Así fue nuestra visita a Disney: The Exhibition – 100 Años de Magia

Un viaje por 100 años de historia Disney en la Fundación Canal

El 1 de octubre de 2025 abre sus puertas en la Fundación Canal de Madrid una de las muestras más esperadas del año: Disney: The Exhibition – 100 Años de Magia. Tras recorrer ciudades como Filadelfia, Múnich, Londres, Chicago, Kansas City, Seúl y París, la exposición aterriza en España para ofrecer a los visitantes un recorrido único por el legado creativo de The Walt Disney Company. Esta es una muestra que necesita de hasta 15 tráilers para ser transportada y que se ha ido construyendo en cuatro años, como bien nos ha apuntado en la presentación Rafael Giménez de Sold Out.

La exposición se reparte en 9 galerías inmersivas que permiten sumergirse en la evolución de Disney a lo largo de un siglo. Durante la visita pudimos recorrer desde los grandes clásicos como ‘Blancanieves y los siete enanitos’ (1937) o ‘Peter Pan’ (1953), hasta producciones contemporáneas como ‘Encanto’ (2021), el universo Marvel o las sagas de Pixar y Star Wars. Hemos notado la ausencia de material de la recién adquirida Fox, pero tal vez sea por que todo lo aquí presentado pertenece a Walt Disney Archives, es por eso que de Star Wars de Indiana Jones el material es bastante reciente.

Lo más sorprendente es la variedad de piezas que se exhiben: más de 250 objetos originales entre dibujos, esculturas, maquetas, vestuario, utilería… Todo ello procedente de los Walt Disney Archives, que desde hace más de 55 años custodian los tesoros de la compañía. Representando a ese estamento de la corporación del ratón ha estado su directora Becky Cline, la cual, lleva más de 40 años como empleada.

Tesoros únicos de la historia del cine

Durante el recorrido, tuvimos la oportunidad de contemplar piezas icónicas que forman parte de la memoria colectiva del cine y la animación:

  • El caballo del tiovivo de ‘Mary Poppins’ (1964), utilizado por Dick Van Dyke.
  • El espectacular vestido rojo de ‘Cruella’ (2021), llevado por Emma Stone.
  • Los libros originales de atrezo de ‘Cenicienta’ (1950) y ‘Merlín el Encantador’ (1963).
  • La zapatilla de cristal de la versión en acción real de ‘Cenicienta’ (2015).
  • Diferentes cascos vistos en ‘Vengadores: Infinity War’ (2018).
  • El conjunto de Indiana Jones en ‘Indiana Jones y el Dial del Destino’ (2023).

Cada pieza revela el cuidado y la innovación con los que Disney ha construido universos que han marcado a generaciones enteras.

Una experiencia inmersiva para todas las edades

Más allá de las piezas originales, la exposición apuesta por la interacción. Hay 14 instalaciones interactivas y espacios fotográficos para posar junto a esculturas de personajes como Mickey Mouse, Los Increíbles o el enano dormilón de Blancanieves, entre otros.

Uno de los elementos más especiales son los Storytellers, guías que acompañan al público por las galerías explicando curiosidades y anécdotas que enriquecen la experiencia, especialmente pensada para familias y niños.

Mención aparte merece la galería dedicada al primer parque Disney. En esa sala hay material gráfico y físico de lo que fue aquel parque, con las famosas tazas gigantes, un coche o una maqueta del castillo.

Una experiencia temporal en Madrid

Salir de la exposición deja una sensación de auténtico viaje en el tiempo. Cada sala despierta recuerdos y emociones, desde la infancia hasta la actualidad, conectando generaciones en torno a la magia Disney.

Si eres amante del cine, de la animación o simplemente buscas un plan cultural diferente en Madrid, Disney: The Exhibition – 100 Años de Magia es una visita imprescindible. Una oportunidad única de sumergirse en la historia de uno de los universos creativos más influyentes del último siglo que de momento no tiene fecha de caducidad pero si es de carácter temporal.

Información práctica de la exposición

  • Lugar: Fundación Canal – Sala Castellana 214 (Paseo de la Castellana, 214, Madrid).
  • Fechas: desde el 1 de octubre de 2025.
  • Horarios:
    • Martes a viernes: 11:00 a 21:00h.
    • Sábados, domingos y festivos: 10:00 a 21:00h.
  • Entradas: desde 14,90€ en disney100exhibit.com/es/madrid.

Lanzamientos para Halloween en Shadowz

Una maravilla para los amantes del terror

Shadowz, plataforma de ‘streaming’ centrada en cine de terror, incorporará 31 nuevas películas a su catálogo, una por día, durante todo octubre, con motivo de Halloween. Habrá clásicos de referencia, títulos recientes y lanzamientos exclusivos, con el objetivo de “convertir cada día del mes en una cita con el género”, como apunta Eric González, representante de la compañía en España.

Entre las exclusivas confirmadas se hallan ‘Traumatika’ (2025, Pierre Tsigaridis), terror de posesiones proyectado con éxito en algunos de los más destacados festivales de cine fantástico; ‘The Stylist’ (2020, Jill Gevargizian), largometraje que expande el celebrado corto homónimo; o ‘Lake Mungo’ (2008, Joel Anderson), “falso documental” australiano con tintes sobrenaturales.

Junto a ellas, el plan reúne títulos de referencia como ‘Inseparables’ (1988, David Cronenberg), ‘Maniac Cop’ (1988, William Lustig), ‘Martyrs’ (2008, Pascal Laugier) o la comedia de terror ‘Tucker & Dale vs. Evil’ (2010, Eli Craig), además de títulos recientes aplaudidos por crítica y público como ‘Bloody Hell’ (2020, Alister Grierson) o ‘Becky’ (2020, Jonathan Milott y Cary Murnion).

Como rescate histórico, llama la atención ‘The McPherson Tapes’ (1989, Dean Alioto). Rodada en vídeo doméstico, circuló durante años como cinta apócrifa de “sucesos reales” y dio pie al remake televisivo ‘Alien Abduction: Incident in Lake County’ (1998), pieza clave en la genealogía del subgénero ‘found footage’. El ciclo incluye también títulos con sello español, como ‘El asesino de muñecas’ (1975, Miguel Madrid) y ‘Diabólica malicia’ (1972, James Kelley/Andrea Bianchi), trazando así un recorrido por varias décadas y distintos países y registros del género. Además, también se añadirán varios cortometrajes.

Queremos que octubre sea un ritual diario: cada día un estreno, una conversación nueva y una excusa para explorar el terror con amplitud, de los clásicos a las sorpresas más recientes”, señala González.

