Crítica: ‘Anzu, gato fantasma’

En qué plataforma ver Anzu, gato fantasma

Sinopsis

¿Volveremos a vernos en algún lugar?”

“Quiero ver a mi madre”. A partir de este deseo, un gato fantasma y una niña que ha perdido a su madre se embarcan en un viaje que les lleva al mismo Infierno.

En medio de un fuerte aguacero, un monje encuentra a un gatito al que bautiza como Anzu y cría con esmero. Sin embargo, 30 años después, el gatito no solo no ha muerto, sino que se ha convertido en un “gato fantasma” que habla y vive como un ser humano. A sus 37 años, viaja en ciclomotor y trabaja a tiempo parcial como masajista. Un día, el anciano monje le pide a Anzu que cuide de Karin, su nieta de 11 años que ha sido abandonada por su padre, y este acepta a regañadientes. Al principio, sus personalidades enérgicas chocan y saltan chispas, pero poco a poco empiezan a entenderse. Entonces, Karin le pide un favor a Anzu, quiere volver a ver a su madre fallecida. Ese es el punto de partida para un dramático viaje que les llevará hasta el mismísimo Infierno.

Crítica

Comunión con la naturaleza y retos de la infancia en un filme con identidad propia y mucha simpatía

‘Anzu, gato fantasma’, dirigida por la directora novel Yôko Kuno (animadora habitual de Shin-chan) y Nobuhiro Yamashita, es una obra visualmente encantadora que ofrece una mezcla equilibrada de humor y ternura, con una historia que invita a la reflexión sobre la naturaleza y la vida. La película parte de una obra del mangaka Takashi Imashiro, tiene un marcado carácter rural y puede recordar en algunos aspectos a títulos como ‘El verano de Kikujiro’.

Viendo este anime Ghibli se pasa a menudo por nuestra cabeza. Al igual que en las obras de Miyazaki, ‘Anzu, gato fantasma’ presenta una conexión profunda con los personajes desvalidos, la espiritualidad y la infancia. El personaje de Anzu, un gato fantasma, recuerda a los espíritus protectores que aparecen en títulos como ‘Mi vecino Totoro’, ya que no sólo encarna lo sobrenatural, sino también una fuerza benévola y despreocupada que guía a los personajes. Pero este filme se alía más con el público actual evitando la mojigatería o ponerse intensito. Y es que Anzu cocina, conduce en moto sin carnet, se tira pedos comiendo y mea por los rincones del templo en que vive. Y todo esto sin parar de reírse “¡miaujajaja!”. Además Kuno y Yamashita optan por un tono más contemporáneo. La sutileza y simpatía con la que abordan los temas emocionales es su fortaleza, haciendo de ‘Anzu, gato fantasma’ una experiencia que consigue ser más íntima de lo que parece. Es imposible no hacerse amigo de este gato antropomórfico que rompe con lo tradicional.

‘Anzu, gato fantasma’ destaca no solo por cómo nos conmueve y divierte a partes iguales, también por su inaudito estilo de animación para tratarse de un filme nipón. Fusiona técnicas tradicionales con enfoques contemporáneos. Aunque como he dicho, el Japón rural y espiritual animado nos puede recordar siempre a Ghibli, la obra mantiene una identidad propia. La película fue filmada inicialmente en acción real, sobre la cual se aplicó la técnica de rotoscopia, pintando directamente sobre las imágenes filmadas. Esta metodología aporta una autenticidad y calidez únicas a la narrativa, enriqueciendo la experiencia visual. La colaboración entre los estudios Shin-Ei Animation y Miyu Productions resultó en una obra que combina lo mejor de ambas tradiciones animadas. El uso de la rotoscopia no solo añade una dimensión artística distintiva, sino que también refuerza la conexión emocional con los personajes y su entorno, ofreciendo al espectador una experiencia inmersiva y memorable.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Bakeneko Anzu-chan. Duración: 97 min. País: Japón. Dirección: Nobuhiro Yamashita, Yôko Kuno. Guion: Shinji Imaoka. Música: Keiichi Suzuki. Fotografía: Masato Makino. Reparto principal (doblaje original): Mirai Moriyama, Noa Gotô, Munetaka Aoki, Miwako Ichikawa, Keiichi Suzuki. Producción: Miyu Productions, Shin Ei Animation. Distribución: SelectaVisión. Género: aventura, fantástico. Web oficial: https://ghostcat-anzu.jp/

Crítica: ‘Estocolmo 1520. El rey tirano’

En qué plataforma ver Estocolmo 1520. El rey tirano

Sinopsis

En 1520, el infame rey danés Cristián II (Claes Bang), sediento de poder, está decidido a arrebatar la corona sueca a Sten Sture (Adam Pålsson), cueste lo que cueste. Entre tanto, las hermanas Freja (Alba August) y Anne (Sophie Cookson) prometen solemnemente vengarse de los hombres que asesinaron brutalmente a su familia. Todo llega a su punto álgido en el corazón de Estocolmo, donde las hermanas se ven arrastradas a una despiadada lucha política entre Suecia y Dinamarca que culmina en una ejecución masiva, presidida por el rey loco «Cristián el Tirano», conocida como el Baño de Sangre de Estocolmo.

Crítica

¿Quién dijo que las películas nórdicas eran lentas y aburridas?

La película ‘Estocolmo 1520. El rey tirano’ nos traslada a uno de los capítulos más sangrientos de la historia sueca, pero lo hace con una visión fresca, osada y en ocasiones disparatada. Dirigida por Mikael Håfström a través de muchos estilismos, esta producción internacional sorprende al transformar un evento histórico como la Masacre de Estocolmo en un relato que combina drama, acción violenta y un humor negro que rompe con las convenciones del género.

¿De qué trata ‘Estocolmo 1520’? Ambientada en plena lucha por el trono de Suecia, ‘Estocolmo 1520’ sigue la historia de Anne y Freja, dos mujeres nobles marcadas por la brutalidad de un régimen impuesto. Tras presenciar la masacre de su familia ordenada por el rey Christian II, apodado “el rey tirano”, y ejecutada por unos pintorescos mercenarios, ambas emprenden un camino de venganza lista en mano a lo ‘Kill Bill’. Todo esto sucede en el marco de un país fracturado entre la nobleza local y el nuevo dominio danés. Lo que empieza como una historia de opresión, pronto se convierte en un thriller político con tintes épicos y sangrientos. Para desgracia de las dos protagonistas hay otra lista, la que dio con la ejecución pública de más de cien personas y llevó a este acontecimiento a los libros de historia.

Este es un un drama histórico con estilo moderno. Una de las mayores decisiones de ‘Estocolmo 1520’ es diferenciarse a través del humor y la acción procurando mantener cierto equilibrio entre el rigor histórico y una narrativa estilizada o contemporánea. La película no teme incorporar elementos visuales modernos, una banda sonora efectiva y diálogos que, sin perder seriedad, incluyen momentos de disparate y sátira. Este enfoque hace que la historia resulte accesible y atractiva incluso para quienes no conocen el contexto del siglo XVI en Escandinavia o para los que toleran poco las películas largas. Sobretodo este filme logrará romper estereotipos de esos que hacen pensar que el cine de Europa del norte siempre es lento y aburrido (aunque ahí hay ejemplos como ‘Sisu’). Y aunque Håfström se toma su tiempo (la película supera las dos horas de duración), lo hace para construir una atmósfera donde cada traición y cada decisión cuentan y suman al kill count.

Sophie Cookson y Alba August brillan como protagonistas, aportando fuerza y emoción a sus personajes, además de servir bien a la acción. Pero también acapara mucha atención Claes Bang como Christian II, un villano de lengua bífida que encarna el poder sin escrúpulos, con un carisma tontorrón e inquietante. Tras la peculiar interpretación de Drácula y su versión de Guillermo Tell queda claro que al actor danés no se le caen los anillos a la hora de retratar a personajes populares al borde de la parodia.

La ambición de esta película no está solo en la mezcla de géneros, también en lo visual. ‘Estocolmo 1520’ destaca por su cuidada ambientación, su fotografía sombría y sus escenas de acción dotadas de cierta coreografía. Consigue tomas de belleza medieval y de gran espectacularidad bélica. Para ser una película que trata una sangrienta efeméride y cuyo título original es Stockholm Bloodbath (el baño de sangre de Estocolmo) consigue obtener preciosos fotogramas, sobre todo en tomas aéreas.

