones. Oppenheimer utiliza este microcosmos para ofrecer una crítica mordaz a la impunidad y la desconexión de las clases privilegiadas frente a la destrucción ambiental que han propiciado.

Uno de los aspectos más destacados de ‘The End’ es su exploración de la visión del mundo de un individuo que ha crecido aislado en un búnker. El personaje interpretado por George MacKay encarna a un joven cuya comprensión del mundo exterior se ha formado exclusivamente a través de relatos de sus padres y las limitadas experiencias dentro del refugio. Esta perspectiva ofrece una mirada fascinante sobre la construcción de la realidad y cómo el aislamiento puede distorsionar la percepción, subrayando la importancia de la conexión humana y la interacción con el entorno natural. Tanto esa idea, como la idealización frustrada de nuestros ancestros han sido exploradas recientemente en series como ‘Silo’ o ‘Fallout’, a si es que la película pierde originalidad al respecto. Por el contrario ‘The End’ aborda de manera más efectiva el anhelo de haber tratado mejor al planeta Tierra. A través de diálogos reflexivos y números musicales, los personajes expresan su arrepentimiento y deseo de redención por los daños irreparables causados al medio ambiente. Esta temática resuena profundamente en el contexto actual de crisis climática, ofreciendo una reflexión oportuna sobre la responsabilidad colectiva en la preservación del planeta.

Sin embargo, a pesar de sus méritos temáticos y actuaciones destacadas, ‘The End’ presenta deficiencias significativas en su ejecución. Con una duración de 148 minutos, la película se siente excesivamente larga y, en ocasiones, tediosa. La narrativa tiende a ser redundante, reiterando puntos ya establecidos sin aportar nuevas perspectivas, lo que puede llevar al espectador a la fatiga. Esta repetición diluye el impacto de los mensajes centrales y afecta negativamente al ritmo.

Otro aspecto que deja que desear es la banda sonora. Aunque las voces de George MacKay y Moses Ingram son magníficas, las canciones carecen de diversidad y dinamismo. Los números musicales resultan planos, sin variaciones significativas entre ellos, y carecen de estribillos memorables que puedan resonar con la audiencia. Esta monotonía musical disminuye la capacidad de las canciones para transmitir emociones y refuerza la sensación de monotonía.

En términos de producción, ‘The End’ exhibe una dirección de arte meticulosa que refleja la opulencia y el aislamiento del búnker. La foto de Mikhail Krichman captura eficazmente la claustrofobia del entorno, jugando mucho con los cambios de luz y el contraste de escenarios. Es brillante cómo le saca partido a las cuatro o cinco estancias que tiene la escenografía y sobre todo a la caverna en la que reflejan el acceso al búnker. Sin embargo, estos logros técnicos no logran compensar completamente las deficiencias narrativas y musicales que lastran la experiencia general de la película.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de abril de 2025. Título original: The End. Duración: 148 min. País: Dinamarca. Dirección: Joshua Oppenheimer. Guion: Rasmus Heisterberg, Joshua Oppenheimer. Música: Josh Schmidt. Fotografía: Mikhail Krichman. Reparto principal: Tilda Swinton, Michael Shannon, George MacKay, Moses Ingram, Lennie James, Tim McInnerny, Bronagh Gallager, Danielle Ryan. Producción: Final Cut for Real, The Match Factory, Wild Atlantic Pictures, Dorje Films, Moonspun Films, Anagram. Distribución: Avalon. Género: musical, ciencia ficción, drama. Web oficial: http://www.finalcutforreal.dk/the-end

Crítica: ‘Confidencial (Black bag)’

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Sinopsis

Un fascinante drama de espionaje sobre los legendarios agentes de inteligencia George Woodhouse y su amada esposa Kathryn. Cuando surgen sospechas de que Kathryn ha podido traicionar a la nación, George deberá afrontar el reto definitivo: elegir entre lealtad al país o a su matrimonio.

Crítica

Soderbergh convierte el matrimonio en zona de guerra en un thriller que transforma el género

Steven Soderbergh vuelve a tener película en carteleras y se sumerge más que nunca en el género del espionaje con una propuesta que se aleja del espectáculo y abraza lo íntimo, como hizo recientemente con ‘Presence’. ‘Confidencial (Black Bag)’ no es una película de acción al uso: es un thriller psicológico que se infiltra en los rincones más oscuros de las relaciones humanas, allí donde la confianza se convierte en una moneda frágil y el silencio puede pesar más que una confesión.

Con Michael Fassbender y Cate Blanchett en estado de gracia, el filme se convierte en una partida de ajedrez emocional que recuerda al clásico teatral ‘¿Quién teme a Virginia Woolf?’, pero en clave de agentes encubiertos. Aquí, el verdadero campo de batalla no está en las calles ni en las embajadas, sino en la cena, el dormitorio, y las conversaciones llenas de dobles intenciones entre parejas y amigos.

El guion, obra de David Koepp, brilla por cómo eleva la presión arterial. Koepp, que ya había colaborado con Soderbergh, construye una narrativa cargada de tensión gracias a su inmersión en el mundo real del espionaje. Para dotar de autenticidad al relato, consultó con agentes activos y operativos retirados. Una confesión en particular –la de una espía que admitió ser incapaz de mantener vínculos afectivos duraderos– parece haber dejado huella en el corazón del guion. Esa revelación es el germen emocional de ‘Confidencial’, que podría describirse como una versión emocional e íntima de ‘Misión Imposible’, saga cinematográfica que originó este mismo escritor.

