De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.
Lo mejor, lo peor y las mayores locuras que nos deja Sitges 2026
El Festival de Sitges 2026 ha vuelto a dejarnos una amplia selección de cine fantástico, terror y propuestas inclasificables. Pero ¿cuáles han sido las mejores películas de esta edición? ¿Qué títulos nos han sorprendido para bien? ¿Cuáles han resultado ser las grandes decepciones? ¿Y qué hemos visto que todavía no sabemos muy bien cómo explicar?
¿Cómo diseccionar un festival con más de 280 películas?
En lugar de limitarnos a hacer una lista extenuante con las más de 60 películas que hemos visto hemos preferido repasar las películas más destacadas de la programación. Para ello, al igual que anteriores ocasiones, proponemos un recorrido por cinco categorías:
– Lo mejor de Sitges 2026: las películas que más nos han entusiasmado y que consideramos imprescindibles de esta edición por su calidad y potencial.
– Lo peor de Sitges 2026: los títulos que menos han estado a la altura de nuestras expectativas o que más deserciones en sala han tenido.
– Lo más raro de Sitges 2026: las propuestas más extrañas, extravagantes o difíciles de clasificar que nos hemos encontrado.
– Lo más sorprendente de Sitges 2026: las películas que nos han conquistado cuando menos lo esperábamos o que nos han descubierto algo inesperado.
– Lo más decepcionante de Sitges 2026: aquellas obras que partían con grandes expectativas, pero que finalmente no han conseguido satisfacerlas.
Cinco categorías para debatir sobre el cine que hemos visto, reivindicar descubrimientos y compartir también esas decepciones que forman parte de la experiencia de cualquier festival.
Los invitados del programa
Para esta edición especial hemos contado con la participación de profesionales vinculados a diferentes publicaciones, programas y proyectos audiovisuales. Una selección de invitados que aporta diversidad de criterios y distintas maneras de acercarse al cine.
Estos son los participantes que nos acompañan en nuestro repaso a Sitges 2026:
Fran Chico, de Fotogramas.
Jorge Loser, de Horror Losers.
Daniel G. González, de Vivir de Cine y Los de al lado de Pumares.
Paco Fox, de Tiempo de Culto.
Fran Villalba, de Onda Cero Canarias.
Julio Vallejo, de Cineralia.
Santi Serrano, de Revista Young, Pánico en la Sala y El Camaro-T de Frank T.
¿Cuáles son las películas imprescindibles o a evitar de Sitges 2026?
Si quieres descubrir qué películas han destacado por encima del resto, cuáles nos han dejado con la boca abierta o qué títulos han provocado las mayores discrepancias o siestas, ya puedes ver nuestro programa especial en YouTube.
Yendo más allá de su título, demuestra que Mägo de Oz es mucho más que una canción
Desde pequeño gracias a mi padre he escuchado música celta y folk gracias a mi padre, con grupos como Gwendal, Milladoiro, Wolfstone o The Pogues. Después llegaron, por influencia de mis primos mayores, Barricada, Extremoduro o Platero y Tú. Descubrir Mägo de Oz en la adolescencia fue, por tanto, casi una ecuación perfecta. Me bajé de ellos hace años con la llegada de ‘Gaia’, cuando percibí un cambio que me parecía excesivamente comercial y recargado. Es cuestión de gustos, claro, porque precisamente ‘Fiesta Pagana’ considera que aquella trilogía fue el techo creativo y comercial de la banda.
Y quizá por eso funciona que Álvaro Brechner y Sofía Cuenca no planteen un documental ortodoxo, sino un biopic musical de estructura narrativa clásica, construido alrededor de una banda que convirtió sus discos en historias. Desde ‘Jesús de Chamberí’ hasta ‘Gaia’, Mägo de Oz nunca se conformó con lanzar canciones sueltas: quiso levantar universos. La película hace algo parecido, tomando como columna vertebral las discrepancias entre Txus y José Andrëa para recorrer la historia de lo que llegó a convertirse en una de las mayores bandas de heavy españolas.
El ascenso resulta especialmente llamativo porque parte de un grupo nacido en 1988 y de un primer disco que apenas alcanzó unas 150 copias vendidas. El filme no remarca la figura de Juanma como cantante original (Aury ni siquiera aparece), pero si la incorporación de José Andrëa y su formación vocal, el encuentro con él en la escuela donde impartía canto, el salto de popularidad de ‘Molinos de viento’, ‘Finisterra’ y, por supuesto, ‘Fiesta Pagana’.
También se detiene en la primera aventura latinoamericana y en esa hostilidad inicial que tuvo que afrontar la banda. Incluso aparece el episodio de Bolivia y la surrealista confusión con una limusina que no era para ellos. Son detalles que ayudan a que la historia no sea únicamente una sucesión de conciertos, discos y broncas.
Txus, José y una banda que se rompe
El gran acierto es no convertir las diferencias entre Txusdi Felatio y José Andrëa en una simple pelea de patio. La película habla de ambición, liderazgo, ego y de la dificultad de mantener una banda cuando su personalidad colectiva empieza a confundirse con la de sus individuos. Y aunque la salida de José en 2011 acaba funcionando como uno de los grandes puntos de fuga dramáticos, ‘Fiesta Pagana’ no reduce a Mägo de Oz a sus conflictos: también celebra sus éxitos.
El protagonista real es Txus. Adrián Lastra lo interpreta con una mezcla bastante sorprendente de imitación y comprensión. He coincidido un par de veces con el auténtico Txus y lo he visto en numerosos conciertos, y Lastra consigue reproducir gestos, maneras y esa condición de personaje que acompaña al batería. Lo importante es que nunca cae del todo en la caricatura. Tras la fachada hay obsesiones, ego, ambición y, sobre todo, una pasión enorme por su criatura.
Adrià Mondaray también merece reconocimiento. Sus voces no son las originales (ignoro si existen condicionantes de derechos), pero hay un esfuerzo evidente por acercarse a José Andrëa que trasciende la mera imitación. Se percibe algo de fan en su interpretación. Y el filme, afortunadamente, tampoco convierte la estética heavy en objeto de burla.
‘Fiesta Pagana’ no es solamente ‘Fiesta Pagana’
Hay una ironía estupenda en que una película titulada ‘Fiesta Pagana’ tenga precisamente a ‘Fiesta Pagana’ como una de sus canciones recurrentes y, al mismo tiempo, consiga explicar que Mägo de Oz es muchísimo más que ese himno. Su popularidad la ha convertido casi en una caricatura de la propia banda, algo que la escena con los pijos parece señalar con bastante mala leche. Para muchos seguidores, además, es precisamente la canción más comercial y más machacada de su repertorio, para pocos fans del grupo es la favorita o la que les identifica.
La música está muy presente y la película aprovecha al rededor de una decena de temas para construir su recorrido. En ese aspecto se percibe especialmente la mano de Moha (violinista original del grupo), responsable de la música junto a José Manuel Cuesta. Su presencia sirve además para homenajear a su padre quien fue el germen de ‘Diabulus in Musica’ (curiosidad que yo desconocía). Tanto Moha como Peri hacen un cameo y me consta que junto con Txus se han estado pasando por el rodaje.
Pero el homenaje más emotivo es el dedicado a Big Simon. Roberto Álamo le presta cuerpo y voz, convirtiéndolo en narrador emocional de la película. Él siempre será canción. Y ahí está probablemente la mayor virtud de ‘Fiesta Pagana’: bajo las disputas, las separaciones y los egos consigue recordar que antes de todo eso hubo canciones. Muchas. Y una banda que hizo de sus discos, sus portadas y sus personajes una mitología propia. Es coherente, además, que la película juegue con esa iconografía (creada casi siempre por el artista Gaboni) y que sorprenda puntualmente con lo que aparente parecen imágenes generadas por IA.
Entre la fidelidad y el biopic no autorizado
Me consta que inicialmente Txus se opuso a esta película y que no se ha contado con el beneplácito de todos los integrantes de la banda. Ahí entra en juego la esgrima en la escritura por parte de la guionista. Sofía Cuenca cambia de tercio con la misma facilidad con la que Mägo de Oz cambia de formación: del terror de ‘Musarañas’ a la comedia y después a los éxitos románticos de la saga ‘Culpables’. Esa versatilidad se nota. En este filme hay miserias, tragedia, gamberrismo y ternura. Y, sobre todo, una película que entiende que la historia de Mägo de Oz no terminó cuando sus miembros empezaron a separarse, la música prevalece.
Txus sigue en activo con otros músicos de Mägo de Oz y José junto con otros exmiembros (Carlitos, Frank y Salva) fundó Kabrones, quizás por eso, salvo en los créditos y alguna que otra pintada, no oímos el famoso grito de ¡Cabrones! que tanto se popularizó con el tema que da título a este largometraje. Así llegamos a una historia de un grupo es como la de tantos otros, recordándome a la de Locomia, los cuales, irrumpieron entre el público general a pesar de estéticas y estilos y se dividieron compartiendo derechos de canciones. La intención, creo yo, es que entre anécdotas, ciertas explicaciones y momentos límite, nos quedemos con lo que este grupo nos hizo sentir y volvamos a los temas que más nos marcaron.
