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Crítica: ‘Ahora me ves 3’

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En qué plataforma ver Ahora me ves 3

Sinopsis

Los Cuatro Jinetes regresan junto a una nueva generación de ilusionistas en una extraordinaria aventura que contiene giros asombrosos, sorpresas alucinantes y trucos de magia nunca vistos en la gran pantalla. ‘Ahora me ves 3’ vuelve a reunir el elenco original de la saga mientras incorpora nuevos rostros jóvenes y una villana de altos vuelos, Veronika Vanderberg, interpretada por la nominada al Oscar® Rosamund Pike (‘Perdida’, ‘La corresponsal’).

Crítica

Probablemente esta es una de las sagas con más ex machina que he visto y abusa de ello

Tras Louis Leterrier (‘The Transporter’) y Jon M. Chu (‘Wicked’), ahora es Ruben Fleischer quien recoge el testigo en la tercera entrega de esta saga de ilusionistas modernos. El director de ‘Zombieland’ y ‘Venom’ vuelve a coincidir con Jesse Eisenberg y Woody Harrelson, en una apuesta que intenta revitalizar la franquicia con su característico pulso entre acción y humor. Sin embargo, ‘Ahora me ves 3’ acaba siendo un espectáculo tan vistoso como vacío, donde la ilusión se impone a la coherencia y el espectáculo eclipsa a la lógica.

La saga ‘Now You See Me’ siempre ha jugado con la fascinación por el truco bien ejecutado, pero también con el riesgo de parecer un número demasiado tramposo. Lo que en la primera entrega resultaba fresco y sorprendente, ese juego de prestidigitación a gran escala, mitad robo perfecto y mitad acto de magia, terminó derivando en un desfile de giros imposibles y explicaciones inverosímiles. Y esta tercera parte no solo no escapa de ese patrón, sino que lo lleva al extremo. Y aunque hay que reconocer que el giro final no se ve venir, no deja de ser excesivamente facilón. Probablemente esta es una de las sagas con más ex machina que he visto y abusa de ello.

Fleischer imprime ritmo, sí, y un estilo visual vibrante, lleno de travellings y planos que giran como cartas de póker en el aire, en la línea de las anteriores. Pero el artificio termina revelando su propio truco demasiado pronto. Cada secuencia parece diseñada para el aplauso inmediato, sin importar lo que haya detrás del telón. Y cuando llega la explicación de cada “milagro”, lo que debería asombrar provoca más bien un suspiro resignado: demasiados ases sacados de la manga, demasiadas casualidades que rozan la omnisciencia. Si algo de irreprochable tiene esta franquicia es que todas las películas parecen dirigidas por el mismo autor.

Al fin y al cabo, la saga ‘Ahora me ves’ sufre la misma decepción que cuando nos destripan los propios trucos de magia: cuanto más elaborados parecen, más se desmoronan al descubrir el truco. Los protagonistas, esos “jinetes” que en teoría actúan como Robin Hoods modernos usando como arma el ilusionismo, se han convertido en poco menos que superhéroes con poderes de precognición. Ya no engañan al público: lo que hacen pertenece directamente al terreno de lo imposible con dotes como la omnipresencia o el teletransporte. Para más inri traiciona su lore y la idea de “El Ojo”, esa logia de magos que mueve los hilos desde las sombras, se expande hasta adquirir un aire de Illuminati con presupuesto de blockbuster, pero sin aportar verdadera intriga o misterio. De hecho, se olvidan del punto en que se quedaron los protagonistas para con esa organización, todo ello debido al casting con el que han podido contar. A colación de ello, una curiosidad: es la segunda vez que se cuenta con un actor que previamente ha interpretado a un mago. Para esta entrega se ha fichado a Justice Smith (‘Dragones y Mazmorras’) y en anteriores entregas con Michael Caine (‘El truco final (El prestigio)’) con Daniel Radcliffe (‘Harry Potter’).

‘Ahora me ves 3’ es una película para quienes disfrutan más con las lentejuelas que con un guion bien armado. Su encanto superficial, su reparto de caras conocidas y su montaje buscan enganchar a fans de películas como la saga ‘Ocean’s’ y para ellos puede que el truco funcione en ciertos instantes. Pero al final uno se da cuenta de que todo era humo y espejos. Fleischer logra entretener, pero no sorprender.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de noviembre de 2025. Título original: Now You See Me: Now You Don’t. Duración: 112 min. País: EE.UU. Dirección: Ruben Fleischer. Guion: Seth Grahame-Smith, Michael Lesslie, Rhett Reese. Música: Brian Tyler. Fotografía: George Richmond. Reparto principal: Woody Harrelson, Rosamund Pike, Jessie Eisemberg, Dave Franco, Isla Fisher, Morgan Freeman, Dominic Sessa, Justice Smith, Ariana Greenblatt. Producción: Epic Films, Lionsgate, Reese Wernick Productions, Summit Entertainment, The Fuion Media. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, suspense. Web oficial: https://nowyouseeme.movie/

Crítica: ‘La princesa orgullosa’

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En qué plataforma ver La princesa orgullosa

Sinopsis

Ha llegado el momento de que el joven y apuesto rey Benjamín encuentre esposa. Cuando le presentan el retrato de la bella princesa Carolina, queda tan encantado que a cambio le envía su retrato, pero al mimada y orgullosa princesa Carolina lo rechaza. El rey Benjamín, decide seducirla y, disfrazado de jardinero, consigue trabajar en su castillo. Descubre que la princesa alguna vez fue feliz y amable y, con la ayuda de la música y las flores, se enamora de él. Cuando sus consejeros, deseosos de permanecer en el poder, encuentran para ella un príncipe débil con quien casarse, Carolina y Benjamín huyen juntos. Los numerosos obstáculos a los que se enfrentarán en su huida los unirán. Sin embargo, Benjamín aún tendrá que revelar la verdad pero el amor y la felicidad prevalecerán.

Crítica

Divertida y llena de magia

Basada en el famoso cuento checo, llega a nuestras pantallas de cine ‘La princesa orgullosa’. La inmortal historia de Božena Němcová, nos cuenta la historia del rey Benjamín, un joven que se enamora perdidamente de la bella pero orgullosa princesa Carolina. Para ganarse su corazón se hará pasar por un simple jardinero.

Cogiendo ideas del cuento y de la película de 1952. ‘La princesa orgullosa’ nos trae una divertida historia en la que al final triunfa el amor. Me han encantado el personaje de Carolina, esta hermosa princesa, pero con un terrible carácter. Es divertido ver un personaje así, saliéndose un poquito del estereotipo de princesa encantadora.

La película está dirigida por Radek Beran y David Lisý, ambos han querido hacer un gran homenaje a los paisajes checos. Y es que, sin duda, el gran punto fuerte de la película son esos grandes fondos que vemos rodeando a los protagonistas. Tenemos imágenes que parecen verdaderas fotografías. Contrasta un poco con la animación. Que no es mala, pero sí que es verdad que alguno de los movimientos, sobre todo en las caras de los personajes, son un poco torpes. Algo que no influye para nada el disfrute de esta historia.

Otro de los puntos fuertes que encontramos en la cinta, es el uso del color, colores fuertes y que llaman la atención, logrando caracterizar a nuestros protagonistas con los colores.

El diseño de los personajes está directamente basado en los actores Alena Vránová y Vladimir Ráz, actores de la película de Borijov Zeman, de 1952. Buscando imágenes de esta película, he podido ver el gran trabajo que han realizado logrando un gran parecido a éstos. Incluso hay escenas calcadas de la película del 52.

La banda sonora también es una mezcla de la música original de la película de Zeman, mezclada con nuevos temas. Se ha encargado de ella Ondrej Brzobohatý.

‘La princesa orgullosa’ me ha gustado bastante, creo que es una película que los niños van a disfrutar un montón. Ya que es divertida, tiene aventuras, magia, amistad y amor. Y está contada de una manera muy dinámica y con escenas llenas de movimientos. Así que no dudéis en acercaros a las salas de cine este próximo viernes para disfrutar de una buena tarde junto los más pequeños.

