Crítica: ‘Los 30 (no) son los nuevos 20’

Sinopsis

Los 30 (no) son los nuevos 20 cuenta la historia de David, quien ha cumplido los temibles 30 y lo celebra de una forma diferente: con sus amigos en el pueblo, pero también con algunos actores y un equipo de rodaje. A pesar de las ganas de juntarse, la distancia y los años lo han cambiado todo. La fiesta termina por convertirse en un manifiesto de la generación millennial.

Crítica

Nos mueve entre los 30 y el desencanto con una mirada franca

Juan Vicente Castillejo irrumpe en el panorama cinematográfico con su cortometraje ‘Los 30 (no) son los nuevos 20’, un retrato íntimo y sincero de la generación millennial, con el cual ha sido capaz de colarse entre los nominados a los Premios Goya 2025. En este trabajo, el director utiliza la celebración de un cumpleaños como hilo y contexto para explorar las dinámicas de amistad y la sensación de incertidumbre que caracteriza a esta generación, atrapada entre expectativas sociales de éxito y un momento de libertinaje similar al que experimentaron algunas generaciones anteriores.

El corto, filmado en un entorno rural, no solo destaca por su autenticidad narrativa dentro de lo que muchas veces se percibe como ficcionado, sino también por su capacidad para conectar con experiencias universales de madurez temprana. Castillejo combina momentos aparentemente banales con lo que parecen reflexiones sobre el paso del tiempo, los cambios de perspectiva y la desconexión emocional, todo ello con un enfoque que de soslayo retrata a las generaciones de desplazados conocidos como provincianos.

El director explora la identidad y comunidad a través de la empatía y la franqueza. La propuesta es más que personal y logra conectar con aquellos treintañeros y cuarentones que han perdido el contacto con sus amigos de la adolescencia pero que aun así intentan mantener vivo con su propio ser púber. Aunque la obra se apoya en una mirada nostálgica, también es un testimonio de resiliencia actual y de cómo esta quinta ha experimentado un boom sexual.

A modo de analizarlo como documental el discurso puede resultar limitado, sobre todo para quienes buscan una perspectiva más estructural o analítica sobre los desafíos de los millennials. El mérito de Castillejo radica en capturar, con honestidad y sin pretensiones, la insondabilidad emocional (si se me permite el palabro) de quienes navegan entre los 30 y el desencanto.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Los 30 (no) son los nuevos 20. Duración: 20 min. País: España. Dirección: Juan Vicente Castillejo. Guion: Juan Vicente Castillejo, Alba Pino, Tamara Santos Iglesias. Música: Delson Aravena. Fotografía: Gloria Gutiérrez Asia. Reparto principal: Inma Almagro, Miguel Santillana. Producción: LaBonica Films, Pasajes Invisibles. Distribución: BTeam Pictures. Género: documental. Web oficial: https://labonicafilms.com/los30/

En marcha un biopic sobre la banda Mägo de Oz

Con Carlos Librado “Nene”, Marc Parejo y Felipe García Vélez

Seguimos el suma y sigue con los biopics de cantantes o bandas musicales españolas. Raphael, Bosé, Locomía, Hombres G, Los planetas… De un modo u otro el cine o la televisión se ha encargado de recordar a estos mitos de nuestra historia musical. Ahora el grupo Mägo de Oz tendrá su espacio en la pantalla grande con ‘Mägo de Oz: la película’.

El grupo, del que actualmente quedan pocos miembros originales y que se encuentra dividido con la banda Kabrönes!!!, fue un referente dentro del rock y el heavy en España y en LATAM. Su mezcla de folk y metal sorprendió a propios y extraños con una serie de discos temáticos que hilaban una historia. Esa marca diferencial seguro que estará muy presente en esta película que ha comenzado a rodar el hispano-uruguayo Álvaro Brechner.

En la fotografía podéis ver al reparto escogido entre el que destacan Carlos Librado “Nene” como Carlitos, uno de los pilares guitarrísticos de la banda, Marc Parejo como Fernando, flautista del grupo y Felipe García Vélez interpretará a Claudio, el padre de Moha, violinista.

Sinopsis oficial:

‘Mägo de Oz: la película’ narra la historia jamás contada de la banda que revolucionó el rock español al fusionar el heavy metal con el folk celta. Desde sus humildes inicios en los años 80 hasta su consagración internacional, el filme explorará las tensiones creativas, las victorias, las polémicas y las derrotas que forjaron su esencia. Además, se adentrará en las dinámicas internas del grupo y en la devoción inquebrantable de sus fans, mostrando cómo su música ha impactado a generaciones enteras.

¿Quién escribe las letras de Mägo de Oz? ¿Qué ocurrió entre Txus y José Andrëa? ¿Por qué Patricia Tapia dejó la banda? ¿Quién será el nuevo vocalista? Estas y otras preguntas hallarán respuesta en esta película.

Crítica: ‘La mitad de Ana’

Sinopsis

Ana compagina su trabajo de vigilante de sala en un museo con el cuidado de Son, su hija de ocho años. Separada desde hace tiempo, su rutina se rompe al comienzo del curso escolar cuando Son inicia una exploración de identidad.

Desorientada, Ana empezará a ver las cosas de otra manera y poco a poco tendrá que reencontrarse con la mujer que fue antes de ser madre. Para poder acompañar a su hija, Ana tendrá que volver a ser Ana.

Crítica

Carta abierta a los nuevos retos de la maternidad y la identidad

Con ‘La mitad de Ana’ vivimos el nacimiento de una nueva etapa para la hasta ahora actriz Marta Nieto, la cual, da un paso adelante, colocándose tanto delante como detrás de las cámaras. Todo parte del cortometraje ‘Son’, escrito y dirigido también por ella hace unos pocos años. La introspección es el camino que ha escogido para esta opera prima extendida en la que abraza el riesgo y la sutileza. Largometraje cuya sinopsis recuerda muchísimo a ‘20.000 especies de abejas’, pero que por suerte no cae en la copia, pues, aunque trata el tema de la transexualidad se acaba manifestando más como una obra sobre el cumplimiento de metas y el compartir la misma visión del mundo.