Ficha de ‘Fiesta Pagana’
Estreno en España: 6 de noviembre de 2026. Título original: Fiesta Pagana. Duración: 130 min. País: España. Dirección: Álvaro Brechner. Guion: Sofía Cuenca. Música: Carlos Prieto ‘Moha’. Fotografía: David Cortázar. Reparto principal: Adrián Lastra, Roberto Álamo, Michelle Renaud, Marc Parejo, Adrià Mondaray, Jorge López, Carlos Librado, Luis Bondia, Guillermo Furiase, José Sospedra, Jon Arias. Producción: El Sueño Eterno Pictures, Eterno Island Pictures. Distribución: Eterno Film Distribution. Género: biográfica, comedia. Web oficial.
El director de ‘Errementari’, ‘Irati’ y ‘Gaua’ regresa con un thriller sobrenatural marino ambientado en la actualidad
Paul Urkijo, uno de los cineastas más reconocidos del fantástico español, prepara su nueva película, ‘Hiru olatuak (Las tres olas)’, un thriller sobrenatural que recupera una de las leyendas pesqueras más misteriosas de la costa vasca. Tras explorar el folclore y las tradiciones de su tierra en títulos como ‘Errementari’, ‘Irati’ y ‘Gaua’, el director sitúa por primera vez una de sus historias en el presente, sin renunciar a la mitología y la imaginería que caracterizan su cine.
Urkijo define la leyenda como un relato sobre los peligros del mar y su poder, al que describe como una «atávica deidad pagana, temible y abrumadora». Con esta nueva propuesta, el cineasta busca sumergir al espectador en una historia de obsesión y locura, marcada por el salitre, el alcohol y la amenaza de las profundidades marinas.
Sinopsis de ‘Las tres olas’
Isaac (Iñigo Aranbarri) está a punto de convertirse en padre, pero vive atormentado por el recuerdo del suyo, que se ahogó en el mar treinta años atrás. Acompañado por su mujer, Marta (Fariba Sheikhan), decide regresar a su pueblo natal, donde descubre que su padre ha reaparecido.
Este acontecimiento lo arrastra a una espiral de obsesión vinculada a la misteriosa leyenda local de ‘Las tres olas’. A partir de ahí, la película plantea un viaje hacia los rincones más inquietantes del folclore marítimo vasco, en el que el peso del pasado y la fuerza sobrenatural del océano amenazan con desbordar la realidad.
El nuevo proyecto de Paul Urkijo tras ‘Irati’ y ‘Gaua’
‘Las tres olas’ supone un nuevo paso en la trayectoria de Paul Urkijo, que ha convertido el imaginario tradicional vasco en una de las señas de identidad de su filmografía. Su anterior película, ‘Irati’, se convirtió en el largometraje en euskera más taquillero de la historia y obtuvo reconocimiento internacional, incluido el premio del público a mejor película en el Festival de Sitges, el de mejor dirección en Fantaspoa y cinco nominaciones a los premios Goya.
El proyecto vuelve a reunir a las productoras Ikusgarri Films e Irusoin, que ya colaboraron en ‘Gaua’. Esta última compañía cuenta con títulos destacados en su trayectoria como ‘Handia’, ‘Loreak’, ‘La trinchera infinita’, ‘Marco’ y ‘Maspalomas’.
‘Las tres olas’ es una coproducción internacional de Irusoin, Ikusgarri Films, Hiru olatuak AIE y 34T. Cuenta con financiación del Gobierno Vasco y del ICAA, además de la participación de EITB, RTVE, HBO Max y Movistar Plus+.
La distribución en salas de cine correrá a cargo de Beta Fiction Spain, responsable de títulos recientes como ‘Cronos’ y ‘La infiltrada’.
Una pesadilla plástica sobre la pérdida de identidad pero con identidad propia
A ‘Clayface’ llego con unas expectativas considerables, tanto por la naturaleza de la historia que adapta como por los nombres que hay detrás del proyecto. James Gunn y Matt Reeves producen esta nueva incursión de DC en el cine de acción real, Mike Flanagan firma el guion y Tom Rhys Harries suma en su haber una lista de filmes cada vez mejores. A la dirección está James Watkins, un cineasta al que le he cogido especial respeto tras su notable remake de ‘Speak No Evil’.
La propuesta tiene una ventaja evidente: no necesita convertir a su protagonista en un héroe ni justificar sus tragedias mediante una sucesión de batallas digitales. Aquí el espectáculo consiste en observar cómo alguien pierde aquello que lo define, tanto física como emocionalmente. Y pocas cosas resultan más inquietantes que contemplar cómo un rostro deja de pertenecerte.
El legado de Batman y las cicatrices del body horror
Las comparaciones con ‘La mosca’ y ‘La sustancia’ son inevitables. El body horror encuentra aquí un terreno especialmente fértil, con una transformación corporal que promete provocar más de una mueca de asco. No hablamos únicamente de maquillaje, prótesis o efectos visuales concebidos para impresionar, sino de convertir la carne en el escenario de una tragedia mutante. James Gunn ha señalado precisamente la conexión con esa tradición del horror corporal, aunque conviene recordar que la principal referencia del personaje no nace en el cine, sino en la animación.
Mike Flanagan ha reconocido que el guion toma como base ‘Feat of Clay’, el díptico de ‘Batman: The Animated Series’ que desarrolló una de las historias más recordadas de Matt Hagen, la identidad de Clayface en aquella versión. Kevin Altieri dirigió el cierre de esos episodios y quienes seguimos su trabajo tuvimos la oportunidad de entrevistarlo en nuestro programa ‘El Simbionte’. No es un detalle menor: hablamos de una historia que contribuyó a fijar una interpretación del personaje que después ha dejado huella en los cómics y en otras adaptaciones. Para los que hablan en otro idioma: fijó el canon del personaje.
La película, además, no se entretiene demasiado en presentar a sus protagonistas. Los coloca rápidamente en situación y deja que la tragedia haga su trabajo. Es una decisión narrativa acertada para una historia de terror que necesita que el espectador comprenda pronto qué está en juego y lo rápido que se pierde todo actualmente. Es un arranque que no se hace derogar con artificios ni florituras narrativas.
Y vaya si arranca. Las alteraciones físicas del protagonista son desagradables, explícitas y capaces de revolver el estómago. Hay imágenes que parecen diseñadas para que apartemos la mirada durante un segundo, aunque nuestra curiosidad termine obligándonos a volver a la pantalla. El eco de Frankenstein o Hulk también está ahí para brindar una pizca de romanticismo: el cuerpo convertido en problema, la monstruosidad impuesta y la capacidad del corazón para domar a la bestia.
Un monstruo que busca algo auténtico
Sin embargo, reducir ‘Clayface’ a sus mutaciones y referencias sería quedarse en la superficie. Sería algo tan vacío como quedarse únicamente con el chiste de Sutherland y la ‘Invasion of the Body Snatchers’. Lo interesante es que el horror físico acompaña a una historia sobre la identidad, el fracaso profesional y la necesidad de recibir afecto. El protagonista puede alterar su apariencia, pero esa capacidad no resuelve su mayor carencia: encontrar algo verdadero en un mundo que juzga a las personas por lo que ve u oye en las pantallas.
Aquí aparece una conexión especialmente interesante con Rita Farr, el personaje de April Bowlby en ‘Doom Patrol’. La antigua estrella de Hollywood también ve convertido su cuerpo en una prisión amorfa y cómo su pasado como actriz queda eclipsado por una condición que la aleja de los focos. La comparación no es gratuita: detrás de ambos personajes hay una identidad artística amenazada por una transformación física que les arrebata el control sobre su propia imagen. Clayface podría haberla fichado en algún momento para aquel Mud Pack de 1989 que juntaba a fangosos personajes. Por eso, esta película funciona también como detector de fans de DC. Si alguien presume de conocer a fondo sus personajes, pero no encuentra conexiones entre Clayface y Rita Farr, quizá le convenga ampliar sus conocimientos más allá de Batman, Superman y los nombres más populares. El universo de DC lleva décadas explorando la monstruosidad como metáfora de la exclusión, la vergüenza y el deseo de pertenecer.
Y hay una ironía estupenda en todo ello: un personaje capaz de falsificar su cara busca desesperadamente algo auténtico. Puede adoptar otros rostros, pero no fabricar por sí mismo el reconocimiento que necesita. Esa contradicción es la que lo convierte en algo más que un villano con poderes grotescos. Es lo mismo que le pasó a Moe en ‘Los Simpson’ cuando se operaba la cara y se metía a actor.
Una Gotham compatible con el universo de DC
La presencia de James Gunn y Matt Reeves como productores invita a preguntarse dónde encaja ‘Clayface’. La aproximación recuerda a la apuesta de ‘Joker’: una historia concebida con personalidad propia, más interesada en el retrato psicológico y el género que en alimentar una continuidad compartida a golpe de cameos. La diferencia es que aquí se mantiene una puerta abierta a una eventual integración, al no depender necesariamente de elementos que contradigan otras versiones de Gotham.
De hecho, la ciudad que sugiere la película encaja especialmente bien con la visión de Matt Reeves: una Gotham sombría, desigual y poblada por personajes que parecen condenados a sobrevivir en sus márgenes. El terror no necesita un desfile de figuras conocidas para respirar el mismo aire que ‘The Batman’. Al igual que Joker, Catwoman o El Pingüino, su historia puede sostenerse sin que Batman tenga que ocupar el centro de la pantalla.