Soderbergh, fiel a su estilo camaleónico y de control absoluto, firma también la dirección de fotografía y el montaje. Su cámara se mueve con calculada frialdad, observando a los personajes desde la distancia, como si el espectador fuera otro espía más en la habitación. La paleta de colores apagados y la composición meticulosa de cada plano refuerzan la sensación de encierro y sospecha constante. El término “Black Bag”, acuñado por el propio director, se convierte en un símbolo potente: es el contenedor de lo que no debe salir a la luz, ya sea una traición profesional o una infidelidad doméstica. Así la película se alza como un retrato fascinante de lo que sucede cuando los secretos ya no caben en una bolsa negra.

A nivel temático, la película se adentra en un terreno poco explorado dentro del género: el impacto del secreto profesional en la vida privada. ¿Qué sucede cuando dos personas que se dedican a mentir profesionalmente intentan construir una relación basada en la verdad? ‘Confidencial’ no busca responder esa pregunta, sino desmenuzarla, enfrentarla y dejar que sus personajes se pierdan en ese dilema.

Fassbender ofrece una interpretación fría, con flema y profundamente perturbadora, mientras que Blanchett brilla con una mezcla de vulnerabilidad, fuerza y amenaza que mantiene al espectador en vilo. Funcionan bien cuando comparten escena pero lo que realmente fascina es la sensación de que, incluso cuando están solos, siempre hay alguien escuchando. Como si la casa que habitan fuese también una especie de sala de interrogatorios.

Lejos de la grandilocuencia de otros thrillers de espías, Soderbergh opta por la sutileza. El suspense aquí se construye a través del lenguaje corporal, los silencios incómodos y los gestos que revelan más que las palabras. La tensión es constante, pero nunca ruidosa; es una película que obliga a observar, a desconfiar y a leer entre líneas. Cuando uno ve filmes como ‘Confidencial’ sabe que el género del espionaje aún puede reinventarse.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de abril de 2025. Título original: Black Bag. Duración: 93 min. País: Reino Unido. Dirección: Steven Soderbergh. Guion: David Koepp. Música: David Holmes. Fotografía: Steven Soderbergh (Peter Andrews). Reparto principal: Michael Fassbender, Cate Blanchett, Gustaf Skarsgârd, Tom Burke, Pierce Brosnan, Marisa Abela, Naomie Harris, Regé-Jean Page, Orli Shuka. Producción: Focus Features, Casey Silver Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, suspense. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/black-bag

Crítica: ‘Grand Theft Hamlet’

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Sinopsis

Dos actores en apuros encuentran consuelo a su aislamiento escenificando Hamlet en Grand Theft Auto Online (2013), luchando contra enemigos mientras conectan a través de William Shakespeare.

Crítica

Shakespeare con metralletas y lag existencial

Hay ideas que, en principio, parecen condenadas al desastre: como montar ‘Hamlet’ en medio del videojuego más caótico y desenfrenado que existe. Pero cuando dos actores sin trabajo, con mucho tiempo y pocas certezas, deciden hacer precisamente eso en GTA Online, el resultado es tan inesperado como… conmovedor. ‘Grand Theft Hamlet’ es una mezcla imposible de drama clásico, humor absurdo y caos digital que no debería funcionar, pero lo hace. Y lo hace muy bien.

La gracia está en el contraste. Por un lado, el lenguaje elevado, los dilemas existenciales, la traición, la venganza. Por el otro, jugadores con nombres imposibles, tiroteos aleatorios, coches voladores y momentos troll dignos de la pesadilla de un adolescente sin Wi-Fi. La escena más trágica puede interrumpirse por un NPC cruzando la calle o un desconocido lanzando granadas porque sí. Y aun así, o quizás gracias a eso, la emoción no desaparece. Solo se cuela por las grietas del absurdo.

‘Grand Theft Hamlet’ está plagada de momentos delirantes: actores ensayando a través de micrófonos distorsionados, intentos de hacer monólogos interrumpidos por tiroteos, muertes accidentales provocadas por compañeros de reparto que nunca habían jugado a GTA… Pero debajo de esa capa de gamberrismo hay algo profundamente honesto. No es una parodia, ni una burla a Shakespeare. Es un homenaje raro, sí, pero sincero. Porque incluso cuando la cámara tiembla, el servidor se cae o un avatar hace dab en medio de un soliloquio, hay algo auténtico que se mantiene en pie.

El contexto lo explica todo: pandemia, confinamiento, teatros cerrados, incertidumbre total. ¿Dónde seguir creando cuando el escenario desaparece? En un mundo virtual que parece lo opuesto al teatro, y que sin embargo se convierte en un refugio. Hay algo casi poético en ver a estos dos actores aferrarse a un texto clásico mientras todo lo demás se desmorona. Como si decir “ser o no ser” desde un avatar pixelado fuese una forma de resistir. Y de seguir vivos.