De entrada el discurso de ‘La mitad de Ana’ se centra más en la madre que en la hija, a diferencia de la película de Estibaliz Urresola Solaguren. Eso sí, la maternidad sirve también como disparador de una crisis de identidad y constantemente se abordan temas sobre los nuevos retos de la educación. Todas las facetas de la vida de la protagonista se ven cuestionadas y el guión es capaz de transmitir correctamente este tipo de inquietudes. Para ello ofrece soluciones tan ingeniosas como emotivas, pasando por animar cuadros de Ángeles Santos hasta la figura de la bañista, presente a través de escenas veraniegas o de la escultura del bejarano Mateo Hernández. Sin duda en esta obra hay una invitación a la autorreflexión y a enfrentarse a nuevos retos que apuesto a que parte de experiencias personales. Lo que para Ana es ver cómo su hija se desarrolla, para Marta Nieto es ver como fluye el discurso del filme.

Uno de los mayores aciertos de ‘La mitad de Ana’ es su fotografía, obra de Julián Elizalde, que utiliza encuadres muy estudiados, jugando con reflejos y contrapicados además de una paleta de colores apagada para reflejar la confusión interna de la protagonista, como si esta fuese un otoño esperando acabar de desprenderse de sus viejas hojas y de la corteza ya seca, que serían los conceptos ya caducos. Cada plano está cargado de intención, desde los espacios vacíos que enfatizan la incertidumbre de Ana hasta las tomas íntimas que desnudan la fragilidad emocional que viven ella y su hijo.

El guion, coescrito por Nieto y Beatriz Herzog, es otro de los pilares del filme. Si bien puede resultar demasiado críptico en algunos momentos, es evidente que busca dejar espacio para la interpretación del espectador. La película no teme plantear preguntas sin respuestas claras, algo poco habitual en un cine español más acostumbrado a narrativas explícitas. Sin embargo, el debut de Nieto no está exento de ciertas resoluciones. La obsesión por el minimalismo emocional puede distanciar a algunos espectadores.

Dicho esto, ‘La mitad de Ana’ es, sin duda, un debut ambicioso y prometedor. Marta Nieto demuestra un buen control sobre el medio y valentía al optar por una propuesta tan íntima, aunque le han allanado el terreno películas como ’20.000 especies de abejas’, ‘Cinco lobitos’, ‘Los días que vendrán’ o ‘Ane’ protagonizada por Patricia López Arnaiz, quien ejercía el papel de Marta Nieto en el cortometraje original. Puede que no sea una película para todos, pero aquellos dispuestos a sumergirse en su universo encontrarán una obra que, aunque imperfecta, está cargada de sinceridad y realidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de enero de 2024. Título original: La mitad de Ana. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Marta Nieto. Guion: Marta Nieto, Beatriz Herzog. Música: Adrian Foulkes. Fotografía: Julián Elizalde. Reparto principal: Marta Nieto, Noa Álvarez, Nahuel Pérez Biscayart. Producción: Avalon, Crea SGR, Elástica Films, Comunidad de Madrid, IVAC, Movistar Plus+, Mr. Fields and Friends, RTVE, Triodos Bank, ICAA. Distribución: Avalon, Elástica Films. Género: drama. Web oficial: https://elasticafilms.com/catalogofilms/la-mitad-de-ana-prod/

Palmarés de los Premios Forqué 2024

Triunfa ‘El 47’ en cine y ‘Querer’ en televisión

Anoche se entregaron los premios de la 30ª convocatoria de los Premios Forqué. En estos Forqué 2024 se ha reconocido a dos obras principalmente. ‘El 47’ se ha hecho con el galardón al Mejor Largometraje de Ficción y ‘Querer’ con el premio a la Mejor Serie de Ficción. Además en estos Premios José María Forqué 2024 la cinta de Marcel Barrena ha conseguido el premio al Cine y Educación en Valores y la serie de Alauda Ruiz de Azúa se ha alzado con los trofeos a Mejor Interpretación Masculina en Series para Pedro Casablanc y Mejor Interpretación Femenina en Series para Nagore Aranburu.

En las categorías interpretativas en cine, la interpretación de Carolina Yuste en ‘La infiltrada’ ha resultado merecedora del galardón a Mejor Interpretación Femenina, mientras que Eduard Fernández se ha hecho con el reconocimiento a Mejor Interpretación Masculina por su papel en ‘Marco’, convirtiéndose en la segunda vez que el actor consigue este premio tras su victoria en 2014 con ‘Todas las mujeres’.

‘Mariposas Negras’ (David Baute) consiguió el Forqué a Mejor Largometraje de Animación. ‘Marisol, llámame Pepa’ (Blanca Torres)) hizo lo propio con el Premio a Mejor Documental y ‘La gran obra’ fue premiada como Mejor Cortometraje.

En el apartado a Mejor Película Latinoamericana del Año resultó triunfadora ‘El lugar de la otra’ (Maite Alberdi). De la misma manera, el Premio del Público, patrocinado por Cinesa, ha recaído sobre ‘Casa en flames’ (Dani de la Orden).

Enrique Cerezo, presidente de EGEDA, otorgó el tradicional reconocimiento de la Medalla de Oro al director, productor, guionista y divulgador José Luis Garci. En palabras de Cerezo entregar este premio honorífico fue como aprobar una “asignatura pendiente” con un cineasta de “obras de enorme relevancia y calidad”. “Me parece inaudito que no le hayan dado el Premio Nacional de Cinematografía o la Medalla de las Bellas Artes a Enrique Cerezo” dijo Garci devolviendo el cumplido.

Tráiler de ‘Bodegón con fantasmas’

En cines el 24 de enero

El 24 de enero tendremos el placer de volveros a hablar de esta película. ‘Bodegón con fantasmas’ (mini-reseña aquí) llega en esa fecha a cines de toda España y no dudéis que vamos a darle mucho bombo. Sin duda fue una de las películas que más nos sorprendió en el último Festival de Sitges y que más nos divirtió por su apuesta disparatada. Junto con ‘Escape’ y ‘El llanto’ conforman el ranquing de los mejores títulos españoles vistos en el festival de cine fantástico de catalunya.

Enrique Buleo dirige este filme que ha sido nominado a Mejor Película de Comedia en los Premios Feroz 2025. Nos lleva a Castilla la Mancha, a sus tierras labriegas y sus vaciados pueblos. Allí conoceremos a sus personajes, unos vivos y otros muertos, en lo que se ha convertido en una absurda e insalubre existencia. Evidentemente estamos hablando de una comedia que tenemos que agradecer a la distribuidora Sideral que vaya a estar en carteleras.

Protagonizan Consuelo Trujillo, Pilar Matas, Fernando Sansegundo, Eduardo Antuña, Enric Benavent, Jordi Aguilar, Nuria Mencía, Pepe Carabias, Bianca Kovacs y Patty Bonet, entre otros.