Como última curiosidad. Tom Rhys Harries y Eddie Marsan, coincidieron en la película ‘The Gentlemen’, mientras que Ruby Sear participó en la serie que continuó aquella historia de Guy Ritchie. La conexión resulta especialmente llamativa teniendo en cuenta que ‘Clayface’ se rodó en Londres.
Posdata: Me ha parecido ver a Aaron Paul poniendo rostro al padre del protagonista. Reto a mis lectores a intentar detectar este supuesto cameo y a aclarar si realmente se trata del actor o si simplemente he encontrado un parecido razonable.
Ficha de ‘Clayface’
Estreno en España: 23 de octubre de 2026. Título original: Clayface. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: James Watkins. Guion: Mike Flanagan, Hossein Amini. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Tom Rhys Harries, Naomi Ackie, Ruby Sear, David Dencik, Max Minghella, Eddie Marsan, Nancy Carroll, Joshua James. Producción: 6th & Idaho Productions, British Film Commission, DC Studios, Domain Entertainment (II), The Safran Company, Warner Bros. Studios. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: terror, adaptación. Web oficial.
La nueva adaptación de ‘Street Fighter’, dirigida por Kitao Sakurai, entiende que trasladar un videojuego de lucha a la gran pantalla no consiste únicamente en encadenar golpes especiales y reunir personajes reconocibles. También hay que encontrar el tono adecuado para que semejante desfile de luchadores tenga sentido cinematográfico. Y aquí, entre patadas voladoras, colores imposibles y una buena dosis de humor, la película consigue algo fundamental: pasárselo en grande sin pedir perdón por su naturaleza de disparate.
Un reparto de luchadores que parece imposible reunir
Street fighter poster 2026
Resulta curioso que Sakurai haya dirigido episodios de ‘Bronca’, la serie de Netflix en la que los conflictos y los enfrentamientos personales también constituyen el motor de la historia, aunque allí las hostilidades se desarrollen de una forma bastante distinta. En ‘Street Fighter’ cambia las broncas cotidianas por una sucesión de mamporros, pero conserva el interés por los personajes enfrentados y sus particulares maneras de relacionarse.
El reparto es una auténtica locura y precisamente por eso funciona. Andrew Koji, curtido en ‘Warrior’, encarna a un Ryu más arquetípico, el luchador atormentado que busca su lugar en el mundo. Sin embargo, los arcos más interesantes recaen en Ken y Chun-Li. Noah Centineo, convertido aquí en un Ken Masters bastante bobalicón, aporta una vis cómica estupenda, mientras Callina Liang (‘Presence’) compone una Chun-Li enfurecida, carismática y con personalidad suficiente para reclamar el protagonismo. Sus interpretaciones están entre las más fieles, divertidas y agradecidas para quienes conocen los videojuegos.
También destaca Vidyut Jammwal, de la saga ‘Commando’, cuyos movimientos para recrear a Dhalsim son brillantes. Su dominio físico ayuda a que el personaje resulte convincente sin depender exclusivamente de los efectos digitales.
Y todavía hay mucho más: Joe Anoa’i, conocido como Roman Reigns en la WWE, es Akuma; David Dastmalchian se mete en la piel de M. Bison; Cody Rhodes es Guile; Andrew Schulz interpreta a Dan Hibiki; Eric André da vida al estrafalario Don Sauvage; Orville Peck se convierte en Vega; Olivier Richters es Zangief; Hirooki Goto encarna a E. Honda; Mel Jarnson interpreta a Cammy; Rayna Vallandingham es Juli; Curtis «50 Cent»Jackson se transforma en Balrog y Jason Momoa hace lo propio con Blanka reafirmando la broma de la película. A ellos se suma Don Lee como Gouken, aunque únicamente presta su voz al personaje.
La elección de perfiles tan distintos, desde luchadores profesionales hasta músicos, cómicos y especialistas en artes marciales, responde a una necesidad evidente: encontrar rostros, físicos y personalidades capaces de reproducir el extravagante universo del videojuego. La película no disimula el circo, sino que lo explota para generar interacciones, contrastes y situaciones cómicas.
Combates integrados en una fantasía de neones
Ambientada en 1993, el mismo año en que llegó a los recreativos ‘Super Street Fighter II: The New Challengers’, la película juega con la nostalgia sin limitarse a colocar referencias para coleccionistas. Su historia recupera elementos reconocibles del canon y los articula alrededor del torneo World Warrior y de las cuentas pendientes entre sus protagonistas.
La estética apuesta por los colores saturados, las sombras pronunciadas, los ambientes de neón y los trajes característicos. Todo parece diseñado para que la imagen conserve algo de la exageración visual de las máquinas recreativas y del anime de aquella década. No busca realismo, sino una estilización consciente que encaje con semejante colección de personajes.
También acierta al introducir los combates sin convertir la narración en una interminable sucesión de enfrentamientos de torneo. A diferencia de la adaptación de 1994 dirigida por Steven E. de Souza, en la que Jean-Claude Van Damme interpretaba a Guile, aquí muchas peleas surgen de manera fortuita y responden a motivaciones diferentes. Esa variedad recuerda, en parte, a las adaptaciones de ‘Mortal Kombat’ y permite que la acción avance ligada a las relaciones entre los personajes, en lugar de funcionar como una mera exhibición de movimientos especiales.
Sin perder de vista la mítica película anime
Para mí la mayor sorpresa es la inclusión de flashbacks animados. El empleo del anime no solo aporta continuidad visual a los recuerdos, sino que constituye un homenaje a las adaptaciones animadas de los años noventa. Es una decisión estilística que, como me adelantó Callina Liang en una entrevista, encaja con la voluntad de conectar con el legado de la franquicia. Además, evita recurrir a soluciones más eficientes para representar a los personajes en otras etapas de sus vidas.
La lástima es que esta elección también nos priva de ver a Don Lee en acción como Gouken. Su presencia queda reducida al doblaje, una oportunidad desaprovechada teniendo en cuenta su imponente físico y su experiencia en el cine de acción.
Diversión por encima de la épica
‘Street Fighter’ es, ante todo, un jugueteo constante con sus personajes y con la memoria cinéfila de quienes crecieron entre recreativos, VHS y adaptaciones de dudosa solemnidad. Su sentido del humor, sus combates y su descaro visual forman una combinación muy disfrutable, incluso cuando la acumulación de figuras amenaza con dispersar la atención.
No todo funciona igual de bien. M. Bison carece de la presencia intimidatoria que debería tener una figura de su importancia y termina dejando la sensación de que su potencial queda reservado para una posible secuela. Juli sale todavía peor parada: el personaje resulta ridículo y está desaprovechado, especialmente si tenemos en cuenta que Rayna Vallandingham es una competidora de taekwondo con victorias en torneos y capacidad física para ofrecer mucho más.
Son debilidades que impiden que la película alcance todo su potencial, pero no destruyen su principal virtud. Sakurai comprende que ‘Street Fighter’ necesita espectáculo, personalidad y una buena dosis de locura antes que una solemnidad impostada. El resultado es una adaptación irregular, sí, pero también muy divertida, que encuentra su mejor golpe cuando deja de intentar justificar el circo y simplemente permite que los luchadores (y sus actores) se gusten.
Ficha de ‘Street Fighter’
Estreno en España: 16 de octubre de 2026. Título original: Street Fighter. Duración: 119 min. País: EE.UU. Dirección: Kitao Sakurai. Guion: Kitao Sakurai, T.J. Fixman. Música: Leo Birenberg, Zach Robinson. Fotografía: Ken Seng. Reparto principal: Noah Centineo, Andrew Koji, Callina Liang, David Dastmalchian, Andrew Schulz, Joe Anoa’i, Cody Rhodes, Jason Momoa, Eric André, 50 Cent, Ma Dong-seok, Mel Jarnson, Orville Peck, Hirooki Goto, Vidyut Jammwal, Olivier Richters, Kyle Mooney, Rayna Vallandingham. Producción: Paramount Pictures, Legendary Pictures, Capcom Entertainment. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, adaptación. Web oficial.
SelectaVisión lanzará en noviembre una Edición Deluxe con los 89 episodios en Blu-ray, tres libros, una réplica del equipo de maniobras tridimensionales y regalos exclusivos para quienes reserven a través de su tienda
Los seguidores de ‘Ataque a los Titanes’ podrán hacerse con una de las ediciones coleccionistas más ambiciosas dedicadas al anime. SelectaVisión ha anunciado el lanzamiento de ‘Ataque a los Titanes Edición Deluxe’, un pack que reunirá por primera vez la serie completa en formato físico en una única colección. La distribuidora asegura que se trata del primer lanzamiento oficial de estas características a nivel mundial, incluso antes de que exista una edición equivalente en Japón.
La llegada al mercado español está prevista para noviembre de 2026. La tienda online de SelectaVisión abrirá las reservas el 27 de octubre, aunque los aficionados podrán apuntarse desde el 21 de octubre a una lista de acceso anticipado que permitirá reservar la colección 24 horas antes.
89 episodios y tres libros exclusivos
La Edición Deluxe incluirá los 89 episodios de ‘Ataque a los Titanes’ en Blu-ray HD, con audio en castellano y japonés original subtitulado. También contará con contenidos adicionales como aperturas y cierres sin créditos, entrevistas y anuncios promocionales.