Ficha de la película

Título original: Pysná princezna. Duración: 84 min. País: República Checa. Dirección: Radek Beran, David Lisy. Guion: Radek Beran, Henryk Bloch, Oldrich Kautský, Borivoj Zeman. Música: Ondrej Brzobohatý. Fotografía: Álex D. Sala. Reparto principal: Marek Lambora, Anna Fialová, Ales Procházka, Martin Zahálka, Vasil Fridrich, Petr Pospíchal. Producción: Human, Luminar Film, PFX. Distribución: Vercine. Género: Aventura. Web oficial: La princesa orgullosa

Crítica: ‘Bugonia’

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En qué plataforma ver Bugonia

Sinopsis

Dos jóvenes conspiranoicos secuestran a la poderosa presidenta de una gran compañía, convencidos de que se trata en realidad de una extraterrestre decidida a destruir el planeta Tierra.

Crítica

Entre tanto conspiranoico Lanthimos sugiere que los verdaderos alienígenas somos nosotros mismos

A primera vista, podría sorprender que Yorgos Lanthimos decidiera abordar un remake del film surcoreano moderadamente reciente ‘Save the Green Planet!’ (2003). Sin embargo, tras ver ‘Bugonia’ queda claro que este proyecto le viene como anillo al dedo: se alinea con su universo creativo, muy en consonancia con sus trabajos más recientes, como ‘Kinds of Kindness’.

En ‘Bugonia’, Lanthimos reúne de nuevo al tándem compuesto por Jesse Plemons (Teddy) y Emma Stone (Michelle), esta última ya convertida en su musa habitual. Plemons interpreta a un hombre completamente convencido de que los extraterrestres se han camuflado entre los humanos. Con la colaboración de su primo Donny (Aidan Delbis), secuestra a Michelle, ejecutiva de alto nivel, sospechosa de ser alienígena. El plan es tan sencillo como perturbador: obligarla a confesar su identidad y que les conduzca ante sus jefes del espacio para que abandonen el planeta Tierra.

Lo que destaca desde el arranque es el tono. ‘Bugonia’ no es tanto una comedia convencional como una comedia negra, cargada de absurdismo y crueldad, habitada por un humor tan incisivo como incómodo y menos hilarante de lo que la premisa promete. Lanthimos explora aquí el esperpento, la forma grotesca de la realidad, y lo hace con su habitual lente deformante: ese mundo casi clínico que hace estallar por dentro la dimensión surrealista. Las escenas son imposibles de ignorar: por ejemplo la Emma Stone rapada al cero (un acto que simboliza algo más que estética: la imposibilidad de comunicación, de vuelta al origen, de vulnerabilidad absoluta).

Sin embargo, ‘Bugonia’ no busca reinventar el cine de Lanthimos en términos de ambición o formato, más bien lo consolida. Frente a títulos como ‘La favorita’ o ‘Pobres criaturas’, que aspiraban a un alcance mayor y a un despliegue narrativo más complejo, aquí estamos ante un divertimento efectivo y directo: un microcosmos de obsesión, poder corporativo, fantasía conspiranoica y crisis ambiental que, pese a su componente fantástico, está muy enraizado en lo que vive nuestra sociedad.

El tipo de comedia que propone Lanthimos en ‘Bugonia’ navega entre lo burlesco y lo incómodo, entre lo absurdo y lo perturbador. Una puerta abierta hacia lo bizarro: dos hombres comunes llevados al extremo de la lógica conspirativa, una mujer poderosa atrapada en una lógica que no entiende o que quizá representa ella misma. El desenlace, deliberadamente ambivalente, no nos da respuestas fáciles y esa es una de sus mayores virtudes y generadores de debate. Nos hace reír, incomodarnos y reflexionar.

Y el mensaje está ahí, de forma directa aunque revestida en una fábula de ciencia ficción: el mundo real está lleno de corporaciones que se presentan como benefactoras, de discursos de salvación, de tabúes medioambientales y tecnológicos que son ya sistémicos y asumidos por la población. La conversión de Michelle en “alienígena” es una metáfora brutal de la desconexión entre la élite corporativa y la humanidad, del uso del poder para fines poco transparentes, del abismo entre quienes deciden y quienes creen que deciden (o imaginan que deciden). Al mismo tiempo, el filme plantea cuán patológica puede ser la necesidad de creer en algo más allá cuando lo que resulta realmente alienígena es el entorno que hemos construido.

Desde el plano formal, Lanthimos colabora de nuevo con el director de fotografía Robbie Ryan y despliega una estética en la que el contraste entre los espacios modernos, pulcros, casi inhumanos de la ejecutiva, y el sótano sombrío donde se libra la tortura (psicológica y física) de la secuestrada. Esa división espacial refuerza la tensión entre clases, entre poder y vulnerabilidad, entre lo corporativo y lo conspirativo. La dirección de actores es también notable: tanto Plemons como Stone están en estado de gracia rodeados de diarrea verbal y paranoia.

No obstante, ‘Bugonia’ podría haber tenido un guion que mordiese más al espectador aprovechando su sátira. No termina de afilarse todo lo que podría y en comparación con trabajos anteriores del director, se echa de menos cierto riesgo narrativo o cómico mayor. Quizá esa sea la apuesta consciente: un Lanthimos algo “domesticado” por su éxito, entregando un film que funciona, entretiene y provoca, sin grandes aspavientos. Sea como fuere, la broma se percibe y ‘Bugonia’ es un film que no solo habla de alienígenas, sino de lo alienado que resulta nuestro presente.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de noviembre de 2025. Título original: Bugonia. Duración: 120 min. País: Irlanda. Dirección: Yorgos Lanthimos. Guion: Will Tracy, Jang Joon-hwan. Música: Jerskin Fendrix. Fotografía: Robbie Ryan. Reparto principal: Emma Stone, Jesse Plemons, Aidan Delbis. Producción: Focus Features, Fremtale, Element Pictures, Square Peg, CJ ENM, Pith Quest Films, Fruit Tree. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, suspense, ciencia ficción. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/bugonia

Crítica: ‘Yakarta’

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Diego San José sorprende con ‘Yakarta’, una serie turbia, honesta y magistralmente interpretada

Diego San José apuesta de nuevo por el formato televisivo y nos presenta ‘Yakarta’. Esta serie de seis episodios que se estrena en Movistar Plus+ el 6 de noviembre, es una pieza compleja y profundamente moral que, arriesgando y en gran medida consiguiendo, traza el retrato de personajes al borde del abismo. En el centro está un hombre en horas bajas, un exjugador olímpico de bádminton convertido en profesor de educación física en un instituto de Vallecas (Javier Cámara), que ve su última oportunidad de vengarse de la vida en una muchacha adolescente con talento (Carla Quílez). Esa propuesta de “cumplir un sueño frustrado” a través de una joven promesa es tan genuina como inquietante, porque, desde el arranque, la reputación ética del protagonista queda comprometida: un sujeto denostado, con prácticas poco limpias, que prácticamente acosa a la joven y a su madre para obtener el permiso de entrenarla y llevarla hasta un torneo en Yakarta.

La fuerza de ‘Yakarta’ reside en su capacidad para situar la historia en un deporte poco o nada popular como el bádminton y, al mismo tiempo, abrir una ventana hacia lo turbio de la ambición, la manipulación y la fragilidad humana. Los personajes no son héroes: son grises, desplazados, víctimas de sus propias miserias y la serie no rehúye ese tono sombrío. La relación entre el entrenador y la joven promesa funciona como espejo de sus vidas rotas, de su necesidad de sentirse algo más que fagocitados por el sistema o el olvido. Y esa empatía que se forja entre ellos tiene tanto de salvación mutua como de coartada moral.

Bajo la dirección de Elena Trapé (acompañada de Fernando Delgado-Hierro e incluso de Javier Cámara al mando de algún episodio) la serie aprovecha el espacio de las ciudades de provincias, los polideportivos a medio gas, las pensiones desvencijadas, para narrar “esa España sin carisma” a la que, según el propio San José, le gustan las historias de gente que “pierde incluso cuando gana”.