‘Bodegón con fantasmas’ es una producción de AmoraFilms (Alejandra Mora), Cuidado con el perro (Alicia Yubero, Juan Cavestany, Alvaro F. Armero), en coproducción con Sideral (Roberto Butragueño, Nuria Landete) y This and That (Snezana van Houwelingen).

Palmarés de los Premios CYGNUS 2024

Los premios que reconocen los valores positivos en el cine y la televisión

Los Premios CYGNUS regresan por séptimo año consecutivo con el firme objetivo de reconocer el trabajo de las personas dedicadas al cine y la televisión que más han aportado en el noble empeño de transmitir valores positivos para la sociedad. La Universidad de Alcalá, institución española de prestigio mundial y de contrastado compromiso y responsabilidad social, en colaboración con el colectivo de profesionales del cine representado en ACIVAS -Asociación de Productores y Distribuidores de Cine de Valores y Solidario- son los promotores de este encuentro que ambas instituciones promueven desde 2019, con el apoyo de EGEDA, CINESA, AIE y el Ayuntamiento de Alcalá de Henares.

Desde entonces tienen una cita ineludible en los Encuentros de Cine Solidario y de Valores desarrollados desde la Fundación General de la Universidad de Alcalá a través de CIMUART (Instituto para el estudio y desarrollo de las artes y las ciencias audiovisuales), con los que se da a conocer el compromiso de la industria audiovisual a través de diferentes actividades. Este evento culmina con estos citados premios que se entregarán el próximo miércoles 15 de enero de 2025 en el Paraninfo de la Universidad de Alcalá.

Como novedad, este año las producciones más sostenibles​ han optado a dos galardones que distinguen tanto las producciones de cine como de series destacando la eco sostenibilidad, una temática en la que los organizadores ya quisieron poner el foco por primera vez en la pasada edición como prueba de su compromiso y que la Universidad de Alcalá concretó con la puesta en marcha del Máster de Cine Sostenible que ya forma académicamente a los profesionales que quieren realizar las labores de eco manager. Esta figura cada vez más presente es la persona responsable de reducir la huella de carbono y compensar el daño ecológico de manera transversal en todo el rodaje. Además, contamos con la asesoría de Creast, la empresa pionera en sostenibilidad para la industria del entretenimiento, que gestionará la medición y reducción del impacto y sostenibilidad del evento de la entrega de los premios.

Así mismo, se ha creado un nuevo Premio especial Cátedra Platino Educa que inaugura la película Soy Nevenka, dirigida por Icíar Bollaín.

En un acto celebrado anteayer, 11 de diciembre de 2024, en el Rectorado de la Universidad de Alcalá, se ha dado a conocer el fallo con los nombres de los ganadores, profesionales que han destacado y participado en títulos que han sido estrenados a lo largo de 2024.

El jurado, compuesto por el Prof. Dr. D. José Vicente Saz, rector de la UAH y Presidente del jurado de los Premios CYGNUS; D. Santiago Alonso, concejal de Cultura e Igualdad del Ilmo. Ayto de Alcalá de Henares; D. Rafael Sánchez, director de Relaciones Institucionales de EGEDA; Dª Cristina Montesinos, directora de Desarrollo de Negocio de Platino EDUCA, Dª. Montserrat Puertas, directora de Relaciones Institucionales de CINESA; D. José Luis Sevillano, director General de AIE; Prof.ª Dra. D.ª Mª Teresa del Val, directora General de la Fundación General de la Universidad de Alcalá; D. Javier Santamaría, director de CIMUART, los Premiso CYGNUS y del Encuentro de Cine Solidario; D. Tote Trenas, director de fotografía;  Dº Gregorio Martínez, director de RR. Institucionales ACIVAS; Dª Yolanda Costas, directora de ficción en Crest, responsable del departamento de servicios de sostenibilidad para sector Cine y TV; Dª Elena Ajenjo, Productora de cine y secretaria General de ACIVAS; y Prof. Dr. D. José Raúl Fernández del Castillo, director para las Artes y la Cultura de la Universidad de Alcalá, secretario y portavoz del jurado, han decidido otorgar los siguientes galardones:

  • Premio a la mejor película: La infiltrada, dirigida por Arantxa Echevarría y producida por Infiltrada A.I.E., Bowfinger International Pictures, Beta Ficción, Esto también pasará.
  • Premio a la mejor dirección: Benito Zambrano por El Salto.
  • Premio al mejor productor o director de producción: Alex Lafuente por Nina.
  • Premio al mejor guion: Juan Gómez Jurado, Salvador Perpiñá y Amaya Muruzábal por Reina Roja.
  • Premio a la mejor actriz: Clara Segura, por El 47.
  • Premio al mejor actor: Roberto Álamo, por Rita.
  • Premio a la mejor película documental: Una estrella fugaz, dirigida por Ignasi Guerrero y Arturo Méndiz.
  • Premio a la mejor película de animación: Guardiana de dragones (Dragonkeeper), dirigida por Salvador Simó Busom y Jianping Li.
  • Premio a mejor intérprete o creador de música original: ex aequo a Valeria Castro, por la canción el borde del mundo de la película El 47 y Diego Navarro, por la banda sonora de Mariposas Negras.
  • Premio a la mejor serie o programa de televisión: Yo adicto, dirigida por Javier Giner.
  • Premio a la mejor actriz de serie: Verónica Sánchez, por Ángela.
  • Premio al mejor actor de serie: Ginés García Millán por La sombra de la tierra.
  • Premio a mejor a la película en ecosostenibilidad: Soy Nevenka, dirigida por Icíar Bollaín y producida por Kowalski Films, Feelgood Media, Movistar Plus+, Garbo Produzioni.
  • Premio a la mejor serie en ecosostenibilidad (nueva): Invisible, dirigida por Paco Caballero y producida por Morena Films y Áralan Films.
  • Premio especial Cátedra Platino Educa (nueva): Soy Nevenka, dirigida por Icíar Bollaín.

Y se han acordado los siguientes reconocimientos especiales:

  • Interactvty por su apoyo al deporte al deporte base, formando personas con los valores que aporta esta disciplina.
  • Pepa Muñoz de World Central Kitchen por su labor de voluntariado en la zona afectada por la DANA en Valencia que ayuda a los voluntarios que desinteresadamente dan su tiempo para la recuperación de la zona dañada por el fenómeno meteorológico, llevando comida caliente incluso donde no hay fogones para calentarla.
  • Matías Prats, por su labor de presentador y comunicador, con una trayectoria comprometida con la información, contada de forma veraz, crítica y próxima.
  • Rei Ortolá por su canción Voces de Valencia, que sintetiza el sentir empático de nuestra sociedad ante la necesidad y el drama, y la solidaria colaboración desinteresada, posible en una sociedad que basa sus relaciones en valores.