El pack se completa con tres libros de tamaño A4 que profundizan en diferentes aspectos de la serie:
‘Muro María: Archivo de la humanidad’: un volumen de 70 páginas con tapa dura que recopila información sobre la serie, sus episodios y personajes.
‘Muro Rose: Cuaderno de reconocimiento’: un libro de 50 páginas con material gráfico, tiras cómicas, una galería de imágenes y bocetos.
‘Muro Sina: Expediente clasificado’: un volumen de 100 páginas con entrevistas, comentarios especiales y storyboards.
La colección también incorpora ocho maxicards con pósteres de las temporadas, dos hojas de pegatinas con personajes en sus diseños habituales y en formato chibi, y una réplica de las cuchillas asociadas al equipo de maniobras tridimensionales utilizado por los soldados para combatir a los titanes.
Todos estos elementos se presentarán en un estuche diseñado específicamente para la edición. Además, cada unidad incluirá un certificado de autenticidad numerado, con acabados especiales, que identificará el ejemplar dentro de la colección.
Postales metalizadas y pines para quienes reserven primero
SelectaVisión añadirá dos obsequios exclusivos a las reservas realizadas a través de su tienda online. El primero será una colección de seis postales con acabados metalizados y diseños de los protagonistas en acción. El segundo consistirá en cuatro pines metálicos con los emblemas de las divisiones militares de la serie: la Tropa de reclutas, el Cuerpo de exploración, las Tropas de guarnición y la Policía militar.
Estos regalos tendrán disponibilidad limitada. Para facilitar el acceso anticipado, la distribuidora habilitará el a lo largo del 21 de octubre una lista VIP de pre-reserva, que permitirá acceder a la compra 24 horas antes de la apertura general del 27 de octubre.
Una colección para celebrar el fenómeno de ‘Shingeki no Kyojin’
Creada a partir del manga de Hajime Isayama, ‘Ataque a los Titanes’ se estrenó en 2013 y se convirtió en uno de los grandes fenómenos internacionales del anime. Su historia de supervivencia, conspiraciones y enfrentamientos contra gigantes devoradores de humanos ha conquistado a millones de espectadores durante más de una década.
Con esta Edición Deluxe, SelectaVisión apuesta por reunir la serie completa y una amplia selección de material complementario en un único lanzamiento, dirigido especialmente a quienes quieran conservar la obra en formato físico y a los coleccionistas que buscan artículos exclusivos relacionados con la franquicia.
‘La odisea’, ‘Shrek’ y ‘Harry Potter’ protagonizan los nuevos lanzamientos en formato físico
El cine en casa se prepara para recibir una nueva oleada de lanzamientos en formato físico. El próximo 18 de noviembre, los aficionados podrán ampliar sus colecciones con títulos recientes y clásicos que llegan por primera vez en 4K Ultra HD, además de ediciones limitadas con estuches especiales y discos de contenido adicional.
Entre las principales novedades destacan ‘La odisea’, de Christopher Nolan, ‘Insidious: Fuera del más allá’ y una edición especial de ‘Shrek’ por su 25.º aniversario. También habrá espacio para grandes clásicos como ‘Lo que el viento se llevó’ y nuevas colecciones de ‘Juego de tronos’ y ‘Harry Potter’.
‘La odisea’ e ‘Insidious: Fuera del más allá’ llegan a casa
‘La odisea’ encabeza los lanzamientos con varias ediciones supervisadas directamente por Christopher Nolan. Todas incluirán un disco de contenido adicional centrado en el proceso de creación de la película y en la magnitud de su producción internacional.
La película estará disponible en DVD con un segundo disco de extras, Blu-ray con disco adicional y 4K Ultra HD con dos discos complementarios. Para los coleccionistas también se preparan dos ediciones limitadas steelbook y una edición especial en 4K Ultra HD con discos adicionales.
El terror tendrá su espacio con ‘Insidious: Fuera del más allá’, que llegará en DVD y Blu-ray para quienes quieran disfrutar en casa de la nueva entrega de la saga.
‘Shrek’ celebra su 25.º aniversario en 4K Ultra HD
Uno de los estrenos destacados del catálogo es la primera edición en 4K Ultra HD de ‘Shrek’, que celebra los 25 años del famoso ogro. Se comercializará en una edición especial limitada que incluirá la película en Blu-ray y un disco de extras en versión original.
La selección también recupera clásicos y títulos populares con nuevas ediciones en alta definición. ‘Lo que el viento se llevó’ llegará por primera vez en 4K Ultra HD y Blu-ray, acompañada de una edición especial. Por su parte, ‘Alta sociedad’ y ‘Hook’ estrenarán ediciones 4K Ultra HD en formato steelbook. En el caso de ‘Hook’, se anuncia además un nuevo máster en 4K y un disco de contenido adicional.
A estas novedades se suman ‘Memorias de una geisha’ y ‘Jerry Maguire’, que también debutarán en 4K Ultra HD y Blu-ray en ediciones sencillas.
‘Juego de tronos’ y ‘Harry Potter’ amplían sus colecciones
Los seguidores de las grandes sagas también tendrán novedades. Con motivo de su 15.º aniversario, ‘Juego de tronos’ contará con una colección especial limitada que reunirá la serie completa en 4K Ultra HD.
Por su parte, el universo mágico de ‘Harry Potter’ regresará con una edición especial limitada que incluirá las ocho películas en 4K Ultra HD y Blu-ray.
La campaña de lanzamientos del 18 de noviembre combina así estrenos recientes, aniversarios y clásicos del cine, con ediciones pensadas tanto para quienes buscan mejorar la calidad de imagen de sus películas favoritas como para los coleccionistas interesados en presentaciones especiales y contenidos adicionales.
Ha comenzado su rodaje en las Islas Canarias con Stephanie Gil, Sandra Escacena, Aria Bedmar y Nira Osahia como protagonistas
Danny Trejo, conocido por películas como ‘Machete’ y ‘Abierto hasta el amanecer’, se incorpora al reparto de ‘Juntas hasta la muerte’, una nueva comedia de terror española que ha iniciado su rodaje durante el mes de octubre en distintas localizaciones de las Islas Canarias.
Escrita y dirigida por Igna L. Vacas, la película combina terror, thriller y humor negro en una historia de amistad, secretos y violencia que promete llevar a sus protagonistas a situaciones cada vez más disparatadas.
Un reparto encabezado por Stephanie Gil, Sandra Escacena, Aria Bedmar y Nira Osahia
‘Juntas hasta la muerte’ está protagonizada por Stephanie Gil (‘Terminator: Destino Oscuro’), Sandra Escacena (‘Verónica’), Aria Bedmar (‘Hermana muerte’) y Nira Osahia (‘Olympo’). El reparto cuenta también con David M. Santana, Carlos Santos y la colaboración especial de Victor Palmero.
La incorporación de Danny Trejo refuerza la conexión de la película con el cine de género. El actor estadounidense ha construido buena parte de su trayectoria con títulos de acción y terror como ‘Abierto hasta el amanecer’, ‘Machete’ y ‘Grindhouse’. Ahora se suma a esta producción española, que apuesta por una combinación de sangre, humor negro y situaciones delirantes.
El rodaje se desarrolla durante octubre en las Islas Canarias. Según el productor Paco Sepúlveda, la intención es realizar una película de género dinámica, atrevida y entretenida, protagonizada por personajes femeninos y concebida para llegar a una audiencia internacional.
Una celebración que termina en una espiral de caos y violencia
La historia sigue a Zoe, Pam, Lisa y Amy, cuatro amigas inseparables que quieren celebrar que Amy ha conseguido entrar en la universidad. Antes de la fiesta, preparan una broma macabra para darle un susto, pero el plan acaba en tragedia cuando un accidente absurdo provoca la muerte de Amy.
Aterradas por las consecuencias, las tres amigas restantes deciden ocultar lo sucedido, convencidas de que todavía pueden salir indemnes. Sin embargo, cada intento de mantener el secreto desencadena nuevos problemas, desde visitas inesperadas y testigos incómodos hasta más accidentes y decisiones desesperadas.
Mientras la policía comienza a acercarse a la verdad, Zoe, Pam y Lisa tendrán que decidir hasta dónde están dispuestas a llegar para protegerse y mantener el pacto que las une: permanecer juntas hasta la muerte.
La película combina terror, comedia negra y thriller con una estética luminosa, colorida y pop que irá contaminándose progresivamente de sangre y caos.
‘Juntas hasta la muerte’ es una producción de Teikirisi Films, con Paco Sepúlveda al frente, en asociación con Panic in Frames, de Víctor Paniagua, y Guainot. La dirección de fotografía corre a cargo de David Hebrero (‘Y todos arderán’).
Trama violenta y conspirativa redondeando una trilogía que ahora cobra más sentido que nunca
Adam Wingard es uno de esos directores de los que me cuesta fiarme. Películas como ‘Tú eres el siguiente’, ‘Blair Witch’ o ‘Death Note’ me han dejado más decepcionado que satisfecho, aunque tampoco podemos olvidar que detrás de su trayectoria está una saga tan interesante como ‘V/H/S’. Con ‘Onslaught (Aniquilación)’, Wingard vuelve a un terreno que conoce bien, el de la violencia desatada, los personajes peligrosos y las situaciones que convierten la seguridad del hogar en una ilusión. Y, para mi sorpresa, el resultado se encuentra entre lo mejor que le he visto y eso que ha formado parte de superproducciones como ‘Godzilla v Kong’.