El servicio cuesta 4,99 euros al mes y existe una cuota anual por un valor de 49 euros. Asimismo, SHADOWZ, que ofrece todo su contenido en alta definición, cuenta con un periodo de prueba gratuito de 7 días, así como con su propio sitio web y una aplicación disponible para Apple y Android (televisores, móviles y tablets). También se puede contratar a través de Amazon Prime (la suscripción es diferente).

Lista completa de los lanzamientos

1 de octubre de 2025 — «La mansión de los horrores» (1959)

2 de octubre de 2025 — «Inseparables» (1988)

3 de octubre de 2025 — «Magnum opus» (2024)

4 de octubre de 2025 — «Hinterland» (2021)

5 de octubre de 2025 — «Becky» (2020)

6 de octubre de 2025 — «Musarañas» (2014)

7 de octubre de 2025 — «Ángel de la muerte» (2018)

8 de octubre de 2025 — «Maniac cop» (1988)

9 de octubre de 2025 — «Bloody hell» (2020) + «Luz diabla» (2025) + «Dolores» (2024) + «Punto ciego» (2020)

10 de octubre de 2025 — «Ebony and ivory» (2024)

11 de octubre de 2025 — «La hermandad» (2013)

12 de octubre de 2025 — «The McPherson tapes» (1989)

13 de octubre de 2025 — «La desvida» (2020)

14 de octubre de 2025 — «La pequeña tienda de los horrores» (1960)

15 de octubre de 2025 — «Gatlopp» (2022)

16 de octubre de 2025 — «Punto rojo» (2021)

17 de octubre de 2025 — «The stylist» (2020)

18 de octubre de 2025 — «Tucker & Dale contra el mal» (2010)

19 de octubre de 2025 — «En compañía de lobos» (1984)

20 de octubre de 2025 — «El terror» (1963)

21 de octubre de 2025 — «La aparición de Alice» (2008)

22 de octubre de 2025 — «Espectro» (2013)

23 de octubre de 2025 — «Mártires» (2008)

24 de octubre de 2025 — «El asesino de muñecas» (1974)

25 de octubre de 2025 — «Exorcismo en Georgia» (2013)

26 de octubre de 2025 — «Noctem» (2017)

27 de octubre de 2025 — «Diabólica malicia» (1971)

28 de octubre de 2025 — «Chain reactions» (2024)

29 de octubre de 2025 — «Superhost» (2021)

30 de octubre de 2025 — «Traumatika» (2024)

31 de octubre de 2025 — «MOM» (2024) + «Outside noise» (2024)

 

 

Palmarés del Festival de San Sebastián 2025

‘Los domingos’ y ‘Seis días de primavera’ ganadoras con dos galardones cada una

La edición del Festival de San Sebastián 2025 ha vuelto a consolidarse como una de las grandes citas del calendario cinematográfico. Durante más de una semana, la ciudad donostiarra se ha convertido en escaparate de estrenos nacionales e internacionales, en punto de encuentro para profesionales de la industria y en epicentro cultural para miles de cinéfilos que han llenado las salas y las calles con el ambiente único que caracteriza al certamen.

La 73ª edición ha contado con la presencia estelar de Angelina Jolie y un presidente del jurado como J.A. Bayona. Habiendo reunido una programación diversa y arriesgada, en la que conviven nuevas voces del cine de autor con realizadores consagrados que regresan al Zinemaldia, su celebración han culminado. Han sido unos días de historias comprometidas, relatos intimistas y apuestas formales innovadoras que han marcado la selección oficial, confirmando el compromiso del festival con la pluralidad de miradas y la exploración de nuevas narrativas.

Además de las proyecciones, San Sebastián ha ofrecido un espacio privilegiado para el debate, con mesas redondas, presentaciones y encuentros que han reforzado el papel del certamen como puente entre Europa y Latinoamérica. La expectación se ha concentrado en el anuncio del palmarés, un momento en el que la crítica, el jurado y el público han coincidido o se han sorprendido con los títulos premiados. A continuación repasamos los ganadores del Festival de San Sebastián 2025.

Palmarés Festival de San Sebastián 2025

  • Concha de Oro: ‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa.

  • Premio Especial del Jurado: ‘Historias del buen valle’, de José Luis Guerin.

  • Concha de Plata a la mejor dirección: Joachim Lafosse, por ‘Seis días de primavera’.

  • Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista: ex aequo para Jose Ramon Soroiz, por ‘Maspalomas’, y Zhao Xiaohong, por ‘Jianyu laide mama’.

  • Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto: Camila Plaate, por ‘Belén’.

  • Mejor guion: Joachim Lafosse, Chloé Duponchelle y Paul Ismaël, por ‘Seis días de primavera’.

  • Mejor fotografía: Pau Esteve Birba, por ‘Los Tigres’.

  • Nuevos Directores: ‘Vaegtloes’, de Emilie Thalund.

  • Horizontes Latinos: ‘Un poeta’, de Simón Mesa Soto.

  • Zabaltegi – Tabakalera: ‘La torre de hielo’, de Lucile Hadzihalilovic.

  • Premio del Público: ‘La voz de Hind’, de Kaouther Ben Hania.

  • Premio de la Juventud: ‘La misteriosa mirada del flamenco’, de Diego Céspedes.

  • Premio Fipresci: ‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa.

Las premiadas de honor (Premio Donostia) en el Festival de San Sebastián 2025 son:

  • Esther García, productora española vinculada a la productora El Deseo. El País+2Cadena SER+2

  • Jennifer Lawrence, actriz estadounidense.

Análisis del pack de 4 películas de ‘Indiana Jones’

Divisa Films nos devuelve al arqueólogo más famoso del mundo

La maravilla que se ha marcado Divisa Films para traernos las aventuras de nuevos de Indiana Jones a casa, es fantástica. Tenemos un estupendo pack con cuatro de las cinco películas, tanto en formato Blu-ray como en formato 4K.

Un montón de horas en casa con este arqueólogo que desde los años 80 nos ha dado un sinfín de aventuras diferentes por todas partes del mundo.

‘En Busca del Arca perdida’, ‘Indiana Jones y el Templo maldito’, ‘Indiana Jones y la última cruzada’ e ‘Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal’, son las cuatro películas que encontramos en este pack con un disco entero para los extras.

En ellos escenas tras las cámaras, nos adentramos en los rodajes, vemos storyboards, la música, el sonido, un montón de cosas que sin duda os darán más de 7 horas de entretenimiento.

Menú: Catalán, español, inglés e italiano.

Idiomas: Castellano 5.1 Dolby Digital Surround y 2.0 Estéreo; Inglés Dolby Atmos; Francés, Italiano y Japonés 5.1 Dolby Digital Surround; Italiano y Japonés 2.0 Estéreo; Ruso 2.0 Surround; Audiodescripción Inglés 5.1 Surround

Subtítulos: Castellano, Inglés, Inglés para sordos, Chino: Mandarín, cantonés y tradicional, Coreano, Danés, Finés, Francés, Neerlandés, Japonés, Tailandés, Noruego.