Palmarés del VII FESCIMED

Homenajeado El Gran Wyoming

Concluida la VIII edición del Festival Internacional de Cine por la Memoria Democrática (FESCIMED), el pasado 7 de diciembre de 2024 en Cineteca de Matadero de Madrid., podemos conocer su palmarés. Además del premio VII Premio Lola González Ruiz Compromiso y Memoria 2024 concedido en la Academia de Cine de Madrid al actor, presentador, escritor y músico José Miguel Monzón (El Gran Wyoming), tenemos la lista de seleccionados como ganadores de entre los 15 cortometrajes y 2 documentales que han sido proyectados.

El jurado lo han compuesto los actores Ana Fernández (Presidenta del jurado) y José Antonio Sayagués, las periodistas Cristina Fallarás y Elena Marquínez, el abogado Eduardo Ranz y la activista Fariba Ehsan.

Palmarés del VII FESCIMED

Mejor Cortometraje
‘Pequeño Sahara’
Emilio Martí López

Mejor Dirección
Joan Paüls Vergés
‘L´ultim combat’

Mejor Actor
Lluis Marco
‘L´ultim combat’

Mejor Actriz
Carmen Arévalo
‘Rojo’

Mejor Guión
José Luis Tirado y Francisco Artacho
‘Zapal, memoria de una fotografía’

Mejor Música Original
Gloria Vega y Luis Mendo
‘Rojo’

Mejor Montaje
Natalia Villegas
‘La memoria de Taty’

Mejor Fotografía
David Escobar
‘Querido Manuel’

Mejor Sonido
David Escobar
‘Querido Manuel’

Mejor Dirección de
Arte y Vestuario

Mamen Herrero y Sonia Beltrán
‘La paz de los cementerios’

Mejor Maquillaje/ Peluquería
Laura Gala, Rosi Troyano y Ana Cuevas
‘La paz de los cementerios’

Premio del Público
Mejor Cortometraje
’Rojo’
Adolfo Dufour

Premio Especial de la Juventud
‘Azadi’
Lily Baker Föhring, Juan Luis Ortega y Luciana Espinoza

Premio Albert Camus Memoria y Educación
ASOCIACIÓN ROSA SENSAT

Premio Albert Camus Memoria Viva 
ASC LA DESBANDÁ

Premio Albert Camus Memoria y Exilio
ATENEO ESPAÑOL DE MÉXICO

La VIII edición del Festival Internacional de Cine por la Memoria Democrática (FESCIMED) cuenta con la colaboración de la Asociación Memoria Social Democrática (AMESDE), Fundación Anastasio de Gracia, Comisiones Obreras, Ministerio de Política Territorial y Memoria Democrática, UGT y Plataforma Comisión de la Verdad.

Crítica: ‘Cyborg Generation’

En qué plataforma ver Cyborg Generation

Próximamente en Filmin.

Sinopsis

Bienvenido al universo cyborg. Descubre la historia de un grupo de jóvenes que ha empezado a modificar su cuerpo para así expandir sus posibilidades sensoriales a través del viaje de Kai Landre, el primer músico cyborg del planeta.

Un joven músico de dieciocho años decide diseñar un órgano cibernético e implantárselo de forma ilegal, adquiriendo así un nuevo sentido que le permite percibir sonidos del espacio desde la tierra.

Crítica

Planteando si el transhumanismo ayudará al ser humano en su búsqueda de autoconocimiento

El documental ‘Cyborg Generation’ es una película de Miguel Morillo Vega que en poco más de una hora realiza una exploración de los límites entre lo humano y lo tecnológico. Para ello sigue a un joven de este siglo, de esos que han nacido con la tecnología bajo el brazo y le mira a través de la lente del transhumanismo y la vida cyborg. La película indaga en las implicaciones filosófica, legales, sensoriales y sociales de aquellos que quieren dar lo que entienden como un nuevo paso en la evolución humana.

‘Cyborg Generation’ aborda el tema a través de dos figuras: los pioneros del movimiento, Neil Harbisson y Moon Ribas, y un neófito, Kai Landre, que aporta una perspectiva de descubrimiento e incluso investigación como el verdadero hilo conductor. Esta narrativa es efectiva, pues permite al espectador descubrir una corriente poco conocida desde varias perspectivas. Eso sí, hay que admitir que más allá de lo experimental y de la búsqueda de cambio o refugio por parte de los protagonistas, se echan en falta testimonios o argumentos que equilibren la balanza de la opinión.

Harbisson, conocido por ser la primera persona reconocida oficialmente como un cyborg, y Ribas, con su agudo sentido de los movimientos sísmicos, aportan una visión que a muchos puede parecerles similar a la de la comunidad transexual e incluso furry, pero brindan un testimonio que conecta con preguntas profundas sobre lo que significa ser humano en una era donde la integración con máquinas parece inevitable, algo más allá de la ciencia ficción. Por su parte, Kai Landre, al ser un recién llegado, representa al espectador curioso que aún se debate entre el entusiasmo y el escepticismo, que sobre todo recorre una etapa de autoconocimiento.

‘Cyborg Generation’ es una obra íntima que describe a personas incomprendidas. Se limita sobretodo a lo personal y no se moja en exceso con preguntas más universales tales como si esto modifica nuestra identidad, si realmente es una mejora o un capricho psicológicamente no tratado, si esto es bueno para generaciones futuras, si estamos hablando de personas que han sido capaces ve ver más allá… Lo que sí que es capaz de dejar patente es que cada vez van a ser más necesarios este tipo de trabajos que saquen de la fantasía cuestiones que ya están entre nosotros. De hecho antes de su cierre dispone de una escena que cabría clasificar de clandestina y casi snuff, al fin y al cabo han sido cinco años rodando lo que ha culminado en el implante que ahora lleva Landre.

