Harry Potter vuelve, en forma de serie y se nos va hacer muy largo este 2026
Ya tenemos el primer tráiler de la nueva serie de HBO Max basada en los libros de Harry Potter. La primera temporada ‘Harry Potter y la Piedra Filosofal’, llegará a nuestras pantallas en la Navidad de 2026. El tráiler se ha lanzado en un evento realizado en el Reino Unido e Irlanda.
En el tráiler vemos a casi todos los protagonistas de la cinta, entre ellos a los tres niños, Dominic McLaughlin como Harry Potter, Arabella Stanton como Hermione Granger, y Alastair Stout como Ron Weasley. Pero no solo a ellos les vemos en el tráiler, me ha hecho gran ilusión ver a Nick Frost como Hagrid y a John Lithgow como Albus Dumbledore.
Rory Wilmot, Lox Pratt, Leo Earley, Elijah Oshin, Tristan Harland, Gabriel Harland, Ruari Spooner, Alessia Leoni, Daniel Rigby, Johnny Flynn, Luke Thallon, o Anton Lesser son también parte de este gigantesco proyecto. Queda mucho todavía para el estreno pero sin duda este avance nos ha dado más de lo que esperábamos.
La serie, basada en los apreciados libros de J. K. Rowling, está escrita y producida por Francesca Gardiner. Mark Mylod será el productor ejecutivo y dirigirá varios episodios de la serie para HBO en colaboración con Brontë Film and TV y Warner Bros. Television. La serie cuenta con J.K. Rowling, Neil Blair y Ruth Kenley-Letts, de Brontë Film and TV, y David Heyman, de Hayday Films, como productores ejecutivos.
A continuación, os dejamos con el tráiler de la serie y su sinopsis.
Sinopsis
Harry Potter es un niño que vive con sus tíos en Inglaterra. El día que cumple 11 años, le llega una extraña carta de admisión en el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería, algo que le abre un mundo totalmente oculto hasta ahora, un mundo de magia, diversión y amistad.
La madurez de un superhéroe atrapado entre la épica cósmica y el desgaste emocional
La cuarta temporada de ‘Invincible’, adaptación del cómic de Robert Kirkman (‘The Walking Dead’, ‘Marvel Zombies’), confirma algo que ya se intuía: esta serie animada no tiene intención de frenar su ambición. Con la vista puesta en alcanzar entre siete y ocho temporadas (e incluso con margen para diez si la popularidad lo permite), esta nueva entrega se siente como una pieza clave en la arquitectura global del relato.
Uno de los grandes aciertos de la temporada reside en su expansión del lore viltrumita. Durante el segundo capítulo la trama se detiene en el pasado de Omni-Man, construyendo una suerte de crónica histórica interestelar que recuerda, en su densidad y ambición, a las mejores tradiciones de la ciencia ficción clásica. Este enfoque no solo satisface una demanda latente de los fans, sino que redefine el conflicto central: ya no estamos ante una simple lucha entre héroes y villanos, sino ante una civilización con sus propias reglas, jerarquías y contradicciones morales, una suerte de kriptonianos.
En paralelo, la serie mantiene su sello distintivo: una galería de enemigos tan variopinta como impredecible. Regresan los inquietantes sequids, claros herederos de los invasores de ‘Ultracuerpos’ o ‘The Faculty’, mientras que nuevas amenazas como un villano con estética de dinosaurio o una valkiria verde obsesionada con la energía amplían el catálogo de rarezas. La reaparición de Conquest aporta ese peso dramático que solo los antagonistas más brutales pueden ofrecer y que todos los espectadores podían preeveer. Y vuelve el Satán doblado por Bruce Campbell en uno de los mejores episodios de lo que va de serie.
Todo ello se articula con una fina capa de sátira hacia el género superheroico. ‘Invincible’ sigue jugando a deformar los códigos de franquicias más conocidas, rozando a veces la parodia sin perder su identidad. Es precisamente en ese equilibrio donde la serie encuentra uno de sus mayores ganchos.
El dilema moral de Mark y la sensación de déjà vu
Si hay un elemento que genera sensaciones encontradas, es el arco del protagonista. Mark Grayson continúa atrapado en un bucle narrativo: entra y sale de los Guardianes, duda de Cecil Stedman, y vuelve a cuestionar su lugar en el mundo. Aunque estos conflictos son inherentes al personaje, la reiteración empieza a evidenciar cierto desgaste.
No obstante, la temporada introduce un matiz interesante: el debate sobre cruzar la línea de matar. Esta cuestión, que inevitablemente remite a dilemas clásicos asociados a figuras como Batman, se convierte en el eje moral de varios episodios. ¿Es lícito sacrificar a alguien para salvar a muchos? ¿Puede un héroe seguir siéndolo tras mancharse las manos de forma irreversible?
A nivel estructural, se agradece un guion más ágil y chispeante. Los diálogos ganan en frescura, los gags se multiplican y las tramas paralelas resultan más dinámicas. La presencia de Allen, con la voz del siempre eficaz Seth Rogen, aporta un contrapunto humorístico que funciona especialmente bien en medio de tanta densidad dramática.
Sin embargo, no todo suma. Las subtramas familiares, especialmente las relacionadas con los padres de Atom Eve y la madre de Mark, ralentizan el ritmo hasta el tedio. Son segmentos que parecen anclados en una versión más melodramática y menos interesante de la serie, rompiendo la inercia de los episodios más potentes, aquellos que se regodean en el fantástico.
Entre lo grotesco y lo infantil: una estética que divide… y engancha
Uno de los aspectos más discutibles y a la vez más fascinantes de ‘Invincible’ sigue siendo su apartado visual. La cuarta temporada insiste en ese contraste casi esquizofrénico entre diseños que rozan lo infantil y una violencia explícita que no escatima en desmembramientos ni lenguaje soez.
Algunos extraterrestres parecen sacados de una estética simplificada, como ese dragón que podría confundirse con la ilustración de una barraca de feria de bajo presupuesto. Y, sin embargo, esta aparente disonancia se convierte en uno de los mayores atractivos de la serie. La inocencia visual actúa como un caballo de Troya que amplifica el impacto de la brutalidad, generando una experiencia incómoda pero adictiva.
