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Críticas de los estrenos cinematográficos más destacados.

Crítica: ‘La Bella y la Bestia’

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Sinopsis

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 Bella es una joven que vive con su padre, un peculiar inventor, en un pueblecito de Francia. Un día, su padre se pierde en el bosque y acaba buscando cobijo en un castillo que parece abandonado. Sin embargo, los habitantes del castillo siguen dentro, pero transformados en objetos por una maldición, su amo es ahora una temible bestia. Bella se intercambiará por su padre para que pueda escapar, y quizás pueda convertirse en la única capaz de que se rompa el maleficio.

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Crítica

‘La Bella y la Bestia’ llega con mucha música y fuerza visual, pero con falta de carisma.

He de decir, antes de comenzar, que soy una gran fan de la película de dibujos animados, me encanta y la sigo disfrutando igual que cuando era pequeña, así que realmente esperaba mucho el estreno de esta versión.

Bueno, comencemos, ya no hay vuelta atrás, vista la película solo tengo que decir que me ha decepcionado un poco, no os equivoquéis, me ha gustado, pero me ha faltado fuerza y carisma a una película que lo podría haber tenido todo.

La película tiene muchísimas cosas buenas, vestuario, decorado, la música, los actores, todo, realmente todo, pero dentro de este todo hay muchos detalles que fallan. Sobre todo y lo que más me ha fallado es la falta de fuerza, muchas veces los personajes parecían muy apagados, y no solo a los personajes animados me refiero, Emma Watson, lo hace bien, canta bien, se mueve bien, pero le falta fuerza a su Bella. Bella es una persona dura y testadura, aquí muestran mucho más su lado frágil, que también lo tiene, pero creo que deberían de haber jugado más con su terquedad, más bien me ha parecido un personaje bastante soso.

En general los actores están bastante apagados, pero no todo va a ser malo, ya os he dicho que la película me ha gustado mucho, pero que sí es verdad, que hay cosas que no. En cuanto al doblaje de los personajes animados me ha encantado el doblaje de Ewan McGregor, su rudo acento escocés ha dejado paso a un acento francés bastante cuidado. Emma Thompson también está estupenda como la señora Pops. En cuanto al resto que decir, Sir Ian McKellen, Gugu Mbathan-Raw, Stanley Tucci… y por supuesto una mención especial para Dan Stevens, que escondido bajo la apariencia de la Bestia, hace una actuación más que aceptable.

En cuanto a la historia, nos muestran a la madre de Bella, un poco de la infancia de Bestia y el origen de Gastón, realmente creo que ha sido una manera de alargar la película, pero tampoco hace daño ni llega a aburrir.

Otro de los puntos a favor, son las canciones y su música, sigue siendo la misma pues es el mismo autor, Alan Menken, pero, si ya os he dicho que le he encontrado muchos peros, han añadido demasiadas canciones mal, no todas me sobran, también os digo, pero si que alguna me parece que no hacía falta.

Y hablando de los elementos técnicos, no está mal realizada, pero sí que el CGI es de peor calidad, por ejemplo, que ‘El libro de la selva’, pero no le quita espectacularidad a la cinta. Uno de las cosas que más me han gustado ha sido el vestuario, en general de todos, está muy bien escogido. Y los decorados, nos llevan a la época rococó francesa, extravagante y exagerada, lo han realizado bastante fiel a los castillos de aquella época.

Realmente merece mucho la pena el visionado de ‘La bella y la bestia’, sí, no es para nada como la de animación, pero es una cinta que tanto mayores como pequeños van  disfrutar.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de marzo Título original: Beauty and the Beast Duración: 123 min. País: Estados Unidos. Dirección: Bill Condon. Guión: Stephen Chbosky, Evan Spiliotopoulos. Música: Alan Menken. Fotografía: Tobias A. Schliessler. Reparto principal: Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Emma Thompson, Ewan McGregor, Ian McKellen, Kevin Kline, Josh Gad, Audra McDonald, Gugu Mbatha-Raw, Stanley Tucci, Hattie Morahan, Adrian Schiller, Chris Adrew Mellon. Producción: Walt Disney Pictures, Mandeville Films. Distribución: Walt Disney Género: Musical, romance

Crítica: ‘Imperium’

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Sinopsis

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Nate Foster (Daniel Radcliffe) decide aceptar el encargo de su superior, la agente del FBO Angela Zamparo (Toni Collette) trabajando encubierto para encontrar y detener a un grupo de supremacistas blancos sospechoso de preparar acciones terroristas. Nate, tendrá que entrar en una banda de la ultraderecha para conocer a sus miembros y qué es lo que se proponen. Su historia está basada en la vida de Michael German, quien pasó muchos años infiltrado dentro de grupos neo-nazis estadounidenses.

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Crítica

Una historia muy reciente e interesante. 

Daniel Ragussis nos trae la historia del Michael German, que además juntos han escrito el guión. Un agente del FBI se infiltra para poder desarticular posibles atentados de supremacistas blancos.

Lo curioso de la cinta, es que te muestran otra cara, no solo un tipo de terrorismo, sino otra parte, en la que los supremacistas blancos están al borde  de comenzar a hacer ‘eventos’, vamos ataques terroristas para demostrar que están ahí.

Daniel Radcliffe de nuevo se nos presenta innovando, con un papel diferente y como siempre bordándolo.

Realmente ‘Imperium’ la veo con una cinta sin pretensiones, que simplemente quiere contarnos una historia que está ahí, y realmente lo consigue, además de atraer en sí solo la historia, te engancha.

En mi opinión, lo que le falta es un poco de fuerza, pues ya que se infiltra en bandas de neonazis, no se mete en peleas, no recoge la fuerza o la ira que podemos ver en cintas como en ‘American History X’. Aunque también es verdad que te muestran no solo el lado violento de estas bandas sino el lado intelectual. Los que están en la cumbre y mueven hilos para el adoctrinamiento.

Como son familias de bien, profesores, ingenieros, trabajadores normales y corrientes con sus ideas claras, que les da igual lo que les tenga que pasar para hacer llegar su mensaje.

Para ser la primera cinta de Daniel Ragussis, nos ha dado una película muy interesante, con una historia muy actual, por mucho que no la veamos, sobre todo en Estados Unidos está ahora muy de auge por la entrada de Trump en la Casa Blanca.