Miguel Morillo Vega da voz a una comunidad que no solo busca la comunión con las nuevas tecnologías, sino también intentar redefinir a nuestra especie, que parece que lleva anclada evolutivamente miles de años. La debería ser, ¿la tecnología ha llegado para hacernos evolucionar o es la propia tecnología la que no nos permite tener un cuerpo superior al habernos hecho dependientes de ella? Quizá para otra ocasión hablemos de esto.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de diciembre de 2024. Título original: Cyborg Generation. Duración: 63 min. País: España, EE.UU. Dirección: Miguel Morillo Vega. Guion: Miguel Morillo Vega. Música: Harto Rodriguez. Fotografía: Martí Herrera. Reparto principal: Kai Landre, Neil Harbisson, Moon Ribas, Manel de Aguas. Producción: Distribución: Filmin. Género: documental, tecnología. Web oficial:

Tráiler de ‘Sonic 3’

En cines el 25 de diciembre

Si algo tenemos que agradecerle a la franquicia ‘Sonic’ es el mantener a Jim Carrey enganchado al cine antes de retirarse definitivamente. Pero también podemos comprobar con el tráiler que nos ha enviado Paramount Pictures que se mantiene el estilo sinvergüenza, la acción, la tecnología actual y el sentido de la aventura.

‘Sonic 3’ se estrenará el próximo 25 de diciembre en cines. En esta ocasión Sonic, Knuckles y Tails se enfrentan a de nuevo a Robotnik, a un inesperado amigo y a Shadow, un personaje bien conocido por los jugadores del videojuego.

Casi 300 millones de dólares recaudados en todo el mundo por la primera parte y más de 400 por la segunda han valido la luz verde por parte de Paramount Pictures para que este proyecto se convierta en trilogía. Sobre todo teniendo en cuenta que costaron 85 y  110 millones respectivamente.

Jeff Fowler vuelve a dirigir. Además del reparto de las dos anteriores entregas se han sumado otros grandes nombres. Por lo que ‘Sonic 3’ se ha convertido en la confluencia de actores como Jim Carrey, Ben Schwartz, James Marsden, Tika Sumpter, Idris Elba, Colleen O’Shaughnessey, Natasha Rothwell, Shemar Moore, Adam Pally y Lee Majdoub, Alyla Browne, Krysten Ritter y Keanu Reeves, que se une a la franquicia como Shadow.

Crítica: ‘Hate Songs’

En qué plataforma ver Hate Songs

Sinopsis

Dos actores ruandeses (Nansi Nsué y Boré Buika) y un técnico de sonido belga (Àlex Brendemühl), se reúnen en la antigua sede de la emisora de radio (RTLM) clave en el genocidio ruandés de 1994 para ensayar una ficción sonora y cerrar una herida que aún sigue abierta. A medida que avanza el ensayo, la reconciliación no será tan fácil como creían.

Crítica

Desafía al público con una lección de memoria e introspección

África está muy presente en nuestro cine. Laureadas y aplaudidas fueron películas como ‘Adú’ o ‘Mediterráneo’ en su día. Pero es que tenemos entre manos actualmente cortos y largos inscritos a los Premios Feroz y los Premios Goya como ‘Semillas de Kivu’ o ‘Los cayucos de Kayar’. Desde su estreno en abril se suma ‘Hate Songs’ como un recordatorio más, no solo de que otro cine es posible y sigue vivo, sino de que también hay regiones de nuestro planeta, que forman parte de nuestra historia, que no podemos dejar caer en el olvido. ‘Hate Songs’ es todo un rescate por parte del director Alejo Levis y los guionistas Denise Duncan y Albert Val.

Propaganda del odio, cacería con motivación étnica, exterminio masivo, noticias falsas… Son términos con los que acostumbramos a referirnos a películas inspiradas en la II Guerra Mundial y el Holocausto nazi. Pero son igualmente válidos para lo sucedido en Ruanda entre abril y julio de 1994. ¿Por qué no se habla casi nada entonces de este tema más allá de alguna película como ‘Hotel Rwanda’? Seamos sinceros, no es solo porque no fue un conflicto que llamase a nuestras puertas o alcanzase una escala global, es que a la Europa que en su día era la mayor potencia colonialista no le sale a cuenta. Solo así se puede entender que la cacería de tutsis por parte de los hutus se convirtiese en uno de los mayores genocidios y apenas se mencione hoy en día.

La historia cuenta solo con tres personajes: Stéphanie (Nansi Nsue), Ncuti (Boré Buika) y Simon (Àlex Brendemühl) que plantean un ejercicio de entereza y memoria. Se sitúan en el epicentro de las ondas que difundieron el odio. La emisora RTLM (Radio Télévision Libre des Mille), que en su día fue usada como cizaña para instigar a la masacre, es el único escenario. Allí, personas relacionadas con lo sucedido se disponen a hacer lo que a priori es una dramatización radiofónica, pero a posteriori se desvela como algo más trascendental. La idea de Alejo Levis podría servir para invitar a exponernos y a enfrentarnos a nuestros propios demonios. Es por eso que ‘Hate Songs’ tiene valor, no solo como reivindicación de algo que sucedió en el continente que fue la cuna de la humanidad. Es un ejercicio de reconciliación, redención y exploración de un conflicto que puede extrapolarse a otras contiendas en las que hermanos o vecinos se mataron mutuamente. Es decir, allí donde nació la humanidad aún suceden actos inhumanos, como demuestran las crudas imágenes que abren este filme.

Desde luego que hay introspección y hay puesta en escena teatral. Los tres protagonistas tienen espacio para desarrollar a sus personajes en tan claustrofóbico ambiente. Los tres nos brindan momentos desgarradores y nos llevan por un proceso, que tanto en sus pretensiones como en la exigencia interpretativa, no es nada sencillo. Por desgracia al público actual o a los exhibidores con más alcance parece que les da pereza alinearse con este tipo de propuestas. Pero en ese posicionamiento no hacen más que demostrar que seguimos olvidando y seguimos reticentes a enfrentarnos a problemas arraigados y que se repiten a lo largo de la historia de nuestra civilización.

Ficha de la película

Estreno en España: abril de 2024. Título original: Hate Songs. Duración: 82 min. País: España. Dirección: Alejo Levis. Guion: Alejo Levis, Albert Val, Denise Duncan. Música: Asier Renteria. Fotografía: Lali Rubio, Alejo Levis. Reparto principal: Álex Brendemül, Nansi Nsue, Boré Buika. Producción: Mundo Cero Crea. Distribución: Sideral Cinema. Género: drama. Web oficial: https://www.sideralcinema.com/estreno/hate-songs

Crítica: ‘Guernica: el último exiliado’

Sinopsis

El Guernica de Picasso, la obra de arte más reconocida del siglo XX llegó a España siete meses después de la intentona golpista de 1981. El mural que simboliza los horrores de la Guerra Civil y los ataques de la aviación fascista contra la población aterrizó en Barajas después de una compleja operación política ideada en el más absoluto de los secretos. Testigos y protagonistas de aquel momento histórico cuentan por primera vez los detalles de aquella aventura que cerró el proceso político de la Transición y recuperó para España la obra maestra de Picasso.