La interpretación de Javier Cámara vuelve a demostrar su dominio y matiz: un hombre que quiere servir de ejemplo aunque sus métodos chirrían, al que vemos caer, arrastrarse y ofrecerse como salvador cuando en realidad él está más perdido que su alumna. Y Carla Quílez como la joven promesa da voz al conflicto y a la vulnerabilidad, abriendo la posibilidad de esa “otra revelación” que viene de la mano del descubrimiento mutuo. La relación entre Cámara y Quílez podría dar a luz a otro descubrimiento como el que en su día vivimos con ‘Vivir es fácil con los ojos cerrados’ y Natalia de Molina, aunque a Quílez ya se la haya reconocido por ‘La maternal’.

Como obra televisiva, ‘Yakarta’ es quizá la más seria de San José hasta la fecha, que nos tiene más acostumbrados a comedias como ‘Ocho apellidos vascos’, ‘Fe de etarras’ o ‘Superlópez’ e incluso la recientemente renovada ‘Su majestad’ o la saga ‘Vota/Vamos/Venga Juan’. Aquí abandona el registro ligero para internarse en la radiografía honda, casi áspera, de un deporte marginal, de vidas mediocres y como siempre de un pequeño fragmento de nuestro país. Y en ese margen encuentra libertad para contar algo que pocas veces se ve: lo que ocurre detrás de los focos, antes del aplauso, en la periferia de la gloria. Y lo hace sin concesiones, con personajes condenados a entenderse a través de la complicidad de su desdicha y planteando muchos detalles que acaban cobrando sentido. En sus secretos y revelaciones nos topamos con una historia a la altura del ‘Gracias a Dios’ de François Ozon, para el buen entendedor.

El ritmo podría haber sido más ligero pues en algún tramo acusa cierta dilatación del viaje emocional, pero quizá ese tempo comedido es justo el que favorece que los detalles que parecen inconexos al inicio cobren significado al final. Con todo y con esto ‘Yakarta’ no es complaciente: incomoda, cuestiona, interpela. Y lo hace con una estética sobria, sin grandilocuencia, lo que agradece en este tipo de drama íntimo. Recomendable para quienes buscan ficciones que planteen más preguntas que respuestas y que no rehúyen el costo moral de sus personajes.

Crítica: ‘Freyr’

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Sinopsis

Freyr nació con una tercera mano que le crecía en el pecho. En su funeral, Tom, un amigo y compañero de trabajo, cuenta la historia de cómo se unieron por ser diferentes.

Crítica

Tierna parábola sobre la conexión y la identidad

En el panorama actual del cortometraje independiente, pocas obras logran conjugar sensibilidad, simbolismo y una voz autoral tan clara como ‘Freyr’, la pieza dirigida por David Telles y basada en una historia original del finalista del Premio Pulitzer Tommy Orange. El filme forma parte de la quinta temporada del programa Indeed Rising Voices, una iniciativa que apoya a cineastas BIPOC (Black, Indigenous, and People of Color).

En cierto sentido ‘Freyr’ logra emocionar sin recurrir a artificios grandilocuentes, ofreciendo una mirada íntima y poética sobre la necesidad humana de conectar y que se respete su identidad. Cuenta la historia de Frank, un hombre que nació con una tercera mano en el medio de su pecho. Nos narran su situación a través de un nuevo compañero de trabajo, Tom. Este hombre es el único que realmente ver a Frank por lo que era. Su relación se convierte en una metáfora conmovedora sobre la diferencia y la aceptación. A través de una narración delicada, casi elegíaca, Telles aborda cómo el sentirse ajeno al mundo puede ser también un puente hacia una empatía más profunda. El tono, entre lo melancólico y lo esperanzador, consigue atrapar al espectador desde los primeros minutos.

El enfoque de David Telles, descendiente de las naciones Mandan, Hidatsa, Arikara, Hochunk y Prairie Band Potawatomi, no es casual: su cine parece impregnado de una mirada comunitaria, espiritual y profundamente humana, en la que las raíces culturales y la exploración interior se entrelazan. Esa autenticidad es precisamente lo que distingue a ‘Freyr’ del resto de producciones que aspiran a representar la diversidad sin caer en el discurso impostado o woke. Quiero entender por el título que además hay conexión con otra cultura como es la escandinava. La búsqueda de aceptación y comunión de los protagonistas podría estar alineada con el espíritu de Freyr, un dios de la conexión, la armonía y la generosidad.

No obstante, pese a sus virtudes narrativas y emocionales, el maquillaje se erige como el punto más débil del cortometraje. La tercera mano, símbolo central de la historia, carece del realismo y la sutileza que una premisa tan potente merecería. En ciertos planos, la textura artificial del maquillaje distrae del tono poético y reduce la verosimilitud de la puesta en escena. Es un detalle que, aunque comprensible dada la limitación presupuestaria del proyecto, resta algo de fuerza a la representación física de la diferencia. Sin embargo, sería injusto que esa limitación eclipsara los logros de una obra que con muy pocos recursos logra mucho más que muchos filmes con grandes medios. Telles demuestra una capacidad notable para construir atmósferas, dirigir emociones y traducir conceptos abstractos en imágenes cargadas de simbolismo. Su dirección actoral, además, resulta impecable: la química entre los intérpretes dota de verdad y ternura a una historia que podría haber caído fácilmente en lo grotesco, lo moralizante o lo lacrimógeno.

Ficha de la película

Título original: Freyr. Duración: 17 min. País: EE.UU. Dirección: David Telles. Guion: Tommy Orange, David Telles. Música: Jacob Bloomfield-Misrach, Kjartan Dagur Holm, Sindri Már Sigfússon. Fotografía: Robert L. Hunter. Reparto principal: Benairen Kane, Auðunn Lúthersson, Krista Hedins. Producción: 271 Films. Género: drama, fantástico. Web oficial: https://risingvoicesfilms.com/film/freyr/

Crítica: ‘Ángulo muerto’

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Sinopsis

Estela y Ramón han atravesado una separación y el suicidio de Hugo, su único hijo, con tan solo 13 años, después de sufrir acoso escolar. Cuando Estela obtiene un vídeo grabado por los agresores de su hijo, cree que ha llegado el momento de tener una conversación con Ramón. Mientras descubren la realidad de lo ocurrido con Hugo, tratarán de esclarecer si podrían haberlo evitado y si estuvieron a la altura como padres.

Crítica

El giro final destroza

Hemos tenido la oportunidad de poder ver el cortometraje ‘Ángulo muerto’, dirigido por Cristian Beteta. Quizás os suene, ya que ganó a Mejor Dirección en los Premios Fugaz de 2025 (aquí la lista de ganadores) y también su actriz, fue galardonada en estos mismos premios.

Estela y Ramón han atravesado una separación y el suicidio de Hugo, su único hijo, con tan solo 13 años. Algo que para dos personas es demasiado. Esa tensión la vemos desde el primer momento en el que Ramón monta en el coche, en el que le ha ido a buscar Estela.

Aquí, los nervios de ella y el cómo intenta mantener la calma él, se ve en cada movimiento, respiración, gestos, casi ni se miran. Pero Estela solo quiere una cosa, y es hablar, y mostrarle la realidad.

Un cortometraje muy duro y por desgracia demasiado actual. En un año en el que ya hemos visto varios casos parecidos en la televisión, de niños llevados por la desesperación deciden desaparecer, ‘Ángulo muerto’ como digo es una manera de traernos ese dolor por parte de los padres. De no entender nada, de no comprender tantas cosas, de echarse culpas y ver que no pudieron ayudarle.

Cristian Beteta cuenta con el gran Carlos Santos, que me parece sensacional. Y con Eva Llorach, cuyo papel le ha dado ya bastantes premios en diferentes galas. Su personaje está destruido, tiene un vídeo que no para de ver, pero que nunca puede terminar. No comprende porque a su hijo le pudieron tratar así. Cada movimiento de sus manos, los gestos de su cara, muestran un dolor que le llega a las entrañas.