En este sentido, ‘Invincible’ demuestra una vez más su capacidad para romper convenciones. No busca la coherencia estética tradicional, sino provocar al espectador, obligarle a reconciliar dos lenguajes aparentemente incompatibles.
La temporada también amplía el foco sobre personajes secundarios, aunque con resultados desiguales. Mientras algunos ganan profundidad, otros quedan desdibujados. El caso de Oliver, por ejemplo, es especialmente llamativo: su cambio de tonalidad (mucho menos morado que en la temporada anterior) genera desconcierto, pero por el contrario es un personaje menos irritante. En ese sentido esta cuarta temporada no es perfecta, pero sí representa un paso adelante en ambición narrativa y riqueza temática, dando alas a sus vertientes cósmica y satánica.
Madrid se ha vestido de gala para la premiere de ‘The Audacity’
El 13 de abril llega a nuestras pantallas ‘The Audacity’ gracias a AMC+. Creada por el ganador de los premios Emmy, Jonathan Glatzer (‘Succession, ‘Better Call Saul’). Hoy hemos tenido el placer de acudir a la premiere de la serie y conocer al actor protagonista Bill Magnussen.
¿En donde hemos visto a Bill Magnussen?
Músico y actor, el protagonista de ‘The Audacity’ nos suena de películas como ‘Into the Woods’, donde hacía del príncipe de Rapunzel. En la gran ‘Noche de juegos’ (aquí podéis leer nuestra crítica), divertidísima cinta en la que una noche de juegos se complica de manera surrealista. O también en el live action de ‘Lilo & Stitch‘. Pero no solo en la gran pantalla es conocido, si no que también ha realizado muchísimos papeles en diferentes series como en ‘Black Mirror’, ‘The Leftovers’, ‘The Good Wife’, o ‘Maniac’.
Invitados de la noche
A continuación, os dejamos las fotografías de la premier, en la que hemos podido ver a Lamine Thior, Jeremy Jey, Luis Larrodera, Yola Berrocal, María Algora, y por supuesto al estupendo Bill Magnussen, presentando su nueva serie.
¿Qué vamos a ver en ‘The Audacity’?
Ambientada en la burbuja de Silicon Valley, ‘The Audacity’ aborda los sueños distorsionados, los egos desmesurados y los lapsos éticos de los autoproclamados inventores del futuro. Un audaz director ejecutivo especializado en minería de datos, lucha por convertir el conocimiento y la influencia en beneficio y poder. Es este el papel del protagonista de la noche, Bill Magnussen.
Junto a él en la serie podemos ver a Lucy Punch, Simon Helberg, Rob Corddry, Meaghan Rath, Paul Adelstein, Everett Blunck, Thailey Roberge o AvaMarie Telek entre otros.
Divisa Films nos trae una de las series más exitosas del pasado año ‘Anatomía de un Instante’
La serie basada en el libro de Javier Cercas, llega a nuestras casas gracias a Divisa Films. Aquí os mostramos la edición completa de ‘Anatomía de un instante’. Con todo detalle, tenemos una edición cuidada y muy bonita. Con una funda de cartón protegiendo el Blu-ray. Tenemos dos discos impresos con las imágenes de la Monarquía y de la Justicia. En el primer disto tenemos los dos primeros episodios y en el segundo encontramos el tercer y cuarto episodios mas los extras de la serie.
Ganadora de el Premio Forqué a Mejor Serie en este 2026, la serie ha cosechado un sinfín de reconocimientos en distintos Festivales y también una gran acogida por parte del público. A continuación, os dejamos la galería de imágenes y tendréis un pequeño vídeo al finalizar el análisis.
Audio: Español 5.1 DTS HD MA + 2.0 Estéreo LPCM, Español para personas con discapacidad visual.
Subtítulos: Inglés, Español para personas con discapacidad auditiva.
EXTRAS
¿Cómo es rodar en el Congreso? (3.33 min)
Nos cuentan un poquito el trabajo que tuvieron a la hora de intentar quitar toda la tecnología que tenemos actualmente en el Congreso de los Diputados. Además que desde aquel 23 de febrero, la sala ha cambiado bastante, ya que se ha modernizado.
Los secretos detrás del rodaje de ‘Anatomía de un instante’ (3:20 min)
Tenemos entrevistas con actores, equipo de maquillaje y director, acerca del trabajo de lograr crear una imagen semejante de los protagonistas reales de este evento y que los actores se viesen convincentes en pantalla.
El nuevo universo audiovisual de DC continúa tomando forma y uno de sus proyectos más esperados y más dilatados en el tiempo acaba de mostrar sus primeras imágenes. La serie ‘Lanterns ‘ha lanzado su primer teaser tráiler, ofreciendo un vistazo inicial a los personajes de Hal Jordan y John Stewart, dos de los Linternas Verdes más importantes del universo de DC Comics.
El avance presenta a Kyle Chandler como Hal Jordan y a AaronPierre como John Stewart, estableciendo desde el primer momento una dinámica clara entre mentor y aprendiz. La historia gira en torno a una investigación criminal que los llevará a trabajar juntos en un pequeño pueblo de Estados Unidos, con un tono cercano al thriller policiaco más que al espectáculo superheroico tradicional, lo cual, recuerda al cómic ‘The Green Lantern-Green Arrow’.
Un teaser que esconde el traje… pero muestra el poder
Uno de los detalles que más ha llamado la atención del teaser es lo que no se ve. El tráiler evita mostrar con claridad el traje completo de los Linternas Verdes, manteniendo cierto misterio sobre el diseño definitivo dentro del nuevo universo DC. Sin embargo, el adelanto sí permite observar dos elementos fundamentales del mito de los Green Lantern:
El anillo de poder, la fuente principal de las habilidades del personaje.
La linterna o batería de poder, el dispositivo donde los miembros del cuerpo recargan la energía del anillo.