El universo de ‘Tú eres el siguiente’ vuelve a la carga
A pesar de proceder de productoras diferentes (por entonces fue HanWay y Snoot y ahora es A24), ‘Onslaught’ forma parte del universo compartido con ‘Tú eres el siguiente’ (2011) y ‘The Guest’ (2014), dos propuestas que juegan con la violencia y con la amenaza que irrumpe en espacios que deberían ser seguros. El concepto de home invasion vuelve a estar presente, aunque aquí adquiere una dimensión diferente gracias a la naturaleza de los atacantes y a las conexiones temáticas que establece con otras películas de este universo.
La recuperación de Dan Stevens constituye uno de los elementos más interesantes de esta propuesta. Aunque su personaje no es el mismo que interpretó en ‘The Guest’, hay una continuidad temática que permite relacionar ambas historias. En esta ocasión, la violencia no se limita a funcionar como un espectáculo de acción o como un recurso para mantener al espectador en tensión. También sirve para explorar la manipulación de las personas y la posibilidad de convertirlas en instrumentos de destrucción.
En ese sentido, ‘Onslaught’ conecta con teorías conspirativas relacionadas con la Operación Paperclip, mediante la cual Estados Unidos incorporó a científicos alemanes, algunos vinculados al régimen nazi, después de la Segunda Guerra Mundial, y con proyectos posteriores de experimentación y control mental como MK Ultra. La película no necesita desarrollar estas conexiones como si fuera un ensayo histórico, pero su planteamiento invita a pensar en los límites a los que pueden llegar determinadas estructuras de poder cuando la violencia se convierte en una herramienta.
Adria Arjona y unos enemigos inquietantes
Uno de los principales alicientes para mí es encontrar a Adria Arjona en una película de acción de estas características. La actriz, vinculada a la futura encarnación de Wonder Woman, interpreta aquí a una soldado que sufre estrés postraumático. Su presencia aporta un punto de interés a una historia que necesita algo más que persecuciones, disparos y enfrentamientos para sostenerse. De hecho, Blake Kennedy, es un muy buen contrapunto ejerciendo como hija en apuros.
Los antagonistas también tienen personalidad propia. Su aspecto resulta bastante peculiar y puede pillar desprevenido a quien no esté familiarizado con determinados diseños militares habituales en videojuegos como ‘Call of Duty’. Es una elección visual llamativa que ayuda reforzar la normalización de la violencia en la actualidad.
Wingard apuesta por la acción directa, por el impacto visual y por una violencia que no pretende resultar especialmente amable. Sin embargo, hay decisiones que dejan la sensación de que el filme podría haber afinado algunos detalles. La protagonista dispone de un arsenal que parece olvidar en determinados momentos, mientras que aparece un contador de tiempo cuyo sentido e importancia terminan siendo bastante irrelevantes. Son pequeños detalles que restan coherencia a algunas situaciones y que podrían haberse resuelto con mayor cuidado.
Una película hija de nuestro tiempo
Más allá de sus imperfecciones, lo que hace que ‘Onslaught’ me resulte especialmente interesante es su conexión con el presente. Vivimos una época en la que la ultraderecha vuelve a ganar terreno, determinados discursos de odio se normalizan y la violencia parece cada vez menos condenada, tanto en las redes sociales como en el debate público e incluso en las calles.
La película puede entenderse desde esa perspectiva como una representación extrema de una sociedad en la que la agresividad deja de ser una anomalía para convertirse en una herramienta aceptada por quienes buscan imponer su voluntad. No hace falta que el filme formule un discurso político explícito para que sus imágenes adquieran una resonancia inquietante. Basta con observar cómo presenta a sus personajes y cómo convierte la violencia en el centro de su universo.
No esperaba demasiado de Adam Wingard y, precisamente por eso, me alegra encontrarme con una de sus películas más estimulantes. ‘Onslaught’ no es perfecta, pero tiene personalidad, sabe aprovechar su violencia y ofrece motivos para pensar más allá de sus escenas de acción. En mi opinión, se coloca entre lo mejor de la filmografía del director.
Ficha de ‘Aniquilación (Onslaught)’
Estreno en España: 30 de octubre de 2026. Título original: Onslaught. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Adam Wingard. Guion: Simon Barrett, Adam Wingard. Música: Matthew Pusti. Fotografía: Oren Soffer. Reparto principal: Adria Arjona, Dan Stevens, Eric Warenheim, Reginald Veljohnson, Rebecca Hall, Michael Biehn, Jacob Scipio, Blake Kennedy. Producción: 828 Productions, A24 Television, Breakway Civilization, Lyrical Media, Ryder Picture Company. Distribución: Diamond Films. Género: terror, acción. Web oficial.
‘Found Alive’ lleva a Carlota Pereda desde el universo de ‘Cerdita’ hasta un thriller criminal de factura internacional. Chloë Grace Moretz interpreta a Reeve LeClaire, una mujer que intenta reconstruir su vida diez años después de haber sido secuestrada. Cuando su psiquiatra le pide que ayude a otra superviviente recién rescatada, descubre que podría haber más mujeres desaparecidas y se ve arrastrada a una investigación peligrosa.
La película no se limita a utilizar los secuestros como motor de suspense: también explora las secuelas del trauma y las dificultades de recuperar la seguridad después de una experiencia extrema. Pereda demuestra que sabe moverse con soltura dentro de los códigos de Hollywood, con una narración ágil y una cámara que maneja el suspense con naturalidad.
Aun así, conserva parte de su personalidad y deja entrever algún guiño a ‘Cerdita’. ‘Found Alive’ es un salto internacional que amplía el alcance de su cine sin abandonar su interés por las mujeres que sobreviven a la violencia y por las huellas que esta deja.
‘Forbidden Fruits’ parte de una idea que sobre el papel resulta estimulante: un grupo de dependientas de una boutique de moda que, al cerrar el centro comercial, se convierten en integrantes de un aquelarre. La película utiliza la ficticia Free Eden como sátira de la estética bohemia y la feminidad convertida en producto.
El problema es que la película se queda demasiado tiempo en esa superficie. Los diálogos, los rituales y las dinámicas del grupo no me resultan especialmente mordaces ni divertidos, mientras que el terror tarda una eternidad en aparecer. De hecho, lo único que realmente consigue despertarme es la inauguración del kill count, cuando apenas quedan trece minutos para terminar. Ahí aparece por fin una violencia que aporta ritmo y energía a una película que, hasta entonces, se me había hecho excesivamente larga.
‘Forbidden Fruits’ tiene buenas ideas, pero no consigue convertirlas en una película que me haya interesado. Su envoltorio promete mucho más de lo que finalmente ofrece.
Lo fastidioso que debe ser, que cuando estás de turisteo tranquilamente en los pantanos de Luisiana un hipopótamo asesino te ponga muy difícil el lograr pasártelo bien. ‘Hungry’ es la típica película en la que vemos a un animal totalmente desbocado intentando echar, comerse o matar a un grupo de seres humanos que han entrado sin permiso a sus dominios.
‘Hungry’ tiene escenas muy chulas, en las que vemos a este enorme depredador corriendo a por los pobres turistas, pero aun así creo que me la esperaba mucho más divertida, pero como siempre creo que al final las expectativas que uno tiene no tienen que ser realidad. Como película de bicho persiguiendo a humanos me ha gustado. Además, tiene un toque a ‘El Mundo Perdido’, por las razones en las que el hipopótamo decide comportarse de esa manera. El hipopótamo está bastante bien recreado, sí que es cierto que algún movimiento que otro quizás sea un poco torpe, pero bueno, tampoco estamos viendo una cinta que va a ir a los Oscar o competir por algún premio gordo, estamos viendo una cinta que pretende entretener y hacérnoslo pasar mal.
Como curiosidad, el título de la película evoca al famoso juego ‘Hungry, hungry, hippos’, vamos el ‘Tragabolas’ de toda la vida, que es como lo llamamos aquí en España.
‘Corporate Retreat’ parte de una premisa sencilla: un retiro corporativo destinado a estrechar lazos entre empleados se convierte en un escape room mortal. Aaron Fisher cuenta además con un reparto mucho más potente que el de su anterior película, ‘Inside the Rain’. Sus actores han trabajado en ‘Speed’, ‘Twister’, ‘Pulp Fiction’, ‘Lady Bird’, ‘Moonlight’, ‘Andor’, ‘Twisters’ o ‘The Possession of Hannah Grace’.
El problema es que ese reparto o no ha tenido compromiso o no ha entendido el tono de la película o el director no ha conseguido que le echen ganas. Algunas interpretaciones resultan tan carentes de emoción que rozan lo amateur, especialmente en momentos como el de la jeringa.
La película arranca con surf rock y soul jazz que demuestran el buen gusto musical de Aaron pero ese criterio desaparece cuando hablamos del montaje y la elección de planos. El ritmo falla desde el principio y el guion es tan pueril y previsible que cuesta encontrar tensión o sorpresa. Tiene los ingredientes para ser un entretenimiento sangriento, pero los mezcla sin demasiado acierto. El resultado es un retiro que se hace largo y del que, al final, también quiere retirarse el espectador.
