Acerca de Furanu

De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.

Crítica: ‘Maridos en acción’

En qué plataforma ver Maridos en acción

Catástrofe criminal en una buddy movie a tres bandas

Netflix estrena una nueva película coreana, en esta ocasión dirigida por Gyu-tae Park, un desconocido en nuestras fronteras. Esta película arranca de una forma bastante engañosa. La primera imagen nos presenta de un modo un tanto terrorífico a un preso cubierto de tatuajes con fórmulas matemáticas y extrañas ecuaciones que parecen prometer una conspiración compleja, secretos ocultos o algún tipo de rompecabezas criminal digno de ‘Prison Break’. Sin embargo, a medida que la historia avanza descubrimos que esas expectativas estaban destinadas a estrellarse contra una realidad muy distinta. Los misteriosos tatuajes apenas tienen relevancia narrativa. Y eso no es un defecto ni un engaño deliberado, sino una declaración de intenciones. ‘Maridos en acción’ no es un thriller. Tampoco pretende ser un drama criminal sofisticado. Es una comedia de acción desenfadada, bobalicona y consciente de su propia ligereza.

La propuesta de Gyu-tae Park se sitúa claramente dentro de la tradición de las buddy movies norteamericanas. Es fácil encontrar ecos de producciones en las que personajes incompatibles se ven obligados a colaborar mientras sobreviven a persecuciones, criminales y situaciones ridículas. En el contexto del cine surcoreano contemporáneo, probablemente se acerque más al tipo de entretenimiento popular asociado a los filmes protagonizados por Ma Dong-seok, aunque aquí la balanza se inclina mucho más hacia la comedia que hacia la acción.

Tres maridos, un enredo criminal y mucho humor absurdo

La principal diferencia respecto a la fórmula clásica reside en que no tenemos una pareja protagonista enfrentada a sus diferencias, sino un trío de personajes obligados a colaborar. La película construye su motor narrativo alrededor de tres maridos atrapados en una trama criminal que amenaza no solo su tranquilidad personal y legal, sino también la seguridad de sus respectivas esposas.

Lo interesante es que, pese a que el argumento podría sugerir una historia dominada por la testosterona, el filme evita glorificar a sus protagonistas. Todo lo contrario. Los tres están retratados desde la torpeza, la fragilidad y el ridículo constante. Son hombres que intentan parecer competentes mientras la realidad se empeña en demostrar exactamente lo contrario.

El personaje que mejor funciona es el interpretado por Jin Seon-kyu. Su presencia resulta decisiva para mantener el interés incluso cuando la historia cae en excesos humorísticos discutibles. Su personaje vive instalado en una especie de optimismo permanente, un auténtico chorro de serotonina ambulante que afronta con una sonrisa situaciones que harían perder la paciencia a cualquiera. Está separado de su esposa, mantiene una relación sin custodia con su hija y debe enfrentarse a criminales peligrosos. Pero, curiosamente, su principal fuente de frustración parece ser la existencia del nuevo marido de su exmujer.

Ese nuevo esposo, interpretado por Gong Myoung, aporta una energía completamente distinta. Veterinario de profesión y aficionado a los deportes de riesgo, representa una juventud impulsiva que choca continuamente con la experiencia del protagonista. A ellos se suma el personaje interpretado por Kim Ji-suk, un delincuente cibernético con una actitud burlona que termina convirtiéndose en una pieza fundamental dentro del grupo.

Una comedia entre el crimen digital y los delincuentes de la vieja escuela

Aunque la película jamás abandona su tono ligero, introduce de forma interesante un contraste entre distintas formas de criminalidad. Por un lado aparecen delincuentes modernos que operan a distancia, aprovechan la tecnología y carecen de cualquier escrúpulo. Por otro encontramos criminales de la vieja escuela, vinculados a códigos de honor bastante discutibles, extorsiones tradicionales y métodos más directos.

No es una reflexión profunda sobre la evolución del crimen organizado, pero sí un elemento que aporta algo de personalidad a una trama que, por momentos, podría haberse limitado a encadenar persecuciones y gags. Mezclando esto la película consigue tener ritmo y rara vez se detiene demasiado tiempo en una misma situación. Cuando un chiste deja de funcionar, llega una nueva secuencia de acción. Cuando la acción amenaza con repetirse, aparece otra situación cómica. Esta estructura evita que el metraje se vuelva pesado, aunque también provoca que algunos momentos carezcan de verdadero peso dramático.

Entre los doramas cómicos y el espíritu de ‘Taxi’

El mayor problema de ‘Maridos en acción’ reside en la naturaleza de su humor. Muchas escenas abrazan una comicidad extremadamente infantil. Gestos exagerados, reacciones sobreactuadas y situaciones cercanas al slapstick dominan buena parte de la experiencia. Habrá espectadores que conecten inmediatamente con este tono, mientras que otros probablemente encuentren algunas secuencias demasiado estridentes.

Sin embargo, sería injusto criticarla por algo que forma parte esencial de su identidad. El humor que despliega conecta directamente con ciertas comedias televisivas surcoreanas y con el espíritu desenfadado de numerosos doramas. También recuerda notablemente a producciones francesas como ‘Taxi’ o a las comedias de Philippe Lacheau, donde la sofisticación narrativa importa mucho menos que la capacidad para encadenar situaciones absurdas y personajes entrañablemente incompetentes.

Ficha de ‘Maridos en acción’

Estreno en España: 19 de junio de 2026. Título original: Nampyeondeul. Duración: 107 min. País: Corea del Sur. Dirección: Gyu-tae Park. Guion: Gyu-tae Park, Kim Jong-hyeon. Reparto principal: Jin Seon-kyu, Gong Myoung, Kim Ji Suk, Yoon Kyung-ho, Kang Han-na, Lee Da-hee, Jeon So Min. Producción: TPS Company. Distribución: Netflix. Género: comedia. Web oficial.

Pete Docter y Lindsey Collins repasan tres décadas de ‘Toy Story’ en una charla en España

Dos productores de Pixar comparte anécdotas, lecciones y secretos creativos con motivo del estreno de ‘Toy Story 5’

La Academia de Cine acogió un encuentro muy especial organizado por Disney España con motivo del estreno de ‘Toy Story 5’ y la celebración del 30 aniversario de ‘Toy Story’, la película que en 1995 revolucionó la industria cinematográfica al convertirse en el primer largometraje realizado íntegramente por ordenador.

La charla estuvo protagonizada por Pete Docter, director creativo de Pixar Animation Studios, y Lindsey Collins, productora de algunas de las películas más importantes del estudio. El encuentro fue moderado por Rodrigo Blaas, animador y cineasta que trabajó durante años en Pixar antes de fundar El Guiri Studios.

El perfeccionismo como seña de identidad de Pixar

Uno de los momentos más interesantes de la conversación llegó cuando los invitados recordaron la complicada producción de ‘Toy Story 2’. Collins explicó cómo el equipo tomó la drástica decisión de rehacer gran parte de la película cuando ya estaba muy avanzada. «Al final creo que solo conservamos un minuto», recordó entre risas al hablar del material que sobrevivió de la versión original.

Docter y Collins coincidieron en que una de las claves del éxito de Pixar ha sido la capacidad de reconocer cuándo algo no funciona. «No podemos permitirnos sacar una película que no sea excelente», señalaron al recordar la enorme presión que suponía realizar una secuela de una obra tan importante para el estudio como ‘Toy Story’.

La importancia de las críticas y los pases de prueba

Durante la charla también abordaron el sistema de revisiones internas que ha convertido a Pixar en una referencia dentro de la industria. Según ellos, ver el trabajo de otros directores ayuda a detectar errores propios: «No hay nada que te haga darte cuenta más rápido de los problemas de tu propia película que juzgar la de otra persona».

Los asistentes también preguntaron por los conocidos pases de prueba con público. Para los cineastas, estas sesiones son una herramienta fundamental. «Cuando estás sentado en una sala oscura junto al público, el público no miente», explicó Docter. «Te está diciendo la verdad mediante sus reacciones».

Los responsables de Pixar destacaron que estas proyecciones permiten detectar problemas de ritmo, escenas que no generan las emociones esperadas o momentos en los que la audiencia pierde interés antes de que la película llegue definitivamente a los cines.