‘Ángulo muerto’ merece mucho su visionado, en el vemos todo el proceso de una pérdida tan cruel y difícil de llevar. Además, el querer venganza, el necesitar saber quiénes maltrataron a tu hijo y el por qué lo hicieron. En un mundo en el que este tipo de situaciones son “cosas de niños” deberíamos de afrontar más historias como estas y poder actuar con tiempo.

Ficha de la película

Título original: Ángulo Muerto. Duración: 15 min. País: España. Dirección: Cristian Beteta. Guion: David Verdugo. Música: Beatriz López. Fotografía: Álex D. Sala. Reparto principal: Eva Llorach, Carlos Santos. Producción: La Dalia Films. Distribución: Distribution with Glasses. Género: Drama. Web oficial: https://betetafilms.com/portfolio-item/angulo-muerto/

Crítica: ‘A bear remembers’

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Sinopsis

Ambientada en un remoto pueblo entre colinas impregnadas de mitos e historias, la película sigue a Peter (interpretado por Lewis Cornay, (Doctor Who, The SpongeBob Musical, The History Boys), un chico de la zona cuya curiosidad le lleva a obsesionarse con un extraño sonido que resuena en el valle. En su búsqueda conoce a Ebba (interpretada por Anna Calder-Marshall, Cumbres borrascosas, Last Christmas, Tío Vania), una anciana cuyos recuerdos infantiles, lárgamente enterrados, sobre un legendario espíritu oso se despiertan de repente. A medida que Peter comparte con ella las imágenes encontradas, la frontera entre el pasado y el presente comienza a difuminarse, evocando algo antiguo y poderoso.

Crítica

Una experiencia lírica sobre el peso del tiempo en las tradiciones y en la memoria colectiva

A Bear Remembers es una de esas joyas raras que logran trascender el formato del cortometraje para instalarse en la memoria del espectador. También es de esas propuestas que se disfrutan en su formato corto y que a uno no le gustaría que se intentase transformar en largometraje. El debut narrativo del dúo Zhang & Knight (Linden Feng y Hannah Palumbo) es un ejercicio de lirismo visual y hondura emocional que combina la textura del mito con la delicadeza del recuerdo.

Ambientada en un remoto valle galés, la película construye una atmósfera hipnótica en la que el sonido, presente como una vibración casi mística que persigue el joven protagonista (Lewis Cornay), se convierte en la puerta de entrada a un mundo donde el pasado respira a duras penas en las mentes cansadas de nuestros ancianos. La película plantea un misterio, un elemento de esos que están presentes pero que necesitamos desentrañar tendiendo puentes entre generaciones. Es por eso que la aparición de Ebba, interpretada con ternura y gravedad por Anna Calder-Marshall, da al relato una dimensión melancólica y casi espectral.

El diseño sonoro y la fotografía destacan por su precisión artesanal, componiendo cuadros de luz y silencio que evocan tanto el realismo mágico como la poesía del paisaje. La voz profunda y serena de Ciarán Hinds confiere al espíritu del oso una presencia mítica que simboliza la memoria colectiva y las historias que nos sobreviven pero que aún así están en peligro de extinción.

Lejos de ser una simple fábula, ‘A bear remembers’ indaga en las heridas invisibles de la historia y en la persistencia de lo sagrado en un mundo descreído. Su tono elegíaco y su evidente amor por las tradiciones se vincula automáticamente con otras voces defensoras del folclore como Paul Urkijo Alijo. Ni siquiera su carácter poético es capaz de hacer que su mensaje pierda fuerza y con un carácter casi minimalista consigue alcanzar profundidad. Es un recordatorio de que los mitos no mueren: cambian de piel, se transforman, y regresan, como un eco en las colinas que siempre vuelve. Con todo esto no es de extrañar que sus autores la quieran colocar en los próximos Oscars.

Ficha de la película

Título original: A bear remembers. Duración: 20 min. País: Reino Unido. Dirección: Linden Feng, Hannah Palumbo (Zhang & Knight). Guion: Linden Feng, Hannah Palumbo. Música: Jonathon Ng. Fotografía: Christopher Ripley. Reparto principal: Lewis Cornay, Anna Calder-Marshall, Rhianna Compton, Ciarán Hinds. Producción: Lexi Kiddo, Medb Riordan, Hugo Legrand-Nathan, Álvaro Priante. Género: drama, fantástico. Web oficial: https://www.zhangandknight.com/

Crítica: ‘It: bienvenidos a Derry’

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En qué plataforma ver It: bienvenidos a Derry

Mantiene la esencia del payaso y abre nuevas puertas al multiverso King

Cada 27 años It, Eso o Pennywise vuelve a acechar a los niños de Derry. Tras la TV movie de 1990 tuvimos que esperar ese mismo ciclo para tener dos partes (iniciadas en 2017) que nos devolviesen al mítico payaso de Stephen King. Por suerte, el monstruo interpretado por Bill Skarsgård no se ha hecho derogar tanto. ‘It: bienvenidos a Derry’ nos hace volver a la visión de Andy y Bárbara Muschietti estrenándose el 26 de octubre. Aunque HBO Max no muestra el primer capítulo en España hasta el día 27 nosotros hemos podido ver los cinco primeros y pese a que esto es una precuela os contamos sin spoilers.

Respondamos antes que nada a una simple pregunta. Sí, si te gustaron las películas de los Muschietti te gustará ‘It: bienvenidos a Derry’. Y sí, vas a ver mismo escenario, mismo payaso y mismo tipo de horrores. Pero también has de estar abierto a un par de libertades creativas que como lector de Stephen King quizás no te gusten. Todos asumimos que la cronología de las películas es diferente, sin duda en un intento de congratularse con los jóvenes del siglo XXI. Las películas transcurrían en 1989 y 2016 y esta nueva serie ha de retroceder a 1962. Y eso no altera ni un milímetro la esencia de la historia, es más, el primer episodio arranca fuerte enganchando instantáneamente. Más adelante comentaremos qué tipo de libertad se han tomado, como he dicho, sin destripar nada.

HBO nos permite, tal y como aparece en el perfil de IMDB de la serie, contaros que como protagonista tenemos al soldado Hanlon interpretado por Jovan Adepo. Hace las veces del abuelo de Mike Hanlon, uno de los niños de ‘It’ que acabaron con el alien interdimensional Pennywise a través del Ritual de Chüd. Sin embargo, el patrón narrativo se mantiene fiel a la novela original: los protagonistas son un grupo de niños que emprenden la búsqueda de otros menores desaparecidos mientras enfrentan las atrocidades del payaso y la indiferencia de los adultos.

Aunque ‘It’ y con ello incluyo también a ‘It: bienvenidos a Derry’, tiene personajes magníficamente bien trabajados reconozcamos que el verdadero atractivo es Pennywise. El payaso sigue como constante obvia, aunque bastante menos visible que en los filmes, manifestándose con toda una batería de nuevos horrores y burlas macabras que os inquietarán y pondrán la adrenalina al máximo. Y como auguraba el meteorito del tráiler se cuenta su llegada a la Tierra y con ello toca hablar de su antagonista. Desde luego Maturin la Tortuga está en la mente de los Muschietti, aunque quizá no en el modo en que querrían los lectores. Lo que no se puede negar es que su presencia es la habitual, sutil y protectora. Aparece fugazmente como mascota del instituto, como amuleto en una pulsera, como garabato en la pizarra, en una caseta de feria, en unos dibujos animados…

Quizá lo más destacado de ‘It: bienvenidos a Derry’, sea otro de los pocos papeles ya hechos públicos. Chris Chalk interpreta a Dick Hallorann, el personaje de ‘El Resplandor’ que ayuda al niño protagonista. Se enlaza así con ese universo siempre conectado de Stephen King aferrándose a unas líneas de ‘It’ que colocan al personaje en Derry cuando se habla del incendio del club de noche para afroamericanos llamado Black Spot. Y es que este ‘It’ tiene momentos tan terroríficos como misteriosos, pero ya no es solo una simple historia de terror, es una celebración en forma de crossover tal y como quiso hacer en su día Mike Flanagan. Es una historia de horrores y género fantástico, que se disfruta a más niveles si has leído las novelas. Cuando Stephen King escribió ‘It’ puede que no pero ahora en su obra hay un sentido de universo compartido. Lo que ha de tener cuidado la serie en ese sentido es en no caer en incoherencias o en perder su espíritu. Ahí es cuando podemos pasar de un disfrute fan a una pesadilla para puristas. Es a mitad de la temporada cuando aparece un elemento que parece que se han sacado de la manga y que desentona bastante con lo que ha sido hasta ahora la historia, de tal modo que ya habrían querido los miembros del Club de los Perdedores disponer de esta nueva inclusión.