Crítica

Rescata de la memoria una obra que precisamente habla de no olvidar

‘Guernica: el último exiliado’, dirigido por Guillermo Logar, es un documental breve pero cargado de significado que explora el viaje de regreso a España del famoso cuadro de Picasso, ‘Guernica’, alojado hoy en día en el Museo Reina Sofía de Madrid y convertido en una de la obras más importantes de nuestro patrimonio pictórico. La película revela el simbolismo y los obstáculos de este retorno, no solo como una cuestión de patrimonio cultural, sino como un proceso de sanación y memoria para la España de la Transición. Y es que para muchos el retorno de este mural es el auténtico símbolo y momento del culmen de nuestro paso a un régimen democrático.

Por supuesto no hay que olvidar que este es un cuadro cargado de política. Fue encargo de la II República para Picasso para mostrar al mundo lo sucedido en la localidad del norte de España, momento que por supuesto el documental aprovecha para rescatar de la memoria. Una obra que muchos no saben que giró por el mundo recaudando dinero para los afectados por la guerra y cuyo significado se magnificó por su carácter de obra exiliada.

Logar presenta, a través de entrevistas a personajes clave que vivieron el momento y fotografías de archivo, el largo exilio de la obra y su llegada como símbolo de la reconciliación nacional y la memoria histórica. La cinta destaca también la operación política y testamental que permitió el regreso de este ícono del sufrimiento y la resistencia ante los horrores de la guerra.

Con una narrativa precisa y un tono evocador, ‘Guernica: el último exiliado’ es un recordatorio de la persistencia de la memoria histórica y del rol del arte como testigo de conflictos y esperanzas. La dirección de Logar, apoyada por una producción visual detallada y música de Pelayo Rey, mantiene al espectador inmerso en la remembranza y la importancia histórica de esta restitución. La obra es ideal para aquellos interesados en la historia de la Guerra Civil española, la posguerra y la influencia de Picasso como autor clave en nuestra historia.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Guernica: el último exiliado. Duración: 19 min. País: España. Dirección: Guillermo Logar. Guion: Guillermo Logar. Música: Pelayo Rey. Fotografía: Irena García-Martínez. Reparto principal: Manuel Borja-Villel, Genoveva Tusell, Ángeles García, Marisa Flórez, Álvaro Martínez Novillo, Severiano Hernández y Jorge García Gómez–Tejedor. Producción: R. Mutt Society, Subdirección General de Archivos Estatales, Programa Europa Creativa de la Unión Europea. Distribución: RTVE, Filmin. Género: documental. Web oficial: https://www.guillermologar.com/guernica-el-ultimo-exiliado

Crítica: ‘Los cayucos de Kayar’

Sinopsis

Tras 15 años en España como inmigrante, Thimbo visita su pueblo pesquero senegalés, donde le embargan sensaciones encontradas de nostalgia y desarraigo, añoranza y despecho. Además, lidia con la peligrosa influencia que ejerce sobre los jóvenes del pueblo, que lo ven como un ejemplo a seguir y buscan emularlo con un peligrosísimo viaje en patera.

Crítica

Tratando un tema trillado saliéndose de los estereotipos

El director Álvaro Hernández Blanco, comprometido con la cultura y los migrantes mexicanos en anteriores trabajos como ‘Aquí seguimos’ o el libro ‘Migrantes’, es quien ha rodado el corto de media hora ‘Los cayucos de Kayar’. Con él viajamos a África y arranca atacando a aquellos que siendo cortos de miras tergiversan la verdad e incluso su propia realidad no acabando de entender que todos pisamos la misma tierra y procedemos de migrantes. Ciertamente es una lección aplicable tanto en las fronteras estadounidenses como en las españolas.

‘Los cayucos de Kayar’ es un impactante cortometraje documental que nos sumerge en la realidad de la migración africana hacia Europa, narrada desde una perspectiva profundamente humana e incluso simpática en algunos momentos. La historia se centra en los habitantes de Kayar, un pueblo costero en Senegal, donde la pesca, antaño fuente de vida y sustento, ya no provee suficiente para vivir dignamente. Esta crisis empuja a los jóvenes a embarcarse en cayucos, pequeñas embarcaciones precarias, en un peligroso viaje hacia las costas europeas en busca de mejores oportunidades. Aunque todo esto suena a ya visto anteriormente ‘Los cayucos de Kayar’ se sale de la norma. Plantea una curiosa reflexión por parte de Thimbo Samb, el protagonista, el cual es rechazado por algunas personas en ambos países por su condición de migrante. También es dolorosa aquella cavilación, que también es advertencia, que hace ver que por cada senegalés que ha llegado y mostrado que está en Europa, otros muchos han intentado seguir sus pasos acabando en el fondo del mar.

El corto utiliza imágenes cotidianas y testimonios honestos de los propios habitantes de Kayar, que expresan la tristeza de ver partir a sus seres queridos o que expresan cuántas veces han intentado llegar a España. La dirección se centra en capturar no solo las dificultades económicas, sino también el sentir que domina a toda la comunidad cuando ve que todos sus jóvenes se quieren marchar. ‘Los cayucos de Kayar’ es un recordatorio potente y conmovedor de las raíces de la migración y de las injusticias que impulsan a tantas personas a buscar una vida mejor a cualquier precio. Todo ello propulsado por la música de Arturo Cardelús (‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, ‘Dragonkeeper’).

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Los cayucos de Kayar. Duración: 29 min. País: España, EE.UU. Dirección: Álvaro Hernández Blanco. Guión: Álvaro Hernández Blanco, Thimbo Samb. Música: Arturo Cardelús. Fotografía: Alvaro Hernández Blanco. Reparto principal: Thimbo Samb. Producción: Fernando J. Monge, Álvar Carretero De la Fuente, Alvaro Hernández Blanco. Distribución: Selected Films Distribution. Género: documental. Web oficial: https://selectedfilms.com/los-cayucos-de-kayar/

Crítica: ‘Ben’

Sinopsis

Ben lleva todo el año entrenando para la competición más importante de su vida.