El legado de ‘Toy Story’ y el reto de continuar la saga

Otro de los temas centrales fue la decisión de seguir ampliando una franquicia cuyo final en ‘Toy Story 3’ sigue siendo considerado por muchos espectadores como uno de los más emotivos de la historia del cine.

La respuesta sobre el origen de ‘Toy Story 4’ provocó algunas risas entre los asistentes. «Había cientos de personas allí que no querían hacerla. Y había una persona que sí quería. Siguiente pregunta», bromeó Collins antes de revelar que aquella persona era John Lasseter.

Los dos entrevistados insistieron en que cada película se desarrolla de forma independiente y sin pensar necesariamente en futuras entregas. De hecho, recordaron que cuando Andy entrega sus juguetes al final de ‘Toy Story 3’ el equipo sentía que realmente estaba cerrando una etapa. «Los años de Andy habían terminado», explicaron, aunque también reconocieron que los personajes todavía podían vivir nuevas experiencias.

Hacer películas para todos los públicos

Durante el turno de preguntas, un asistente quiso saber cómo logra Pixar conectar tanto con niños como con adultos. La respuesta fue clara: no se trata de elegir un público, sino de evitar excluir a nadie. «No queremos que alguien salga del cine pensando: ‘Esto es demasiado infantil para mí’ o ‘Esto es demasiado adulto para mí'». Los cineastas recordaron que desde la primera ‘Toy Story’ apostaron por incluir varios niveles de lectura, con humor visual para los más pequeños y referencias que los espectadores adultos pueden apreciar de forma diferente.

Y por supuesto se habló sobre las nuevas tendencias de entretenimiento para los más pequeños de la casa, lo cual es el eje de la película. Para ello tenemos un fragmento de vídeo para vosotros. Activar los subtítulos en castellano si os es necesario.

Un consejo para los futuros animadores

La charla concluyó con una reflexión dirigida a los jóvenes artistas que sueñan con trabajar en la industria de la animación. Para Docter, el error más habitual es centrarse demasiado en transmitir un mensaje profundo y olvidar el entretenimiento. «La mayoría de la gente va al cine para pasarlo bien», afirmó.

Su principal consejo fue tan sencillo como directo: crear constantemente. «Haced cosas. Simplemente haced cosas. Tanto como podáis». Una filosofía que resume perfectamente el espíritu que ha impulsado a Pixar durante tres décadas y que sigue guiando al estudio en el camino hacia el estreno de ‘Toy Story 5’. A colación de esto os traemos un último vídeo en el que nos comentan las razón por la que piensan que las secuelas han funcionado todo este tiempo.

Brad Pitt lucha por sobrevivir junto a su perro en el primer tráiler de ‘En el corazón de la bestia’

David Ayer dirige este thriller de supervivencia ambientado en Alaska

Paramount Pictures ha lanzado el primer tráiler de ‘En el corazón de la bestia’, el nuevo thriller de aventuras protagonizado por Brad Pitt y dirigido por David Ayer. La película apuesta por una historia de supervivencia extrema en los paisajes más salvajes de Alaska, donde un soldado y su perro deberán enfrentarse a una lucha desesperada por seguir con vida.

El avance muestra una propuesta que combina acción, drama y emoción, centrada en la relación entre un veterano de las Fuerzas Especiales y su fiel compañero canino, un perro de combate llamado Odín.

Una batalla contra la naturaleza más implacable

La historia sigue a James Belmont, un experimentado oficial de Fuerzas Especiales que sobrevive a un devastador accidente aéreo en una remota región de Alaska. Aislado del mundo y acompañado únicamente por Odín, deberá enfrentarse a temperaturas extremas, terrenos hostiles y depredadores salvajes mientras intenta encontrar una salida.

Las imágenes del tráiler muestran enfrentamientos con lobos, largas travesías por montañas nevadas y momentos de gran tensión física y emocional. La película pone especial énfasis en el vínculo entre el protagonista y su perro, convirtiendo esa relación en el auténtico motor narrativo de la historia.

El reencuentro entre Brad Pitt y David Ayer

‘En el corazón de la bestia’ supone el esperado reencuentro entre Brad Pitt y David Ayer, que ya colaboraron en la aclamada ‘Corazones de acero’ en 2014. Según el propio director, esta nueva producción muestra una de las interpretaciones más vulnerables y emotivas de la carrera reciente del actor.

Aunque Ayer es conocido por títulos cargados de acción como ‘Escuadrón Suicida’, ‘The Beekeeper’ o ‘Sin tregua’, en esta ocasión apuesta por una historia más íntima que explora temas como la resiliencia, el duelo, la lealtad y la capacidad de superar los traumas del pasado.

Un reparto encabezado por Brad Pitt

Junto a Brad Pitt, la película cuenta con las interpretaciones de J. K. Simmons y Anna Lambe. El guion corre a cargo de Cameron Alexander y la producción reúne a Paramount Pictures con varias compañías especializadas en cine comercial y de aventuras.

Aunque la historia transcurre en Alaska, gran parte del rodaje se desarrolló en parajes naturales de Nueva Zelanda, utilizados para recrear la inmensidad y dureza del entorno ártico.

Estreno en cines este otoño

‘En el corazón de la bestia’ llegará a los cines el próximo 25 de septiembre de 2026. Con su combinación de aventura, suspense y supervivencia, la película aspira a convertirse en uno de los grandes títulos comerciales del otoño y en una nueva demostración del carisma de Brad Pitt como protagonista absoluto.

El primer tráiler deja claro que la cinta buscará conquistar tanto a los aficionados al cine de acción como a quienes disfrutan de historias centradas en la amistad, la superación y la conexión entre humanos y animales.

Nace La Barraca Educativa, gira cultural que llevará cine, teatro y talleres a 15 municipios rurales

Una iniciativa cultural para acercar el cine a los pueblos

La Barraca de Cine ha presentado oficialmente la primera edición de La Barraca Educativa, una ambiciosa gira cultural que durante los próximos meses recorrerá 15 localidades de 7 comunidades autónomas españolas con una programación que combina cine, teatro y actividades educativas para todas las edades.

El proyecto, dirigido por Patricia de Luna, busca garantizar el acceso a la cultura en entornos rurales mediante una propuesta que convierte el audiovisual en una herramienta de cohesión social, aprendizaje y participación ciudadana.

La iniciativa cuenta con el respaldo del Ministerio de Cultura a través del Plan de Derechos Culturales y ha sido reconocida como uno de los proyectos de alto impacto social seleccionados dentro de su convocatoria nacional.

Cine, teatro y talleres inspirados en los Objetivos de Desarrollo Sostenible

La programación de La Barraca Educativa se articula en torno a tres grandes ejes. Cada jornada comenzará con una apertura teatralizada en la que varias actrices darán la bienvenida al público interpretando el papel de acomodadoras inspiradas en el universo cinematográfico de las películas proyectadas.

La propuesta audiovisual incluirá la exhibición de un cortometraje y del largometraje ‘Sorda’, una de las producciones españolas más destacadas del último año. Los títulos seleccionados abordarán cuestiones relacionadas con los Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS), como la igualdad, la educación, la salud, la justicia o el aprendizaje intergeneracional.

Entre los cortometrajes previstos figuran ‘La belleza de la vida’, ‘Abuztua’, ‘Luisa no está en casa’ y ‘Carmen y la cuchara de palo’, cuya selección variará en función del perfil de público de cada localidad.

La experiencia se completará con talleres creativos destinados a fomentar el diálogo entre generaciones a través de la memoria, la identidad y los vínculos familiares.

Una gira por siete comunidades autónomas

La primera edición de La Barraca Educativa visitará municipios de Navarra, Castilla y León, Comunidad de Madrid, Castilla-La Mancha, Cataluña, Andalucía y Galicia.

Entre las localidades confirmadas figuran Leitza, Puebla de la Sierra, Robledo de Chavela, Navacerrada, Albons, La Rinconada, Sarria, Mora o Brihuega, entre otras. Las actividades se desarrollarán entre junio y diciembre de 2026.

Uno de los aspectos más destacados del proyecto será su adaptación lingüística y cultural a cada territorio. Las actividades se realizarán en castellano, catalán, gallego y euskera alto-navarro, contando además con la participación de intérpretes locales en varias de las comunidades participantes.

Cultura, educación y cohesión social

Durante la presentación oficial celebrada en la sede de DAMA participaron Patricia de Luna, la directora de cine Eva Libertad y Flavia Álvarez, técnica de la Subdirección General de Promoción y Acceso a la Cultura.

