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Como nuestro nombre indica, nos gusta hacer comentarios sobre el mundo del cine. Aquí encontrarás críticas, noticias, entrevistas… creadas de manera genuina y sin sesgos como nos planteamos desde que creamos la web en 2016.
Una edición con un completo documental sobre el rodaje
El biopic ‘Michael’ (crítica aquí) lleva a la gran pantalla la vida de Michael Jackson, una de las figuras más influyentes, populares y controvertidas de la historia de la música. Dirigida por Antoine Fuqua, la película está protagonizada por Jaafar Jackson, sobrino del artista, en su debut como actor, y cuenta también con Nia Long, Laura Harrier y Miles Teller en su reparto. El filme recorre diferentes etapas de la trayectoria del llamado Rey del Pop, desde sus primeros años junto a The Jackson 5 hasta su consolidación como superestrella mundial, poniendo el foco tanto en su enorme talento y su proceso creativo como en algunos de los episodios que marcaron su vida personal y profesional. Una producción especialmente atractiva para los seguidores de Michael Jackson que ahora puedes conseguir en formato Blu-ray gracias a este sorteo de Moviementarios.com.
Ponemos en marcha un nuevo sorteo y puedes llevarte un Blu-ray de ‘Michael’ para disfrutar de la película en casa. Una edición que tenemos gracias a Arvi Licensing.
¿Cómo participar?
Participar es muy sencillo y puedes hacerlo a través de nuestras redes sociales.
Los requisitos son:
Compartir la imagen del sorteo en la red social que quieras.
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¡Así de fácil! Compartiendo el sorteo y avisando a un amigo ya estarás participando.
Puedes participar en todas aquellas redes sociales en las que publiquemos el sorteo, siempre que cumplas los requisitos indicados. Consulta las bases más abajo.
El premio
El ganador o ganadora recibirá un Blu-ray de ‘Michael’, la película centrada en Michael Jackson y protagonizada por Jaafar Jackson en el papel del legendario artista. Tenemos un completo análisis justo en nuestra página web indicando qué tal son los extras de esta edición.
Una oportunidad para incorporar a tu colección una película que aborda la vida y la trayectoria de una de las figuras más influyentes de la historia de la música.
Ganador
Ruben Gonzalez B. (Red social: X)
Bases
Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. Tenéis de plazo hasta el 20 de septiembre de 2026 a las 23:59h. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar. Anunciaremos quien ha sido agraciado en nuestras redes y en esta entrada. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. El envío solo se realizará dentro del territorio Español. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para el envío y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Las redes sociales en las que aparece este sorteo no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella.
Presentada en la Sección Oficial del Festival de Berlín y con la Premiere española en la Sección Oficial del Festival de Sitges, llega a nuestras pantallas tras varios retrasos, ‘Mother’s Baby’. Una película inquietante, muy interesante y que trata muy bien también todo el tema de lo complicado de la maternidad y el dejar tu carrera laboral.
Que nos trae Mother’s baby
Julia es una exitosa directora de orquesta, lleva años buscando un bebé con su pareja Georg. Tras años de espera, el Dr. Vilfort les ofrece una esperanza, un nuevo método de fertilidad. El parto no sale como se esperaba, pero aun así salen de allí con su bebé. Pero Julia tras días en casa cuidando al crío comienza a pensar si realmente es su bebé.
Marie Leuenberger me parece perfecta para este papel. Su gesto duro nos muestra a una mujer fuerte, que va viendo poco a poco como su carrera cambia por el hecho de quedarse embarazada. Como la van reemplazando en su trabajo, que para ella es tan importante. Al igual en su casa, se convierte en una ama de casa, algo que parecía que quería, pero se va dando cuenta de que no.
Además, ese niño, que apenas llora, que apenas hace cosas que ella piensa que debería de hacer, comienza a ponerla nerviosa. Llegando hasta pensar que no es su hijo. Algo que hará que su marido tema por la vida del pequeño y decidan dejarla sola. Mientras que Julia comenzará una investigación de lo ocurrido en su parto.
Un thriller que se cuece a fuego lento
‘Mother’s baby’ no os va a defraudar, es una película que no deja que te escapes y poco a poco te va adentrando en una historia llena de intrigas. ¿Qué hacen en aquella clínica?, ¿Por qué el bebé de Julia no llora apenas, duerme bien y no se queja? ¿El Julia la que no está bien?
Todas estas preguntas son las que nos vamos haciendo según avanza el film. Poco a poco vamos conociendo las respuestas y vamos comprendiendo un poquito mejor a Julia. Una mujer que lo tenía todo y de repente se ve desplazada, se ve sola y no comprende del todo bien por qué.
Johanna Moder maneja muy bien el suspense. Pero también comprende muy bien al personaje principal, haciendo que en algún momento la cojamos un poco de tirria, para poco a poco como he comentado, comprenderla mejor. También nos muestra que dentro de toda la fuerza, tenemos a una mujer vulnerable que solo quiere conocer la verdad. Pero no solo eso, sino que también, en el fondo, aunque le duela admitirlo, quiere recuperar su antigua vida y su trabajo.
Todo el tema de la clínica me ha parecido muy interesante, quizás se quede un oculto por toda la trama de la maternidad. Pero aun así tenemos a un Claes Bang inquietante y misterioso. Sabemos que oculta algo, pero hasta el final no descubriremos todo el pastel.
Fecha de estreno
No dudéis en visitar las salas de cine para ver ‘Mother’s Baby’ la verdad que es una película que merece mucho la pena. Con buena música clásica para nuestros oídos. Una buena fotografía con colores bastante apagados y un ritmo que, aunque lento, va mascando poco a poco la historia que os dejará enganchados. El 11 de septiembre de 2026 en vuestras mejores salas de cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de septiembre de 2026. Título original: Mother’s Baby. Duración: 107 min. País: Austria. Dirección: Johanna Moder. Guion: Johanna Moder, Arne Kohlweyer. Música: Diego Ramos Rodríguez. Fotografía. Robert Oberrainer. Reparto principal: Marie Leuenberger, Hans Löw, Claes Bang, Julia Franz Richter. Producción. FreibeuterFilm, Tellfilm, Match Factory Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Thriller. Web oficial.
Una historia de amor sin empalagarnos llena de traición y acción
Mercedes Ron regresa con una adaptación de su duología ‘Enfrentados’. Este próximo 9 de septiembre, podréis ver la ‘Enfrentados: Marfil’ en vuestras casas gracias a Prime Vídeo. Hemos podido ver la primera película de las dos partes, ‘Enfrentados: Marfil’ y a continuación os contamos lo que nos ha parecido.
Marfil y Sebastian
Mientras paseaba por Central Park, Marfil es secuestrada. Al día siguiente, su padre decide colocarla un guardaespaldas que esté todo el día con ella. Resignada se va haciendo a su nueva vida, con un nuevo compañero de piso y poco a poco el amor va floreciendo.
Si va de mucho más, pero tampoco quiero contar mucho de la trama por que está mucho mejor ir descubriéndola.
Para no gustarme mucho este género, thriller romántico, he de decir que la película me ha enganchado lo suficiente para querer ver el desenlace con ‘Enfrentados: Ébano’. No es para nada una película empalagosa y logra mantener un equilibrio entre el thriller y el amor.
Óscar Pedraza hace muy buen trabajo en la dirección. Dándonos escenas muy bonitas y sugerentes mientras ambos protagonistas van poco a poco acercándose. Y también buenas escenas de acción, cuando ésta aparece en pantalla.
Reparto y continuación
Ester Expósito es la encargada de dar vida a Marfil. De regreso a un papel un tanto parecido a Carla Roson (su personaje en ‘Elite’), pero mucho más adulta. Me ha gustado su interpretación de niña un tanto mimada y también una mujer que quiere vivir en libertad.
