Crítica: ‘Sirât’

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Sinopsis

Un hombre (Sergi López) y su hijo (Bruno Nuñez) llegan a una rave perdida en medio de las áridas y fantasmagóricas montañas del sur de Marruecos. Buscan allí a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace meses en una de estas fiestas sin amanecer. Reparten una y otra vez su foto rodeados de música electrónica y de un tipo de libertad que desconocen. Empujados por el destino, y con la esperanza de encontrar ahí a Mar, deciden seguir a un grupo de raveros hacia la última fiesta que se celebrará en el desierto.

Crítica

Oliver Laxe nos sumerge en lo sensorial y nos deja sin palabras

Películas como esta han hecho de la etapa de Domingo Corral una de las mejores en cuanto a contenido original de Movistar Plus+. Aún quedan algunos títulos por llegar tras su despedida como director de contenidos pero ya os adelanto que con ‘Sirât’ van a tener el listón alto. Con este filme Oliver Laxe consolida su posición como una de las voces más singulares y emergentes del cine europeo contemporáneo. Tras su paso por Cannes, donde la película fue galardonada con el Premio del Jurado ex aequo junto a ‘Sound of Falling’ de Mascha Schilinski, Laxe regresa con una obra que, sin renunciar a su poética habitual, se adentra en terrenos más políticos e impactantes.

Con una crisis de recursos y un estado de emergencia de fondo, la trama sigue a un padre (Sergi López) y su hijo (Bruno Núñez), los cuales buscan a un familiar en una rave en Marruecos. Este viaje físico se convierte en una odisea espiritual, donde el desierto y la música electrónica se entrelazan para reflejar las convulsiones de nuestro tiempo. Laxe, fiel a su estilo, combina actores profesionales con no profesionales, lo cual, a veces se delata con frases en exceso preparadas o pautadas, pero logra en general una autenticidad que potencia la carga emocional del relato.

Visualmente, ‘Sirât’ es una experiencia sensorial. Rodada en Super 16 mm, la película ofrece imágenes granuladas que capturan la aridez del paisaje y la intensidad de las emociones. Las ondas del sonido electrónico recorren el aire y casi se ven reflejadas en los estratos geológicos de los acantilados marroquíes. La dirección de fotografía y el diseño sonoro trabajan en armonía para sumergir al espectador en un estado casi hipnótico, donde cada grano de arena se mezcla con las notas musicales que flotan en el aire. El largometraje tiene un halo mágico a pesar de tratarse de un drama familiar y realista en resumidas cuentas. Pero eso es sobre todo en su primera hora. Tras eso llega un giro que convierte el filme en algo más propio de una obra de terror y supervivencia, dejándonos prácticamente sin habla.

El título, ‘Sirât’, hace referencia al puente que, según la tradición islámica, se cruza durante el Juicio Final, estando al borde del infierno. Es el camino que sigue el creyente hacia el paraíso mientras se evalúa su fe y su pasado. Esta metáfora atraviesa toda la película, planteando preguntas sobre la búsqueda o el sentido de la vida. Laxe no ofrece respuestas fáciles, pero invita a una reflexión profunda y necesaria. Sobre todo hace un esbozo del camino que sigue el héroe, el cual, se puede precipitar al infierno en cualquier momento. Este recorrido en ocasiones está plasmado casi a modo contemplativo y paisajístico, hasta tal punto que podría ser una de tantas series documentales de La2. Pero no deja de lado la evolución y progreso de sus protagonistas, de hecho, gracias a eso consigue su efecto final.

De nuevo la colaboración con Santiago Fillol (‘Matadero’) en el guion aporta una estructura sólida que sostiene la narrativa de lo que es en resumidas cuentas un road trip místico y conmocionante. Mientras que la producción de El Deseo, la compañía de los hermanos Almodóvar, garantiza una factura técnica impecable. Este respaldo puede haber empujado a Laxe explorar nuevas dimensiones de su cine sin perder su esencia o quizá es su visión como cineasta lo que ha hecho que los hermanos manchegos apuesten por él. Sea como fuere, esta comunión artística funciona, se percibe con alma y una frescura que contrasta con el árido desierto en que transcurre.

‘Sirât’ es una obra salvaje, indómita, que desafía y conmueve. Es un testimonio del compromiso de Oliver Laxe con un cine que no solo entretiene, sino que también interpela y transforma. Su reciente reconocimiento en Cannes no solo es merecido, sino que confirma que su mirada podría acabar siendo imprescindible en el panorama cinematográfico actual.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de junio de 2025. Título original: Sirât. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Oliver Laxe. Guion: Oliver Laxe, Santiago Fillol. Música: Kangdding Ray. Fotografía: Mauro Herce. Reparto principal: Sergi López, Bruno Núñez, Stefania Gadda, Joshua Liam Herderson, Tonin Javier, Jade Ouki, Richard Bellamyun. Producción: Movistar Plus+, Filmes da Ermida, El Deseo, Uri Films, 4A4 Productions. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial: https://bteampictures.es/sirat/

Crítica: ‘El ritual’

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Sinopsis

Dos sacerdotes, uno que se cuestiona su fe y otro que se enfrenta a un pasado turbulento, deben dejar a un lado sus diferencias para salvar a una joven poseída a través de una difícil y peligrosa serie de exorcismos.

Crítica

Sencilla y bien narrada

Es muy difícil innovar hoy en día en el cine y más si nos vamos a un género tan explotado como es el terror y dentro de este el tema de los exorcismos. Hemos visto tantas películas con este tema que sin duda podemos seguir ciertos pasos para al menos lograr sobrevivir unas horas con alguien poseído. Al menos la primera norma, atar al poseído/a para que no logre alcanzarnos, segunda norma, poner todo en manos de uno o dos especialistas, por supuesto curas. Esto es lo que pasas en ‘El ritual’ una joven poseída es llevada a un convento en Iowa para que le hagan su respectivo exorcismo y así poder vivir una vida feliz. Pero su demonio no se lo va a poner nada fácil a los dos curas que se encargan de echar a esta entidad del cuerpo de la joven.

La película está basada en hechos reales. El exorcismo de Emma Schmidt, quien desde joven fue poseída y exorcizada varias veces, está claro que las primeras veces no lo hicieron del todo bien. En ‘El ritual’ nos muestran la última vez que fue sometida a un exorcismo.

La cinta como tal es entretenida, si no estás muy puesto en este tipo de historias puede gustar. Tiene buenas actuaciones, fotografía, sonido, esto último logra que te adentres en la película y los sustos sean más fuertes. También el trabajo de maquillaje es muy bueno, vamos viendo el deterioro de la muchacha según pasa el tiempo de manera muy realista.

Pero es cierto que como he comentado no nos cuenta nada nuevo. Pienso que pierden una gran oportunidad al no meternos en el debate si esta chica estaba poseída o simplemente tenía algún problema psicológico. Lo mencionan, pero no se adentran demasiado en esa discusión. Supongo que también lo hacen por que al final este exorcismo está calificado como real y como que no hay mas discusión. Pero podrían haber jugado la baza para luego poder echar una buena charla después del visionado.

Si que me gusta mucho, como este ser, juega con todos los habitantes de este convento que le ha recibido. Intenta engañarlos de una manera u otra para lograr escapar y vencer. Hay en momentos que se pone bastante seria y bruta, como cuando vemos varios ataques físicos a las monjas que la cuidan.

David Midell, director y guionista de la cinta (junto a Enrico Natale en el guion), consigue, pese a todo, una película bastante aceptable, que puede sorprender sobre todo a las nuevas generaciones cinéfilas que no hayan visto aun ningún tipo de películas de este estilo. Los sustos y la tensión están muy bien trabajados.

Al Pacino y Dan Stevens son los encargados de dar vida al padre Teophilus Riesinger y al padre Joseph Steiger respectivamente. Con actuaciones bastante correctas.

En el resto del reparto encontramos a Ashley Greene, Abigail Cowen, Patrick Fabian, Patricia Heaton, María Camila Giraldo, Meadow Williams, entre muchos otros.