Según explicó De Luna, el objetivo es involucrar a toda la ciudadanía de cada municipio en una experiencia cultural compartida que combine entretenimiento, formación y reflexión social.

La Barraca Educativa nace así con la vocación de convertirse en un proyecto estable que continúe creciendo en futuras ediciones, ampliando su presencia territorial y reforzando el papel de la cultura como herramienta de transformación social en el medio rural.

Localidades confirmadas para la I edición de La Barraca Educativa

Navarra
Leitza
19 de Junio

Castilla y León
Maello (Ávila)
19 de Julio

Comunidad de Madrid
Puebla de la Sierra
8 de Agosto

Castilla y León
La Lastrilla (Segovia)
19 de Septiembre

Castilla y León
San Cristóbal de Segovia (Segovia)
27 de Septiembre

Castilla – La Macha
Cabanillas del Campo (Guadalajara)
3 de Octubre

Comunidad de Madrid
Robledo de Chavela
10 de octubre

Castilla y León
Trescasas (Segovia)
17 de Octubre

Cataluña
Albons (Girona)
25 de Octubre

Andalucía
La Rinconada (Sevilla)
31 de Octubre

Castilla – La Macha
Mora (Toledo)
14 de Noviembre

Galicia
Sarria (Lugo)
21 de Noviembre

Comunidad de Madrid
Navacerrada
28 de Noviembre

Castilla – La Macha
Brihuega (Guadalajara)
12 de Diciembre

Castilla y León
Palazuelos de Eresma (Segovia)
13 de diciembre

Tom Holland apoyará el debut de España en el Mundial 2026

Como parte de la promoción de ‘Spider-Man: Brand New Day’ estará en la Plaza Selección de Colón

Los aficionados españoles que se reúnan en Madrid para seguir el estreno de la selección nacional en la Copa Mundial de la FIFA 2026 tendrán una visita muy especial. El actor británico Tom Holland participará en una aparición pública en la Plaza Selección de Colón el próximo 15 de junio, horas antes del partido que enfrentará a España y Cabo Verde.

La presencia del intérprete convertirá la previa del encuentro en uno de los eventos más destacados para los seguidores de La Roja, que podrán disfrutar de un ambiente festivo alrededor del primer compromiso mundialista del combinado nacional.

Una visita ligada al lanzamiento de ‘Spider-Man: Brand New Day’

La llegada de Holland a España forma parte de la promoción internacional de Spider-Man: Brand New Day’, la nueva entrega cinematográfica del popular superhéroe de Marvel y Sony Pictures.

La película marcará el comienzo de una nueva etapa para Peter Parker tras los acontecimientos de las anteriores entregas protagonizadas por el actor británico. Su estreno en los cines españoles está previsto para el próximo 29 de julio, convirtiéndose en uno de los lanzamientos más esperados del verano.

La visita del actor a Madrid permitirá a los fans españoles ver de cerca a una de las estrellas más populares del cine actual en un contexto muy especial, uniendo el fenómeno del fútbol con el del cine de superhéroes.

La Plaza Selección será el punto de encuentro de los aficionados

Durante el Mundial 2026, la Plaza Selección instalada en la Plaza de Colón se convertirá en el principal centro de reunión para los seguidores de la selección española en la capital. El espacio contará con una pantalla gigante para seguir los partidos en directo y diferentes actividades destinadas a los aficionados. La organización busca crear una experiencia inmersiva alrededor de cada encuentro de España, convirtiendo cada jornada del torneo en una celebración colectiva.

La aparición de Tom Holland añadirá un atractivo adicional a una jornada ya de por sí histórica para la afición española, que espera comenzar con buen pie la aventura mundialista frente a Cabo Verde.

Un héroe de rojo para animar a La Roja

La combinación de una gran cita deportiva y la presencia de una estrella internacional de Hollywood convierte la jornada del 15 de junio en una fecha señalada para los seguidores tanto del fútbol como del cine. La visita de Holland servirá además para impulsar la promoción de ‘Spider-Man: Brand New Day’, una producción llamada a convertirse en uno de los grandes éxitos de taquilla de 2026.

Con miles de aficionados previstos en Colón para apoyar a la selección, la presencia del actor británico promete convertir la Plaza Selección en uno de los focos mediáticos más destacados de la jornada.

‘El ser querido’ tráiler de la nueva película de Sorogoyen

Javier Bardem y Victoria Luengo protagonizan la película presentada recientemente en Cannes

Ya están disponibles el tráiler y el cartel final de ‘El ser querido’, la nueva película de Rodrigo Sorogoyen, uno de los cineastas españoles más prestigiosos de la actualidad. Tras su estreno mundial en la Sección Oficial a Competición del Festival de Cannes, el filme llegará a los cines españoles el próximo 26 de agosto antes de incorporarse posteriormente al catálogo de Movistar Plus+.

La película supone el regreso de Sorogoyen al largometraje tras el éxito de la serie ‘Los años nuevos’ y ‘Apagón’ y vuelve a reunir al director con su habitual colaboradora, la guionista Isabel Peña, responsable junto a él de algunos de los títulos más aclamados del cine español reciente.

Javier Bardem y Victoria Luengo encabezan el reparto

‘El ser querido’ está protagonizada por Javier Bardem y Victoria Luengo, que interpretan a un padre y una hija obligados a reencontrarse durante un rodaje cinematográfico marcado por las heridas del pasado. La historia gira en torno a Esteban Martínez, un célebre director de cine cuya carrera ha estado marcada tanto por su talento como por una trayectoria personal llena de excesos y comportamientos controvertidos. Cuando decide ofrecer un papel a su hija Emilia, una actriz cuya carrera no termina de despegar, ambos se verán obligados a convivir durante el rodaje de una película. Lo que comienza como una oportunidad profesional acabará reabriendo conflictos familiares nunca resueltos.

Junto a Bardem y Luengo, el reparto incluye nombres destacados como Raúl Arévalo, Marina Foïs, Mourad Ouani, Raúl Prieto, Melina Matthews, Laura Birn, Nuria Prims, Pablo Gómez-Pando, Pepa Gracia y Malena Villa.

Un nuevo drama firmado por Sorogoyen e Isabel Peña

La película, aunque suene similar a ‘Valor sentimental’ se conforma como una constante en el cine de Sorogoyen y Peña en su afán por explorar las relaciones humanas complejas, las tensiones emocionales y los conflictos de poder que surgen en entornos aparentemente cotidianos.

Aunque en esta ocasión el contexto es el mundo del cine, ‘El ser querido’ parece apostar por una mirada íntima sobre las relaciones familiares, utilizando el propio proceso creativo de una película como escenario para abordar el peso de los errores del pasado y las dificultades para reconstruir los vínculos afectivos.

Uno de los directores más importantes del cine español actual

Rodrigo Sorogoyen se ha consolidado durante la última década como una de las figuras esenciales del cine español. Entre sus trabajos más reconocidos figuran ‘As Bestas’, ganadora de nueve Premios Goya, ‘El reino’, ‘Que Dios nos perdone’ y ‘Madre’, además de las series ‘Antidisturbios’ y ‘Los años nuevos’.

Su colaboración con Isabel Peña ha sido una de las más fructíferas del audiovisual español contemporáneo, construyendo una filmografía caracterizada por la intensidad dramática, la complejidad psicológica de sus personajes y una puesta en escena de gran fuerza narrativa.

Estreno en cines en agosto y llegada posterior a Movistar Plus+

‘El ser querido’ es una producción original de Movistar Plus coproducida por Caballo Films y El Ser Querido AIE, con participación francesa de Le Pacte y Canal+. La película será distribuida en cines españoles por A Contracorriente Films y llegará el próximo 26 de agosto. Tras su recorrido en salas, podrá verse en exclusiva a través de Movistar Plus+.

Crítica: ‘Un talento único’

En qué plataforma ver Un talento único

Entre pianos y delitos: la inesperada armonía de ‘Un talento único’

Daniel Roher se ganó un nombre dentro del documental gracias a trabajos incómodos, tensos y profundamente ligados a la realidad. Por eso resulta especialmente interesante verlo dar el salto a la ficción con ‘Un talento único’, una propuesta que mezcla thriller criminal, romance urbano, comedia ligera y una pizca de drama humano sin pretender revolucionar ni brillar especialmente en ninguno de esos géneros.