Una película distinta que merece la oportunidad de ser vista. Si buscas una película histórica tradicional, ‘Estocolmo 1520’ probablemente te descoloque. Pero si estás dispuesto a ver una reinterpretación atrevida, que combina cierto rigor, violencia y hasta momentos de humor inesperado que en ocasiones no funciona (principalmente por la interpretación de Mikkel Boe Følsgaard), esta película te sorprenderá gratamente. Es una propuesta valiente que re-imagina la manera de narrar la historia siguiendo la estela de ‘La favorita’ o ‘The great’ pero con ciertos toques de ‘Juego de Tronos’, es decir, irreverencia y violencia a partes iguales.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de mayo de 2025. Título original: Stockholm Bloodbath. Duración: 145 min. País: Suecia, Dinamarca. Dirección: Mikael Håfström. Guion: Erlend Loe, Nora Landsrød. Música: Steffen Thum. Fotografía: Pär M. Ekberg. Reparto principal: Sophie Coockson, Claes Bang, Alba August, Emily Beecham, Wilf Scolding. Producción: Nordisk Film, Viaplay Studios. Distribución: Divisa Films, Filmax. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/estocolmo-1520-el-rey-tirano/312

Crítica: ‘Hellboy: El hombre retorcido’

En qué plataforma ver Hellboy: El hombre retorcido

Sinopsis

Hellboy (Jack Kesy) y una agente novata del AIDP (Agencia para la investigación y defensa paranormal) se quedan varados en los Apalaches rurales de los años 50 y descubren una pequeña comunidad embrujada, liderada por el Hombre Retorcido.

Crítica

La versión de Hellboy más folk horror y fanmade hasta la fecha

La presencia del autor original en una adaptación cinematográfica puede parecer, a priori, una garantía de fidelidad o incluso, de calidad. Pero la historia del cine basado en cómics está llena de ejemplos que desmontan esa suposición. Frank Miller estuvo detrás de las exitosas ‘300’ y ‘Sin City’, mientras que Todd McFarlane presenció el descalabro de su ‘Spawn’ en 1997, con un nuevo intento aún más fallido junto a Jamie Foxx que nunca vio la luz. Mark Millar (‘Kick-Ass’), Bryan Lee O’Malley (‘Scott Pilgrim’) o John Ostrander (‘El Escuadrón Suicida’) también han estado involucrados en mayor o menor medida en las versiones fílmicas de sus creaciones, con resultados dispares. Marvel es otro universo, con sus propios códigos, cameos y fórmulas.

Todo esto sirve como contexto para entender ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’, una película donde Mike Mignola, por primera vez, ha tenido un peso real en la adaptación. Y eso se nota, al menos en un aspecto: esta es, sin duda, la película más cercana al espíritu del cómic original en cuanto a tono. Aquí se respira folk horror por los cuatro costados, un ambiente rural, oscuro, y cargado de misticismo que por fin hace justicia a un fragmento tan particular del universo Hellboy.

Si con Guillermo del Toro se exploraba la vertiente más romántica y melancólica del personaje, ‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ decide sumergirse en la mitología pura de Mignola. Con el director Brian Taylor por fin se respeta el horror de raíz, el folklore profundo, el cuento de advertencia en clave sobrenatural. Y eso, sin duda, es lo mejor que ofrece esta adaptación. Pero lamentablemente, la fidelidad al tono no basta y esta vez ni una versión salvaje y sin censura, como fue el caso de Neil Marshall, salvaría los muebles. El resto de la película es un despropósito técnico. El CGI es pobre, más digno de una producción de The Asylum que de un estreno con aspiraciones serias. Las escenas de acción parecen sacadas de un proyecto universitario sin presupuesto o de un fanmade y la dirección no logra aprovechar los pocos momentos de tensión que propone el guion. Todo parece deslavazado, maquillado en exceso para camuflar carencias, lo cual perjudica a la atmósfera.

El casting tampoco ayuda. El nuevo Hellboy (Jack Kesy) carece de fuerza, de carisma, y sobre todo de presencia. No transmite la mezcla de cansancio existencial, ironía seca y brutalidad contenida que definía al personaje. Lo que queda es una figura desinflada, incapaz de sostener la película sobre sus hombros. Que sus lances suenen al son de soul y a música lounge no siempre le sienta bien pues redunda en el tópico de las campiñas de la Virginia de los sesenta.

‘Hellboy. El Hombre Retorcido’ es una paradoja: cuando por fin se consigue capturar la esencia más oscura y particular del universo de Mignola, todo lo demás —producción, actuación, dirección— se desmorona. Es fiel, sí. Pero también es floja, torpe y olvidable. Una oportunidad perdida… Quizá la tercera entrega del Del Toro habría llegado a este nivel de oscuridad y suciedad, quizá al Hellboy David Harbour le faltaba este nivel de aventura local y episódica… Quizá debamos montarnos en nuestras mentes la mezcla perfecta para tener la película que este pilar del cómic contemporáneo se merece.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de febrero de 2026. Título original: Hellboy: The Crooked Man. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Brian Taylor. Guion: Mike Mignola, Christopher Golden, Brian Taylor. Música: Sven Faulconer. Fotografía: Ivan Vatsov. Reparto principal: Jack Kesy, Jefferson White Adeline Rudolph, Leah McNamara, Suzanne Bertish, Joseph Marcell, Martin Bassindale. Producción: Bulgarian National Film Center, Campbell Grobman Films, Dark Horse Comics, Millennium Media, Nu Boyana, Telepool. Distribución: Vértice Cine. Género: adaptación, terror, aventura. Web oficial: https://millennium-media.net/mf-films/hellboy-crooked-man/

Crítica: ‘Nonnas’

En qué plataforma ver Nonnas

Sinopsis

Tras perder a su madre, un hombre decide arriesgarlo todo para honrar su memoria y abre un restaurante italiano en el que contrata como cocineras a un grupo de abuelas.

Crítica

La comida siempre da amor

Uno de los estrenos de la semana es ‘Nonnas’, una cinta entrañable, de esas que puedes ver una de estas tardes de lluvia, en el sofá y con un buen café en las manos. ‘Nonnas’ es una historia de amor, de amor a la familia, a las raíces y a la comida. Si, a esa comida que con solo tomarla te lleva a un pasado mejor, un pasado en el que tu familia se reunía y estaba unida.

Joe Scaravella, acaba de perder a su madre, una mujer muy importante para él. Su manera de llevar el luto es abrir un restaurante para poder llevar sus recetas a todo el mundo. Además, un viaje al mercado al que solía ir con ella, le hace ver que si contrata nonnas (abuelas) logrará su objetivo, y es comida realizada como en casa.

Creo que me esperaba una película más sensiblera, ‘Nonnas’ es bonita, una película sencilla que ya solo con su historia llama mucho la atención, además de por el pedazo de reparto. Encabezado por Vince Vaughn, un actor que nos tiene acostumbrados a saltar de la comedia a la acción sin mutarse. En ‘Nonnas’ nos deja su lado más tierno, intentando rescatar la memoria de su madre a través de la comida y de este negocio loco al que se ha lanzado.

Junto a él encontramos a Joe Manganiello, Drea de Matteo, Susan Sarandon, Lorraine Bracco, Ali Lopez-Sohaili, Brenda Vaccaro o Richie Moriarty, entre muchos otros.

La dirección es de Stephen Chbosky, director de ‘Wonder’ y que vuelve con una historia real. Con guion de Liz Maccie. Esta dirección es sencilla, sin complicaciones, eso sí, dándonos una buena dosis de imágenes de comida italiana que hace que salgas con un hambre impresionante de ver la película.

¿Qué mas nos da Nonnas?

Pues una historia real, Joe Scaravella es un personaje real que abrió su restaurante Enoteca María en Staten Island y básicamente todo lo que nos cuentan en la cinta es real. Joe Scaravella y su gran amigo, tienen un pequeño cameo en la cinta. Y en este restaurante se come comida de la abuela. Y cada semana está tematizada con abuelas de diferentes países.