Como digo, no es una película de diez, tampoco creo que sea su intención. Intentan mostrarnos el final de un caso real que sin duda dio mucho que hablar en su época, tanto que el padre Teophilus Riesinger fue entrevistado en la revista Time. Como siempre, os animo a visitar el cine y disfrutar de la película. Y por supuesto, os invito a que me contéis que os ha parecido.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de junio de 2025. Título original: The Ritual. Duración: 98 min. País: Estados Unidos. Dirección: David Midell. Guion: David Midell, Enrico Natale. Música: Jason Lanzarus, Joseph Trapanese. Fotografía: Adam Biddle. Reparto principal: Al Pacino, Dan Stevens, Ashley Greene, Abigail Cowen, Patrick Fabian, Patricia Heaton, María Camila Giraldo, Meadow Williams, Producción: Redbird Entertainment, Andrew Stevens Entertainment, Cinemachineshop, XYZ Films. Distribución: Inopia Films. Género: Terror. Web oficial: https://www.xyzfilms.com/the-ritual

 

Sorteamos las películas del Capitán América

Desde ‘El primer vengador’ hasta ‘Brave new world’

Ha llegado el sorteo que haría que Thanos chasquease sus dedos solo para eliminar la competencia. Queremos celebrar nuestra reciente colaboración con Cómic Para Todos, un enorme y veterano sitio web especializado en cómics, que ha dado como fruto el programa de Youtube, El Simbionte. Ahí se ha creado un espacio en el que hablamos de cine, series y cómics que se han influenciado mutuamente y nos divertimos descubriéndoos curiosidades. Es por eso que, gracias al material cedido por Divisa Films, estamos regalando tres ediciones con películas del Capitán América.

Estos films, que en mayor o menor medida han hecho vibrar las salas de cine y nuestros corazones están disponibles en varios formatos. Si queréis detalles a cerca de cómo han salido a la venta solo tenéis que seguir este enlace. Pero antes de que empieces a planear dónde colocarás tu nuevo tesoro cinematográfico, deja que os contemos algunas curiosidades que quizás no sabías sobre nuestro querido Steve Rogers y su legado.

Del triángulo al círculo

El icónico escudo circular del Capitán América no siempre fue así. En sus primeras apariciones, Steve portaba un escudo casi triangular, pero pronto fue reemplazado por el diseño redondo que todos conocemos. Este escudo, hecho de vibranium, es tan resistente que ha soportado ataques de los enemigos más poderosos. En ‘Vengadores: La era de Ultrón’, incluso se le añadió un sistema magnético para que regresara a las manos de Steve como si fuera un boomerang de alta tecnología.

De la llama al escudo

Chris Evans, antes de enfundarse el traje del Capitán América, interpretó a otro superhéroe: la Antorcha Humana en las películas de ‘Los 4 Fantásticos’. Curiosamente, Evans rechazó el papel de Steve Rogers en dos ocasiones, temiendo encasillarse en roles de superhéroe. Finalmente, tras consultarlo con su agente y terapeuta, aceptó el papel que lo catapultaría al estrellato mundial. Como todos sabréis, regresó al rol de Jonathan «Johnny» Storm para la película ‘Deadpool y Lobezno’.

Del rap a las alas

Anthony Mackie, quien toma el relevo como Capitán América en ‘Brave New World’, tuvo un inicio cinematográfico peculiar. Su debut en el cine fue en la película ‘8 Millas’, donde interpretó a Papa Doc, un rapero que es humillado en una batalla de rap por el personaje de Eminem. ¡Quién diría que años después empuñaría el escudo más famoso del mundo!

De Steve Rogers a Sam Wilson

Corría el año 2014 cuando Marvel publicaba el ‘Captain America’ #25 (vol. 7). En este cómic se produjo el famoso relevo que colocaba a Sam Wilson como el nuevo portador del escudo estrellado. Esa historia era clave para la continuidad Marvel y fue el guionista Rick Remender, autor de ‘Uncanny X-Force’ o ‘Deadly Class’, quien lo elaboró. Pero el dato importante es el que nos descubre que fue el sanroqueño Carlos Pacheco quien dibujó las viñetas. Es por ello que la película está dedicada al mítico dibujante.

Cómo participar

Curiosidades como las que acabáis de leer son tratadas en El Simbionte y en los extras incluidos en estos Blu-rays. Películas del “Capi” como ‘Capitán América: Civil War’ han conseguido locuras, como su tráiler, el cual, rompió récords de visualizaciones en 24 horas, superando incluso a ‘Star Wars: El despertar de la fuerza’. Ahora que Divisa Films las ha juntado en un solo pack no podíamos hacer otra cosa que intentar regalaros alguna edición.

¿Te gustaría tener en tus manos las películas que narran la evolución de Steve Rogers y su legado? Participa en nuestro sorteo y prepárate para una maratón heroica que te hará sentir parte de los Vengadores. ¡No pierdas esta oportunidad de oro (o mejor dicho, de vibranium)! Sigue las instrucciones de este vídeo para poder participar correctamente.

Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. Tenéis de plazo hasta el 14 de junio a las 23:59h. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar, a no ser que etiquetes a diferentes personas cada vez. Anunciaremos quien ha sido agraciado el 15 de junio de 2025. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para esta promoción y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Ninguna red social está asociada a esta promoción.

Ganadores:

Instagram: @elcoloramarillo

X: @Miniikaty

X: @_alejop85_

Crítica: ‘Blindado (Locked)’

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Sinopsis

Cuando Eddie (Bill Skarsgård) se cuela en un todoterreno de lujo para robarlo, cae en una trampa mortal tendida por William (Anthony Hopkins), el dueño del vehículo que ha decidido tomar la justicia por su mano y controla remotamente el vehículo. Sin posibilidad de escape, Eddie debe luchar por sobrevivir esta venganza mortal.

Crítica

Thriller de alta seguridad con ideas de baja originalidad

‘Blindado’ es la nueva película de David Yarovesky, la cual tiene pinta de ser un encargo pues no goza del toque visual de sus primeras películas. Este director es el mismo que nos trajo aquella mezcla entre Superman y psicopatía adolescente llamada ‘El hijo’, y con Sam Raimi en la producción (sí, ese Sam Raimi, el de ‘Evil Dead’ y las telarañas de Tobey Maguire), ‘Blindado’ llega con las luces largas puestas, pero se estrella contra un muro de falta de originalidad a los diez minutos de arrancar. Lo que podría haber sido un thriller claustrofóbico con garra, se queda en un escape room emocionalmente plano, narrativamente predecible y estilísticamente sin nada que reprochar.

El argumento es tan directo como un callejón sin salida: Alexander Skarsgård interpreta a un ladrón de medio pelo que queda atrapado dentro de un coche blindado de la marca ficticia Dolus, tras intentar robarlo. Pero no está atrapado por accidente. Hay un tipo al otro lado del manos libres (Anthony Hopkins) con una voz rasgada y motivaciones que nos suenan demasiado… y no porque sean inquietantes, sino porque ya las hemos oído antes. Si la venganza de John Kramer (Saw) te pareció retorcida, prepárate para ver una versión edulcorada y reciclada en este auto-thriller que a ratos parece ‘Última llamada’ con motor diésel y menos gasolina emocional.

Para quienes han visto ‘4×4’, la película argentina de Mariano Cohn y Gastón Duprat, esto será un déjà vu con GPS. Mismo planteamiento, misma tensión (o falta de ella, en este caso), pero con más presupuesto y menos alma. Este es un remake que llega, no de segundas, sino de terceras ya que la película fue rehecha en Brasil bajo el título de ‘A Jaula’. ¿Quién sigue? ¿Los noruegos torturando al protagonista con música de Björk?

A nivel actoral, Skarsgård hace lo que puede con lo que le dan. Su interpretación es competente, pero cuando el guion te encierra (literalmente) en un coche durante 90 minutos y te da una sola expresión emocional (“Estoy puto cabreado con el mundo”), no hay músculo interpretativo que salve el día. Los intentos de giro narrativo son tan previsibles que uno acaba deseando que el coche tenga WiFi para poder ver otra película mientras termina esta.