Muy recomendable para saber un poco del tema, disfrutar de las actuaciones y la historia que cuentan.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de marzo Título original:  Imperium. Duración: 109 min País: Estados Unidos Dirección: Daniel Ragussis. Guión: Michael German, Daniel Ragussis. Música:  Will Bates. Fotografía: Booby Bukowski. Reparto principal: Daniel Radcliffe, Toni Collette, Burn Gorman, Nestor Carbonell, SAm Trammell, Chris Sullivan, Tracy Letts, Linc Hand, Seth Numrich, Pawel Szajda, Jasson Finney, Devin Druid, Scott Christopher Kelly, Jennifer Marshall, Michael Aaron Milligan. Producción: Atomic Features, Green-Light International, Sculptor Media. Distribución: VerCine. Género: Drama. Web oficial: http://www.vercine.org/ficha/e/256/0/283/imperium.html

Crítica: ‘Your name’

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Sinopsis

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Ha pasado un mes desde que un cometa que vista la Tierra cada mil años se avistara desde Japón. Mitsuha es una estudiante que se lamenta de su vida en el campo junto a su hermana pequeña, su abuela y su padre, un político al que nunca ve. Detesta las pintorescas costumbres de su familia y sueña con el maravilloso estilo de vida de los habitantes de Tokyo. Por su parte, Taki es un estudiante que vive en Tokyo, tiene un trabajo a tiempo parcial en un restaurante italiano y necesita alejarse de su familia. Una noche, Mitsuha sueña que es un chico de Tokyo y Taki sueña que es una chica que vive en el campo ¿Cuál es el secreto que se oculta tras los sueños de dos personas que a pesar de que no se conocen de nada parecen buscarse desesperadamente?

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Crítica

‘Your name’ es divertida, mágica y visualmente impresionante.

Os hablamos de la ganadora de Sitges a la mejor película de animación, que se estrena el 7 de abril en España.

Sin duda alguna una de las mejores cintas de animación del 2016, como todo, no es perfecta, pero sí que sus pocas pegas son tan mínimas que casi se podría decir que si que llega a la perfección.

Dos estudiantes descubren de un día a otro que se intercambian los cuerpos, ambos se ayudan mediante notas y mensajes que se van dejando tanto en papel como en el móvil. Poco más puedo contar, pues os estropearía la trama y os quitaría todo el misterio de la película.

Lo más impactante de esta película es sin duda la animación, increíble, el uso de la luz en las imágenes es impresionante y hace que todos los paisajes que aparecen en la película se conviertan en un protagonista más, que al fin y al cabo, es así, pues una de las cosas en las que más se incide es en las diferencias que tienen ambos personajes al vivir en distintos ambientes.

Otro de los puntos a su favor, es el tema musical, la banda sonora es muy buena, pop japonés, pero tampoco es histriónico como puede pasar en muchos animes, te adentra en la historia y no te la recarga. La música viene de la mano del grupo japonés Radwimps.

He de reconocer que iba predispuesta a ver una cinta un tanto ñoña, pero para nada me ha resultado así. Si, tiene un poco de romanticismo, pero no es exacerbado, sino que va poco a poco.

De lo que sí peca, como pasa en la mayoría de series o películas japonesas es de alargar el final de una manera innecesaria. Pues se podría haber cerrado de una manera más rápida y sin tantos giros.

Pero bueno, para mí es solo ese el fallo de la cinta, el resto me parece impecable, es más, me ha encantado el tono de humor que tiene cuando ambos personajes se adentran en el cuerpo de otro, un humor un tanto infantil según quien lo mire, pero sin duda para mí muy divertido.

Makoto Shinkai, nos deja una cinta llena de magia, diversión y un poquito de historia de la cultura japonesa. No dudéis en ir a verla. Aunque es una gran pena que no se estrene en muchas salas de cine, pero intentad aprovechar y verla en una sala de cine, merece muchísimo la pena.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de abril. Título original: Kimi no na wa. Duración: 106 min. País: Japón. Director: Makoto Shinkai. Guión: Makoto Shinkai. Música: Radwimps. Fotografía: Masashi Ando. Reparto principal: Animación (Doblaje internacional) Ryûnosuke Kamiki, Mone Kamishiraishi, Ryô Narita, Aoi Yuki, Nobunaga Shimazaki, Kaito Shikawa. Producción: CoMix Wave Films.  Distribución: Selecta Visión. Género: Animación. Web oficial: http://yournamethemovie.co.uk/

Crítica: ‘El Bar’

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Sinopsis

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Nueve de la mañana: un grupo de personas absolutamente heterogéneo desayuna en un café en el centro de Madrid. Uno de ellos tiene prisa: al salir por la puerta, recibe un disparo en la cabeza. Nadie se atreve a socorrerle. Están atrapados.

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Crítica

Un bar para hacer feligreses de De la Iglesia.

Ya podemos irnos de bares al cine porque Álex de la Iglesia nos ha puesto uno en las carteleras. Aunque el hecho de que se titule o transcurra en un bar no tiene nada que ver con el desarrollo de los acontecimientos. Ese tipo de establecimiento solo sirve como punto de reunión para un reparto coral muy potente formado por nombres tan conocidos como Blanca Suárez, Mario Casas, Secun de la Rosa, Jaime Ordóñez, Carmen Machi, Terele Pávez, Joaquín Climent y Alejandro Awada.

Estamos ante el que puede ser el papel más introvertido de Casas, nada que ver con lo que le hemos visto últimamente en ‘Toro’ o ‘Contratiempo’. Blanca Suárez ha elegido trabajar de nuevo con De la Iglesia entre serie y serie para realizar un papel que la destaca como una de las principales protagonistas. Carmen Machi está como siempre magnífica mezclando drama y comedia, como ya pudimos ver en ‘La puerta abierta’, pero con un rol muy distinto. Terele Pávez y Secun de la Rosa ya saben lo que es trabajar con este director y demuestran su sintonía con él actuando muy compenetrados. Sin duda las interpretaciones de Joaquín Climent y Alejandro Awada son dignas de mención pero de toda la película quien más me ha parecido que despunta es Jaime Ordóñez. Su trabajo como mendigo se come al del resto y va a dejar pasmado a más de uno. Tanto por su toque demente como por su agresividad. Ni le vais a reconocer ni querríais conocer a su lunático personaje.

Los clientes del bar El Amparo irónicamente se quedan desamparados ante una situación desconcertante y ahí comienza el misterio y el peligro, que no ha de venir precisamente del exterior. Y aunque a mí personalmente las imágenes de los créditos ya me habían dado una pista demasiado grande de lo que estaba por venir, su historia me ha generado interés hasta cierto punto. Álex de la Iglesia ha sabido hacer de casi todos los personajes un sospechoso diferente en cada momento, generando así distintos tipos de coyunturas. Como en otros thrillers famosos juega a conveniencia con el desconocimiento, los prejuicios, la desconfianza y el miedo. Irremediablemente también hace uso de la comedia y la sátira. Todo para sacar a relucir los peores instintos y reacciones del ser humano. Con el director bilbaíno tenemos asegurada una visión del esperpento que pasa ante nuestros ojos cada día y que casi nadie quiere vislumbrar, aunque en esta ocasión lo haga más contenidamente.

Lo cierto es que esta sería una película muy fácil de trasladar al teatro. Posee solo tres localizaciones y además nos dividen la película en tres etapas muy reconocibles. Digamos que el filme comienza con suspense y pasa a través de una parte claustrofóbica para acabar como un survival horror. Todo ello aderezado con un humor que se va diluyendo.

Si soy sincero he de reconocer que últimamente no me convencía la manera de Álex de la Iglesia para cerrar sus películas. En esta ocasión, sin realizar un final memorable, me ha dejado satisfecho. Aunque su último tramo esté quizá algo estirado y resulte tópico nos puede valer. No esperéis un final esclarecedor ni directo. La conclusión se puede formar con el conjunto de cosas que se dicen y pasan durante la película. Lo más reconocible del director en ‘El bar’ es que conforme nos acercamos a la finalización del filme el relato se va transformando en un descenso a la locura. Acaba rozando el frenesí pero se queda algo desfogado.