Un concepto muy bueno que por lo que he podido ver tiene mucho éxito pues en todos lados te recomiendan hacer reserva o no podrás cenar.

Otra curiosidad de la cinta, es que no está rodada en ese restaurante, si no que se fueron a New Jersey y rodaron en un famoso restaurante ya cerrado ‘Spiritos’, al cual también homenajean dentro de la película. Y es que al final, ‘Nonnas’ es un gran homenaje también a la restauración, a esas personas que han dado sus vidas para servirnos buenos platos de comida y que han arriesgado todo lo que tienen para poder hacer sus sueños realidad.

A partir del día 9 de mayo podéis ver ‘Nonnas’ en Netflix. Dadle una oportunidad, no es una gran película, pero no siempre tienen que ser obras maestras para lograr contarnos una buena historia.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: Nonnas. Duración: 111 min. País: Estados Unidos. Dirección: Stephen Chbosky. Guion: Liz Maccie. Jody Scaravella. Música: Marcelo Zarvos. Fotografía: Florian Ballhaus. Reparto principal: Vince Vaughn, Susan Sarandon, Lorraine Bracco, Talia Shire, Brenda Vaccaro, Linda Cardellini, Drea de Mateo, Joe Manganiello, Campbell Scott, Richie Moriarty, Quincy Dunn-Baker. Producción: Fifth Season, Odd Lot Entertainment, Matador Content, One Community. Distribución: Netflix. Género: Comedia. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81936724

Crítica: ‘Cuckoo’

En qué plataforma ver Cuckoo

Sinopsis

Gretchen viaja a Alemania con su padre y su madrastra. En el pueblo en el que se alojan, se topa con oscuros secretos. Escucha ruidos extraños y tiene visiones aterradoras de una mujer que la persigue.

Crítica

Con una buena premisa no termina de cuajar

Tilman Singer dirige esta curiosa cinta, que tiene una premisa bastante chula, pero que no logra de cuajar y deja un poco indiferente. Conocemos a Gretchen, una joven estadounidense, que se muda a Alemania a vivir con la familia de su padre. Ella no está para nada conforme con la situación y además se añade que comienza a escuchar ruidos extraños en el bosque y ve como una persona la persigue en diferentes momentos de su vida.

Hunter Schafer, es la encargada de dar vida a esta joven a la que le están pasando terribles cosas. El reparto en general está muy bien dirigido. El sufrimiento psíquico y físico de Gretchen lo vemos gracias a la actuación de Hunter Schafer que logra crear un personaje muy real.

Junto a ella encontramos a Dan Stevens, que nos presenta a un personaje muy misterioso y que siente una atracción sobre Gretchen que no sabemos muy bien hacía donde quiere llegar. El está fenomenal.

En el resto del reparto encontramos a Jan Bluthardt, Marton Csokas, Jessika Henwick, Proschat Madani, Mila Lieu y las españolas Astrid Bergés-Frisbey y Greta Fernández. Esta última con un papel algo distinto a lo que estamos acostumbrados a verla y la verdad que está estupenda, dando vida a una de las amigas de Gretchen.

Otra de las cosas buenas que tiene ‘Cuckoo’ es su fotografía. Durante la cinta vamos viendo como resaltan unos colores u otros, el verde, amarillos son bastante utilizados y eso logra una mayor atmósfera tenebrosa.

Hay monstruo y es bastante curioso y ruidoso. Me ha gustado mucho toda la historia sobre este ser, pero como comento, el desenlace es bastante flojo para toda la tensión que se logra durante toda la cinta. Eso es un logro, porque estás pegado a la butaca todo el rato y además Tilman Singer, consigue mantenernos interesados por todo lo que está ocurriendo, pero no logra terminar la película como se merece y al final pierde todo el atractivo.

Aun así, como siempre os digo, merece la pena el visionado, no todas las películas son para todo el mundo y quizás vosotros la veis y os guste. Tiene cosas buenas y curiosas y ya solo por toda la tensión que crea merece la pena echarle un vistazo.

 Ficha de la película

Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: Cuckoo. Duración: 102 minutos. País: Alemania. Dirección: Tilman Singer. Guion: Tilman Singer. Música: Simon Waskow. Fotografía: Paul Faltz. Reparto principal: Hunter Schafer, Jan Bluthardt, Marton Csokas, Jessika Henwick, Dan Stevens, Mila Lieu, Greta Fernández, Proschat Madani, Astrid Bergès-Frisbey, Konrad Singer, Kalin Morrow. Producción: Fiction Park, Waypoint Entertainment, Neon. Distribución: Max. Género: Terror. Web oficial: https://www.max.com/tw/en/movies/cuckoo/69fd6890-f94b-4409-b3d7-1b805ece9d51

Crítica: ‘Tierras perdidas’

En qué plataforma ver Tierras perdidas

Sinopsis

Basada en el relato de George R. R. Martin. Una reina (Amara Okereke), desesperada por encontrar la felicidad en el amor, envía a la poderosa bruja Gray Alys (Milla Jovovich) a las Tierras Perdidas, en busca de un poder mágico que permite a una persona transformarse en un hombre lobo. Con el misterioso cazador Boyce (Dave Bautista), que la apoya en la lucha contra criaturas oscuras y despiadadas, Gray deambula por un mundo inquietante y peligroso. Pero solo ella sabe que cada deseo que concede tiene consecuencias inimaginables.

Crítica

Con la dupla Anderson/Jovovich sabes a lo que vas, pero no lo que se te viene

Paul W.S. Anderson y Milla Jovovich llevan años jugando a lo mismo. Desde que el director encontró su musa en la saga ‘Resident Evil’, ha explotado una y otra vez la misma fórmula: mundos postapocalípticos, héroes hipermusculados, criaturas generadas por ordenador y una puesta en escena que parece salida de un videojuego. ‘Tierras perdidas’, su nueva colaboración, no es la excepción. Se podría decir que el director y su esposa han desarrollado su propio subgénero dentro del cine de acción y fantástico, pero el problema es que ya han exprimido hasta la última gota de originalidad que pudiera haberles quedado.

Para este nuevo delirio visual, Anderson adapta un relato de George R.R. Martin, un autor que cuando se aleja de la fantasía medieval y se adentra en la ciencia ficción suele acabar en desastre (como lo demuestra la malograda Nightflyers). A la ecuación se suma Dave Bautista, quien parece haberse convertido en el secundario predilecto para producciones de este tipo. La historia nos sitúa en un futuro postnuclear donde la humanidad sobrevive bajo el dominio de una monarquía que combate a herejes y tanto a monstruos como a brujas, en un entorno que recuerda por momentos a ‘Mad Max’ y por otros a una partida de ‘Diablo’.

El problema de ‘Tierras perdidas’ es que se siente como un refrito de ideas ya vistas en decenas de películas previas. Juega en la misma liga que ‘Legion’ o ‘Priest. El sicario de Dios’, aquellas cintas protagonizadas por Paul Bettany que mezclaban religión y ciencia ficción con estética apocalíptica. Hay inquisidores, magia oscura y combates cuerpo a cuerpo y con pistolas, pero en ningún momento el filme logra dotar de identidad propia a su mundo. A esto se le suma un guion que intenta sonar trascendental con frases lapidarias que no funcionan y un desarrollo de personajes que se siente tan mecánico como las escenas de acción.

En el apartado visual, Anderson vuelve a apostar por su estilo de siempre: una mezcla de gótico industrial con escenarios generados por ordenador. El diseño de producción es bizarro, rozando lo grotesco, y en más de un momento parece que estamos viendo un videoclip de Rammstein en lugar de una película de aventuras. La fotografía apuesta por tonos metálicos y azulados que acentúan la artificialidad del conjunto, algo que no ayuda cuando prácticamente todas las escenas han sido rodadas sobre un croma. Es evidente que el presupuesto no es descomunal, pero las herramientas digitales actuales permiten simular espacios de gran escala… aunque en este caso todo resulta demasiado sintético y carente de vida.