Quién sabe si lo que tienen en mente es dirigirse hacia la ‘La torre oscura’, desde luego Andy Muschietti disfruta de los crossovers como ya demostró con ‘Flash’, cómic al que dedica aquí un guiño. Ha introducido elementos como el Juniper Hill Asylum que está cerca de Castle Rock, se habla de la prisión de Shawshank que es donde transcurre ‘Rita Hayworth and Shawshank Redemption’, conocida en España como ‘Cadena perpetua’, vemos un cartel de un Hotel que se llama “punta de flecha”, que es el mismo nombre del proyecto que da luz a todo lo que pasa en ‘La niebla’… Incluso parece que por casualidad cuenta con el actor Joshua Odjick quien aparece en otra reciente historia basada en el universo King pues actúa en ‘La larga marcha’. El propio director hace un cameo y ha dejado caer por ahí un mate con el escudo del River Plate. Es un sin fin de alusiones. Y ahí reside la gran diferencia con las películas de ‘It’, que todo tiene un mayor sentido de conjunto pero arriesgando a perder la esencia.

‘It: Bienvenidos a Derry’ no reinventa el terror, pero sí lo enmarca dentro de una visión más amplia del universo de Stephen King y no se convierte en otra serie fallida tipo ‘Territorio Lovecraft’. Se respetan las pautas de la obra original y la atmósfera de las películas, al tiempo que introduce conexiones y referencias que harán las delicias de los fans más atentos. Pese a las libertades creativas que pueden distraer de la trama infantil, el resultado es un relato sólido, visualmente potente y con un tono de terror que demuestra que Pennywise sigue siendo una de las criaturas más fascinantes del género. Esperemos que el cosmos literario de King sigua expandiéndose de esta manera y los lectores lleguen a profundizar en el Macrocosmos.

Análisis de ‘Superman’ en Blu-ray

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El nuevo hombre de acero ya tiene formato doméstico

La película ‘Superman’ (2025), dirigida y escrita por James Gunn, supone el renacimiento del héroe más emblemático de DC Studios y el inicio del nuevo universo cinematográfico conocido como ‘Capítulo Uno: Dioses y Monstruos’. Gunn ofrece una visión renovada y humana de Clark Kent, interpretado por David Corenswet, acompañado por Rachel Brosnahan como Lois Lane y Nicholas Hoult como un carismático y calculador Lex Luthor.

Este reinicio busca equilibrar la épica superheroica con los conflictos personales del protagonista, explorando su dualidad entre la herencia kryptoniana y su identidad humana. Con fotografía de Henry Braham y música de John Murphy y David Fleming, el filme combina acción espectacular con una sensibilidad emocional poco habitual en el género.

Estrenada mundialmente en julio de 2025, ‘Superman’ recaudó más de 600 millones de dólares en taquilla global, convirtiéndose en uno de los títulos más exitosos de DC en los últimos años. Aunque su presupuesto y campaña publicitaria fueron elevados, el respaldo de la crítica y el entusiasmo del público consolidaron su papel como punto de partida del nuevo DCU.

En España, Arvi Licensing edita la película en formato Blu-ray y 4K UHD, disponible desde el 15 de octubre. La edición física incluye más de 90 minutos de contenidos adicionales, entre ellos documentales sobre la creación del personaje, el proceso de rodaje y el legado cinematográfico del Hombre de Acero, así como un corto de Krypto que comentamos en la siguiente sección.

Con esta obra, Gunn no solo redefine a Superman para una nueva generación, sino que devuelve a DC Studios la confianza del público tras años de altibajos. Su propuesta mezcla esperanza, humanidad y acción, reafirmando al héroe como símbolo de integridad en tiempos inciertos.

La caja del Blu-ray contiene un solo disco libre de región. Los menús a través de los que navegamos y seleccionamos si queremos ver la película, los extras o saltar a alguna escena solo están disponibles en inglés. El audio se puede alternar entre Castellano DTS-HD Master Audio 5.1, Inglés Audiodescriptivo Dolby Digital 5.1, Inglés Dolby Atmos, Inglés Dolby Digital 5.1, Italiano DTS-HD Master Audio 5.1. En el caso de los subtítulos se pueden elegir en Castellano, Danés, Finés, Inglés para sordos, Italiano para sordos, Noruego, Sueco.

Extras (1h 49 min. aprox.)

Aventures in the making of Superman (58:58 min.)

Tal es la implicación de Gunn con esta nueva etapa para Superman y para ele universo de DC que esta sección es un documental en el que él y su equipo dedican casi una hora para tocar todos los pormenores que han tenido que afrontar, desde el vestuario de todos los personajes hasta los drones con los que grabaron las distintas escenas de vuelo, contando incluso con los nietos de Jerry Siegel, creador del personaje. Repleta de pequeños secretos de rodaje, incluyendo la discusión entre Gunn y Corensweet al rodar la escena del climax.

Breaking News: the Daily Planet returns (5:26 min.)

Personajes y escenografía que han hecho falta para crear el emblemático periódico en el que trabaja Clark Kent.

Lex Luthor: the mind of a master villain (5:22 min.)

El villano siempre ha sido el talón de Aquiles de las película de superhéroes. Elegir a un correcto Lex Luthor era un punto vital para el nuevo DCU. Nicolas Hoult tiene sobre sus hombros el peso de ser el nuevo Luthor para toda una generación. Para conseguir su imponente presencia nos cuentan cómo le han rodeado de poderosos secuaces.

Justice Gang (10:31 min.)

Muy divertido ver las pruebas de pelucas de Nathan Fillion para su Guy Gardner (Green Lantern), pero sin duda es un apartado estupendo para ver cómo se han interpretado a los personajes que ocupan el Hall of Justice.

Paws to pixels: Krypto is born (5:48 min.)

Rodando El Escuadrón Suicida James Gunn perdió a su perro. En una protectora encontró  a Ozu, un simpático perro con la oreja siempre levantada. Le adoptó y destrozó su casa (incluyendo su portátil). Esa es la historia del perro del director, el cual, se ha usado tanto en aspecto como en comportamiento para la película. De los extras más divertidos.

The ultimate villain (5:08 min.)

Ultraman y Lex Luthor ha sido una combinación arriesgada pero ha funcionado. Para aquellos que se quejan de que Superman recibe muchos palos en esta película, aquí encontrarán explicación.

Icons Forever: Supereman’s enduring legacy (6:07 min.)

El legado de Superman, según los artífices de la película, gira en torno a el trío formado por Superman, Lex Luthor y Lois Lane. Aquí se analizan las relaciones entre los personajes en la película.

A new era: DC takes off (4:43 min.)

Lo mejor de este reportaje son los primeros segundos: Ryan Reinols y monos tuiteando, eso lo resume todo. Pero a parte de esa broma es un espacio para pensar cual es el nuevo punto de partida para DC por parte de sus nuevos rostros.

Kryptunes; the music of Superman (6:34 min.)

Recuperar la partitura de John Williams para este nuevo Superman para muchos es un truco barato y para otros un ejercicio de justicia y nostalgia que le da cierta oficialidad al personaje. John Murphy y David Fleming hablan de eso pero también de cómo han conseguido nuevos sonidos para según qué personaje y escena vemos, como el uso de los Cristales Baschet.