Estos elementos aparecen brevemente en pantalla y confirman que la serie respetará la iconografía clásica del personaje, aunque por ahora la producción prefiera centrarse en el tono narrativo antes que en los efectos espectaculares.
Un enfoque más cercano al thriller que al superhéroe clásico
Otro aspecto que deja claro el tráiler es el tono de la serie. Lejos de apostar únicamente por la épica espacial habitual del Cuerpo de Linternas Verdes, el primer avance apunta a una narrativa más terrenal y detectivesca. La trama seguirá a Hal Jordan, un veterano Lantern, que actúa como mentor de John Stewart, un nuevo recluta que todavía está en proceso de entrenamiento. Juntos investigarán un misterioso asesinato que podría tener implicaciones mucho mayores para el universo DC. Este enfoque recuerda a series como True Detective, combinando elementos de ciencia ficción con una historia de crimen e investigación.
Un proyecto clave para el nuevo DCU
La serie forma parte del relanzamiento del universo DC impulsado por James Gunn y Peter Safran, y está desarrollada por Damon Lindelof,Chris Mundy y el guionista de cómics Tom King. Si todo sigue según lo previsto, ‘Lanterns’ llegará a HBO Max en agosto de 2026, y promete ser una de las piezas clave para expandir el nuevo DCU en televisión.
Por ahora, el teaser deja claro que la serie apostará por el misterio, la relación entre sus protagonistas y una construcción gradual del mundo de los Linternas Verdes… incluso si todavía tendremos que esperar un poco más para ver el traje completo en acción.
Un origen innecesario y un protagonista sin magnetismo
Había margen para explorar la juventud de Sherlock Holmes. El canon de Arthur Conan Doyle deja un vacío biográfico deliberado: Holmes aparece ya formado, cerebral, casi quirúrgico en su método. Pero una cosa es expandir y otra reescribir sin red. ‘El joven Sherlock’, producida y parcialmente dirigida por Guy Ritchie, arranca torcida desde su casting principal: Hero Fiennes Tiffin no logra sostener el peso icónico del personaje ni siquiera bajo la coartada de la inmadurez.
Su interpretación reproduce tics ya vistos en la saga ‘After’: mirada intensa pero vacía, presencia física correcta y escasa densidad dramática. No hay ironía afilada, ni esa electricidad mental que asociamos al detective de Baker Street. Si comparamos, el joven Nicholas Rowe en ‘Young Sherlock Holmes’ (‘El secreto de la pirámide’) irradiaba curiosidad e inteligencia precoz; incluso Guy Henry en la serie ‘Young Sherlock Holmes’ de 1982 aportaba un poso reflexivo más coherente con el canon. Aquí, en cambio, Holmes es un héroe juvenil genérico con barniz victoriano.
El guion toma una decisión arriesgada y discutible al convertir a Sherlock y a James Moriarty en amigos y compañeros de aventura. El germen de su enemistad se pospone tanto que otro personaje ocupa el rol de villano maquiavélico durante buena parte de la temporada. Se diluye así la tensión fundacional entre genio y némesis. No hay duelo intelectual, hay trama funcional en piloto automático.
Psicología forzada y un Holmes convertido en aventurero
Ritchie ya había reinterpretado al personaje en ‘Sherlock Holmes’ y ‘Sherlock Holmes: A Game of Shadows’, con un Holmes físico y pendenciero encarnado por Robert Downey Jr.. Allí el riesgo funcionaba porque la química y el ritmo compensaban la heterodoxia. En ‘El joven Sherlock’, el director redobla la apuesta inventando una hermana, Beatrice, y otorgando entidad dramática al padre, Silas (interpretado por Joseph Fiennes), figura ausente en las novelas. Conan Doyle construyó a Holmes como personaje funcional a la narrativa detectivesca. La introspección psicológica y el desarrollo familiar no eran prioridades del género en esa etapa victoriana y los autores de ahora parece que quieren llenar un vacío que nadie ha pedido llenar.
La madre, en una línea que recuerda a ‘Enola Holmes’, es presentada como perturbada, aunque aquí al menos se sugiere una vertiente artística coherente con la mención canónica a la ascendencia vinculada al pintor Horace Vernet. Natascha McElhone compone una figura materna magnética, sin nada que envidiar a Helena Bonham Carter en la citada película. Pero la serie confunde inteligencia deductiva con memoria eidética: Holmes parece un prodigio fotográfico antes que un lógico experimental. Se echa de menos el método científico, la observación microscópica, la inferencia encadenada.
En lo formal, el sello Ritchie asoma en personajes de aire caballeresco mezclados con bajos fondos, aunque el tono promete más de lo que entrega. La canción del opening (ya asociada por el imaginario contemporáneo a ‘Peaky Blinders’) sugiere un Sherlock más canalla, pero la serie no abraza ese filo autoral. Tampoco el guion ofrece un caso de complejidad real que invite al espectador a colaborar intelectualmente. Hay acción, vestuario fastuoso (tres o cuatro looks por capítulo) y cliffhangers previsibles: sabemos que el héroe saldrá indemne.
Reparto, relevo generacional y una dirección dispersa
El casting evidencia un curioso relevo generacional: Max Irons (hijo de Jeremy Irons) comparte cartel con Hero Fiennes Tiffin, sobrino de Ralph y Joseph Fiennes. Pero el verdadero acierto es Dónal Finn como Moriarty. Finn es el único que parece comprender la psique de su personaje y anticipar su deriva hacia la amoralidad estratégica. Cuando está en pantalla, la serie respira.
Ritchie dirige dos episodios, pero la temporada se reparte con Anders Engström (‘See’), Dennie Gordon (‘Kingdom’) y Tricia Brock (‘Bridgerton’). La falta de unidad tonal se percibe: Holmes termina siendo un aventurero más en situaciones límite que erosionan el suspense. No hay aliciente intelectual ni enriquecimiento del lore. ‘El joven Sherlock’ de Prime Video es una expansión que prioriza la estética y la psicología inventada sobre la esencia deductiva. Queda la sensación de que, en su empeño por modernizar, la serie ha olvidado lo elemental.