Si hablamos de la acción, encontramos otro de los grandes problemas de ‘Tierras perdidas’: su sobredependencia de la cámara lenta. Anderson lleva un tiempo acercándose peligrosamente al estilo de Zack Snyder, y aquí lo demuestra en exceso. Cada combate está repleto de ralentizaciones que, en lugar de añadir épica, acaban restando fluidez a la narrativa. El montaje y la puesta en escena parecen diseñados más para lucir bien en tráileres que para aportar ritmo a la historia.

En cuanto a las interpretaciones, Milla Jovovich hace exactamente lo que se espera de ella: miradas intensas, coreografías marciales y una actuación que nunca abandona la sobriedad monolítica que la ha caracterizado en sus últimos proyectos. Dave Bautista, por su parte, cumple con su rol de guerrero imponente, pero el guion no le da muchas oportunidades y eso que suyo es uno de los giros importantes que hay que admitir que pillan desprevenidos. Por cierto que… su personaje lleva tatuados en el cuello un origami como el de ‘Blade Runner’ y una corona como las que pintaba Jean-Michel Basquiat.

‘Tierras perdidas’ es, en definitiva, un ejercicio de estilo que confirma que Anderson y Jovovich llevan tiempo estancados en su zona de confort. La película no arriesga, no innova y, aunque pueda resultar entretenida para los más incondicionales del género, se siente como un reciclaje de ideas que hemos visto demasiadas veces. Si buscas una cinta con personajes carismáticos, un mundo con personalidad propia o una historia que deje huella, aquí no lo vas a encontrar.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: In the Lost Lands. Duración: 101 min. País: Alemania. Dirección: Paul W.S. Anderson. Guion: Constantin Werner, Paul W.S. Anderson. Música: Paul Haslinger. Fotografía: Glen MacPherson. Reparto principal: Milla Jovovich, Dave Bautista. Producción: Constantin Films, Dream Bros. Entertainment, Rusalka Film. Distribución: Diamond Films. Género: Paul W.S. Anderson. Web oficial: https://diamondfilms.es/site/detalle/tierras-perdidas

Crítica: ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’

Sinopsis

En un Japón repleto de Kaiju, Kafka Hibino trabaja como limpiador de monstruos. Tras reencontrarse con su amiga de la infancia, Mina Ashiro, una joven promesa de las Fuerzas de Defensa que luchan contra los Kaiju, decide intentar cumplir su antiguo sueño de unirse a las Fuerzas… cuando de repente se transforma en el poderoso Kaiju nº 8. Con la ayuda de un colega más joven, Reno Ichikawa, Kafka oculta su identidad mientras lucha por cumplir el sueño de su vida: aprobar el examen de las Fuerzas de Defensa y así poder estar al lado de Mina. Pero cuando un misterioso Kaiju inteligente ataca una base de las Fuerzas de Defensa, Kafka se enfrenta a una decisión crucial en una situación desesperada…

Crítica

Un pack básico pero sin profundidad

Realizada por Production I.G. y Toho, ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’ adapta al formato cinematográfico la exitosa serie que surgió del manga de Naoya Matsumoto que hoy en día está en curso y que comenzó su andadura en 2020. La propuesta no puede evitar recordar a referentes del género como ‘Pacific Rim’ o, evidentemente, a algunas versiones de ‘Godzilla’. En este mundo, la humanidad ya está curtida frente a ataques de kaijus y se entrena de forma específica para hacerles frente. Esta premisa remite, inevitablemente, a ‘Ataque a los titanes’, aunque el diseño de los trajes recuerda sospechosamente al de ‘Gantz’. El resultado es un batiburrillo de ideas prestadas que, aunque puede seducir al público más joven, no ofrece realmente nada nuevo.

Quizá lo más llamativo sea el protagonista, que tiene la peculiar capacidad de convertirse en uno de esos monstruos versión reducida, como si de una versión moderna de ‘Guyver’ se tratase. Esta transformación, además, parece estar lejos de ser casual, como sugiere el hecho de que su nombre sea Kafka, toda una referencia velada a la metamorfosis literaria.

La película, en sí misma, no es más que una condensación de la primera temporada del anime en apenas 90 minutos. 12 episodios de unos 25 minutos resumidos con cierta torpeza y coronados con un capítulo extra que, francamente, aporta poco: un simple gag durante un día de descanso en la rutina de Hoshina. Como suele ocurrir con este tipo de productos recopilatorios, el ritmo sufre. Los esquemas narrativos se repiten hasta el agotamiento y, además, hay saltos temporales y carencias de elipsis que descolocan más que guían. La progresión de los personajes se diluye y el espectador pierde la conexión emocional que probablemente si se encontrará en la serie.

En ese sentido, el filme parece pensado para los ya iniciados que buscan revivir la historia o para quienes quieren un resumen rápido antes de engancharse al manga o a las próximas temporadas del anime. ¿Es suficiente gancho el incluir un capítulo post-créditos? Probablemente no.

Visualmente, no se le puede reprochar demasiado. La acción está bien llevada, con explosiones de sangre a borbotones brotando de criaturas que podrían haber salido del catálogo de los Gormiti, con ese aire colorido y de formas híbridas. Como en tantos otros animes, el humor es simple, casi tontorrón, y entra por los ojos más que por la cabeza.

En última instancia, ‘Kaiju nº 8: Misión de reconocimiento’ funciona porque bebe del videojuego en su estructura: desafíos crecientes, nivel de combate a trabajar, enemigos finales. También porque su historia conecta con esos sentimientos universales de sueños truncados, anhelos pasados y supervivencia a toda costa. Pero eso no lo hace una obra original ni especialmente destacada. Solo entretenida. Y, para algunos, eso puede ser suficiente.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de mayo de 2025. Título original: Kaiju No. 8: Mission Recon. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Shigeyuki Miya, Tomomi Kamiya. Guion: Ichirō Ōkōchi. Música: Yuta Bando, OneRepublic. Fotografía: Eiji Arai. Reparto principal (doblaje original): Ai Fairouz, Masaya Fukunishi, Tesshô Genda, Wataru Kato, Kengo Kawanishi, Keisuke Kômoto, Kenta Miyake, Sayaka Senbongi, Hiroyuki Yoshino. Producción: Production I.G. Distribución: Crunchyroll. Género: ciencia ficción, acción. Web oficial: https://www.crunchyroll.com/es-es/series/GG5H5XQ7D/kaiju-no-8?

Crítica: ‘La evaluación’

En qué plataforma ver La evaluación

Sinopsis

En un futuro cercano donde la paternidad está estrictamente controlada, la evaluación de siete días de una pareja para obtener el derecho a tener un hijo se convierte en una pesadilla psicológica, obligándolos a cuestionar los fundamentos de su sociedad y lo que realmente significa ser humano.

Crítica

Fleur Fortune debuta con una mirada clínica y pesimista hacia la humanidad

‘La evaluación’ es el debut cinematográfico de Fleur Fortune, quien sorprende al ponerse tras las cámaras con una propuesta inquietante y poderosa. Para su primera película ha contado, ni más ni menos, con un reparto de lujo encabezado por Alicia Vikander, Elizabeth Olsen y Himiesh Patel. Todos ellos entregan interpretaciones sólidas, contenidas y perfectamente calibradas para el tono clínico y emocionalmente asfixiante que propone el filme. Vikander, especialmente, brilla en un papel que exige tanto intensidad emocional como frialdad estratégica.

La historia puede emparentarse espiritualmente con títulos como ‘La mano que mece la cuna’ o incluso con ‘The Servant’, por su capacidad para introducir una figura invasiva y desestabilizadora en la intimidad de un hogar. Sin embargo, ‘La evaluación’ lleva ese conflicto doméstico a un terreno mucho más inquietante: el de la ciencia ficción social y distópica, planteando dilemas éticos sobre la selección artificial de la paternidad como herramienta para preservar la raza humana tras un cataclismo climático.

Fortune construye un universo frío, minimalista, donde cada elemento escenográfico (desde los uniformes hasta los muebles) refuerza esa sensación de control, vigilancia y despersonalización. No es casual que la estética del filme recuerde a obras como ‘Gattaca’ o incluso ‘THX 1138’, donde la sociedad ha asumido que la eficiencia está por encima de la empatía. A lo largo del metraje se respira una tensión contenida, más psicológica que física, pero igualmente perturbadora.