‘Grand Theft Hamlet’ no solo es una marcianada brillante: también es un retrato sincero de lo que significó ese momento extraño que todos vivimos. Es una carta de amor al teatro, al juego, a la necesidad de expresarse incluso cuando todo parece ridículo. Y, por raro que suene, es una de las versiones más humanas de ‘Hamlet’ que se han visto en mucho tiempo. Con o sin lanzacohetes.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Grand Theft Hamlet. Duración: 89 min. País: Reino Unido. Dirección: Sam Crane, Pinny Grylls. Guion: Sam Crane, Pinny Grylls. Música: Jamie Perera. Reparto principal: Sam Crane, Mark Oosterveen, Pinny Grylls, Jen Cohn, Tilly Steele, Lizzie Wofford, Jeremiah O’Connor, Sam Foster, Dipo Ola, Gareth Turkington. Producción: Altitude Film Entertainment, BFI Doc Society Fund, Project 1961, Grasp The Nettle Films, Park Pictures. Distribución: Mubi. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.undiscoveredcountryfilm.com/

Crítica: ‘Los pecadores’

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Sinopsis

En un intento por dejar atrás sus problemáticas vidas, unos hermanos gemelos (Jordan) regresan a su ciudad natal para empezar de cero. Pero van a descubrir que un mal aún mayor los está esperando para recibirles.

“Si sigues bailando con el diablo, un día te seguirá hasta tu casa”.

Crítica

 Una rareza de terror musical hipnótica

Estos días ha sido una gran sorpresa ver como ‘Los pecadores’ ha tenido tanto éxito entre la crítica estadounidense. Se ha dicho de ella que es la mejor película de terror que veremos este año. Hemos tenido la oportunidad de verla y aunque no soy tan entusiasta de deciros que es perfecta, si que me ha gustado bastante.

‘Los pecadores’ me ha parecido una película extraña, si, esta es la sensación con la que me ha dejado. Y no es algo malo, simplemente que no había visto nada igual. Es una película con varios géneros, pero no están mezclados, no, sino que se divide en varias partes y podemos encontrar, un thriller, un drama y el terror de la noche.

La primera parte de la película es la que quizás sea un poco más pesada, no por el contenido, si no por su larga extensión, ya que estamos una hora y media en la que vamos conociendo a todos los personajes. Los hermanos gemelos Smoke y Stack regresan a su ciudad natal para abrir un nuevo local de blues. En una época en la que supuestamente ya ha desaparecido el Ku Klux Klan, quieren celebrar que pueden ser libres de hacer lo que quieran. Para ello van poco a poco reclutando a viejos amigos y amores para poder inaugurar esa misma noche su nuevo local. Esto me ha recordado, salvando las distancias, a ‘The Blues Brothers’.

Todo esto con música, no llega a ser musical, pero sí que en la parte de la película en la que por fin tenemos monstruos, la música es totalmente necesaria. Y esto hace que tengamos bailes delirantes, llenos de fuego, con música irlandesa y blues que hace que todo sea raro e hipnótico. Este fragmento de la cinta, sin duda es el que más me ha gustado, ya que está tan bien rodado e interpretado.

El trabajo de Ludwig Göransson me parece maravilloso, logra una banda sonora tremenda. Esa música tan necesaria en esta película llena de leyendas. Pero no solo encontramos blues, o como he comentado música irlandesa, si no que en los momentos en los que tenemos acción y muerte entra música como de las películas de terror de los 80. Y aunque es una mezcla muy loca, funciona perfectamente.

Ryan Coogler, es el encargado del guion y de la dirección de la película, el director de ‘Creed’, regresa con una cinta peculiar y por supuesto en la que nos muestra su preocupación con el problema racial.

Michael B. Jordan, es el encargado de dar vida a estos dos gemelos que vienen a poner patas arriba la noche de esta ciudad. Miles Caton, nos demuestra su gran valía en la música y la canción, y es que tiene una voz muy potente. También tenemos a Jack O’Connell, con un villano con bastante mala leche.

Junto a ellos tenemos a Saul Williams, Tenaj L. Jackson, David Maldonado, Yao, Sam Malone, Li Jun Li, Wunmi Mosaku, Delroy Lindo, Jayme Lawson, Hailee Steinfeld y Omar Benson Miller. Todos ellos estupendos.

No tengo mucho más que comentar, creo que ‘Los pecadores’ va a crear opiniones muy variadas y saldrá gente de las salas de cine a las que les encantará y a otros a los que no, pero sin duda, es una película disfrutable y de la que se puede hablar al salir del cine por todos los temas que nos da. Además cuenta con dos escenas postcréditos.

Ficha de Los pecadores

Estreno en España: 16 de abril de 2025. Título original: Sinners. Duración: 137 min. País: Estados Unidos. Dirección: Ryan Coogler. Guion: Ryan Coogler. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Autumn Durald. Reparto principal: Michael B. Jordan, Hailee Steinfeld, Wumni Mosaku, Jayme Lawson, Omar Benson Miller, Delroy Lindo, Jack O’Connell, Lola Kirke, Li Jun Li, Gralen Bryant Banks, Deneen Tyler, Yao, Percy Bell. Producción: Proximity, Warner Bros. Distribución: Warner Bros Pictures. Género: Terror, drama, thriller. Web oficial.

Crítica: ‘Warfare’

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Sinopsis

Tiempo de guerra introduce al espectador en la experiencia de un pelotón de Navy SEALs estadounidenses. Concretamente en una misión de vigilancia que se tuerce en territorio insurgente. Una historia visceral y a pie de campo sobre la guerra moderna y la hermandad, contada como nunca antes: en tiempo real y basada en los recuerdos de quienes la vivieron.