La película protagonizada por Cillian Murphy llegará el 20 de marzo de 2026 con una banda sonora ambiciosa y nuevos rostros en el reparto
Netflix ha presentado el tráiler oficial y nuevas imágenes de ‘Peaky Blinders: El hombre inmortal’, el esperado largometraje que amplía el universo creado por Steven Knight. Dirigida por Tom Harper (‘Wild Rose’), la película se estrenará en la plataforma el 20 de marzo de 2026, marcando el regreso definitivo de una de las ficciones más influyentes de la última década.
La historia nos traslada a Birmingham en 1940, en pleno estallido de la Segunda Guerra Mundial. Tras un exilio autoimpuesto, Tommy Shelby vuelve a casa para enfrentarse al ajuste de cuentas más devastador de su vida. Con el futuro de su familia en riesgo y un país sumido en el conflicto, el líder de los Peaky Blinders deberá decidir si protege su legado o lo destruye definitivamente. El tono anticipado por el tráiler sugiere una narrativa más sombría, introspectiva y épica que nunca.
Un reparto de alto calibre internacional
El ganador del Óscar® Cillian Murphy retoma su icónico papel como Tommy Shelby, consolidando el cierre cinematográfico de un personaje ya histórico en la televisión contemporánea. Le acompañan intérpretes de peso como Rebecca Ferguson,Tim Roth,Barry Keoghan y Stephen Graham, además de Sophie Rundle, rostro habitual de la saga.
La producción corre a cargo de Guy Heeley, el propio Murphy, Steven Knight y Patrick Holland, con producción ejecutiva de Andrew Warren, Caryn Mandabach, Jamie Glazebrook, Tom Harper y David Kosse, reforzando el carácter continuista del proyecto respecto a la serie original.
Una banda sonora que amplía el universo sonoro
Uno de los elementos más distintivos del fenómeno Peaky Blinders ha sido siempre su identidad musical. RCA Records UK lanzará la banda sonora oficial el 6 de marzo, apenas dos semanas antes del estreno.
El álbum incluirá 36 temas, entre ellos cinco grabaciones originales inéditas. Antony Genn y Martin Slattery regresan como compositores principales, manteniendo la coherencia sonora de la franquicia. A ellos se suman aportaciones de Grian Chatten (Fontaines D.C.) y Amy Taylor (Amyl & the Sniffers), que incorporan nuevas texturas al paisaje musical.
También estarán presentes artistas fundamentales en el ADN de la saga como Nick Cave, Fontaines D.C., Lankum, McLusky y Massive Attack. Destaca una nueva reinterpretación de “Red Right Hand”, además de colaboraciones y versiones que prometen reforzar la atmósfera oscura y emocional de la película.
Con estos ingredientes, Peaky Blinders: El hombre inmortal se perfila como un evento cinematográfico de alcance global dentro del catálogo de Netflix en 2026.
Nicolas Cage llega a la pequeña pantalla con un personaje misterioso
Por fin podemos ver las imágenes en movimiento de la esperada ‘Spider-Noir’. La serie llegará a nuestras pantallas el próximo 27 de mayo de 2026 en Prime Video. Está producida por Sony Pictures Televisión en exclusiva para MGM+ y Prime Video. ‘Spider-Noir’ se estrenará primero en MGM+ en Estados Unidos y posteriormente, llegarán todos los episodios de manera global a Prime Video, en más de 240 países y territorios.
¿De qué trata Spider-Noir’?
Basada en el cómic de Marvel ‘Spider-Man Noir’, la historia sigue a Ben Reilly, un experimentado investigador privado en mala racha en el Nueva York de los años 30. Éste se ve obligado a enfrentarse a su pasado tras una tragedia profundamente personal, mientras la ciudad cuenta con un único superhéroe.
En este fragmento os damos unas pequeñas notas sobre lo que vamos a ver desde nuestro programa de youtube ‘El Simbionte’.
Reparto
Con un reparto estelar ‘Spider-Noir’ será interpretado por el gran Nicolas Cage, actor que ya le puso la voz al personaje en las dos citas de animación de Spider-man. Pero no solo él, sin o que tenemos a Brendan Gleeson, Jack Huston, Abraham Popoola, Lamorne Morris, Karen Rodrígez y Li Jun Li.
Tememos también estrellas invitadas, entre ellas, Lukas Haas, Cameron Britton, Cary Christopher, Scott McArthur, Whitney Rice, Amanda Schull,Amy Aquino o Andrew Robinson.
Tráilers de la nueva serie de Prime Video
Aquí podéis ver el tráiler en blanco y negro y en color de la serie. Ya que la serie se podrá ver en blanco y negro o en color para que el espectador pueda disfrutar de ambas opciones y así poder elegir.
Resto del equipo de la serie
Los primeros episodios fueron producidos y dirigidos por el ganador del Emmy Harry Bradbeer (‘Fleabag’). Oren Uziel (‘La ciudad perdida’) y Steve Lighfoot (‘The Punisher’) son co-showrunners y productores ejecutivos.
Ambos showrunners desarrollaron la serie junto al equipo ganador del Oscar detrás de ‘Spider-Man: Un nuevo universo’. Phil Lord, Christopher Miller y Amy Pascal.
Como siempre, durante el descanso de la Super Bowl nos pusieron los dientes largos con lo que está por venir
El Super Bowl LX, celebrado el pasado 8 de febrero de 2026 en el Levi’s Stadium de Santa Clara, California con la ya anunciada ausencia de Donald Trump. El partido coronó a los Seattle Seahawks como campeones tras vencer por 29-13 a los New England Patriots en un duelo dominado por la defensa y un ataque eficaz que controló el ritmo del partido. Esta edición no sólo fue relevante en el campo: el espectáculo de medio tiempo encabezado por Bad Bunny se convirtió en uno de los momentos culturales más comentados del año.