Resulta curioso que esta producción, pese a tener un enfoque íntimo, haya requerido varios años de preparación y que su guion haya pasado por múltiples versiones para encontrar el equilibrio entre la denuncia social y el componente especulativo. La propia directora ha reconocido en entrevistas que se inspiró en conversaciones reales sobre la sobrepoblación, la crisis climática y la maternidad impuesta por normas sociales. De hecho, el título, ‘La Evaluación’, es tan impersonal como sugiere el sistema que retrata: un juicio frío sobre quién merece reproducirse y quién no.

Una vez más, el cine contemporáneo se instala en la visión más pesimista de la humanidad. El filme deja un poso amargo, no tanto por su desenlace (que evita efectismos) sino por el camino emocional que plantea. ‘La evaluación’ no solo critica el sistema ficticio que presenta, sino que invita a cuestionar nuestros propios esquemas sociales actuales. ¿Hasta qué punto la presión por formar una familia, tener hijos y seguir un molde normativo no está ya presente en nuestra realidad?

Es una película que incomoda, que agobia y que irrita deliberadamente. Te deja harto. Harto del mundo que insiste en dictar cómo, cuándo y por qué tener hijos. Harto de la crianza irresponsable, de los niños maleducados que solo parecen existir para desgastar a su entorno y de los adultos que no están preparados, pero aun así lo hacen. ‘La evaluación’ molesta hasta ponerte a prueba y lo hace porque se propone molestar. Y en eso, sin duda, cumple con creces su cometido.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de mayo de 2025. Título original: The assessment. Duración: 114 min. País: Reino Unido. Dirección: Fleur Fortune. Guion: John Donnelly, Nell Garfath Cox, Dave Thomas. Música: Emilie Levienaise-Farrouch. Fotografía: Magnus Nordenhof Jønck. Reparto principal: Alicia Vikander, Elizabeth Olsen, Himesh Patel. Producción: Augenschein Filmproduktion, Number 9 Films, Project Infinity, ShivHans Pictures, Tiki Tane Pictures. Distribución: Prime Video. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: http://www.augenschein-filmproduktion.de/de/filme/detail/the-assessment.html

Crítica: ‘Vampira humanista busca suicida’

En qué plataforma ver Vampira humanista busca suicida

Powered by JustWatch

 

Sinopsis

Sasha desde pequeña es una vampiresa incapaz de matar alguien, sin embargo, necesita la sangre para vivir. Por ello, cuando sus padres dejan de proveersela, la joven se ve forzada a tomar una decisión drástica: buscar un suicida al que hincar el diente

Crítica

Tierna y sencilla comedia de vampiros

Canadá, siempre nos trae curiosas películas de género de terror y hoy os vengo hablar de una cinta que pudimos ver en 2023 en Sitges y que se ha estrenado en Movistar Plus+. ‘Vampira humanista busca suicida’. El propio nombre de la película ya nos cuenta totalmente la sinopsis. Y es que Sasha es una joven vampira que es incapaz de matar y decide buscarse las vueltas para poder sobrevivir. Así conoce a Paul, un joven con el que comenzará una extraña amistad.

Cuando la vi, no podía parar de pensar en Tim Burton. No tiene unos personajes tan sumamente peculiares como a los que nos tiene acostumbrados el director, pero si que la historia, y los dos protagonistas parecen sacados de esta gran mente. Pero no, la directora es la primeriza Ariane Louis-Seize.

La directora y guionista es Ariane Louis-Seize, que, con esta primera película, nos muestra la gran sensibilidad y humor que tiene y con ello logra una bonita historia de amor adolescente. Y, por supuesto, totalmente diferente.

Sara Montpetit, es la encargada de dar vida a Sasha, esta joven vampira, llena de dudas y también muerta de hambre, pero que no es capaz de alimentarse por si misma ya que le remuerde la conciencia. La verdad que hace un papel muy bonito. Y junto a Félix-Antoine Bénard logran hacer una historia muy tierna.

‘Vampira humanista busca suicida’ también nos enseña con un toque de humor, las reuniones a las que se acercan personas con problemas mentales y sobre todo para ayudarse unos a otros para no terminar con sus vidas. Nos habla también del bullying y de la tristeza que sienten muchas personas en la actualidad. Y por no olvidar lo complicado de las relaciones con la familia cuando no sigues sus pasos. La escena del payaso me parece tan espeluznante como magnífica.

Como digo, no es un drama, Ariane Louis-Seize, junto a Christine Doyon, logran un guion muy divertido. Con un humor un tanto oscuro, pero que hace que todos estos temas escabrosos se vean de diferente manera sin burlarse de ellos.

La fotografía de Shawn Pavlin es muy bonita. Jugando con las luces para poder iluminar estas noches eternas en las que vamos poco a poco conociendo a Sasha.

La cinta juega con una gama de colores muy oscuros, llenos de rojos, azules y verdes, pero siempre en su tono más lúgubre.

Sin duda, si queréis pasar un buen rato y ver algo distinto no dejéis pasar ‘Vampira humanista busca suicida’. Es una cinta sencilla pero que merece la pena y que además dura 84 minutos.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de abril de 2025. Título original: Vampire humaniste cherche suicidaire consentant. Duración: 84 min. País: Canadá. Dirección: Ariane Louis-Seize. Guion: Christine Doyon y Ariane Louis-Seize. Música: Pierre-Philippe Côté. Fotografía: Shawn Pavlin. Reparto principal: Sara Montpetit, Félix-Antoine Bénard, Steve Laplante, Sophie Cadieux, Noémie O’Farrell, Lilas-Rose Cantin, Arnaud Vachon, Marie Brassard, Madeleine Péloquin. Producción: Art & Essai, H264 Distribution. Distribución: Movistar Plus+. Género: Comedia, terror. Web oficial: https://www.movistarplus.es/cine/vampira-humanista-busca-suicida/

Crítica: ‘Todo lo que no sé’

En qué plataforma ver Todo lo que no sé

Sinopsis

Laura a sus 35 años lleva una vida monótona, ayuda a su padre enfermo, trabaja en una tienda, comparte piso y pasa tiempo con su medio novio. Esta calma extraña se ve alterada cuando un compañero del pasado le propone retomar un antiguo proyecto en el sector tecnológico. Acepta para intentar conseguir el éxito. En este camino para recuperar una parte de ella que creía perdida, toma una serie de decisiones que tambalean su entorno enfrentándose al precio a pagar por priorizarse a sí misma.

Crítica

Un gran espejo de nuestra alma en esta sociedad tan “perfecta” en todo

Ana Lambarri, nos trae una tremenda ópera prima, tan actual como universal. Laura es una mujer que no se siente completa. Trabaja en una tienda habiendo abandonado un proyecto personal hace muchos años. Un antiguo conocido regresa a su vida para darle una gran oportunidad. Mientras tanto, tiene que cuidar a su padre enfermo y lidiar con una gran crisis existencial.

‘Todo lo que no sé’ es una historia totalmente actual. Esos sueños rotos, esas ganas de terminar con la monotonía y el no poder cambiar. El no poder evitar la responsabilidad y querer ser libre de todo, hasta de la familia.

Ana Lambarri logra un personaje tan humano. Laura no cae bien, tampoco mal, es una mujer que simplemente no está donde quiere. La directora y guionista te quiere mostrar a alguien real, a una persona egoísta pero también vulnerable, llena de fallos y también llena de aciertos. Con muchos miedos y con malas decisiones, pero, al fin y al cabo, decisiones. Esas que te llevan a un camino u otro. Esas que te enseñan lo que es la vida realmente y que los baches, son solo eso, baches de los que se terminan saliendo. De una manera u otra. Muchos duelen, pero son de los que más se aprenden.

La encargada de dar vida a Laura es Susana Abaitua, que como siempre, nos da una interpretación perfecta. Dando vida a esta mujer a la que le cuesta ser ella misma. Que intenta salir adelante, pero no se atreve a contarle a nadie sus verdaderos sueños ya que tiene miedo a fracasar. Nos enseña a una persona llena de contradicciones. Son una simple mirada sabemos que nada está bien en la mente de Laura y que necesita un descanso de todo y aclararse ella misma.