Pero no todo está perdido. El mayor logro creativo de ‘Blindado’ no está en la pantalla, sino en el departamento de marketing: la gente detrás del filme se lo tomó en serio y crearon una cuenta en redes sociales y una página web para Dolus, la ficticia marca de coches. Un detalle divertidamente meta, que sugiere que los publicistas tenían más ideas frescas que el propio guionista. Si tan solo hubieran invertido ese ingenio en el libreto, estaríamos hablando de una experiencia distinta. Porque mala leche hay más allá de lo deslenguado que es el protagonista y una ligera dosis de sangre. El coche lleva como emblema el símbolo de la justicia y como matrícula el artículo del código penal estadounidense que hace referencia a la pena de muerte. Sin duda es una película sobre un justiciero radical, pero carece del toque maquiavélico que el director ha esgrimido en sus anteriores filmes.

Una de las grandes expectativas a la hora de sentarme a ver esta obra era el ver a Anthony Hopkins de nuevo en el papel de un asesino o psicópata retorcido, salvando las distancias con su Hannibal Lecter. Lo cierto es que se nota que se lo ha pasado de muerte, sobre todo con su trabajo de voz, siendo sádico y retorcido. Pero quizá tendrían que haber cogido la sintonía de algunas de sus publicaciones en redes sociales para ponernos de verdad en tensión y con los pelos de punta.

Es una película que arranca con promesas de tensión y termina en doble fila, multada por casi plagio estilístico y exceso de lugares comunes. Ver ‘Blindado’ no es una pérdida total, pero definitivamente se siente como si te hubieras quedado encerrado durante hora y media en el coche de alguien más, escuchando un audiolibro de thrillers que ya has leído. ¿La clave para salir? No volver a entrar.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de mayo de 2025. Título original: Locked. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: David Yarovesky. Guion: Michael Ross. Música: Tim Williams. Fotografía: Michael Dallatorre. Reparto principal: Bill Skarsgård, Anthony Hopkins. Producción: Distribución: Beta Fiction Spain. Género: suspense, terror. Web oficial: https://dolusofficial.com/

Novedades de Arvi Licensing para junio de 2025

A la venta el 30 de junio

Ya disponemos de las novedades y detalles del lanzamiento en formato físico del próximo 30 de junio por parte de Arvi Licensing. Incluye grandes estrenos para todos los públicos y otras muchas novedades de catálogo. Y no serán todas las nuevas licencias que saldrán al mercado, habrá sorpresas.

Las preventas no estarán disponibles por el momento, notificaremos cuando se den las altas por los canales habituales.

‘ANORA’, la esperada película con la que Sean Baker hizo historia en la pasada Gala de los Oscars y protagonizada por Mickey Madison, también galardonada con el Oscar a Mejor Actriz, llegará por fin en formato físico en DVD y Blu-ray.

Bong Joon Ho regresa con una revolucionaria experiencia cinematográfica protagonizada por Robert Pattinson. Disfruta en casa de ‘MICKEY 17’ en DVD, Blu-ray, 4K Ultra HD y una edición metálica limitada.

‘THE ALTO KNIGHTS’, la historia basada en hechos reales sobre la lucha de poder en la mafia neoyorkina de los años 50 llegará en DVD y Blu-ray para que podamos disfrutar de Robert De Niro y su doble interpretación de los legendarios mafiosos Vito Genovese y Frank Costello.

Convertirse en el padre que nunca fue es un verdadero reto que te hace estar ‘CON EL AGUA AL CUELLO’. De la mano de Michael Keaton y Mila Kunis podremos disfrutar en casa de sus ediciones en DVD y Blu-ray.

Vive una experiencia nunca vista en casa con la edición coleccionista limitada por primera vez en 4K Ultra HD de ‘ARMA LETAL’ y de la edición metálica limitada de ‘SÉ LO QUE HICISTEIS EL ÚLTIMO VERANO’ que incluirá un nuevo máster en 4K Ultra HD.

Disfruta de las ediciones sencillas en 4K Ultra HD de ‘EL JINETE PÁLIDO’, ‘EL FUERA DE LA LEY’ y ‘HARRY EL SUCIO’.

En junio llegarán nuevas reediciones de ‘EX-MACHINA’, ‘DÉJAME SALIR’ o ‘MÚLTIPLE’, entre otros. Descubre tu favorita y completa tu filmoteca.

Crítica: ‘Dept. Q’

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Pasa el test del polígrafo y adapta manteniendo la verdad del original

‘Los casos del Departamento Q’ ya son conocidos en España tras sus seis películas estrenadas que surgen de las 10 novelas escritas por Jussi Adler-Olsen. El reparto cambió tras la cuarta, también el director y guionistas pero más o menos la sintonía se mantuvo aunque se perdió el toque neo noir. Ahora tenemos una nueva interpretación bajo la mirada del director Scott Frank (guionista de ‘Logan’ y autor de ‘Gámbito de dama’) y la guionista Chandni Lakhani (escritora de las nada desdeñables ‘Vigil’ y ‘Dublin Murders’) que retoma la oscuridad inicial.

El detective Carl Mørck y su asistente Assad son los protagonistas habituales en este thriller de suspense policíaco. La serie que estrena Netlix el 29 de mayo y cuenta con la cara más conocida de todas las adaptaciones hasta la fecha, Matthew Goode (‘Watchmen’, ‘The imitation game’) como Carl Mørck. Y en esta ocasión quien interpreta a su ayudante es Alexej Manvelov, a quien puede que hayáis visto en otra adaptación televisiva de novelas como ‘Jack Ryan’. Nota para los lectores de las novelas, este es el personaje de Assad pero le han cambiado el nombre a Akram Salim. Este cambio se produce en el ámbito de una nueva versión ambientada en Edimburgo, Escocia, en lugar de Dinamarca. Modificación en el contexto como parte de la adaptación cultural y geográfica, lo cual, es una estrategia para acercar la historia a una audiencia angloparlante. Y esto se consigue sin desdibujar la esencia y los personajes de Adler-Olsen. El toque escocés mantiene la oscuridad, el frío, los colores apagados y los cielos grises, aportando solo ciertos matices culturales.

La serie rebobina las películas y vuelve al punto de partida, adaptando de nuevo la primera novela, ‘La mujer que arañaba las paredes’ y con ello nos cuenta el origen de la relación de Mørck con el Departamento Q, una sección la policía destinada a un sótano que se encarga de casos irresolutos y que a menudo se utiliza como cortina de humo en un sistema policial bastante exiguo y que el protagonista se toma como una manera de mandarle a la nevera. Retornamos a las mismas temáticas por lo que ‘Dept. Q’ acierta en su planteamiento. La ineficiencia y la burocracia policial, la redención personal, la resistencia psicológica en condiciones extremas, las relaciones interpersonales entre opuestos y la siempre delgada línea que separa venganza de justicia son las temáticas recurrentes.

‘Dept. Q’ mantiene fielmente el espíritu del primer libro, combinando una narración en dos tiempos: por un lado, la investigación oficial, por otro, los angustiosos pasos de la mujer desaparecida, lo que aporta tensión constante. Desde la primera escena, impactante y directa, se nota una apuesta por elementos visuales modernos, como ciertos usos del found footage, que actualizan el tono sin traicionar el suspense escandinavo original. Matthew Goode, acostumbrado a papeles de galán, sorprende gratamente con un cambio de registro: interpreta a Carl Mørck como un profesional brillante pero emocionalmente destrozado, al estilo del House más misántropo o del Sherlock de Cumberbatch, con ese encanto malhumorado que lo lleva a ser sarcástico, destructivo y, sin embargo, entrañable, del tipo que aparca en la plaza de discapacitados sin remordimiento, pero que igual se hace querer.

La clave del éxito radica en el carisma de los protagonistas y la relación tipo Holmes-Watson entre Carl y su compañero que aporta calidez, ingenio y un pasado misterioso que los fans de los libros reconocerán. Su relación empieza con frialdad: Carl se muestra cínico y desconfiado, pero Assad —o Akram, en esta versión— se gana su respeto poco a poco, a base de intuición, trabajo y sentido del humor. Esa tensión entre personalidades opuestas, sumada al ácido sarcasmo con el que enfrentan los casos, es lo que hace tan única esta pareja. Ojalá Netflix no cancele la serie y podamos ver cómo se desarrollan más historias del Departamento Q, porque lo que han sembrado aquí promete mucho.

En resumen. Se mantiene el carácter de los personajes principales, se respeta el tono sombrío y emocional, se traslada el conflicto personal y psicológico del caso central y se conserva la crítica al sistema y la narrativa dual. ‘Dept. Q’ pasa el test del polígrafo.