‘Onslaught (Aniquilación)’ devuelve a Adam Wingard al universo de ‘Tú eres el siguiente’ y ‘The Guest’, con una propuesta de acción violenta que juega con el concepto de home invasion y con la manipulación de las personas. Aunque películas como ‘Blair Witch’ o ‘Death Note’ me hicieron desconfiar del director, aquí encuentro una de sus obras más estimulantes.
La presencia de Adria Arjona, que interpreta a una soldado con estrés postraumático, es uno de los principales alicientes. También destacan unos antagonistas de aspecto peculiar, cuyo diseño puede recordar a los militares del ‘Call of Duty’, y las conexiones temáticas con teorías sobre experimentación y control mental como MK Ultra.
El filme tiene fallos evidentes: la protagonista parece olvidarse de parte de su arsenal y el contador de tiempo resulta irrelevante. Sin embargo, su lectura de una sociedad cada vez más tolerante con la violencia y las teorías conspirativas le aporta interés. No es perfecta, pero está entre lo mejor de Wingard.
Nos cuenta sobre sus proyectos con la obra de Tolkien, el terror, The Beatles…
El universo de ‘El señor de los anillos’, los orígenes de Peter Jackson en el cine de terror y su trabajo en el documental de The Beatles son algunos de los temas que abordaron con el cineasta neozelandés durante el Festival de Sitges 2026. En Moviementarios hemos recopilado en un vídeo de casi diez minutos algunas de las respuestas más curiosas y relevantes de este encuentro.
Jackson ha regresado al certamen catalán más de tres décadas después de presentar ‘Braindead: tu madre se ha comido a mi perro’ en 1992. En esta 59.ª edición, el director ha recibido el Gran Premio Honorífico en reconocimiento a una trayectoria que abarca desde el cine fantástico más gamberro hasta algunas de las grandes superproducciones de Hollywood.
Peter Jackson habla de ‘El señor de los anillos’, el terror y The Beatles
¿Qué relación mantiene Peter Jackson con el universo de Tolkien? ¿Cómo encaja el terror en su trayectoria como cineasta? ¿Qué hay detrás de su trabajo con las imágenes de The Beatles? El encuentro en Sitges nos permite acercarnos a diferentes facetas de un director que ha desarrollado una carrera muy diversa.
La adaptación de ‘El señor de los anillos’ marcó un antes y un después en su filmografía, pero sus primeros pasos estuvieron ligados al cine de género, con títulos como ‘Mal gusto’ y ‘Braindead’. Su experiencia también se ha extendido al documental musical con ‘The Beatles: Get Back’, una producción que recupera material de la banda británica y ofrece una nueva perspectiva sobre sus últimos años juntos.
En el vídeo que hemos publicado en nuestro canal de YouTube recogemos algunas de las respuestas más interesantes de Jackson sobre estos temas. Una oportunidad para escuchar al propio cineasta hablar de su trayectoria, sus películas y los proyectos que han marcado su carrera.
Dale al play y disfruta de nuestro encuentro con Peter Jackson en el Festival de Sitges 2026.
Con el foco en el después de las víctimas Pereda marca la diferencia
Con ‘Found Alive’, Carlota Pereda vuelve a adentrarse en un territorio que ya exploró en ‘Cerdita’: el de las mujeres secuestradas y la violencia que las convierte en víctimas incluso mucho después de haber escapado de sus captores. Pero la directora no se limita a repetir una fórmula como la del bullying. En esta ocasión, amplía el foco y se pregunta qué ocurre cuando la supervivencia no supone el final de la pesadilla, sino el comienzo de una convivencia difícil con el trauma.
Reeve LeClaire, interpretada por Chloë Grace Moretz, lleva diez años intentando reconstruir su vida después de haber sido secuestrada durante su adolescencia. Cuando su psiquiatra le pide que ayude a otra joven recién rescatada, la protagonista se implica en un caso que podría estar conectado con otras mujeres desaparecidas. Lo que empieza como una forma de acompañar a alguien que ha pasado por una experiencia similar termina convirtiéndose en una peligrosa investigación contrarreloj.
Pereda demuestra que su interés por la violencia va más allá del impacto inmediato. Le importa lo que deja detrás, cómo condiciona las relaciones, altera la percepción del peligro y obliga a quienes la han sufrido a buscar herramientas para seguir adelante. Las protagonistas no son únicamente cuerpos que rescatar ni personajes definidos por el daño recibido. Son mujeres que intentan recuperar el control de sus vidas, aunque el pasado siga acechándolas.
Carlota Pereda habla el idioma de Hollywood
Uno de los grandes atractivos de ‘Found Alive’ es su condición de producción internacional. Desde Extremadura hasta Estados Unidos, el recorrido de Pereda desemboca en una película rodada en inglés, con Chloë Grace Moretz y Rupert Friend al frente del reparto y el respaldo de compañías como XYZ Films, una firma muy ligada al cine de género. El salto de escala es evidente, pero también lo es la capacidad de la directora para desenvolverse dentro de un modelo de producción distinto al de sus anteriores obras.
‘Found Alive’ incorpora las piezas de un thriller criminal clásico: una investigación, varias desapariciones, un agresor que parece ir siempre un paso por delante y una protagonista obligada a actuar cuando las vías convencionales no ofrecen suficientes respuestas. La narración avanza con ritmo, administra la información y mueve la cámara con una soltura que encaja perfectamente en el lenguaje del suspense estadounidense. Por momentos, cuesta distinguirla de una producción de Hollywood, no porque Pereda se limite a imitarlo, sino porque demuestra que domina sus códigos.
La película no renuncia por ello a su propósito de concienciación. La intriga funciona como vehículo para hablar de las secuelas del secuestro y de la dificultad de encontrar seguridad después de una experiencia traumática. Y el género permite que ese discurso no se convierta en una exposición didáctica: la tensión de la trama mantiene al espectador dentro de la historia mientras los personajes intentan recomponer sus vidas.
Una nueva película de Pereda, con ecos de ‘Cerdita’
El cambio de escala no borra por completo la personalidad de la cineasta. En algunos momentos se intuyen guiños a ‘Cerdita’, como si Pereda quisiera recordarnos que detrás de esta producción internacional sigue estando la autora que convirtió una situación cotidiana de crueldad y humillación en una historia de terror incómoda y con sangre. No se trata de trasladar literalmente aquella película a Estados Unidos, sino de conservar cierta sensibilidad ante la violencia y sus consecuencias.
‘Found Alive’ es, por tanto, un paso adelante en la trayectoria de Pereda: una película que abraza las convenciones del thriller comercial y sabe utilizarlas sin dejar de mirar a las personas atrapadas en su centro. Puede que el envoltorio resulte familiar para quienes conocen bien el cine criminal estadounidense, pero su interés reside en dónde decide colocar la cámara y a quién concede el protagonismo. Aquí no se trata solamente de descubrir quién secuestra a las mujeres, sino de entender qué queda de ellas cuando logran salir con vida.
Ficha de ‘Found alive’
Estreno en España: por determinar. Título original: Found alive. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Carlota pereda. Guion: Matt Venne, Lori Evans Taylor. Música: Yair Elazar Glotman. Fotografía: Rita Noriega. Reparto principal: Chloë Grace Moretz, Rupert Friend, Scott Haze. Producción: XYZ Films, Bondt Media Capital, Eighteen88, IPR.VC, Industry Entertainment, Nostromo Pictures, Vanishing Angle. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense, drama. Web oficial.
Hay películas que aunque parezcan banales consiguen que uno salga de la sala pensando en ellas durante horas. Y luego está ‘Forbidden Fruits’, que en mi caso consigue algo bastante más sencillo: preguntarme cuándo va a empezar aquello que promete ser. La película de MeredithAlloway, adaptación de la obra teatral ‘Of the Woman Came the Beginning of Sin and Through Her We All Die’, escrita por Lily Houghton, se presenta como una comedia de terror alrededor de un grupo de trabajadoras de una boutique que, cuando el centro comercial cierra, se transforma en el escenario de un aquelarre.
¿Comedia teenager subida de tono? ¿Folkhorror de centro comercial? No es nada de eso. El problema es que la propuesta tarda demasiado en encontrar su razón de ser. Durante buena parte del metraje asistimos a una sucesión de conversaciones, rituales y conflictos de grupo que pretenden construir una sátira sobre la feminidad, la pertenencia y determinadas dinámicas sociales, pero que a mí me resultan bastante más irritantes que mordaces. La estética de Free Eden, con su mezcla de bohemia prefabricada, ropa de princesita moderna y esa imagen de feminidad cuidadosamente empaquetada, pretende ser parte de la crítica. La boutique es ficticia, pero está directamente basada en Free People, algo que la propia película convierte prácticamente en una broma privada para quien conozca la referencia.
Y ahí es donde encuentro una de las mayores dificultades de ‘Forbidden Fruits’: parece confiar demasiado en que la identificación de sus referentes convierta automáticamente su sátira en algo inteligente. Su retrato de esa feminidad de escaparate, de los cuerpos imposiblemente estilizados y de la estética de jóvenes que quieren parecer modernas mientras reproducen códigos perfectamente reconocibles, podría haber sido un material estupendo para una comedia negra mucho más incisiva.