Krypto short: school bus scuffle (5:33 min.)

Cortometraje animado, muy al estilo Cartoon Network y con una vis cómica a lo Hanna-Barbera y completamente mudo. Ryan Kramer (‘Tito Yayo’) ha dirigido este corto en el que ni Superman ni Krypto tienen el aspecto del filme de James Gunn.

Crítica: ‘Hi-Five (Haipaibeu)’

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Sinopsis

¡Entre lo ordinario y lo extraordinario! ¿Quiénes somos? «High Five»

La chica del taekwondo «Wanseo», el aspirante a escritor «Jisung», la nueva gerente «Seonnyeo», el jefe del equipo de trabajo FM «Yakseon» y el hipster desempleado «Kidong».

Las cinco personas recibieron un trasplante de corazón, pulmones, riñón, hígado y córnea de un misterioso donante de órganos. Pero junto con sus cuerpos sanos, ¡también recibieron superpoderes inesperados!

Confirman la existencia de los demás a través de sus propias marcas y deciden formar un equipo, pero sus habilidades, personalidades y gustos son diferentes, y cada vez que se reúnen, pelean y tienen accidentes.

Mientras tanto, «Youngchun», el líder de la Iglesia del Nuevo Dios, que recibió un trasplante de páncreas y también obtuvo poderes especiales, se propone encontrar a los demás receptores para convertirse en el ser absoluto con el que ha soñado toda su vida…

Crítica

Un trasplante del cine de superhéroes que convierte la comedia coreana en cine global

El cine surcoreano lleva años demostrando su versatilidad a la hora de conquistar mercados internacionales. Con ‘Hi-Five (Haipaibeu)’, el director Kang Hyeong-cheol vuelve a demostrar que en Corea del Sur saben reinventar géneros populares y darles un sello propio. La película nos presenta un relato de superpoderes que podría hacer las veces del ‘Chronicle’ de Josh Trank, el cual, cambió la visión de las historias de personas con poderes. En esta ocasión no hay oscuridad ni tragedia adolescente, sino un espectáculo lleno de color, comedia y energía desbordante.

Para contextualizar, conviene recordar que ‘Chronicle’ sorprendió en su día como una propuesta independiente que exploraba la responsabilidad y el deterioro psicológico en torno a los superpoderes. Fue una película con efectos visuales notables y, además, un trampolín para talentos como Dane DeHaan o Michael B. Jordan. Pues bien, con ‘Hi-Five’ podríamos hablar de un “Chronicle coreano”, pero pasado por un filtro mucho más festivo y cercano al espíritu del cómic o el manga.

La cinta crea su propia mitología original para justificar cómo los personajes adquieren sus habilidades: en este caso, a través de trasplantes de órganos que les otorgan habilidades extraordinarias. Esta premisa, tan peculiar como ingeniosa, da pie a un grupo protagonista compuesto por cinco individuos totalmente heterogéneos. Kang Hyeong-cheol no se limita a mostrar sus poderes como simples recursos narrativos, sino que los utiliza al servicio de la comedia física y visual, explotando al máximo cada situación absurda o inesperada.

Uno de los aspectos más destacados es cómo la película equilibra humor y épica. Aunque la mayor parte del metraje busca arrancar carcajadas, también hay momentos que recuerdan al cine de aventuras con gran despliegue visual. El villano de turno, cerca de ser un mero estereotipo, se integra dentro de esa mitología inventada, dotando a la historia de un trasfondo que prácticamente cae en lo anecdótico.

En términos técnicos, ‘Hi-Five’ sorprende con unos efectos especiales competentes y coloridos, que aunque no buscan el hiperrealismo de Hollywood, cumplen con creces en el terreno estilizado que propone la cinta. La fotografía refuerza ese aire comiquero, con tonos vivos y composiciones que parecen sacadas de una viñeta. Además, la banda sonora dinámica aporta un ritmo adicional a la narración, subrayando tanto los momentos cómicos como los más heroicos.

Lo que termina de redondear la experiencia es el carácter coral de los protagonistas. La película se toma su tiempo para que cada uno de ellos tenga su momento de lucimiento, mostrando sus particularidades y, en consecuencia, favoreciendo la conexión con la audiencia. Esta construcción de personajes recuerda a otros títulos donde grupos dispares aprenden a colaborar, pero lo hace con un acento marcadamente coreano y con un humor que nunca se toma demasiado en serio a sí mismo.

‘Hi-Five’ se inscribe en esa tendencia reciente del cine surcoreano de mezclar géneros para alcanzar tanto al público local como al internacional. Al igual que en películas como ‘Smugglers’ o la delirante ‘Escape from the 21st Century’, aquí se parte de una premisa aparentemente sencilla para construir un producto redondo, capaz de entretener y sorprender a partes iguales. Es el tipo de filme que quizá pase desapercibido en taquillas globales, pero que sin duda encontrará su lugar en el catálogo de streaming y entre los aficionados al cine fantástico con un toque irreverente. ‘Hi-Five’ es una película fresca y no me sorprendería que generase su propio manhwa.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Haipaibeu. Duración: 119 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kang Hyeong-cheol. Guion: Kang Hyeong-cheol. Música: Kim Jun-seok. Fotografía: Choi Chan-min. Reparto principal: Lee Jaein, Ahn Jaehong, Ra Miran, Kim Hiewon, Oh Jungse, Park Jinyoung. Producción: Annapurna Films, Next Entertainment World. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: comedia, fantástico. Web oficial: https://its-new.co.kr/en/movie/works/detail.aspx?seq=1212&search=&year=2025&lang=en&pageNum=1&type=

Crítica: ‘Trapped’

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Sinopsis

Un pueblo fue atacado por 44 bandidos armados que exigían dinero y vidas. Con el pueblo en pánico y sin comunicación, tres policías con una sola arma enfrentan a los criminales, mientras Xia Ran lucha contra Bei Shan, el líder bandido.

Crítica

El western chino que plantea una potente producción VS exceso narrativo

Desde el primer plano, ‘Trapped’ plantea una premisa que parece sacada de los moldes del western más clásico, pero trasplantada al polvo y las tormentas de arena de una ciudad fronteriza china llamada Mangya. Ambientada a finales de los noventa en un poblado que fue floreciente gracias a la minería (ahora casi abandonado) la película reúne estereotipos de las películas del oeste como cuatreros, ley casi ausente, un salón regentado por una mujer, una atmósfera de aislamiento y el MacGuffin de un botín escondido.

Con los esquemas del western no solo hay personajes o elementos calcados, sino que llegan también temas como la traición, el faro moral, las amenazas externas… Y la puesta escena, que es como si nos vamos de Oregón a China. La fotografía de Wang Jie-hong enfatiza no solo la vastedad del paisaje, sino su hostilidad y decadencia, rodeadas sobre todo del vacío. La iluminación juega un papel clave: los tonos tierra, los filtros que amarillean, las tormentas de arena que casi se sienten sensorialmente, todo eso refuerza la idea de un mundo agónico que se resiste con paredes de color pastel desconchadas.

Además, la tensión no siempre radica en la acción explosiva sino en la espera, en los diálogos y en los silencios, en la forma en que los personajes observan el horizonte, calibran sus escasas armas, miden sus fuerzas para una última resistencia y recuerdan a los que han caído. Esa atmósfera de western fronterizo, de clausura moral, funciona bien cuando no se pierde en lo superfluo.

Pero todo esto falla por su ritmo y duración. Lo que impide que ‘Trapped’ llegue a la altura de sus ambiciones es su duración, 131 minutos. En muchas producciones chinas existe la idea de que más tiempo equivale a mayor épica o mayor disfrute para el espectador. En ‘Trapped’ esa longitud se convierte a ratos en peso. Hay tramos donde el desarrollo de personajes, las tensiones internas, las motivaciones, se alargan sin que aporten al conflicto central. Y eso que no hay ninguno de los famosos y extensos flashbacks que caracterizan el cine oriental. El espectador termina sintiéndose atrapado (no solo por los bandidos o la tormenta), sino por la narrativa que insiste en detenerse demasiado en subtramas secundarias. Si bien esos elementos podrían enriquecer, en este caso desdibujan el enfrentamiento decisivo, la urgencia del asedio, y la persecución por el botín escondido.