Junto a ella encontramos a Hugo Diego García, el encargado de dar vida a Sebastian Moore, ese guardaespaldas que la volverá loca. Pero el reparto no se queda ahí, tenemos al gran Lluís Homar (‘Anomalous’), Pablo Molinero (‘El Inmortal’) o Eric Masip (‘Punto Nemo’), entre muchos otros.
‘Ébano’ por supuesto comparte actores y también director, lo que no sabemos bien cuando será el estreno de esta segunda parte, con mas acción, traiciones y también amor.
Mercedes Ron y su nueva adaptación en Prime
Después de la saga ‘Culpables’, Prime Video ha vuelto a confiar en las historias de Mercedes Ron. Marfil y Ébano son las dos novelas de la saga ‘Enfrentados’ y sin duda vienen pisando fuerte. Pero no solo está pendiente de esta saga, si no que también podremos seguir viendo las siguientes películas de la saga ‘Dímelo’, de la cual tenéis crítica a continuación de ‘Dímelo bajito’.
Una escritora que sin duda está en boca de todos y ahora también podemos disfrutar de sus novelas adaptadas en la pequeña pantalla. Además cuenta con el apoyo de Pookepsie Films, que de momento ha sido la encargada de producir todas sus adaptaciones para Prime Video.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de septiembre de 2026. Título original: Enfrentados: Marfil. Duración: 124 min. País: España. Dirección: Óscar Pedraza. Guion: Sofía Cuenca. Música: Luis Almau. Fotografía: David Acereto. Reparto principal: Ester Expósito, Hugo Diego García, Lluís Homar, Eric Masip, Pablo Molinero, Leander Vyvey, Joaquín Ferreira. Producción: Pokeepsie Films. Distribución: Prime Video. Género: Terror. Web oficial.
Estupenda película de terror con un demonio impecable
Nos preparamos para la época de terror, aun falta para Halloween, pero ya comienzan a llegar los primeros títulos de este género que tanto nos gusta a nuestros cines. ‘El ritual de Lily’ es uno de ellos y aunque es una película pequeñita, tiene bastante talento delante y detrás de las cámaras.
Un ritual que sale rana
Tres amigas necesitan a una cuarta para lograr tener un cuarteto en un conjuro de magia blanca. Lily es la elegida, entre nervios, risas, alcohol y presentaciones varias, vamos viendo a estas jóvenes que parece que le están escondiendo algo a esta joven. Y es que parece ser, que lo que se venía siendo una noche de iniciación, se va a convertir en una noche de preparación para un sacrificio y de nuevo, Lily es la elegida.
La película me ha parecido bastante entretenida, con un comienzo bastante bueno, el desarrollo se hace un pelín lento. Pero el desenlace realmente merece la pena. Es ágil, distinto y con pequeña sorpresa.
El maquillaje de la película me ha parecido una maravilla, al igual que la ambientación, estamos casi en el año 2000 y el vestuario, maquillaje de las chicas y todo lo que vemos en la película me parece bastante bien estudiado. Se que puede no parecer tan difícil ya que no vemos tan lejos estos años, pero realmente han pasado ya 26 años desde el año 2000 y en todo este tiempo las cosas han cambiado mucho.
Actuaciones, maquillaje y dirección
En el reparto encontramos a Elena Gallardo, Patricia Peñalver y Eve Ryan como estas tres brujas en busca de un sacrificio. Maggie García es la encargada de dar vida a Lily. Pero no solo ellas aparecen en la película. También tenemos a Mike Fajardo en un pequeño papel, pero que nos muestra al monstruo al que nos enfrentamos.
En la dirección tenemos a Manu Herrera, que sin duda sabe lo que hace, los planos están bastante cuidados. El color de la película también está bastante bien, sobre todo cuando cae la noche y todo se desmadra.
Y como he comentado, el tema del maquillaje me ha parecido una chulada. Aunque es un diseño quizás un tanto reconocible, es cierto que tiene ciertos elementos bastante originales. La transformación, el como aparecen los dientes, me ha parecido un gran trabajo. Todo esto es gracias a Pedro de Diego que ya nos ha dejado con la boca abierta en otras ocasiones.
Estreno y premios
Este próximo viernes 11 de septiembre de 2026 llega a nuestros cines. Una película que ya ha pasado por varios festivales de índole de terror y ha conseguido bastantes premios. Como en Grimmfest, de Reino Unido donde consiguió el Premio al Mejor elenco y también una mención especial a los efectos especiales.
O en el festival de Nightmare in the Ozarks Film Festival, donde consiguió Mejor Largometraje, los Mejores Efectos Prácticos y Mejor Muerte. Pero no solo aquí, si no que también ha pasado por diferentes festivales de Estados Unidos, Alemania, Australia y en todos ellos ha conseguido muchos éxito entre la crítica.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de septiembre de 2026. Título original: El ritual de Lily. Duración: 105 min. País: España. Dirección: Manu Herrera. Guion: Manu Herrera , Javier Fernández Moratalla. Música: Joan Martorell. Fotografía: Felipe Alba, Manu Herrera, Sergio ‘Tigre’ Ortiz. Reparto principal: Maggie García, Patricia Peñalver, Eve Ryan, Elena Gallardo y Mike Fajardo. Producción: Chukumi Studio, The Room Films. Distribución: Moon Entertainment. Género: Terror. Web oficial.
“Dios no te pide que entiendas sus caminos, solo que confíes en ellos”. Una frase aparentemente inocente, salida de la boca de un reverendo, que en ‘Man Finds Tape’ adquiere poco a poco una resonancia bastante más inquietante. Porque pocas cosas hay más terroríficas que una frase religiosa cuando empieza a encajar demasiado bien con aquello que estamos viendo, sea esto religioso o no.
Desde las fotografías de monstruos de principios del siglo XX hasta las grabaciones de Bigfoot, los vídeos de supuestos ovnis o las imágenes que cada cierto tiempo se convierten en fenómenos virales, nuestra cultura lleva décadas fascinada por la posibilidad de haber capturado algo que no debería existir. Y aquí aparece una pregunta estupenda: si hoy prácticamente vivimos rodeados de cámaras, teléfonos, sistemas de vigilancia y dispositivos capaces de grabarlo todo, ¿cómo es posible que sigamos sin tener pruebas incontestables de monstruos, criaturas fantásticas o fenómenos sobrenaturales? Esa pregunta es el punto de partida perfecto para ‘Man Finds Tape’.
Metraje encontrado, paranoia y memoria
Me acerqué a la película después de habérmela perdido en Sitges 2025 y, además, con un argumento añadido para darle una oportunidad: detrás de ella aparecen XYZ Films y como productores Justin Benson y Aaron Moorhead, dos nombres que para mí funcionan como una considerable garantía de interés. Los responsables de ‘The Endless’ o ‘Something in the Dirt’ dirigieron además episodios de ‘Archive 81’ y participaron en ‘V/H/S: Viral’, donde firmaron el segmento ‘Bonestorm’, por lo que no resulta extraño encontrarlos asociados a una propuesta que vuelve a jugar con las posibilidades narrativas del metraje encontrado.
En esta ocasión los directores son Paul Gandersman y Peter S. Hall. Construyen un híbrido entre falso documental, found footage, thriller conspirativo y terror sobrenatural en el que diferentes fuentes audiovisuales van componiendo una historia de repercusión colectiva. Vídeos en la red, grabaciones domésticas, imágenes de vigilancia, entrevistas y llamadas telefónicas se mezclan hasta generar una sensación de investigación casi periodística. Estas últimas, además, me han recordado inevitablemente a la serie ‘Calls’, porque aquí una simple llamada también puede convertirse en una herramienta narrativa capaz de provocar inquietud sin necesidad de mostrar aquello que supuestamente está sucediendo.