Si tengo deciros rasgos por los que deberíais ver la película en el cine os destacaría la interpretación ya mencionada de Ordóñez y el juego de desconfianzas del guión de Álex de la Iglesia.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2017. Título original: El bar. Duración: 102 min. País: España. Director: Álex de la Iglesia. Guión: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría. Música: Carlos Riera, Joan Valent. Fotografía: Ángel Amorós. Reparto principal: Blanca Suárez, Mario Casas, Secun de la Rosa, Jaime Ordóñez, Carmen Machi, Terele Pávez, Joaquín Climent, Alejandro Awada, Jordi Aguilar, Diego Braguinsky y Mamen García. Producción: Pokeepsie Films, Nadie es perfecto PC. Distribución: Sony Pictures. Género: thriller, comedia. Web oficial: http://elbarlapelicula.com/

Crítica: ‘Los Hollar’

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Sinopsis

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En este reconfortante drama con toques de comedia, John Hollar se ve obligado a dejar un trabajo sin futuro en Nueva York para volver a su ciudad natal del centro de los Estados Unidos cuando a su madre se le diagnostica una enfermedad. Sin su novia a punto de dar a luz, a la que no le está permitido viajar, John se ve obligado a navegar a solas en la loca vida que dejó atrás, cuando su familia disfuncional, su rival del instituto y su ex novia vuelven a entrar en su vida.

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Crítica

Sencilla y sentimental.

Krasinski es bien popular por sus papeles como actor, como el que hizo en ‘The Office’ o en ‘Tierra prometida’. Pero como director también había formado parte de algún proyecto ya que dirigió algún episodio de mi amada ‘The Office’ y también la comedia ‘Brief Interviews with Hideous Men’. Ahora utiliza su habitual pillería para engatusarnos. Nos ha brindado una comedia dramática en la cual sabe cuando aplicar humor y cuando drama, de ese modo procura hacernos reír o intentar robarnos una lagrimilla.

La historia de basa en mostrarnos a una familia disfuncional, que suena a tópico, pero la película funciona. Esa disfuncionalidad de este grupo de personas es lo que nos hace reír. El problema que camuflan bajo capas de amor y risas es lo que nos trae a la tragedia. Tanto en los momentos de humor como en los de desgracia predomina el tono sensiblero. Esto se debe a que los principales temas que se tratan son la reconciliación y la necesidad de abrirse a los demás.

‘Los Hollar’ es una película muy candorosa. La música resulta muy sensible y abraza al espectador haciéndole sentir parte de la familia Hollar. Pero quizá la pega para esta película sin grandes pretensiones sea que tenga un fragmento en su parte central que resulta monótono. Durante esos minutos no percibimos progresos en la historia y parece algo estancada.

Por suerte dispone de un reparto rentable y bien elegido. Pese a no disponer de grandes estrellas hay un elenco del que podemos decir que son de esos actores a los que todos le tenemos cariño. El propio Krasinski la protagoniza acompañado de Shartlo Copley, Anna Kendrick, Richard Jenkins, Margo Martindale… El mejor en lo que se refiere a la parte humorística de este filme es Shartlo Copley. Ya ha demostrado que se le dan bien los papeles absurdos pero aquí nos da un plus interpretando a un hombre trágico o incluso patético. Quien más nos une al drama es Richard Jenkins, que ejerce de marido y padre de esta familia con claros problemas de comunicación.

En este segundo filme de Krasinski como director nos encontramos con escenas predecibles pero también con momentos inesperables. Demuestra el estadounidense saber dirigir y también conocer cuales son las cotas de ambición que puede alcanzar.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de marzo de 2017. Título original: The Hollars. Duración: 88 min. País: EE.UU. Director: John Krasinski. Guión: James C. Strouse. Música: Josh Ritter. Fotografía: Eric Alan Edwards. Reparto principal: Shartlo Copley, Charlie Day, Josh Groban, Richard Jenkins, Anna Kendrick, John Krasinski, Margo Martindale, Randall Park, Mary Elizabeth Winstead. Producción: Groundswell Productions, Sunday Night, Sycamore Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.sonyclassics.com/thehollars/

Crítica: ‘El fundador’

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Sinopsis

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El Fundador cuenta la verdadera historia de cómo Ray Kroc (Michael Keaton), conoció en 1950 a los hermanos Mac y Dick McDonald, quienes llevaban una hamburguesería al sur de California. Impresionado por la velocidad de su sistema de cocina, Kroc visualizó el potencial de la franquicia y hábilmente se fue posicionando para crear el que es, a día de hoy, el conocido y multimillonario imperio de comida rápida.

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Crítica

Un american way of life demasiado light.

Ray Kroc es el protagonista de la nueva película protagonizada por Michael Keaton. La persona que fundó el imperio McDonald’s puede ser ahora más conocida gracias a este largometraje que nos trae Diamond Films a España. John Lee Hancock nos dibuja a un fundador de McDonald’s avaro, oportunista y crápula. Un hombre sin ideas originales, con mucho empeño eso si, pero que coge de aquí y de allí para construir su sueño. El nombre de El Fundador está bien elegido ya que si bien él no creo ni el restaurante ni su funcionamiento, fundó la cadena de franquicias. Su relato, el que nos transmite Hancock, está cargado de suertes y casualidades.

Pero para ser una película sobre el mayor representante del fast food se cocina muy a fuego lento. No me explico cómo hemos llegado al punto de necesitar siempre en torno a dos horas para contar una historia. Esto pasa por desgracia con la mayoría de películas que se estrenan y ‘El Fundador’ no es una excepción. Es muy interesante descubrir (al menos en mi caso por que no conocía la historia al completo) cómo se hizo con aquello que Dick y Mac McDonald crearon. Cómo poco a poco pasa por encima de los artífices de la idea original para hacer crecer no solo su negocio si no también su nombre. Su apellido se escribe casi como cocodrilo en inglés (Croc) y como si se tratase de ese depredador devoró los sueños, principios y aspiraciones de los McDonald. El largometraje centra buena parte de su duración en mostrar las inquietudes, miedos e intrigas personales del señor Kroc, lo cual no se que base o fundamento puede tener. El valor de este film, su mayor atractivo, reside en conocer la historia de la franquicia , sus tesituras personales están un poco de más.

Los fans de Michael Keaton se encontrarán aquí a su versión más contenida y menos arrolladora o alocada. El actor está plenamente reconocible, no hace su típico personaje histriónico pero es él, sin maquillaje ni cambios en su físico. Mérito suyo y del guionista Robert D. Siegel es que iniciemos el filme deseándole lo mejor y lo terminemos despreciándole. Al menos comprobamos al final del filme que su interpretación es cercana a como era realmente Ray Kroc. Porque para aquellos que no conozcan la figura del difunto dueño de los restaurantes se muestran imágenes reales, en formato de foto y vídeo.