El reparto ofrece momentos convincentes y consigue buenas estampas junto al director de fotografía. Bai Ke logra transmitir la mezcla de responsabilidad, cansancio, casi de resignación ante una ley que ya no parece existir. Los villanos no son caricaturas sacadas de un manhua. El guion les da rincones para brillar de forma desigual y algunos quedan meramente funcionales al servicio de la trama, sin profundidad suficiente.

‘Trapped’ es un filme prometedor, un western chino moderno con escenas potentes, atmósfera envolvente y momentos de auténtica tensión que recuerdan a todos esos remakes de ‘Asalto al distrito 13’. Sin embargo, su gran virtud (el construir un mundo palpable, opresivo, con un pueblo desierto, cuatreros, ley vacía, botín escondido, tormentas de arena) se ve empañada por una duración tan grande como su diseño de producción.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Da feng sha. Duración: 131 min. País: China. Dirección: Sagara, Qi Zhang. Guion: Yue Sun, Qi Zhang. Música: Björn Shen. Fotografía: Wang Jiehong. Reparto principal: Bai Ke, Xin Bai-qing, Lang Yue-ting. Producción: Lian Rui (Shangai) Pictures. Distribución: por determinar. Género: suspense, acción.

Crítica: ‘Halabala’

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Sinopsis

El inspector Dan lidera a un equipo de policías determinados a cazar al brutal prisionero fugitivo en el bosque de Halabala, al sur de Tailandia, solo para descubrir que el oscuro secreto dentro del bosque se está volviendo contra ellos.

Crítica

Una apuesta modesta por el folk horror asiático

En los últimos años, el cine de terror del Sudeste Asiático ha encontrado un nuevo impulso en su afán por conquistar al público occidental. Directores como Joko Anwar en Indonesia han demostrado que los mitos locales y las leyendas sobrenaturales pueden dialogar con los códigos del horror global, generando obras que viajan más allá de sus fronteras. En este mismo terreno se inscribe ‘Halabala’ de Eakasit Thairatana, una propuesta tailandesa que busca abrirse paso en el panorama internacional utilizando la selva, las creencias ancestrales y el monstruo como puente entre tradición y modernidad. Su objetivo es claro: mostrar que el miedo, aunque enraizado en culturas específicas, tiene un lenguaje universal.

La historia gira en torno a Inspector Dan, un policía perturbado por su pasado que es enviado a la profundidad de la jungla de Halabala. Allí deberá enfrentar tanto peligros humanos (como la búsqueda de un criminal que busca venganza) como amenazas de origen mítico: rumores de la existencia de Batow, una tribu cannibalística que, según se dice, podría aún merodear entre los árboles.

Este relato combina elementos de thriller, body horror, aventura selvática y folklore. Esa mezcla, cuando funciona, puede ser muy potente, pero Halabala tropieza en varias ocasiones en su ritmo: algunas escenas se alargan sin que la tensión aporte nada nuevo, mientras que el clímax parece querer abarcar demasiadas ideas simultáneas, perdiendo coherencia.

Eakasit Thairatana logra capturar la selva como personaje. La vegetación, los sonidos de fauna y el diseño lumínico crean cuadros muy visuales, donde lo que no se ve resulta más inquietante que lo que aparece. Algunas escenas nos trasladan a esas selvas recónditas llenas de creencias y sitios inexplorados.

Los efectos especiales y de maquillaje cumplen lo necesario para generar sustos y cierta repulsión, aunque no siempre alcanzan la profundidad psicológica que el guion sugiere. En cuanto al sonido, la música acompaña bien la mayor parte, pero hay momentos en los que la banda sonora parece ajena al tono o rompe con la tensión.

El reparto está liderado por Chantavit Dhanasevi, quien logra transmitir el peso del personaje de Dan, hombre marcado por la culpa, que intenta redimirse en medio de lo sobrenatural. La presencia de su esposa, Vi, embarazada, añade un contrapunto humano fuerte: vulnerabilidad, protección, miedo real. Sin embargo, algunos personajes secundarios están menos logrados; su desarrollo se siente superficial, en función del susto o del giro de la trama, más que de una evolución coherente. De hecho, algunos de los personajes tienen escenas un tanto irrisorias, como la del ascensor o la primera huida por la selva.

Uno de los mayores aciertos de ‘Halabala’ es su capacidad para evocar el choque entre lo moderno (la justicia, las instituciones, la ley) y lo ancestral (la superstición, el mito, la jungla como territorio desconocido) impregnándolo todo de sangre. También hay una reflexión sobre la culpa, sobre cómo escapar del pasado es tan peligroso como enfrentarlo. La película, sin intentar convencer a agnósticos, invita a preguntarse hasta dónde los ritos, creencias y terrores antiguos tienen todavía fuerza en un mundo que se cree racional.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Halabala. Duración: 104 min. País: Tailandia. Dirección: Eakasit Thairatana. Guion: Eakasit Thairatana. Música: Chapavich Temnitikul. Fotografía: Phaklao Jiraungkoonkun. Reparto principal: Chantavich Tanasevee, Nuttanicha Dungwattanawanich, Arnont Saisangchan. Producción: BrandThink Cinema. Distribución: por determinar. Género: acción, terror. Web oficial: https://brandthinkcinema.me/portfolio-item/halabala/

Crítica: ‘Si pudiera te daría una patada’

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Sinopsis

Con su vida derrumbándose a su alrededor, Linda, una terapeuta y madre de Long Island, se abre camino a través de un campo de minas emocional.

Crítica

Una mente tan al borde del colapso y tan bien retratada que agobia al espectador

En ‘Si pudiera te daría una patada’, Mary Bronstein firma una de las películas más intensas y emocionalmente sofocantes del año. Lo hace con una cámara que parece no dar tregua a su protagonista, una espléndida y premiable Rose Byrne, mientras la acompaña en un viaje de desbordamiento psicológico y emocional. La actriz australiana sostiene sobre sus hombros una historia que evita los grandes gestos para sumergirse en la asfixia cotidiana de una mujer que ha perdido todo control sobre su vida.

Bronstein juega inteligentemente con la ausencia de un elemento central: la hija de la protagonista, que nunca aparece en pantalla. Este recurso convierte la presencia infantil en un espectro omnipresente, un recordatorio constante de la esclavitud doméstica y del tiempo arrebatado. Mientras su marido, ausente, disfruta de momentos de ocio en su trabajo fuera de casa, ella queda atrapada en un ciclo de cuidados y agotamiento que la empuja hacia la neurosis.

La puesta en escena es clave: planos cerrados, movimientos de cámara en mano y un montaje que nunca deja reposar la mirada. Todo contribuye a la sensación de ahogo, a esa opresión que la protagonista respira y transmite. Bronstein filma la rutina con el pulso nervioso del cinéma vérité, capturando el caos de una mente que se deshilacha a ojos del espectador.

Byrne compone a una mujer tan vulnerable como temible, incapaz de mantener relaciones sanas con nadie. Su vínculo con Conan O’Brien (en un papel como su psicólogo) ofrece las escenas más agudas del largometraje, donde el humor incómodo y la lucidez se entrelazan con la desesperación.

En medio del caos doméstico, un agujero literal en en el techo de su casa actúa como metáfora visual del abismo que crece dentro de ella. Ese vacío, cada vez más visible, simboliza la fractura emocional y mental de una mujer que se desmorona en silencio.

‘Si pudiera te daría una patada’ es el retrato de una persona desbordada, incapaz de encontrar equilibrio entre la culpa, el cansancio y la rabia contenida. Mary Bronstein entrega un filme pequeño en escala pero inmenso en intensidad, una radiografía descarnada del colapso moderno. 