Y funciona especialmente bien cuando la película entiende que enseñar menos puede ser mucho más efectivo. El montaje va administrando la información con paciencia, saltando entre materiales y puntos de vista mientras el espectador intenta reconstruir un acontecimiento que parece afectar a todo un pueblo. Es una estructura casi caótica que convierte la propia búsqueda de respuestas en parte del suspense.
Los monstruos viven entre nosotros
Una de las caras más interesantes de ‘Man Finds Tape’ consiste en convertir la investigación sobre criaturas sobrenaturales en algo más incómodo: la posibilidad de que los monstruos ya estén entre nosotros y simplemente seamos incapaces de detectarlos o lo que es peor, que les tengamos normalizados.
La película juega estupendamente con la idea de un acontecimiento que, durante sus primeros compases, podría hacernos pensar en una especie de variación sobre la premisa de la inconclusa serie ‘FlashForward’: la población sufre un apagón de sus cerebros, las personas reaccionan de maneras difíciles de explicar y la investigación parece conducir hacia una revelación de dimensiones mayores. Pero no tarda en demostrar que sus intenciones van por otros derroteros (y hasta aquí puedo contar).
Lo interesante es que el misterio fantástico nunca funciona únicamente como excusa para acumular sustos o desarrollar un nuevo universo de terror. Bajo su apariencia de criatura sobrenatural y conspiración local aparecen cuestiones bastante más humanas: la necesidad de alimentarse de otros, la dificultad de regresar al lugar del que uno procede y, sobre todo, esa necesidad de pertenecer a una historia.
El concepto de comunidad adquiere así una dimensión especialmente siniestra. ¿Qué ocurre cuando compartir un pasado significa también compartir algo que preferiríamos no conocer? ¿Y hasta qué punto nuestra identidad depende de los recuerdos que conservamos frente a los que otros aseguran que deberíamos tener?
‘Man Finds Tape’ no siempre consigue que todas sus piezas encajen con la misma precisión y su ambición narrativa puede provocar cierta sensación de dispersión. También exige al espectador bastante paciencia antes de empezar a revelar la naturaleza de aquello que está investigando. Pero precisamente ahí reside buena parte de su personalidad.
Como debut, es una propuesta sorprendentemente segura a la hora de utilizar el lenguaje del falso documental no como simple envoltorio estético, sino como parte esencial de su relato. Una película pequeña en escala que termina pensando a lo grande y que entiende que, en una época en la que todos grabamos absolutamente todo, quizá el verdadero horror no sea que no tengamos imágenes de los monstruos. Quizá sea que los estamos grabando continuamente y todavía no sabemos reconocerlos.
Ficha de ‘Man finds tape’
Estreno en España: por determinar. Título original: Man finds tape. Duración: 84 min. País: EE.UU. Dirección: Paul Gandersman, Peter S. Hall. Guion: Paul Gandersman, Peter S. Hall. Música: Jimmy LaValle. Fotografía: David Coone. Reparto principal: Kelsey Pribilski, William Magnuson, John Gholson, Brian Villalobos, Nell Kessler. Producción: Arcanum Pictures, Rustic Films, XYZ Films. Distribución: por determinar. Género: terror, suspense. Web oficial.
Después de ver el tráiler de la primer temporada (aquí podéis verlo), ya comienzan a aparecer los nombres confirmados de la segunda temporada de la nueva serie original de HBO de Harry Potter. Lenny Rush, Bonnie Hill y Billy Barratt son las nuevas incorporaciones a esta segunda temporada en la que veremos la adaptación de la segunda novela de J.K. Rowling, ‘Harry Potter y la cámara secreta’.
Detalles de los protagonistas
Lenny Rush, representado por Curtis Brown y Public Eye Communications, será el encargado de dar voz y vida a nuestro querido Dobby.
Bonnie Hill, representada por Northern Prep Squad Ltd., será la cara de Ginny Weasley, una más de la familia Weasley, tan importante en el futuro para Harry.
Billy Barrat, representado por CAA, SYA, Ace MGMT y Stewart Brookman, de Hansen, Jacobson, Teller, Hoberman, Newman, Warren, Richman, Rush, Kaller, Gellman y Meigs & Fox. Será ni más ni menos que Tom Ryddle, sin duda uno de los personajes más importantes de este libro.
Los tres personajes son de gran importancia en esta segunda aventura que ya está poniendo todas sus cartas en la mesa. Hace poco tuvimos el honor de saber que Kit Harrington será Gilderoy Lockhart.
Harry Potter y sus andanzas por Hogwarts
El 25 de diciembre tendremos la ocasión de disfrutar de la primera temporada de esta serie que pinta como una gran adaptación de los libros. Al final tienen más minutos para poder adaptar bien los libros de J.K. Rowling añadiendo pequeños detalles que en las películas tuvieron que omitir o incluso cambiar por falta de tiempo. Aun tendremos que esperar un poco para que esto ocurra, pero sin duda creo que la espera va a merecer mucho la pena.
Una de las cintas que ha llegado a nuestras casas gracias a Arvi Licensing es ‘Super Mario Galaxy. La película’. Las nuevas aventuras de Mario, Luigi y por supuesto Peach. A todo esto, el malvado Bowser se dará cuenta que tiene corazoncito gracias a Bowsy, su hijo. Y conoceremos a Estela.
Una película habla de la familia de muchas maneras, de la amistad y también, nos muestra con cariño muchos guiños a todos los videojuegos de Super Mario Bros.
Esta edición en Blu-ray contiene un montón de extras, con los directores, guionistas, actores y también el equipo de animación. Japón, Francia, Estados Unidos se unen para dar vida a este universo lleno de luz y color. Una fantasía para los ojos de los más pequeños y también de los mayores que hemos crecido con estos videojuegos.
Sin más os dejamos con la galería de esta edición de Blu-ray. A continuación de ésta tenemos la ficha técnica y también los extras de la película. Además, un pequeño vídeo con la edición.
Ficha técnica
Imagen: 2.39:1 Widescreen
Idiomas: Dolby Digital Plus 7.1: Castellano, Catalán, Danés, Finés, Noruego, Sueco / Dolby Atmos: Inglés.
Subtítulos: Castellano, Catalán, Inglés para sordos, Danés, Finés, Noruego y Sueco.
Extras (1h. aprox.)
Siguiente nivel: Cómo se hizo ‘Super Mario Galaxy La Película’. (15:03 min.)
Vemos a los diferentes creadores de la película, videojuegos y animadores. La cinta tiene un trabajo por detrás de las cámaras increíble y la verdad que se nota que han trabajado mucho en equipo y que han disfrutado muchísimo.
Selección de Personajes (22:28 min)
Dividido en cuatro pequeñas entrevistas con dos personajes cada una de ellas, vemos a los actores que ponen voces a sus personajes. Escuchamos a Chris Pratt y Charlie Day como Mario y Luigi. Brie Larson y Anya Taylor-Joy, como Estela y Peach. Jack Black y Benny Safdie, como Bowser y Bowsy. Y para terminar a Keegan-Michael Key y Donald Glover como Toad y Yoshi. Aunque Donald Glover no le vemos en los extras.
Mario y Luigi
Peach y Estela
Bowser y Bowsy
Toad y Yoshi
Explorando la galaxia (10:28 min)
Lo que han disfrutado añadiendo color e imaginación a este mundo. Dando vida a una galaxia totalmente inventada y llenando de vida todo un gran espacio.
Temáticas galácticas (05:17 min.)
Nos cuentan la importancia de la familia en esta película a través de todos los personajes.
Canciones Cósmicas (3:32 min)
Brian Tyler (‘Transformer one’), es el encargado de que volvamos a escuchar las melodías de Super Mario de una manera diferente y moderna, por supuesto sin perder ni un punto de su esencia.
Potenciadores (02:21 min.)
Lo que han disfrutado buscando y añadiendo los distintos potenciadores que vemos en los distintos videojuegos a la película. Nos van hablando del favorito de cada uno.