Os dejamos con los extras y con un pequeño vídeo en el que podéis ver la información pack.

EXTRAS (Más de 7 horas)

En el plató de en busca del arca perdida (57:53 min)

  • De la selva al desierto

Un detrás de las cámaras con actores, director, guionistas, extras, viendo como disfrutaron del rodaje durante la película.

  • De la aventura a la leyenda.

Nos cuentan un poco durante el rodaje como fueron montando toda la historia, las complicaciones con la fauna y el tiempo.

Rodando las películas (4 h. aprox)

  • El rodaje de en busca del arca perdida (1981) (57:58 min)
  • El rodaje de En busca del arca perdida (50:52 min)

En ambos nos van contando recuerdos y momentos del rodaje de la cinta. Vemos imágenes del rodaje, entrevistas con los directores, actores, gente del equipo. Un montón de información sobre el rodaje. De como lograron mantener el famoso sombrero de Indiana Jones en la cabeza de Harrison Ford. Como consiguieron montañas, donde no las había. Una delicia.

  • El rodaje de Indiana Jones y el Templo maldito (41.09 min)

Al igual que en el anterior, seguimos con entrevistas y vemos como Spielberg utilizó alguna que otra escena que se había dejado guardada de la primera parte de la saga. Como quería que esta cinta fuese mucho más oscura que su predecesora. Y muchas cosas más.

  • El rodaje de Indiana jones y la última cruzada (35.03 min)

En esta cinta, les importaba bastante el pasado de Indy y la relación con su padre Además por supuesto de la búsqueda y la importancia del Grial en toda la historia. Y por supuesto de como consiguieron a Sean Connery. Del que también tenemos entrevistas en este apartado de los extras.

  • El rodaje de Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (28.49 min)

Con un pequeño recordatorio de las tres cintas anteriores, nos adentran en esta nueva aventura, con todos un poquito más mayores, pero con las mismas ganas de aventuras. Y nos cuentan cómo llegaron a hacer una película de extraterrestres.

Tras las cámaras (2h. 40 min. aprox)

  • Los especialistas de Indiana Jones (10:56 min)
  • El sonido de Indiana Jones, (13:21 min)
  • La música de indiana Jones (12:22 min)
  • La luz y la magia de indiana jones (12:22 min)
  • El arca perdida: ¡La cara que se derrite! (12:12 min)
  • Indiana Jones y los bichos repugnantes (11:46 min)
  • Viaja con Indiana Jones: Localizaciones (9:58 min)
  • Las mujeres de Indy: Homenaje del American Film Institute (09:15 min)
  • Amigos y enemigos de Indy (10:10 min)
  • Atrezzo icónico (09:52 min)
  • Los efectos de Indy (22:34 min)
  • Aventuras en Post-Produccion (12:36 min)

Créditos

Subtítulos

 

Crítica: ‘Marvel Zombies’

En qué plataforma ver Marvel Zombies

El crossover marvelita de no-muertos cobra vida

‘Marvel Zombies’ llega a Disney+ con una misión clara: recuperar la esencia macabra y gamberra que tanto fascinó en los cómics, y al mismo tiempo encajar dentro del cada vez más complejo engranaje del MCU. La serie se convierte en un paso adelante hacia contenidos más oscuros y adultos, alejados del tono familiar que suele caracterizar las producciones de la Casa de las Ideas. Evidentemente todo dentro de los esquemas de un what if.

El recorrido de Marvel Zombies en las viñetas arranca a mediados de los 2000 con guionistas como Robert Kirkman, padre de ‘The Walking Dead’, al frente de una saga que pronto se convirtió en objeto de culto. Entre las historias más celebradas destaca ‘Hambre insaciable’, donde héroes y villanos convertidos en muertos vivientes devoran todo a su paso en un festival de horror y referencias al universo marvelita. La primera aparición animada de esta idea llegó años después con el capítulo dedicado a los zombies en ‘What if…?’, que fue recibido con entusiasmo y abrió la puerta a esta nueva serie.

Disney+ mantiene el mismo estilo visual que ‘What if…?’, un cel-shading elegante, dinámico y capaz de combinar la acción superheroica con la crudeza del gore. Y es ahí donde se produce la primera gran sorpresa: Marvel se atreve a mostrar muertes sangrientas, brutales y sin censura, recordándonos que, como en cualquier historia de zombies que se precie, nadie está a salvo.

La gran diferencia respecto a otros relatos de muertos vivientes está en que los héroes infectados mantienen sus poderes. Ver a personajes que conocemos desde hace más de una década en el MCU devorando carne humana con la misma facilidad con la que antes salvaban el mundo, es un espectáculo grotesco pero fascinante. Es un recordatorio de que Marvel, cuando quiere, sabe dar un giro radical a sus fórmulas.

Los protagonistas cambian respecto a los cómics más emblemáticos, y esa decisión funciona bien: permite explorar una aventura fresca dentro de la misma realidad alternativa. Se respira el mismo espíritu de crossover que en cualquier gran evento editorial: cada capítulo está plagado de guiños, cameos y detalles que los lectores veteranos sabrán apreciar. Desde referencias a los skrulls y las vacas hasta alusiones a títulos recientes del MCU como ‘Thunderbolts’, ‘The Marvels’, ‘Doctor Strange en el multiverso de la locura’, ‘Wakanda Forever’ o ‘Thor: Love and Thunder’ en última instancia. Incluso hay espacio para un guiño inesperado a ‘Star Trek’ con el vehículo que los héroes usan en uno de los primeros episodios a pesar de que no es una franquicia de Disney/Marvel.

La estrategia de Marvel Studios parece clara: evitar abusar de los personajes más icónicos y dar aire a nuevas figuras, preparando el terreno para una nueva fase. Una de las curiosidades más llamativas es la aparición de un Blade fusionado con el Caballero Luna, interpretado por la voz de Todd Williams. El actor, que tiene cierto parecido físico con el cazador de vampiros, se rumorea como posible plan B en caso de que Mahershala Ali no continúe en el proyecto de ‘Blade’ en acción real. En la animación, la cara sigue siendo la de Ali, pero su voz no. Este detalle muestra cómo Marvel juega sus cartas con cautela, manteniendo el misterio y abriendo posibles caminos para el futuro.

‘Marvel Zombies’ podría ser un simple spin-off o un producto secundario. Pero no deja de ser una apuesta arriesgada que recuerda a los fans que Marvel puede ser mucho más que un desfile de efectos digitales y chistes recurrentes. Aquí hay horror, sangre y riesgo narrativo. Para los comiqueros es un banquete de referencias, y para los fans del MCU, una invitación a aceptar que el futuro de la saga puede ser tan oscuro como imprevisible.