Por gustarme me ha gustado hasta el opening, conciso, corto y toda una declaración de intenciones. Si te gusta tanto como a mí, aquí tienes una guía enumerando las películas sobre ‘Los casos del Departamento Q’:

  • Misericordia (Kvinden i buret, 2013)
  • Profanación (Fasandræberne, 2014)
  • Redención (Flaskepost fra P, 2016)
  • Expediente 64 (Journal 64, 2018)
  • El efecto Marcus (Marcoeffekten, 2021) – reinicio con nuevo reparto.
  • Sin límites (Den grænseløse, 2024) – continuación con el reparto introducido en la quinta película.

Novedades de Divisa Films para junio de 2025

A la venta desde el 16 y el 24 de de junio

El calor ya está aquí pero no os preocupéis que eso no evita que el equipo de Divisa Films venga con novedades recién salidas del horno. Títulos recientes como ‘Fuera de la ley’, ‘Los indeseados’ o ‘Novocaine’, incluso ‘Blancanieves’ llegan incluso con ediciones steelbook. También llegan clásicos como ‘Cinderella man’, ‘Océanos de fuego’, ‘Desde el infierno’, ‘Monstruoso’, ‘La fiera de mi niña’, ‘El rey de los cowboys’, ‘Metropolis’, ‘M el vampiro de Dusseldorf’ o ‘Scream 3’, todos ellos en versión Blu-ray.

Crítica: ‘Viaje de fin de curso: Mallorca’

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Sinopsis

Tras pasar un año de confinamiento, un grupo de estudiantes de bachillerato y sus dos profesoras inician un viaje de fin de curso a Mallorca. Este planazo supone la última oportunidad que tienen de estar todos juntos, recuperar el tiempo perdido, poder divertirse como nunca lo han hecho y despedir está loca etapa de sus vidas. Sin embargo, un nuevo brote de coronavirus trunca todos sus planes y les obliga a quedarse encerrados en las habitaciones del hotel. Más de 50 alumnos, 2 profesoras, un hotel y muchos, muchos minibares… ¿Qué podría salir mal?

Crítica

Una gran reflexión hacia esta generación de cristal

¿Cuántas personas han pasado en España su fin de curso en Mallorca? Ese viaje tan esperado y con el que se tiene tantas expectativas. El viaje de nuestras vidas, se recordará para siempre, los amigos de allí serán para siempre. Esto es lo que piensan todos los protagonistas de ‘Viaje de fin de curso: Mallorca’. Que, además, han tenido que pasar medio año confinados en sus casas por una pandemia mundial y que tienen que pasar todo tipo de pruebas para poder viajar en avión. Una vez pasado todo, llegan a su destino soñado y después de una gran fiesta… de nuevo confinados.

La película tiene un primer monólogo bastante preocupante, un video en un móvil un tanto dramático para lo que nos estamos esperando. Pero pronto empieza la diversión. Al final es lo que esperamos, una película de desfase llena de situaciones extremas. Adolescentes con alcohol, música y en un hotel encerrados con apenas dos adultos.

Enzo Oliver, Berta Castañé, Yolanda Ramos, Martí Cordero, Claudia Roset, Diego Garisa, Sara Viderreta, Nadia VilaPlana, Pau Roldán, son parte de este gran reparto lleno de ganas de pasárselo bien. Eso sí, sin duda el papel de Aiden Botía es el más divertido de todos.

Paco Caballero, el director de la película, nos muestra lo fácil que es llegar a un desfase en unas edades con ganas de disfrutar cada segundo. Este tipo de viajes, suelen pensarse como el último viaje antes de convertirse en un aburrido adulto y por ello es tan importante este viaje para estos chavales que después del año que han llevado, vuelven a quedarse encerrados. Me gusta la manera de utilizar las redes sociales y los móviles. Además del noticiero que va explicando y criticando todo lo que está ocurriendo dentro del recinto hotelero.

Con esto, vamos viendo como Eric Navarro y Natalia Durán (guionistas de la cinta) consiguen mostrarnos un reflejo de estos adolescentes. Estos chicos y chicas que tienen pánico a crecer y a la vez es lo que más quieren del mundo. Pero claro, para ellos toda la diversión se termina después de todo esto y solo quieren disfrutar. ‘Viaje de fin de curso: Mallorca’ nos enseña los primeros y últimos amores, las fiestas y desfases y también los miedos que tienen cada uno de ellos al siguiente paso de sus vidas.

Es una película con la que te lo pasas bien, pero también te da que pensar en la sociedad actual, en todo lo que nos pedimos y lo esperamos los unos de los otros sin pensar en que somos personas y que pese a parece que lo tenemos todo, quizás no siempre las cosas sean como parecen. ‘Viaje de fin de curso: Mallorca’ estará disponible desde el 30 de mayo en Prime Video.

 Ficha de la película

Estreno en España: 30 de mayo de 2025. Título original: Viaje de fin de curso: Mallorca. Duración: País: Dirección: Paco Caballero. Guion: Eric Navarro, Natalia Durán. Música: Marc Blanes. Fotografía: David Valldepérez. Reparto principal: Enzo Oliver, Berta Castañé, Yolanda Ramos, Martí Cordero, Sara Vidorreta, Diego Garisa, Claudia Roset, Nadia Vilaplana, Mauro Vélez, Diego Rey. Producción: Zeta Studios. Distribución: Prime Video. Género: Comedia. Web oficial: https://www.primevideo.com/-/es/detail/Viaje-de-fin-de-curso-Mallorca/0G6OB52M15WIP7ND83CZZ8772S

Crítica: ‘La trama fenicia’

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Sinopsis

La historia de una familia y de un negocio familiar.

Crítica

Un cuento de millonarios con sabor a sátira vintage y cartoon

Wes Anderson regresa con ‘La trama fenicia (The Phoenician Scheme)’, una comedia negra que, sin abandonar su estilo característico, se aventura en terrenos menos explorados por el cineasta. Ambientada en la ficticia nación de Fenicia durante la década de 1950, la película sigue a Zsa-zsa Korda (Benicio del Toro), un magnate europeo de moral ambigua, que busca convertir a su hija, la monja Liesl (Mia Threapleton), en su heredera. A medida que se enfrentan a amenazas de rivales industriales y asesinos, su relación se convierte en el eje emocional de la narrativa.

Es curioso, pues a Anderson siempre le gusta usar ambientes, escenarios y personajes lujosos, pero este filme se alinea, queriendo o no, con opiniones actuales que van en contra del control que ejercen los magnates y ricachones sobre regiones o países enteros. Ahora que más que nunca los multimillonarios están presentes en nuestras vidas y en el devenir de los acontecimientos es fácil encontrar argumentos que relacionen este filme con la realidad. El ejemplo más claro es la escena que comparten los protagonistas con Tom Hanks y Bryan Cranston Coca-Cola y chocolatina en mano respectivamente. Sin embargo, la carrera mercantil que supone ‘La trama fenicia, es para Anderson un salto al vacío por la comedia más disparatada desde la primera escena. Se ha prestado tanto al humor negro y a las chifladuras que eso se impone a cualquier tipo de lectura política o social. Esta nueva propuesta bien podría haber sido proyectada a modo de cartoons y ser un episodio de los Looney Tunes.

Una frase resuena casi desde el principio prevaleciendo en todo lo que le pasa a los protagonistas: “la desgracia es la mejor escuela”. Los personajes de ‘La trama fenicia’ tienen clase y actúan casi como autómatas, moviéndose con precisión y cálculo. Esto responde mucho al estilo de Anderson pero en esta ocasión atiende a una estoicidad asombrosa ante cualquier desafío a la razón o incluso a la integridad. Con ello Anderson y su ejército de amigos nos retan a superar los obstáculos de la vida sea como sea, lo cual, se antoja también como una lección a aplicarse a sí mismo tras el descalabro de ‘Asteroid City’.