Secretos de la galaxia (02:45 min.)
Aquí vamos viendo los distintos guiños que aparecen en la película de todos los videojuegos de Super Mario Bros. Algunos evidentes, otros escondidos.
Eli Roth y su versión gore de ‘Quién puede matar a un niño’
Eli Roth nunca ha sido precisamente un cineasta interesado en pedir permiso. Desde ‘Cabin Fever’ hasta ‘Hostel’ o ‘Black Friday’, su cine ha entendido el terror como un parque de atracciones particularmente desagradable, donde la sangre, los cuerpos mutilados y el humor macabro forman parte del mismo juego. ‘Dulce sabor a muerte’ continúa exactamente por ese camino, aunque llega acompañada de una polémica que resulta imposible separar completamente de la película.
Roth se ha ganado enemigos por sus posicionamientos públicos sobre Palestina y, ahora, también puede recibir críticas desde otro frente: el uso de inteligencia artificial. El problema no es únicamente utilizar esta herramienta, una cuestión ya suficientemente controvertida en la industria, sino la manera en que se comunicó inicialmente. El director explicó que las animaciones con estética de los años veinte procedían de un trabajo artesanal que él mismo había dibujado y desarrollado junto a animadores. Posteriormente tuvo que recular en sus declaraciones y admitir que la IA había intervenido en una pequeña parte de algunas escenas animadas. También se percibe en la escena de la avalancha desde el columpio. La presencia de Dark Half en los créditos, compañía especializada en efectos visuales con IA, en los créditos alimentó todavía más la controversia.
La cuestión resulta especialmente llamativa y contradictoria porque ‘Dulce sabor a muerte’ presume de una filosofía muy física. Hay prótesis, cabezas y manos de plástico, litros de líquido rojo (más que en la Tomatina) y unas tripas cuyo sonido parece directamente el de unos macarrones con bechamel. Roth vuelve a reivindicar el gore artesanal, genera suspicacias entre los más recatados y mantiene una filosofía que hoy en día parece regresar gracias a sagas como ‘Terrifier’.
Un festival de barbaridades con aroma a serie B
Al margen de la polémica, ¿qué tal funciona ‘Dulce sabor a muerte’ como producto de entretenimiento macabro? Pues bastante mejor cuando se abandona cualquier pretensión de solemnidad. La película es una broma de muy mal gusto convertida en festival de barbaridades. Hay momentos en los que Roth parece estar rodando un sketch de ‘Scary Movie’ y otros en los que parece rendir homenaje a las películas de serie B más desquiciadas, con ‘Troll 2’, ‘The dentist’ o ‘The Stuff’ como espíritu perfectamente reconocible.
El heladero macabro tampoco es una invención de Roth. El terror estadounidense ya había explotado anteriormente esa figura aparentemente inocente, incluso en ‘Masters of Horror’, donde Tom Holland dirigió el episodio ‘We All Scream for Ice Cream’. Por tanto, el vendedor de helados siniestro forma parte de un imaginario bastante más amplio.
También resulta inevitable pensar en ‘¿Quién puede matar a un niño?’, una referencia que Roth ha reconocido como fundamental. El director ha explicado en numerosas ocasiones hasta qué punto le fascina la película de Chicho Ibáñez Serrador, hasta el punto de que durante años consideró que acercarse al tema de los niños asesinos después de aquel clásico era casi imposible.
De ahí que las comparaciones con ‘Weapons’ sean comprensibles, aunque yo situaría ‘Dulce sabor a muerte’ más cerca del espíritu de ‘Terrifier’. No porque Roth pretenda subirse ahora al carro del éxito del gore slasher, sino porque lleva décadas jugando en ese terreno. De hecho, ha reconocido que el impacto de ‘Terrifier 3’ ayudó a demostrar que existía público para películas extremas proyectadas en salas comerciales.
Cuando el tercer acto derrite la película
El problema llega cuando Roth intenta convertir esta orgía de asesinatos en algo más parecido a una historia convencional. Mientras ‘Dulce sabor a muerte’ funciona como sucesión de atrocidades, humor negro y criaturas infantiles convertidas en pequeñas máquinas de matar, mantiene una identidad muy clara. Cuando llega el momento de frenar el caos y explicar qué está ocurriendo y por qué, todo se vuelve bastante más ridículo de lo que probablemente pretendía.
Ahí la película se desinfla considerablemente. Lo que parecía una decisión consciente de abrazar el absurdo termina pareciendo una explicación demasiado vaga para justificar todo el caos anterior. El tercer acto no está a la altura de la carnicería que lo precede y deja un sabor de boca bastante peor del que debería tener una película que, en esencia, prometía poco más que una masacre sin complejos. Incluso existe una escena tras los créditos que podría interpretarse como una puerta abierta a futuras historias (aunque también funciona perfectamente como último gag). La película queda como una gamberrada irregular pero coherente con el cine de Eli Roth. Su falta de sutileza es deliberada y sus excesos constituyen buena parte de su encanto. Lástima que, cuando decide explicar demasiado, termine descubriendo que detrás de tanta sangre no había una idea tan jugosa como el propio helado.
Ficha de ‘Dulce sabor a muerte’
Estreno en España: 4 de septiembre de 2026. Título original: Ice Cream Man. Duración: 86 min. País: EE.UU. Dirección: Eli Roth. Guion: Noah Nelson, Eli Roth, Noah Belson. Música: Brandon Roberts. Fotografía: Simon Shohet. Reparto principal: Ari Millen, Benjamin Byron Davis, Eli Roth, Karen Cliche, Dylan Hawco, Sarah Abbott, Shiloh O’Reilly, Kiori Mirza Waldman, Charlie Zeltzer, Charlie Storey. Producción: The Horror Section, MCT Studios, Head Gear Films, Sixth Dimension, Metrol Technology, Mass Appeal, Dentsu. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial.
Una adaptación que mantiene intacto el clásico pero que no teme romper al héroe
Hay historias de Batman que forman parte del imaginario colectivo incluso para quienes jamás han abierto un cómic del personaje. ‘Batman: Knightfall’ es una de ellas. Publicada por DC Comics entre 1993 y 1994, la saga se articuló en tres grandes arcos (Knightfall, Knightquest y KnightsEnd) y ahora recibe una adaptación animada dividida también en tres entregas. La segunda llegará en 2026 y la tercera está prevista para 2027, por lo que, si no hay cambios, tendremos la trilogía completa antes de terminar el año que viene.
Jeff Wamester, responsable de buena parte de la animación superheroica reciente de DC y director de ‘Justice League: Crisis on Infinite Earths’, ‘Justice League: Warworld’ o ‘Green Lantern: Beware My Power’, se enfrenta aquí a uno de esos relatos que exigen conocer bien las posibilidades del personaje. También tiene experiencia en Marvel, donde trabajó en producciones como ‘Guardians of the Galaxy’, mientras que en ‘The Legend of Vox Machina’ participó como diseñador de personajes.
El resultado es una adaptación extraordinariamente fiel al espíritu del cómic, hasta el punto de que resulta inevitable encontrar paralelismos con ‘The Dark Knight Rises’. Hay un Batman agotado, una amenaza física aparentemente imposible de detener, un enemigo que conoce cómo llevarlo hasta el límite y una ciudad convertida en campo de batalla. Sobre todo se acerca a la película de Nolan a la hora de centrarse en el villano, Bane. Pero aquí está la diferencia fundamental: ‘Batman: Knightfall Part 1 – Knightfall’ no tiene que contenerse dentro de las reglas del cine de acción real ni de las exigencias de un actor o un estudio que puede querer continuar con la franquicia. Puede llegar hasta donde el cómic quería llegar y, sobre todo, puede ser mucho más cruel con Bruce Wayne.