Se salvan las interpretaciones de Nick Offerman y John Carroll como los sufridos hermanos McDonald. Sin conocer su vida personal en detalle, solo su relación con el mundo de la hostelería, nos aportan el contrapunto a la cadena de restaurantes. La lucha del hombre de a pie contra el progreso y la civilización consumista que aplasta al pequeño empresario. Para colmo acaban siendo víctimas de una gran injusticia fruto de su ingenuidad  y estos dos actores la transmiten muy bien.

Aunque las localizaciones y los escenarios recrean fielmente a la realidad transcurrida en los cincuenta nos topamos con que el montaje y el rodaje de la película no tienen nada del otro mundo. Este es un relato basado en una historia real y sobre una de las compañías más famosas del mundo. De ahí que podemos decir que los hechos son curiosos e incluso interesantes, pero la película, como obra de arte, no lo es tanto.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: The Founder. Duración: 115 min. País: EE.UU. Director: John Lee Hancock. Guión: Robert D. Siegel. Música: Carter Burwell. Fotografía: John Schwartzman. Reparto principal: Michael Keaton, Laura Dern, Nick Offerman, Linda Cardellini, Patrick Wilson, B.J. Novak, John Carroll Lynch, Lauren Denham, Catherine Dyer, Ric Reitz, Wilbur Fitzgerald, Valeri Rogers, David Silverman, Abbey Ferrell, Tracy Goode, Franco Castan. Producción: FilmNation Entertainment, The Combine. Distribución: Diamond Films. Género: biográfica, drama. Web oficial: http://thefounderfilm.com/

Crítica: ‘Seoul Station’

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Sinopsis

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Precuela animada de la película ‘Train to Busan’. Durante la noche en Seúl los mendigos se refugian en la estación central. Algunos presentan síntomas extraños. Rápidamente aparecen zombies y una joven que ha roto con su novio se encuentra con ellos. Su padre y su ex-novio intentarán rescatarla.

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Crítica

Un anime de los que te animan a ver animación.

Al igual que con otras películas sobre zombies (o infectados) que no transcurren en los Estados Unidos, como ‘[Rec]’ o ’28 días después’ el cambio de localización trae consigo también un cambio de concepto o tratamiento. Esta película, considerada precuela de la fantástica ‘Train to Busan’, nos aporta una nueva visión sobre un conflicto con personas zombificadas. Ambas funcionan como películas independientes pero ver los dos largometrajes nos aporta una visión más completa de esta especie de universo que ha iniciado Yeon Sang-ho.

La zombificación de la mente humana es un hecho real para el director coreano que nos arroja no solo ante muertos vivientes devoradores de personas si no ante humanos vivos aletargados y anestesiados por la civilización actual. Se retrata a un ser humano egoísta, ciego ante las desgracias de sus semejantes e incluso clasista. Al igual que en ‘Train to Busan’ Sang-ho plasmó el carácter o su opinión de la sociedad de Corea del Sur. No nos infunde mucha confianza o esperanzas hacia su gente pero es algo que ya hemos podido observar en otros cineastas del género.

Quizá el hecho de que sea animada le reste terror o la posibilidad de que nos metamos más en la historia. Pero si consigue trasladar sensación de agobio y desesperación. Los momentos de tensión son fácilmente reconocibles y en ocasiones se logra bastante espectacularidad. Innovar actualmente con la animación es muy relativo, pues se acaba por entender como innovación al despliegue de medios o la aproximación de esta a la imagen real. ‘Seoul Station’ está más cerca de los animes tradicionales pero con lo que sorprende es con sus movimientos de cámara, su fluidez y su bien escogida estética.

Pese a todo lo explicado lo que da lástima es que se queda en una historia demasiado aislada, en algo meramente episódico. Quizá por no querer ampliar sus fronteras más allá de Seúl carece de magnitud y grandiosidad. Pero si como he dicho antes nos la tomamos como apertura para ‘Train to Busan’ nos puede satisfacer.

En resumen, con lo que me quedo es con su giro final y con que resulta diferente al ofrecernos animación y zombies en Corea del Sur uniendo talento y originalidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2017. Título original: Seoul Station. Duración: 92 min. País: Corea del Sur. Director: Yeon Sang-ho. Guión: Yeon Sang-ho. Música: Young-gyu Jang. Producción: Finecut, Studio Dadashow. Género: animación, fantasía, terror.

Crítica: ‘La vida de Calabacín’

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Sinopsis

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Calabacín es un nombre extraño para un niño de 9 años, aunque su historia es sorprendentemente universal. Tras la repentina muerte de su madre, Calabacín se hace amigo de un simpático policía, Raymond, que lo acompaña a su nuevo hogar de acogida con otros huérfanos de su edad. Calabacín lucha al principio por adaptarse al extraño y hostil ambiente. Con la ayuda de Raymond y de sus nuevos amigos, Calabacín aprenderá a amar y a confiar en los otros.

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Crítica

Un cuento para nada pueril.

Salida de una novela de Gilles Paris nos llega esta obra que ha sido adaptada por Céline Sciamma. Esta guionista puede que os suene pues recientemente os hemos hablado de otro trabajo suyo, bastante menos exitoso, con el título ‘Cuando tienes 17 años’. De nuevo se ha sumergido en una obra que habla de los miedos e inquietudes de personajes jóvenes, del auto descubrimiento y los cambios de la vida, la novela le viene como anillo al dedo. Con el mensaje que transmite y la temática que trata no es de extrañar que haya estado nominada al Oscar y que incluso muchos la tuviesen en sus quinielas como ganadora, pero ya sabemos lo que ocurre siempre con las películas de animación en la Academia. Tras ver esta y apostar por ‘Kubo y las dos cuerdas mágicas’ sigo sin explicarme cómo se siguen eligiendo ganadoras como ‘Zootrópolis’.

‘La vida de Calabacín’ es una historia con más trasfondo del que parece. A priori podría parecer un episodio de una serie infantil emitida en cualquier canal digital. Pero la narración rápidamente nos descubre una historia bastante dura, que por mucho que se endulce está lejos de estar preparada para mentes jóvenes. Nuestros protagonistas son personajes de nueve años, por lo tanto dicen y hacen cosas iguales que unos niños reales de nueve años. Ese realismo es el que puede herir la sensibilidad de un niño real. Las conversaciones casi adultas y las historias de cada niño son las que me hacen advertiros de que este pequeño filme no me parece apropiado para vuestros hijos e hijas que ronden los diez años. El mérito de Paris, y por extensión del director Claude Barras, es el de conseguir meter de tapadillo un drama potente en una película tan aparentemente inocente.

Este es un largometraje realizado en stop motion, con sus luces y sombras. El diseño de los personajes apoya el argumento que empleaba sobre el drama oculto. Su aspecto claramente simpático, ingenuo y colorido esconde expresiones lúgubres y tristes. Muy bien planteado el aspecto del filme, pero en ocasiones choca su peculiar toque con el realismo de algunos objetos.