Su título original, ‘Tuner’, resulta mucho más revelador que la traducción española. No solo hace referencia al oficio del protagonista, afinador de pianos, sino también a esa capacidad extraordinaria que posee para identificar sonidos con una precisión casi sobrenatural. La película vincula esa habilidad con la hiperacusia, una sensibilidad auditiva extrema que convierte el ruido cotidiano en una experiencia agotadora y que aquí termina funcionando como el motor de toda la trama.

La premisa tiene algo de cuento moderno. Un joven atrapado en una existencia rutinaria descubre que aquello que parecía una maldición puede convertirse en un talento excepcionalmente lucrativo. Y como ocurre en tantas historias de ascenso y caída, el verdadero problema no es el don, sino el camino que decide tomar para aprovecharlo.

Un reparto intergeneracional que sostiene toda la película

Hay algo que Hollywood lleva haciendo décadas porque funciona: mezclar veteranos con intérpretes jóvenes en ascenso. No es únicamente una cuestión económica. También aporta una credibilidad inmediata a las relaciones de maestro y aprendiz que aparecen en pantalla.

‘Un talento único’ explota precisamente esa dinámica. Leo Woodall confirma que atraviesa uno de los momentos más interesantes de su carrera. Su Niki es un personaje introvertido, talentoso y permanentemente incómodo con el mundo que le rodea. La hiperacusia no se presenta como un superpoder cinematográfico al uso (aléjense los fans de Daredevil) sino como una condición que condiciona cada aspecto de su existencia.

Junto a él aparece Dustin Hoffman, cuya mera presencia aporta humanidad y experiencia. La relación entre ambos constituye el corazón emocional de la película. Más allá de los robos, los secretos o los giros argumentales, Roher entiende que el verdadero interés está en observar cómo estos dos personajes se construyen mutuamente.

El reparto secundario también suma valor. Havana Rose Liu tiene mucho más peso narrativo del que podría sugerir la promoción. Su personaje aporta la dimensión romántica de una historia que, por momentos, recuerda a esos relatos neoyorquinos donde las conexiones personales son tan importantes como la trama principal.

Más llamativo resulta el caso de Jean Reno. Su nombre aparece destacado en algunos carteles y, sin embargo, su participación es bastante limitada. No es una mala interpretación ni mucho menos, su presencia siempre se agradece, pero el marketing me había creado otras expectativas.

Un thriller construido alrededor del sonido

Si hay un apartado donde Daniel Roher demuestra personalidad es en el tratamiento del sonido. No resulta extraño que un director acostumbrado a observar la realidad con detalle encuentre aquí una herramienta narrativa tan poderosa.

No es una película con una edición de sonido especialmente brillante ni hace que el espectador escuche el mundo de un modo especial. Pero bien avanzada la cinta te das cuenta de que oyes el entorno de la misma manera que lo hace Niki. Con ello tenemos determinadas secuencias capaces de generar incomodidad deliberada. No se trata de un recurso efectista, sino de una forma de introducirnos dentro de la percepción del protagonista.

La idea central posee además una elegancia conceptual muy atractiva. Un afinador de pianos descubre que la misma sensibilidad auditiva que utiliza para trabajar puede servirle para abrir cajas fuertes. Por momentos, la película recuerda a esas historias sobre individuos brillantes atrapados en vidas aparentemente corrientes. Personas que esconden una capacidad extraordinaria bajo una rutina gris hasta que una decisión equivocada altera por completo su trayectoria.

Ligera, entretenida y más emotiva de lo que aparenta

‘Un talento único’ no pretende convertirse en el gran thriller criminal del año. Tampoco aspira a revolucionar el cine romántico ni a ofrecer una reflexión profunda sobre la condición humana. Su ambición es más modesta y, precisamente por eso, funciona.

Estamos ante una película ligera, agradable y muy consciente de sus fortalezas. Combina romance neoyorquino, suspense policial y una pizca de comedia blanca con bastante naturalidad. Cuando la trama criminal se vuelve previsible, los personajes mantienen vivo el interés. Cuando el romance amenaza con caer en lugares comunes, la buena dinámica entre los actores lo rescata.

‘Un talento único’ termina siendo exactamente lo que promete: una historia sobre una vida aparentemente ordinaria que esconde algo brillante y que acaba torciéndose cuando su protagonista decide caminar por el sendero equivocado. Haciendo el símil pianístico sabe tocar las teclas adecuadas para dejar una impresión agradable y, en ocasiones, sorprendentemente emotiva.

Ficha de ‘Un talento único’

Estreno en España: 12 de junio de 2026. Título original: Tuner. Duración: 109 min. País: Canadá. Dirección: Daniel Roher. Guion: Robert Ramsey, Daniel Roher. Música: Marius De Vries, Will Bates. Fotografía: Lowell A. Meyer. Reparto principal: Leo Woodall, Havana Rose Liu, Lior Raz, Jean Reno, Dustin Hoffman. Producción: Black Bear, Elevation Pictures, English Breakfast Productions. Distribución: Diamond Films. Género: suspense. Web oficial.

Crítica: ‘El día de la revelación’

En qué plataforma ver El día de la revelación

Un thriller ufológico que conecta con la paranoia contemporánea y el Spielberg más aventurero

Si nos fijamos en la escala original de J. Allen Hynek, Steven Spielberg nos hizo pasar por la tercera fase con ‘Encuentros en la tercera fase’ y pasamos por la cuarta con ‘E.T. El extraterrestre’ o ‘La guerra de los mundos’. Han pasado más de dos décadas desde aquella adaptación de la novela de H. G. Wells y ahora con ‘El día de la revelación’ nos mete de lleno en lo que se considera quinta fase. El cineasta demuestra que su fascinación por la vida más allá de nuestro planeta sigue intacta. Sin embargo, esta vez el interés no está tanto en los visitantes como en nosotros mismos y en nuestra relación con la verdad.

La premisa resulta especialmente pertinente en una época marcada por las teorías de la conspiración, las campañas de desinformación, las llamadas cortinas de humo y una creciente desconfianza hacia las instituciones, compuestas por personas falibles y/o megalómanas. ‘El día de la revelación’ es una película diseñada para alimentar la imaginación de cualquier aficionado a la ufología. Expedientes ocultos, agencias secretas, intereses corporativos y secretos guardados durante décadas forman parte de una historia que parece dialogar constantemente con los debates que han rodeado en los últimos años la desclasificación de documentos sobre fenómenos aéreos no identificados en Estados Unidos.

Es inevitable pensar en la actualidad política norteamericana. La sombra de Donald Trump sobrevuela la película de forma indirecta, no por referencias concretas sino porque el debate sobre los archivos ufológicos y la transparencia gubernamental ha terminado formando parte de la conversación pública estadounidense. Spielberg y David Koepp construyen un relato que se pregunta quién controla la información y quién decide cuándo una sociedad está preparada para conocerla. Recordemos que Koepp ha tocado ligeramente el tema en la comedia recientemente estrenada ‘Turno de noche’.

En su primer acto. Spielberg adopta una narrativa fragmentada que distribuye las piezas del puzle poco a poco. El misterio funciona, la intriga crece y el espectador siente que se encuentra ante una revelación de proporciones históricas. Además, la película recupera algunos de los elementos visuales y temáticos que han definido la ciencia ficción del director durante décadas. La película podría funcionar como culminación con el género mucho mejor que ‘Super 8’, la cual produjo para J.J. Abrams, desde luego es más digna de considerarse secuela de ‘E.T.’. Esta referencia la traigo muy a propósito ya que este nuevo filme tiene sobredosis de destellos, algo mucho más característico de la filmografía de J.J. Abrams.

Entre ‘Minority Report’, ‘Indiana Jones’ y los ecos de una filmografía legendaria

Aunque la película gira alrededor de los extraterrestres, en muchos momentos recuerda más a ‘Minority Report’ que a ‘Encuentros en la tercera fase’. Hay persecuciones, organismos con poderes casi ilimitados, protagonistas que perciben una amenaza invisible y una sensación constante de vigilancia.

Spielberg introduce además pequeños guiños a su propio legado cinematográfico. La aventura está presente en cada secuencia. Hay guiño a ‘Indiana Jones’ e incluso a ‘Los Goonies’ (película que produjo y que estuvo muy cerca de dirigir). Curiosamente, pese a tratarse de una obra tan identificable dentro de su universo creativo, aquí no encontramos ni niños protagonistas ni bicicletas BMX.