Bane, Robin y el legado del murciélago
Porque esta no es solamente una historia sobre cómo derrotar a Batman. Es, en buena medida, una historia sobre qué queda de Batman cuando Batman ya no puede ejercer como Batman.
La cuestión de si el héroe debe matar vuelve a aparecer, como es habitual, pero el verdadero corazón de la película está en el legado. ¿Qué ocurre cuando una persona ha construido toda su identidad alrededor de una misión y esa misión deja de estar en sus manos? ¿Quién puede ocupar su lugar? ¿Y qué precio tiene convertir a un símbolo en una responsabilidad que otros deben cargar?
El filme es toda una antesala para algo que a muchos les cuesta asimilar, que Batman envejece y antes o después ha de ceder el testigo. Y para dar voz a todo ese discurso crepuscular se ha contado con una nueva voz. Si con la serie de Batman de Prime Video hablábamos del buen trabajo de Hamish Linklater en lugar del fallecido Kevin Conroy, en este caso toca hablar de Anson Mount ejerciendo de Batman. ¿Qué tal lo hace? No está mal, va por los derroteros del Batman de Affleck, de hecho hasta Bruce Wayne se le parece, pero no nos encontramos con la mejor voz de Batman. El actor retoma la tarea que ejerció en 2021 con ‘Injustice: Dioses entre nosotros’ y cumple el encargo.
Y es que este filme no trata únicamente del hombre murciélago. Ahí entra una de las grandes virtudes de esta adaptación: además de funcionar como una historia de caída, funciona como una historia de orígenes. Bane adquiere una dimensión mucho mayor que la de simple monstruo físico. El filme se detiene en su pasado y permite comprender cómo se ha construido el hombre que finalmente llega a Gotham para quebrar al Caballero Oscuro. Michael Mando encuentra una voz grave y algo enlatada, amenazante y con una presencia formidable. También destaca David Dastmalchian como Nygma, mientras Jack Giffin consigue que Tim Drake sea uno de los Robin más agradecidos de ver en una adaptación animada.
Studio Mir lo cruje con el murciélago
Visualmente, ‘Batman: Knightfall Part 1 – Knightfall’ es un auténtico festín. La animación corre a cargo del estudio surcoreano Studio Mir, responsable de trabajos como ‘The Legend of Korra’, ‘The Witcher: La pesadilla del lobo’, las primeras temporadas de ‘My Adventures with Superman’ y ‘X-Men ’97’. Fundado por Yoo Jae-myung, antiguo director de animación de ‘Avatar: La leyenda de Aang’, el estudio se ha convertido en uno de los grandes nombres de la animación occidental realizada en Corea del Sur.
Aquí su trabajo es especialmente notable en la iluminación, el color y el diseño de personajes. Los rostros tienen dureza, los cuerpos transmiten desgaste y el trazo consigue que Gotham parezca un lugar hostil incluso cuando no está ocurriendo una pelea o luce el sol. Personalmente nunca he sido demasiado fan del Batman de las hombreras puntiagudas, pero aquí funcionan porque forman parte de una estética deliberadamente heredada de los cómics de los noventa.
La suma de animación, montaje, diseño sonoro y una música nada baladí convierte el conjunto en una adaptación potentísima. Además, no estamos ante una producción infantil suavizada: es animación adulta, compleja y bastante salvaje, con violencia sangrienta y escenas especialmente brutales. El giro final, el cliffhanger de esta película así lo demanda.
‘Batman: Knightfall Part 1 – Knightfall’ demuestra una vez más que, cuando DC quiere explorar de verdad a sus personajes, la animación sigue siendo uno de sus territorios más fértiles. Esta primera parte no se limita a romperle los huesos a Batman. Lo más interesante es que empieza a preguntarse qué queda del mito cuando el hombre que lo sostiene ya no puede sostenerlo. Si eres de los que no soportan ver a los héroes recibir palizas o de los que apuntillaste eso con el ‘Superman’ de Jame Gunn, realmente vas a sufrir con este filme.
Ficha de ‘Batman: Knightfall Part 1 – Knightfall’
Estreno en España: 25 de agosto de 2026. Título original: Batman: Knightfall Part 1 – Knightfall. Duración: 78 min. País: EE.UU., Corea del Sur. Dirección: Jeff Wamester. Guion: Jeremy Adams. Música: John Jennings Boyd, Eric V. Hachikian. Reparto principal (doblaje original): Anson Mount, Jack Giffin, Michael Mando, Max Mittelman, David Dastmalchian, Simon Templeman, Mick Wingert, Bruce Boxleitner. Producción: DC Entertaiment, Warner Bros. Animation. Distribución: Pime Video. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial.
Steven Quale firma un eficaz ejercicio de suspense cósmico
Hay algo casi circular en la carrera de Steven Quale. El realizador dirigió ‘Destino final 5’, una de las entregas de la popular saga iniciada con aquella inolvidable visión premonitoria de un accidente aéreo que marcó a toda una generación de aficionados al fantástico. Entonces el avión era el detonante del relato, pero no fue el escenario principal de su versión. Ahora, con ‘Black Box: vuelo 298’, Quale sitúa prácticamente toda la acción a bordo de un aeroplano que a veces parece que está sobrevolando la colorida y saturadamente iluminada ciudad de Vigo en Navidad. Y demuestra que, incluso con un presupuesto contenido, todavía es posible construir una propuesta entretenida a base de suspense, incertidumbre y una acertada administración del misterio.
El planteamiento puede hacer pensar en una película de terror sobrenatural al uso, pero la realidad es algo distinta. El filme se mueve con mayor comodidad dentro del terreno del terror cósmico, donde la amenaza resulta mucho más inquietante precisamente porque escapa a la comprensión humana. Esa sensación de enfrentarse a algo imposible de racionalizar o a algo tan recientemente cercano como un virus, es la que sostiene buena parte de una historia que, pese a no reinventar el género, sabe dosificar la información para mantener el interés constante.
Quale posee una amplia experiencia como miembro de segundos equipos en grandes producciones, aprovecha las limitaciones espaciales del avión para convertirlas en una virtud narrativa. El resultado recuerda inevitablemente a esos relatos de confinamiento donde el verdadero enemigo es en buena parte la desconfianza. La premisa y solución de la película comparten además un elemento original que lastimosamente no se aprovecha pues de haber presentado todo el filme como metraje encontrado habría resultado más eficiente.
Un misterio que crece gracias a sus personajes
En muchos aspectos, ‘Black Box: vuelo 298’ comparte ADN con ‘La niebla’, de Frank Darabont. Ambas construyen su tensión menos desde el sobresalto inmediato que desde la acumulación progresiva de miedo, paranoia y conflictos entre personas obligadas a convivir en un espacio del que no pueden escapar. Cada nuevo acontecimiento añade una capa de incertidumbre y obliga a replantearse continuamente qué está ocurriendo realmente.
También resulta inevitable pensar en ‘La cosa en la niebla’, de Chedey Reyes, una película reseñada recientemente en este mismo medio. Más allá del evidente elemento fantástico y la ubicación aérea, ambas comparten esa sensación de aislamiento absoluto, donde la amenaza exterior termina contaminando las relaciones internas del grupo. En los dos casos el espectador avanza casi al mismo ritmo que los protagonistas, descubriendo pequeñas piezas de un puzle que nunca termina de mostrar todas sus cartas hasta el desenlace. Incluso la gestión del espacio cerrado y el creciente deterioro psicológico de los personajes generan sensaciones muy similares, pese a sus diferencias de tono.
Tom Brittney sostiene gran parte del peso dramático. Su personaje funciona como punto de referencia para el espectador y, al mismo tiempo, dispone de un pequeño arco emocional que aporta algo más que simples mecanismos de supervivencia. Esa dimensión personal evita que todo quede reducido a una sucesión de situaciones fantásticas y permite que el protagonista evolucione conforme aumenta la amenaza.