Tráiler de ‘IT: Bienvenidos a Derry’

La precuela de ‘IT’ llega a HBO el 27 de octubre con Bill Skarsgård y un reparto de lujo

HBO ha presentado el tráiler oficial y el cartel promocional de ‘IT: Bienvenidos a Derry’, la esperada precuela del universo creado por Stephen King que expandirá la historia de IT y IT: Capítulo dos. La serie, compuesta por ocho episodios, se estrenará el 27 de octubre y llegará a su final de temporada el 15 de diciembre con estrenos semanales.

Desarrollada por Andy Muschietti, Barbara Muschietti y Jason Fuchs, la ficción está ambientada en la enigmática localidad de Derry y explorará los orígenes del terror que ha acechado a sus habitantes durante generaciones. Andy Muschietti, director de las exitosas adaptaciones cinematográficas, también se pone detrás de las cámaras en varios episodios.

El reparto incluye a Jovan Adepo, Taylour Paige, Chris Chalk, James Remar, Stephen Rider, Madeleine Stowe, Rudy Mancuso y el regreso de Bill Skarsgård como Pennywise, el aterrador payaso que marcó a toda una generación de espectadores.

Producida por HBO y Warner Bros. Television, la serie cuenta con un equipo de producción de primer nivel encabezado por los Muschietti y Jason Fuchs, junto a Brad Caleb Kane, Roy Lee y Dan Lin, entre otros.

Con esta precuela, HBO busca consolidar el universo de IT como uno de los referentes del terror contemporáneo en televisión, ofreciendo a los fans una nueva mirada al origen del mal que habita en Derry.

Divergente, la plataforma OTT gratuita de cortometrajes de ISII Group, amplía su catálogo

Divergente suma más de 450 cortometrajes gratuitos y estrena nuevas producciones propias

Divergente, la plataforma OTT gratuita impulsada por ISII Group, sigue creciendo como punto de encuentro para los amantes del cortometraje. Con más de 450 títulos disponibles online sin coste, su catálogo combina propuestas premiadas en festivales internacionales, candidatas a los Goya y obras de cineastas emergentes y consolidados.

Entre sus últimas incorporaciones destaca ‘Lo que no decimos’, un relato LGBTIQ+ que pone el foco en la presión dentro del mundo del fútbol. Este estreno forma parte de la apuesta por la producción propia de Inefable Productions, compañía del grupo, que ya ha desarrollado una docena de cortos desde su creación en 2024.

Próximamente también se podrán ver en la plataforma ‘Por un puñado de frases’ y ‘Jo, qué día’, dos comedias con rostros tan conocidos como Jorge Sanz, Raúl Cimas y Yolanda Ramos.

El catálogo de Divergente ofrece ficción, documental, animación y experimental, abarcando géneros tan variados como terror, comedia, ciencia ficción, drama, thriller, fantástico, romántico o musical. Entre los proyectos disponibles aparecen trabajos de cineastas como Carlota Pereda o Eduardo Casanova y cortos con intérpretes de prestigio como Verónica Forqué, María Barranco, Ingrid García Jonsson, Macarena Gómez o Fernando Cayo.

De esta forma, Divergente se consolida como una ventana digital para redescubrir cortometrajes que muchas veces quedan relegados tras su paso por festivales, ofreciendo al público la posibilidad de disfrutar de historias originales y comprometidas de manera gratuita y accesible.

Crítica: ‘Pubertat’

En qué plataforma ver Pubertat

Duro y esperanzador drama

Leticia Dolera, se embarca en un drama increíble que va a dar mucho que hablar. Una denuncia de agresión sexual en redes sociales apunta a tres adolescentes como culpables. Los adultos y los jóvenes se verán en una espiral de culpa y dudas de la que les costará salir.

‘Pubertat’, serie de seis episodios, con la que la directora y actriz se adentra en temas muy truculentos y muy actuales. ¿Realmente nuestros jóvenes saben que es el consentimiento? Ya no solo las personas que han llevado a cabo el abuso, si no, también nos muestran las dudas de la propia víctima. ¿Nuestros jóvenes están siendo bien acompañados en el tema sexual por los adultos? ¿O pueden los tabús ser parte de que realmente crean que se pueda hacer lo que uno quiere?

Muchas dudas y preguntas en una serie que como he comentado, va a dar mucho debate después de su visionado. Porque realmente nos muestras muchas caras y en todas ellas podemos ver un poco de razón y vernos reflejados en alguna de ellas, algo que hará que pensemos lo mal que lo estamos haciendo.

Leticia Dolera, dirige, escribe y coprotagoniza este drama adolescente en el que una amistad se trunca por tantas dudas y poca información. Un dolor que hace que cuatro familias sientan que algo no está bien.

‘Pubertat’ está ubicada durante la noche de San Juan, y con los famosos Castells de fondo. Y eso hace que nos muestren también lo importante que es la unión y confianza en un grupo. Y lo fácil que es romper esta confianza.

La serie está muy bien dirigida y con unas actuaciones muy naturales. Un reparto joven, bastante novel que logran unas interpretaciones muy creíbles. Leticia Dolera, Xavi Sáez, Betsy Túrnez, Aina Martínez, Ot Serra Bas, Bruno Bistuer Farré, Nael Gamell Orejuela, Carla Quílez, Jean Cruz, Alexandra Russo, David Vert, Giulieta y Helena Scattolini, Biel Duran, Anna Alarcón, Roser Vilajosana, Francesca Piñón, Lluís Marco, Vicky Peña, Pep Munné, Borja Espinosa y María Ribera, son parte de este reparto tan coral que hace de ‘Pubertat’ una buena ficción.

Pese a todo este drama, una de las cosas que más me ha gustado de la serie, es que, en el fondo, deja un buen sabor de boca. Un aprendizaje, que llega a tener momentos bastante tiernos, que demuestran que de todo se aprende y que al final, los secretos no son tan buenos como parecen y que hay que hablar absolutamente de todo para poder avanzar y ser mejor sociedad. ‘Pubertat’ llega a nuestras pantallas el próximo 24 de septiembre a HBO Max. Seis episodios que se ven en nada y que recomiendo mucho.

Crítica: ‘Una batalla tras otra’

En qué plataforma ver Una batalla tras otra

Sinopsis

Bob, el ya acabado revolucionario (DiCaprio) existe en un estado de paranoia y drogado. Sobrevive desconectado de los demás con Wilma, su enérgica y auto-suficiente hija (Infiniti). Cuando su malvado archienemigo (Penn) reaparece al cabo de 16 años y ella desaparece, el ex-radical lucha para encontrarla. Tanto la hija como el padre tienen que luchar contra las consecuencias del pasado de éste.