Mucha pose y poco mordiente
La película tiene además una curiosa relación con el espacio. Todo sucede principalmente en un centro comercial. El escenario resulta apropiado: pasillos, escaparates y tiendas convertidos en una especie de templo capitalista donde las protagonistas construyen su pequeña religión.
La idea funciona sobre el papel. El problema es que ‘Forbidden Fruits’ parece más interesada en anunciar constantemente lo que quiere decir que en encontrar una forma cinematográfica de decirlo. La sátira feminista, el culto, la brujería, la crítica al consumo y las relaciones de poder se acumulan, pero rara vez terminan de adquirir la contundencia necesaria para que el conjunto resulte verdaderamente divertido o perturbador.
Y eso es especialmente problemático en una película de terror. Porque el terror llega, sí, pero llega tarde. Muy tarde. Cuando finalmente se inaugura el kill count, apenas quedan unos trece minutos para terminar. Es entonces cuando aparece, por fin, una energía que hasta ese momento había echado muchísimo de menos. La sangre, la violencia y la sensación de peligro consiguen despertar una película que hasta entonces se me había hecho extraordinariamente larga.
Un fruto que llega demasiado tarde
Hay elementos interesantes en ‘Forbidden Fruits’. La procedencia teatral explica en parte su dependencia del diálogo y de los personajes, mientras que el hecho de que esta sea la primera película de Meredith Alloway como directora de largometrajes convierte el proyecto en una carta de presentación ambiciosa. También resulta significativo que sea su primer guion de largometraje producido junto a Houghton, responsable de la obra original.
Pero una buena idea no siempre se convierte en una buena película. Y aquí encuentro una distancia demasiado grande entre lo que ‘Forbidden Fruits’ parece querer ser y lo que finalmente consigue. La película tiene conceptos potencialmente muy aprovechables: un aquelarre instalado en una tienda de ropa, una jerarquía femenina construida alrededor de la exclusión, la religión convertida en ritual de grupo y un centro comercial como representación de una sociedad basada en el consumo y la apariencia. Y con algún gag te ríes, pero en general no termina de funcionar, ni siquiera con su escena post-créditos.
Sin embargo, todo eso me parece más interesante como planteamiento que como resultado. La película necesita demasiado tiempo para llegar al terreno del terror y, cuando por fin lo hace, ya está prácticamente terminando. ‘Forbidden Fruits’ quiere ser provocadora, divertida, feminista, sangrienta y satírica al mismo tiempo. En mi caso, no consigue ninguna de esas cosas con suficiente fuerza como para compensar el tedio de buena parte del metraje. Una fruta prohibida que, al menos para mí, resulta mucho menos sabrosa de lo que promete su envoltorio.
Ficha de ‘Forbidden fruits’
Estreno en España: por determinar. Título original: Forbidden fruits. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Meredith Alloway. Guion: Meredith Alloway, Lily Houghton. Música: Anna Drubich. Fotografía: Karim Hussain. Reparto principal: Lili Reinhart, Lola Tung, Victoria Pedretti, Alexandra Shipp, Emma Chamberlain. Producción: MXN Entertainment, 100 ZEROS, Bright Panic Pictures, Lollipop Woods, Madhouse Films, Quadrant Motion Pictures. Distribución: por determinar. Género: comedia, terror. Web oficial.
Un retiro del que el propio espectador se quiere retirar
Hay ocasiones en las que una película genera unas expectativas que después no sabe cumplir. ‘Corporate Retreat’ es un buen ejemplo. Aaron Fisher se rodea en su segundo largometraje de un reparto que, sobre el papel, debería proporcionar unas garantías muy superiores a las de su debut, ‘Inside the Rain’, estrenado en 2019. Alan Ruck, Rosanna Arquette, Odeya Rush, SashaLane, Benjamin Norris, Ashton Sanders y Kirby Johnson son algunos de los nombres que forman el elenco, al que se suma además Omar Sharif Jr., nieto del mítico Omar Sharif. El reparto reúne intérpretes con experiencia en producciones tan conocidas como ‘Speed’, ‘Twister’, ‘Twisters’, ‘Pulp Fiction’, ‘Lady Bird’, ‘Moonlight’, ‘Andor’ o ‘The Possession of Hannah Grace’…
Sobre el papel, por tanto, Fisher da un salto considerable respecto a su primera película. El problema es que ese salto parece haberse producido fundamentalmente para los créditos. ‘Corporate Retreat’ demuestra unas carencias que terminan siendo demasiado evidentes. Y es una lástima, porque la premisa tenía posibilidades: un retiro corporativo para estrechar lazos entre empleados que acaba transformándose en una especie de escape room mortal en el que los participantes deben luchar por sobrevivir. Es lógico que se haya proyectado en el Festival de Sitges dentro de Midnight X-Treme ya que como el propio festival dice, promete comedia negra y torture porn.
La película arranca, además, con una declaración de intenciones musical bastante atractiva. El surf rock y el soul jazz aportan personalidad desde los primeros compases y dejan claro que Aaron Fisher y su hermano Josh Fisher, responsable también de la fotografía, tienen bastante buen gusto musical. Es probablemente uno de los aspectos en los que la película consigue llamar la atención. El problema es que ese criterio parece inversamente proporcional al que encontramos en el montaje y en la elección de planos.
Cuando el montaje convierte un encierro en una condena
El ritmo debería ser fundamental en una película que basa buena parte de su propuesta en encerrar a un grupo de personas y someterlas progresivamente a situaciones cada vez más violentas. Sin embargo, ‘Corporate Retreat’ tiene fallos de ritmo desde prácticamente el comienzo. Hay una extraña desconexión entre la energía que aporta su música y la manera en que Fisher construye las escenas.
El problema no está únicamente en que sepamos hacia dónde va la historia. Es que el guion apenas hace demasiado por ocultarlo. El retiro corporativo se convierte en una trampa, los ejercicios de trabajo en equipo adquieren una dimensión siniestra y los personajes quedan atrapados en una dinámica de supervivencia en la que las reglas resultan bastante evidentes. La película se acerca así a ese territorio del escape room cinematográfico donde el espectador puede anticipar con demasiada facilidad cuál será el siguiente paso.
Y cuando una película de este tipo no consigue sorprender, necesita al menos compensarlo con tensión, humor negro, personajes interesantes o una puesta en escena particularmente imaginativa. ‘Corporate Retreat’ tampoco termina de encontrar ahí su salvación.
Actuaciones que no están a la altura
Pero donde más sorprende ‘Corporate Retreat’ es en sus interpretaciones. No porque el reparto carezca de experiencia, sino precisamente porque algunos momentos parecen exigir más intensidad o un compromiso con el tono del filme que los actores no terminan de encontrar. Hay actuaciones excesivamente carentes de sentimiento, hasta el punto de rozar en determinados instantes lo amateur.
El ejemplo más evidente es el momento de la jeringa. La idea y la interpretación resultan tan impostadas que parecen sacadas de una actuación de colegio de primaria. Es difícil tomarse en serio una situación que necesita que el espectador crea en el miedo de sus protagonistas cuando la emoción parece estar ausente. Si por lo menos hubiese intención de hacernos reír, pero es que parce que el filme ni siquiera se esfuerza en ello.
No saber qué hacer con lo que tienes entre manos
‘Corporate Retreat’ acaba siendo una oportunidad desaprovechada. Tiene un concepto sencillo pero potencialmente efectivo, un reparto con nombres conocidos y un escenario que ya lo querría yo para mi próxima escapada romántica o con amigos. Sin embargo, quizás al intentar alinearse con ciertos subgéneros, el libreto es demasiado pueril, descuidando el tono exigiendo muy poco a sus intérpretes.
Me parece increíble que la productora de esta película haya estado inmiscuida en filmes como ‘Ruido de fondo’. ‘Corporate Retreat’ termina demostrando que reunir buenos ingredientes no sirve de mucho cuando la receta falla. Y en un retiro del que se supone que nadie debería salir con vida, lo verdaderamente preocupante es que el espectador sea quien esté deseando escapar.
Ficha de ‘Corporate retreat’
Estreno en España: por determinar. Título original: Corporate retreat. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Aaron Fisher. Guion: Aaron Fisher, Kerri Sohn. Música: Anna Drubich. Fotografía: Josh Fisher. Reparto principal: Alan Ruck, Odeya Rush, Sasha Lane, Benjamin Norris, Kirby Johnson, Omar Sharif Jr. Producción: Passage Pictures. Distribución: por determinar. Género: comedia, terror. Web oficial.
La 59ª edición va clausurando anunciando sus ganadores
El Festival de Sitges ha preparado el cierre de su 59ª edición con la proyección de ‘Wicker’, una fábula sobre el sexo, el matrimonio y las convenciones sociales. Uno de los momentos destacados ha sido la entrega del Gran Premio Honorífico a Amy Irving, actriz de películas como ‘Carrie’ y ‘The Fury’. Irving ha agradecido el reconocimiento recordando el trabajo de las actrices en ‘Carrie’ y bromeando con que se sentía como si King Kong le hubiera dado una palmada en el hombro.