Visualmente, la película mantiene las señas de identidad de Anderson: paletas cromáticas pastel cuidadosamente seleccionadas, composiciones simétricas, paneos, travelings y zooms más una meticulosa organización de los elementos en pantalla que siempre satisfacen a los que tenemos TOC. Y eso que no ha contado con su cinematógrafo habitual, Robert D. Yeoman. Aunque es la primera vez que colabora con el director de fotografía Bruno Delbonnel, conocido por su trabajo en ‘Amélie’ y ‘El instante más oscuro’, mantiene esa estética tan icónica que ha hecho imagen de marca, supongo que también tiene mucho que ver el etalonaje en post-producción.

El guion, coescrito por Anderson y Roman Coppola, marca su sexta colaboración y materializa una especie de vaticinio hecho por la mujer de Anderson cuando estos tuvieron a su hija. A través de ese hecho, se adentran en una sátira del capitalismo y la geopolítica, con toques de humor absurdo y referencias a figuras como Zsa Zsa Gabor, que inspiran el nombre del protagonista.

El reparto es coral y potente, con habituales del director como Scarlett Johansson o Tom Hanks, y nuevas incorporaciones como Mia Threapleton y Michael Cera, quien aporta un toque de ingenuidad como un tutor noruego. La química entre los actores y la dirección precisa de Anderson logran equilibrar la excentricidad con momentos de auténtica emoción. Y por fin llega el papel con el que creo que Bill Murray se habrá sentido más identificado que nunca, el de Dios.

‘La trama fenicia’ es una adición sólida al canon de Anderson, que, aunque no revoluciona su estilo, ofrece una experiencia cinematográfica rica en detalles visuales y narrativos. Es una película que, si bien puede no ser la más accesible para todos los públicos, recompensa a aquellos dispuestos a sumergirse en su mundo meticulosamente construido y recupera la mejor versión del director texano.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de mayo de 2025. Título original: The Phoenician Scheme. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Wes Anderson. Guion: Wes Anderson, Roman Coppola. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Bruno Belbonnel. Reparto principal: Benicio del Toro, Mia Threapleton, Michael Cera, Riz Ahmed, Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Richard Ayoade, Jeffrey Wright, Richard Ayoade, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch, Rupert Friend, Hope Davis. Producción: American Empirical Pictures, Indian Paintbrush, Focus Features, Studio Babelsberg. Distribución: Universal, Pictures. Género: comedia, suspense. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/the-phoenician-scheme/

Crítica: ‘El jockey’

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Sinopsis

Remo Manfredini es una leyenda del turf, pero su conducta excéntrica y autodestructiva comienza a eclipsar su talento. Abril, jocketa y pareja de Remo, espera un hijo suyo y debe decidir entre continuar con su embarazo o seguir corriendo. Ambos corren caballos para Sirena, un empresario obsesionado con el jockey.

Un día Remo sufre un accidente, desaparece del hospital y deambula sin identidad por las calles de la ciudad. Sirena lo quiere vivo o muerto mientras Abril intenta encontrarlo antes de que sea demasiado tarde.

Crítica

Un paseo existencial por la memoria, el éxito y el declive 

Luis Ortega, reconocido por su enfoque audaz y su inclinación hacia lo marginal y lo corrupto con películas como ‘El ángel’, presenta en ‘El jockey’ una obra que desafía las convenciones narrativas tradicionales. Es una cinta que ha sido reconocida internacionalmente, habiendo sido parte de la sección Oficial del Festival de Venecia y galardonada en el Festival de Cine de San Sebastián. Además, fue seleccionada para representar a Argentina en los premios Óscar y Goya.

La película, protagonizada por Nahuel Pérez Biscayart y Úrsula Corberó, se adentra en la vida de Remo Manfredini, un jockey legendario cuya conducta autodestructiva amenaza con fulmimar su carrera y su relación con Abril, su pareja y también jinete. La narrativa de ‘El jockey’ se aleja de los cánones del drama deportivo, el thriller psicológico o el melodrama romántico, construyendo visualmente una atmósfera que fusiona lo grotesco y lo poético. A través de contrastes y una saturación visual deliberada, Ortega convierte la historia en un viaje existencial más que en una redención tradicional. Con estos ingredientes el filme transita desde lo lynchiano a una película de Almodóvar o Eduardo Casanova.

La dirección de fotografía, a cargo de Timo Salminen, habitual colaborador de Aki Kaurismäki, envuelve los ambientes decadentes en los que se desarrolla la historia con una iluminación que los hace parecer sucios y deprimentes, tal y como deben ser según marca el estado mental del protagonista.

La banda sonora es otro de los pilares fundamentales de la película. Ortega otorga a la música un espacio medular en la trama, siendo un elemento clave para la narración. Destacan las canciones ‘Sabor a nada’ o ‘A mí me pasa lo mismo que a usted’, compuestas por Palito Ortega y Dino Ramos, e interpretadas por Palito Ortega, padre del director. A ello hay que sumarle varias escenas extrañas de baile y un cierre al son de Nino Bravo. Estas piezas aportan una capa adicional de melancolía y conexión personal a la obra.

Nahuel Pérez Biscayart ofrece una interpretación contenida pero profunda de Remo, transmitiendo las contradicciones internas de un hombre que ha alcanzado el éxito pero que se encuentra al borde del abismo. Su actuación revela la vulnerabilidad de alguien que se enfrenta a su pasado y a sus propios límites, no a través de diálogos elaborados, sino mediante gestos, silencios que resultan más elocuentes y un curioso deambular. También a través de detalles humorísticos tan negros como absurdos, que retratan la ironía y lo cíclico de la vida.

El elenco secundario, que incluye a Úrsula Corberó, Daniel Giménez Cacho, Osmar Núñez, o Mariana Di Girolamo, entre otros, aporta matices que enriquecen el mundo que Ortega crea, desde lo excéntrico hasta lo íntimo. Sus personajes sirven de contrapunto a Remo, agregando capas de complejidad en una trama que casi evita la linealidad e incluso la realidad.

‘El jockey’ es una obra que combina lo surrealista con lo profundamente humano ofreciéndonos también algunas dosis de suspense. Aunque las maneras de mostrarnos la trama pueden resultar enigmáticas, es una propuesta que invita a la reflexión sobre la identidad, el éxito y la autodestrucción, consolidando a Luis Ortega como una voz abiertamente singular en el cine contemporáneo y más allá de sus fronteras.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de mayo de 2025. Título original: Kill the jockey. Duración: 96 min. País: Argentina, España. Dirección: Luis Ortega. Guion: Luis Ortega, Fabián Casas, Rodolfo Palacios. Música: Sune Wagner. Fotografía: Timo Salminen. Reparto principal: Nahuel Pérez Biscayart, Úrsula Corberó, Daniel Giménez Cacho, Daniel Fanego, Osmar Núñez, Roberto Carnaghi, Luis Ziembrowski, Jorge Prado, Adriana Aguirre, Roly Serrano, Mariana Di Giarolamo. Producción: Rei Pictures, El Despacho, Infinity Hill, Warner Music, Exile Content Studio. Piano, Snowglobe Films, Naya Films, Barraca Productions, Vix, El Estudio. Distribución: Caramel Films. Género: suspense. Web oficial: https://reipictures.com/es/projects/el-jockey/

Crítica: ‘Tela de araña’

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Sinopsis

En los años 70, el director Kim está obsesionado por el deseo de volver a rodar el final de su película recién terminada ‘Cobweb’, pero el caos y la confusión se apoderan del plató con la interferencia de los censores y las quejas de los actores y productores que no pueden entender la reescritura del final. ¿Será Kim capaz de encontrar un camino a través de este caos para cumplir sus ambiciones artísticas y completar su obra maestra?

Crítica

Kim Jee-woon teje su ejercicio de metacine acercándose a ‘Birdman’ o a ‘The Studio’

Con ‘Cobweb (Tela de araña)’, el surcoreano Kim Jee-woon demuestra una vez más su virtuosismo para reinventar géneros y rendir homenaje a la historia del cine sin caer en la nostalgia vacía. El director de títulos tan dispares como ‘El bueno, el malo y el raro’, ‘Encontré al diablo’ o ‘2 hermanas’, se adentra esta vez en el terreno del metacine, entregando una obra tan autoconsciente como lúdica, tan sofisticada en su artificio como entrañable en su fondo humano.