El principal problema aparece en el tramo central. Con una duración considerable, la historia entra en una fase donde la investigación inicial deja paso a una larga persecución. Es cierto que el guion necesita administrar información y resolver múltiples interrogantes, pero el interés se va perdiendo en cuanto nos olemos el misterio. Algunas secuencias transmiten una extraña sensación de parsimonia, como si los personajes dispusieran de más tiempo del que realmente deberían tener o como si los perseguidores no quisiesen culminar su captura. No llega a romper la implicación emocional del espectador, pero sí reduce parte del impulso conseguido durante el arranque.

También resulta algo decepcionante la aproximación a la dimensión espiritual del relato. Durante varios momentos parece que Spielberg pretende establecer un diálogo entre religión, fe y vida extraterrestre. La idea está ahí, verbalizada en varias escenas, pero nunca termina de desarrollarse con profundidad. El resultado es una reflexión interesante aunque superficial, especialmente para una película que podría aspirar a explorar cuestiones mayores viniendo de quien viene. Quizás el éxito y la perdurabilidad de Spielberg en la industria se debe en parte a no mojarse nunca del todo con cuestiones que no son populares o son delicadas.

Un desenlace emotivo que encuentra humanidad en medio de la revelación

Donde Spielberg vuelve a demostrar por qué sigue siendo uno de los grandes narradores del cine contemporáneo es en el desenlace. El último tramo resulta profundamente emotivo y sorprendentemente plausible. Sin entrar en spoilers, el director opta por una resolución que busca menos el espectáculo y más la reacción humana ante un acontecimiento imposible.

Sin desmerecer a los protagonistas, Emily Blunt, Josh O’Connor, Colman Domingo y Colin Firth, en este sentido destaca especialmente el trabajo de Courtney Grace. Aunque sobre el papel tiene un personaje de reparto, termina convirtiéndose en una de las presencias más verosímiles del conjunto. No puedo explicar exactamente por qué sin revelar el final, pero el guion le permite representar algo muy reconocible para cualquier espectador actual: la forma en que vivimos los acontecimientos colectivos a través de los medios de comunicación y de las figuras que los narran.

Hay además un detalle especialmente interesante. Mientras gran parte del cine comercial contemporáneo se obsesiona con preparar secuelas o expandir universos, ‘El día de la revelación’ parece más interesada en el impacto inmediato de su premisa. Paradójicamente, la película más arriesgada habría sido aquella que explorase las consecuencias del escenario planteado en sus últimos minutos. Ahí se encuentra una historia fascinante que Spielberg decide dejar fuera de campo.

Pese a algunos problemas de duración y a ciertas oportunidades desaprovechadas, el resultado final funciona. Porque cuando todo parece reducirse a conspiraciones, expedientes secretos y persecuciones gubernamentales, emerge la cualidad que siempre ha distinguido al director: su capacidad para provocar emociones genuinas. Puede que ‘El día de la revelación’ no alcance las cotas de sus clásicos inmortales, pero sí demuestra que Steven Spielberg sigue siendo capaz de mirar al cielo para hablarnos, en realidad, de nosotros mismos.

Ficha de ‘El día de la revelación’

Estreno en España: 12 de junio de 2026. Título original: Disclosure Day. Duración: 145 min. País: EE.UU. Dirección: Steven Spielberg. Guion: David Koepp, Steven Spielberg. Idea: Steven Spielberg. Música: John Williams. Fotografía: Janusz Kaminski. Reparto principal: Emily Blunt, Josh O’Connor, Colman Domingo, Colin Firth, Eve Hewson, Wyatt Russell. Producción: Universal Pictures, Amblin Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: ciencia ficción. Web oficial.

Así será Cibeles de Cine 2026

Del 25 de junio al 8 de septiembre con más de 70 películas y un homenaje al cine español

Madrid volverá a convertir las noches estivales en una gran fiesta del séptimo arte gracias a la undécima edición de Cibeles de Cine. El emblemático cine de verano instalado en la Galería de Cristal de CentroCentro, en el Palacio de Cibeles, regresará del 25 de junio al 8 de septiembre de 2026 con una programación que supera las 70 películas y que este año rendirá homenaje al excelente momento que atraviesa el cine español.

Organizado por CentroCentro y producido por mk2 Cines, el evento se ha consolidado como una de las principales citas culturales del verano madrileño. En su décima edición reunió a más de 45.000 espectadores y aspira a repetir el éxito con una oferta que combina grandes estrenos, cine de autor, clásicos, producciones familiares y películas de culto.

‘Volver’ abrirá una edición dedicada al cine español

La programación arrancará con la proyección de ‘Volver’, la célebre película de Pedro Almodóvar que celebra su vigésimo aniversario en 2026. El homenaje al cine español también estará presente en el cartel oficial de esta edición, diseñado por Beatriz Ramo (Naranjalidad) e inspirado en la icónica imagen creada por Juan Gatti para la película.

Además, la exposición fotográfica ‘Un país de puro cine’, comisariada por Gorka Lejarcegi, reunirá retratos de algunas de las figuras más importantes de la industria cinematográfica española realizados por fotógrafos de El País.

Estrenos, éxitos recientes y cine premiado

Entre los títulos nacionales más destacados figuran ‘Los domingos’, gran triunfadora de los Premios Goya 2026, ‘La cena’,Aída y vuelta’, ‘Yo no moriré de amor’, ‘Maspalomas’, ‘Amarga Navidad’, ‘Flores para Antonio’, ‘Cada día nace un listo’ y ‘El ser querido’, presentada recientemente en el Festival de Cannes.

La programación también incluirá algunos de los grandes éxitos comerciales de la temporada, como ‘El diablo viste de Prada 2’, ‘Proyecto salvación’, ‘Cumbres borrascosas’, ‘Michael’ o ‘Marty Supreme’.

Entre las producciones más reconocidas en festivales y premios internacionales destacan ‘Valor sentimental’, ‘Una batalla tras otra’, ‘Hamnet’, ‘Bugonia’, ‘El agente secreto’, ‘Tres adioses’, ‘Father Mother Sister Brother’, ‘Incontrolable’ y ‘La chica zurda’.

Clásicos y cine de culto para todos los públicos

Los aficionados al cine de culto podrán disfrutar de títulos tan populares como ‘Moulin Rouge’, que celebra su 25 aniversario, ‘El viaje de Chihiro’, ‘Pulp Fiction’, ‘Dirty Dancing’, ‘Kill Bill. The Whole Bloody Affair’ y ‘La princesa prometida’.

Los domingos estarán reservados para grandes clásicos nacionales e internacionales, con películas como ‘La escopeta nacional’, ‘El laberinto del fauno’, ‘Belle Époque’, ‘Cabaret’, ‘Vértigo’, ‘Manhattan’, ‘Cuenta conmigo’, ‘Desayuno con diamantes’ y ‘Taxi Driver’.

Por su parte, los sábados estarán dedicados al público familiar con proyecciones dobladas al castellano como ‘Toy Story 5’, ‘Super Mario: Galaxy’, ‘Minions & Monsters’, ‘Zootropolis 2’, ‘Shrek’ y ‘Dentro del laberinto’.

Una experiencia cinematográfica completa

Las proyecciones comenzarán cada noche a las 22:00 horas, aunque el recinto abrirá sus puertas desde las 20:00 para que los asistentes puedan disfrutar de la zona de restauración, las exposiciones y diversas actividades paralelas.

El patio de butacas contará con 650 asientos equipados con cojines, mientras que las películas se proyectarán en alta definición y se escucharán mediante auriculares inalámbricos en versión original subtitulada, salvo las sesiones familiares de los sábados.

La colaboración con Campari volverá a aportar experiencias especiales, incluyendo una zona premium con cena y actividades temáticas vinculadas al mundo del cine y los grandes festivales internacionales.

Con una programación diversa y una clara apuesta por el talento nacional, Cibeles de Cine 2026 se perfila como una de las grandes propuestas culturales del verano madrileño.

PUFA 2026 suma seis nuevas premieres internacionales

El festival amplía su tercera edición con estrenos procedentes de Indonesia, Estados Unidos, Australia, Suecia, Argentina y Corea del Sur

La tercera edición de PUFA (Pucela Fantástica) sigue reforzando su programación. El Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid, que se celebrará del 4 al 11 de julio de 2026, ha anunciado seis nuevas incorporaciones a sus secciones competitivas, consolidando una selección marcada por la diversidad de estilos, procedencias y propuestas dentro del fantástico contemporáneo.