Bad Bunny, el cantante puertorriqueño bautyizado como Benito Antonio Martínez Ocasio, recientemente premiado en los Premios Grammy, hizo historia como el primer artista latino masculino en encabezar un Halftime Show del Super Bowl, con una presentación íntegramente en español que celebró la música urbana, la identidad latina y la unidad cultural. El espectáculo incluyó hits como ‘Tití me preguntó’ y ‘Yo perreo sola’, colaboraciones sorpresa y un mensaje potente de inclusión y amor que resonó globalmente.
Más allá del fútbol americano y la habitual expectación mediática, la actuación de Bad Bunny amplificó la audiencia del evento, generó reacciones diversas (desde ovaciones por su representación cultural hasta debates en redes) y posicionó al Super Bowl LX como una plataforma clave para estrenos, tráilers y contenidos que aprovecharon la enorme visibilidad del partido. Al margen de repercusiones culturales y políticas, al margen de vídeos virales, como cada año, ahí van todos adelantos los que hemos podido recopilar tras la Super Bowl 2026.
Estuvimos en el evento What Next donde se anunciaron series, películas y nuevos proyectos en desarrollo
Hemos asistido en Madrid al evento de presentación de los estrenos de Netflix para 2026, una cita en la que la plataforma ha desvelado su potente apuesta por contenidos nacionales e internacionales para el próximo año. La presentación reunió a numerosos profesionales del sector y a algunas de las figuras más reconocidas del audiovisual español, en un encuentro que sirvió para confirmar el peso estratégico de España dentro de la producción global de Netflix.
Durante el evento, se adelantaron títulos de ficción, cine y no ficción que llegarán a lo largo de 2026, así como tres nuevos proyectos inéditos que se encuentran actualmente en fase de rodaje o postproducción. La sensación general fue la de una programación diversa, que combina grandes franquicias, historias locales con vocación internacional y propuestas de género muy marcadas.
Las estrellas presentan sus proyectos ante la prensa
Uno de los momentos más destacados fue la presencia sobre el escenario de los equipos artísticos de varias producciones ya anunciadas. Pudimos ver a Jose Coronado, Maribel Verdú y Martiño Rivas presentar ‘El problema final’; a Raúl Tejón, Blanca Martínez y Maribel Verdú con ‘Gracias, equipo’; y a Luis Tosar y Claudia Salas con ‘Salvador’. También estuvieron presentes intérpretes como Tristán Ulloa, Belén Cuesta, Karra Elejalde, Inma Cuesta, Michelle Jenner, Javier Gutiérrez, Javier Cámara o Raphael, confirmando la fuerte implicación del talento español en el catálogo de la plataforma.
Además, Luis Tosar y Tristán Ulloa regresaron al escenario para presentar la miniserie en rodaje ‘Lobo’, mientras que Mario Casas, Blanca Suárez y Nicolás Francella adelantaron detalles de ‘En nombre de otro’, actualmente en plena producción.
Tres nuevos proyectos que amplían el horizonte de Netflix
Netflix aprovechó el evento para anunciar tres nuevos proyectos clave. El primero es ‘Miguel Ángel Blanco: Las 48 horas que lo cambiaron todo’, un documental dirigido por Jon Sistiaga y Juanjo López que revisa uno de los episodios más dolorosos y determinantes de la historia reciente de España, con un enfoque centrado en la movilización social y el impacto colectivo de aquellos días.
También se presentó ‘Lobo’, una miniserie protagonizada por Luis Tosar y Tristán Ulloa, basada en el caso real de Manuel Blanco Romasanta, figura histórica ligada a la leyenda del primer asesino en serie documentado del país. El tercer anuncio fue ‘En nombre de otro’, un thriller escrito y dirigido por Oriol Paulo que promete giros constantes y un relato donde nada es lo que parece.
What Next revela un catálogo repleto de grandes títulos
El evento sirvió además para recordar otros títulos ya confirmados para 2026, entre los que destacan ‘Peaky Blinders: El hombre inmortal’ (de la cual vimos 5 impactantes minutos), ‘Torrente presidente’, ‘Los Bridgerton’ (temporada 4), ‘One Piece’ (temporada 2), ‘Avatar: La leyenda de Aang’ (temporadas 2 y 3), ‘Machos alfa’ (temporada 5), ‘Muertos S.L’ (temporada 4) o ‘Lupin’ (parte 4), entre muchos otros.
La presentación dejó claro que Netflix afronta 2026 con una estrategia basada en la continuidad de grandes éxitos y en el desarrollo de nuevas historias con identidad propia.
‘Los domingos’, ‘Poquita fe’ y ‘Yakarta’ se alzan victoriosas
‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa, fue la gran triunfadora de los Premios Feroz 2026 celebrados en Pontevedra, al conseguir cinco galardones, entre ellos mejor película dramática, mejor dirección y mejor guion, además de premios interpretativos para Patricia López Arnaiz y Nagore Aranburu. En cine, ‘La cena’ ganó como mejor comedia, mientras que ‘Sirât’ destacó por su música original y mejor tráiler, con mención especial a su doble nominación a los Oscar. Los premios Arrebato fueron para ‘Ciudad sin sueño’ (ficción) y ‘Tardes de soledad’ (no ficción), que también obtuvo el premio al mejor cartel.
En televisión, ‘Yakarta’ y ‘Poquita fe’dominaron el palmarés con tres premios cada una, alzándose como mejor serie dramática y de comedia respectivamente. Javier Cámara, Esperanza Pedreño, Julia de Castro y Secun de la Rosa fueron reconocidos por sus interpretaciones. La gala también rindió homenaje a Marta Fernández-Muro con el Premio Feroz de Honor y cerró el ciclo bianual de los premios en Pontevedra, destacando la implicación de la ciudad y el éxito de las actividades paralelas.