El actor británico demuestra suficiente carisma para liderar la función y deja la impresión de estar reclamando oportunidades más allá del circuito televisivo que le ha dado notoriedad con series como ‘Grantchester’ o ‘Los Westies’, conocidas principalmente en sus respectivos mercados. Aquí encuentra un escaparate interesante para demostrar que puede asumir un protagonismo cinematográfico con solvencia.
Una resolución conocida, pero eficaz
Uno de los mayores aciertos de ‘Black Box: vuelo 298’ reside en saber jugar sus cartas. La película nunca acelera innecesariamente y permite que el misterio sea quien marque el ritmo. Más que provocar miedo desde el primer minuto, opta por alimentar preguntas constantes. Esa estrategia consigue que el espectador vaya enlazando hipótesis mientras la tensión aumenta de forma orgánica.
Cuando finalmente llega el tercer acto, el terror estalla con mayor contundencia. La resolución probablemente no sorprenderá a quienes consumen habitualmente este tipo de propuestas, ya que no plantea una idea especialmente novedosa dentro del fantástico contemporáneo. Sin embargo, funciona porque todo el recorrido previo prepara adecuadamente ese desenlace y hace que resulte satisfactorio dentro de las reglas que el propio filme establece.
Como postdata. Señalar que una actriz española, previamente vista en ‘Jurassic World: dominion’, aparece en este filme con un papel muy presente en el tramo final. ¡Enhorabuena a Teresa Cendon-García por este nuevo trabajo!
Ficha de ‘Black Box: vuelo 298’
Estreno en España: 4 de septiembre de 2026. Título original: Black Box. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Steven Quale. Guion: Steven Quale. Música: Raffertie. Fotografía: Steven Quale. Reparto principal: Tom Brittney, Holly White, Betsy-Blue English, Asa Ali. Producción: Capstone Pictures, Hammerstone Stuios, Inzide Media. Distribución: Vértice Cine. Género: suspense, terror. Web oficial.
En 2023 ya nos dejaron con la boca abierta y tiene pinta que tres años después van a volver ha hacerlo. El equipo de ‘Godzilla Minus Zero’ nos regala un detrás de las cámaras increíble, con imágenes de la nueva película incluida.
Takashi Yamazaki, director, guionista y director de efectos especiales, vuelve a deleitarnos con el regreso de Godzilla. Combinando las técnicas tokusatsu con efectos visuales, la película se ha convertido en la primera película japonesa filmada íntegramente en las proporciones de imagen IMAX 1:1.43 y 1:1.90.
Las imágenes de Ryunosuke Kamiki y Minami Hamabe capturan expresiones auténticas que insinúan una sensación aún mayor de desesperación inminente, mientras que la producción también incluye un extenso rodaje en locaciones por todo Japón.
Equipo de Godzilla Minus Zero
Ganador del Premio Óscar a los Mejores Efectos Visuales, Takashi Yamazaki se une junto a 35 artesanos de efectos visuales para dar vida a este monstruo que tanto adoramos y que hace temblar todo Japón.
Está claro que después de ver este detrás de las cámaras, podemos decir que en los próximos Premios Óscar vamos a volverles a tener en las nominaciones a Efectos Visuales, porque las pocas imágenes que nos muestran son espectaculares.
No os hacemos esperar más y aquí tenéis esta maravilla que nos han ofrecido, disfrutadlo.
La vuelta al cole está cerca y siempre podemos refugiarnos en una buena comedia romántica en el cine. Will Gluck nos trae la estupenda ‘Una noche al año’ con Callum Turner y Monica Barbaro como protagonistas.
Una noche para el exceso
En una Nueva York ficticia, donde se ha prohibido el sexo extramatrimonial, el gobierno les da una noche al día para poder mantener relaciones entre solteros. Esa noche todos los solteros de la ciudad salen a la caza. Aquí es donde Owen y Allie se conocen, pero no empiezan las cosas con buen pie. Uno abandonado por su futura prometida, la otra, deseando encontrar al hombre de sus sueños en una noche donde nadie piensa en el amor. Miles de desventuras en una noche que sin duda no van a olvidar en la vida.
La película es divertida, muy entretenida y con bastantes locuras. Vemos a la fauna que aparece buscando una noche desesperada de placer, una noche que llevan esperando un año. Personajes de todo tipo mostrando sus mejores galas para conseguir una presa. Sexo por todos lados de la ciudad, donde se pierde el pudor después de tanto tiempo esperando el momento.
El romance en un marco poco romántico
Will Gluck regresa con una comedia romántica, sencilla y divertida. Con dos protagonistas que ahora mismo están en auge. El guion ha estado en la Hollywood Blacklist desde hace años, que es una lista donde se encuentran los mejores guiones que aún no han conseguido producción. Este fue escrito por Travis Braun y reescrito por Wil Gluck.
Callum Turner y Monica Barbaro, están estupendos y sin duda logran una gran una gran química en pantalla. Ella que ya nos sorprendió en FUBAR y además ha demostrado su buen trabajo en ‘A Complete Unknown’ con la que se ganó la nominación al Oscar. Y él, nominado al Emmy por ‘Masters of the Air’ y conocido por ‘Animales Fantásticos’, logran crear muy buen royo en pantalla con dos personajes bastante tiernos.
Tenemos dos pequeños cameos en forma de fotografías de Glen Powell y Sydney Sweeney, los dos protagonistas de ‘Cualquiera menos tu’, película dirigida por Will Gluck.
El final del verano con una estupenda comedia
‘Una noche al año’ me parece una estupenda manera de terminar el verano en una buena sala de cine. Es muy entretenida, logra hacer reír con esta idea tan majara y también pensar en que pasaría si tuviésemos un decreto así en la actualidad, donde las prohibiciones pueden llegar a ser tan locas.
Ficha de ‘Una noche al año’
Estreno en España: 26 de agosto de 2026. Título original: One Night Only. Duración: 102 min. País: EE.UU. Dirección: Will Gluck. Guion: Travis Braun, Will Gluck. Música: Este Haim, Christopher Stracey. Fotografía: Yaron Orbach. Reparto principal: Callum Turner, Monica Barbaro, Maya Hawke, Julia Fox, King Princess, Ziwe, Ben Marshall, Molly Ringwald, Levar Burton. Producción: Universal Pictures, Olive Bridge Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, romance. Web oficial.
Bardem y Luengo: un duelo a pecho descubierto entre dos monstruos de la interpretación
Rodrigo Sorogoyen vuelve a demostrar en ‘El ser querido’ que pocos directores españoles contemporáneos poseen su capacidad para convertir una conversación aparentemente cotidiana en un campo de minas emocional y de continuo debate. La película reúne a un director de cine y a su hija actriz después de trece años de distancia, y hace del rodaje de una película en Fuerteventura el territorio donde ambos mezclan lo profesional, lo familiar y aquello que llevan demasiado tiempo sin decirse.
La primera secuencia ya funciona como declaración de intenciones. Ese encuentro en un restaurante, prolongado durante yo diría que más de diez minutos, demuestra que Sorogoyen sigue siendo un As cuando se trata de incomodar al espectador y rascar las capas de sus personajes hasta conseguir que terminen hablando a pecho descubierto. La cámara se aproxima constantemente, el espacio parece encogerse y la tensión nace tanto de lo que se dice como de lo que permanece suspendido entre ambos.
El problema es que, a diferencia de ‘As Bestas’, donde prácticamente cada escena añadía una nueva capa de violencia, amenaza o significado, aquí existe una sobrecarga de secuencias que no siempre parecen justificar su existencia narrativa. Hay momentos en los que da la impresión de que Sorogoyen se está dando un gustazo como director. Son escenas poderosas, tensas y magníficamente interpretadas, pero no necesariamente necesarias.