Pese a ser un dramón mezclado con momentos cómicos que hacen que salga más a flote nuestra sensibilidad considero que en el fondo y a fin de cuentas la historia es muy simplona y sencilla. Y por eso yo personalmente le resto valor a la obra.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de febrero de 2017. Título original: Ma vie de Courgette. Duración: 66 min. País: Suiza. Director: Claude Barras. Guión: Celine Sciamma. Música: Sophie Hunger. Reparto principal: Gaspard Schlatter, Sixtine Murat, Paulin Jaccoud. Producción: Rita Productions, Blue Spirit Animation, Gébéka Films. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: animación, drama, comedia. Web oficial: http://laaventuraaudiovisual.com/la-vida-de-calabacin/

Crítica: ’31’

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Sinopsis

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De la mente visionaria del hombre que nos trajo ‘La Casa de los 1000 cadáveres’, ‘The Devil’s Rejects’ y ‘Halloween’ viene la horrible historia de cinco trabajadores de carnaval que son secuestrados la noche anterior a Halloween y hechos rehenes en un gran recinto.

A merced de sus captores, se ven obligados a jugar a un retorcido juego de vida o muerte llamado 31. Por las próximas 12 horas deben luchar por sus vidas contra un desfile sin fin de maníacos homicidas.

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Crítica

Una simple historia de supervivencia y sangre.

Me parece muy bien que Rob Zombie siga haciendo películas, aunque sea como afición o como complemento a su principal ocupación musical. Sin duda él sí que sabe regalarnos slashers con el sabor de los mejores largometrajes sangrientos y de terror. ’31’ no es una obra excesivamente memorable pero su disfrute es más que evidente, si sabes a lo que vas cuando compras una entrada para verla. Nos regala muertes por doquier y sangre a borbotones, todo lo que aman muchos seguidores del director y del género.

Además, como muchos directores hacen, tiene la costumbre de rodearse de actores que controlan el género y dominan el tono que ha de emplearse en sus interpretaciones, no se ha complicado en contar con alguien que necesite iniciarse en esta materia. Nos acompañan en esta matanza nombres tan míticos como Malcolm McDowell (‘La naranja mecánica’, ‘Halloween, el origen’), Meg Foster (‘Masters del Universo’, ‘Están vivos’), Jeff Daniel Phillips (‘Westworld’, ‘The lords of Salem’) o la esposa del director Sheri Moon Zombie (‘The lords of Salem’, ‘Los renegados del diablo’). Y si siguiese nombrando miembros del reparto seguiríamos encontrando amigos suyos. Es por eso que este es un filme que me recuerda en algunos sentidos a ‘Balada triste de trompeta’, de Álex de la Iglesia. Muchos actores cercanos al director protagonizando una historia deforme y alocada, con algún que otro payaso de por medio.

Pero la historia de Rob Zombie es menos compleja que la del director español. Aquí no hay un trasfondo dramático. Lo que se pretende es mostrar una competición, un juego macabro, que si el director y guionista quisiese podría explotar en más entregas. De igual modo que se ha hecho con ‘Saw’ o ‘Battle Royale’.

Si nos ponemos cinematográficamente estrictos hay dos puntos fuertes y a destacar del filme. Uno de ellos la fotografía, con estampas muy siniestras y sanguinarias nos transporta a un mundo perturbado y corrupto. Y el otro la actuación de Richard Brake, con su desequilibrado personaje que en ocasiones nos puede parecer un Joker sanguinario. Curiosamente es el Joe Chill de ‘Batman Begins’, el asesino de los padres de Batman. Os diría que hay que seguir su carrera pero llevamos años haciéndolo casi sin darnos cuenta pues aparece en películas como ‘Kingsman’, ‘Thor: el mundo oscuro’ o incluso es el Rey de la Noche en ‘Juego de Tronos’. Habrá que prestarle más atención.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de marzo de 2017. Título original: 31. Duración: 102 min. País: EE.UU. Director: Rob Zombie. Guión: Rob Zombie. Música: John 5. Fotografía: David Daniel. Reparto principal: Elizabeth Daily, Malcolm McDowell, Torsten Voges, Daniel Roebuck, Sheri Moon Zombie, Meg Foster, Lawrence Hilton-Jacobs, Devin Sidell, Judy Geeson, Ginger Lynn, David Ury, Esperanza America. Producción: Bow and Arrow Entertainment / Protagonist Pictures / Spectacle Entertainment. Género: terror, slasher. Web oficial: http://robzombie.com/movies/31-movie/

Crítica: ‘Gold’

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Sinopsis

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El ganador del Oscar Matthew McConaughey es Kenny Wells, un fracasado hombre de negocios reconvertido en un moderno explorador desesperado por tener un golpe de suerte. En un último esfuerzo, Wells se asocia con un geólogo con la misma poca fortuna, interpretado por Edgar Ramírez, para ejecutar un plan grandioso: encontrar oro en la inexplorada selva de Indonesia.

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Crítica

A veces las buenas herramientas no aseguran una exitosa prospección.

Stephen Gaghan con sus guiones nos suele dejar con la cabeza revuelta. Esta es una película menos potente que ‘Syriana’ o que ‘Traffic’, las cuales escribió. En este caso no dirige su propio libreto pero la película sigue claramente sus esquemas, aunque se ha dejado llevar más de lo habitual por cánones más comerciales. Tal vez sea por ello que, aunque admitamos que está basada en hechos reales pertenezca a este tipo de relatos en los que cuesta creer o en los que es difícil diferenciar dónde está la realidad y dónde el relleno para conseguir enganchar más al espectador.

McConaughey de vez en cuando rueda películas con pretensiones menores a las que nos tiene acostumbrados últimamente, como es el caso de ‘Los hombres libres de Jones’. Pero son trabajos que engrosan su carrera sin deslucir el brillo de su estrella. La película que nos presenta ahora, ‘Gold’, es una de estas. Suma en ella un par de escenas brillantes que dejan patente el buen actor que es. Pero parece que comienza a encasillarse en un tipo de rol concreto. Eventualmente oímos música de Iggy Pop (muy a lo Leonard Cohen) en la banda sonora reforzando este argumento. Desde luego sigue repitiendo en el papel de protagonista que rema a contracorriente, parece que se siente cómodo en ese tipo de historias. Le pega muy bien la degradación, tanto a él como al director junto al que ha trabajado en esta ocasión. Es por ello que dudo si la película estaba escrita para el director o para el actor, suele ser lo segundo.

El actor ganador de un Oscar también suele destacar por sus cambios de aspecto. Para ‘Gold’ ha adquirido una estética y físico muy desmejorados. Recuerda incluso al Tom Cruise de ‘Tropic thunder’, película en la que también sale él curiosamente.

Acompañan a la estrella hollywoodiense Edgar Ramirez (‘La chica del tren’) y Bryce Dallas Howard (‘Jurassic World’). Podríamos pensar que estos dos actores de reparto no son capaces de seguirle el ritmo y así es. Corey Stoll, Toby Kebbel o Stacy Keack completan el reparto de caras conocidas con incluso mejores momentos que los secundarios que he mencionado antes.

La historia que nos trae Tripictures a España es de soñadores y de luchadores. Por sacarle un mensaje podemos decir que nos transmite que el oro es tan brillante como pesado. Su brillo puede atraerte al río pero su peso tiende a arrastrarte hasta su fondo. Pero el oro puede cambiarse por otros muchos ideales que persiguen aquellos incomprendidos que buscan la consecución de sus cuasi imposibles metas.