Listado completo de ganadores de los Feroz 2026 (cine)
Mejor película drama
‘Los domingos’
‘Maspalomas’
‘Romería’
‘Sirat’
‘Sorda’
Mejor película comedia
‘La cena’
‘Decorado’
‘Mi amiga Eva’
‘Rondallas’
‘Wolfgang’
Mejor dirección
Jose Mari Goenaga & Aitor Garaño por ‘Maspalomas’
Oliver Laxe por ‘Sirat’
Eva Libertad por ‘Sorda’
Alauda Ruiz de Azúa por ‘Los domingos’
Carla Simón por ‘Romería’
Mejor actriz protagonista
Ángela Cervantes por ‘La furia’
Miriam Garlo por ‘Sorda’
Patricia López Arnaiz por ‘Los domingos’
Nora Navas por ‘Mi amiga Eva’
Blanca Soroa por ‘Los domingos’
Mejor actor protagonista
Mario Casas por ‘Muy lejos’
Álvaro Cervantes por ‘Sorda’
Sergi López por ‘Sirat’
Jose Ramon Soroiz por ‘Maspalomas’
Alberto San Juan por ‘La cena’
Mejor actriz de reparto
Nagore Aranburu por ‘Los domingos’
Iraia Elias por ‘Una fantasma en la batalla’
Elena Irureta por ‘Sorda’
Maria de Medeiros por ‘Una quinta portuguesa’
Elvira Mínguez por ‘La cena’
Mejor actor de reparto
Asier Etxeandia por ‘La cena’
Miguel Garcés por ‘Los domingos’
Joaquín Núñez por ‘Los Tigres’
Miguel Rellán por ‘El cautivo’
Kandido Uranga por ‘Maspalomas’
Mejor guion
Alauda Ruiz de Azúa por ‘Los domingos’
Jose Mari Goenaga por ‘Maspalomas’
Carla Simón por ‘Romería’
Oliver Laxe & Santiago Fillo por ‘Sirat’
Eva Libertad por ‘Sorda’
Mejor música original
Alejandro Amenábar por ‘El cautivo’
Hidrogenesse (Carlos Ballesteros & Genís Segarra) por ‘Daniela Forever’
Aránzazu Calleja por ‘Maspalomas’
Ernest Pipó por ‘Romería’
Kangding Ray por ‘Sirat’
Mejor cartel
‘Los domingos
‘Muy lejos’
‘Romería’
‘Sirat’
‘Tardes de soledad’
Mejor tráiler
‘La cena’
‘Maspalomas’
Los domingos’
‘Romería’
‘Sirat’
Listado completo de ganadores de los Feroz 2026 (televisión)
Mejor serie drama
‘Anatomía de un instante’
‘La canción’
‘Pubertat’
‘La Ruta Vol. 2: Ibiza’
‘Yakarta’
Mejor serie comedia
‘Animal’
‘Furia’
‘Poquita fe’
‘La suerte’
‘Superestar’
‘La vida breve’
Mejor actriz protagonista
Anna Castillo por ‘Su majestad’
Ingrid García-Jonsson por ‘Superestar’
Esperanza Pedreño por ‘Poquita fe’
Candela Peña por ‘Furia’
Carla Quílez por ‘Yakarta’
Carolina Yuste por ‘La canción’
Mejor actor protagonista
Javier Cámara por ‘Yakarta’
Raúl Cimas por ‘Poquita fe’
Ricardo Gómez por ‘La suerte’
Álvaro Morte por ‘Anatomía de un instante’
Luis Zahera por ‘Animal’
Mejor actriz de reparto
Julia de Castro por ‘Poquita fe’
María Jesús Hoyos por ‘Poquita fe’
Rocío Ibáñez por ‘Superestar’
Natalia de Molina por ‘Superestar’
Betsy Túrnez por ‘Pubertat’
Leonor Watling por ‘La vida breve’
Mejor actor de reparto
Carlos Bernardino por ‘La suerte’
Eduard Fernández por ‘Anatomía de un instante’
David Lorente por ‘Yakarta’
Secun de la Rosa por ‘Superestar’
Manolo Solo por ‘Anatomía de un instante’
Mejor guion
Rafael Cobos, Fran Araújo & Alberto Rodríguez por ‘Anatomía de un instante’
Félix Sabroso & Juan Flahn por ‘Furia’
Juan Maidagán & Pepón Montero por ‘Poquita fe’
Nacho Vigalondo, María Bastarós, Paco Bezerra & Claudia Costafreda por ‘Superestar’
Diego San José, Daniel Castro & Fernando Delgado-Hierro por ‘Yakarta’
Los directores de Loki, Daredevil y Caballero Luna protagonizan una entrevista exclusiva en el arranque del programa
La segunda temporada de El Simbionte arranca por todo lo alto con una entrevista muy especial a Justin Benson y Aaron Moorhead, dos de los directores más influyentes del actual panorama televisivo ligado al cómic. Ambos han dejado su huella en el Universo Marvel gracias a su trabajo en series como ‘Loki’, ‘Caballero Luna’ y, más recientemente, ‘Daredevil: Born Again’, aportando una identidad visual y narrativa reconocible incluso dentro de grandes producciones.
En esta conversación, profundizamos en su experiencia como directores dentro de franquicias tan consolidadas, el equilibrio entre autoría y encargo, y los retos de trabajar con personajes que cuentan con décadas de historia en viñetas y adaptaciones audiovisuales.
Benson y Moorhead: autoría, personajes y universos compartidos
Durante la entrevista, Justin Benson y Aaron Moorhead reflexionan sobre cómo afrontan la dirección en universos compartidos como el de Marvel, qué margen creativo encuentran dentro de estas producciones y cómo adaptan su estilo a personajes tan distintos como Loki o Marc Spector. También hablamos de su trayectoria previa, marcada por un cine de género muy personal, y de cómo esa sensibilidad se filtra en sus trabajos para televisión.
Una charla imprescindible tanto para aficionados al cómic como para quienes siguen de cerca la evolución de las series de superhéroes.
El regreso de El Simbionte: cine y cómic, dos lenguajes que se retroalimentan
Esta entrevista supone además el pistoletazo de salida de la segunda temporada de El Simbionte, el programa sobre cine y cómics que realizamos junto a Juan Rodríguez, de Cómic Para Todos. En cada episodio analizamos cómo ambos medios se influyen mutuamente, explorando películas y series que nacen del cómic, así como cómics que dialogan directamente con el lenguaje cinematográfico y televisivo.