La premisa es sencilla, aunque vertiginosa: Un director veterano, interpretado por el siempre brillante Song Kang-ho (‘Parásitos’, ‘Memories of Murder’), está obsesionado con rehacer el final de su última película, convencido de que una nueva conclusión la convertirá en una obra maestra. Sin embargo, los obstáculos son muchos: la censura surcoreana de los años 70, un equipo que no comparte su entusiasmo, y un sistema de producción que bordea el caos. Así, ‘Tela de araña’ se convierte en una sátira sobre los límites del autor, una reflexión sobre la creación cinematográfica y una comedia negra sobre la frustración artística.

Como en ‘Birdman’ de Iñárritu o ‘¡Ave, César!’ de los hermanos Coen, el relato navega entre el drama de quien desea trascender y el absurdo del sistema que lo contiene. Jee-woon monta una función de múltiples capas: vemos la película dentro de la película, el rodaje de esa película, y los entresijos emocionales de los actores y técnicos que participan en ella. La doble narración —la historia del film ficticio y la del rodaje— genera una tensión dramática bien dosificada, donde el caos del plató se entrelaza con las emociones contenidas del guion que se está filmando. La resolución de ambos relatos, como cabría esperar, ocurre de forma paralela y culmina con una brillante fusión entre realidad y ficción, mostrando la maestría de Kim para estructurar el relato sin perder el control ni ceder al artificio gratuito.

Visualmente, ‘Tela de araña’ es una delicia: su ambientación de los años 70, con decorados que remiten tanto al cine noir como al melodrama clásico coreano, está cuidada al milímetro. La paleta de colores, las texturas del celuloide recreado, y la iluminación tenue que contrasta con los estallidos emocionales de los personajes, construyen un ambiente que es a la vez homenaje y pastiche, celebración y crítica.

Lo más interesante de ‘Tela de araña’ es cómo, sin necesidad de discursos explícitos, lanza dardos sobre la censura institucional, la rigidez de los estudios y la dificultad de innovar cuando se está atrapado en los moldes del pasado. El cine coreano, que lleva años demostrando una madurez imponente, parece haber alcanzado ese punto en que puede mirarse a sí mismo con ironía, afecto y lucidez. Otra prueba de ello es ‘Smugglers’. Y al igual como éxitos recientes, como la serie ‘The Studio’, ‘Tela de araña’ no es solo cine sobre cine: es también una revisión identitaria, un ajuste de cuentas con el legado artístico de un país que hoy domina festivales y taquillas internacionales.

Song Kang-ho brilla como un Quijote del séptimo arte, encarnando con ternura y desesperación a un hombre que lucha contra molinos de celuloide. Su interpretación trasciende el guion, elevando un personaje que podría haber sido caricaturesco a un nivel trágico y conmovedor.

‘Tela de araña’ no es perfecta: su metraje puede sentirse excesivo, su ritmo, por momentos, errático. Pero como los grandes experimentos cinematográficos, su valor reside en el riesgo, en la ambición desmedida y en esa voluntad de hacer arte incluso cuando todo parece en contra. Jee-woon no ha hecho solo una película sobre el cine: ha tejido una compleja red de amor, frustración, obsesión y humor que merece ser explorada con atención.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de mayo de 2025. Título original: Geomijip. Duración: 135 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kim Jee-woon. Guion: Shin Yeon-shick. Música: Mowg. Fotografía: Kim Ji-yong. Reparto principal: Song Kang-ho, Lim Soo-jung, Oh Jung-se, Jeon Yeo-been, Krystal Jung, Park Jeong-su. Producción: Barunson Studio, Anthology Studios, Luz y Sonidos. Distribución: Filmin. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.anthology.kr/projects-6

Crítica: ‘Hamburgo’

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Sinopsis

Germán (Jaime Lorente) no es un conductor normal y corriente: es el encargado del traslado de mujeres que trabajan como esclavas en clubes de alterne en la Costa del Sol. Arruinado y completamente perdido, trata de salir adelante trabajando para Cacho (Roger Casamajor), un viejo amigo de la juventud que administra varios de estos locales para una mafia local, hasta que una noche, se encuentra con la oportunidad de dejar todo eso atrás y decide arriesgarse. Lo que parece una ocasión para cambiar de vida le pondrá más en peligro que nunca. Solo le quedará una opción, la misma en la que piensan las chicas que, como Alina (Ioana Bugarin), cada noche lleva de un lado para otro: conseguir escapar.

Crítica

Brillante y sucia en forma, fallida y reiterativa en fondo

El espectador de ‘Hamburgo’ no tarda en ser empujado a una zona incómoda. No hay concesiones. La película arranca con una escena de sexo que, más que excitar o conmover, repugna: cuerpos entrelazados sin afecto, un hombre que paga, una mujer que obedece. Es una transacción desnuda, vacía, que marca el tono de una historia sin consuelo. Desde ese primer plano queda claro que Lino Escalera no pretende envolver al público con una historia amable, sino hundirlo en una atmósfera espesa, pegajosa, donde la prostitución no es solo un contexto, sino el propio lenguaje con el que se articula la narración.

‘Hamburgo’ se mueve entre habitaciones mugrientas, luces de neón sucias y silencios que pesan. La prostitución es aquí algo más que un telón de fondo: es un pantano emocional del que sus personajes no logran salir. Están los habituales: el cliente que llega tarde al remordimiento, la joven atrapada entre el miedo y la esperanza, el proxeneta agazapado y disfrutando en las sombras y el nuevo que encuentra aquí una oportunidad que no acaba de convencerle pero que consiente. También están las redes que todo lo pudren: las mafias, la avaricia, el chantaje emocional. Sin embargo, lo que ‘Hamburgo’ deja entrever es que, en el fondo, todo se reduce a una simple (y trágica) verdad: dos personas que quieren huir de una vida que no eligieron, pero que no encuentran cómo hacerlo.

Ahí está el drama. Y también la gran carencia. Porque pese a su envoltorio impecable, ‘Hamburgo’ se queda corta en lo narrativo. A la película le falta ritmo, le faltan puntos de fuga. Se obstina en una reiteración excesiva, de escenas, de diálogos y de emociones, que termina desgastando el impacto inicial. Cada paso de los personajes es una variación mínima de lo anterior, y aunque esa elección puede responder a una voluntad de subrayar el estancamiento vital, acaba asfixiando la historia más que potenciándola.

La película avanza con lentitud, como si Escalera no quisiera que nada se resolviera. Y aunque esa parsimonia puede encontrar eco en el estado emocional del protagonista, lo cierto es que acaba restando fuerza a la trama. Hay demasiado detenimiento en la inanición del personaje principal, demasiado deleite en lo no dicho, en lo implícito. El guion desgrana con cuentagotas el contexto, pero sin llegar nunca a una revelación contundente.

Eso sí, no todo es fallo. Uno de los grandes aciertos de ‘Hamburgo’ es su textura visual: el uso del Súper 16mm añade una capa de suciedad visual que casa a la perfección con el universo que retrata. No es una estética impostada, sino una pátina que amplifica la mugre emocional de la historia. Y el casting está a la altura del tono exigente del film: Jaime Lorente construye un personaje interiorizado y roto; Ioana Bugarin transmite con la mirada más de lo que muchos diálogos logran decir; Roger Casamajor, pese a una variación de voz en la primera escena dentro de la casa, resulta creíble en su oscuridad.

‘Hamburgo’ es incomoda, remueve y retrata sin pudor la degradación humana. Pero tras su envoltorio denso, áspero y correctamente interpretado, queda la sensación de que el relato se disuelve entre sus propias repeticiones. Quiere decir mucho, pero termina hablando en círculo. Y en ese silencio repetido, se pierde la oportunidad de dejar una huella más profunda.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de mayo de 2025. Título original: Hamburgo. Duración: 113 min. País: España. Dirección: Lino Escalera. Guion: Lino Escalera, Daniel Remón, Roberto Martín Maiztegui. Música: Marius Leftarache. Fotografía: Juana Jiménez. Reparto principal: Jaime Lorente, Roger Casamajor, Ioana Bugarin, Asia Ortega, Mona Martínez, Tamara Casellas, Manolo Caro, Antonio Buil. Producción: Canal Sur Radio y Televisión, Cinelabs Romania, Comunidad de Madrid, Hamburgo la Película, Icónica Producciones, ICAA, Junta de Andalucía, Lolita Producciones Cinematográficas, Netflix, Pecado Films, Tandem Films, Vodafone, Zeta Cinema. Distribución: Filmax. Género: suspense. Web oficial:  https://www.filmax.com/distribucion/hamburgo/294

Análisis del pack con todas las películas del Capitán América

Los cuatro filmes publicados hasta la fecha en un solo pack

Aprovechando la llegada al formato físico de ‘Captain America: Brave New World’, desde el 14 de mayo de 2025, Divisa Films ha lanzado en España un esperado pack en Blu-ray que reúne las cuatro películas independientes inspiradas en el Capitán América. Uno de los personajes más famosos y amados del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM), llega en una edición ideal para coleccionistas y fanáticos del superhéroe del escudo.