Crítica

‘Warfare’ no quiere que disfrutes: quiere que sobrevivas

Alex Garland siempre ha tenido inquietudes por el comportamiento y la experiencia militar. Desde el tercer acto de ‘28 días después’ hasta su último y maltratado peliculón, ‘Civil War’. ‘Warfare’, la más reciente película co-dirigida entre Alex Garland y Ray Mendoza, nos sumerge en las profundidades de un conflicto bélico de manera que parece casi hecho para verse con gafas de realidad virtual. Está claro que A24 vio en este proyecto una nueva propuesta original que agregar a su catálogo.

‘Warfare’ ofrece una representación cruda y realista de la guerra de Irak en 2006. Para ello se basa en un lance real vivido por el propio Mendoza, y sus ex compañeros Navy SEALs, los cuales han estado estrechamente implicados en el rodaje. La película sigue a un pelotón de soldados estadounidenses en una misión de vigilancia durante la batalla de Ramadi (la misma ciudad en la que operó el protagonista de ‘El francotirador’) que desemboca en un enfrentamiento devastador, en un asedio como los que hemos visto en películas como ‘Black Hawk Down’, ‘The outpost’ o ‘13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi‘. Lo que distingue a ‘Warfare’ es su enfoque en tiempo real y su estética casi de metraje encontrado, sumergiendo al espectador en el caos, la confusión y el terror que caracterizan la vida de un soldado. Este no es uno de esos films en los que una bomba va a estallar en un minuto y la escena dura cinco. Experimentamos los tiempos tal y como se narran, transmitiendo con ello el mismo agobio y urgencia de aquellos que vivieron esta historia. Esta elección estilística busca desmitificar la guerra, alejándose de la glorificación y presentando una visión más auténtica y despojada de adornos. En una época de guerras como la que vivimos, en la que se habla de rearmes y vuelta del servicio militar obligatorio, surge este filme que es completamente disuasorio. Aunque su guión transcriba las vivencias de auténticos soldados, pertenezca al género bélico y parezca militar en su sinopsis se suma a ese alegato antibelicista que mantiene Alex Garland. Desde luego lo veo como buen material para mostrar a alguien que alentado por videojuegos o por algún tipo de fanatismo quiera sumarse a cualquier fuerza armada.

El elenco está compuesto por un lujo de actores de esos que apuntan a estrellas del mañana. ‘Warfare’ se alza como uno de esos títulos que recordaremos en el futuro como alineación de lujo. Joseph Quinn, Will Poulter, Michael Gandolfini, D’Pharaoh Woon-A-Tai o Cosmo Jarvis ofrecen entre todos interpretaciones que capturan la vorágine y el desgaste psicológico de los combatientes. En otras palabras, el por qué una guerra te deja sonado. Cuando salgáis del cine no vais a destacar a ninguno en concreto ya que este es un trabajo en equipo, entre todos contribuyen a un caos la mar de efectivo. Ninguno desarrolla argumentos narrativos, políticos o éticos, sino que están al servicio de una reflexión sobre la brutalidad del combate. Y por supuesto también se muestran como herramientas de un lienzo que a través de plasmar muchas debilidades conforma un autorretrato.

La colaboración entre Garland y Mendoza es fundamental para la autenticidad de ‘Warfare’. Mendoza aporta su experiencia directa en combate, mientras que Garland, conocido por explorar temas contemporáneos en sus obras, contribuye con su visión cinematográfica distintiva. Esta sinergia busca ofrecer una representación honesta y respetuosa de las experiencias de los soldados en el campo de batalla. Tal es así que la crudeza de algunas de sus imágenes me hace recomendártela solo si tienes cierta edad apta para ver vísceras y dolor.

Es interesante olvidar por un momento al Garland de la ciencia ficción o el terror y analizar su relación con el ejército a lo largo de su filmografía. En ‘Civil War’, Garland aborda el impacto del conflicto en periodistas, soldados y la sociedad en general, evitando sensacionalizar la violencia y enfocándose en las consecuencias humanas de la guerra o los fanatismos en un terreno a priori “civilizado”. Antaño, cuando escribió ‘28 días después’, presentó a unos militares que se convierten en un enemigo peor que los propios zombies, mostrando que algunas personas están corrompidas en vida. En ‘Warfare’ muestra un lado más humano, ensuciándole el rostro y destripando a unos jóvenes que maduran y sufren un guantazo de realidad a base de obuses y balazos del calibre 7,62 mm. En resumidas cuentas, parece querer decirnos que los malos no son los militares con sus mentes bombardeadas, sino los ejércitos y las ideas que se supone que hay tras ellos.

Es innegable que Mendoza y Garland han creado una obra fruto del entendimiento mutuo que invita a la reflexión sobre la naturaleza de la guerra y sus efectos en quienes la viven de cerca. En resumen, ‘Warfare’ se presenta como una pieza cinematográfica que desafía las convenciones del cine bélico, ofreciendo una mirada sin filtros a la realidad del combate. Y lo hace de un modo sencillo, hasta tal punto que si yo fuese cineasta ahora mismo estaría exclamando “¡¿Por qué no se me ha ocurrido a mí esto?!”.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de abril de 2025. Título original: Warfare. Duración: 95 min. País: Reino Unido. Dirección: Alex Garland, Ray Mendoza. Guion: Alex Garland, Ray Mendoza. Fotografía: David J. Thompson. Reparto principal: Joseph Quinn, Michael Gandolfini, Joe Macaulay, Henrique Zaga, D’Pharaoh Woon-A-Tai, Will Poulter, Kit Connor, Noah Centineo, Taylor John, Smith, Adain Bradley, Cosmo Jarvis, Charles Melton. Producción: A24, DNA Films. Distribución: A24. Género: drama bélico. Web oficial: https://a24films.com/films/warfare

Crítica: ‘G20’

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Sinopsis

Cuando una cumbre del G20 es atacada, la presidenta de Estados Unidos Danielle Sutton (Davis) se convierte en el objetivo principal. Después de evitar ser capturada por los atacantes, se ve obligada a ser más astuta que el enemigo para proteger a su familia, defender su país y proteger a los líderes mundiales en este emocionante viaje lleno de acción.