La nueva temporada llega con más ambición, invitados y un enfoque aún más profundo en la industria, sin perder el tono divulgativo y apasionado que define al programa desde sus inicios.
Ya disponible el vídeo completo
A continuación puedes ver el vídeo completo de la entrevista, disponible en YouTube, con el que inauguramos oficialmente la segunda temporada de El Simbionte.
Poniente cambia los dragones por la comedia y la justa
Es difícil regresar a Poniente sin esperar el sonido de alas dracónicas o el choque de ejércitos masivos. Sin embargo, lo primero que hay que advertir al espectador desprevenido es que ‘El caballero de los Siete Reinos’, aunque firmemente ambientada en el mundo de R.R. Martin, cambia radicalmente de tono. Para algunos fans puristas, curtidos en la solemnidad política de ‘Juego de Tronos’ o la tragedia shakesperiana de ‘La casa del dragón’, este giro podrá resultar desconcertante, quizás incluso malo. Pero para otros, será una bocanada de aire fresco absolutamente necesaria.
HBO parece haber entendido que la única forma de evitar el hastío del espectador ante tantas conspiraciones palaciegas era apostar por algo diametralmente opuesto: la sencillez y sorprendentemente, el humor. Si las anteriores entregas eran óperas wagnerianas, ‘El caballero de los Siete Reinos’ se acerca más a una balada folk tocada en una taberna ruidosa. Es una manera inteligente de conseguir esquivar las comparaciones directas que habrían hundido a cualquier otro spin-off que intentara imitar la escala de sus predecesoras.
Un tono radicalmente distinto: entre Lanthimos y el cine medieval
En los libros originales ya se ve que este es un texto mucho más ligero, casi una novela picaresca medieval, y la serie abraza esta naturaleza sin complejos. Es abiertamente más cómica, apoyándose en la química de una extraña pareja. Por momentos, la dirección y los diálogos afilados hacen que parezca más ‘La favorita’ de Yorgos Lanthimos que ‘Juego de Tronos’. Hay un absurdo delicioso en la burocracia de los torneos y en la pomposidad de los caballeros que la serie explota con maestría.
Incluso si la serie fuese un poco más allá con el espectáculo de la comedia y la anacronía musical, estaríamos hablando de la nueva versión de ‘Destino de caballero’, aquella película de culto protagonizada por Heath Ledger. La comparación no es gratuita, puesto que la trama se ambienta completamente en una justa, con todo el color, el polvo y el bullicio que ello conlleva. Sin embargo, descuidad que este tono lúdico se mantiene sobretodo durante los tres primeros capítulos. Es ahí cuando la cosa cambia. Tras los episodios dirigidos por Owen Harris (conocido por ‘Black Mirror’), tiene lugar un giro que cambia la dinámica de la serie, recordándonos que, a fin de cuenta, en Poniente nadie está completamente a salvo. Y es por todo esto que el episodio 5 regresa a la brutalidad de los campos de batalla de Westeros, con toda la violencia e impredecibilidad que ello conlleva.
El caballero de los Siete Reinos como serie pequeña en una historia inmensa
George R. R. Martin figura como co-creador y productor ejecutivo, con Ira Parker ejerciendo de showrunner, y se nota el cariño por el material original. Estamos ante una precuela con un formato inusual: seis episodios de poco más de 30 minutos. Esta duración, más propia de una sitcom que de un drama de prestigio, juega a su favor, evitando el relleno innecesario.
Cronológicamente, la acción ocurre aproximadamente 90–100 años antes de ‘Juego de Tronos’ y se sitúa también unos 70 años después de los eventos más tempranos narrados en ‘La casa del dragón’. Es una época fascinante por lo que no tiene: es un mundo donde los dragones son solo recuerdos y cráneos polvorientos. El linaje Targaryen ostenta el Trono de Hierro, sí, pero su poder ya genera cuestionamientos. Sin la amenaza nuclear de los dragones, la autoridad se mantiene mediante la política y la percepción, algo que vemos a través de los ojos del caballero errante Dunk (interpretado por un inmenso Peter Claffey) y su escudero Egg (el joven Dexter Sol Ansell).
La serie se desarrolla durante la era de la Primera Rebelión Fuegoscuro, aunque el foco está en las interacciones personales. La participación de personajes como Aerion Targaryen (Finn Bennett), Lyonel Baratheon (Daniel Ings) y Baelor Targaryen (Bertie Carvel) aporta ese toque de realeza divina y peligrosa, pero vista desde abajo. Muy bien cogido el reparto, especialmente la dinámica entre Claffey y Ansell, que sostienen el peso emocional de la trama con una naturalidad pasmosa y llana.
La sombra de los Targaryen y el giro que lo cambia todo
Para quienes vengan de la literatura, sabrán que en su historia editorial en España, ‘El caballero de los Siete Reinos’ es una compilación de tres relatos: ‘The Hedge Knight’ (El caballero errante), ‘The Sworn Sword’ (La espada leal) y ‘The Mystery Knight’ (El caballero misterioso). La serie narra las aventuras de este caballero, que no es otro que el antepasado de Brienne de Tarth, un dato que explica mucho sobre el tamaño del personaje y el código de honor que veremos en pantalla.
Lo brillante de esta propuesta es que aporta una perspectiva más «a ras de tierra». Ofrece una profundización cultural y social sobre cómo vivían distintas capas de la sociedad en esa época, lejos de la Fortaleza Roja. Es por ello una historia mucho más pequeña y mucho más sencilla que todo lo que hemos visto hasta ahora. Pero no os dejéis engañar por la escala: en buena parte sienta las bases de lo que transcurre durante ‘Juego de Tronos’.
La serie es diferente incluso en su tratamiento de la acción: evita mostrar muertes violentas gratuitas, buscando más el impacto narrativo que el visual. Pero eso no quita que no haya violencia; cuando el acero choca, se siente pesado y peligroso. Constantemente sentimos que esto es el mundo de R.R. Martin y puede morir un personaje repentinamente.