Crítica

La película más combativa y política de Thomas Anderson

Hay películas que parecen responder a un pulso histórico, como si hubieran nacido de la tensión acumulada en las calles y en los noticiarios. ‘Una batalla tras otra’ de Paul Thomas Anderson pertenece a esa categoría: un relato que no solo narra, sino que respira el malestar social y lo transforma en ficción febril. Anderson toma la semilla del descontento y la hace germinar en una historia donde la radicalización política, el terrorismo artesanal y la desconfianza hacia las élites conviven en un territorio difuso entre la sátira y la tragedia.

La trama se centra en un grupo organizado de jóvenes que, cansados de la marginación y la desigualdad en temas como la inmigración o el racismo, encuentran en la violencia su única vía de expresión. Sus métodos remiten a las viejas guerrillas europeas: artefactos caseros, nombres en clave, escondrijos en plena naturaleza, asesinatos que llevan a la radicalización, confrontaciones improvisadas… No es casualidad que se autodenominen “El 75 francés”, evocando quizá a la rapidez y eficacia del legendario cañón de la Primera Guerra Mundial. Con ello, Anderson no solo alude a la violencia organizada, sino que sugiere la posibilidad inquietante de que este tipo de insurgencia pueda brotar en la Norteamérica contemporánea. Quizá ‘Una batalla tras otra’ es una sátira, quizá es una llamada de atención.

En paralelo, la película dibuja a esas élites que manejan el país en la penumbra, retratadas con un tono ambiguo: a ratos caricatura, a ratos crítica. Por momentos, el filme tiene la rabia de Spike Lee, la mordacidad de Adam McKay y la asfixia del ‘Sicario’ de Denis Villeneuve. Tal es la llamada de atención que el filme podría ser parte de un ciclo iniciado por ‘Eddington’ de Ari Aster y culminado con el ‘Civil War’ de Alex Garland. El equilibrio entre esas influencias u obras con las que se da la mano no disuelve la voz de Anderson, sino que la afila hasta convertirla en su obra más combativa y directamente política.

La música de Jonny Greenwood es esencial: es casi un jazz bebop disonante y nervioso que acompaña las persecuciones, los estallidos de violencia o las discusiones más encendidas. Dispone de persecuciones que emplean recursos que ponen de los nervios o carreras por azoteas realizadas por unos jóvenes a las órdenes de un sensei que parecen que buscar rememorar algo tan americano como las ‘Tortugas Ninja’. Esa mezcla, insólita y pop, casi pulp, termina por acentuar el desconcierto del espectador, atrapado entre la risa y la alarma.

En el reparto, Leonardo DiCaprio ofrece un papel autodestructivo en el que parece encontrarse muy cómodo y que no le presenta dificultad alguna. Su “Gringo Zapata” encarna tanto la fragilidad como la fuerza del héroe revolucionario. Junto a él, Chase Infiniti aporta un contrapeso sólido, aunque queda en segundo plano frente al magnetismo de Teyana Taylor, que arrasa con su energía. Sean Penn es otro de los pilares del filme, quizá en el rol que será más comentado. Apabullante en muchos pasajes, peca de exceso en otros, lo que le resta naturalidad.

Pero ‘Una batalla tras otra’ no se limita a la política: también es un relato íntimo sobre la incomunicación entre un padre y su hija. Esa fractura familiar funciona como espejo de la fractura social y generacional: en ambos casos, todo se reduce a una lucha constante, a una batalla tras otra. Aunque se base en la novela de Thomas Pynchon, con esta película, Anderson no se limita a narrar, sino que interpela al presente, obligando a preguntarnos si lo que vemos es advertencia o burla, profecía o sátira.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: One Battle After Another. Duración: 170 min. País: EE.UU. Dirección: Paul Thomas Anderson. Guion: Paul Thomas Anderson. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Paul Thomas Anderson, Michael Bauman. Reparto principal: Leonardo DiCaprio, Teyana Taylor, Chase Infiniti, Sean Penn, Benicio Del Toro, Regina Hall. Producción: Ghoulardi Film Company, Warner Bros. Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, acción, comedia. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/una-batalla-tras-otra

Crítica: ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’

En qué plataforma ver Sketch. Cuidado con lo que dibujas

Sinopsis

Una niña con mucha imaginación deja caer accidentalmente su cuaderno en un misterioso estanque y sus dibujos cobran vida. Criaturas disparatadas y un poco peligrosas se escapan por la ciudad, sembrando el caos. Junto a su hermano y con la ayuda de su despistado padre, deberán atrapar a sus propias creaciones antes de que el desastre sea total.

Crítica

Eficiente aventura con el trazo como catarsis terapéutica

En un momento en que el cine fantástico a menudo parece haber perdido el asombro en favor del espectáculo vacío, ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’ emerge como una propuesta original y fresca. Dirigida por Seth Worley, esta cinta mezcla acción real con animación dibujada a mano para ofrecernos una historia inquietante sobre los sentimientos reprimidos y los peligros de proyectar nuestros deseos sin control.

Lejos de ser una simple película juvenil o una fantasía complaciente, ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’ se adentra en terrenos oscuros y profundamente emocionales. La premisa podría recordar a estrenos cercanos como ‘Harold y el lápiz mágico’, pero Worley imprime un tono completamente distinto, más introspectivo y adulto, donde el acto de crear deja de ser un juego para convertirse tanto en un bálsamo terapéutico como en una amenaza. Aquí, el cuaderno de dibujos no es un portal a la maravilla, sino un espejo del subconsciente de su protagonista. Para sorpresa esta es una película de Angel Studios (la productora cristiana de ‘Sound of freedom’) y por ninguna parte aparecen argumentos religiosos, al contrario, es un filme que funciona de manera universal y tiene un carácter inesperadamente indie e incluso con tintes de comedia negra.

La historia sigue a Amber (Bianca Belle), una joven retraída que descubre en un cuaderno de bocetos el bálsamo para sus penas, rabias e inquietudes. Todos hemos visto en películas de terror sobrenatural o de criaturas esas escenas escalofriantes en las que el profesor de turno enseña a los padres los espeluznantes dibujos que ha hecho su hijo/a. Con este filme sucede lo mismo e incluso estamos ante una obra que podría estar dentro del survival horror o el monster movie. Pero el carácter de las criaturas rompe esa sensación ya que estamos ante seres garabateados que aparecen por el bosque cual pokémon que te asalta.