Crítica

Entretenida película de acción para todos los públicos

‘G20’ llega a nuestras pantallas gracias a Prime Video. Dirigida por Patricia Riggen (‘Los 33: una historia de esperanza’), nos lleva a una gran cumbre del G20, en la cual conoceremos a la actual presidenta de Estados Unidos, Danielle Sutton (Viola Davis), una mujer de armas tomar. Sobre todo al verse obligada a luchar por la vida de su familia.

Por describirla, podríamos compararla con ‘Jungla de Cristal’, dirigida por el gran John McTiernan (aquí os dejamos nuestra rueda de prensa junto a él) pero no le llega ni a la suela de los zapatos. Pero, aunque no sea una gran película, he de admitir que me he divertido muchísimo con ella. Y aunque peque de tomarse en serio, la película deja momentos muy entretenidos.

El quinteto que durante un buen rato de película protagonizan Viola Davis, Sabrina Impacciatore, MeeWha Alana Lee, Douglas Hodge y Ramón Rodríguez, es estupendo, ojalá toda la película así. Pero deciden ponerse un poco serios y moñas con el tema familiar y es cuando pierde un poco.

Pero con todo y con esas, ‘G20’ entretiene. No es una historia original, no es que tenga grandes interpretaciones, pese al pedazo reparto que vemos, pero como digo, al final lo importante es que logra crear una cinta de acción normalita, pero que funciona.

En el reparto, además de los cinco actores que ya he comentado, tenemos que añadir, a Anthony Anderson, Marsai Martin, Elizabeth Marvel y Christopher Farrar entre muchos oros.

Y por supuesto, mencionar a Antony Starr, el villano de la película que, aunque se sale un poco de su estupendo papel de Patriota en ‘The Boys’, sigue haciendo de mal bicho.

Viola Davis nos demuestra sus dotes atléticas, repartiendo pana por todos lados. El ser presidenta de los Estados Unidos y también matriarca de familia, hace que tenga demasiados frentes abiertos en su vida. Sobre todo, con dos hijos adolescentes. Esto hace que no se corte en coger armas y salvar la situación.

‘G20’ está bien ambientada, con muchos extras en el rodaje y sin duda con un vestuario cuidado con mucho cariño. Esto es gracias a Paco Delgado, que logra crear unos diseños modernos y a la vez cómodos y elegantes.

Prime Video nos trae esta cinta de acción familiar este 10 de abril y como digo, aunque no sea una película de 10, si la veis en familia podéis disfrutar de un buen rato.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de abril de 2025. Título original: G20. Duración: 110 minutos. País: Estados Unidos. Dirección: Patricia Riggen. Guion: Caitlin  Parrish, Erica Weiss, Noah Miller. Música: Joseph Trapanese. Fotografía: Checco Varese. Reparto principal: Viola Davis, Anthony Anderson, Ramón Rodríguez, Marsai Martin, Antony Starr, Douglas Hoge, Elizabeth Marvel, Christopher Farrar, Sabrina Impacciatore, MeeWha Alana Lee. Producción: Amazon MGM Studios, JuVee Productions, MRC Film, Mad Chance. Distribución: Prime Video. Género: Thriller. Web oficial: https://www.primevideo.com/-/es/detail/G20/0RCUS5J37XM4TBACJ86NPO5A39

Crítica: ‘La luz de Aisha’

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Sinopsis

Aisha vive en un reino del Al-Ándalus del siglo XI, donde los fuegos artificiales son el espectáculo más popular. Sueña con convertirse en una gran pirotécnica como el legendario Maestro Hao, pero su padre, Ahmad, insiste en que siga la tradición familiar de la caligrafía. Cuando un alquimista, Txawir, engaña a Aisha para robar un peligroso libro custodiado por su padre, Ahmad es encarcelado injustamente. Aisha emprende un viaje lleno de aventuras para recuperar el libro y liberar a su padre.

Crítica

Pirotecnia visual para encender la autodeterminación

Hay algo profundamente luminoso y comprometido en ‘La luz de Aisha’, la nueva cinta animada de Shadi Adib. En ella, la directora iraní, conocida por su visión estética refinada y su meticulosa implicación en todos los aspectos de la producción, firma un relato que, bajo el disfraz de aventura juvenil, encierra un comentario sutil sobre la autodeterminación femenina, la herencia cultural y la ruptura de mandatos tradicionales.

Este debut en el largometraje está ambientado en un Al-Ándalus del siglo XI plagado de color, fuegos artificiales y alquimia. La película sigue a Aisha, una niña de 13 años que sueña con ser pirotécnica, enfrentando el peso de las expectativas familiares. La historia toma vuelo cuando la protagonista conoce a un alquimista legendario, lo cual, desemboca en cometer un grave error. Así se lanza a una odisea redentora, tan clásica como entrañable, que rescata los esquemas del viaje del héroe.