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de enero de 2026. Título original: If I Had Legs I’d Kick You. Duración: 113 min. País: EE.UU. Dirección: Mary Bronstein. Guion: Mary Bronstein. Fotografía: Christopher Messina. Reparto principal: Rose Byrne, Delaney Quinn, ASAP Rocky, Conan O’Brien, Danielle Macdonald, Ivy Wolk, Josh Pais. Producción: A24, Bronxburgh, Central Pictures, Fat City. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia, drama, suspense. Web oficial: https://a24films.com/films/if-i-had-legs-id-kick-you

Crítica: ‘Hammer: Heroes, Legends and Monsters’

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Muestra a Hammer Films a través de los ojos de sus actores, cineastas y fanáticos, rastreando la historia de la productora.

Crítica

Exhaustivo homenaje a una factoría que cambió el terror

En el universo del cine de terror, pocas productoras han logrado un sello tan distintivo como Hammer Films. Desde sus humildes comienzos en Londres hasta convertirse en un icono del género, la compañía británica transformó el terror en una experiencia visual y emocional que todavía hoy influye en cineastas de todo el mundo. ‘Hammer: Heroes, Legends and Monsters’, dirigido por Benjamin Field, es un viaje revelador por la historia de esta factoría, narrado con la voz profunda y carismática de Charles Dance.

Lo primero que llama la atención es la narrativa del documental. Dance no solo guía al espectador con autoridad, sino que aporta una cadencia dramática que encaja a la perfección con la estética gótica de Hammer. La edición, ágil y cuidada, combina entrevistas, fragmentos de películas y material de archivo, creando una sensación de inmersión que hace sentir al público parte del proceso creativo. Más allá de los directores y actores, el documental ilumina la labor de los maquilladores que hicieron creíbles a los monstruos, de los diseñadores de sets que reutilizaban materiales con ingenio, y de los editores que coloreaban y montaban las películas eludiendo la censura, demostrando que el verdadero motor de Hammer era un equipo cohesionado y apasionado.

El documental también destaca elementos históricos poco conocidos. Muchos se sorprenderán al descubrir que Enrique Carreras, un español, fue uno de los fundadores de Hammer, y que su hijo James impulsó el crecimiento de la compañía mientras que su nieto Michael mantuvo vivo el legado. Los orígenes humildes de la productora y su equipo, formado por personas que habían pasado por la II Guerra Mundial, explican la ética de trabajo implacable y la capacidad de producir cine de guerrilla con recursos limitados. La inclusión de la serie ‘Quatermass’ como pieza clave resalta cómo Hammer supo diversificar su propuesta, mezclando ciencia ficción, suspense y terror de manera innovadora, así como realizando una especie de “destape” a la británica que marcó un punto de inflexión (negativo) para la marca.

Entender Hammer Films a través de este documental es comprender cómo una pequeña productora británica cambió el rostro del terror moderno. Cada entrevista y cada fragmento de película no solo narran hechos, sino que transmiten la pasión, la creatividad y la resiliencia de quienes trabajaron detrás de cámaras. La sensación que deja el documental es la de un legado vivo, un recordatorio de que el cine, incluso en sus formas más populares, puede ser un arte lleno de ingenio y humanidad. Testigo de ello es que cineastas como Tim Burton, John Landis, Joe Dante, Carpenter o John Logan hablan con pasión de esta productora.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de octubre de 2025. Título original: Hammer: Heroes, Legends and Monsters. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: Benjamin Field. Guion: Benjamin Field. Fotografía: Ash Connaughton. Reparto principal: Charles Dance, Tim Burton, John Carpenter, Joe Dante, John Landis, John Logan, Axelle Carolyn, Caroline Munro, John Gore, Jonathan Rigby, Sarah Appleton, Dave Elsey. Producción: Deep Fusion Films, Hammer Films. Distribución: Filmin. Género: documental, terror. Web oficial: https://www.deepfusionfilms.com/programming

Crítica: ‘Osiris’

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Sinopsis

Comandos de las Fuerzas Especiales son abducidos en plena operación por una misteriosa nave espacial y, al despertar, se encuentran presa de una implacable raza alienígena en una lucha por la supervivencia.

Crítica

Acción aceptable, ideas recicladas

William Kaufman y Paul Reichelt forman un tándem habitual dentro de la serie B norteamericana, curtidos en proyectos donde desfilan rostros conocidos, aunque ya en declive, o intérpretes que han hecho del género su zona de confort. ‘Osiris’, dirigida por Kaufman y escrita por Reichelt, se presenta como una incursión en el terreno de la ciencia ficción y la acción de bajo presupuesto, con ese aire reconocible de producción que nunca aspira a ser un blockbuster, pero que tampoco renuncia a ofrecer entretenimiento inmediato.

La premisa es directa: un grupo de soldados de misión en Siria es abducido por fuerzas desconocidas y, al despertar, descubre que se encuentra en el interior de una nave espacial. Armados hasta los dientes, deben enfrentarse a una situación que pronto se revela como una cacería sádica. Los anfitriones extraterrestres disfrutan cazando humanos al más puro estilo ‘Predator’, pero con un diseño que remite inevitablemente a los Locust del videojuego ‘Gears of War’.

El guion no se esfuerza en innovar. Más bien recicla elementos de películas como ‘Skyline 2: Beyond’, ‘Doom’ o ‘Alien’, pero sin la potencia narrativa ni el presupuesto que estas lograron en su momento. De hecho, en su ambientación se percibe un esfuerzo por compensar las limitaciones económicas: gran parte del metraje transcurre dentro de la nave, un recurso que permite ahorrar costes en efectos generados por ordenador. Para aligerar aún más la factura, se emplean escenarios como un almacén lleno de containers, lo que en ocasiones resta credibilidad a la atmósfera de ciencia ficción.

Donde ‘Osiris’ cumple es en la acción. Kaufman, con experiencia en rodajes de este tipo, maneja bien las secuencias de combate y logra que, en sus mejores momentos, la película se sienta como la cinemática de un shooter futurista. El maquillaje prostético resulta digno, con un diseño alienígena funcional aunque poco original. Los efectos visuales acompañan sin deslumbrar, pero en un producto de estas características se agradece que no caigan en lo risible.

El problema es la estructura narrativa. Como ya ocurría en ‘Skyline’, la película decide cortar en seco justo cuando lo más interesante comienza a perfilarse. En lugar de explotar las posibilidades de la historia, opta por un cierre precipitado, lo que deja la sensación de que se ha asistido a un largo prólogo de algo que nunca llega.

¿Y el reclamo de Linda Hamilton? Uno de los mayores atractivos de ‘Osiris’ era la presencia de Linda Hamilton, leyenda del cine de acción gracias a la saga ‘Terminator’. Sin embargo, su participación es mínima: aparece en pantalla menos de media hora en una cinta que supera los 100 minutos. El resto del reparto cumple con solvencia, pero ninguno logra brillar más allá del estereotipo del soldado endurecido o del líder forzado a sobrevivir.

‘Osiris’ es una película de acción y ciencia ficción que no aporta ideas nuevas, ni pretende hacerlo. Se sostiene en la corrección técnica, en unas escenas de acción bien rodadas y en la nostalgia de ver a Hamilton de vuelta en el género, pero se queda a medio camino de todo lo demás. Es cine de serie B puro y duro: disfrutable para los amantes del género y del cine de bajo presupuesto, pero incapaz de dejar huella en el espectador.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Osiris. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: William Kaufman. Guion: William Kaufman, Paul Reichelt. Música: John Roome. Fotografía: Mark Rutledge. Reparto principal: Max Martini, Brianna Hildebrand, LaMonica Garrett, Michael Irby, Linda Hamilton, David Meadows, Lids Edwards. Producción: Appalachian Film, Denton Film, Roosevelt Film Lab. Distribución: por determinar. Género: acción, ciencia ficción, terror. Web oficial: https://rooseveltfilmlab.com/work/