Si no quieres destriparte el primer giro interesante que llega en el tercer capítulo, no mires exactamente de qué va esta historia en internet. Solo diré que la inocencia del torneo da paso a una realidad política mucho más oscura. ‘El caballero de los Siete Reinos’ demuestra que no hacen falta dragones para contar una gran historia de Poniente. Solo hacen falta un buen caballero, un escudero sabiondo e insolente y un guion que sepa reírse de sí mismo antes de sacar la espada.
La serie se estrena el 18 de enero y tiene anunciada segunda temporada para 2027.
La 83ª edición de los Globos de Oro consolidó a varias producciones como favoritas rumbo a los Premios Oscar, mostrando un equilibrio entre cine de autor, grandes éxitos populares y producciones televisivas innovadoras. Las victorias de ‘Hamnet’ y ‘Una batalla tras otra’ reflejan tanto la calidad narrativa como el impacto crítico de estas obras en 2025. En estos Globos de Oro 2026 parece haberse impuesto el criterio artístico por encima de superproducciones. El mayor ejemplo es la victoria de ‘Las guerreras k-pop’ por encima de Disney.
Palmarés de los Globos de Oro 2026 por acumulación de premios
Tres años después, ‘Primal’ regresa desde y a través de los canales habituales: Adult Swim y HBO, con una tercera temporada que se estrena el 11 de enero (12 de enero en España) y que constará de 10 episodios semanales de unos 20 minutos. La espera no ha sido corta, y eso se nota tanto en la ambición formal como en la voluntad clara de ofrecer un regreso que sea, en sentido literal, un acontecimiento. Genndy Tartakovsky sigue al frente del proyecto, y su impronta es tan reconocible que basta un plano, un movimiento de cámara o una elipsis salvaje para saber que estamos, de nuevo, en su terreno.
La gran sorpresa y el mayor golpe de efecto de la temporada es la recuperación de Spear, el cavernícola, en una forma que, sinceramente, no recuerdo haber visto jamás asociada a la prehistoria en ningún otro relato audiovisual. Es una decisión radical, arriesgada y, sobre todo, profundamente coherente con la lógica interna de la serie: en ‘Primal’ nada está sujeto a la historia, a la ciencia ni a la ortodoxia narrativa. Aquí manda la emoción primaria y la iconografía extrema. Ese regreso redefine la dinámica del relato y sirve como motor para una temporada que se siente más autoconsciente que nunca.
Porque si algo deja claro esta tercera tanda de episodios es que ‘Primal’ sabe perfectamente qué esperan de ella sus seguidores. La violencia sigue siendo bruta, excesiva y omnipresente. No importa cuán tierno o aparentemente inocente sea un personaje, ni cuán animalista o contemplativa quiera ponerse la puesta en escena: la naturaleza primitiva siempre se impone. La sangre corre sin pudor, y las carnicerías, cada vez más imaginativas, convierten cada episodio en un catálogo de brutalidad creativa que roza lo operístico.
Psicodelia, monstruos y heavy metal animado
La tercera temporada también redobla su apuesta por la psicodelia, la magia y las criaturas fantásticas. Hay episodios que parecen construidos como un mal viaje ilustrado, y uno de los capítulos finales es, sin exagerar, un desfile de monstruosidades que compite consigo mismo por ver cuál deja una imagen más perturbadora en la retina. Tartakovsky vuelve a demostrar que la animación es el medio ideal para cruzar géneros sin pedir permiso: fantasía oscura, terror corporal, aventura pulp y épica trágica conviven sin fricción.
Los títulos de casi todos los episodios (‘El reino del dolor’, ‘Caverna de horrores’, ‘La venganza de la muerte’) suenan más a canciones de heavy metal que a capítulos de una serie de animación, y esa estética no es casual. Hay una escena concreta que evoca de forma muy clara el imaginario de ‘Heavy Metal’, tanto en composición como en actitud: exceso, sensualidad violenta y un desprecio absoluto por la contención. En otros momentos, la serie parece guiñar el ojo a ‘Planet Hulk’, con sociedades primitivas organizadas alrededor de la fuerza bruta, o a los Morlocks subterráneos de ‘La máquina del tiempo’, cuando desciende a entornos opresivos dominados por criaturas que viven al margen de la luz.
Sin embargo, en medio de todo este ruido visual y conceptual, sigue estando el corazón de ‘Primal’: el vínculo de cariño, dependencia y supervivencia entre Spear y la dinosaurio. Esa relación, casi muda, sigue siendo el ancla emocional de la serie y lo que evita que el conjunto se convierta en un simple ejercicio de estilo. Cuando ‘Primal’ recuerda que la violencia no es solo espectáculo sino consecuencia, es cuando alcanza sus mejores momentos.
¿Cierre satisfactorio o exceso de fan service?
Si el final de la temporada dos podía interpretarse como un cierre, triste, sí, pero coherente, la conclusión de esta tercera temporada apunta claramente a dejar satisfechos a los fans más entregados. Especialmente a aquellos que disfrutan de la capacidad anacrónica de la serie para mezclar épocas, géneros y referencias sin ningún tipo de complejo. En ese sentido, el final funciona: es grandilocuente, emocional y visualmente memorable.
Ahora bien, desde una perspectiva crítica, es difícil ignorar que ‘Primal’ cae aquí en un fan service excesivo. La temporada parece diseñada para ofrecer, episodio tras episodio, exactamente lo que se espera de ella, sin apenas espacio para la sorpresa conceptual o la evolución temática profunda. Todo es más grande, más violento, más explícito… pero no necesariamente más significativo. Tartakovsky juega sobre seguro, y aunque el resultado es indudablemente poderoso, deja la sensación de que la serie se mira demasiado al espejo.
Aun así, ‘Primal’ temporada 3 sigue siendo una anomalía maravillosa dentro del panorama televisivo actual. Una serie que entiende la animación como un lenguaje adulto, libre y salvaje, y que se atreve a ser extrema sin pedir disculpas. Puede que no sea su entrega más arriesgada, pero sí una de las más contundentes y coherentes con su propio mito.
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