Desde el punto de vista temático, la cinta recuerda a ‘Papicha’ o ‘Un diván en Túnez’, en su forma de retratar el anhelo de emancipación femenina dentro de estructuras tradicionales árabes. Si bien ‘La luz de Aisha’ transcurre en un pasado dispuesto para audiencias infantiles, la lucha de su protagonista por abrirse camino en un mundo dominado por hombres resuena con el mismo ímpetu que las jóvenes protagonistas de aquellas cintas. Hay un paralelismo emocional claro: la pirotecnia de Aisha no es tan distinta de los desfiles clandestinos de ‘Papicha’ o las sesiones de terapia subversiva en ‘Un diván en Túnez’. En ese sentido, la película enarbola un discurso de empoderamiento femenino y de desafío a las estructuras sistémicas que bien está inculcárselo a las nuevas generaciones. Por otro lado se olvida de su ambientación en la península ibérica y no hay absolutamente ningún personaje o elemento que nos recuerde que es territorio ocupado por diferentes culturas, lo que describe más menos el andalucismo, por lo que la historia bien podría transcurrir en Argelia, Persia o cualquier otro territorio únicamente musulmán.

Técnicamente está realizada en 3D digital, pero se ha diseñado para que su movimiento y estética recuerden al stop-motion tradicional, por lo menos así lo he percibido. Con movimientos ligeramente menos fluidos, texturas visuales que imitan materiales físicos (como tela, fuego o piedra) y una iluminación y sombreado que generan sombras duras y volúmenes que recuerdan a figuras modeladas a mano. Visualmente, la película brilla. Adib, también diseñadora y supervisora de storyboard, despliega un imaginario estético con inspiración oriental. No es gratuito que el director de animación sea Raúl García, veterano de Disney en ‘Aladdín’, ‘Pocahontas’ o ‘El rey león’. El resultado es una cinta que combina precisión técnica con un lirismo visual muy poco habitual en la animación europea. La ambientación permite a García introducir por ejemplo aquel “parkour” con el que Aladdín recorría los tejados de Agrabah.

‘La luz de Aisha’ trasciende en ocasiones su condición de “cine familiar” y se convierte en un canto a la libertad de elección, al valor de corregir los errores propios y al derecho de soñar, incluso cuando todo parece estar en contra. Una película que no necesita gritar para brillar y de la cual probablemente volvamos a oír hablar en época de Goyas. Ojalá el gancho de marketing que supone la voz de Michelle Jenner y Jordi Sánchez surta efecto porque la película bien merece la oportunidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de abril de 2025. Título original: La luz de Aisha. Duración: 85 min. País: España, Alemania, Singapur. Dirección: Shadi Adib. Guion: Xavier Romero, Llorenç Español. Música: Edi Pou. Reparto principal (doblaje original): Michelle Jenner, Jordi Sánchez, Nerea Rodríguez, Jose Posada, Toni Mora, Yolanda Gispert. Producción: Mago Production, Filmax, Peng! Boom! Tschak! Films, Sangnila. Distribución: Filmax. Género: aventura. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/la-luz-de-aisha/308

Crítica: ‘La cita’

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Sinopsis

Las primeras citas siempre son estresantes, pero ¿estar en una primera cita mientras un desconocido te manda memes personales que pasan de molestos a homicidas? Aterrador.

Crítica

Landon se pasa al terror digital transmitiéndonos la tensión vía Bluetooth

Christopher Landon regresa tras sus exitosos slasher cómicos para sumergirse en el  género del thriller con ‘La cita (Drop)’, una película que explota las ansiedades modernas en la era digital. Protagonizada por Meghann Fahy en el papel de Violet, una madre viuda que se aventura en su primera cita en años, la narrativa se centra en cómo una velada aparentemente normal se transforma en una pesadilla cuando Violet comienza a recibir mensajes anónimos a través de Bluetooth. Estas comunicaciones se tornan en amenaza y pronto comienzan las sospechas hacia todos los que la rodean, incluyendo el chico con el que lleva chateando tres meses, Henry, interpretado por Brandon Sklenar. Esto puede recordar a filmes como ‘Equipaje de mano’, ‘Locke’, ‘Eagle eye’ o ‘Última llamada’, pero incorporando nuevas tecnologías y siguiendo derroteros algo diferentes.

La premisa de ‘La cita’ se inspira en una experiencia real de Olivia Sui, quien durante una cena con su pareja y un amigo, los productores Sam Lerner y Cameron Fuller, recibió memes aleatorios de Shrek a través de AirDrop. Este incidente cotidiano tan loco y que bien podría haber salido de la imaginación del director se convierte, bajo la dirección de Landon, en una exploración de las vulnerabilidades tecnológicas y en su mayoría, en una manera de conducirnos hacia un tema mucho más peliagudo.

Comparando ‘La cita’ con trabajos anteriores de Landon, como ‘Feliz día de tu muerte’ y ‘Este cuerpo me sienta de muerte’, se observa una evolución en su enfoque del terror y el suspense. Mientras que ‘Feliz día de tu muerte’ combinaba el slasher tradicional con bucles temporales y toques de humor negro, y ‘Este cuerpo me sienta de muerte’ exploraba el intercambio de cuerpos con una mezcla de comedia y terror. ‘La cita’ mantiene algo de ese humor sinvergüenza (ahí están los memes, el camarero intensito y el ‘Baby Shark’ a piano) pero se sumerge más en un thriller psicológico. Aquí, Landon abandona los elementos sobrenaturales para centrarse en amenazas plausibles en el mundo hiperconectado de hoy. Con cambio de tercio o sin él queda patente que lo que hace este cineasta es readaptar filmes a corrientes actuales maquillándolo todo a través de artificios tecnológicos que visualmente quedan resultones pero que no esconden que estamos ante lo mismo de siempre. El cierre del filme es el que deja meridianamente claro que estamos ante algo más convencional de lo que las lentejuelas esconden.