Gaghan incluye unos cuantos giros argumentales, la mayoría al final, pero lo hace algo tarde. Estos suceden tras muchos minutos de una historia que tal vez habría que haber manejado de un modo algo más ágil. Personalmente nunca entenderé la fascinación por este elemento de la tabla periódica, su valor me puede ser tan confuso como las sensaciones que produce esta película.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: Gold. Duración: 121 min. País: EE.UU. Director: Stephen Gaghan. Guión: Patrick Massett, John Zinman. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Robert Elswit. Reparto principal: Matthew McConaughey, Edgar Ramirez, Bryce Dallas Howard, Corey Stoll, Toby Kebbell, Rachael Taylor, Bruce Greenwood, Stacy Keach, Bill Camp, Joshua Harto,Steve Larese, Catherine Haun, John Pirkis, Shad Adair, Jamie H. Jung. Producción: Black Bear Pictures, Hwy61, Living Films. Distribución: Tripictures. Género: hechos reales, drama. Web oficial: http://gold-film.com/

Crítica: ‘Yo no soy Madame Bovary’

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Sinopsis

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Li Xuelian organiza un falso divorcio con el fin de conseguir un segundo apartamento, pero su marido se vuelve a casar de forma inesperada. Tras recurrir al juzgado sin éxito y ser acusada por su marido, Li se embarca en un absurdo viaje de diez años para restaurar su reputación.

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Crítica

Una visión de china a través de una mirilla.

Xiaogang Feng me ha sorprendido con un experimento, principalmente en dos planteamientos que se distinguen muy claramente. Uno de ellos es la fotografía. El director chino nos presenta una película vista como a través de la mirilla de una puerta, de un catalejo o un de ojo de buey. La inmensa mayoría del filme transcurre dentro de un círculo y esto hace que centremos más nuestra atención en los detalles. La sensación es la de ver un posavasos en movimiento, pero de esos que están adornados con bellas estampas del país asiático. El formato cambia a uno cuadrado cuando la historia transcurre en Pekín, cuando entramos en los entramados burocráticos chinos. La composición de las escenas tiene un cuidado extremo y existen multitud de fotogramas que se quedan grabados en la retina. Aquellos que tienen verdadera manía por la simetría, como pudo tenerla Kubrick, encontrarán aquí muchas imágenes en las que deleitarse.

El otro aspecto que me ha impactado y que me extraña es el tono del filme. Sorprende que siendo una película china sea tremendamente irónica, crítica y sarcástica con el gobierno chino o al menos con el comportamiento de sus funcionarios. En este largometraje se muestra como una campesina le pone un ojo a la virulé a un sistema chino que la ignora e incluso castiga injustamente. Aunque también puede haber sido utilizada como intento de mostrar la capacidad de autocrítica, corrección y mejora de los chinos.

‘Yo no soy Madame Bovary’ es sinceramente larga y de lento progreso. El hecho de que la imagen esté constantemente estática y que haya muy pocos y sutiles movimientos de cámara hace acrecentar la sensación de estanqueamiento. El director y el guionista (Liu Zhenyun, el propio autor de la novela en la que se basa la película y que lleva como nombre ‘I did not kill my husband’) se ceban con algunas escenas a las que le sobran planos y palabras.

Fan Bingbing se llevó la concha en San Sebastián, al igual que esta película. No realiza un mal trabajo en este filme, pero para ser una actriz tan remunerada como ella tal vez cabía esperar un poco más de implicación. La desesperación de su personaje por desmarcarse de una etiqueta digna de la dama creada por Gustave Flaubert quizá habría necesitado un grado mayor de entusiasmo.

Como experimento cinematográfico y apuesta atrevida esta película es digna de admiración. Pero como narración de una historia necesitaría algunos arreglos.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: I am not Madame Bovary. Duración: 128 min. País: China. Director: Xiaogang Feng. Guión: Liu Zhenyun. Música: Wei Du. Fotografía: Lou Pan. Reparto principal: Chengpeng Dong, Bingbing Fan, Wei Fan. Producción: Sparkle Media, Huayi Brothers. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/yo-no-soy-madame-bovary/

Crítica: ‘Zona Hostil’

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Sinopsis

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A un convoy americano escoltado por la Legión española le estalla una mina al norte de Afganistán y el inexperto Teniente Conte (Raúl Mérida) queda al mando de una dotación para proteger a los heridos hasta que los evacuen. La Capitán médico Varela (Ariadna Gil) acude al rescate en un helicóptero medicalizado del Ejército Español, pero el terreno cede durante el aterrizaje y el helicóptero vuelca, dejando a los rescatadores atrapados junto a los legionarios en medio de la nada. El impulsivo Comandante Ledesma (Antonio Garrido) propone un arriesgado plan para rescatarlos a todos y, además, llevarse el aparato siniestrado. Pero con la noche llega el enemigo y el plan sólo será posible si el Teniente y la Capitán logran sobrevivir hasta el amanecer.

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Crítica

Honorable intento de narrar una historia venerable.

Del mismo modo que llevamos toda nuestra vida tragándonos películas que enaltecen al ejército norteamericano (en guerras tanto ganadas como perdidas) nos llega ahora un filme que resalta la historia de héroes militares españoles. Que no os lleve a equívoco, no lo digo a modo de queja, uno está a favor de la inconmensurable labor humanitaria de muchas de nuestras unidades destinadas en el extranjero pero creo que había mejores maneras para contarla.

Esta ni es, ni esperaba que lo fuese, una película excepcionalmente de tiros y explosiones. Está dentro del cine bélico por su puesto pero durante casi una hora nos vamos olvidando del ejército pues se centra demasiado en establecer y adentrarnos en los lazos humanos y el trasfondo de los personajes. Cuando llega la acción ya estamos algo adormecidos y esta no llega con mucha fuerza. Los actores, no se si no muy habituados a la acción, no le ponen excesiva pasión al combate.

Por si fuese poco la música de la película no acompaña. De hecho me ha devuelto a los temas de algunas películas de la Cannon, por lo que a mí personalmente me ha costado quitarme de la cabeza títulos como ‘The Delta Force’. Me ha sorprendido que Roque Baños, el compositor de bandas sonoras de películas como ‘No respires’ u ‘Oldboy’ (2013) haya elaborado un conjunto musical tan desganado y poco acorde a lo que vemos en pantalla.

Adolfo Martínez ha tenido en sus manos un despliegue de medios de lujo. Vestuario, armamento, vehículos… todo ello totalmente realista. Ha volcado el peso de la cinta en Ariadna Gil muy apoyada por Roberto Álamo, Raúl Mérida y Antonio Garrido. Pero esta potente combinación no ha bastado para crear una narración más emocionante. Al igual que el ‘Black hawk derribado’ de Ridley Scott está basada en hechos reales, pero Martínez no ha sabido adornarla de un modo tan efectivo. No ayudan nada los norteamericanos casi paródicos, los extras que no saben morirse, ni la poca naturalidad de algunos actores al hablar de temas técnicos.