Junto a Susana encontramos a Iñaki Ardanaz, Fran Cantos, Andrés Lima, Francesco Carril, Ane Gabarain, Natalia Huarte, Javier Laorden, Stéphanie Magnin, Patrick Martino y Mark Schardan.

El ritmo de la película es lento, pero sin pausa. Es algo perfecto para lo que nos están contando, esa monotonía tan odiada por nuestra protagonista. Con una fotografía muy tenue y naturalista, sin filtros, sin florituras. Algo que hace que veamos más real aún esta historia. A veces oscura, como el estado de ánimo de la protagonista. Quien como he comentado, no está pasando por su mejor momento. Y sin duda esta fotografía tan lúgubre nos ayuda a ver sus sentimientos.

Una historia sencilla, de nuestro día a día. Actual e incluso con un final, que, aunque es bastante abierto, me parece perfecto. Porque como en la vida misma, las decisiones muchas veces tardan en ver resultados, y no necesitamos ver el siguiente paso.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de abril de 2025. Título original: Todo lo que no sé. Duración: 113 min. País: España. Dirección: Ana Lambarri. Guion: Ana Lambarri. Música: Alberto Torres. Fotografía: Carlos de Miguel. Reparto principal: Susana Abaitua, Francesco Carril, Natalia Huarte, Ane Gabarain, Stéphanie Magnin, Iñaki Ardanaz, Andrés Lima. Producción: Naif Films, 39 Escalones, The Other Film Production, Movistar Plus+, RTVE, Robot Productions. Distribución: 39 Escalones Films. Género: Drama. Web oficial: https://39escalones.es/

Crítica: ‘The End’

En qué plataforma ver The End

Sinopsis

Dos décadas después del fin del mundo, una familia vive en su lujoso búnker construido en una mina de sal. Hijo, un joven de 20 años que nunca ha visto el mundo exterior, Padre y Madre, son una de las últimas familias de la Tierra. La llegada de una chica a la entrada del búnker amenazará la apacible vida familiar.

Crítica

Un apocalipsis con más emoción e intención que ritmo e impacto

‘The End’, dirigida por Joshua Oppenheimer, es una ambiciosa incursión en un género tan poco habitual como es el musical apocalíptico que explora la psique de una familia adinerada refugiada en un búnker durante más de veinte años. Se encuentran allí parapetados cómodamente pasando el apocalipsis personajes interpretados por Tilda Swinton, Michael Shannon, George MacKay y Moses Ingram, entre otros, aportando interpretaciones sólidas y matizadas a sus complejos personajes.

La premisa de la película es intrigante: una familia que, tras contribuir directamente al colapso ambiental de la Tierra, se aísla en un lujoso búnker dispuesto de mejores comodidades que un Four Seasons. Este entorno claustrofóbico sirve como escenario para una profunda reflexión sobre la culpa, el privilegio y la autocomplacencia de las élites que buscan escapar de las consecuencias de sus propias acciones. Oppenheimer utiliza este microcosmos para ofrecer una crítica mordaz a la impunidad y la desconexión de las clases privilegiadas frente a la destrucción ambiental que han propiciado.

Uno de los aspectos más destacados de ‘The End’ es su exploración de la visión del mundo de un individuo que ha crecido aislado en un búnker. El personaje interpretado por George MacKay encarna a un joven cuya comprensión del mundo exterior se ha formado exclusivamente a través de relatos de sus padres y las limitadas experiencias dentro del refugio. Esta perspectiva ofrece una mirada fascinante sobre la construcción de la realidad y cómo el aislamiento puede distorsionar la percepción, subrayando la importancia de la conexión humana y la interacción con el entorno natural. Tanto esa idea, como la idealización frustrada de nuestros ancestros han sido exploradas recientemente en series como ‘Silo’ o ‘Fallout’, a si es que la película pierde originalidad al respecto. Por el contrario ‘The End’ aborda de manera más efectiva el anhelo de haber tratado mejor al planeta Tierra. A través de diálogos reflexivos y números musicales, los personajes expresan su arrepentimiento y deseo de redención por los daños irreparables causados al medio ambiente. Esta temática resuena profundamente en el contexto actual de crisis climática, ofreciendo una reflexión oportuna sobre la responsabilidad colectiva en la preservación del planeta.

Sin embargo, a pesar de sus méritos temáticos y actuaciones destacadas, ‘The End’ presenta deficiencias significativas en su ejecución. Con una duración de 148 minutos, la película se siente excesivamente larga y, en ocasiones, tediosa. La narrativa tiende a ser redundante, reiterando puntos ya establecidos sin aportar nuevas perspectivas, lo que puede llevar al espectador a la fatiga. Esta repetición diluye el impacto de los mensajes centrales y afecta negativamente al ritmo.

Otro aspecto que deja que desear es la banda sonora. Aunque las voces de George MacKay y Moses Ingram son magníficas, las canciones carecen de diversidad y dinamismo. Los números musicales resultan planos, sin variaciones significativas entre ellos, y carecen de estribillos memorables que puedan resonar con la audiencia. Esta monotonía musical disminuye la capacidad de las canciones para transmitir emociones y refuerza la sensación de monotonía.

En términos de producción, ‘The End’ exhibe una dirección de arte meticulosa que refleja la opulencia y el aislamiento del búnker. La foto de Mikhail Krichman captura eficazmente la claustrofobia del entorno, jugando mucho con los cambios de luz y el contraste de escenarios. Es brillante cómo le saca partido a las cuatro o cinco estancias que tiene la escenografía y sobre todo a la caverna en la que reflejan el acceso al búnker. Sin embargo, estos logros técnicos no logran compensar completamente las deficiencias narrativas y musicales que lastran la experiencia general de la película.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de abril de 2025. Título original: The End. Duración: 148 min. País: Dinamarca. Dirección: Joshua Oppenheimer. Guion: Rasmus Heisterberg, Joshua Oppenheimer. Música: Josh Schmidt. Fotografía: Mikhail Krichman. Reparto principal: Tilda Swinton, Michael Shannon, George MacKay, Moses Ingram, Lennie James, Tim McInnerny, Bronagh Gallager, Danielle Ryan. Producción: Final Cut for Real, The Match Factory, Wild Atlantic Pictures, Dorje Films, Moonspun Films, Anagram. Distribución: Avalon. Género: musical, ciencia ficción, drama. Web oficial: http://www.finalcutforreal.dk/the-end

Crítica: ‘Confidencial (Black bag)’

En qué plataforma ver Confidencial

Sinopsis

Un fascinante drama de espionaje sobre los legendarios agentes de inteligencia George Woodhouse y su amada esposa Kathryn. Cuando surgen sospechas de que Kathryn ha podido traicionar a la nación, George deberá afrontar el reto definitivo: elegir entre lealtad al país o a su matrimonio.

Crítica

Soderbergh convierte el matrimonio en zona de guerra en un thriller que transforma el género

Steven Soderbergh vuelve a tener película en carteleras y se sumerge más que nunca en el género del espionaje con una propuesta que se aleja del espectáculo y abraza lo íntimo, como hizo recientemente con ‘Presence’. ‘Confidencial (Black Bag)’ no es una película de acción al uso: es un thriller psicológico que se infiltra en los rincones más oscuros de las relaciones humanas, allí donde la confianza se convierte en una moneda frágil y el silencio puede pesar más que una confesión.

Con Michael Fassbender y Cate Blanchett en estado de gracia, el filme se convierte en una partida de ajedrez emocional que recuerda al clásico teatral ‘¿Quién teme a Virginia Woolf?’, pero en clave de agentes encubiertos. Aquí, el verdadero campo de batalla no está en las calles ni en las embajadas, sino en la cena, el dormitorio, y las conversaciones llenas de dobles intenciones entre parejas y amigos.

El guion, obra de David Koepp, brilla por cómo eleva la presión arterial. Koepp, que ya había colaborado con Soderbergh, construye una narrativa cargada de tensión gracias a su inmersión en el mundo real del espionaje. Para dotar de autenticidad al relato, consultó con agentes activos y operativos retirados. Una confesión en particular –la de una espía que admitió ser incapaz de mantener vínculos afectivos duraderos– parece haber dejado huella en el corazón del guion. Esa revelación es el germen emocional de ‘Confidencial’, que podría describirse como una versión emocional e íntima de ‘Misión Imposible’, saga cinematográfica que originó este mismo escritor.