Este exclusivo set en Blu-ray, disponible por 49,99 €, contiene las siguientes películas:

  • ‘Capitán América: El primer vengador’ (2011) – Dirigida por Joe Johnston, narra los orígenes de Steve Rogers y su transformación en el Capitán América. Protagonizada por supuesto por Chris Evans.
  • ‘Capitán América: El Soldado de Invierno’ (2014) – Bajo la dirección de los hermanos Russo, presenta una trama de espionaje y acción con la aparición del Soldado de Invierno.
  • ‘Capitán América: Civil War’ (2016) – También dirigida por los hermanos Russo, muestra el conflicto entre los Vengadores, dividiéndolos en dos facciones enfrentadas.
  • ‘Capitán América: Brave New World’ (2025) – Dirigida por Julius Onah, esta entrega introduce a Sam Wilson (Anthony Mackie) como el nuevo Capitán América, enfrentándose a una conspiración internacional tras reunirse con el presidente Thaddeus Ross (Harrison Ford).

El pack viene presentado en una funda especial para proteger y destacar esta colección imprescindible para los seguidores del UCM. Podéis ver los detalles en nuestra galería fotográfica.

Además, para aquellos que ya tenían los tres títulos previos, ‘Capitán América: Brave New World’ ha sido lanzada en varias ediciones individualesDVD – 17,99 €, Blu-ray estándar – 21,99 €, Edición Steelbook 4K UHD + Blu-ray – 26,99 €.

Estas ediciones incluyen contenido adicional, como el documental «Asumiendo el mando», que explora la evolución de Sam Wilson como Capitán América, un punto importantísimo para la nueva etapa de Marvel. Este conjunto ofrece una visión completa de la evolución del personaje de Capitán América en el UCM, desde los orígenes de Steve Rogers hasta la asunción del manto por parte de Sam Wilson. Es una oportunidad única para revivir momentos clave y disfrutar de contenido adicional que enriquece la experiencia cinematográfica.

Extras de ‘Capitán América: El primer vengador’ (1h 4min. aprox.)

Comentarios del director.

El encargado de traer de nuevo de vida a la pantalla al Capitán América fue Joe Johnston y junto con su directora de fotografía (Shelly Johnson) y su montador (Jeffrey Fordd), comentan la película mientras la vemos.

El caso único de Marvel: algo divertido ocurrió de camino al martillo de Thor (4:03 min.)

Una escena extra con el agente Coulson salvando la situación en plan héroe en una tienda de gasolinera. Evidentemente en el desierto según se acerca al lugar donde cayó el martillo de Thor.

Reportajes (46 min.)

Siete reportajes sobre el tarje del Capitán América, su conversión tras recibir el suero del Súper Soldaddo o su persecución a Hydra, entre otras cosas. Todos ellos son mini documentales que aluden constantemente a las páginas originales, hasta tal punto de aparecer Joe Simon, quien creó al personaje junto a Jack Kirby.

Escenas eliminadas (5:32 min.)

Cuatro escenas descartadas del rodaje que al igual que la película podemos ver con los comentarios del director, si queremos. Evidentemente están sin trabajar el etalonaje, con los gráficos generados por ordenador al nivel más básico, sobre todo a la hora de mostrar un curioso tanque que lanza rayos.

Tráilers (8 min.)

Cuatro tráilers, pero no solo de la película, también del videojuego que sacó SEGA o uno animado sobre todos los Vengadores que se emitió en Disney XD.

Extras de ‘Capitán América: El Soldado de Invierno’ (20 min. aprox.)

Comentarios de los directores.

Esta película ya contó con los hermanos Russo y junto con sus dos guionistas nos cuentan cómo abordaron este filme y cómo comenzaba a fraguarse su plan en forma de fases.

Reportajes (14 min.)

Tres pequeños documentales que narran los campos de batalla que pisa nuestro héroe, el cómo se incorporó Anthony Makie (quien interpreta hoy en día al Capitán América) e incluso qué ponía Steve Rogers en su libreta para ponerse al día en el Siglo XXI.

Escenas eliminadas y extras (3:36 min.)

Lo bueno de un Blu-ray es que no tienes que esperar a los post-créditos para ver escenas extras. Aquí tenemos cuatro escenas que ni siquiera se vieron en salas de cine o en Disney+. La más especial una conversación entre la Viuda Negra y Nick Furia.

Tomas falsas (2:37 min.)

Se lo pasaron realmente bien a pesar de las lenguas trabadas, las miradas directas a cámara o el atrezo que no funciona.

Extras de ‘Capitán América: Civil War’ (48 min. aprox.)

Comentarios de los directores

Civil War es el segundo gran evento para los Vengadores del MCU y los hermanos Russo tienen mucho que contar a cerca de cómo afrontaron esta película, sobre la que los lectores iban a exigir mucho.

Reportajes (38 min.)

Un documental dividido en dos partes sobre cómo se hizo esta película tan épica, la que para muchos fue el punto de madurez para el MCU. Por supuesto se habla de los cambios con respecto al cómic. Hubo que eliminar incluso personajes por temas de derechos pero sobre todo se quiso hacer una película sobre el Capitán América.

Además hay otros reportajes sobre cómo fue el camino por separado para el Capi y para Iron Man. Por supuesto en ambos vídeos se toca cómo son las relaciones de los otros muchos personajes que participan en esta contienda.

Escenas eliminadas y extendidas (7:52 min.)

Más minutos para el funeral de Peggy, la escena en que Zemo y Broussard se conocieron, un encuentro entre Black Panther y Vida Negra y por último la primera vez que Soldado de Invierno usa el escudo del Capitán América pero sin acabar su CGI.

Tomas falas (2:53 min.)

Bailoteos, cabreos, torpezas… ni Stan Lee se salva de pifiarla con sus líneas. Por supuesto a Anthony Makie diciendo eso de “cut the check”.

Extras de ‘Capitán América: Brave New World’ (27 min. aprox.)

Por supuesto, como casi todos los Blu-rays y como todos los que precedieron a Capitán América en su periplo en solitario podemos contar con los comentarios del director. En este caso acompañan con notas a las escenas el director Julius Onah y el encargado de la fotografía, Kramer Morgenthau.

Asumiendo el mando (11:08 min.)

En este filme se muestra más que nunca las dudas de Sam Wilson a la hora de asumir la estrella del Capitán América en el pecho. Pero también es un peso y un relevo que trasciende a la realidad pues Anthony Makie ha heredado la responsabilidad de mantener el listón de un personaje icónico.

Viejas rencillas nuevas heridas (9:46 min.)

Para mucha parte del público el gran problema de este filme ha sido conectar con anteriores películas de Hulk, algunas de ellas hasta ahora fuera del UCM. Kevin Feige vio la oportunidad de traer de vuelta un huevo de pascua sin resolver con el villano de la película. Eso ha hecho que vuelvan algunos actores y que otros hayan tenido que ser reemplazados.

Tomas falsas (2:12 min.)

Al son del ‘Holding out for a hero’ de Bonnie Tyler nos muestran al reparto fallando y sobre todo bailando tras fallar en una toma.

Escenas eliminadas (4:45 min.)

Gracias de corazón, La misión y Quédese son los títulos de estas tres escenas eliminadas. No están mal descartadas, no aportan mucho a la trama.

Crítica: ‘Mountainhead’

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Sinopsis

Un grupo de amigos multimillonarios se reúne mientras se desata una crisis internacional.

Crítica

¿Quién necesita gobiernos cuando tienes CEOs?