La cinta funciona muy bien como aventura, como comedia e incluso a veces como título que puede dar miedo. Sobre todo es un filme que funciona como terapia. En la actualidad se habla mucho de la salud mental pero poco se toca tanto el tema infantil. Worley juega con el espectador y con los enfoques familiares para desarrollar bien su idea y sus giros. Cada trazo dibujado es una pincelada emocional, un símbolo que conecta con la psique de Amber y con sus conflictos internos. No es casualidad que muchas de las criaturas creadas reflejen sus miedos, deseos reprimidos y culpa, convirtiendo el filme en un estudio sobre el poder de la creatividad y el tratamiento del trauma.

A nivel visual, ‘Sketch. Cuidado con lo que dibujas’ es una delicia muy divertida. La transición entre el mundo tangible y los dibujos no busca el hiperrealismo, sino que apuesta por el contraste expresivo. Esto refuerza la fragilidad de lo imaginado frente a lo real, y también la idea de que todo poder creativo conlleva un enorme riesgo. Uno de los mayores logros de ‘Sketch’ es la forma en que integran los garabatos animados en la narrativa visual. Lejos de ser un mero recurso estético, estos dibujos cobran vida con una lógica propia, caótica y a veces inquietante. Su estilo visual (intencionadamente rudimentario, como si hubieran sido esbozados deprisa por una mente agitada y evidentemente infantil) contrasta con la fotografía realista y sobria del mundo tangible. La animación no pretende fundirse con la imagen real, sino invadirla, como si la imaginación estuviera filtrándose por las grietas de la realidad. Este choque estilístico refuerza la sensación de descontrol, ya que los trazos parecen expandirse más allá de lo que el protagonista desea, actuando con voluntad propia. Los dibujos interactúan físicamente con los personajes y el entorno, rompiendo las leyes naturales y desafiando cualquier lógica, lo que añade tensión y amenaza constante a cada escena. Evidentemente esto último forma parte de otra de las capas psicológicas del filme.

En cuanto al reparto, hay un gran equilibrio entre todo el elenco. Credibilidad en la relación de los hermanos protagonistas y un Tony Hale que podría ser un claro ejemplo para aquellos padres que se piensan que lo están haciendo todo bien (pero no). Si acaso habría que reprochar que el elenco infantil tiene momentos menos naturales, sobre todo en el caso de Kalon Cox, quien hace las veces del típico bromista cargante del instituto. Aun así todo el casting infantil funciona en los momentos en los que entra en juego la comedia.

‘Sketch’ no es solo una fantasía oscura, sino también una meditación sobre el arte como refugio y como amenaza. En una época donde la inteligencia artificial y la generación automática de contenido están en auge, la película plantea preguntas inquietantes: ¿Qué ocurre cuando no encontramos canales a través de los cuales transmitir lo qué sentimos? ¿Qué sucede cuando nuestras creaciones dejan de obedecernos? ¿Dónde acaba la inspiración y empieza la locura? Seth Worley ha firmado una obra valiente, emocionalmente compleja y visualmente particular. Una cinta que, aunque bebe de referentes clásicos, traza su propio camino con rotundidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: Sketch. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Seth Worley. Guion: Seth Worley. Música: Cody Fry. Fotografía: Megan Stacey. Reparto principal: Bianca Belle, Tony Halle, D’Arcy Carden, Kue Lawrence, Kalon Cox. Producción: Morphan Time Productions. Distribución: a Contracorriente Fillms. Género: aventuras, fantasía. Web oficial: https://www.angel.com/movies/sketch

Crítica: ‘Ya no quedan junglas’

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Sinopsis

Theo, conocido como «The Gentleman», es un ex soldado estadounidense, cuya existencia solitaria y miserable transcurre entre sus recuerdos de un pasado mejor con su difunta esposa y su habitual cita de los jueves con Olga, una prostituta, a la que paga por conversar, recordando quién fue una vez y soñando con lo que podría haber sido. Cuando Olga es asesinada, busca una venganza brutal. El rastro de sangre que deja es seguido por Iborra, una inspectora de policía alcohólica, y Herodes, un despiadado asesino a sueldo. El cruce de estos personajes al límite tendrá un abrupto desenlace cuando el presente venga a cobrarse las deudas del pasado.

Crítica

Un Ron Perlman crepuscular en una película de moral ambigua

‘Ya no quedan junglas’, dirigida por Luis Gabriel Beristáin y protagonizada por Ron Perlman, llega como una propuesta de cine negro con aspiraciones clásicas, pero atrapada entre sus propias sombras. La película, producida por Álvaro Ariza (responsable de la más que solvente ‘Tierra de nadie’), intenta construir un universo crepuscular en la Parte Vieja de San Sebastián, un escenario urbano cargado de corrupción, narcotráfico y prostitución. En ese ambiente se mueven antihéroes y depredadores sociales, personajes que encarnan la decadencia y la justicia por mano propia.

La apuesta estética y narrativa es clara: un thriller que recurre a monólogos interiores, un protagonista con moral difusa y un clima peligroso. Sin embargo, el resultado final se ve lastrado por un uso excesivo de clichés. Prostitutas, villanos horteras, narcotraficantes latinos de manual y españoles en guerra contra la droga importada: un catálogo de estereotipos que, en lugar de aportar identidad, hacen que la cinta se perciba como un eco de tantas historias ya vistas. Para más inri la película tiene puntos comunes con ‘Asher’, un título en el que comparte reparto con otra española, Marta Milans.

Ron Perlman, con más de setenta años y una carrera marcada por personajes icónicos y brutales, interpreta aquí a un protagonista contenido, casi introspectivo. Su presencia se siente auténtica, quizá porque el papel refleja su propia etapa vital. No es el Perlman desatado de la Serie B pero tiene sus momentos sangrientos. Aunque sólido en su rol, el guion (y quizá también su estado físico) no le permite sostener el metraje completo y lo obliga a ceder minutos a personajes secundarios, como los de Megan Montaner y Hovik Keuchkerian, cuya subtrama carece de la fuerza necesaria y recuerda demasiado a registros previos como el de ‘Reina Roja’. La película se diluye cuando descansa en esos y otros personajes.

El reencuentro de Perlman con Gabriel Beristáin, tras su trabajo conjunto en ‘Blade 2’, y la presencia de Karra Elejalde como secundario con toques de humor aportan cierto magnetismo al proyecto. Sin embargo, el filme no termina de definirse: cuando la narración se concentra en el noir y en los dilemas del protagonista, funciona; cuando divaga hacia los lugares comunes del thriller televisivo, pierde tensión.