Soderbergh, fiel a su estilo camaleónico y de control absoluto, firma también la dirección de fotografía y el montaje. Su cámara se mueve con calculada frialdad, observando a los personajes desde la distancia, como si el espectador fuera otro espía más en la habitación. La paleta de colores apagados y la composición meticulosa de cada plano refuerzan la sensación de encierro y sospecha constante. El término “Black Bag”, acuñado por el propio director, se convierte en un símbolo potente: es el contenedor de lo que no debe salir a la luz, ya sea una traición profesional o una infidelidad doméstica. Así la película se alza como un retrato fascinante de lo que sucede cuando los secretos ya no caben en una bolsa negra.

A nivel temático, la película se adentra en un terreno poco explorado dentro del género: el impacto del secreto profesional en la vida privada. ¿Qué sucede cuando dos personas que se dedican a mentir profesionalmente intentan construir una relación basada en la verdad? ‘Confidencial’ no busca responder esa pregunta, sino desmenuzarla, enfrentarla y dejar que sus personajes se pierdan en ese dilema.

Fassbender ofrece una interpretación fría, con flema y profundamente perturbadora, mientras que Blanchett brilla con una mezcla de vulnerabilidad, fuerza y amenaza que mantiene al espectador en vilo. Funcionan bien cuando comparten escena pero lo que realmente fascina es la sensación de que, incluso cuando están solos, siempre hay alguien escuchando. Como si la casa que habitan fuese también una especie de sala de interrogatorios.

Lejos de la grandilocuencia de otros thrillers de espías, Soderbergh opta por la sutileza. El suspense aquí se construye a través del lenguaje corporal, los silencios incómodos y los gestos que revelan más que las palabras. La tensión es constante, pero nunca ruidosa; es una película que obliga a observar, a desconfiar y a leer entre líneas. Cuando uno ve filmes como ‘Confidencial’ sabe que el género del espionaje aún puede reinventarse.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de abril de 2025. Título original: Black Bag. Duración: 93 min. País: Reino Unido. Dirección: Steven Soderbergh. Guion: David Koepp. Música: David Holmes. Fotografía: Steven Soderbergh (Peter Andrews). Reparto principal: Michael Fassbender, Cate Blanchett, Gustaf Skarsgârd, Tom Burke, Pierce Brosnan, Marisa Abela, Naomie Harris, Regé-Jean Page, Orli Shuka. Producción: Focus Features, Casey Silver Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, suspense. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/black-bag

Crítica: ‘Grand Theft Hamlet’

En qué plataforma ver Grand Theft Hamlet

Sinopsis

Dos actores en apuros encuentran consuelo a su aislamiento escenificando Hamlet en Grand Theft Auto Online (2013), luchando contra enemigos mientras conectan a través de William Shakespeare.

Crítica

Shakespeare con metralletas y lag existencial

Hay ideas que, en principio, parecen condenadas al desastre: como montar ‘Hamlet’ en medio del videojuego más caótico y desenfrenado que existe. Pero cuando dos actores sin trabajo, con mucho tiempo y pocas certezas, deciden hacer precisamente eso en GTA Online, el resultado es tan inesperado como… conmovedor. ‘Grand Theft Hamlet’ es una mezcla imposible de drama clásico, humor absurdo y caos digital que no debería funcionar, pero lo hace. Y lo hace muy bien.

La gracia está en el contraste. Por un lado, el lenguaje elevado, los dilemas existenciales, la traición, la venganza. Por el otro, jugadores con nombres imposibles, tiroteos aleatorios, coches voladores y momentos troll dignos de la pesadilla de un adolescente sin Wi-Fi. La escena más trágica puede interrumpirse por un NPC cruzando la calle o un desconocido lanzando granadas porque sí. Y aun así, o quizás gracias a eso, la emoción no desaparece. Solo se cuela por las grietas del absurdo.

‘Grand Theft Hamlet’ está plagada de momentos delirantes: actores ensayando a través de micrófonos distorsionados, intentos de hacer monólogos interrumpidos por tiroteos, muertes accidentales provocadas por compañeros de reparto que nunca habían jugado a GTA… Pero debajo de esa capa de gamberrismo hay algo profundamente honesto. No es una parodia, ni una burla a Shakespeare. Es un homenaje raro, sí, pero sincero. Porque incluso cuando la cámara tiembla, el servidor se cae o un avatar hace dab en medio de un soliloquio, hay algo auténtico que se mantiene en pie.

El contexto lo explica todo: pandemia, confinamiento, teatros cerrados, incertidumbre total. ¿Dónde seguir creando cuando el escenario desaparece? En un mundo virtual que parece lo opuesto al teatro, y que sin embargo se convierte en un refugio. Hay algo casi poético en ver a estos dos actores aferrarse a un texto clásico mientras todo lo demás se desmorona. Como si decir “ser o no ser” desde un avatar pixelado fuese una forma de resistir. Y de seguir vivos.

‘Grand Theft Hamlet’ no solo es una marcianada brillante: también es un retrato sincero de lo que significó ese momento extraño que todos vivimos. Es una carta de amor al teatro, al juego, a la necesidad de expresarse incluso cuando todo parece ridículo. Y, por raro que suene, es una de las versiones más humanas de ‘Hamlet’ que se han visto en mucho tiempo. Con o sin lanzacohetes.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Grand Theft Hamlet. Duración: 89 min. País: Reino Unido. Dirección: Sam Crane, Pinny Grylls. Guion: Sam Crane, Pinny Grylls. Música: Jamie Perera. Reparto principal: Sam Crane, Mark Oosterveen, Pinny Grylls, Jen Cohn, Tilly Steele, Lizzie Wofford, Jeremiah O’Connor, Sam Foster, Dipo Ola, Gareth Turkington. Producción: Altitude Film Entertainment, BFI Doc Society Fund, Project 1961, Grasp The Nettle Films, Park Pictures. Distribución: Mubi. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.undiscoveredcountryfilm.com/

Crítica: ‘Los pecadores’

En qué plataforma ver Los pecadores

Sinopsis

En un intento por dejar atrás sus problemáticas vidas, unos hermanos gemelos (Jordan) regresan a su ciudad natal para empezar de cero. Pero van a descubrir que un mal aún mayor los está esperando para recibirles.

“Si sigues bailando con el diablo, un día te seguirá hasta tu casa”.

Crítica

 Una rareza de terror musical hipnótica

Estos días ha sido una gran sorpresa ver como ‘Los pecadores’ ha tenido tanto éxito entre la crítica estadounidense. Se ha dicho de ella que es la mejor película de terror que veremos este año. Hemos tenido la oportunidad de verla y aunque no soy tan entusiasta de deciros que es perfecta, si que me ha gustado bastante.

‘Los pecadores’ me ha parecido una película extraña, si, esta es la sensación con la que me ha dejado. Y no es algo malo, simplemente que no había visto nada igual. Es una película con varios géneros, pero no están mezclados, no, sino que se divide en varias partes y podemos encontrar, un thriller, un drama y el terror de la noche.

La primera parte de la película es la que quizás sea un poco más pesada, no por el contenido, si no por su larga extensión, ya que estamos una hora y media en la que vamos conociendo a todos los personajes. Los hermanos gemelos Smoke y Stack regresan a su ciudad natal para abrir un nuevo local de blues. En una época en la que supuestamente ya ha desaparecido el Ku Klux Klan, quieren celebrar que pueden ser libres de hacer lo que quieran. Para ello van poco a poco reclutando a viejos amigos y amores para poder inaugurar esa misma noche su nuevo local. Esto me ha recordado, salvando las distancias, a ‘The Blues Brothers’.

Todo esto con música, no llega a ser musical, pero sí que en la parte de la película en la que por fin tenemos monstruos, la música es totalmente necesaria. Y esto hace que tengamos bailes delirantes, llenos de fuego, con música irlandesa y blues que hace que todo sea raro e hipnótico. Este fragmento de la cinta, sin duda es el que más me ha gustado, ya que está tan bien rodado e interpretado.