Como es tradicional en la penúltima jornada del festival se ha dado a conocer el listado de premios en cada una de las secciones. La película francesa ‘Sanguine’, de Marion Le Corroller, se ha alzado con el premio a Mejor Película de la Sección Oficial Fantàstic a Competició del 59.º Festival de Sitges. El palmarés también ha reconocido a Joko Anwar como Mejor Director por ‘Ghost in the Cell’, a Jasmine Trinca como Mejor Actriz por ‘The Spiral’ y a Benoît Magimel como Mejor Actor por ‘Historias de la noche (The Birthday Party)’. El Premio Especial del Jurado ha recaído en ‘Drag’, de Greg Yagolnitzer y Raviv Ullman, mientras que ‘Buddy’ ha obtenido el galardón al Mejor Guion.
En el resto de las secciones destacan ‘Hen’, de Nico Scheepers, como Mejor Película de Noves Visions, y ‘Gummy’, de Javi Prada, como ganadora de Òrbita. La animación, el cine europeo fantástico y el documental también han tenido su espacio en una edición que ha repartido premios entre numerosas propuestas internacionales. Por su parte, el público ha elegido ‘Wildwood’, de Travis Knight, como su película favorita de la Sección Oficial Fantàstic, mientras que ‘The Fox’, ‘Kung Fu Deadly’, ‘No Salgas’ y ‘Bladesof the Guardians: Wind Rises in the Desert’ se han impuesto en sus respectivas categorías.
La dirección del festival también ha agradecido la labor de todas las personas que hacen posible el certamen, que ha aumentado su asistencia un 6 %. Además, ha rendido homenaje a Manuel Pérez-San Julián, referente del arte fantástico y la ilustración de ciencia ficción y espada y brujería, fallecido recientemente. Su figura ya había sido homenajeada en Sitges con el documental ‘San Julián: El poder de la ilustración’.
‘Freaks parte II’
‘Freaks Part II’ recupera el universo de la película de 2018 y refuerza sus semejanzas con ‘X-Men’ (en concreto con ‘Los nuevos mutantes’): personas con poderes que son marginadas, perseguidas y tratadas como amenazas por una sociedad incapaz de aceptar lo diferente centrándose en niños que saben que nunca tendrán una vida normal. Esta vez, el gobierno va mucho más lejos y convierte su exterminio en una política de Estado, con una propaganda de odio que recuerda a las persecuciones fascistas de la historia.
La película apuesta por una acción mucho más directa y una violencia especialmente bestia en su tercer acto. Sin embargo, me sobran algunas partes dramáticas y echo en falta una evolución más clara de Chloe, ahora interpretada por Lorelei Olivia Mote tras el relevo de Lexy Kolker. La incorporación de otra niña con poderes podría haber servido para explorar el aprendizaje y la responsabilidad, pero la historia apenas aprovecha esa posibilidad.
‘Freaks Part II’ amplía el universo de la original y resulta más brutal, aunque no siempre más sólida. Su denuncia de la persecución institucionalizada funciona, pero sus personajes no progresan tanto como deberían.
Basada en un relato de ÚrsulaWillis, ‘Wicker’ nos cuenta la historia de una pescadera marginada en un pueblo mediocre que se creen Mejor que ella. Una mujer soltera y totalmente independiente que después de una boda y ser la mofa de todo este pueblucho decide pedirle al cestero que le cree un hombre de mimbre. A partir de ese momento una preciosa historia de amor, celos y envidias se convertirá en un pequeño cuento fantástico.
Una historia muy bonita, con una atmósfera bien creada con mucho color y a la vez gris cuando las cosas no se ponen bien.
Me ha recordado en parte, al episodio de Los Simpsons, cuando Apu tiene que implorar el perdón de Manjula y se convierte en el hombre ideal, cosa que a los ciudadanos de Springfield no les hace mucha gracia.
Esto es igual, pero al final, tenemos a un ser creado a partir de mimbre que solo tiene ojos para esta pescadera que le ha robado el corazón. Un cuento de amor muy bonito y como todo cuento de amor, tiene sus sombras y sus malas víboras en el camino.
La novena entrega de ‘V/H/S’ convierte la música y el sonido en fuentes de terror, con GWAR como anfitriones de una antología irregular que mezcla found footage, animación y videoclips sangrientos.
En ‘Dance, Dance, Dance, Dance’, Renee Zhan utiliza marionetas de Jim Henson’s Creature Shop y a Barbara Crampton para convertir un programa infantil en una pesadilla grotesca que parece querer profanar nuestros recuerdos de infancia.
‘Another Cabin’, de Flying Lotus, es un cortísimo experimento en stop motion, macabro y grosero, pero bastante pobre en ideas.
‘Heartbeat’, de David Moreau, sigue a unos youtubers que se cuelan en una instalación militar y aprovecha el silencio de las cámaras anecoicas para explorar una vía de terror poco habitual.
‘The Music of Mr. Sze’, de Ernest Dickerson, es una rallada cósmica alrededor de un violinista y un joven que documenta su vida, aunque el uso de las gafas con cámara integrada aporta poco.
‘Premature Burial’, dirigido por Tobias Forge (Ghost), funciona como un videoclip de metal extremo en formato 4:3, muy bestia pero con escaso desarrollo narrativo.
‘Death Tone’, de RZA, es uno de los episodios más originales: una joven obsesionada con honrar a su padre convierte la búsqueda del sonido perfecto en una espiral criminal.
Creada por AlfonsoCortés–Cavanillas estamos ante una serie de 6 episodios que nos han presentado en Sitges Festival como una película de 2 horas. El montaje no estaba nada mal, se nota algún detalle suelto de la historia, pero en general lo he disfrutado bastante.
Eva regresa a su pueblo natal del que marcho hace años. Allí comienza a trabajar de noche en una gasolinera. La noche es larga y en Malnombre hay muchos misterios. Asesinatos, desapariciones, gente extraña de noche. Nada es lo que parece en Malnombre. Además, que en sí, ya la gente del propio pueblo es bastante hostil.
Uno de los detalles a resaltar, son los efectos especiales, los cuales, para ser una producción española, en formato serie, están muy logrados. Además del trabajazo de vestuario y localizaciones. Me he quedado con ganas de ver el formato serie la verdad que por lo que nos han mandado en la respectiva nota de prensa, llegará a nuestras casas el próximo 2027.
‘Furia desatada’, título español de ‘Ikatan Darah’, es una película de acción indonesia dirigida por Sidharta Tata y producida por Iko Uwais. La historia sigue a Mega, una antigua practicante de pencak silat que debe volver a luchar para salvar a su hermano de una banda criminal y de sus deudas.
La primera mitad tarda en desplegar todo su potencial, pero la acción acaba convirtiéndose en su principal atractivo. La barriada superpoblada en la que transcurre buena parte del relato, con sus callejones y viviendas amontonadas, ofrece un escenario perfecto para las escaramuzas.
Hay muebles que se rompen con cada golpe, machetazos, patadas acrobáticas y enfrentamientos que aprovechan cada rincón. LiviCiananta e Ismi Melinda destacan en unas coreografías físicas que mantienen vivo el espectáculo. El humor también está presente, aunque algunos momentos provocan más sonrisas involuntarias que carcajadas.
‘Furia desatada’ no reinventa el cine de artes marciales, pero sabe qué ofrece: criminales, personajes acorralados y peleas contundentes. Cuando la acción arranca, los muebles tienen pocas posibilidades de sobrevivir.
Pero que película tan divertida, como ha dicho el propio director, tan palomitera y lo bien hechas que están las malditas arañas. ‘Crawlers’ es un film que si se hubiese estrenado en los 80 estaríamos aplaudiendo con las orejas. Aunque yo viéndola en la actualidad, admito que me lo he pasado pipa. Un edificio se queda en cuarentena por una plaga de arañas, pero no arañas cualquiera, si no unas que atacan a humanos y que tienen sed de sangre.
Me encanta como utilizan los planos para ver como acechan las arañas a sus víctimas. Vemos a través de estos seres y me ha parecido divertidísimo. Además, como se preparan para pillar desprevenidos a cualquiera que pase cerca. Y es que como bien dice la película, hay arañas por todos lados y más cerca de lo que creemos. Aunque es cierto que los personajes tienen decisiones absurdas y que alguno que otro merece la muerte, no me importa, porque realmente es lo gracioso de la película, que no se toma en serio y al a vez si, ya que como digo, las arañas me parecen super bien hechas. Un divertimento que sinceramente volvería a repetir en una sala de cine con amigos.
Luis Royo y Rómulo Royo llevan décadas demostrando que la fantasía puede ser mucho más que un género destinado a las estanterías de coleccionistas. El documental de Mirella R.Abrisqueta entra en su estudio, muestra su proceso creativo, sus influencias y la relación artística entre padre e hijo mientras siguen las huellas de Francisco de Goya. Pero lo más importante, deja ver que su arte y el de muchos ilustradores de hoy en día comienza a verse como debería, como arte digno de un museo.
La película está vertebrada por el proyecto que establece un diálogo entre los dos artistas y el Goya más fantástico, oscuro y grotesco. Una conexión estimulante que permite reivindicar una disciplina que ha influido a generaciones de ilustradores, lectores y creadores visuales. Habría sido interesante contar con más expertos y profundizar mucho más en ese Goya fantástico, pero es una reivindicación necesaria para un arte que lleva mucho tiempo demostrando que la imaginación moderna también merece estar en los museos, porque su calidad pictórica está a la altura de los grandes maestros.
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