Con este nuevo avance, el certamen añade estrenos europeos y mundiales que abarcan desde el terror sobrenatural asiático hasta el thriller psicológico, el found footage y algunas de las propuestas más arriesgadas del panorama independiente internacional.

Tres nuevos títulos para la Sección Oficial

Entre las incorporaciones destaca ‘Janur Ireng’, la nueva producción del director indonesio Kimo Stamboel, conocido por títulos como ‘La reina de la magia negra’. La película funciona como precuela de ‘Sewu Dino’ y combina maldiciones ancestrales, rituales de magia negra y horror sobrenatural. Valladolid acogerá su estreno europeo.

También llegará en premiere europea ‘Capture’, del estadounidense Bruce Wemple. La historia sigue a una mujer que descubre inquietantes secretos familiares tras heredar la casa de sus padres biológicos y encontrar antiguas cintas de vídeo. La propuesta mezcla terror analógico y elementos sobrenaturales en una línea cercana a clásicos modernos del género.

La tercera incorporación es ‘Cruel Hands’, thriller psicológico australiano dirigido por Al Kalyk. La cinta explora el trauma y la violencia doméstica a través de la historia de una madre y su hijo que buscan refugio en una granja aislada, donde nuevas amenazas comenzarán a manifestarse.

Aquelarres apuesta por el terror más experimental

La sección Aquelarres, dedicada a las propuestas más libres y arriesgadas del festival, también incorpora tres nuevos largometrajes.

Desde Suecia llegará ‘The Waiting Man’, de Carl Sundström, una inquietante combinación de found footage y leyendas urbanas inspiradas en los creepypastas y el folclore japonés. La película celebrará en PUFA su estreno mundial.

Por su parte, Argentina estará representada por ‘El llanto del perro’, dirigida por Jano Piccardo y Federico Venzi. La película mezcla drama, fantasía y terror en torno a una joven que se ve atrapada en un extraño ritual donde se difuminan las fronteras entre humanos y animales.

Completa el anuncio ‘Killing Time’, producción surcoreana de Jang Jun-yeop que combina terror, humor negro y crítica a la cultura digital a partir de la tragedia ocurrida durante una retransmisión en directo de un popular canal de YouTube. También tendrá su estreno mundial en Valladolid.

Una programación cada vez más internacional

Estas nuevas películas se suman a títulos previamente anunciados como ‘IAI’, ‘Went Up the Hill’, ‘Samakdo’ o ‘Buffet Libre’ en Sección Oficial, así como ‘Lenore’, ‘Yesterday Island’, ‘El ritual de Lily’ y ‘Cuántica Rave’ en Aquelarres.

La organización continúa apostando por una programación internacional que reúne producciones de Asia, Europa, Oceanía y América, convirtiendo a PUFA en uno de los eventos especializados en fantástico y terror con mayor crecimiento dentro del panorama nacional.

Ya están disponibles los Abonos PuFan

Coincidiendo con este segundo avance de programación, el festival ha puesto a la venta los Abonos PuFan 2026 en dos modalidades diferenciadas. El abono de Sección Oficial incluye acceso a todas las películas de competición, proyecciones especiales como ‘¿Quién puede matar a un niño?’ y ‘La abuela’, además de acceso preferente a las galas del certamen y un pack exclusivo de bienvenida.

Por su parte, el abono Aquelarres permite asistir a todas las sesiones de esta sección y recibir un obsequio exclusivo del festival.

La organización ha limitado a 48 unidades cada modalidad, reforzando el carácter exclusivo de una edición que continuará anunciando nuevos títulos durante las próximas semanas.

Crítica: ‘Backrooms’

En qué plataforma ver Backrooms

Backrooms es el triunfo de una generación colectivamente creativa

Durante años, Hollywood ha intentado capturar fenómenos nacidos en internet con resultados desiguales. Algunos se quedaron en curiosidades pasajeras y otros demostraron que detrás de ciertos fenómenos virales existía un imaginario colectivo capaz de trascender la pantalla del ordenador. Con ‘Backrooms’, el joven director Kane Parsons logra sacarle un partido de récord a lo que nació como un simple creepypastas que ni siquiera él comenzó.

El origen de los Backrooms es tan sencillo como fascinante. Todo comenzó con una fotografía publicada en 4Chan. Una imagen anodina de una tienda de muebles abandonada con paredes amarillentas y vacías. A esto le acompañó un usuario anónimo con una breve explicación inventada sobre un espacio infinito oculto tras la realidad. Aquellas reglas improvisadas hablaban de habitaciones interminables, luces fluorescentes y una sensación permanente de estar atrapado en un lugar que no debería existir. Las aportaciones de la comunidad de usuarios hicieron el resto, el lore creció y las Backrooms cobraron vida en el imaginario coelctivo.

Buena parte de la culpa de esa expansión la tuvo precisamente Kane Parsons. Mucho antes de que A24 apostara por él, sus vídeos de metraje encontrado inspirados en los Backrooms se habían convertido en un fenómeno viral. Ahora, con apenas veinte años, Parsons se convierte en el director más joven en estrenar una película bajo el sello de A24, un logro extraordinario que merece reconocimiento independientemente del resultado final de la obra.

Un laberinto entre ‘Exit 8’ y ‘La celda’

Lo de ‘Backrooms’ (como película) realmente no es algo nuevo. Su virtud radica en su capacidad para transmitir incomodidad. Parsons comprende qué funcionó en sus vídeos y aprovecha al máximo la sensación de aislamiento. Los personajes vagan por espacios interminables que parecen existir fuera del tiempo y de la lógica.

Resulta inevitable acordarse de ‘Exit 8’ teniendo tan cerca ese estreno. Ambas obras comparten personajes atrapados en lugares aparentemente infinitos, escenarios minimalistas, una sensación constante de repetición y la idea de un espacio que parece burlarse de las leyes de la realidad.

Sin embargo, la película también encuentra inesperados puntos de contacto con ‘La celda’, la obra de Tarsem Singh. No tanto por su estética, que es mucho más austera, sino por la dirección que toma su planteamiento psicológico. Lo que empieza como una exploración de un misterio abstracto termina convirtiéndose en una incursión por territorios mentales mucho más concretos. Y ahí aparece el principal problema del filme.

El gancho de los Backrooms residía en la ambigüedad. En el miedo a un lugar imposible que existía sin explicación. Parsons decide romper esa regla y ofrece una interpretación inédita del fenómeno. La película dedica una parte considerable de su metraje a desarrollar esa explicación, la intención es legítima, pero el resultado es discutible. Cuanto más explica la película, menos inquietante resulta.

Kane Parsons y el triunfo de una generación colectivamente creativa

Más allá de sus defectos, ‘Backrooms’ representa algo especialmente interesante dentro del panorama actual. Estamos ante una obra creada por alguien que pertenece exactamente al público al que se dirige. Kane Parsons no es un ejecutivo intentando interpretar tendencias juveniles. Es uno de los responsables directos de haberlas creado y consumido.

Por eso resulta tan significativo su éxito. Durante años se buscó repetir el impacto comercial que tuvo otro famoso creepypasta como Slenderman, pero los resultados nunca estuvieron a la altura del fenómeno original. En cambio, sí hemos visto cómo propuestas nacidas en internet o en las consolas lograban conectar con el público masivo, como ocurrió con ‘Five Nights at Freddy’s’ (recordemos que a día de hoy es la película de terror más taquillera de la historia en España).

‘Backrooms’ se suma a esa corriente. Y aunque algunos observadores tienden a asociar automáticamente juventud con superficialidad, la película demuestra que ambas cosas no tienen por qué ir unidas. Su rareza, su voluntad de incomodar y sus reflexiones están muy lejos de cualquier propuesta complaciente.

También resulta revelador observar quiénes han respaldado el proyecto. A24 detectó rápidamente el potencial de Parsons, pero no fue la única. Entre los productores figuran nombres tan representativos del terror contemporáneo como James Wan, Shawn Levy y Oz Perkins. La presencia de Wan resulta especialmente significativa. Al fin y al cabo, él mismo construyó buena parte de su carrera a partir de una idea modesta que terminó convirtiéndose en un fenómeno multimillonario con ‘Saw’. Es por ello que en cierto modo, hay que ver ‘Backrooms’ ya que representa una radiografía del terror contemporáneo. Puede que sus respuestas no estén a la altura de sus preguntas o que ni quiera las hayamos pedido, pero incluso cuando se equivoca demuestra una personalidad poco común.