Cuando el cine se convierte en espejo
Da la sensación de que ‘El ser querido’ está construida alrededor de cuatro o cinco grandes secuencias extraordinariamente alargadas. Y casi todas funcionan porque Bardem y Luengo consiguen convertir cada conversación en una batalla. Sin embargo, la reiteración termina pasando factura: la conclusión a la que llegamos en los últimos compases no difiere demasiado de aquello que ya habíamos comprendido al comienzo. Sí existe una evolución en la relación entre ambos, pero no siempre una evolución equivalente en lo que la película nos cuenta sobre ellos.
Aquí adquiere especial interés una de las ideas que atraviesan el filme: que todo director introduce algo personal en sus obras. Sorogoyen parece tomarse esa premisa al pie de la letra y exteriorizar, sin casi esterilización, algunas de sus inquietudes sobre el cine, la creación, la familia, la culpa y el modo en que construimos el relato de las personas públicas.
La comparación con ‘Valor sentimental’ resulta inevitable por la figura del padre ausente, el intento de redención, el aprovechamiento de una situación profesional para recomponer una relación, la presión de los rodajes, la necesidad de sentirse realizado, los valores vitales y hasta el nepotismo… Pero la película de Joachim Trier aprovecha mejor sus minutos y desarrolla de un modo más claro toda la evolución de su discurso. Aún así hay algo especialmente interesante en que una película sobre la legitimidad de las herencias familiares esté dirigida por Sorogoyen, nieto del cineasta Antoniodel Amo, y protagonizada por Javier Bardem, heredero de una de las grandes dinastías interpretativas españolas. Del Amo dirigió, entre otras películas, varias protagonizadas por Joselito; Bardem, por su parte, pertenece a una saga que arranca con Rafael Bardem y MatildeMuñoz Sampedro y continúa con Pilar Bardem.
Bardem y Luengo contra las zonas grises
Las interpretaciones son, sin duda, la principal razón para permanecer dentro de ‘El ser querido’. Javier Bardem está imponente, capaz de pasar de la arrogancia al desamparo y de la calidez a lo iracundo sin que ninguna de sus caras contradiga a las demás. Esa versatilidad permite que nuestra relación de amor y odio con su personaje vaya mudando de posición junto con la protagonista interpretada por Victoria Luengo.
Luengo no se queda atrás. Su personaje es como un gato que, llevado por la curiosidad, acerca la mano a un fuego que añora y siente cálido, aunque sabe que ese mismo fuego puede volver a quemarla. Sorogoyen la coloca en situaciones de reacción casi instintiva, como si jugara por momentos a un De Niro de ‘Taxi Driver’ y Luengo responde con una mezcla extraordinaria de visceralidad contenida y vulnerabilidad.
También resulta significativo el acercamiento lateral al conflicto saharaui a través de la película que están rodando, lo cual supongo que habrá sido aliciente para ambos actores pues siempre se han mostrado comprometidos con diversas causas de esta índole. La película no trata sobre el tema pero colocarlo en segundo plano es otra manera de mantenerlo vivo.
La herencia europea de un cine incómodo
Formalmente, además, vuelve a sentirse la influencia francesa y del cine europeo contemporáneo. Las zonas grises de la moral, tan presentes en Haneke o Dominik Moll, interesan a un Sorogoyen que convierte la película en un pulso constante de moralismos. La ausencia de música extradiegética en determinados pasajes, los planos largos y nerviosos y esa cámara que parece buscar siempre el lugar más incómodo recuerdan incluso al nervio físico de los hermanos Dardenne.
Sin duda el mercado al que va dirigido ‘El ser querido’ es el europeo. Aunque no alcanza la precisión o el impacto de ‘As Bestas’, porque a veces confunde intensidad con acumulación, Sorogoyen exhibe músculo y permite que Bardem y Luengo se miren, se hieran y se necesiten. Sin duda, en la actualidad de nuestro cine, es el cineasta que mejor sabe convertir una conversación en una herida abierta.
Ficha de ‘El ser querido’
Estreno en España: 26 de agosto de 2026. Título original: El ser querido. Duración: 135 min. País: España. Dirección: Rodrigo Sorogoyen. Guion: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen. Música: Olivier Arson. Fotografía: Álex de Pablo. Reparto principal: Javier Bardem, Victoria Luengo, Raúl Arévalo, Marina Foïs, Mourad Ouani, Raúl Prieto, Melina Matthews, Laura Birn, Nuria Prims, Pablo Gómez-Pando, Pepa Gracia, Malena Villa. Producción: Caballo Films, Movistar Plus+, El ser querido, La Pacte, Canal+, Comunidad de Madrid, Crea SGR, ICEC, ICAA, Triodos Bank. Distribución: A Contracorriente Films, Movistar Plus+. Género: drama. Web oficial.
Tadeo Jones sigue siendo una aventura que nunca agota sus deseos
Hay sagas de animación que, llegada una determinada entrega, parecen limitarse a repetir la fórmula que les dio éxito. No es el caso de ‘Tadeo Jones y la lámpara maravillosa’, cuarta aventura cinematográfica del arqueólogo más despistado del cine y, una vez más, dirigida por Enrique Gato. Lejos de conformarse con el terreno conocido, la película vuelve a ampliar su universo y demuestra que todavía es posible encontrar nuevas rutas para un personaje que lleva más de una década conquistando al público familiar. Y eso que rompe su cadencia de estreno y en vez de llegarnos cinco años más tarde nos llega solo cuatro años después del estreno de ‘Tadeo Jones: La tabla esmeralda’.
La sensación desde los primeros minutos es clara: estamos ante la producción más ambiciosa de la serie. La animación alcanza un nivel superior al de sus predecesoras, tanto por la riqueza de escenarios como por el tratamiento de la iluminación y la expresividad de los personajes. También se percibe un esfuerzo evidente por incrementar la escala del relato. Nunca antes (creo) la franquicia había reunido semejante cantidad de personajes, secundarios y cameos vocales, hasta el punto de dar la impresión de que es la entrega que más actores de doblaje ha necesitado.
Como es habitual, el viaje vuelve a ser uno de los grandes motores narrativos. La aventura conduce al espectador desde Londres hasta Perú (con la siempre sugerente referencia a Paititi), pasando por Atenas, la Capadocia y otros enclaves que mantienen intacto ese espíritu de exploración heredero del cine clásico de aventuras.
Un cóctel de leyendas que funciona gracias a su espíritu lúdico
El gran acierto del guion reside en mezclar referentes que pertenecen al imaginario oriental. Conviven ‘Las mil y una noches’, Solimán el Magnífico, la lámpara maravillosa, Alí Babá y los cuarenta ladrones o Simbad en una misma narración. Es cierto que muchos de estos personajes y relatos nunca coexistieron realmente y que algunas conexiones nacen más de la tradición literaria que de la Historia. Sin embargo (y aquí está precisamente la clave), la película nunca pretende convertirse en una lección académica.
Al contrario, juega con esa mezcla de culturas y épocas para construir una fantasía accesible al público infantil. Incluso resulta curioso comprobar cómo determinadas referencias temporales permiten enlazar el relato con la leyenda de Paititi y con las expediciones de Cristóbal Colón, una coincidencia histórica que aporta una capa adicional de interés para los espectadores adultos sin romper el tono desenfadado de la propuesta.
Más personajes, más voces, más estilos
La familia de personajes sigue creciendo. La incorporación de una hija llamada Olimpia introduce nuevas dinámicas dentro del grupo, mientras que los villanos, aliados circunstanciales y nuevos compañeros de viaje enriquecen una aventura que no concede pausas. También resulta simpática la decisión de dar voz a los habituales compañeros animales de Tadeo, sustituyendo el viejo recurso del pájaro que mostraba carteles (tan cercano al humor del Coyote de los Looney Tunes) por un trabajo vocal de Carlos Latre que, precisamente por su naturalidad, termina siendo prácticamente invisible y conste que no soy nada fan de sus doblajes teniendo clavada en el alma su versión de Gardfield. Petra Martínez también se suma y aporta además una enorme personalidad a la genia de la lámpara.