‘Ya no hay junglas’ me deja la sensación de haber visto un thriller más, que podría haber sido un episodio de tantas series policiacas emitidas en los canales lineales, pero querría ver una secunda parte con este protagonista. No es solo por la química conseguida entre Perlman y Elejalde o por el cariño que le tengo a varios de los actores que aparecen en los créditos, es más por como acaba la historia. La conclusión deja al protagonista en una situación más interesante y jugosa que con la que arranca. En ese punto sí que se percibe una oportunidad de desarrollo para la historia y el personaje. Es lo mismo que sucedió con ‘Skyline’, que se dejaron para el final lo que realmente era más original y tenía más posibilidades de sorprender al espectador.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: Ya no quedan junglas. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Luis Gabriel Beristáin. Guion: Juma Fodde. Fotografía: Javier Salmones. Reparto principal: Ron Perlman, Megan Montaner, Hovik Keuchkerian, Damián Alcázar, Marco de la O, Natti Natasha, Unax Ugalde, Karra Elejalde, Rubén Ochandiano, Itziar Ituño, Diego Anido, Daniel Grao. Producción: Crea SGR, Esto también pasará, Film Factory, LKS Next Legal, SBD Films, Ya no quedan jungla. Distribución: Género: suspense. Web oficial: https://estotambienpasara.com/es/ultimas-noticias/ya-no-quedan-junglas-estreno-el-26-de-septiembre

Crítica: ‘La astronauta’

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Sinopsis

Sam Walker (Kate Mara) regresa en extrañas circunstancias de su primera misión espacial. El general William Harris (Laurence Fishburne) la obliga a permanecer en cuarentena, bajo la estricta vigilancia de la NASA, en una casa aislada de alta seguridad. Pese a vivir en una aparente normalidad, Walker empieza a percibir sucesos inquietantes en los alrededores de la propiedad. Es entonces cuando comienza a temer que no haya vuelto sola a la Tierra.

Crítica

Un home invasion que quiere disfrazarse de otra cosa, pero la ambigüedad juega en su contra

La directora Jess Varley presenta con ‘La astronauta’ una película que se adentra principalmente en el género del home invasion: un espacio confinado, una amenaza latente desde el exterior, inquietantes ruidos nocturnos y una paranoia creciente. Sin embargo, el misterio inicial y el título (‘The Astronaut’) prometen y ofrecen más: una vertiente de ciencia ficción que cuestiona lo real frente a lo psicológico.

Kate Mara interpreta a Sam Walker, una astronauta que regresa de su primera misión espacial, rescatada en el mar tras una reentrada problemática. Mara lleva el peso emocional y el metraje de la película, siendo uno de esos filmes donde prácticamente dependemos de un solo actor protagonista. Su actuación transmite con cierta eficacia la fragilidad, la confusión, los hematomas y el tinnitus, elementos comprensibles tras un regreso accidentado. Sin embargo, se suman a ellos brotes de flashbacks y recuerdos en su mente que son demasiado reveladores. En ocasiones, Mara ilumina escenas de tensión, pero el guión no permite un desarrollo auténtico y se queda en lo trillado: nadie la cree, confunde alucinaciones con realidad… Se intenta mantener tanto recelo sobre el personaje y su pasado que aparecen elementos tan descaradamente discordantes, hay tanta omisión de su trasfondo que es relativamente fácil intuir el desenlace. La relación con su esposo, su hija, apenas asoman como líneas dramáticas que podrían explorar su interior, pero muchas quedan como telón de fondo. Es más, su padre es Laurence Fishburne, así es que como sospechareis algo raro hay.

Varley logra generar esa sensación de tensión creciente apoyándose sobre todo en medios técnicos como la edición de sonido. De igual modo, contribuye el ambiente ubicado en una lujosa casa donde guarda una anómala cuarentena. Todo eso está bien y a pesar de los flecos que quedan pendientes y el mal CGI, esta podría haber sido una película interesante si hubiese tenido un desenlace mejor. La ambigüedad de la película juega en su contra y revela cierta evidencia, creando una sensación de cierre abrupto y desconectado. Por no decir que habría sido más interesante explorar lo que se plantea en el final que haber desarrollado todo como algo tan trillado como un home invasion. La elección de ese género imposibilita casi automáticamente cualquier posibilidad de desarrollar una trama que hable de la identidad o el significado de familia (que son dos temáticas que parecen haber querido plantear).

Giros tardíos, cambios de tono y género, o una insólita manera de desaprovechar a los actores secundarios son los mayores defectos de ‘La astronauta’. Puede ser capaz de generarte intriga, pero si conoces títulos como ‘The Brother from Another Planet’, ‘Impostor’ o ‘The Forgotten’, sabrás lo que se avecina. Y aún si no eres fan del género, no podrás evitar acordarte de ‘E.T.’.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: The astronaut. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Jess Varley. Guion: Jess Varley. Música: Jacques Brautbar. Fotografía: Dave Garbett. Reparto principal: Kate Mara, Laurence Fishburne, Gabriel Luna, Ivana Milicevic, Macy Gray. Producción: Fuller Media, The Wonder Company, Bee-Hive Productions, Fith Season, Wild Atlantic Pictures. Distribución: DeAPlaneta. Género: suspense, ciencia ficción. Web oficial: http://deaplaneta.com/es/the_astronaut

Crítica: ‘Strangers: capítulo 2’

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Sinopsis

Vuelven los Extraños, más brutales e implacables que nunca.

Cuando se enteran de que su última víctima, Maya (Madelaine Petsch), sigue viva, regresan para acabar lo que habían empezado. Sin ningún lugar al que huir, ni nadie en quien confiar, Maya debe sobrevivir a otro horrible capítulo de terror, mientras los tres enmascarados la persiguen, dispuestos a matar a cualquiera que se interponga en su camino.

Crítica

Un slasher con más clichés que kill count

Renny Harlin ejecuta su vaticinado regreso con ‘Strangers: capítulo 2’, la segunda entrega de la trilogía que el director finlandés ha rodado del tirón y que se apoya en la herencia de Bryan Bertino, creador de la perturbadora película de 2008 y guionista de su secuela de 2018. Este nuevo capítulo se inserta en ese mismo universo, manteniendo las icónicas máscaras y letales personajes, aunque con un enfoque que intenta expandir sus motivaciones y orígenes.

Si el primer capítulo de Harlin funcionaba como una precuela de las originales, aquí se nos propone una continuación directa que, aunque algo más ambiciosa, sigue arrastrando muchos de los defectos que lastran al proyecto desde su concepción. ‘Strangers: capítulo 2’ se presenta como una secuela menos olvidable, pero no necesariamente más sólida.

Harlin aprovecha la decisión de rodar la trilogía de una vez para mantener la coherencia de escenarios, atmósferas y reparto. Varios actores repiten presencia, lo cual resulta lógico, ya que abundan los flashes del pasado y las transiciones inmediatas entre lo sucedido entre el capítulo anterior y este. La sensación es similar a la que provoca la saga ‘Hatchet’, aunque os recomiendo mucho más la obra de Adam Green.