Ficha de ‘Backrooms’

Estreno en España: 5 de junio de 2026. Título original: Backrooms. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Kane Parsons. Guion: Will Soodik, Kane Parsons, William Bromell. Música: Kane Parsons, Edo Van Breemen. Fotografía: Jeremy Cox. Reparto principal: Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, Mark Duplass, Finn Bennett, Lukita Maxwell. Producción: A24, 21 Laps Entertainment, Atomic Monster. Distribución: Elástica Films. Género: Web oficial.

Nuevo tráiler de ‘Supergirl’

Kara Zor-El se prepara para la gran aventura cósmica del nuevo DCU

DC Studios y Warner Bros. Pictures han intensificado la promoción de ‘Supergirl’ con el lanzamiento de un nuevo tráiler extendido. La película, protagonizada por Milly Alcock como Kara Zor-El, llegará a los cines españoles el próximo 26 de junio y será la segunda gran producción cinematográfica del renovado Universo DC liderado por James Gunn y Peter Safran.

Un viaje de venganza y justicia por toda la galaxia

Cabe recordar que el cómic en el que se basa la película es un viaje larguísimo a lo largo de todo el universo. Toda una odisea creada por Tom King y Bilquis Evely. Es por ello que la nueva película sigue a Kara Zor-El cuando un enemigo despiadado golpea demasiado cerca de su entorno personal. Obligada a actuar, la heroína emprenderá una aventura interplanetaria en busca de justicia junto a un compañero inesperado. El largometraje está dirigido por Craig Gillespie y escrito por Ana Nogueira.

El nuevo tráiler muestra más acción, a Lobo y el regreso de Krypto

El avance recién publicado ofrece nuevas escenas de acción, un vistazo más amplio al personaje de Lobo, interpretado por Jason Momoa, y profundiza en la relación entre Kara y Krypto, el popular superperro kryptoniano. Además, el material promocional deja entrever algunos de los conflictos emocionales que marcarán a esta versión de Supergirl, descrita como una heroína con un pasado mucho más complejo y duro que el de Superman.

El origen de Supergirl en el nuevo Universo DC

Aunque muchos espectadores conocen a Kara Zor-El como la prima de Superman, esta nueva adaptación parece apostar por una visión más cercana al cómic ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’, donde el personaje afronta pérdidas, traumas y dilemas morales mucho más oscuros que los habituales en las historias de superhéroes.

Milly Alcock, conocida internacionalmente por interpretar a la joven Rhaenyra Targaryen en la serie ‘House of the Dragon’, lidera un reparto que también incluye a Eve Ridley, David Krumholtz, Emily Beecham y el ya mencionado Jason Momoa.

Una de las grandes apuestas de DC para 2026

Con la venta anticipada de entradas ya en marcha en varios mercados internacionales y una campaña promocional cada vez más intensa, ‘Supergirl’ se perfila como una de las grandes apuestas de DC Studios para el verano de 2026. El filme llegará a salas convencionales e IMAX el 26 de junio, apenas un año después del estreno de ‘Superman’, consolidando la nueva etapa cinematográfica de la editorial.

Álex de la Iglesia recibirá el Premio de Honor de los Premios Fugaz 2026

El director bilbaíno será reconocido por su trayectoria en los galardones más importantes del cortometraje español

El cineasta Álex de la Iglesia recibirá el Premio Fugaz de Honor 2026 durante la gala de la décima edición de los Premios Fugaz, que se celebrará el próximo 22 de junio en Kinépolis Ciudad de la Imagen de Madrid. La organización reconoce así la trayectoria de uno de los autores más influyentes y personales del cine español contemporáneo, cuya carrera comenzó precisamente en el formato corto con ‘Mirindas asesinas’ (1990).

El galardón, concedido por CortoEspaña, pone en valor tanto su aportación al cine español como su estrecha relación con el cortometraje, un formato que le sirvió como plataforma para desarrollar el universo creativo que posteriormente consolidaría en la gran pantalla.

Un reconocimiento a una carrera fundamental del cine español

Desde su debut con ‘Mirindas asesinas’, Álex de la Iglesia ha construido una filmografía caracterizada por el humor negro, el fantástico, la sátira social y una puesta en escena desbordante. Su salto al largometraje llegó con ‘Acción mutante’ (1993), pero fue ‘El día de la bestia’ (1995) la película que lo convirtió en una referencia del cine de género español, logrando seis Premios Goya, incluido el de Mejor Dirección.

A lo largo de su carrera ha firmado títulos tan destacados como ‘La comunidad’, ‘Crimen ferpecto’, ‘Balada triste de trompeta’, ‘Las brujas de Zugarramurdi’ o la serie ’30 monedas’, consolidando un estilo inconfundible que ha influido en varias generaciones de cineastas.

Los Premios Fugaz destacan sus orígenes en el cortometraje

Según ha explicado Samuel Rodríguez, codirector de CortoEspaña, el premio también busca reivindicar el papel del cortometraje como espacio de descubrimiento de nuevos talentos. En este sentido, ‘Mirindas asesinas’ es considerada una obra fundamental para comprender el nacimiento del imaginario cinematográfico de De la Iglesia.

El cortometraje obtuvo en 1990 el Primer Premio de la Sección de 16 mm del Festival de Cine de Alcalá de Henares y llamó la atención de la productora El Deseo, impulsando la carrera del director.

Una edición récord para los Premios Fugaz

La décima edición de los Premios Fugaz ha registrado más de 600 cortometrajes presentados, evaluados por una comisión formada por más de 1.800 profesionales del sector audiovisual.

Como principal novedad de este año, la organización ha ampliado de cinco a diez las nominaciones en la categoría de Mejor Cortometraje, con el objetivo de reflejar mejor la diversidad y calidad de la producción española en formato corto.

La ceremonia de entrega tendrá lugar el 22 de junio en la Sala 25 de Kinépolis Ciudad de la Imagen, con la asistencia prevista de numerosas figuras de la industria cinematográfica española.

Crítica: ‘Scary Movie’ (2026)

En qué plataforma ver Scary Movie

Una fumada tras otra

Más de una veintena de años después de que la franquicia comenzara a perder parte de su identidad, los hermanos Wayans regresan a ‘Scary Movie’ para demostrar que todavía saben cómo convertir el mal gusto en un arte caótico. Y sí, también para recordar que fueron ellos quienes definieron el ADN de la saga antes de abandonar la franquicia tras ‘Scary Movie 2’, cuando las negociaciones económicas para continuar no llegaron a buen puerto.

Esta sexta entrega tiene algo de reunión familiar, de ajuste de cuentas y de celebración. Ahora que los Weinstein ya no forman parte de la ecuación, aunque la propiedad siga vinculada a Miramax, los Wayans han podido darse el gustazo de volver a un universo que ayudaron a crear. El resultado es una película que recupera la irreverencia más pueril y descarada que muchos espectadores echaban de menos y otros la esperaban como un revulsivo.

Una comedia que no pide paso ni perdón

Desde su misma secuencia inicial, protagonizada por Teyana Taylor, ‘Scary Movie 6’ deja claro que viene dispuesta a encadenar una fumada tras otra (literalmente). No hay intención alguna de sofisticar el producto ni de disfrazarlo de sátira elevada. Aquí hay humor verde, escatológico, psicotrópico y una absoluta falta de interés por las buenas maneras.

Eso hará que la película divida al público, como ya sucedió en su día, cuando surgió como una versión pasada de vueltas de la saga ‘Agárralo como puedas’. Habrá quien la considere una reliquia cómica de otra época, un ejemplo de un humor que ha envejecido mal y que se niega a adaptarse a los tiempos. Otros encontrarán precisamente en esa incorrección su principal atractivo, como una especie de resistencia cómica frente a una cultura cada vez más empeñada en poner límites a todo.