Especialmente llamativo resulta uno de los flashbacks, resuelto mediante un segmento de animación con claras reminiscencias del Disney clásico, un cambio estético que aporta variedad visual sin romper la coherencia del conjunto.
Referencias cinéfilas, humor muy español y una moraleja que nunca pasa de moda
Si algo caracteriza desde hace años a la saga de Enrique Gato es su capacidad para jugar con la cultura popular. ‘Tadeo Jones y la lámpara maravillosa’ evidentemente mantiene esa costumbre. La película abre con una introducción que recuerda al suspense de Alfred Hitchcock, convierte la inolvidable melodía de ‘Jurassic Park’ en una desafinada interpretación a flauta, homenajea la espectacularidad de ‘Mad Max’ y sus persecuciones, recrea la icónica escena de ‘Titanic’, juega con secuencias muy reconocibles de ‘Aladdin’ (1992) e incluso reproduce el famoso momento del monopatín y la desaparición progresiva de la fotografía de ‘Regreso al futuro’. Sobre todo, continúa siendo evidente la influencia del cine de Steven Spielberg y, muy especialmente, de ‘Indiana Jones y el dial del destino’, cuya huella se deja sentir en buena parte del guión.
Todo ello convive con un humor muy reconocible para el espectador español, capaz de ridiculizar grandes mitos universales mezclando la lámpara maravillosa con unos callos o unos churros, o presentando una inesperada versión gallega de Cristóbal Colón, también interpretada por Carlos Latre.
Entre tanta comedia también aparece una pequeña reflexión sobre la creciente presencia de inteligencias artificiales y robots capaces de sustituir a las personas, una inquietud que se introduce sin excesiva solemnidad pero que conecta con preocupaciones muy actuales.
Y, como no podía ser de otra manera tratándose de una historia alrededor de una lámpara mágica, la película recupera la moraleja clásica de que no todos los deseos conducen necesariamente a la felicidad. Un mensaje sencillo, perfectamente integrado en una aventura que confirma que la saga continúa creciendo sin perder su identidad y que además da paso a un final bastante emotivo.
Ficha de ‘Tadeo Jones y la lámpara maravillosa’
Estreno en España: 26 de agosto de 2026. Título original: Tadeo Jones y la lámpara maravillosa. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Enrique Gato. Guion: Manuel Burque, Josep Gatell. Música: Zacarías M. de la Riva. Reparto principal (doblaje original): Óscar Barberán, Michelle Jenner, Luis Posada, Ana Esther Alborg, Petra Martínez, Carlos Latre. Producción: Films AIE, Mediaset España, Movistar Plus+, Mediterráneo Mediaset España Group. Distribución: Paramount Pictures. Género: aventuras. Web oficial.
Jacob Chase entra en ‘Insidious’ con oficio, pero sin una identidad demasiado marcada y poco margen para la sorpresa
Con ‘Insidious: Fuera del Más Allá’, Jacob Chase se estrena en la saga creada por Leigh Whannell, aunque no precisamente en el género de terror. El director ya había demostrado su afinidad por lo sobrenatural con ‘Ven a jugar’, y aquí confirma que sabe manejar los mecanismos clásicos del género. Chase tiene pulso para mover la cámara, construir espacios inquietantes y, sobre todo, decidir cuándo conviene enseñar a los demonios y cuándo es preferible hacerlos desfilar fugazmente por el encuadre para generar incomodidad.
El problema es que ese oficio no termina de traducirse en una personalidad visual propia. Es comprensible: estamos ante la sexta entrega de una franquicia que ya ha establecido una iconografía muy reconocible. El diseño de producción, la iluminación, los colores y la concepción de ‘El Más Allá’ llevan cinco películas funcionando como una especie de manual estilístico. Chase lo utiliza con solvencia, pero precisamente por eso cuesta encontrar aquí una auténtica huella autoral.
Donde sí hay un acierto considerable es en el reparto. La elección de Amelia Eve, MaisieRichardson-Sellers y el resto del elenco funciona especialmente bien dentro de la relación maternofilial que vertebra la historia. Hay además un trabajo de casting que consigue que las diferentes generaciones resulten visualmente creíbles, algo que ayuda a que el conflicto familiar no parezca un simple instrumento narrativo.
Amelia Eve y el regreso imprescindible de Elise Rainier
Me ha sorprendido gratamente Amelia Eve. En una saga donde las situaciones extremas pueden empujar fácilmente a las interpretaciones hacia el histrionismo, su personaje transmite una desesperación mucho más reconocible. Gemma no parece reaccionar a los fenómenos sobrenaturales como alguien que simplemente necesita gritar para que sepamos que tiene miedo, sino como una persona desorientada que intenta comprender qué demonios está sucediendo. Y esa contención beneficia considerablemente al filme.
Y, por supuesto, está Lin Shaye. Elise Rainier se ha convertido en una figura inseparable de ‘Insidious’ y su presencia vuelve a demostrar que aun hay franquicias que pueden fabricar sus propios iconos. Shaye es la única intérprete que, de una forma u otra, ha estado presente en todas las entregas, y me parece estupendo que Elise pueda entrar por derecho propio en ese particular olimpo del terror donde conviven las scream queens, los monstruos y los asesinos que han terminado formando parte del imaginario colectivo.
Además, esta entrega introduce una interesante inversión de uno de los conceptos tradicionales del género: si tantas historias de terror han presentado a personas que intentan ayudar a quienes sufren fenómenos paranormales, ¿por qué no explorar qué sucede cuando la relación funciona en sentido contrario? La idea no es revolucionaria, pero encaja sorprendentemente bien en las reglas de este universo.
‘Insidious’ necesita ir más allá, quizá demasiado
En esencia, ‘Insidious: Fuera del Más Allá’ continúa siendo otro relato de demonios, posesiones, sustos, planos espirituales y conexiones entre nuestro mundo y ese territorio de almas perdidas. El problema es que la saga empieza a acusar el peso de sus propias reglas. Después de cinco películas, necesita introducir conceptos cada vez más elaborados para ampliar su mitología y evitar la sensación de estar repitiéndose.
La franquicia comenzó jugando con los viajes astrales, las paradojas temporales y posteriormente desarrolló diferentes mecanismos para explicar cómo las entidades podían relacionarse con nuestro mundo. Ahora añade una nueva posibilidad que no voy a destripar pero que es aún más fantasiosa.
La idea funciona mientras permanece vinculada al terror, pero también revela el principal problema de esta sexta entrega: en su intento de ampliar el universo, ‘Insidious’ empieza a aproximarse peligrosamente a una fantasía sobrenatural cada vez más compleja y sin límites. Y cuanto más se multiplican las reglas, más difícil resulta que el espectador mantenga la suspensión de incredulidad.
Con todo, estamos ante una entrega que supera a algunas de sus predecesoras. Consigue despertar interés por nuevos personajes, mantiene conexiones con lo anterior y demuestra que todavía existen posibilidades dentro de este universo. Eso sí, expandir el lore también exige algo más al espectador: una considerable dosis de fe en las reglas que la propia franquicia continúa inventando sobre la marcha.
Ficha de ‘Insidious: Fuera del más allá’
Estreno en España: 21 de agosto de 2026. Título original: Insidious: Out of the Further. Duración: 1106 min. País: EE.UU. Dirección: Jacob Chase. Guion: Jacob Chase, David Leslie Johnson. Música: Joseph Bishara. Fotografía: Dave Garbett. Reparto principal: Lin Shaye, Amelia Eve, Brandon Perea. Producción: Atomic Monster, Blumhouse Productions, Screen
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