Sin ser una interpretación de Oscar Meghann Fahy demuestra capacidad para transmitir la creciente desesperación y el conflicto interno de su personaje. Es en gran medida responsable de la tensión que conseguirá mantener a buena parte de los espectadores en vilo. Si piensas que en Tinder encuentras citas raras espérate a ver la que tiene esta joven viuda. Landon se podría haber puesto mucho más loco pero ha optado por embadurnar al filme de un tema comprometido y eso merece por lo general mucho respeto y menos cachondeo. ‘La cita’ es una película en la que la protagonista no tiene el control de la situación e irónicamente el guión consigue contenerse y evitar un desmadre que quizá habría hecho del final algo más remarcable.

A parte del tema social, que no comentaré por no destripar el trasfondo de la protagonista, ‘La cita’ también destaca por su comentario sobre la invasión de la privacidad en la era digital. Al basar la trama en una función común de los smartphones, Landon convierte una utilidad cotidiana en una fuente de terror, recordando al público las posibles vulnerabilidades en su vida diaria. Muchas veces una función la mar de práctica se convierte en herramienta para hacer fechorías: mensajería instantánea, envíos de imágenes, ver cámaras de seguridad desde el móvil, clonado de datos… Día a día la tecnología deja con la sensación de obsolescencia a más gente y esta es una fuente de terror e inquietudes que sin ser novedosa explota bien el filme. Sin llegar a tener giros a lo Shyamalan ‘La cita’ demuestra que Landon se esfuerza por sorprender alejándose una vez más de las fórmulas de terror convencionales. Pero carece del talento o la visión que convirtieron a cineastas como Edgar Wright, Karyn Kusama o, más recientemente, Oz Perkins, en voces realmente distintivas dentro del género.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de abril de 2025. Título original: Drop. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Landon. Guion: Jillian Jacobs, Christopher Roach. Música: Bear McCreary. Fotografía: Marc Spicer. Reparto principal: Meghann Fahy, Brandon Sklenar, Violett Beane, Jacob Robinson, Reed Diamond, Gabrielle Ryan. Producción: Blumhouse, Platinum Dunes, Wild Atlantic Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: suspense. Web oficial: https://www.instagram.com/dropthemovie/

Crítica: ‘Misión panda en África’

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Sinopsis

Pang es un joven panda que crece en un idílico pueblo del corazón de china. Pero cuando secuestran a su mejor amiga, la dragona Jielong, para regalársela a un joven y caprichoso rey león, Pang no lo duda ni un segundo: ¡se embarca en una aventura que le llevará hasta África! Con la ayuda de un travieso mono, Pang conocerá nuevos amigos y descubrirá el esplendor de un continente totalmente desconocido para los pandas.

Crítica

Colorido y buenas lecciones en un filme a la sombra de sus referentes

‘Misión Panda en África’ es un filme que cuenta con participación de hasta seis países y llega orquestada por dos directores: Richard Claus y Karsten Kiilerich. Ambos están muy experimentados en la animación y ya trabajaron juntos en ‘El pequeño vampiro’. Ahora regresan con la promesa de ofrecer una aventura animada para toda la familia. Con un mensaje claro sobre la amistad, la inclusión y el valor de aceptar las diferencias, esta película europea busca hacerse un hueco entre los clásicos del cine infantil. Sin embargo, al compararla con otras producciones del mismo género, como ‘Madagascar’, ‘Kung Fu Panda’ o incluso ‘Salvaje (The wild)’, queda patente que el público objetivo es únicamente el infantil.

La historia sigue a Pang, un joven panda que viaja desde China hasta África para rescatar a su amiga, la dragona Jielong. En el camino, se enfrenta a peligros, conoce nuevos amigos y aprende lecciones sobre valentía, empatía y diversidad cultural. Aunque es un argumento bienintencionado y educativo —ideal para niños de entre 4 y 8 años—, no logra ofrecer la frescura ni el dinamismo que sí caracterizan a películas anteriores del mismo corte, donde el desarrollo del protagonista está mejor matizado, hay canciones pegadizas y todo está sostenido por un ritmo narrativo más consistente.

La película tiene guiños y chanzas hacia otros filmes como ‘El rey león’ o ‘Kung fu panda’, pero lo justo es ponerle en la liga de títulos como ‘Madagascar’. Aunque ‘Misión panda en África’ propone un viaje de animales fuera de su entorno habitual y emplea un humor pillo en ciertas ocasiones, se queda muy enfocada en el público infantil, dejando poco margen para que los adultos encuentren dobles lecturas o bromas discretas para su disfrute. La cinta carece del ingenio que consigue convertir a títulos infantiles en clásicos para toda la familia.

En cuanto a la ambientación, tanto China como África ofrecen el color y la diversidad de plantas y animales que es capaz de sugestionar la imaginación de los más pequeños, sirviendo como una manera subliminal para que estos se vaya familiarizando con la variedad de flora y fauna de cada uno de esos ecosistemas. De ahí que podamos decir que si en algo destaca ‘Misión Panda en África’ es en su intención pedagógica. Esta película promueve no solo el conocimiento de la naturaleza, sino también valores esenciales como la tolerancia, la amistad y el respeto por aquellos que son distintos, algo que también buscaron en su día otras producciones europeas como ‘Ainbo’ (del mismo director Richard Claus).