Me da rabia también que se haya incluido a Ingrid García Jonsson en el reparto. No quiero induciros a pensar que tengo algo en contra de esta actriz, más bien lo contrario. Me parece una estrella en potencia que lleva demostrando unas cuantas películas seguidas que merece mayor reconocimiento. En ‘Zona hostil’ está entre los secundarios, goza solo de unos escasos minutos que no nos permiten disfrutar de ella.

Ojalá se celebrasen más triunfos militares en pro de la paz y la salud de las personas como este. Lástima que no pase de ser una largometraje meramente entretenido.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: Zona Hostil. Duración: 120 min. País: España. Director: Adolfo Martínez. Guión: Luis Arranz, Andrés M. Koppel. Música: Roque Baños. Fotografía: Alfredo Mayo. Reparto principal: Ariadna Gil, Roberto Álamo, Raúl Mérida, Antonio Garrido, Ingrid García Jonsson, Jacobo Dicenta, Ismael Martínez, David de la Torre, Nasser Saleh, Mariam Hernández, Berta Hernández, Ruth Gabriel. Producción: Tornasol Films, Castafiore Films, Hernández y Fernández PC, RTVE, Movistar+. Distribución: eOne Films. Género: hechos reales, bélico. Web oficial: http://www.zonahostil.com/

Crítica: ‘Kong: la Isla Calavera’

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Sinopsis

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De la mano del director Jordan Vogt-Roberts (The Kings of Summer), esta emocionante y original aventura cuenta la historia de un variopinto equipo de científicos, soldados y aventureros que se unen para explorar una mítica y desconocida isla del Pacífico, peligrosa a la par que hermosa. Apartados de todo lo que conocen, el equipo se adentra en los dominios del poderoso Kong, desencadenando la batalla definitiva entre el hombre y la naturaleza. Cuando su cometido pasa del descubrimiento a una misión de supervivencia, deben luchar para escapar de un edén primigenio donde la humanidad no tiene cabida.

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Crítica

Menos romanticismo y más salvajismo.

Vuelve el gorila más grande del cine y lo hace con toda la fiereza, como si del Kakaroto de ‘Dragon Ball’ se tratase. Desde luego el Kong de Jordan Vogt-Roberts está mejor planteado que el que realizó Peter Jackson pero sigue distando mucho del clásico. Esta nueva visión no tiene ese toque romántico de la película original, está más pensada para las nuevas generaciones que buscan emociones fuertes y espectacularidad. Vogt-Roberts, un director cuya obra nada tiene que ver con este tipo de cine, ofrece una visión de King Kong más parecida a la que se ofrecía de Godzilla en la versión de 2014 de Gareth Edwards. Es difícil explicar por qué sin desvelar nada de la película a si es que es una de las cosas que dejaré que descubráis por vosotros mismos.

Pero algo muy a tener en cuenta es que más que Kong la protagonista es su isla. Si, el simio está omnipresente pero el trozo de tierra rodeado de agua se presenta como el mayor atractivo de la cinta. Al islote se le rodea de misticismo, se le recrea de un modo fastuoso y se le llena de todo un abanico de nuevas criaturas. Y esos bichos colosales y variopintos son la gran diferencia con respecto a la última versión de Kong que vivimos. Su diseño es más creíble y por momentos le roban el protagonismo a Kong.

También percibimos un gran sabor a películas de los 70 o ambientadas en esa época. Con la guerra de Vietnam y la Guerra fría de fondo los protagonistas se sumergen en esta aventura. Es un planteamiento interesante pero ya cansa que siempre que se ruede algo transcurrido en este periodo utilicen a mis admirados Creedence Clearwater Revival.

Quizá los personajes más trabajados sean los de Samuel L. Jackson y John C. Reilly. El de Jackson se sale de los parámetros que suele interpretar el actor y nos brinda la cara más vengativa, violenta e irracional del ser humano. En el caso de Reilly la elaboración de su papel tiene mérito por el grado de humor que aporta. Figura también entre los protagonistas John Goodman y aunque su personaje es el que represente la introducción de una visión de futuro a la película está casi de pasada. Y ni que decir tiene el de Toby Kebbell que hace también de Kong. Brie Larson parecía que iba a interpretar a la chica en apuros que enamora a Kong, pero no. Su rol está más enfocado al de una mujer valiente y que no establece esa relación casi poética. Hiddleston por el contario parece ser solo el guaperas que está para lucirse en un par de escenas. Ambos acaban formando una pareja interpretativa no predecible y efectiva.

Entre tanta criatura por supuesto hay muertes. Algunas soluciones, planos e ideas parecen sacadas de la más marginal serie B. También hay momentos en el que la escala de las criaturas y objetos se va de madre. Con estas cosas con las que se nos saca un poco de la película pero algunas de ellas pueden resultar divertidas, sobre todo si se ve en grupo. Incluso hay una escena que puede recordar a ‘Holocausto Caníbal’.

En ‘Kong: la Isla Calavera’ se sientan las bases para futuras películas, es decir, queda claro que esto ya es una franquicia. Si antes he mencionado la película de Gareth Edwards no es por casualidad. Aquellos que estén bien atentos y recuerden bien la película de hace tres años encontrarán conexiones. Warner Bros. abre otra vía para expandir y enlazar franquicias que están bajo su control. Casualmente aquí nos encontramos con dos actores con personajes en películas de Marvel Comics y a pesar de que ese sello no les pertenece si nos encontramos con una de sus ya tradiciones, la escena post-creditos. Es muy jugosa para los fans del cine de kaijus a si es que quedaos hasta después de los créditos que tiene mucho que ver con la Tōhō.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: Kong: Skull Island. Duración: 120 min. País: EE.UU. Director: Jordan Vogt-Roberts. Guión: Dan Gilroy, Max Borenstein. Música: Henry Jackman. Fotografía: Larry Fong. Reparto principal: Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John Goodman, John C. Reilly,Toby Kebbell, Thomas Mann, Corey Hawkins, Jason Mitchell, Shea Whigham, John Ortiz, Eugene Cordero. Producción: Warner Bros. Pictures, Legendary Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras, fantástico. Web oficial: http://kongskullislandmovie.com/

Crítica: ‘El guardián invisible’

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Sinopsis

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En los márgenes del río Baztán, en el valle de Navarra, aparece el cuerpo desnudo de una adolescente en una circunstancia que lo relaciona con un asesinato ocurrido un mes atrás… La inspectora Amaia Salazar (Marta Etura) dirige la investigación que la llevará de vuelta al pueblo de Elizondo, donde ella creció y del que ha tratado de huir toda su vida. Enfrentada con las complicadas derivaciones del caso y sus propios fantasmas, la investigación de Amaia es una carrera contrarreloj para dar con un implacable asesino, en una tierra fértil en supersticiones y brujería…

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 Crítica

Cuando molestan al bosque, los guardianes aparecen. 

Basada en la novela de Dolores Redondo ‘El guardian invisible’ nos lleva al norte de España, donde la magia y la realidad se juntan para darnos un thriller intenso.