El film repite con descaro la misma fórmula: la llamada a la puerta, la eterna pregunta por “Tamara”, el móvil sin cobertura, la huida torpe por un montacargas y las decisiones absurdas de las víctimas que parecen diseñadas únicamente para prolongar su agonía. El guion parece construido a base de un catálogo de clichés que cualquier espectador mínimamente aficionado al terror reconocerá de inmediato.

Vamos del home invasion al slasher rutinario. Si la primera entrega de Harlin apostaba por un home invasion más contenido, en esta segunda parte se pasa de lleno al slasher en múltiples escenarios: un hospital inexplicablemente vacío, un bosque azotado por tormentas y la misma cabaña que ya vimos antes. El cambio de localización no aporta frescura, sino más bien una sensación de desgaste.

Harlin intenta dar cierto trasfondo a uno de los asesinos y al eterno enigma de Tamara, pero el resultado contradice la supuesta aleatoriedad de los crímenes. Y es que como en la primera parte al arrancar se nos ofrecen datos reales sobre las muertes en USA. En la primera nos hablaban de las muertes no naturales, que habían sido precedidas de violencia física y en esta, de cuán carentes de móvil son los asesinatos en el país de las oportunidades. Si el director quiere concienciar sobre lo enfermiza que es la violencia en Norteamérica, difícilmente lo logrará a través de un espectáculo que se regodea en la brutalidad.

‘Strangers: capítulo 2’ se delata desde ciertos planos de reacción: basta una mirada de los personajes para intuir quién está tras cada máscara. No hay misterio ni suspense, solo un simulacro de tensión que se deshace por la previsibilidad. Harlin parece más interesado en rodar set pieces vistosas que en aportar algo genuino al género. Lo único realmente novedoso es una escena que recuerda a ‘El renacido’ de Iñárritu, un guiño tan inesperado como fuera de lugar.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de septiembre de 2025. Título original: The Strangers: Chapter 2. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Renny Harlin. Guion: Alan R. Cohen, Alan Freedland, Amber Loutfi. Música: Justin Caine Burnett. Fotografía: José David Montero. Reparto principal: Madelaine Petsch, Froy Gutierrez, Janis Ahern, Pablo Sandstrom, Brooke Lena Johnson, JR Esposito, Pedro Leandro, Brian Law, Richard Brake. Producción: Fith Element Productions, Elipsis Capital, FIlmframe S.R.O., Lionsgate Entertainment, Mark Canton Productions, Sherborne Media, Stream Media, The Strangers Films, Vertigo Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: terror, slasher. Web oficial: https://thestrangers.movie/

‘Unprovidence’ tendrá su estreno en el Festival Curtas

El artista Víctor Marín estrena su  nuevo trabajo en tierras gallegas

El estreno de ‘Unprovidence’ tendrá lugar en la 53º edición del Curtas Festival do Imaxinario de Vilagarcía de Arousa (Galicia), un certamen con más de medio siglo de historia, reconocido por la publicación especializada Dread Central, entre los 90 mejores festivales de género del mundo.

El cortometraje ha sido rodado en localizaciones singulares del sur de España, como la Cueva del Tesoro de Nagüeles (Marbella) o el exclusivo Villa Padierna Hotels & Resorts.

Con una marcada estética de finales del siglo XIX y un equipo técnico muy reducido, en muchas jornadas formado únicamente por tres personas, ‘Unprovidence’ se erige como una auténtica carta de amor a la obra de H. P. Lovecraft, narrada a través de una voz en off que recupera pasajes significativos de sus escritos.

Víctor Marín, ha trabajado en franquicias internacionales de primer nivel como Jurassic World, Stranger Things o One Piece, colaborando con compañías como Netflix, Warner o Maxon. En 2022 fue galardonado con la Biznaga de Plata en el Festival de Málaga, reconocimiento que consolida su relevancia en la industria audiovisual.

En ‘Unprovidence’, Marín crea una atmósfera oscura y evocadora, que ofrece una lectura arriesgada y personal del legado lovecraftiano.

Lovecraft no deja de fascinarme, no solo por su terror cósmico, sino por la forma en la que retrata la pequeñez del ser humano frente al universo. Con ‘Unprovidence’ he querido, con el mayor de los respetos, plantear una idea atrevida, cuidando al máximo el diseño de producción. La aportación de Andrés Mata, ha sido clave para alcanzar la cuidada cinematografía del cortometraje, y la entrega y dedicación del reparto ha sido increíble: José Valera García, Maritxell Caba, Pablo Ramos, Danny Sagaz y Dani Alba”, explica Víctor Marín.

El estreno se celebrará dentro del Bloque Arrepíos I de la Sección Oficial Fantástico de Curtas Festival do Imaxinario 2025, en el Salón García, el próximo 25 de octubre a las 19:15 horas.

‘Unprovidence’ es una producción de Invictus Designs Productions y Fonofox, con la colaboración de Andrés Mata, Edgar de Benito y Alex Tutusaus.

‘Perfectos desconocidos’ progresará con los personajes de ‘Perfectos conocidos’

Javier Fesser dirige el primer spin off mundial de ‘Perfectos desconocidos’ con Ernesto Alterio y Juana Acosta

El cine español vuelve a mirar a lo grande con el anuncio del rodaje de ‘Perfectos conocidos’, primer spin off mundial del fenómeno de Álex de la Iglesia ‘Perfectos desconocidos’. La película ya tiene director y será Javier Fesser, ganador de siete premios Goya y nominado al Oscar, quien comenzará a rodar a finales de septiembre en Tenerife y Madrid.

Los protagonistas serán de nuevo Juana Acosta y Ernesto Alterio, quienes retoman a Ana y Antonio, el matrimonio que logró sobrevivir a la célebre cena con los móviles sobre la mesa. En esta ocasión, ambos viajan a Canarias para una celebración familiar que se transforma en pesadilla cuando un volcán cercano entra en erupción y la amenaza mortal desencadena un estallido de secretos ocultos.

El reparto se completa con Elena Irureta, Miguel Rellán, Manuel Morón, Jorge Usón, Athenea Mata, Teresa Hurtado de Ory, Laia Alberch, Alicia Bravo, Rodrigo Díaz y Candela Moreno, entre otros.

La producción corre a cargo de Telecinco Cinema, Nadie es Perfecto Producciones Cinematográficas, Películas Pendelton y Extraños Conocidos AIE, con la participación de Mediaset España, Movistar Plus+ y Mediterráneo Mediaset España Group. La distribución en salas españolas será de Universal Pictures International Spain, mientras que Film Factory gestionará el lanzamiento internacional.

Con esta apuesta, Fesser traslada su particular mirada a los secretos familiares, manteniendo la tensión y el humor negro que hicieron de ‘Perfectos Desconocidos’ un éxito de taquilla en 2017.