Crítica

Ben salta al vacío con una sarcástica idea la mar de acertada

Ah, el glorioso fenómeno del balconing y el turismo de borrachera en España, la auténtica muestra europea de sofisticación y respeto por la cultura local. Porque, claro, ¿qué mejor manera de conocer el país que lanzarse desde un balcón a la piscina después de haber ingerido litros de alcohol barato? ¡Es la experiencia cultural definitiva! Gracias a estos «valientes» turistas, los hospitales españoles tienen la suerte de poder atender huesos rotos y alguna que otra contusión cerebral cada verano. Y ni hablar del impacto en la economía local: porque nada dice “apoyo al comercio local” como dejar las calles llenas de restos de fiesta. ¡Qué viva la «aventura» y el «turismo responsable»! Podría seguir líneas y líneas hablando de las virtudes del balconing y el turismo de borrachera, pero qué os voy a contar que no hayáis visto en las noticias o que no ponga en relevancia este cortometraje de Miki Durán.

‘Ben’ es una comedia con un drama de fondo. Existen muchos males que se pueden adjetivar como generacionales. Entre ellos está el turismo de borrachera y derivado de esa lacra, el crecer soportando a visitantes que destrozan impunemente tu ciudad. Por un lado está el cómo se desatan sin control ni consciencia los turistas en España y por otro el hartazgo de los residentes. Miki Durán se lanza a tocar este tema desde el sarcasmo y su cortometraje funciona. Parece que somos el patio de recreo de Europa y que ya es algo “oficial” venir aquí a desfasar en verano, despedidas de soltero u oportunas eliminatorias de la Liga de Campeones. Eso ha llevado a plantear el fenómeno del balconing como si se tratarse ya de un deporte semi-oficial para el que alemanes, británicos u holandeses se preparan durante todo el año.

El cortometraje podría incluso haber sido más mordaz bautizando a su protagonista (Álex Galeote) como Bem en vez de Ben y ese nombre habría servido como acrónimo de “balconing en Mallorca”. Pero con su humor y con su final es suficiente acertando y transmitiendo su mensaje, hasta tal punto que más que verse en nuestras fronteras por eso de que está en la shortlist para los próximos Premios Goya, debería proyectarse en escuelas y universidades de aquellas naciones que aportan más turistas y “riqueza” a nuestro país. ¿Merece la pena el riesgo, el subidón o la breve ovación? Muy válido el escarnio que representa, retratando la estupidez humana que da pie divertimentos de lo más estúpidos, merecedores de un Darwin Award o de que se materialice el ‘Veneciafrenia’ de Álex de la Iglesia.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Ben. Duración: 11 min. País: España. Dirección: Miki Durán. Guion: Miki Durán. Música: Sergio Llopis. Fotografía: Pasqual Marí. Reparto principal: Álex Galeote, Julie Nash, Christopher Groves, Alexander Ayres. Producción: West End Pictures, Andreu Fullana Arias, Bastera films, IB3 TV, Mallorca Film Commission, Ayuntamiento de Mallorca, ICIB. Distribución: Selected Films Distribution. Género: ficción, crítica social. Web oficial: https://selectedfilms.com/ben/

Palmarés del Festival Jóvenes Realizadores de Granada

Se anuncian los ganadores tras premiar a Natalia de Molina en la inauguración

El pasado sábado concluyó una exitosa 30 edición del Festival Jóvenes Realizadores, que llegó a su fin con el Teatro Isabel la Católica lleno para el estreno en Granada de ‘Volveréis’, la última película dirigida por Jonás Trueba, premiada en el Festival de Cannes. Una clausura en la que el cineasta madrileño estuvo acompañado por la actriz y coguionista Itsaso Arana, con la que ha colaborado hasta en cuatro ocasiones. Ambos recogieron de manos de Mafo el Premio Sin Fin por su trayectoria a la productora Los Ilusos, un premio honorífico que reconoce su ejemplo de independencia y libertad dentro del cine español.

El cortometraje andaluz fue el protagonista de la inauguración y también de la clausura, que arrancó con la entrega de palmarés de la Competición Vibraciones, promovida por Fundación SGAE, con premios para los creadores. El jurado estuvo formado por Mayte Gómez Molina, Jaime Puertas Castillo y Joaquim Pedro Pinheiro, con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E) gracias a su programa para la internacionalización de la Cultura Española (PICE). El premio Fundación SGAE a mejor mejor banda sonora de la Competición Vibraciones fue para Pablo S. Soriano, por ‘Las pardas’. El galardón a mejor guion recayó en Mar Martín Hidalgo, por ‘Las motos y el campo’. Y, por último, la ganadora del premio Fundación SGAE a la mejor dirección fue Lucía del Valle Ramírez, por ‘La visita de un pájaro’. Recogió la estatuilla en su lugar la compositora de la banda sonora, Ive Vargas.

Promovida por Fundación AguaGranada e inspirada por la obra de José Val del Omar, la Competición Aguaespejo estaba compuesta por diez cortometrajes de diez países distintos. El jurado, formado por Garbiñe Ortega, Marina Hervás y Argider Aparicio, decidió conceder el Premio AguaGranada a ‘Ulia’, de Laura Moreno, por “su ejercicio de captura y alteración que genera un nuevo paisaje intervenido”. Juan Enrique Gómez, responsable de comunicación de Fundación AguaGranada, hizo entrega del galardón a la directora de este collage paisajístico rodado en rincones tan singulares de nuestra geografía como el Embalse de Santillana, La Alpujarra, Sierra Nevada, la Sierra de Huétor, Cabo de gata o el monte Ulia, que le da título.

La Asociación Andaluza de Mujeres de los Medios Audiovisuales entregó del Premio AAMMA a la perspectiva de género de la Competición Internacional. El jurado, integrado por Inés Duro, María Pasadas y Pepa Domínguez, concedió por unanimidad la estatuilla a ‘Making Babies’, cortometraje canadiense dirigido por Erik K.Boulianne, por “deconstruir con gran sentido del humor el rol del hombre y la mujer en una pareja”. El Premio del Público Hammam Al Ándalus fue para el cortometraje de animación ‘Crab Day’, dirigido por Ross Stringer, estudiante de la National Film and Television School de Londres.

El Jurado Joven, organizado por la Delegación de Estudiantes de la Facultad de Comunicación y Documentación, entregó el Premio de la Juventud al largometraje ‘Tiempo de pagar’, ópera prima de Felipe Wein, por “cómo representa y se enfrenta al contexto político y social de la Argentina actual, con una historia atrapante y un ritmo que casi nos hace saltar de nuestros asientos”. El director envió un vídeo de agradecimiento y quiso compartir el premio con todos los que están luchando por seguir haciendo cine en Argentina. Un premio valorado en 1000€ y otorgado por la Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Granada, del que hizo entrega el Concejal de Juventud, Fernando Parra.