Fernando González Molina (‘Palmeras en la nieve’) nos trae esta historia en la que la inspectora Amaia Salazar es obligada a volver a su pueblo de origen Elizondo, donde tendrá que investigar el asesinato de unas niñas. Pero no solo tendrá que preocuparse por su trabajo, sino también por su pasado y esas pesadillas que tanto la están atormentando.

La historia se centra en Navarra, con una atmósfera muy bien creada, la lluvia, la niebla y los bosques, hacen que parezca que nos metemos de verdad en los bosques del norte. Aquí, gracias a la dirección de Fernando González Molina y a la fotografía de Flavio Martínez Libano, que ya hizo un estupendo trabajo en los ‘Cronocrimenes‘, vemos todos los detalles necesarios para que la película sea una maravilla visual.

Luis Berdejo, ha realizado un gran trabajo con el guión. Adaptar un libro que tiene miles de seguidores, debe ser bastante estresante, pero lo ha hecho muy bien, dándonos una historia clara y sencilla, pero sin que pierda el halo de misterio que necesita.

‘El guardián invisible’ es una película donde la magia está muy presente, las criaturas mágicas, el poder del bosque y las protectores del bosque como el Basajaun, son una parte muy importante para la cinta.

Otra de las figuras centrales de la cinta es la mujer, no solo por el peso protagonista, sino por sus personajes secundarios y en general por la trama, no quiero contar mucho mas, pues sería desvelar parte de la historia.

En cuanto a los actores, Marta Etura, está estupenda, como inspectora de policía, es fuerte y no deja que nadie la pise, mientras que como mujer, como Amaia Salazar, es más bien todo lo contrario, una mujer llena de miedos y que al volver a su lugar de origen comienza a sufrir de nuevo.

En cuanto a este papel hago un inciso, porque creo que en la película se han pasado bastante contándonos el pasado de esta mujer, se recrean demasiado y sí tiene parte importante en la trama, pero sí que había veces que te sacaba de la historia.

Y qué decir, está no es una cinta solo para la protagonista, sino que realmente está llena de grandes secundarios, como Pedro Casablanc, Elvira Mínguez con un personaje frío que hará que la odiemos desde el primer minuto que sale en pantalla, Paco Tous, Manolo Solo, Nene (Juan Carlos Librado) que nos muestra su lado serio en esta actuación. Y por supuesto, nombrar a Javier Botet, el cual como acostumbra, no nos mostrará su rostro.

Decir antes de terminar que ‘El guardián invisible’ es un thriller lleno de misterio y que sin duda os mantendrá en tensión hasta el final, no dudéis en ir a verla.

Ficha técnica

Estreno en España: 3 de marzo. Título original: El guardián invisible. Duración: 129 min. País: España. Director: Fernando González Molina. Guión: Luiso Berdejo (Novela: Dolores Redondo) Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Flavio Martínez Labiano. Reparto principal: Marta Etura, Javier Botet, Colin McFarlane, Elvira Mínguez, Miquel Fernández, Susi Sánchez, Arlette Torres, Pedro Casablanc, Manolo Solo, Paco Tous, Ramón Barea, Richad Sahagún, Mikel Losada, Juan Carlos Librado. Producción: Nostromo Pictures, Atresmedia Cine, ZDF. Distribución: DeAPlaneta. Género: Thriller. Web oficial: https://www.facebook.com/elguardianinvisible/

 

Crítica: ‘Un hombre llamado Ove’

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Sinopsis

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Ove es el gruñón de la urbanización. Un hombre solitario y obsesionado por las normas, que lleva de cabeza a todo el vecindario. Su mal humor empeora cuando es forzado a jubilarse de la empresa en la que ha trabajado toda su vida. Pero su vida da un giro cuando Parvaneh y su familia se convierten en sus nuevos vecinos. Lejos de hacer caso de sus continuas quejas, Parvaneh le responde siempre con su amplia sonrisa, dando pie a una amistad inesperada, devolviéndole la ilusión por disfrutar de la vida.

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Crítica

Consigue que te encariñes de alguien aguafiestas e irascible.

Desconozco si la novela en la que está basada, una obra de Fredrik Backman, da la misma impresión que la película que ha escrito y dirigido Hannes Holm. Solo con leer sus sinopsis ya tenemos la sensación de que lo que tenemos delante es una especie de mezcla entre ‘Gran Torino’ y ‘El abuelo que saltó por la ventana y se largó’, dos excelentes películas. Por el carácter y trayectoria del protagonista en lo que se refiera a la primera y por el tono y espíritu de la segunda. Lo peculiar del cine sueco unido a rasgos característicos de una película hollywoodiense.

Pero la aleación continúa cuando evaluamos los géneros del filme. Domina el sarcasmo y la ironía que ha hecho famosos a cómicos como Les Luthiers. Nos transmite un modo muy singular, aunque no innovador, de ver la vida. Como en otras muchas películas a través de la tragedia y la amargura se nos sorprende con una narración humorística. El drama que vive este hombre llamado Ove está edulcorado, a decir verdad bastante dulcificado por la comedia que involuntariamente protagoniza al ser como es. Aunque finalmente esta acabe siendo una de esas películas en las que todo acaba forzosamente conectado nos engatusa con su principal actor y personaje.

El Ove que encarna Rolf Lassgård es un personaje extremadamente quisquilloso y gruñón. Su única ocupación es tener su entorno en regla, hacer que se respeten las normas y los valores que le han inculcado, sobre todo desde que le han arrebatado su trabajo. Es una de esas personas que necesitan un nuevo motivo para vivir y como en la película de Eastwood unos nuevos vecinos se lo facilitan. Ove no es un cascarrabias así porque si, durante el largometraje se fundamentan las razones de su malhumorado carácter. Como si de una versión larga del principio de ‘UP’ se tratase. Pero hasta el más inmóvil de los conservadores puede progresar y cambiar, eso es algo que descubriréis viéndola.

Directores como Hannes Holm hacen que más que aversión el publico sienta curiosidad y aceptación por el cine sueco. Su narrativa, no muy alejada del cine del sur de Europa, resulta fresca y ágil. ¿Mensajes o lecturas que nos transmite? Puede tener varias. Seguramente lo más ontológico del filme sea su empeño en mostrarnos que las casualidades pueden llevarnos a un destino diferente al que buscábamos o esperábamos. También que al final se puede pagar el hecho de tener un corazón grande.

Ya que publicamos esta crítica al filo de la celebración de los Oscars me aventuro a decir que en mi opinión la academia, en lo que se refiere a la Mejor Película de Lengua Extranjera, puede que se decante por un drama más contundente como ‘Land of mine’. Si de mi dependiese el resultado ganaría un trabajo como este, pero en mi corazón ‘Tony Erdmann’ declina la balanza.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2017. Título original: En man som heter Ove. Duración: 116 min. País: Suecia. Director: Hannes Holm. Guión: Hannes Holm. Fotografía: Göran Hallberg. Reparto principal: Rolf Lassgård, Zozan Akgün, Tobias Almborg. Producción: Film i Väst, Nordisk Film, Nordsvensk Filmunderhallning, Sveriges Television (SVT), Tre Vänner Produktion AB. Distribución: Emon Films. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.savor.es/es/cine/proximamente-en-cines/un-hombre-llamado-ove/c20r7984/