El trabajo de Ludwig Göransson me parece maravilloso, logra una banda sonora tremenda. Esa música tan necesaria en esta película llena de leyendas. Pero no solo encontramos blues, o como he comentado música irlandesa, si no que en los momentos en los que tenemos acción y muerte entra música como de las películas de terror de los 80. Y aunque es una mezcla muy loca, funciona perfectamente.

Ryan Coogler, es el encargado del guion y de la dirección de la película, el director de ‘Creed’, regresa con una cinta peculiar y por supuesto en la que nos muestra su preocupación con el problema racial.

Michael B. Jordan, es el encargado de dar vida a estos dos gemelos que vienen a poner patas arriba la noche de esta ciudad. Miles Caton, nos demuestra su gran valía en la música y la canción, y es que tiene una voz muy potente. También tenemos a Jack O’Connell, con un villano con bastante mala leche.

Junto a ellos tenemos a Saul Williams, Tenaj L. Jackson, David Maldonado, Yao, Sam Malone, Li Jun Li, Wunmi Mosaku, Delroy Lindo, Jayme Lawson, Hailee Steinfeld y Omar Benson Miller. Todos ellos estupendos.

No tengo mucho más que comentar, creo que ‘Los pecadores’ va a crear opiniones muy variadas y saldrá gente de las salas de cine a las que les encantará y a otros a los que no, pero sin duda, es una película disfrutable y de la que se puede hablar al salir del cine por todos los temas que nos da. Además cuenta con dos escenas postcréditos.

Ficha de Los pecadores

Estreno en España: 16 de abril de 2025. Título original: Sinners. Duración: 137 min. País: Estados Unidos. Dirección: Ryan Coogler. Guion: Ryan Coogler. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Autumn Durald. Reparto principal: Michael B. Jordan, Hailee Steinfeld, Wumni Mosaku, Jayme Lawson, Omar Benson Miller, Delroy Lindo, Jack O’Connell, Lola Kirke, Li Jun Li, Gralen Bryant Banks, Deneen Tyler, Yao, Percy Bell. Producción: Proximity, Warner Bros. Distribución: Warner Bros Pictures. Género: Terror, drama, thriller. Web oficial.

Crítica: ‘Warfare’

En qué plataforma ver Warfare

Sinopsis

Tiempo de guerra introduce al espectador en la experiencia de un pelotón de Navy SEALs estadounidenses. Concretamente en una misión de vigilancia que se tuerce en territorio insurgente. Una historia visceral y a pie de campo sobre la guerra moderna y la hermandad, contada como nunca antes: en tiempo real y basada en los recuerdos de quienes la vivieron.

Crítica

‘Warfare’ no quiere que disfrutes: quiere que sobrevivas

Alex Garland siempre ha tenido inquietudes por el comportamiento y la experiencia militar. Desde el tercer acto de ‘28 días después’ hasta su último y maltratado peliculón, ‘Civil War’. ‘Warfare’, la más reciente película co-dirigida entre Alex Garland y Ray Mendoza, nos sumerge en las profundidades de un conflicto bélico de manera que parece casi hecho para verse con gafas de realidad virtual. Está claro que A24 vio en este proyecto una nueva propuesta original que agregar a su catálogo.

‘Warfare’ ofrece una representación cruda y realista de la guerra de Irak en 2006. Para ello se basa en un lance real vivido por el propio Mendoza, y sus ex compañeros Navy SEALs, los cuales han estado estrechamente implicados en el rodaje. La película sigue a un pelotón de soldados estadounidenses en una misión de vigilancia durante la batalla de Ramadi (la misma ciudad en la que operó el protagonista de ‘El francotirador’) que desemboca en un enfrentamiento devastador, en un asedio como los que hemos visto en películas como ‘Black Hawk Down’, ‘The outpost’ o ‘13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi‘. Lo que distingue a ‘Warfare’ es su enfoque en tiempo real y su estética casi de metraje encontrado, sumergiendo al espectador en el caos, la confusión y el terror que caracterizan la vida de un soldado. Este no es uno de esos films en los que una bomba va a estallar en un minuto y la escena dura cinco. Experimentamos los tiempos tal y como se narran, transmitiendo con ello el mismo agobio y urgencia de aquellos que vivieron esta historia. Esta elección estilística busca desmitificar la guerra, alejándose de la glorificación y presentando una visión más auténtica y despojada de adornos. En una época de guerras como la que vivimos, en la que se habla de rearmes y vuelta del servicio militar obligatorio, surge este filme que es completamente disuasorio. Aunque su guión transcriba las vivencias de auténticos soldados, pertenezca al género bélico y parezca militar en su sinopsis se suma a ese alegato antibelicista que mantiene Alex Garland. Desde luego lo veo como buen material para mostrar a alguien que alentado por videojuegos o por algún tipo de fanatismo quiera sumarse a cualquier fuerza armada.

El elenco está compuesto por un lujo de actores de esos que apuntan a estrellas del mañana. ‘Warfare’ se alza como uno de esos títulos que recordaremos en el futuro como alineación de lujo. Joseph Quinn, Will Poulter, Michael Gandolfini, D’Pharaoh Woon-A-Tai o Cosmo Jarvis ofrecen entre todos interpretaciones que capturan la vorágine y el desgaste psicológico de los combatientes. En otras palabras, el por qué una guerra te deja sonado. Cuando salgáis del cine no vais a destacar a ninguno en concreto ya que este es un trabajo en equipo, entre todos contribuyen a un caos la mar de efectivo. Ninguno desarrolla argumentos narrativos, políticos o éticos, sino que están al servicio de una reflexión sobre la brutalidad del combate. Y por supuesto también se muestran como herramientas de un lienzo que a través de plasmar muchas debilidades conforma un autorretrato.

La colaboración entre Garland y Mendoza es fundamental para la autenticidad de ‘Warfare’. Mendoza aporta su experiencia directa en combate, mientras que Garland, conocido por explorar temas contemporáneos en sus obras, contribuye con su visión cinematográfica distintiva. Esta sinergia busca ofrecer una representación honesta y respetuosa de las experiencias de los soldados en el campo de batalla. Tal es así que la crudeza de algunas de sus imágenes me hace recomendártela solo si tienes cierta edad apta para ver vísceras y dolor.

Es interesante olvidar por un momento al Garland de la ciencia ficción o el terror y analizar su relación con el ejército a lo largo de su filmografía. En ‘Civil War’, Garland aborda el impacto del conflicto en periodistas, soldados y la sociedad en general, evitando sensacionalizar la violencia y enfocándose en las consecuencias humanas de la guerra o los fanatismos en un terreno a priori “civilizado”. Antaño, cuando escribió ‘28 días después’, presentó a unos militares que se convierten en un enemigo peor que los propios zombies, mostrando que algunas personas están corrompidas en vida. En ‘Warfare’ muestra un lado más humano, ensuciándole el rostro y destripando a unos jóvenes que maduran y sufren un guantazo de realidad a base de obuses y balazos del calibre 7,62 mm. En resumidas cuentas, parece querer decirnos que los malos no son los militares con sus mentes bombardeadas, sino los ejércitos y las ideas que se supone que hay tras ellos.

Es innegable que Mendoza y Garland han creado una obra fruto del entendimiento mutuo que invita a la reflexión sobre la naturaleza de la guerra y sus efectos en quienes la viven de cerca. En resumen, ‘Warfare’ se presenta como una pieza cinematográfica que desafía las convenciones del cine bélico, ofreciendo una mirada sin filtros a la realidad del combate. Y lo hace de un modo sencillo, hasta tal punto que si yo fuese cineasta ahora mismo estaría exclamando “¡¿Por qué no se me ha ocurrido a mí esto?!”.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de abril de 2025. Título original: Warfare. Duración: 95 min. País: Reino Unido. Dirección: Alex Garland, Ray Mendoza. Guion: Alex Garland, Ray Mendoza. Fotografía: David J. Thompson. Reparto principal: Joseph Quinn, Michael Gandolfini, Joe Macaulay, Henrique Zaga, D’Pharaoh Woon-A-Tai, Will Poulter, Kit Connor, Noah Centineo, Taylor John, Smith, Adain Bradley, Cosmo Jarvis, Charles Melton. Producción: A24, DNA Films. Distribución: A24. Género: drama bélico. Web oficial: https://a24films.com/films/warfare