Para quien no sepa de qué trata esto, básicamente es una consecución de sketches inspirados en película de terror del momento e hilados por una historia que por lo general rememora a ‘Scram’. Los Wayans tampoco se conforman con parodiar únicamente éxitos recientes del terror. Como ya ocurría en las mejores entregas de la saga, los dardos apuntan también hacia la actualidad política y social. Entre bromas imposibles aparecen referencias a temas tan contemporáneos como los archivos de Epstein o las políticas migratorias asociadas al ICE de Trump. Sin duda han mantenido el montaje abierto hasta el último instante incluyendo algunos de los gags más efectivos e hirientes de todo el largometraje.

He citado Miramax, pero el otro gran participante en todo esto es Paramount Pictures. Viene como anillo al dedo traer esto a la palestra y no es propaganda ya que son los responsables de otro regreso. El de ‘Agárralo como puedas’. ‘Scary Movie’ es clara heredera de las películas de los ZAZ (‘Top Secret!’ o ‘Airplane’) y conviene recordar que a parte de adecuarse a los tiempos hay que mantener vivo un espíritu y una dinámica humorística. La productora ha dado carta blanca sin ningún tapujo y eso es para aplaudir en estos tiempos en los que se intenta ante todo guardar las formas y llegar a todo el mundo posible a cambio de perder autenticidad.

Terror, nostalgia y una lluvia de referencias

Por supuesto, el terror sigue siendo el combustible principal de la franquicia. Desfilan referencias a nuevas y viejas entregas de ‘Scream’, a los regresos recientes de ‘Halloween’ y a fenómenos contemporáneos como ‘Longlegs’, ‘La sustancia’ o ‘Weapons’. Pero el objetivo nunca es analizar estas películas, sino utilizarlas como excusa para lanzar chistes a una velocidad absurda. En ese sentido el filme funciona pues retar al espectador a ver si detecta todas las referencias siempre es un buen gancho. Pero aparecen a tal velocidad tiktokera que me compadezco del montador de esta película.

También hay espacio para segmentos animados a lo coreano, guiños generacionales y referencias dirigidas tanto a millennials como a zillennials. Sin embargo, quienes más disfrutarán la experiencia serán aquellos espectadores que crecieron con las dos primeras entregas. Si consiguen conectar durante hora y media con su yo adolescente, probablemente se encontrarán riendo donde otros solo verán inmadurez.

Esta sexta entrega de ‘Scary Movie’ no pretende reinventar nada. Lo que hace es recuperar una fórmula que llevaba demasiado tiempo desaparecida. Y lo hace con la misma elegancia de una cabra hambrienta entrando en un salón de té lleno de conservadores.

¿Los dealers de esta nueva entrega?

En el reparto volvemos a tener a los protagonistas originales: Marlon Wayans, Shawn Wayans, Anna Faris, Regina Hall. Pero realmente los proveedores de estas nuevas dosis humorísticas son su director y guionistas. Al mando de esta nueva flipada está Michael Tiddes, quien ya ha hecho numerosas películas del mismo corte con Marlon Wayans como ‘Paranormal Movie’. Y el libreto, esta sobredosis de chifladuras a tope de THC son los hermanos Wayans acompañados de su sobrino Craig Wayans y hermano Keenen Ivory Wayans, autor de ‘Dos rubias de pelo en pecho’, para la cual también hay un buen gag. Y el denominador común, quien ha estado en todos estos proyectos, viene con apellido diferente, Rick Alvarez. Quien sabe, quizás algún día este humor básico y tonrorrón sea visto como algo a reivindicar y todos estos nombres que quedan aquí anotados vuelven a ser aplaudidos.

Ficha de ‘Scary Movie’

Estreno en España: 5 de junio de 2026. Título original: Scary Movie. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Tiddes. Guion: Rick Alvarez, Marlon Wayans, Shawn Wayans, Keenen Ivory Wayans, Craig Wayans. Música: Haim Mazar. Fotografía: Terry Stacey. Reparto principal: Marlon Wayans, Shawn Wayans, Anna Faris, Regina Hall. Producción: Paramount Pictures, Miramax, Original Film, Ugly Baby Productions, Wayans Brothers. Distribución: Paramount Pictures. Género: comedia. Web oficial.

Divisa Films anuncia sus lanzamientos de julio de 2026 con clásicos restaurados, ediciones de coleccionista y cine familiar

‘Alicia en el País de las Maravillas’, ‘Los Intocables de Eliot Ness’ y varias joyas de John Ford, Jean Renoir y José Luis Garci encabezan las novedades del catálogo

Divisa Films ha desvelado sus lanzamientos domésticos para julio de 2026, una selección que combina grandes clásicos restaurados, ediciones especiales para coleccionistas, cine familiar y recuperaciones en alta definición de títulos fundamentales de la cinematografía española e internacional. La mayoría de las novedades llegarán al mercado el próximo 13 de julio.

‘Alicia en el País de las Maravillas’ celebra su 75 aniversario en 4K

Entre los lanzamientos más destacados figura la primera edición en formato 4K Ultra HD de ‘Alicia en el País de las Maravillas’, el clásico animado de Disney estrenado en 1951 y basado en la obra de Lewis Carroll. La película ha sido restaurada y remasterizada en 4K por los equipos de Walt Disney Animation Studios para conmemorar su 75 aniversario.

La edición incluirá un disco Blu-ray con abundante material adicional centrado en la producción y el legado de uno de los títulos más emblemáticos de la animación clásica.

‘Los Intocables de Eliot Ness’ llega en Steelbook 4K

Los aficionados al cine de gánsteres podrán incorporar a sus colecciones una edición limitada Steelbook de ‘Los Intocables de Eliot Ness’, la célebre película dirigida por Brian De Palma y protagonizada por Kevin Costner, Sean Connery, Robert De Niro y Andy García.

Estrenada en 1987, la cinta recrea la lucha del agente Eliot Ness contra el imperio criminal de Al Capone durante la Ley Seca y cuenta con una recordada banda sonora de Ennio Morricone. Sean Connery obtuvo el Oscar al Mejor Actor de Reparto por su interpretación del veterano policía Jimmy Malone.

Cine clásico de John Ford y Jean Renoir en Blu-ray

La distribuidora también recuperará dos títulos esenciales del cine clásico. Por un lado, ‘Hombres intrépidos’, dirigida por John Ford en 1940 y protagonizada por John Wayne, llegará por primera vez en Blu-ray. La película adapta varias obras de Eugene O’Neill y sigue a la tripulación de un carguero durante la Segunda Guerra Mundial.

Por otro, ‘Esta tierra es mía’, una de las obras más destacadas de Jean Renoir durante su etapa estadounidense, regresará en alta definición. Protagonizada por Charles Laughton y Maureen O’Hara, la película aborda la resistencia moral frente a la ocupación nazi durante la Segunda Guerra Mundial.

José Luis Cuerda y José Luis Garci protagonizan las novedades españolas

El cine español tendrá una presencia destacada en el catálogo de julio.

Divisa publicará por primera vez en Blu-ray ‘La educación de las hadas’, drama romántico dirigido por José Luis Cuerda y protagonizado por Ricardo Darín, Irène Jacob y Bebe. Basada en la novela de Didier Van Cauwelaert, la película explora las complejidades de las relaciones sentimentales y familiares.

Además, la compañía recuperará dos títulos fundamentales de José Luis Garci: ‘Solos en la madrugada’ y ‘Sesión continua’. La primera es una de las películas más representativas de la Transición española, protagonizada por José Sacristán, mientras que la segunda rinde homenaje al amor por el cine clásico a través de la historia de dos amigos unidos por su pasión cinematográfica.

‘Tafiti y sus amigos’, apuesta familiar del mes

Entre las propuestas dirigidas al público infantil destaca ‘Tafiti y sus amigos’, producción alemana de animación basada en los populares cuentos de Julia Boehme. La película narra la amistad entre una joven suricata y un cerdo salvaje que emprenden una aventura para encontrar una flor capaz de salvar la vida del abuelo de la protagonista.

El largometraje llegará en DVD con doblajes en castellano, catalán y euskera, además de opciones de accesibilidad para personas con discapacidad visual y auditiva.

Un mes marcado por la recuperación del patrimonio cinematográfico

Con esta batería de lanzamientos, Divisa Films vuelve a apostar por la preservación y difusión del patrimonio cinematográfico, combinando restauraciones de clásicos internacionales, cine español de referencia y propuestas familiares destinadas a nuevas generaciones de espectadores. Entre aniversarios, primeras ediciones en Blu-ray y lanzamientos en 4K, julio de 2026 se presenta como uno de los meses más potentes del año para los coleccionistas del formato físico.