¿Y si los CEO multimillonarios que dominan el mundo se reunieran en un lujoso refugio de montaña y de ellos dependiese resolver la situación del planeta… o al menos decidir quién se queda con los restos? Esa es la premisa de ‘Mountainhead’, la nueva película dirigida por Jesse Armstrong, creador de la aclamada serie ‘Succession’, que nos invita a espiar tras las cortinas de terciopelo de la élite global mientras discuten, compiten y, a veces, incluso intentan parecer humanos.

Una reunión de titanes y de ego. Lo de titanes también se puede referir a alguno de sus protagonistas. Lo del ego hinchado creo que no se aplica a ninguno de estos actores. Steve Carell lidera el reparto con una interpretación tan carismática como incómoda. Su personaje, identificado con esos empresarios que mantienen un perfil medido-bajo, encabeza una mesa redonda donde cada comensal representa una industria clave: tecnología, defensa, medios online… El elenco lo completan Jason Schwartzman, Cory Michael Smith y Ramy Youssef, quienes aportan distintos matices a este desfile de excentricidades millonarias.

Como podréis imaginar la acción transcurre en la montaña, en una lujosa cabaña que más que un refugio de invierno es una mini ciudad en sí misma. El lugar, llamado ‘Mountainhead’ es tan exclusivo que hasta los cimientos podrían tener acciones en bolsa. Y es el reflejo narcisista cuatro personajes que se ven como un Prometeo moderno que, en lugar de robar el fuego a los dioses, cree haberlo inventado él mismo. Seguro que todo esto ya va trayendo referencias reales a vuestras cabezas.

Aunque el tono general es dramático, ‘Mountainhead’ no es ajena al humor. Su guion afilado, con diálogos repletos de ironía, recuerda al estilo de Adam McKay en películas como ‘No mires arriba (Don’t Look Up)’ o ‘El vicio del poder (Vice)’. Aunque la hilaridad es menos desatada y menos abierta, aquí también hay una crítica feroz, casi quirúrgica, al discurso populista y mesiánico que adoptan muchos líderes tecnológicos. Mientras se alzan como personajes influyentes para todos los estratos sociales y tienen patrimonios mayores que el de muchos países, eluden responsabilidades que afectan a las grandes potencias mostrando una sonrisa corporativa. Los momentos más hilarantes y escalofriantes son aquellos en los que con indiferencia y en busca de aumentar sus arcas, los protagonistas realizan diferentes brainstormings, no diré con qué fin por no arruinaros algunos de los giros de guión.

Visualmente, la película adopta un estilo muy particular: plano contraplano sobre el hombro, cámara en movimiento constante y zooms temblorosos que nos hacen sentir dentro de un reality show o un episodio de alguna serie documental. Lejos de ser una elección errónea, la jugada consigue su efecto, que parece ser el de crear nerviosismo en el espectador, transmitir urgencia y aumentar esa sensación que nos hace creer que estamos entrometiéndonos en la intimidad de los grandes.

‘Mountainhead’ también pone el foco en temas de máxima actualidad: la desinformación, las fake news y el uso irresponsable de las redes sociales como armas de manipulación masiva. Sin olvidarnos del elefante digital en la sala: la inteligencia artificial, que aquí aparece como una herramienta ambigua, capaz de generar soluciones… o de profundizar la catástrofe si cae en las manos equivocadas (spoiler: ya lo ha hecho). Los negacionismos, el oportunismo… también están presentes y Armstrong ataca de una manera más afilada y afinada que con ‘Succession’. Lo que quizá notarán los espectadores es el poco desarrollo de los personajes, más acelerado y precipitado sin el espacio que permite una serie televisiva.

La gran tesis de la película es tan clara como incómoda: las empresas más poderosas del mundo tienen más influencia que muchos políticos o países enteros, y están tan por encima de la ley como por debajo del sentido común. Armstrong logra meterse en la mente de estos magnates para mostrarnos algo peor que la maldad: la indiferencia disfrazada de altruismo. ‘Mountainhead’ es una película que duele… pero de esa forma en que duele reírte cuando sabes que te están diciendo la verdad. Es un título ideal para fans de ‘Succession’, ‘Don’t Look Up’, y para cualquiera que alguna vez haya sospechado que el botón rojo no está en la Casa Blanca… sino en algún despacho de Silicon Valley.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de mayo de 2025. Título original: Mountainhead. Duración: 109 min. País: Dirección: Jesse Armstrong. Guion: Jesse Armstrong. Música: Nicholas Britell. Fotografía: Marcel Zyskind. Reparto principal: Steve Carell, Jason Schwartzman, Cory Michael Smith, Ramy Youssef, Hadley Robinson, Ali Kinkade, Daniel Oreskes, David Thompson, Amie MacKenzie, Ava Kostia. Producción: HBO Films. Distribución: HBO Max. Género: drama. Web oficial: https://www.max.com/us/es/movies/mountainhead/c5520c63-eb6b-4e1b-a72c-00a0c8207723

Crítica: ‘Sirenas’

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Una serie que atrapa como el canto de las sirenas

El 22 de mayo llega a nuestras pantallas ‘Sirenas’. Miniserie de 5 episodios con Julianne Moore y Kevin Bacon como dos de sus grandes protagonistas.

Devon necesita a su hermana, una joven que desapareció de sus vidas hace años y que lo único que hace al pedirles ayuda es mandarles una gran cesta de frutas. Con esto, Devon se marcha a pedirla explicaciones y descubre que es una especie de secretaria de una millonaria que vive en una isla y se dedica a un gran vivero con grandes especies voladoras.

Me ha encantado, me ha entretenido muchísimo y la verdad que engancha desde el principio. La serie viene de un libro y una obra de teatro llamada ‘Elemeno Pea’, de Molly Smith Metzler, creadora y guionista de la serie. Junto a ella, han adaptado el guion Colin McKenna y Bekah Brunstetter.

‘Sirenas’ nos presenta un montón de personajes, secundarios y principales. Todos ellos con algo que esconder. Cada uno con sus pequeñas vergüenzas o incluso con grandes miedos. Personas que intentan sobrevivir a un pasado que no aceptan y del que no pueden escapar.

Además, nos muestran lo fácil que es manipular a la gente y que hagan lo que uno quiere. El título de echo va por ahí, de como estas tres mujeres, con sus problemas y sus miedos, logran manipular, queriendo y sin querer a todo el mundo a su alrededor. Como cual sirenas hechizan a sus anchas para conseguir todo lo que quieren.

La serie tiene una banda sonora muy calmada y con melodías tarareadas por mujeres algo que le da más misticismo a la historia. Eso y la fotografía, tan perfecta, tan limpia y brillante logran que veamos todo muy idílico.

Un gran trabajo en equipo en general, pues el vestuario y maquillaje es perfecto. Perfecto si vives todo el día con un peluquero en casa, pero es exactamente lo que nos pide la serie, que todo sea perfecto, que estas mujeres se vean perfectas casi todo el rato.

Meghann Fahy (‘Your Monster’ o ‘The White Lotus’), Milly Alcock (‘La Casa del Dragón’, ‘Supergirl: Woman of Tomorrow’) son las encargadas de dar vida a estas dos hermanas que se van a tener que aguantar durante un largo fin de semana, una intentando sacar a su hermana de aquella isla y la otra intentando hacerla desaparecer de nuevo. Ambas están estupendas. El papel de Milly Alcock, tan frágil y a la vez fuerte sin duda ha sido mi favorito.

Junto a ellas la gran Julianne Moore, que nos trae un personaje muy misterioso, lleno de candor y a la que todo el mundo sigue sin pestañear.

Kevin Bacon, Glenn Howerton, Bill Camp, Britne Oldford, Trevor Salter, Josh Segarra, Lauren Weedman, Patrick Voss Davis, Jenn Lyon, Erin Neufer y Felix Solis son parte de este gran reparto. Éste último, Felix Solis, hace uno de los mejores personajes de la serie. José, alguien secundario pero que se conoce todos los entresijos de esa gran isla.

‘Sirenas’ es un buen producto y que os aseguro os quedaréis con ganas de más. Si comenzáis a verla no vais a parar, la verdad que se hace muy cortita y ese humor tan ácido que tiene sin duda es un gran acierto.