Visualmente, la animación cumple pero no deslumbra. Quizá recientes éxitos europeos como ‘Flow’ han marcado un hito demasiado alto. Quizá sucede que el diseño de personajes cumpla demasiado el estándar de dibujos 3D. Pero al menos ofrece una buena cantidad de texturas y expresividad en sus personajes. Eso si, yo personalmente habría descartado el diseño del dragón que luce un peinado a lo Dragon Ball.

‘Misión Panda en África’ es una película adecuada para los más pequeños y puede ser una buena primera experiencia cinematográfica. No obstante, en comparación con sus referentes más populares y sofisticados, se siente como una versión más simple y didáctica, sin la fuerza visual ni narrativa que caracteriza a los grandes títulos del cine animado. Una propuesta con corazón, pero que difícilmente dejará huella más allá de su estreno.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de abril de 2025. Título original: Panda Bear in Africa. Duración: 84 min. País: Dinamarca, Estonia, Países Bajos, Francia, China, Alemania. Dirección: Richard Claus, Karsten Kiilerich. Guion: Richard Claus, Karsten Kiilerich, Rob Sprackling. Música: Vidjay Beerepoot. Reparto principal (doblaje original): Yootha Wong-Loi-Sing, Georgina Verbaan, Li Zihui, Thom Hoffman, Mick Aerts, Ji Yunhan, Silas Lekgoathi, Maurits Delchot, Charles Ouda. Producción: A Film Estonia, A Film, Comet Film Produktion GmbH, Cool Beans, Fuente Culture, Le Pacte. Distribución: Vercine. Género: aventura, comedia. Web oficial: https://www.vercine.org/ficha/es/831-mision-panda-en-africa/

Crítica: ‘Muy lejos’

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Sinopsis

Sergio (Mario Casas) viaja a Utrecht con su familia para asistir a un partido de fútbol. Antes de coger el vuelo de regreso a Barcelona, sufre un ataque de pánico y decide quedarse en Holanda. Incapaz de dar una explicación lógica a los suyos, corta el contacto con su pasado. A partir de ese momento, tendrá que sobrevivir sin dinero, sin amigos, sin casa y sin hablar el idioma, hasta que sea capaz de encontrarse a sí mismo.

Crítica

Un grito de liberación que se manifiesta tan despacio como un párpado que duda antes de despertar

Dos gestos en los primeros compases del filme bastan para que sepamos que el protagonista que interpreta Mario Casas en ‘Muy lejos’ reprime algo. Esta no es de esas ocasiones en las que visto eso ya no hay nada más que hacer, el debut como director de largometrajes de Gerard Oms tiene mucho más que ofrecernos, mezclando algo profundamente personal con lo íntimo y lo social, en ocasiones incluso con lo cinematográficamente poético.

Soy de los que defienden que Mario Casas ya ha demostrado hace tiempo que es un actor que va más allá de la fachada y de las pelis romanticonas. Protagoniza este filme en un nuevo cambio de registro y nos transporta a solo unos años atrás, a la Europa de la crisis de 2008, en concreto a Utrecht.

La película narra la historia de un español, quien tras un inesperado giro decide no volver a Barcelona y quedarse en Países Bajos, rompiendo con todo vínculo familiar y emocional. Un giro que intuimos que responde a una inquietud personal que le supera pero que también está cargado de misterio. A partir de ahí estamos ante una historia de supervivencia. Mario Casas se ve sin casa, sin trabajo y sin amigos. Pero esta premisa no es solo un acto de huida: es también un grito de liberación que se manifiesta tan despacio como un párpado que duda antes de despertar.

Oms construye esta historia desde su propia experiencia: él mismo emigró en aquellos años en los mismos escenarios donde ahora plasma su ópera prima. Esta conexión autobiográfica no solo añade veracidad, sino una textura emocional que atraviesa cada fotograma, algo que se percibe con claridad en la mirada del protagonista, siempre al borde del abismo, pero con una esperanza temblorosa al fondo del plano. Quizá no sea el tema central pero habla de una Europa que no trata bien a los emigrantes, ni siquiera siendo estos europeos. No voy a mencionar la temática principal del filme pues para algunos puede desmontar media película el saberlo de antemano. Pero si que es un fiel reflejo de que en la Europa más libre aún hay corsés que muchos mantienen atados, incluso para sí mismos.

Mario Casas firma una de sus interpretaciones más maduras y vulnerables, no me extraña el premio recibido recientemente en Málaga. Alejado de su imagen de galán, se sumerge en un papel que requiere una entrega física y emocional absoluta. Se percibe cierta improvisación para explorar la desconcertante situación de su personaje. Oms logra con su interpretación y con el reparto secundario entretejer una red que refleja la complejidad de un entorno que, es en sí una dicotomía: un sin fin de frialdades y rincones donde encontrar solidaridad.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de abril de 2025. Título original: Molt lluny. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Gerard Oms. Guion: Gerard Oms. Música: Sílvia Pérez Cruz. Fotografía: Edu Canet. Reparto principal: Mario Casas, David Verdaguer, Ilyass El Ouahdani. Producción: Zabriskie Films, Revolver Ámsterdam, MEDIA, ICEC, ICAA, NL Film Fonds, TV3, TVE. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial: https://bteampictures.es/muy-lejos/