El jurado de la Competición Internacional, compuesto por Chema García Ibarra, Annamaría Scaramella y Gorka Urbizu, hizo entrega del Premio Ciudad de Granada al mejor cortometraje español, valorado en 1000€, a ‘El cuento de una noche de verano’, dirigido por María Herrera. La directora no pudo asistir y el Concejal de Cultura Juan Ramón Ferreira se lo entregó a la actriz protagonista, Olivia Delcán. Valorado también en 1000€, el Premio Val del Omar a la mejor película fue para ‘Mother is a Natural Sinner’, dirigida por Boris Hadzija y Hoda Taheri. Por “su humor desconcertante, por su inusual visión de la cotidianidad de las personas migradas, por deconstruir con osadía los roles de género y el concepto de familia así como la idea del cuerpo”.

La clausura terminó a lo grande en la Sala Aliatar con la Fiesta 30 Aniversario y el concierto de Mainline Magic Orchestra. Después de una semana disfrutando de aforos completos en el Teatro y Condes de Gabia, el festival no termina aquí. Este jueves 31 de octubre a las 20:30 se preestrena ‘Historia de pastores’ en colaboración con el Cine Madrigal. Se trata de la ópera prima de Jaime Puertas Castillo, al que el festival dedicó un foco, una distopía rural de ciencia ficción rodada en el Altiplano granadino. Además, a partir del 4 de noviembre una muestra de la Sección Oficial se podrá ver en la plataforma Filmin.

Palmarés completo de Festival Jóvenes Realizadores de Granada

Competición Vibraciones

  • Premio Fundación SGAE a la mejor banda sonora: Pablo Soriano por ‘Las pardas’
  • Premio Fundación SGAE al mejor guion: Mar Martín Hidalgo por ‘Las motos y el campo’
  • Premio Fundación SGAE a la mejor dirección: Lucía del Valle Ramírez por ‘La visita de un pájaro’
  • Competición Aguaespejo
  • Premio AguaGranada: ‘Ulía’, de Laura Moreno Bueno

Competición Internacional

  • Premio AAMMA a la perspectiva de género: ‘Making Babies’, de Erik K. Boulienne
  • Premio del Público Hammam Al Ándalus: ‘Crab Day’, de Ross Stringer
  • Premio Ciudad de Granada al mejor cortometraje español: ‘El cuento de una noche de verano’, de María Herrera
  • Premio Val del Omar a la mejor película: ‘Mother is a Natural Sinner’, de Boris Hadzija y Hoda Taheri
  • Premio Sin Fin: Los Ilusos

Crítica: ‘Historias de Halloween’

En qué plataforma ver Historias de Halloween

Sinopsis

Luis (Christian Thomas) es un niño con una vida social fundamentada en la tecnología, videojuegos y amigos online. El día de Halloween, por insistencia de su madre (Macarena Gómez), sale a la calle a hacer truco o trato sin éxito. Sin embargo, su bagaje le llevará a conocer a Ander (Javier Botet), un hombre misterioso que regenta un anticuario, y juntos, a través de diferentes cómics, se adentrarán en historias terroríficas.

Crítica

Ideal para echar de menos las semillas del terror de tu infancia

Las películas antológicas han sido un formato querido por los amantes del cine de terror desde hace décadas. ‘Historias de Halloween’ no es la excepción. La película se erige como un tributo nostálgico a una época dorada del género, rindiendo homenaje a esas obras que marcaron a generaciones, especialmente en las décadas de los 80 y 90. Con claras referencias a títulos tan icónicos como ‘Gremlins’ o ‘Cazafantasmas’, y a antologías míticas como ‘The Twilight Zone’ o ‘Historias para no dormir’ de Chicho Ibáñez Serrador, ‘Historias de Halloween’ logra capturar el espíritu de esas producciones que mezclaban el terror con el humor, lo sobrenatural y en este caso, también con lo infantil.

La película de Kiko Prada encuentra en la festividad de Halloween un marco perfecto para explorar diferentes relatos, y consigue arraigar esas historias en el imaginario popular, con un toque particular de spanish horror. Halloween, una festividad de origen pagana que fue adoptada y popularizada por los estadounidenses, ahora se ha injertado en la cultura española, y la película utiliza esto para aportar un aire fresco al cine de terror nacional. La cinta no solo busca asustar, sino también conmover, apelando a la nostalgia de aquellos que crecieron añorando volver al videoclub o a la tienda de cómics ávidos de nuevas historias en las que perderse.

Uno de los aspectos más destacables de la película es su habilidad para reivindicar ciertos aspectos. A través de diferentes relatos, ‘Historias de Halloween’ toca temas de actualidad como la precariedad de las enfermeras en España y la dificultad de los técnicos de efectos prácticos para encontrar su lugar en un mundo dominado por el CGI. De este modo el filme no solo resulta efectivo en términos de terror, sino que también añade una capa de reflexión sobre el estado actual de la sociedad. Es un claro recordatorio de que el género de terror, cuando se hace bien, no solo puede ser entretenido, sino también relevante y crítico.

Uno de los segmentos más logrados y efectivos de la película está protagonizado por Lucía de la Fuente, Carmen del Rosal y Zorión Eguileor. Este episodio destaca por su capacidad para conectar emocionalmente con el espectador que añora la época en la que el cine era más artesanal. También encandila por hacer gala de humor negro. Es en este segmento donde la película parece alcanzar su máximo potencial, combinando de manera efectiva elementos inocentes con lo más retorcido que se nos pueda ocurrir.

Otro punto fuerte de ‘Historias de Halloween’ es su hilo conductor: un niño que se encuentra con un misterioso personaje al estilo del librero Karl Konrad Koreander, quien le sirve de guía en el mundo del terror. Este personaje funciona como un mentor para el niño y, por extensión, para el espectador, recordándonos esa fascinación infantil por lo desconocido y lo macabro. Es una manera brillante de capturar los anhelos de un niño que soñaba con hacer cine, y que ahora, como adulto, tiene la oportunidad de recrear esas historias que tanto lo marcaron.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: Historias de Halloween. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Kiko Prada. Guion: Kiko Prada. Música: Javier Gimeno. Fotografía: Daniel G. Canal. Reparto principal: Christian Tomas, Javier Botet, Macarena Gómez, Mario Mayo, David Pareja, Lucia de la Fuente, Carmen del Rosal, Zorión Eguileor, Aida Folch, María Barranco, Elisabeth Anne Miller. Producción: Autocinema Ink, Atlántika Films, The Other Side Films. Género: terror. Web oficial: https://theothersidefilms.com/portfolio-items/historias-de-halloween-2/